VA • Take the A Train - New York Jazz

 

 

Quincy Jones, Cannonball Adderley, Anita O'Day, Ella Fitzgerald, Chet Baker, Hank Mobley, Sonny Rollins, Oliver Nelson, Dexter Gordon, Jimmy McGriff, Thelonious Monk, Benny Green, Dizzy Gillespie...

 

 

Benny Green • Funky!

 

Benny Green (Nueva York, 4 de abril de 1963) es un pianista de jazz norteamericano.

Hijo de un saxofonista con igual nombre, creció y estudió piano clásico en Berkeley (California). Aún adolescente, tocó con Eddie Henderson, y después se trasladó a Nueva York, donde se incorporó a la banda de Betty Carter (1983), liderando después su propio trío, grabando para Blue Note Records y Telarc. Entre 1985 y 1989 estuvo en los Jazz Messengers de Art Blakey, y después tocó con Ray Brown, Arnett Cobb y Freddie Hubbard, entre otros.

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Benny Green (born 1963 in New York City) is a hard bop jazz pianist who was a member of Art Blakey's Jazz Messengers. Although not yet an innovator himself, Benny Green has managed to combine the styles of Bobby Timmons, Wynton Kelly, Gene Harris, and especially Oscar Peterson in his playing.

bennygreen.net ...

Benny Green • Blue Notes

Benny Green (Nueva York, 4 de abril de 1963) es un pianista de jazz norteamericano.

Hijo de un saxofonista con igual nombre, creció y estudió piano clásico en Berkeley (California). Aún adolescente, tocó con Eddie Henderson, y después se trasladó a Nueva York, donde se incorporó a la banda de Betty Carter (1983), liderando después su propio trío, grabando para Blue Note Records y Telarc. Entre 1985 y 1989 estuvo en los Jazz Messengers de Art Blakey, y después tocó con Ray Brown, Arnett Cobb y Freddie Hubbard, entre otros.

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Benny Green (born 1963 in New York City) is a hard bop jazz pianist who was a member of Art Blakey's Jazz Messengers. Although not yet an innovator himself, Benny Green has managed to combine the styles of Bobby Timmons, Wynton Kelly, Gene Harris, and especially Oscar Peterson in his playing.

VA • A Raymond Chandler Tribute Philip Marlowe Jazz and Blues Unveiled Favorites

 

Colaboradora / Contributor: 

The Ronnie Scott Orchestra And Tony Crombie • At The Royal Festival Hall

 

Biography by Jason Ankeny
Tenor saxophonist Ronnie Scott looms among the towering figures of Britain's postwar jazz scene, exerting equal influence as a performer and as the owner of the world-famous club bearing his name. He was born Ronald Schatt in the east end of London on January 28, 1927 -- his father, dance band saxophonist Jock Scott, separated from his mother shortly after his birth. After first purchasing a cornet from a local junk shop, Scott then moved to the soprano saxophone, finally settling on the tenor sax during his teens; at a local youth club he began performing with aspiring drummer Tony Crombie, and soon began playing the occasional professional gig. After backing bandleader Carlo Krahmer, Scott toured with trumpeter Johnny Claes in 1945, joining the hugely popular Ted Heath Big Band the following year; however, changing economics made the big bands increasingly unfeasible, and as the nascent bebop sound developing across the Atlantic began making its way to the U.K., he and Crombie traveled to New York City to explore the source firsthand. Scott would regularly return to New York after signing on to play alongside alto saxophonist Johnny Dankworth on the transatlantic ocean liner the Queen Mary.

Despite his travels Scott remained a linchpin of the growing London bop scene, and in late 1948 he co-founded Club Eleven, the first U.K. club devoted to modern jazz. During this time he developed the lyrical but harmonically complex style that would remain the hallmark of his career, first backing drummer Jack Parnell before finally forming his own band in 1953. The nine-piece group made its public debut in conjunction with a London appearance by Norman Granz's Jazz at the Philharmonic touring revue -- working from arrangements by trumpeter Jimmy Deuchar, the Scott band's debut proved a landmark moment in the history of British jazz, in many respects heralding the true starting point of the postwar era. Not all of Scott's instincts were sound -- in 1955, he briefly assembled a full-size big band, to disastrous creative and commercial results -- but when he officially dissolved the group in 1956, he was a household name throughout Britain. In 1957 he co-founded the Jazz Couriers with fellow tenor saxophonist Tubby Hayes, scaling to even greater heights of fame. The Jazz Couriers amicably split in 1959.

Around this time Scott began to again entertain the notion of a London-based jazz club in the tradition of the landmarks dotting New York's 52nd Street -- along with Pete King, a longtime collaborator who'd recently retired from active performing, he borrowed the money necessary to lease the building at 39 Gerrard Street and on October 31, 1959 opened Ronnie Scott's Club for business. Scott himself co-headlined the opening night along with Hayes and Parnell -- sales were promising, but the venue only began reaching true critical mass in 1961 when it hosted its first American act, Scott favorite Zoot Sims. In the months to follow, Ronnie Scott's was the setting of performances by a who's who of American tenor icons including Dexter Gordon, Roland Kirk, Stan Getz, Sonny Stitt, Ben Webster, and Sonny Rollins. In late 1965 the club moved to its present location on Frith Street, where before the end of the decade it would host everyone from Ella Fitzgerald to Albert Ayler, becoming the epicenter of London's jazz community. Although the club consumed much of his time, Scott continued touring with a quartet featuring pianist Stan Tracey -- during the late 1960s, he also spearheaded an eight-piece group with whom he created the most idiosyncratic and experimental music of his career. At the time of Scott's death on December 23, 1996, his namesake club was perhaps the most famous jazz venue in all of Europe.
https://www.allmusic.com/artist/ronnie-scott-mn0000332807/biography

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Biografía de Jason Ankeny
El saxofonista tenor Ronnie Scott se encuentra entre las figuras más destacadas de la escena del jazz británico de la posguerra, ejerciendo la misma influencia como intérprete y como propietario del club de fama mundial que lleva su nombre. Nació Ronald Schatt en el extremo este de Londres el 28 de enero de 1927 - su padre, el saxofonista de banda de baile Jock Scott, se separó de su madre poco después de su nacimiento. Después de comprar primero una corneta en una tienda local de chatarra, Scott se pasó al saxofón soprano, y finalmente se instaló en el saxofón tenor durante su adolescencia; en un club juvenil local empezó a tocar con el aspirante a batería Tony Crombie, y pronto empezó a tocar ocasionalmente en un concierto profesional. Después de respaldar al director de la banda Carlo Krahmer, Scott realizó una gira con el trompetista Johnny Claes en 1945, uniéndose a la enormemente popular Ted Heath Big Band al año siguiente; sin embargo, los cambios económicos hicieron que las grandes bandas fueran cada vez más inviables, y a medida que el naciente sonido del bebop que se desarrollaba al otro lado del Atlántico empezó a abrirse camino en el Reino Unido, él y Crombie viajaron a la ciudad de Nueva York para explorar la fuente de primera mano. Scott regresaba regularmente a Nueva York después de firmar para tocar junto al saxofonista alto Johnny Dankworth en el transatlántico Queen Mary.

A pesar de sus viajes, Scott siguió siendo un elemento clave de la creciente escena del bop de Londres y, a finales de 1948, cofundó el Club Eleven, el primer club del Reino Unido dedicado al jazz moderno. Durante este tiempo desarrolló el estilo lírico pero armónicamente complejo que seguiría siendo el sello distintivo de su carrera, primero apoyando al baterista Jack Parnell antes de formar finalmente su propia banda en 1953. El grupo de nueve miembros hizo su debut público junto con una aparición en Londres de Norman Granz's Jazz en la Philharmonic touring revue - trabajando con arreglos del trompetista Jimmy Deuchar, el debut de la banda Scott demostró ser un momento histórico en la historia del jazz británico, anunciando en muchos aspectos el verdadero punto de partida de la era de la posguerra. No todos los instintos de Scott eran sólidos - en 1955, reunió brevemente una big band de tamaño completo, con resultados creativos y comerciales desastrosos - pero cuando disolvió oficialmente el grupo en 1956, era un nombre muy conocido en toda Gran Bretaña. En 1957 cofundó los Jazz Couriers con su compañero saxofonista tenor Tubby Hayes, escalando a mayores alturas de la fama. Los Jazz Couriers se separaron amistosamente en 1959.

Por esta época, Scott comenzó a considerar de nuevo la idea de un club de jazz con sede en Londres, en la tradición de los monumentos que salpican la calle 52 de Nueva York. Junto con Pete King, un colaborador de larga data que se había retirado recientemente de la actuación activa, pidió prestado el dinero necesario para alquilar el edificio de la calle Gerrard 39 y el 31 de octubre de 1959 abrió el Ronnie Scott's Club para el negocio. El propio Scott encabezó la noche de apertura junto con Hayes y Parnell: las ventas eran prometedoras, pero el local sólo empezó a alcanzar una verdadera masa crítica en 1961 cuando acogió su primer acto americano, el favorito de Scott, Zoot Sims. En los meses siguientes, Ronnie Scott's fue el escenario de actuaciones de un quién es quién de iconos del tenor americano como Dexter Gordon, Roland Kirk, Stan Getz, Sonny Stitt, Ben Webster y Sonny Rollins. A finales de 1965 el club se trasladó a su actual ubicación en la calle Frith, donde antes del final de la década acogería a todo el mundo, desde Ella Fitzgerald hasta Albert Ayler, convirtiéndose en el epicentro de la comunidad de jazz de Londres. Aunque el club consumía gran parte de su tiempo, Scott siguió de gira con un cuarteto con el pianista Stan Tracey - a finales de los años 60, también encabezó un grupo de ocho músicos con los que creó la música más idiosincrásica y experimental de su carrera. En el momento de la muerte de Scott, el 23 de diciembre de 1996, su club homónimo era quizás el lugar de jazz más famoso de toda Europa.
https://www.allmusic.com/artist/ronnie-scott-mn0000332807/biography

 

Charlie Ventura • A Charlie Ventura Concert

 

Biography by Chris Kelsey
A fine swing-oriented tenor saxophonist, Ventura is best-remembered for his attempt at popularizing bebop during the tail end of the music's mid- to late-'40s heyday. Born Charles Venturo, he came from a large, musically inclined family. His first instrument was C-melody sax. He switched to alto before eventually settling on tenor. Ventura left his day job at the Philadelphia Navy Yard in 1942 to join Gene Krupa's band. He became a featured soloist with Krupa, playing with the drummer from 1942-1943 and 1944-1946 (working in the interim with guitarist/bandleader Teddy Powell). Ventura achieved considerable popularity while with Krupa, winning a Down Beat magazine award as best tenor saxophonist in 1945. He started his own big band in 1946 with middling results. He had more success fronting a small band, one version of which included trumpeter Conte Candoli, trombonist Bennie Green, alto saxophonist Boots Mussulli, drummer Ed Shaughnessy, and vocalists Jackie Cain and Roy Kral. Ventura recorded for small labels before getting signed to RCA Victor, which at the time wanted to capitalize on the emergence of bebop. An RCA executive purportedly told him that they wanted the word "bop" in the band's name. Ventura came up with the phrase "Bop for the People," which implied an accessible form of the music. Ventura formed a big band in 1948, but soon cut it down to eight members, retaining Cain and Kral, who were crucial components of the band's sound. The Bop for the People band worked through 1949 (during which time Ventura employed modern jazz's greatest saxophonist, Charlie Parker, on a record date), but in the end Ventura's stab at making a commercial success of bop failed. Indeed, as fine a player as he was, Ventura himself was never really a bopper. During the early '50s Ventura led another big band; formed a highly acclaimed group called the Big Four with bassist Chubby Jackson, drummer Buddy Rich, and pianist Marty Napoleon; briefly ran his own night club in Philadelphia; and also worked again with Cain and Kral. Ventura's health was not the best, yet he continued to work with Krupa into the '60s. After the '50s, Ventura recorded commercially only once (in 1977, with pianist John Bunch for the Famous Door label). Still, he remained active. He worked in Las Vegas (with comedian Jackie Gleason), and fronted various groups in the '70s and '80s, before dying of lung cancer in 1992. https://www.allmusic.com/artist/charlie-ventura-mn0000101628#biography

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Biografía de Chris Kelsey
Un excelente saxofonista tenor orientado al swing, Ventura es mejor recordado por su intento de popularizar el bebop durante el final del apogeo de la música de mediados a finales de los 40. Nacido como Charles Venturo, provenía de una familia numerosa y con inclinaciones musicales. Su primer instrumento fue el saxo C-melody. Cambió al alto antes de decidirse finalmente por el tenor. Ventura dejó su trabajo diario en el Astillero Naval de Filadelfia en 1942 para unirse a la banda de Gene Krupa. Se convirtió en solista destacado de Krupa, tocando con el baterista de 1942 a 1943 y de 1944 a 1946 (trabajando interinamente con el guitarrista y líder de la banda Teddy Powell). Ventura logró una considerable popularidad mientras estaba con Krupa, ganando un premio de la revista Down Beat como mejor saxofonista tenor en 1945. Fundó su propia big band en 1946 con resultados mediocres. Tuvo más éxito al frente de una pequeña banda, una de cuyas versiones incluía al trompetista Conte Candoli, el trombonista Bennie Green, el saxofonista alto Boots Mussulli, el baterista Ed Shaughnessy y los vocalistas Jackie Cain y Roy Kral. Ventura grabó para sellos pequeños antes de firmar con RCA Victor, que en ese momento quería capitalizar el surgimiento del bebop. Un ejecutivo de RCA supuestamente le dijo que querían la palabra " bop " en el nombre de la banda. Ventura ideó la frase "Bop para la gente", que implicaba una forma accesible de la música. Ventura formó una big band en 1948, pero pronto la redujo a ocho miembros, reteniendo a Cain y Kral, que eran componentes cruciales del sonido de la banda. La banda Bop for the People funcionó hasta 1949 (tiempo durante el cual Ventura empleó al mejor saxofonista del jazz moderno, Charlie Parker, en una fecha récord), pero al final fracasó la tentativa de Ventura de convertir el bop en un éxito comercial. De hecho, por muy buen jugador que fuera, el propio Ventura nunca fue realmente un bopper. A principios de los 50, Ventura dirigió otra big band; formó un grupo muy aclamado llamado Big Four con el bajista Chubby Jackson, el baterista Buddy Rich y el pianista Marty Napoleon; dirigió brevemente su propio club nocturno en Filadelfia; y también volvió a trabajar con Cain y Kral. La salud de Ventura no era la mejor, sin embargo, continuó trabajando con Krupa hasta los años 60. Después de los 50, Ventura grabó comercialmente solo una vez (en 1977, con el pianista John Bunch para el famoso sello Door). Aún así, se mantuvo activo. Trabajó en Las Vegas( con la comediante Jackie Gleason) y lideró varios grupos en los años 70 y 80, antes de morir de cáncer de pulmón en 1992. https://www.allmusic.com/artist/charlie-ventura-mn0000101628#biography

Flip Phillips • Four Classic Albums

 

Flip Phillips albums plus including original LP liner notes on a finely re-mastered and low priced double CD.
Here we feature four albums plus from clarinettist turned tenor saxophonist Flip Phillips, a stalwart of first the Woody Herman Herd and later as one of the mainstays of the Jazz At The Philharmonic line up with Norman Granz.
“The Flip Phillips - Buddy Rich Trio”; “Flip”; “Flip Wails” and “Swinging With Flip”
We catch Flip in many different line ups across our four selections………… As a Trio with Buddy Rich and Hank Jones on piano from 1952 (also in attendance Ray Brown on bass on half the selections). With orchestra on “Swinging With Flip” where he is joined by Charlie Shavers, Oscar Peterson, Ray Brown, Barney Kessel and Buddy Rich………………not a bad line up!! Another classic line up with orchestra joins Flip for “Flip Wails”………..and wail he certainly does alongside Bill Harris, Billy Bauer, Harry Edison, Hank Jones, Ray Brown and Buddy Rich! Finally “Flip” where our hero is joined again by the orchestra with Howard McGhee and Benny Green.

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Álbumes de Flip Phillips más las notas originales del LP en un doble CD finamente remasterizado y a bajo precio.
Aquí presentamos cuatro álbumes más del clarinetista convertido en saxofonista tenor Flip Phillips, un incondicional de la manada de Woody Herman primero y más tarde como uno de los pilares de la línea de Jazz At The Philharmonic con Norman Granz.
"The Flip Phillips - Buddy Rich Trio"; "Flip"; "Flip Wails" y "Swinging With Flip"
Vemos a Flip en muchas formaciones diferentes a lo largo de nuestras cuatro selecciones............ Como trío con Buddy Rich y Hank Jones al piano desde 1952 (también asiste Ray Brown al bajo en la mitad de las selecciones). Con orquesta en "Swinging With Flip", donde le acompañan Charlie Shavers, Oscar Peterson, Ray Brown, Barney Kessel y Buddy Rich................... Otra formación clásica con orquesta se une a Flip para "Flip Wails" ........... y ciertamente grita junto a Bill Harris, Billy Bauer, Harry Edison, Hank Jones, Ray Brown y Buddy Rich. Por último, "Flip", en la que nuestro héroe vuelve a estar acompañado por la orquesta con Howard McGhee y Benny Green.

Benny Green • The Place To Be

Review by Scott Yanow

Benny Green continued to show gradual growth throughout the 1990s. For this outing with his 1994 trio (which also includes bassist Christian McBride and drummer Kenny Washington), Green shows off the influence of Oscar Peterson and other predecessors, but also displays his own musical voice during a mixture of originals, jazz standards (including "I Want to Talk About You," "Pensativa" and "The Folks Who Live on the Hill") and lesser-known tunes. Three songs add six horns orchestrated by Green and Bob Belden, and a special highlight is Green's solo rendition of Oscar Peterson's "Noreen's Nocturne." Overall, this CD is an excellent example of Benny Green's playing and writing talents.

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Reseña de Scott Yanow

Benny Green continuó mostrando un crecimiento gradual a lo largo de la década de 1990. Para esta salida con su trío de 1994 (que también incluye al bajista Christian McBride y al baterista Kenny Washington), Green muestra la influencia de Oscar Peterson y otros predecesores, pero también muestra su propia voz musical durante una mezcla de originales, estándares de jazz (incluyendo "I Want to Talk About You", "Pensativa" y "The Folks Who Live on the Hill") y temas menos conocidos. Tres canciones añaden seis trompetas orquestadas por Green y Bob Belden, y un punto culminante es la interpretación en solitario de "Noreen's Nocturne" de Oscar Peterson. En general, este CD es un excelente ejemplo de los talentos de Benny Green para tocar y escribir.

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Johnny Lytle • Moonchild

 

VA • High Fidelity Jazz-Blues Jazz

 

Baby Face Willette, Benny Green, Dexter Gordon, Freddie Hubbard, Grant Green, Hank Mobley, Horace Silver, Jimmy Smith, Lou Donaldson ...

 

 

 

Freddie Hubbard • Topsy - Standard Book

     

Standard Book Review by Scott Yanow
It was the producer's idea that Freddie Hubbard play all of the nine standards on this CD with a mute in his trumpet. Hubbard was not happy with the restriction, but does his best on the quartet/quintet session with pianist Benny Green, bassist Rufus Reid, drummer Carl Allen and, on three numbers, altoist Kenny Garrett. While it is interesting to hear Freddie Hubbard tackle such material as "Topsy," "As Time Goes By," "Cherokee" and "Love Me or Leave Me," the music is often more mellow than one might hope, even when uptempo. It's a pleasing but not essential release from the Japanese label Alfa/Compose.
https://www.allmusic.com/album/release/topsy-standard-book-mr0000945404

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Reseña del libro Standard por Scott Yanow
Fue idea del productor que Freddie Hubbard tocara los nueve standards de este CD con una sordina en su trompeta. Hubbard no estaba contento con la restricción, pero hace lo que puede en la sesión de cuarteto/quinteto con el pianista Benny Green, el bajista Rufus Reid, el batería Carl Allen y, en tres números, el contralto Kenny Garrett. Aunque es interesante escuchar a Freddie Hubbard abordar material como «Topsy», «As Time Goes By», «Cherokee» y «Love Me or Leave Me», la música es a menudo más melosa de lo que cabría esperar, incluso cuando está acelerada. Es un disco agradable, pero no esencial, del sello japonés Alfa/Compose.
https://www.allmusic.com/album/release/topsy-standard-book-mr0000945404


 

Bernard Purdie • Soul To Jazz

 

Artist Biography by Ron Wynn
An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown, King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late '60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks. Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn
Un gran alma de todos los tiempos, R&B, funk y batería pop, se celebra el tiempo impecable de Bernard Purdie y su dominio de los backbeats y los grooves. Se mudó a Nueva York desde Maryland en 1960, y grabó con James Brown, King Curtis y muchos otros. Fue el baterista de la CTI a finales de los 60 y principios de los 70, y trabajó con Grover Washington Jr. y George Benson entre otros. Purdie hizo una gira con Curtis y Aretha Franklin en 1970, y fue el director musical de Franklin hasta 1975. Durante sus días de estudio a principios de los 70, Purdie grabó con Louis Armstrong y Gato Barbieri junto con numerosas sesiones de rock, pop y soul. Grabó con Dizzy Gillespie en 1980 en el Festival de Jazz de Montreux y realizó una gira con él en 1983. Purdie grabó con Hank Crawford a principios de los 80, y ha seguido trabajando constantemente hasta los 90. Generó una tormenta de reacciones en 1993 cuando acusó a su batería no acreditada en lugar de la de Ringo Starr en algunos temas de los Beatles. Purdie afirmó que había pruebas, pero no se presentó ninguna. Hizo una cita poco común como líder del Flying Dutchman en 1972, Pretty Purdie, que hace tiempo que desapareció. Pero Purdie puede ser escuchado en innumerables discos de Brown, Franklin, Curtis, Gillespie y Crawford entre muchos otros.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

www.bernardprettypurdie.com ...

Sonny Stitt • Pow!

 

Review
by Scott Yanow
Altoist Sonny Stitt and trombonist Benny Green make for a potent team on this spirited quintet set. With the exception of the lone standard "I Want to Be Happy," all of the material is obscure. However, the two distinctive horns (along with pianist Kirk Lightsey, bassist Herman Wright and drummer Roy Brooks) have little difficulty essaying these bop pieces, blues and ballads, and their personable styles match well together.
https://www.allmusic.com/album/sonny-stittpow%21-mw0000874810

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Reseña
por Scott Yanow
El contralto Sonny Stitt y el trombonista Benny Green forman un potente equipo en este enérgico quinteto. Con la excepción del único estándar "I Want to Be Happy", todo el material es oscuro. Sin embargo, los dos vientos distintivos (junto con el pianista Kirk Lightsey, el bajista Herman Wright y el baterista Roy Brooks) tienen poca dificultad para ensayar estas piezas de bop, blues y baladas, y sus estilos personales encajan bien juntos.
https://www.allmusic.com/album/sonny-stittpow%21-mw0000874810

Benny Green • Solo

 

 

Review
by Matt Collar  
Drawing inspiration from his piano heroes, Benny Green displays his immense taste and soulful restraint on his second solo piano album, 2023's aptly titled Solo. One of the most virtuosic and technically adept players of his generation, Green emerged to acclaim in the '80s playing a blend of athletic bebop and swinging stride piano that underscored his deep grasp of the work of players like Art Tatum, Oscar Peterson, and Bud Powell. He put these influences on display on 2001's Green's Blues, his first album of solo piano. Though his technical skill has never waned, Green has matured in other, more nuanced ways as a player. His style has inched ever more toward a measured, deeply soulful place. His is an understated aesthetic that prizes melody and serving the song over a showy, note-heavy approach. It's that low-key, yet still impressive style he brings to Solo, an album that finds him paying tribute to the pianists who have inspired him. Early in his career, Green garnered attention as one of the last pianists in Art Blakey's Jazz Messengers. Here, he invokes this legacy with his bluesy, gospel-infused take on "The Soulful Mr. Timmons," pianist and '80s Messenger James Williams' homage to one of the original Messenger pianists Bobby Timmons. It's a wry yet heartfelt start to the album and one which sets the tone for Green's warm celebration of the piano lineage, of which he is a part. Throughout, he often evokes the style of the specific pianist he's interpreting, from the hard bop block chords of Timmons on "This Here" to the walking left-hand bassline on Tommy Flanagan's "Minor Mishap." Elsewhere, Green offers warm, harmonically resonant takes on songs written by the pianists themselves, including Cedar Walton's "The Maestro," Horace Silver's "Lonely Woman," and Barry Harris' "Rouge." These are tasty, superbly attenuated performances by Green, whose respect for each player is evident in each note.
https://www.allmusic.com/album/solo-mw0003954571

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Reseña
por Matt Collar  
Inspirándose en sus héroes del piano, Benny Green muestra su inmenso gusto y su conmovedora moderación en su segundo álbum de piano en solitario, Solo, de 2023. Green, uno de los pianistas más virtuosos y técnicamente hábiles de su generación, fue aclamado en los años 80 por una mezcla de bebop atlético y swing de piano que subrayaba su profundo conocimiento de la obra de pianistas como Art Tatum, Oscar Peterson y Bud Powell. Puso de manifiesto estas influencias en Green's Blues (2001), su primer álbum de piano solo. Aunque su habilidad técnica nunca ha decaído, Green ha madurado como intérprete en otros aspectos más matizados. Su estilo se ha inclinado cada vez más hacia un lugar comedido y profundamente conmovedor. La suya es una estética discreta que valora la melodía y el servicio a la canción por encima de un enfoque llamativo y repleto de notas. Es ese estilo discreto, pero impresionante, el que aporta a Solo, un álbum en el que rinde homenaje a los pianistas que le han inspirado. Al principio de su carrera, Green llamó la atención como uno de los últimos pianistas de los Jazz Messengers de Art Blakey. Aquí invoca este legado con su versión bluesy y gospel de "The Soulful Mr. Timmons", el homenaje del pianista y Messenger de los 80 James Williams a uno de los pianistas originales de los Messenger, Bobby Timmons. Es un comienzo irónico pero sincero del álbum, que marca el tono de la cálida celebración que Green hace del linaje pianístico del que forma parte. A menudo evoca el estilo del pianista concreto que interpreta, desde los acordes hard bop de Timmons en "This Here" hasta la línea de bajo de la mano izquierda en "Minor Mishap" de Tommy Flanagan. En otras partes, Green ofrece cálidas y armónicamente resonantes tomas de canciones escritas por los propios pianistas, incluyendo "The Maestro" de Cedar Walton, "Lonely Woman" de Horace Silver y "Rouge" de Barry Harris. Son interpretaciones sabrosas y magníficamente atenuadas de Green, cuyo respeto por cada intérprete se hace evidente en cada nota.
https://www.allmusic.com/album/solo-mw0003954571

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Ray Brown • Super Bass

 

Flip Phillips • Swing Is The Thing

 

Biography by Scott Yanow
Flip Phillips, who angered some critics early on because he gained riotous applause for his exciting solos during Jazz at the Philharmonic concerts, for over 50 years was an excellent tenor saxophonist equally gifted on stomps, ballads, and standards. He played clarinet regularly in a Brooklyn restaurant during 1934-1939, was in Frankie Newton's group (1940-1941), and spent time in the bands of Benny Goodman, Wingy Manone, and Red Norvo. However, it was in 1944 that he had his breakthrough. As a well-featured soloist with Woody Herman's Herd (1944-1946), Phillips became a big star. His warm tenor was most influenced by Ben Webster but sounded distinctive even at that early stage. He toured regularly with Jazz at the Philharmonic during 1946-1957, scoring a bit of a sensation with his honking solo on "Perdido" and holding his own with heavy competition (including Charlie Parker and Lester Young). He occasionally co-led a group with Bill Harris, and that band was the nucleus of the ensemble that Benny Goodman used in 1959. Phillips then retired to Florida for 15 years, playing on just an occasional basis, taking up the bass clarinet as a double and making only a sporadic record date. But by 1975 he was back in music full-time, making quite a few records and playing at festivals and jazz parties. Even as he passed his 80th birthday, Flip Phillips had lost none of the enthusiasm or ability that he had a half-century earlier.
https://www.allmusic.com/artist/flip-phillips-mn0000800026/biography

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Biografía de Scott Yanow
Flip Phillips, que enfureció a algunos críticos en sus inicios porque se ganaba los aplausos de los espectadores por sus emocionantes solos durante los conciertos de Jazz at the Philharmonic, fue durante más de 50 años un excelente saxofonista tenor igualmente dotado para los stomps, las baladas y los estándares. Tocó el clarinete con regularidad en un restaurante de Brooklyn durante 1934-1939, estuvo en el grupo de Frankie Newton (1940-1941) y pasó por las bandas de Benny Goodman, Wingy Manone y Red Norvo. Sin embargo, fue en 1944 cuando tuvo su gran éxito. Como solista destacado en el grupo de Woody Herman (1944-1946), Phillips se convirtió en una gran estrella. Su cálido tenor estaba más influenciado por Ben Webster, pero sonaba de forma distintiva incluso en esa etapa temprana. Realizó giras regulares con Jazz at the Philharmonic durante 1946-1957, causando un poco de sensación con su solo de bocina en "Perdido" y aguantando la fuerte competencia (incluyendo a Charlie Parker y Lester Young). Ocasionalmente codirigió un grupo con Bill Harris, y esa banda fue el núcleo del conjunto que utilizó Benny Goodman en 1959. A continuación, Phillips se retiró a Florida durante 15 años, tocando sólo de forma ocasional, retomando el clarinete bajo como doble y haciendo sólo una cita discográfica esporádica. Pero en 1975 volvió a dedicarse a la música a tiempo completo, grabando bastantes discos y tocando en festivales y fiestas de jazz. Incluso al pasar su 80º cumpleaños, Flip Phillips no había perdido nada del entusiasmo o la habilidad que tenía medio siglo antes.
https://www.allmusic.com/artist/flip-phillips-mn0000800026/biography

Benny Golson & Curtis Fuller • Legend of Jazz Club

 

Benny Green • Prelude

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Benny Green & Russell Malone • Bluebird

 

Review by Ken Dryden
Benny Green and Russell Malone pick up where they left off on their first duo recording for Telarc, only this time the locale is in the studio. The pianist and the guitarist are equally at home with classic jazz compositions, standards, pop songs, and originals. They devour Milt Jackson's "Reunion Blues," a driving hard bop performance with spine-tingling solos. Equally thrilling are their jaunty takes of Charlie Parker's rarely heard blues "Bluebird," and the saxophonist's intricate "Passport," the latter with Malone providing a percussion by tapping on his guitar for a chorus. Their playfulness is evident in the fast-paced interpretation of "It's Alright With Me," though they finally cool down with a light but funky take of "You Are the Sunshine of My Life." Even though the R&B hit "Feel Like Makin' Love" seems like an unlikely jazz vehicle, the duo's soulful but understated rendition makes it viable. Malone's "Flowers for Emmett Till" is an elegant ballad played on his unaccompanied guitar. The CD closes subtly with Oscar Peterson's gorgeous "Wheatland," a nice salute to a master who has not only influenced Benny Green, but who has lauded his abilities as a pianist. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/bluebird-mw0000745756

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Reseña de Ken Dryden
Benny Green y Russell Malone continúan donde lo dejaron en su primera grabación a dúo para Telarc, sólo que esta vez el escenario es el estudio. El pianista y el guitarrista se sienten igual de cómodos con composiciones clásicas de jazz, standards, canciones pop y originales. Devoran «Reunion Blues» de Milt Jackson, una interpretación de hard bop con solos estremecedores. Igualmente emocionantes son sus alegres tomas del blues de Charlie Parker «Bluebird», raramente escuchado, y el intrincado «Passport» del saxofonista, este último con Malone proporcionando una percusión golpeando su guitarra para un estribillo. Su jocosidad es evidente en la acelerada interpretación de «It's Alright With Me», aunque finalmente se calman con una ligera pero funky toma de «You Are the Sunshine of My Life». Aunque el éxito de R&B «Feel Like Makin' Love» parece un improbable vehículo para el jazz, la conmovedora pero discreta interpretación del dúo lo hace viable. Flowers for Emmett Till» de Malone es una elegante balada interpretada con su guitarra sin acompañamiento. El CD se cierra sutilmente con la preciosa «Wheatland» de Oscar Peterson, un bonito homenaje a un maestro que no sólo ha influido en Benny Green, sino que ha alabado sus habilidades como pianista. Muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/bluebird-mw0000745756

Colaborador / Contributor:  KETMOKIN

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