Mel Brown • Chicken Fat

 

Review by Sean Westergaard

Guitarist Mel Brown is hailed as "An Impulse! Discovery" on Chicken Fat, his debut for the label, and this album does feature a fantastic unique sound. Brown played in the bands of T-Bone Walker and John Lee Hooker, and has an aggressive (though not harsh) single-string picking style. For this date he is paired with either Herb Ellis or Arthur Wright on guitar, Gerald Wiggins on organ, and Brown's regular rhythm section of Paul Humphrey on drums and Ronald Brown on electric bass. There are a couple tracks that are played as pretty straight blues, but this is a hoppin' soul-jazz date. The tunes are bouncy and funky, and Brown's playing is a real treat. His bluesy, almost reckless soloing gives a vastly different flavor that the playing of guys like Grant Green or Melvin Sparks. Gerald Wiggins' organ playing is cool and swinging, and the electric bass of Ronald Brown makes this album about as funky as Impulse ever got. Both Herb Ellis and Arthur Wright get some solo space as well, with Ellis sounding quite interesting playing an unamplified 12-string on a couple cuts. Brown gets some nice tones as well, and on "Hobo Flats" plays "an electronic guitar with Wah-Wah distortion" (remember, this is 1967 jazz) "that gives a weird shimmering sound," according to the liner notes. Leave it to Impulse! to put a new spin on the guitar/organ sound. This is hot stuff.

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Reseña por Sean Westergaard

El guitarrista Mel Brown es aclamado como "An Impulse! Discovery" en Chicken Fat, su debut para el sello, y este álbum presenta un sonido único fantástico. Brown tocó en las bandas de T-Bone Walker y John Lee Hooker, y tiene un estilo agresivo (aunque no severo) para escoger una sola cuerda. Para esta fecha está emparejado con Herb Ellis o Arthur Wright en la guitarra, Gerald Wiggins en el órgano y la sección de ritmo regular de Brown de Paul Humphrey en la batería y Ronald Brown en el bajo eléctrico. Hay un par de pistas que se tocan como blues bastante heterosexuales, pero esta es una cita de soul-jazz esperanzadora. Las melodías son animosas y divertidas, y la interpretación de Brown es un verdadero placer. Su solista de blues, casi imprudente le da un sabor muy diferente al de los tipos de Grant Green o Melvin Sparks. Tocar el órgano de Gerald Wiggins es genial y vibrante, y el bajo eléctrico de Ronald Brown hace que este álbum sea tan funky como Impulse nunca tuvo. Tanto Herb Ellis como Arthur Wright también tienen algo de espacio en solitario, y Ellis suena bastante interesante tocando una serie de 12 cuerdas sin amplificar en un par de cortes. Brown también tiene algunos tonos agradables, y en "Hobo Flats" toca "una guitarra electrónica con distorsión Wah-Wah" (recuerda, esto es el jazz de 1967) "que da un sonido extraño y brillante", según las notas del forro. ¡Dejalo a Impulso! Para darle un nuevo giro al sonido de guitarra / órgano. Esto es algo caliente.

Larry Young Trio • Testifying

Biography:

 Larry Young, also known as Khalid Yasin, offered as radical an approach to organ in the '60s as Jimmy Smith had posed in the '50s. His free, swirling chords, surging lines, and rock-influenced improvisations were an alternative to the groove-centered, blues and soul jazz sound that had become the organ's dominant direction. He brought John Coltrane's late-'60s approach to the organ, generating waves of sound and greatly influencing any session he participated in during the '60s and '70s.

Born in Newark, New Jersey in 1940, Young studied piano rather than organ, though he later began playing organ in R&B bands in the '50s. He recorded in 1960 with Jimmy Forrest, and then did his first session for Blue Note as a leader. He played with and recorded with Grant Green in a hard bop vein in the mid-'60s, though he was beginning his experiments at that point. Young worked with Joe Henderson, Lee Morgan, Donald Byrd, and Tommy Turrentine and toured Europe in 1964. When Young went to Blue Note later that year, he was well on his way to becoming a major innovator. Coltrane's post-bop influence asserted itself more and more in Young's playing and composing, and his work grew much more cerebral and exploratory. His 1965 album Into Somethin' alerted everyone that he was heading a different way, and Unity, recorded the same year, remains his best-known album. He played with Coltrane, recorded with Woody Shaw and Elvin Jones, then joined Miles Davis' band in 1969. Young worked with John McLaughlin in 1970 and was in Tony Williams' Lifetime with McLaughlin and Jack Bruce among others in the early '70s. He only made a couple of other records, for Perception and Arista, both of them uneven but with some intriguing moments. (Neither label had the vaguest idea what Young was trying to do, nor how they could sell it.) Sadly, he died in 1978 at 38. He'd only made a handful of recordings, and his labels never knew what to make of his music. Mosaic issued a superb boxed set of Young's Blue Note recordings, The Complete Blue Note Recordings of Larry Young. A very early session, Testifying, on New Jazz, was reissued by Fantasy in a limited edition in 1992. Blue Note has also released an anthology package, The Art of Larry Young, available as well.

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Biografía:

 Larry Young, también conocido como Khalid Yasin, ofreció un enfoque tan radical del órgano en los años 60 como Jimmy Smith había posado en los 50. Sus acordes libres y arremolinados, sus líneas de surgimiento y sus improvisaciones influenciadas por el rock eran una alternativa al sonido centrado en el groove, el blues y el soul jazz que se había convertido en la dirección dominante del órgano. Trajo el enfoque de John Coltrane de finales de los 60 al órgano, generando ondas de sonido e influenciando enormemente cualquier sesión en la que participó durante los 60 y 70.

Nacido en Newark, Nueva Jersey en 1940, Young estudió piano en lugar de órgano, aunque más tarde comenzó a tocar el órgano en bandas de R&B en los años 50. Grabó en 1960 con Jimmy Forrest, y luego hizo su primera sesión para Blue Note como líder. A mediados de los 60 tocó y grabó con Grant Green en una vena de hard bop, aunque en ese momento comenzaba sus experimentos. Young trabajó con Joe Henderson, Lee Morgan, Donald Byrd y Tommy Turrentine y realizó una gira por Europa en 1964. Cuando Young fue a Blue Note más tarde ese año, estaba bien encaminado para convertirse en un gran innovador. La influencia post-bop de Coltrane se impuso cada vez más en la forma de tocar y componer de Young, y su obra se volvió mucho más cerebral y exploratoria. Su álbum Into Somethin' de 1965 alertó a todo el mundo de que iba por un camino diferente, y Unity, grabado ese mismo año, sigue siendo su álbum más conocido. Tocó con Coltrane, grabó con Woody Shaw y Elvin Jones, y luego se unió a la banda de Miles Davis en 1969. Young trabajó con John McLaughlin en 1970 y estuvo en el Lifetime de Tony Williams con McLaughlin y Jack Bruce entre otros a principios de los 70. Sólo hizo un par de discos más, para Perception y Arista, ambos desiguales pero con algunos momentos intrigantes. (Ninguno de los dos sellos tenía la más vaga idea de lo que Young estaba tratando de hacer, ni de cómo podían venderlo). Lamentablemente, murió en 1978 a los 38 años. Sólo había hecho un puñado de grabaciones, y sus sellos nunca supieron qué hacer con su música. Mosaic publicó un magnífico conjunto de grabaciones de Young's Blue Note, The Complete Blue Note Recordings of Larry Young. Una sesión muy temprana, Testificando, sobre el Nuevo Jazz, fue reeditada por Fantasy en una edición limitada en 1992. Blue Note también ha publicado un paquete de antología, The Art of Larry Young, disponible también.

John Scofield • John Scofield

 

Review
by Thom Jurek
It's hard to believe it took guitarist John Scofield more than 30 albums, hundreds of credits, and 50 years to release a solo guitar album. His sound is almost instantly recognizable whether he's playing jazz, fusion, country, rock, or blues. The many records he's issued under his own name or with others (including Miles Davis, Gary Burton, Pat Metheny, and Medeski Martin and Wood, among others) has only entrenched Scofield's signature style and sound in the jazz canon. Here he plays unaccompanied with a looper. He offers heartfelt, skillful readings of jazz and pop standards, folk, R&B, country, and rock songs, plus a handful of originals. His looping technique involves comping -- sometimes for the entire duration of a tune -- as he solos over the top.

The set opens with a compelling interpretation of Keith Jarrett's "Coral." Scofield actually recorded it once before with a trio for the various-artists tribute set As Long as You're Living Yours: The Music of Keith Jarrett. This solo take reveals the reason for its enduring appeal. In just eight measures, Scofield reveals the pianist's canny ability to combine traditional and non-traditional harmonics simultaneously while underscoring them with intimate lyricism. A six-minute version of Jimmy Van Heusen and Johnny Burke's "It Could Happen to You" is rendered with abundant swing, glorious arpeggios, and bent notes. Not even peer Bill Frisell's version of "Danny Boy" is rendered with as much subtlety and introspection; Scofield moves through the Celtic melody and binds it to North American country music. While the original "Elder Dance" offers the guitarist's bluesy bebop chops, his "Mrs. Scofield's Waltz" cuts across jazz guitar history from Charlie Christian to Tiny Grimes to Wes Montgomery in its glorious demonstration of chordal harmony. He interprets the traditional blues "Junco Partner" through its 1951 original single version by James Waynes while imbuing it with a hint of New Orleans flavor via slippery chords and lithe single lines. Harry Warren's "There Will Never Be Another You," is offered as fleet bebop while "My Old Flame" is a sultry, simmering ballad that momentarily recalls Tal Farlow. Buddy Holly's bumping "Not Fade Way" uses loop technology to stack chord progressions as Scofield unwinds the melody with single-string runs. Its strong rhythmic pulse underscores the tune's debt to Bo Diddley's R&B in the process. The guitarist reveals two sides of his compositional style with the tender ballad "Since You Asked," and the angular avant groove of "Trance Du Jour." Scofield closes with a forlorn reading of Hank Williams' "You Win Again." Fueled by almost constant string bending and almost lush chord voicings, his inherent lyricism reflects the songwriter's poignant resignation. Scofield has distilled five decades of experience into these 13 songs. While the endeavor might initially appear slight, one listen will disavow that notion as he reveals an abundance of musical wisdom and sophistication in his approach to recording solo.
https://www.allmusic.com/album/john-scofield-mw0003696148

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Reseña
por Thom Jurek
Cuesta creer que el guitarrista John Scofield haya tardado más de 30 álbumes, cientos de créditos y 50 años en publicar un álbum de guitarra solista. Su sonido es casi instantáneamente reconocible tanto si toca jazz, fusión, country, rock o blues. Los numerosos discos que ha publicado con su propio nombre o con otros (como Miles Davis, Gary Burton, Pat Metheny y Medeski Martin and Wood, entre otros) no han hecho sino afianzar el estilo y el sonido característicos de Scofield en el canon del jazz. Aquí toca sin acompañamiento y con un looper. Ofrece lecturas sentidas y hábiles de estándares de jazz y pop, folk, R&B, country y canciones de rock, además de un puñado de originales. Su técnica de looping consiste en componer, a veces durante toda la melodía, mientras hace solos por encima.

El set se abre con una convincente interpretación de "Coral" de Keith Jarrett. De hecho, Scofield ya la había grabado una vez con un trío para el disco homenaje a varios artistas As Long as You're Living Yours: The Music of Keith Jarrett. Esta versión en solitario revela la razón de su perdurable atractivo. En sólo ocho compases, Scofield revela la astuta habilidad del pianista para combinar armónicos tradicionales y no tradicionales simultáneamente, subrayándolos con un lirismo íntimo. Una versión de seis minutos de "It Could Happen to You" de Jimmy Van Heusen y Johnny Burke se interpreta con abundante swing, gloriosos arpegios y notas dobladas. Ni siquiera la versión de "Danny Boy" de su homólogo Bill Frisell se interpreta con tanta sutileza e introspección; Scofield se mueve por la melodía celta y la une a la música country norteamericana. Mientras que el original "Elder Dance" ofrece las habilidades del guitarrista para el blues y el bebop, su "Mrs. Scofield's Waltz" recorre la historia de la guitarra de jazz desde Charlie Christian a Tiny Grimes y Wes Montgomery en su gloriosa demostración de armonía de acordes. Interpreta el blues tradicional "Junco Partner" a través de su versión original de 1951 por James Waynes, al tiempo que lo impregna con un toque de sabor de Nueva Orleans a través de acordes resbaladizos y ágiles líneas simples. There Will Never Be Another You", de Harry Warren, se ofrece como un fugaz bebop, mientras que "My Old Flame" es una sensual balada que recuerda momentáneamente a Tal Farlow. Not Fade Way" de Buddy Holly utiliza la tecnología de bucle para apilar progresiones de acordes mientras Scofield desenrolla la melodía con ejecuciones de una sola cuerda. Su fuerte pulso rítmico subraya la deuda de la melodía con el R&B de Bo Diddley en el proceso. El guitarrista revela dos caras de su estilo compositivo con la tierna balada "Since You Asked" y el anguloso avant groove de "Trance Du Jour". Scofield cierra con una desolada lectura de "You Win Again" de Hank Williams. Impulsado por una flexión de cuerdas casi constante y unas votaciones de acordes casi exuberantes, su lirismo inherente refleja la conmovedora resignación del compositor. Scofield ha destilado cinco décadas de experiencia en estas 13 canciones. Aunque el esfuerzo pueda parecer ligero en un principio, una escucha desmentirá esa idea, ya que revela una abundancia de sabiduría musical y sofisticación en su enfoque de la grabación en solitario.
https://www.allmusic.com/album/john-scofield-mw0003696148

 

www.johnscofield.com ... 

Kurt Rosenwinkel • Deep Song

 

 

Review
by Matt Collar
Guitarist Kurt Rosenwinkel's Deep Song is an intimately atmospheric album that finds the ever-reaching jazz musician in the company of a stellar ensemble. Rosenwinkel has always displayed the strong influences of such expansive players as Pat Metheny, John Scofield, and Pat Martino, and tracks such as the continually overlapping "The Cloister" do nothing if not reinforce such high comparative praise. In fact, Rosenwinkel's moody take on "If I Should Lose You" brings to mind such cerebrally mellow Martino classics as We'll Be Together Again and Cream. Joining him here are the deep-color talents of saxophonist Joshua Redman, pianist Brad Mehldau, bassist Larry Grenadier, and drummers Jeff Ballard and Ali Jackson.
https://www.allmusic.com/album/deep-song-mw0000261967

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Reseña
por Matt Collar
Deep Song del guitarrista Kurt Rosenwinkel es un álbum íntimamente atmosférico que encuentra al músico de jazz siempre en compañía de un conjunto estelar. Rosenwinkel siempre ha hecho gala de las fuertes influencias de músicos tan expansivos como Pat Metheny, John Scofield y Pat Martino, y temas como el continuamente superpuesto "The Cloister" no hacen más que reforzar tan altos elogios comparativos. De hecho, la versión malhumorada de Rosenwinkel en "If I Should Lose You" recuerda a clásicos de Martino tan cerebralmente suaves como We'll Be Together Again y Cream. A él se unen aquí los talentos del saxofonista Joshua Redman, el pianista Brad Mehldau, el bajista Larry Grenadier y los bateristas Jeff Ballard y Ali Jackson.
https://www.allmusic.com/album/deep-song-mw0000261967

kurtrosenwinkel.com ...

Walter Wanderley • Rain Forest

 

Artist Biography by Alvaro Neder

Walter Wanderley was a talented and gifted organist with an acute ear for new harmonies. With 46 recorded solo albums in his entire career, both in Brazil and the U.S., he reached number 26 on the Billboard pop charts in September 1966, opening a large pathway of success only menaced by himself and his complex character. Ten years after his death from cancer, with a new fad coming, he was repackaged by the entertainment industry as a mere lounge player, carrying his record sales even further and sending the cost of his out-of-print albums to the stratosphere, but all at the cost of minimizing his significance. It is forgotten that the time lag worked against him and what today is lounge music was then innovative and revolutionary. With all those fans of samba-canção divas feeling personally insulted by those percussive rhythms reminiscent of a Brazilian black tradition that was not dear to the average Brazilian, it has to be stressed that the bossa nova movement, and Wanderley within it, had the role of affirming Brazilian identity in a broader cultural industry which was developed out of the folkloric redoubts. In fact, he also has an upbeat production full of that energy provided by his distinctive staccato stuttering style, immediately reminiscent of authentic Brazilian rhythmic and percussive impetus. He also improvised extended melodic solos without reheated licks, but that was obviously also left out of his most popular albums.

At five, he was already playing the piano. At 12, he attended the Licee of Arts for a year of theory classes, later studying harmony and arranging. Beginning his professional career while still in Recife, a most lively city with a vibrant cultural life, he worked every night either at the piano or at the organ. At 26, in 1958, he moved to São Paulo and immediately became an active player in nightclubs such as the Claridge, the Captain's Bar, and Oásis. Wanderley's first recording was in August 1959 for Odeon, with Carlos Lyra's "Lobo Bobo." Backing his wife, Brazilian singer Isaurinha Garcia (with whom he had a daughter, Monica), he recorded for the second time one month later. At that time, he was Garcia's accompanist and arranger. He would record another six LPs accompanying Garcia and another 19 solo albums in Brazil for several labels; he was left out of some of the credits because of his contract with Philips. Wanderley became known on the artistic scene for recording young artists, like Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, and others, until then with no expression out of the little nightclubs in which they performed on a nightly basis. But as the tunes and arrangements were fun to dance to, the albums sold very well. João Gilberto's João Gilberto (later reissued as O Mito in Brazil and as The Legendary João Gilberto in the U.S. in 1990 by World Pacific) from 1961 also had Walter in it. An impatient Wanderley then bent under Gilberto's oppressive, meticulous direction on March 10. That was the third album Gilberto was recording for Odeon and would be the last. Until then, Gilberto had Tom Jobim as pianist and Aluísio de Oliveira as producer. In spite of his frequent discussions with de Oliveira, the producer was the person who mediated Gilberto's hard relationship with Jobim. But de Oliveira had left Odeon the previous September, and Jobim didn't want to be scheduled for that recording. Gilberto, not knowing how to write music, insisted on expressing his musical vision of overall arrangements by singing, and that not only included the tones themselves, but the expression, timbre, and articulation. This drove Wanderley mad, especially with a certain sound effect of a boat's siren for "O Barquinho" ("Little Boat"), which was never good enough for Gilberto. The next day, Gilberto interrupted the recording of that album, only resuming it five months later with Jobim as musical director. Wanderley went on with his career and life, beginning an association with singer Claudette Soares in 1963, as an arranger and accompanist. His marriage was broken at this period. He also recorded for several renowned Brazilian singers in that time, among them Dóris Monteiro and Geraldo Vandré. It was when Tony Bennett saw Wanderley during a Brazilian tour and was taken by his playing. He urged Wanderley to move to the U.S. and, he himself talked about him to Verve Records producer Creed Taylor, also giving Taylor some of Wanderley's albums. After some insistence, Taylor sent contracts for Wanderley and his trio to record a single. So in 1966, they recorded brothers Marcos and Paulo Sérgio Valle's "Samba de Verão" ("Summer Samba"). It was an instant success, with radio stations playing it four or five times per hour. In that same year, the LP Rain Forest came out, also selling very well and was certified platinum (one million units sold) in two years. The trio accompanied Astrud Gilberto on her A Certain Smile, a Certain Sadness album, also in 1966. He would record six more solo LPs or singles for Verve until the next year, and ten more in his career in the U.S. He always sold well and had a full performing schedule, in which local presentations at the San Francisco area were interspersed with some tours to Mexico. He never did return to Brazil after moving to the U.S. and he went on with his life until death caught up with him.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

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 Biografía del artista por Alvaro Neder

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado con un oído agudo para las nuevas armonías. Con 46 discos en solitario grabados en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de éxitos de Billboard en septiembre de 1966, abriendo un gran camino de éxito sólo amenazado por él mismo y su complejo personaje. Diez años después de su muerte por cáncer, con una nueva moda que se avecinaba, fue reempaquetado por la industria del entretenimiento como un simple jugador de salón, llevando sus ventas de discos aún más lejos y enviando el costo de sus álbumes agotados a la estratosfera, pero todo a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el desfase temporal le perjudicó y que lo que hoy en día es música de salón era entonces innovadora y revolucionaria. Con todos esos fanáticos de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan a una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño promedio, hay que subrayar que el movimiento bossa nova, y Wanderley dentro de él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia que se desarrolló a partir de los reductos folclóricos. De hecho, también tiene una producción optimista llena de esa energía que le proporciona su distintivo estilo de tartamudeo del staccato, que recuerda inmediatamente el auténtico impulso rítmico y percusivo brasileño. También improvisó solos melódicos extendidos sin lametones recalentados, pero eso obviamente también fue dejado fuera de sus álbumes más populares.

A los cinco años, ya tocaba el piano. A los 12 años, asistió a la Licenciatura de Artes durante un año de clases de teoría, para luego estudiar armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada con una vibrante vida cultural, donde trabajó todas las noches, ya sea en el piano o en el órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un jugador activo en clubes nocturnos como el Claridge, el Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Apoyando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha García (con quien tuvo una hija, Mónica), grabó por segunda vez un mes después. En ese momento, era el acompañante y arreglista de García. Grabaría otros seis LPs acompañando a García y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; fue excluido de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por la grabación de jóvenes artistas, como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, y otros, hasta entonces sin expresión alguna de los pequeños clubes nocturnos en los que actuaban todas las noches. Pero como las canciones y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendieron muy bien. João Gilberto de João Gilberto (más tarde reeditado como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en los EE.UU. en 1990 por World Pacific) de 1961 también tenía a Walter en él. Un Wanderley impaciente se inclinó bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto el 10 de marzo. Ese fue el tercer álbum que Gilberto estaba grabando para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto tenía a Tom Jobim como pianista y a Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes conversaciones con de Oliveira, el productor fue la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el pasado septiembre, y Jobim no quería que se le programara para esa grabación. Gilberto, sin saber escribir música, insistió en expresar su visión musical de los arreglos globales a través del canto, y eso no sólo incluía los tonos en sí mismos, sino también la expresión, el timbre y la articulación. Esto volvió loco a Wanderley, especialmente con un cierto efecto sonoro de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("El Barquito"), que nunca fue suficiente para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de ese disco y sólo lo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley continuó con su carrera y su vida, comenzando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963, como arreglista y acompañante. Su matrimonio se rompió en este período. También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en esa época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y se dejó llevar por su forma de tocar. Instó a Wanderley a mudarse a los Estados Unidos y él mismo habló de él con el productor de Verve Records, Creed Taylor, dándole también a Taylor algunos de los discos de Wanderley. Después de alguna insistencia, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. Así que en 1966, grabaron a los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle "Samba de Verão" ("Samba de verano"). Fue un éxito instantáneo, con estaciones de radio que lo tocaban cuatro o cinco veces por hora. En ese mismo año, el LP Rain Forest salió a la venta, también se vendió muy bien y fue certificado platino (un millón de unidades vendidas) en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum A Certain Smile, a Certain Sadness, también en 1966. Grabaría seis LPs o singles más para Verve hasta el próximo año, y diez más en su carrera en los Estados Unidos. Siempre se vendió bien y tenía un programa completo de presentaciones, en el que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a Estados Unidos y continuó con su vida hasta que la muerte lo atrapó.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

The Atlantics • Flight Of The Surf Guitar

The Atlantics are an Australian surf rock band founded in 1961. Initially, the band lineup consisted of drummer Peter Hood, bassist Bosco Bosanac, Theo Penglis on lead and rhythm guitar, and guitarist Eddy Matzenik. Matzenik was replaced by Jim Skaithitis while the band was still in its earliest stages. The band's claim to fame was as Australia's most successful of the genre. Most well known for their classic hit, "Bombora", their later recordings such as "Come On" are examples of 1960s garage rock. They were the first Australian rock band to write their own hits. In 2000 the group reformed with three of the original members, and continue to release new material and perform in concert. In 2013 the group celebrated the 50th Anniversary of their first album, Bombora and the eponymous single that was their first to chart. A European tour was organised to mark the occasion.

Martin Cilia (born 1958, Rochford, Essex, England) moved to Perth, Western Australia with his family in January 1968. Cilla is best known for his songwriting skills, and his membership in The Atlantics, where he performs on the guitar. Cilia played his first gig in a school hall in Morley High in 1972 with fellow students. He remembered playing songs by The Shadows, The Monkees, The Beatles, and Cat Stevens songs.

http://martincilia.com/about-martin/about-martin/

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Los Atlánticos son una banda australiana de surf rock fundada en 1961. Inicialmente, la banda estaba formada por el baterista Peter Hood, el bajista Bosco Bosanac, Theo Penglis en la guitarra principal y la rítmica, y el guitarrista Eddy Matzenik. Matzenik fue reemplazado por Jim Skaithitis mientras la banda estaba aún en sus primeras etapas. El reclamo de la banda a la fama fue como el más exitoso del género en Australia. Más conocidos por su éxito clásico, "Bombora", sus grabaciones posteriores como "Come On" son ejemplos del rock de garaje de los años 60. Fueron la primera banda de rock australiana en escribir sus propios éxitos. En 2000 el grupo se reformó con tres de los miembros originales, y continúan lanzando nuevo material y actuando en concierto. En 2013 el grupo celebró el 50º aniversario de su primer álbum, Bombora y el single homónimo que fue su primero en llegar a las listas de éxitos. Se organizó una gira europea para celebrar la ocasión.

Martin Cilia (nacido en 1958, Rochford, Essex, Inglaterra) se mudó a Perth, Australia Occidental, con su familia en enero de 1968. Cilla es más conocido por sus habilidades como compositor, y su pertenencia a The Atlantics, donde toca la guitarra. Cilia tocó su primer concierto en un salón de la escuela en la secundaria Morley en 1972 con sus compañeros. Recordaba haber tocado canciones de The Shadows, The Monkees, The Beatles y Cat Stevens.

http://martincilia.com/about-martin/about-martin/

theatlantics.com ...
 

Jimmy Heath • The Thumper

 

 

Biography by Matt Collar
With his delicately soulful tone and refined ear for lyrical, hard-swinging bop, tenor saxophonist Jimmy Heath helped shepherd modern jazz into the 21st century. Initially emerging as a member of Dizzy Gillespie's big band in the 1940s, Heath (then known as "Little Bird" after his idol Charlie "Yardbird" Parker) would establish his reputation as gifted improviser and composer, working with innovators like Miles Davis, John Coltrane, and Milt Jackson. He came to his greatest acclaim in the late '50s, penning a bevy of compositions like "C.T.A.," "Gingerbread Boy," and "For Minors Only," many of which would become jazz standards. His early Riverside albums, including 1959's The Thumper, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, are the epitome of hard bop, and many of the albums he contributed to are classics. He recorded for such varied labels as Strata East, Muse, and Columbia, working with his siblings, bassist Percy Heath and drummer Albert "Tootie" Heath, as the Heath Brothers, and collaborating with boundary-pushing stylists like Charles Tolliver, Stanley Cowell, and Art Farmer. Along with three Grammy nominations, including for 1994's Little Man, Big Band, Heath was also a 2003 NEA Jazz Master who dedicated much of his career to teaching, working at the Aaron Copland School of Music at Queens College, and helping to oversee the Louis Armstrong Archives. Still, performing remained his passion and he continued to work throughout his later years, often playing alongside younger musicians, including Roy Hargrove on his 2012 85th birthday celebration Togetherness: Live at the Blue Note, and Wynton Marsalis and Cecile McLorin Salvant on 2020's Love Letter.

Born in Philadelphia in 1926, Heath was introduced to jazz and big-band music by his father, an auto mechanic and part-time clarinet player, and mother, a singer in their church choir. However, due to the Depression his father often found himself out of work. Subsequently, Heath and his siblings were sent to live with their grandparents who ran a grocery store in Wilmington, North Carolina. It was there, while going to high school, that Jimmy started playing the alto saxophone, participating in the concert and marching band programs. Similarly, his older brother Percy played bass and his younger brother Albert "Tootie" played drums. He also had a sister Elizabeth who played piano. They would return home to Philadelphia for the summer, during which time Jimmy took private lessons. After graduating high school in 1943, Heath started his own swing dance band. He also performed with the Nat Towles band. By 1947, he was leading his own small group, playing alongside a young John Coltrane, trumpeter Johnny Coles, tenor saxophonist Benny Golson, bassist Nelson Boyd, drummer Specs Wright, and other Philadelphia natives. It was also around this time that he discovered bebop, influenced heavily by altoist Charlie "Yardbird" Parker. In 1948, Heath joined trumpeter Howard McGhee. He was soon joined by his brother Percy and together they toured Paris, appearing at the city's first jazz festival. It was while with McGhee that Heath earned his nickname "Little Bird," due in part to his love of Parker and his small stature; he had been turned away for the draft during WWII for being below the minimum weight. The following year, Heath became a member of trumpeter Dizzy Gillespie's band, which also featured a number of other Philadelphia regulars including Coltrane.

In the early '50s, Heath switched to tenor saxophone to better set himself apart from Parker and to secure more gigs. Soon after, he joined Miles Davis' band, appearing on the trumpeter's second album, 1952's Young Man with a Horn. There were also seminal dates with J.J. Johnson, Clifford Brown, and Kenny Dorham. Just as his career was taking off, Heath (an admitted drug addict) was arrested and convicted twice for the sale of heroin. His first arrest came in 1954 and found him incarcerated at the Federal Medical Center in Lexington, Kentucky. Following his release, he was again arrested in 1955 and sentenced to six years in prison. Sent to Lewisburg Penitentiary in Pennsylvania, he served four years. While in prison, Heath continued to write music, arranging for the prison big band and composing songs like "For Minors Only," "C.T.A.," ''Picture of Heath," and "For Miles and Miles," most of which gained wider attention after they were included on Chet Baker and Art Pepper's 1956 album Playboys.

Released from prison in 1959, Heath, now sober, immediately began to rebuild his career. That same year, he made his long-awaited debut as leader with The Thumper, an all-star session for Riverside featuring cornetist Nat Adderley, trombonist Curtis Fuller, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and his brother drummer Albert. He also appeared on trumpeter Blue Mitchell's classic album Blue Soul and briefly re-joined Miles Davis' group, taking over for Coltrane. Equally well-regarded sessions followed, including albums with Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard, and others. He followed his debut with the 1960 large-ensemble album Really Big!, featuring cornetist Adderley, flugelhornist Clark Terry, altoist Cannonball Adderley, and pianists Cedar Walton and Tommy Flanagan. Heath's output increased significantly throughout the early '60s with albums like 1961's The Quota, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, the latter of which introduced two more of his originals with "Gingerbread Boy" and "Project S." He also recorded albums with Milt Jackson, Mongo Santamaria, and others.

Heath returned to his solo work with 1972's The Gap Sealer, a hard-hitting album that found him playing both alto and tenor saxophone, as well as flute. Along with pianists Kenny Barron and Stanley Cowell, bassist Bob Cranshaw, and his brother drummer Albert, the album was also his first to feature his son, percussionist James Mtume. He then recorded several albums for the Muse label, including 1973's Love and Understanding, all of which found him further expanding his approach, embracing funk, avant-garde, and spiritual jazz influences. It was also during this period that he formed the Heath Brothers with his siblings Percy and Albert, as well as pianist Cowell. The group debuted the with 1975's Marchin' On, released on Cowell and trumpeter Charles Tolliver's Strata East label. They gained wider visibility after signing with Columbia Records and releasing 1978's Passin' Thru and 1979's In Motion.

In the '80s, Heath expanded into teaching, joining the faculty of the Aaron Copland School of Music at Queens College, City University of New York. Over the next 20 years, he balanced teaching and performing, helping create the school's jazz education program and attracting other jazz luminaries to campus, including Donald Byrd. He also served on the board of the school's Louis Armstrong Archives and aided in the restoration of Armstrong's home in Corona, Queens. Despite his dedication to teaching, he continued to perform and record during these years, releasing albums like 1987's Peer Pressure, 1992's Grammy-nominated Little Man, Big Band, and 1994's You've Changed.

In 2006, he again showcased his big band with Turn Up the Heath. He then collaborated with the Seattle Repertory Jazz Orchestra on the commissioned Endless Search. In 2011, Heath celebrated his 85th birthday with two nights of live performances at New York's Blue Note, backed by his 18-member big band. Released in 2012 as Togetherness: Live at the Blue Note, it featured appearances by Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis, and others. Heath died on January 19, 2020 in Loganville, Georgia from natural causes. He was 93 years old. A posthumous album, Love Letter, arrived that August and worked as a romantic farewell from the saxophonist. It featured guest spots by Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant, and Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su tono delicadamente conmovedor y su oído refinado para el bop lírico y oscilante, el saxofonista tenor Jimmy Heath ayudó a guiar el jazz moderno hacia el siglo XXI. Inicialmente emergiendo como miembro de la big band de Dizzy Gillespie en la década de 1940, Heath (entonces conocido como "Little Bird" por su ídolo Charlie "Yardbird" Parker) establecería su reputación como talentoso improvisador y compositor, trabajando con innovadores como Miles Davis, John Coltrane y Milt Jackson. Alcanzó su mayor éxito a fines de los 50, escribiendo un grupo de composiciones como "CTA", "Gingerbread Boy" y "For Minors Only", muchas de las cuales se convertirían en estándares de jazz. Sus primeros álbumes de Riverside, incluidos The Thumper de 1959, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, son el epítome del hard bop, y muchos de los álbumes en los que contribuyó son clásicos. Grabó para sellos tan variados como Strata East, Muse y Columbia, trabajando con sus hermanos, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath, como The Heath Brothers, y colaborando con estilistas que empujan los límites como Charles Tolliver, Stanley Cowell y Art Farmer. Junto con tres nominaciones al Grammy, incluida Little Man, Big Band de 1994, Heath también fue un Maestro de Jazz de la NEA en 2003 que dedicó gran parte de su carrera a la enseñanza, trabajando en la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College y ayudando a supervisar los Archivos de Louis Armstrong. Aún así, actuar siguió siendo su pasión y continuó trabajando durante sus últimos años, a menudo tocando junto a músicos más jóvenes, incluidos Roy Hargrove en la celebración de su 85 cumpleaños en 2012 Togetherness: Live at the Blue Note, y Wynton Marsalis y Cecile McLorin Salvant en Love Letter de 2020.

Nacido en Filadelfia en 1926, Heath conoció el jazz y la música de big band gracias a su padre, mecánico de automóviles y clarinetista a tiempo parcial, y su madre, cantante en el coro de su iglesia. Sin embargo, debido a la depresión, su padre a menudo se encontraba sin trabajo. Posteriormente, Heath y sus hermanos fueron enviados a vivir con sus abuelos, quienes administraban una tienda de comestibles en Wilmington, Carolina del Norte. Fue allí, mientras asistía a la escuela secundaria, donde Jimmy comenzó a tocar el saxofón alto, participando en los programas de conciertos y bandas de música. Del mismo modo, su hermano mayor Percy tocaba el bajo y su hermano menor Albert "Tootie" tocaba la batería. También tenía una hermana Elizabeth que tocaba el piano. Regresarían a casa a Filadelfia durante el verano, tiempo durante el cual Jimmy tomó lecciones privadas. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1943, Heath fundó su propia banda de baile swing. También actuó con la banda Nat Towles. Para 1947, lideraba su propio grupo pequeño, tocando junto a un joven John Coltrane, el trompetista Johnny Coles, el saxofonista tenor Benny Golson, el bajista Nelson Boyd, el baterista Specs Wright y otros nativos de Filadelfia. También fue por esta época cuando descubrió el bebop, fuertemente influenciado por el altoista Charlie" Yardbird " Parker. En 1948, Heath se unió al trompetista Howard McGhee. Pronto se le unió su hermano Percy y juntos recorrieron París, apareciendo en el primer festival de jazz de la ciudad. Fue mientras estaba con McGhee que Heath se ganó su apodo de "Pajarito", debido en parte a su amor por Parker y su pequeña estatura; había sido rechazado para el servicio militar obligatorio durante la Segunda Guerra Mundial por estar por debajo del peso mínimo. Al año siguiente, Heath se convirtió en miembro de la banda del trompetista Dizzy Gillespie, que también incluía a otros habituales de Filadelfia, incluido Coltrane.

A principios de los 50, Heath cambió al saxofón tenor para diferenciarse mejor de Parker y asegurar más conciertos. Poco después, se unió a la banda de Miles Davis, apareciendo en el segundo álbum del trompetista, Young Man with a Horn de 1952. También hubo citas seminales con J. J. Johnson, Clifford Brown y Kenny Dorham. Justo cuando su carrera despegaba, Heath (un drogadicto admitido) fue arrestado y condenado dos veces por la venta de heroína. Su primer arresto se produjo en 1954 y lo encontró encarcelado en el Centro Médico Federal de Lexington, Kentucky. Tras su liberación, fue arrestado nuevamente en 1955 y sentenciado a seis años de prisión. Enviado a la penitenciaría de Lewisburg en Pensilvania, cumplió cuatro años. Mientras estuvo en prisión, Heath continuó escribiendo música, haciendo arreglos para la big band de la prisión y componiendo canciones como "For Minors Only", "CTA", "Picture of Heath" y "For Miles and Miles", la mayoría de las cuales obtuvieron una mayor atención después de que fueran incluidas en el álbum Playboys de Chet Baker y Art Pepper de 1956.

Liberado de prisión en 1959, Heath, ahora sobrio, inmediatamente comenzó a reconstruir su carrera. Ese mismo año, hizo su esperado debut como líder con The Thumper, una sesión estelar para Riverside con el cornetista Nat Adderley, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y su hermano el baterista Albert. También apareció en el álbum clásico del trompetista Blue Mitchell, Blue Soul, y se reincorporó brevemente al grupo de Miles Davis, reemplazando a Coltrane. Siguieron sesiones igualmente bien consideradas, incluidos álbumes con Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard y otros. Siguió a su debut con el álbum de grandes conjuntos de 1960 Really Big!, con el cornetista Adderley, el flugelhornista Clark Terry, el altoista Cannonball Adderley y los pianistas Cedar Walton y Tommy Flanagan. La producción de Heath aumentó significativamente a principios de los 60 con álbumes como The Quota de 1961, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, el último de los cuales presentó dos de sus originales más con "Gingerbread Boy" y "Project S". También grabó álbumes con Milt Jackson, Mongo Santamaria y otros.

Heath volvió a su trabajo en solitario con The Gap Sealer de 1972, un álbum contundente que lo encontró tocando saxofón alto y tenor, así como flauta. Junto con los pianistas Kenny Barron y Stanley Cowell, el bajista Bob Cranshaw y su hermano el baterista Albert, el álbum también fue el primero en presentar a su hijo, el percusionista James Mtume. Luego grabó varios álbumes para el sello Muse, incluido Love and Understanding de 1973, todo lo cual lo encontró expandiendo aún más su enfoque, adoptando influencias del funk, la vanguardia y el jazz espiritual. También fue durante este período que formó The Heath Brothers con sus hermanos Percy y Albert, así como con el pianista Cowell. El grupo debutó con Marchin' On de 1975, lanzado en el sello Strata East de Cowell y el trompetista Charles Tolliver. Ganaron una mayor visibilidad después de firmar con Columbia Records y lanzar Passin' Thru de 1978 y In Motion de 1979.

En los años 80, Heath se expandió a la docencia, uniéndose a la facultad de la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College, City University of New York. Durante los siguientes 20 años, equilibró la enseñanza y la actuación, ayudando a crear el programa de educación de jazz de la escuela y atrayendo a otras luminarias del jazz al campus, incluido Donald Byrd. También formó parte de la junta de los Archivos Louis Armstrong de la escuela y ayudó en la restauración de la casa de Armstrong en Corona, Queens. A pesar de su dedicación a la enseñanza, continuó actuando y grabando durante estos años, lanzando álbumes como Peer Pressure de 1987, Little Man, Big Band, nominado al Grammy en 1992, y You've Changed de 1994.

En 2006, volvió a exhibir su big band con Turn Up the Heath. Luego colaboró con la Seattle Repertory Jazz Orchestra en el encargo Endless Search. En 2011, Heath celebró su 85 cumpleaños con dos noches de presentaciones en vivo en el Blue Note de Nueva York, respaldado por su big band de 18 miembros. Lanzado en 2012 como Togetherness: Live at the Blue Note, contó con apariciones de Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis y otros. Heath murió el 19 de enero de 2020 en Loganville, Georgia, por causas naturales. Tenía 93 años. Un álbum póstumo, Love Letter, llegó ese agosto y funcionó como despedida romántica del saxofonista. Contó con anuncios invitados de Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant y Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

www.jimmyheath.com ...

Donald Byrd • At The Half Note Cafe, Volumes 1 & 2

Review
by Thom Jurek  
This 2004 remastered Rudy Van Gelder edition of Donald Byrd's At the Half Note Cafe (the original double-disc version was only issued for the first time in 2000) appears to add one extra track -- "Theme (Pure D. Funk)," which clocks in at 1:51 and is also on the second volume in its full form, and a slightly shorter version of "Cecille." Here it clocks it at 12:52; on the 2000 issue it was 14:46. The sequence has also been altered slightly. The real deal is that, while this is the live date showcasing the Byrd quintet with Pepper Adams (and with Duke Pearson, Lex Humphries, and Laymon Jackson in the rhythm section), there is little here to make this worth purchasing yet again if you have the previous set. The sound is only marginally better -- and is likely only to be noticed by audiophiles. However, if you don't have the originals, this is one of the most essential hard bop purchases in the canon. The performances of Pearson -- of his own four tunes, five by Byrd, and the standards -- showcase his improvisational acumen at its height. His soloing on studio records pales in comparison. This was a hot quintet, one that not only swung hard, but possessed a deep lyricism and an astonishing sense of timing, and one need only this set by them to feel the full measure of their worth. Forget the Riverside date that caught them live early on; this is the one.
https://www.allmusic.com/album/donald-byrd-at-the-half-note-cafe-vols-1-2-mw0000594775

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Reseña
por Thom Jurek  
Esta edición remasterizada por Rudy Van Gelder en 2004 de At the Half Note Cafe de Donald Byrd (la versión original de doble disco sólo se publicó por primera vez en 2000) parece añadir un tema extra -- "Theme (Pure D. Funk)", que dura 1:51 y también está en el segundo volumen en su forma completa, y una versión ligeramente más corta de "Cecille". Aquí dura 12:52, mientras que en la edición de 2000 duraba 14:46. La secuencia también se ha modificado ligeramente. El verdadero problema es que, aunque ésta es la fecha en directo en la que aparece el quinteto de Byrd con Pepper Adams (y con Duke Pearson, Lex Humphries y Laymon Jackson en la sección rítmica), hay poco aquí que haga que merezca la pena comprarlo de nuevo si se tiene el disco anterior. El sonido es sólo ligeramente mejor, y es probable que sólo lo noten los audiófilos. Sin embargo, si usted no tiene los originales, esta es una de las compras más esenciales de hard bop en el canon. Las interpretaciones de Pearson -de sus cuatro temas, cinco de Byrd y los estándares- muestran su capacidad de improvisación en su apogeo. Sus solos en discos de estudio palidecen en comparación. Este era un quinteto ardiente, que no sólo tocaba con fuerza, sino que poseía un profundo lirismo y un asombroso sentido de la sincronización, y uno sólo necesita este conjunto de ellos para sentir toda la medida de su valía. Olvídense de la cita de Riverside en la que los vieron en directo al principio; ésta es la mejor.
https://www.allmusic.com/album/donald-byrd-at-the-half-note-cafe-vols-1-2-mw0000594775

Wayne Shorter • Juju

 

 

Biography by Richard S. Ginell
Wayne Shorter was one of jazz's leading figures in the late 20th and early 21st centuries as both a composer and saxophonist. Though indebted to John Coltrane, with whom he practiced in the mid-'50s, Shorter developed his own voice and style on the tenor horn, retaining the tough tone quality and intensity and, in later years, adding elements of funk. On soprano, Shorter was almost another player entirely, his lovely tone attuned more to lyrical thoughts, his choice of notes more spare. As a composer, he wrote complex, long-limbed tunes, many of which are now standards. On his '60s albums for Blue Note, most notably Juju and Night Dreamer, the composer and the saxophone stylist meet. He co-founded Weather Report in 1970 and through 1986 released Grammy-winning albums. He issued jazz-funk recordings for Columbia and Verve in the late '80s and early '90s, including Joy Ryder and High Life. On 2002's Footprints Live!, and 2003's Alegria, Shorter showcased a new acoustic quartet dedicated to performing his compositions. As he entered his eighties, Shorter focused on impressively complex projects, including 2018's Emanon, a graphic novel combined with four-part studio suite and 2021's opera based on Greek myths titled Iphigenia.

Shorter started playing the clarinet at 16 but switched to tenor sax before entering New York University in 1952. After graduating with a BME in 1956, he played with Horace Silver for a short time until he was drafted into the Army for two years. Once out of the service, he joined Maynard Ferguson's band, meeting Ferguson's pianist Joe Zawinul in the process. The following year (1959), Shorter joined Art Blakey's Jazz Messengers, where he remained until 1963, eventually becoming the band's music director. During the Blakey period, Shorter also made his debut on record as a leader, cutting several albums for Chicago's Vee-Jay label. After a few prior attempts to hire him away from Blakey, Miles Davis finally convinced Shorter to join his quintet in September 1964.

Staying with Davis until 1970, Shorter became one of the band's most prolific composer, contributing tunes like "E.S.P.," "Pinocchio," "Nefertiti," "Sanctuary," "Footprints," "Fall," and the signature description of Davis, "Prince of Darkness." While playing through Davis' transition from loose, post-bop acoustic jazz into electronic jazz-rock, Shorter also took up the soprano in late 1968, an instrument that turned out to be more suited to riding above the new electronic timbres than the tenor. As a prolific solo artist for Blue Note during this period, Shorter expanded his palette from hard bop almost into the atonal avant-garde, with fascinating excursions into jazz-rock territory toward the turn of the decade.

In November 1970, Shorter teamed up with old cohort Joe Zawinul and Miroslav Vitous to form Weather Report where, after a fierce start, Shorter's playing grew mellower and more consciously melodic in order to fit into Zawinul's concepts. By now he was playing mostly on soprano, though the tenor would re-emerge toward the end of the group's run. Shorter's solo career was mostly put on hold during the Weather Report days, though 1975's Native Dancer was an attractive side trip into Brazilian-American tropicalismo made in tandem with Milton Nascimento. Shorter also revisited the past in the late '70s by touring with Freddie Hubbard and ex-Davis sidemen Herbie Hancock, Ron Carter, and Tony Williams as V.S.O.P.

Shorter finally left Weather Report in 1985. Still committed to electronics and fusion, his recorded compositions from the period feature welcoming rhythms and harmonically complex arrangements. After three Columbia albums between 1986 and 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator, and Joy Ryder -- and a tour with Santana (represented by the 2005 album Montreux 1988), he lapsed into silence, emerging again in 1992 with Wallace Roney and the V.S.O.P. rhythm section in the "A Tribute to Miles" band. In 1994, now on Verve, Shorter released High Life, an engaging electric collaboration with keyboardist Rachel Z.

He continued playing concerts with a wide range of groups and appeared on a number of recordings as a guest including the Rolling Stones' Bridges to Babylon in 1997 and Herbie Hancock's Gershwin's World in 1998. In 2001, he was back with Hancock for Future 2 Future and on Marcus Miller's M². Footprints Live! was released in 2002 under his own name with a new band that included pianist Danilo Pérez, bassist John Patitucci, and drummer Brian Blade, followed by Alegria in 2003 and Beyond the Sound Barrier in 2005.

Though absent from recording, Shorter continued to tour regularly with the same quartet after 2005. They re-emerged to record again in February of 2013 with a live outing from their 2011 tour. Without a Net, his first recording for Blue Note in 43 years, was issued in February of 2013 as a precursor to his 80th birthday. Just after that release, the Wayne Shorter Quartet performed four of the leader's compositions with the Orpheus Chamber Orchestra at Carnegie Hall in New York City. Shorter immediately brought the quartet and orchestra into the studio to record those same four pieces: "Pegasus," "Prometheus Unbound," "Lotus," and "The Three Marias," as a unified suite. The title of this four-composition orchestral suite is also Shorter’s title character for the graphic novel Emanon, or "no name" spelled backward. Each of the four movements has a corresponding theme in a graphic novel penned by Shorter and Monica Sly and illustrated by Randy DeBurke. It draws inspiration from the concept of a multiverse (where numerous universes co-exist simultaneously) and features a character named Emanon, an action-hero proxy of Shorter, a comic book aficionado since he was a boy. The story alludes to dystopian oppression and was clearly informed by the saxophonist's Buddhist studies. All told, the music -- performed by the quartet with and without the chamber orchestra -- was recorded live in London as well as in the studio, creating a triple album accompanied by the 84-page graphic novel. Emanon was issued in September of 2018, just after Shorter's 85th birthday. His next project proved just as ambitious, writing an opera based around the myth of Iphigenia, a Greek princess. Shorter co-created the work with librettist esperanza spalding and set designer Frank Gehry. The work merged jazz and classical themes and premiered in New York at the end of 2021. The following year Candid released Live at the Detroit Jazz Festival. Recorded at the 2017 event, it featured Shorter in a one-off quartet setting that included drummer Terri Lyne Carrington, bassist/vocalist esperanza spalding, and Argentine pianist Leo Genovese. It proved to be the last music issued during his lifetime, as he passed away in March of 2023 at the age of 89.

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Biografía de Richard S. Ginell
Wayne Shorter fue una de las figuras más destacadas del jazz de finales del siglo XX y principios del XXI como compositor y saxofonista. Aunque deudor de John Coltrane, con quien practicó a mediados de los años 50, Shorter desarrolló su propia voz y estilo en la trompa tenor, conservando la calidad e intensidad del tono duro y, en años posteriores, añadiendo elementos de funk. En la soprano, Shorter era casi otro intérprete, con un timbre encantador más acorde con los pensamientos líricos y una elección de notas más sobria. Como compositor, escribía melodías complejas y de largo aliento, muchas de las cuales se han convertido en estándares. En sus álbumes de los años 60 para Blue Note, entre los que destacan Juju y Night Dreamer, el compositor y el saxofonista se encuentran. Fue cofundador de Weather Report en 1970 y hasta 1986 publicó álbumes ganadores del Grammy. Publicó grabaciones de jazz-funk para Columbia y Verve a finales de los 80 y principios de los 90, entre ellas Joy Ryder y High Life. En Footprints Live!, de 2002, y Alegria, de 2003, Shorter presentó un nuevo cuarteto acústico dedicado a interpretar sus composiciones. Al entrar en la década de los ochenta, Shorter se centró en proyectos impresionantemente complejos, como Emanon, de 2018, una novela gráfica combinada con una suite de estudio en cuatro partes, y la ópera de 2021 basada en los mitos griegos titulada Ifigenia.

Shorter empezó a tocar el clarinete a los 16 años, pero cambió al saxo tenor antes de ingresar en la Universidad de Nueva York en 1952. Tras licenciarse en 1956, tocó con Horace Silver durante un breve periodo hasta que fue reclutado por el ejército durante dos años. Una vez fuera del servicio, se unió a la banda de Maynard Ferguson, conociendo en el proceso al pianista de Ferguson, Joe Zawinul. Al año siguiente (1959), Shorter se unió a los Jazz Messengers de Art Blakey, donde permaneció hasta 1963, llegando a convertirse en el director musical de la banda. Durante el periodo de Blakey, Shorter también debutó en el mundo discográfico como líder, grabando varios álbumes para el sello Vee-Jay de Chicago. Tras varios intentos previos de contratarle lejos de Blakey, Miles Davis convenció finalmente a Shorter para que se uniera a su quinteto en septiembre de 1964.

Permaneciendo con Davis hasta 1970, Shorter se convirtió en uno de los compositores más prolíficos de la banda, contribuyendo con temas como "E.S.P.", "Pinocchio", "Nefertiti", "Sanctuary", "Footprints", "Fall" y la descripción característica de Davis, "Prince of Darkness". Durante la transición de Davis del jazz acústico post-bop al jazz-rock electrónico, Shorter también tocó la soprano a finales de 1968, un instrumento que resultó ser más adecuado que el tenor para navegar por encima de los nuevos timbres electrónicos. Como prolífico solista para Blue Note durante este periodo, Shorter amplió su paleta desde el hard bop casi hasta la vanguardia atonal, con fascinantes incursiones en el territorio del jazz-rock hacia el final de la década.

En noviembre de 1970, Shorter se unió a su viejo amigo Joe Zawinul y a Miroslav Vitous para formar Weather Report, donde, tras un feroz comienzo, la forma de tocar de Shorter se hizo más suave y más conscientemente melódica para encajar en los conceptos de Zawinul. Para entonces tocaba sobre todo como soprano, aunque el tenor resurgiría hacia el final de la carrera del grupo. La carrera en solitario de Shorter quedó en suspenso durante la época de Weather Report, aunque Native Dancer, de 1975, fue un atractivo viaje paralelo al tropicalismo brasileño-estadounidense realizado en colaboración con Milton Nascimento. Shorter también revisitó el pasado a finales de los 70 haciendo giras con Freddie Hubbard y los ex-compañeros de Davis Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams como V.S.O.P.

Shorter abandonó finalmente Weather Report en 1985. Aún comprometido con la electrónica y la fusión, sus composiciones grabadas de la época presentan ritmos acogedores y arreglos armónicamente complejos. Después de tres álbumes de Columbia entre 1986 y 1988 -- Atlantis, Phantom Navigator y Joy Ryder -- y una gira con Santana (representada por el álbum de 2005 Montreux 1988), se sumió en el silencio, emergiendo de nuevo en 1992 con Wallace Roney y la sección rítmica de V.S.O.P. en la banda "A Tribute to Miles". En 1994, ahora en Verve, Shorter publicó High Life, una atractiva colaboración eléctrica con la teclista Rachel Z.

Siguió dando conciertos con una amplia gama de grupos y apareció en varias grabaciones como invitado, entre ellas Bridges to Babylon, de los Rolling Stones, en 1997, y Gershwin's World, de Herbie Hancock, en 1998. En 2001, volvió con Hancock para Future 2 Future y en M² de Marcus Miller. Footprints Live! se publicó en 2002 bajo su propio nombre con una nueva banda que incluía al pianista Danilo Pérez, el bajista John Patitucci y el batería Brian Blade, seguido de Alegria en 2003 y Beyond the Sound Barrier en 2005.

Aunque ausente de las grabaciones, Shorter siguió girando regularmente con el mismo cuarteto después de 2005. Volvieron a grabar en febrero de 2013 con una grabación en directo de su gira de 2011. Without a Net, su primera grabación para Blue Note en 43 años, se publicó en febrero de 2013 como antesala de su 80 cumpleaños. Justo después de ese lanzamiento, el Wayne Shorter Quartet interpretó cuatro de las composiciones del líder con la Orpheus Chamber Orchestra en el Carnegie Hall de Nueva York. Shorter llevó inmediatamente al cuarteto y a la orquesta al estudio para grabar esas mismas cuatro piezas: "Pegasus", "Prometheus Unbound", "Lotus" y "The Three Marias", como una suite unificada. El título de esta suite orquestal de cuatro composiciones es también el título del personaje de Shorter para la novela gráfica Emanon, o "sin nombre" deletreado al revés. Cada uno de los cuatro movimientos tiene su correspondiente tema en una novela gráfica escrita por Shorter y Monica Sly e ilustrada por Randy DeBurke. Se inspira en el concepto de multiverso (donde coexisten simultáneamente numerosos universos) y presenta a un personaje llamado Emanon, un héroe de acción apoderado de Shorter, aficionado a los cómics desde niño. La historia alude a la opresión distópica y está claramente inspirada en los estudios budistas del saxofonista. En total, la música -interpretada por el cuarteto con y sin la orquesta de cámara- se grabó en directo en Londres, así como en el estudio, creando un álbum triple acompañado de la novela gráfica de 84 páginas. Emanon se publicó en septiembre de 2018, justo después del 85 cumpleaños de Shorter. Su siguiente proyecto resultó igual de ambicioso: escribir una ópera basada en el mito de Ifigenia, una princesa griega. Shorter co-creó la obra con la libretista Esperanza Spalding y el escenógrafo Frank Gehry. La obra fusionaba temas de jazz y clásicos y se estrenó en Nueva York a finales de 2021. Al año siguiente, Candid publicó Live at the Detroit Jazz Festival. Grabado en el evento de 2017, presentaba a Shorter en un cuarteto único que incluía a la baterista Terri Lyne Carrington, la bajista/vocalista Esperanza Spalding y el pianista argentino Leo Genovese. Fue el último disco que Shorter publicó en vida, ya que falleció en marzo de 2023 a la edad de 89 años.

wayneshorter.com ...

Sandy Nelson • The Rebirth Of The Beat

Sandy Nelson's new beat for a new psychedelic generation. With Joe Saraceno production, Sandy covered the classic psychedelic rock songs like: Sunshine Of Your Love, I Feel Free, Magic Carpet Ride, and classic surf instro: Out Of Limits. Also, there are fine originals with plenty of fuzz guitars and cool organ sounds.

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El nuevo ritmo de Sandy Nelson para una nueva generación psicodélica. Con la producción de Joe Saraceno, Sandy cubrió las clásicas canciones de rock psicodélico como: Sunshine Of Your Love, I Feel Free, Magic Carpet Ride y el clásico de surf: Out Of Limits. Además, hay originales excelentes con un montón de guitarras fuzz y sonidos de órgano geniales.

 

Toots & Sivuca ‎• Chiko's Bar

 

 

Linus Olsson • Wes We Can

  

I began composing in my early teens around the same time that I started to dream about a life in music. Since then, writing my own tunes has always felt like a natural part of being a musician to me. Over time and with experience I believe that I have learned to focus more on the essential in my writing. A musician friend once told me that my tunes seem to “play themselves.” For me it’s important to allow the musicians to express their personality and I also want to leave a lot of space for the interaction between the members ofthe band. This way, we enjoy ourselves on stage and we move the people in the audience who is there to have a good time with us and the music. For me that’s the essence of jazz!

Over the last years I have had the opportunity to work in Nice, Paris and New York
with a lot of different really good musicians. In November 2019 I played two concerts in Paris with Stéphane Guillaume, a saxophonist and flutiste overflowing with energy and creativity, Damien Argentieri, an organist with huge ears and a very solid team player and Antoine Paganotti, a really dynamic and musical drummer.There was such a great chemistry in the band that I thought to myself that it is time that I record a new album with my recent compositions and I want to do it with these musicians!

This repertoire reflects many of my different musical inspirations, jazz, blues, bebop, latin rhythms etc. There is the title track, “Wes We Can,” that I composed thinking about Wes Montgomery, another tune that Iwrote for John Scofield called “Johnny B Sco,” and nods to Brazilian music that I also love. I sincerely hope that you enjoy listening to this music just as much as me and my fellow musicians enjoy playing it!
—Linus Olsson, Nice, France, August 2021
https://www.freshsoundrecords.com/linus-olsson-albums/55224-wes-we-can-digipack.html

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Empecé a componer en mi adolescencia, más o menos cuando empecé a soñar con una vida en la música. Desde entonces, escribir mis propias melodías siempre me ha parecido una parte natural de ser músico. Con el tiempo y la experiencia, creo que he aprendido a centrarme más en lo esencial de mi escritura. Un amigo músico me dijo una vez que mis melodías parecen "tocarse solas". Para mí es importante dejar que los músicos expresen su personalidad y también quiero dejar mucho espacio para la interacción entre los miembros de la banda. Así disfrutamos en el escenario y emocionamos a la gente del público, que está allí para pasar un buen rato con nosotros y la música. Para mí, ¡esa es la esencia del jazz!

En los últimos años he tenido la oportunidad de trabajar en Niza, París y Nueva York
con muchos y muy buenos músicos. ¡En noviembre de 2019 toqué dos conciertos en París con Stéphane Guillaume, un saxofonista y flautista desbordante de energía y creatividad, Damien Argentieri, un organista con enormes oídos y un jugador de equipo muy sólido y Antoine Paganotti, un baterista realmente dinámico y musical.Había una química tan grande en la banda que pensé para mí que es hora de que grabe un nuevo álbum con mis composiciones recientes y quiero hacerlo con estos músicos!

Este repertorio refleja muchas de mis diferentes inspiraciones musicales, jazz, blues, bebop, ritmos latinos, etc. Está el tema que da título al disco, "Wes We Can", que compuse pensando en Wes Montgomery, otro tema que escribí para John Scofield llamado "Johnny B Sco", y guiños a la música brasileña que también me encanta. Espero sinceramente que disfruten escuchando esta música tanto como yo y mis compañeros músicos disfrutamos tocándola.
-Linus Olsson, Niza, Francia, agosto de 2021
https://www.freshsoundrecords.com/linus-olsson-albums/55224-wes-we-can-digipack.html


www.linusolssonmusic.com ...

 

Hot Club De Norvège • Swinging With Jimmy Rosenberg

 

www.facebook.com/hotclubdenorvege ...

Colaborador / Contributor:  Mich58

VA • Blue Note Rare Grooves

 

Brother Jack McDuff, Candido, Donald Byrd, Elvin Jones, Jimmy McGriff, John Patton, Larry Young, Reuben Wilson, Richard ''Groove'' Holmes, Stanley Turrentine. 

Jimmy McGriff • Cherry

 

 

Biography by Steve Huey
One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.

James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.

With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.

McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.

In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.

McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.

After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

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Biografía de Steve Huey
Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal de Filadelfia. Era casi con certeza el más blues de los principales pioneros del soul-jazz y, de hecho, a menudo insistía en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para difuminar las líneas de clasificación. Su sonido, ritmos profundos y realistas empapados de blues y sentimiento gospel, lo hizo bastante popular entre el público de R & B, incluso más que algunos de sus compañeros.; lo que es más, fue capaz de condensar esos encantos en sencillos concisos, funky y listos para tocadiscos que a menudo le fueron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reorganización de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito entre los cinco primeros de R&B en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Al amanecer de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su sonido clásico de trío de órgano; por suerte, el soul-jazz vintage pronto volvió a ponerse de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más veteranos del género.

James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaban el piano, y contaba con el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin entre sus primos. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado el bajo acústico y el saxo alto, y también aprendió vibras, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. El bajo siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar suerte con el órgano Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club de Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la secundaria y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la aplicación de la ley una carrera y, después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la fuerza policial de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, quien tenía un concierto regular en el club local Pep's Showboat.

Con el órgano Hammond ganando popularidad en Filadelfia, los trabajos para bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para aprender el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando tan duro como pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp(donde guardaba el instrumento). Saltándose más y más tiempo de trabajo para tocar, finalmente renunció a la fuerza policial y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el sencillo "Foxy Due", grabado para el pequeño sello White Marsh en 1958; presentaba a un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.

McGriff estaba actuando en un pequeño club en Trenton, Nueva Jersey, en 1962, cuando un cazatalentos del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como sencillo y se vendió lo suficientemente bien como para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo recogiera para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción detrás ,"I've Got a Woman" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Cinco en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue publicó el álbum debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi llegando al Top 20 del pop, y generó dos sencillos más en las listas de éxitos de McGriff originals "All About My Girl" (número 12 de R & B, Top 50 pop) y " M. G. Blues."Sue lanzó varios álbumes más de McGriff durante los siguientes dos años, incluidos live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (que produjo el sencillo "Kiko"), el éxito navideño Christmas With McGriff (en realidad, su álbum más alto en las listas en el número 15 pop), Topkapi (una colección de temas de la banda sonora con respaldo orquestal) y otro éxito en las listas, Blues for Mister Jimmy, que resultó ser el último con Sue.

En 1966, McGriff se mudó al sello Solid State, donde se conectó con el productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos durante los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band,que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos alumnos de Count Basie (más tarde se reeditó como tributo a Count Basie). McGriff grabó prolíficamente para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; principalmente una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff obtuvo otro sencillo exitoso con "The Worm", que llegó al Top 30 de R&B y envió al LP del mismo nombre al Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff grabó varios álbumes para Blue Note entre 1969 y 1971, sobre todo Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió con el arreglista/pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluía versiones de pop/rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich a fines de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.

McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque abandonó brevemente el negocio en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música resultó demasiado poderoso para superarlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (generalmente con versiones de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y escenarios de jazz de órgano más tradicionales y de grupos pequeños. Álbumes notables incluyeron Giants of the Organ Come Together de 1973, a summit con su mentor y viejo amigo Groove Holmes; un álbum a dúo con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk más pulido que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y el seguimiento de 1977 Red Beans, que también se vendió respetablemente.

Después de Tailgunner de 1977 (en LRC), la producción grabada de McGriff disminuyó en los años siguientes. Resurgió en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su estilo clásico de blues soul-jazz que comenzó a llevarlo de regreso al centro de atención del jazz. Una serie de álbumes fuertes siguieron durante los años 80, incluidos Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, el aclamado The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de LP de jazz); también grabó una sesión única para Headfirst en 1990, You Ought to Think About Me, que llegó al Top Ten del jazz. Además, McGriff codirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a fines de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido popular On the Blue Side de 1990 (número tres en las listas de jazz). También regresó a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de la cantante de gospel Tramaine Hawkins en 1990. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes entre 1994 y 1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. A medida que el soul-jazz volvió a la popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, McGriff se encontró tocando en conciertos y lugares de alto perfil a ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con Dream Team, que contó con el saxofonista David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en caras conocidas en McGriff recordings en los años venideros. Los seguimientos incluyeron discos sólidos como Straight Up de 1998, Mcgriff's House Party de 2000, Feelin' It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordaba algunos de sus éxitos de los 60.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography