Odell Brown • Plays Otis Redding

Review by Jason Ankeny

After splitting with longtime backing combo the Organ-Izers, Odell Brown teamed with arranger Gene Barge to craft this fitting tribute to fallen soul icon Otis Redding. The all-instrumental set implicitly celebrates Redding the songwriter, not the singer, and Barge's thoughtful large-group charts make sure the music's transition from Memphis R&B to Chicago soul-jazz goes off without a hitch. While Brown delivers some of his funkiest, most inspired Hammond solos on cuts like "Hard to Handle" and "Respect," the overall mood here is more somber than on previous outings -- it's clear Redding's tragic death affected him greatly, and the album channels that grief to create something truly heartfelt.

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Reseña de Jason Ankeny

Después de separar con un largo apoyo a los Organ-Izers, Odell Brown se asoció con el arreglista Gene Barge para crear este tributo al icono del alma caída Otis Redding. El conjunto de instrumentos celebra implícitamente a Redding como compositor, no como cantante, y las listas de éxitos de Barge aseguran que la transición de la música del R&B de Memphis al soul-jazz de Chicago se realice sin problemas. Mientras que Brown ofrece algunos de sus solos más funky e inspirados de Hammond en cortes como "Hard to Handle" y "Respect", el estado de ánimo general aquí es más sombrío que en salidas anteriores - está claro que la trágica muerte de Redding le afectó mucho, y el álbum canaliza ese dolor para crear algo verdaderamente sincero.

Attila Zoller • The Horizon Beyond

 

Biography by Chris Kelsey

The Hungarian-born Attila Zoller was never quite a household name, but jazz musicians in the know considered him one of the music's finest and most original guitarists. After initially achieving a reputation as an excellent bop-oriented player, Zoller developed an interest in free jazz, and in the '60s became one of the music's most accomplished practitioners.

As a child, Zoller was taught classical violin by his father, a professional violinist. In his teens, he switched to flügelhorn, then jazz bass, and finally guitar. Zoller quit school during the Russian occupation of Hungary following World War II and began playing professionally in Budapest jazz clubs. He escaped Hungary in 1948 just before the permanent Soviet blockade of the country, hiking across the mountains to Austria, carrying just his guitar and a few articles of clothing. Zoller became an Austrian citizen, settling in Vienna, where he formed a jazz group with the accordionist Vera Auer. Zoller moved to Germany in the '50s, where he played with pianist Jutta Hipp and saxophonist Hans Koller. Visiting American musicians (notably Oscar Pettiford and Lee Konitz) admired Zoller's work and urged him to move to the U.S., which he did in 1959 after winning a scholarship to the Lenox School of Jazz. There he studied with Jim Hall and roomed with Ornette Coleman, whose influence sparked Zoller's interest in free jazz. Zoller played in drummer Chico Hamilton's group in 1960 and with flutist Herbie Mann from 1962-1965. In 1965, Zoller began leading a free jazz-influenced group with the pianist Don Friedman, and in 1968 co-led a group with Konitz and trombonist Albert Mangelsdorff. Zoller never turned his back on more traditional forms of jazz, playing swing with vibist Red Norvo and clarinetist Benny Goodman, and bop with saxophonist Stan Getz, among many others. In 1974, Zoller founded the Attila Zoller Jazz Clinics in Vermont (Zoller incorporated in 1985 and the clinics became the Vermont Jazz Center). He remained active as a performer -- in the U.S. and overseas -- until the end of his life. During the '80s and '90s, he recorded several albums for the Enja label with such artists as vibist Wolfgang Lackerschmidt and guitarist Jimmy Raney, as well as longtime collaborators Konitz and Friedman.

Zoller was also a designer of electronic instruments; he patented a bi-directional pickup for guitars in 1971 and helped design his own signature line of guitars with the Framus and Hoefner companies. He also designed a line of strings for the LaBella company. Zoller's final gig was at New York's Zinc Bar with pianist Tommy Flanagan and bassist George Mraz on January 6, 1998; the trio recorded the next day. Zoller died of colon cancer less than three weeks later.
https://www.allmusic.com/artist/attila-zoller-mn0000056405#biography

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Biografía de Chris Kelsey

El húngaro Attila Zoller nunca fue un nombre muy conocido, pero los músicos de jazz entendidos lo consideraban uno de los mejores y más originales guitarristas de la música. Tras labrarse una reputación inicial como excelente intérprete de bop, Zoller se interesó por el free jazz y, en los años 60, se convirtió en uno de los más consumados practicantes de esta música.

De niño, su padre, violinista profesional, le enseñó violín clásico. En su adolescencia, se pasó al flügelhorn, luego al bajo de jazz y finalmente a la guitarra. Zoller dejó la escuela durante la ocupación rusa de Hungría tras la II Guerra Mundial y empezó a tocar profesionalmente en clubes de jazz de Budapest. Escapó de Hungría en 1948, justo antes del bloqueo soviético permanente del país, cruzando las montañas hasta Austria, llevando sólo su guitarra y algunas prendas de ropa. Zoller se nacionalizó austriaco y se instaló en Viena, donde formó un grupo de jazz con la acordeonista Vera Auer. En los años 50 se trasladó a Alemania, donde tocó con la pianista Jutta Hipp y el saxofonista Hans Koller. Los músicos estadounidenses que visitaron el país (sobre todo Oscar Pettiford y Lee Konitz) admiraron el trabajo de Zoller y le instaron a trasladarse a Estados Unidos, lo que hizo en 1959 tras ganar una beca para la Lenox School of Jazz. Allí estudió con Jim Hall y compartió habitación con Ornette Coleman, cuya influencia despertó el interés de Zoller por el free jazz. Zoller tocó en el grupo del batería Chico Hamilton en 1960 y con el flautista Herbie Mann entre 1962 y 1965. En 1965, Zoller empezó a dirigir un grupo con influencias del free jazz con el pianista Don Friedman, y en 1968 codirigió un grupo con Konitz y el trombonista Albert Mangelsdorff. Zoller nunca dio la espalda a las formas más tradicionales del jazz, tocando swing con el vibravibrista Red Norvo y el clarinetista Benny Goodman, y bop con el saxofonista Stan Getz, entre muchos otros. En 1974, Zoller fundó las Clínicas de Jazz Attila Zoller en Vermont (Zoller se incorporó en 1985 y las clínicas se convirtieron en el Centro de Jazz de Vermont). Se mantuvo activo como intérprete -en Estados Unidos y en el extranjero- hasta el final de su vida. Durante los años 80 y 90, grabó varios álbumes para el sello Enja con artistas como el vibravocalista Wolfgang Lackerschmidt y el guitarrista Jimmy Raney, así como con sus colaboradores de siempre Konitz y Friedman.

Zoller también fue diseñador de instrumentos electrónicos; patentó una pastilla bidireccional para guitarras en 1971 y ayudó a diseñar su propia línea de guitarras con las empresas Framus y Hoefner. También diseñó una línea de cuerdas para la empresa LaBella. El último concierto de Zoller fue en el Zinc Bar de Nueva York con el pianista Tommy Flanagan y el bajista George Mraz el 6 de enero de 1998; el trío grabó al día siguiente. Zoller murió de cáncer de colon menos de tres semanas después.
https://www.allmusic.com/artist/attila-zoller-mn0000056405#biography

Milt Jackson • Bags' Opus

 

 

 

The Three Souls • Dangerous Dan Express

 

Jazz Trio from Chicago, led by Sonny Cox (alto) w/ Ken Prince on organ and drummer Robert Shy.

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Trío de Jazz de Chicago, dirigido por Sonny Cox (alto) con Ken Prince en el órgano y el baterista Robert Shy.

Groove Quartet • Do the Right Thing

 

Key Depositfiles for 24hs

 

 

How to activate pass-Gold:
Once registered go to
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At the bottom of the web page it states:
“If you have (purchased) a Gold key and wish to activate it, enter it here and click Activate”.

Please, if you already have a DepositFiles pass, refrain from participating to give other blog visitors the opportunity to benefit. 

It is important, and I would appreciate it if whoever is fortunate enough to achieve this would comment that they have done so.

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Cómo activar pass-Gold:
Una vez registrado ira a
https://depositfiles.org/gold/points.php
Al pie de la página web se indica:
"Si usted tiene (ha comprado) una clave Gold y desea activarla, introdúzcala aquí y haga clic en Activar"

Por favor, si ya cuentas con un pase para DepositFiles, abstente de participar para dar oportunidad a otros visitantes del blog de beneficiarse. 

Es importante y agradecería que quien sea el afortunado, que comente que ya lo ha logrado.

 

Mark Sherman • The L.A. Sessions

 

Biography:

After nearly 30 years of recording, composing, and performing with countless orchestras, jazz artists, and vocal artists, vibraphonist /composer Mark Sherman a Yamaha performing artist and a Vic Firth artist, has a beautiful quintet featuring Joe Magnarelli on trumpet, Allen Farnham on piano, Dean Johnson on bass, and Tim Horner on drums. Winner of Rising Vibes in 2007 and 2008 by Down Beat magazine, Sherman’s recording in 2005 “One Step Closer” featuring Joe Lovano was in the top ten on jazz radio for 12 weeks in the United States. The recording in 2007 “Family First” was the most spun CD in the United States in it’s opening week on the charts, and his most recent recording done live at the Bird’s Eye Jazz Club in Basel, Switzerland at the close of a 2 week European tour, is entitled Mark Sherman Quartet “Live at The Bird’s Eye” and continues to get rave reviews and big radio response. Tied in with most of Sherman's live performances (clubs, and festivals) is a 2 hour master-class on language skills for improvisation, usually done at the local music school or university music department, and sponsored by Yamaha and Vic Firth Co.” These master-classes have been extremely successful at the high school and college level. “I've received countless emails from students telling me how my system for learning the harmonic language needed for playing jazz was the simplest and most user friendly system they've come across, and that it answered many of the confusing questions, and got them improvising on chord changes very quickly.” Mark Sherman's background, Juilliard education, and working, performance and recording experience have all contributed to a unique vision, which incorporates elements of jazz, blues, and classical music. Accomplished as a soloist (vibraphone/piano/drums), ensemble player, composer, and educator, Sherman is in love with music and re-harmonization of chords to explore and give expression to his musical vision. The Bronx-born and raised son of a star soprano who performed with the Cleveland and Boston Symphony Orchestras had 5 years of classical piano lessons before he fell in love with jazz through Lester Young, Charlie Parker and John Coltrane LP's. He had been playing drums for a while and practicing with records, emulating Elvin Jones, when he heard that Elvin was teaching at Frank Ippolito's Professional Percussion Center. Mark sought him out as a teacher. What he learned most from Elvin was a feeling of “loose but intense swing” and how to “channel spiritual energy into music.” Sherman graduated from the High school of Music and Art and then went on to Juilliard, where he had 5 solid years of percussion training with tympani master Saul Goodman, and percussion master Elden (Buster) Bailey. He played in symphonic situations led by Zubin Mehta, Sir George Solti, and Leonard Bernstein, and many other fine conductors. At Juilliard he met another soul at home in both classical and jazz worlds Wynton Marsalis. They jammed together regularly and years later when Columbia Records' George Butler inquired about Mark, Wynton's endorsement helped pave the way for Sherman's record date A New Balance (1986). The first few years after Juilliard he made a living in freelance studio scene in New York City. But more challenging work soon came his way, He found himself in playing situations with, Kenny Kirkland, Rodney Jones, Joe Beck, Jackie & Roy, the NY Philharmonic, the Joffrey Ballet Orchestra, the American Symphony, the NY New Music Ensemble and many other groups. David Chesky wrote a concerto for vibes and orchestra especially for Sherman, which has been performed at Lincoln Center. Mark performed as featured soloist in Darius Milhaud's Concerto For Marimba and Orchestra at Merkin Hall. Sherman went on the road with singers Jackie and Roy(4 years), which led to his recording and working with Peggy Lee (6 years). From her he had lessons in how to “turn a musical phrase” and “subtle time.” Working with the special musicians Lee surrounded herself with (Mike Renzi, Jay Leonhart, Grady Tate, and Jon Chiodini) led to gigs with Mel Torme, and recordings with other singers including Maureen McGovern, Liza Minelli, Tony Bennett, Lena Horne, Ruth Brown, Gloria Lynn, Laverne Butler and many others. He played on records by guitarists Joe Beck and Rodney Jones, and also co- produced Jones' CD “The Unspoken Heart” for Minor Music in Germany. Sherman began touring with R&B pioneer Ruth Brown just at the time when she was being re-appreciated as a jazz singer. But her singing of standards always calls for a heavy dose of blues feeling and blues changes. Mark was exposed to a lot of different blues forms and tempos. In accompanying her he gained a renewed awareness of the blues as the roots of all American popular music. He played vibes and piano on Brown's “Songs Of My Life” (Fantasy records) After recording for small labels, A New Balance (CBS) showcased his skills as a composer, vibraphonist, and pianist. In the last few years Mark has been performing with his group and doing master classes worldwide. Some of his music has been used regularly on TV shows. Mark has toured with guitarist Larry Coryell. He produced two of Coryell's CD’s, I'll Be Over You (CTI records), and Sketches Of Coryell (Shanachie records) and played on “New High”(High Note records). Mark played vibes on Gloria Lynne's “This One's On Me” (High Note records) as well as Lena Horne’s release on (Blue Note records). In addition Mark has eight CD's of his own music “Fulcrum Point”, “A New Balance “(CBS), “Spiral Staircase”, “High Rolling”, “The Motive Series“, “One Step Closer”, “Family First”, and his latest Quartet recording “Live at The Bird’s Eye” which are available globally, and on the internet at www.markshermanmusic.com or www.mileshighrecords.com.

https://musicians.allaboutjazz.com/marksherman

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Biografía:

Después de casi 30 años de grabar, componer e interpretar con innumerables orquestas, artistas de jazz y artistas vocales, el vibrafonista/compositor Mark Sherman, un artista de Yamaha y un artista de Vic Firth, tiene un hermoso quinteto con Joe Magnarelli en la trompeta, Allen Farnham en el piano, Dean Johnson en el bajo y Tim Horner en la batería. Ganador de Rising Vibes en 2007 y 2008 por la revista Down Beat, la grabación de Sherman en 2005 "One Step Closer" con Joe Lovano estuvo en el top ten de la radio de jazz durante 12 semanas en los Estados Unidos. La grabación de 2007 "Family First" fue el CD más hilado en los Estados Unidos en su semana de apertura en las listas de éxitos, y su más reciente grabación, realizada en vivo en el Club de Jazz Bird's Eye de Basilea (Suiza) al final de una gira europea de dos semanas, se titula Mark Sherman Quartet "Live at The Bird's Eye" y sigue obteniendo excelentes críticas y una gran respuesta de la radio. Junto con la mayoría de las actuaciones en vivo de Sherman (clubes y festivales) hay una clase magistral de dos horas sobre conocimientos de idiomas para la improvisación, que se suele hacer en la escuela de música local o en el departamento de música de la universidad, y que está patrocinada por Yamaha y Vic Firth Co. Estas clases magistrales han tenido mucho éxito en la escuela secundaria y en la universidad. "He recibido incontables correos electrónicos de estudiantes diciéndome que mi sistema para aprender el lenguaje armónico necesario para tocar jazz era el más simple y fácil de usar que han encontrado, y que respondía muchas de las preguntas confusas, y los hacía improvisar en cambios de acordes muy rápidamente." La formación de Mark Sherman, la educación en Juilliard y su experiencia laboral, de interpretación y de grabación han contribuido a una visión única, que incorpora elementos de jazz, blues y música clásica. Realizado como solista (vibráfono/piano/batería), intérprete de conjunto, compositor y educador, Sherman está enamorado de la música y de la rearmonización de los acordes para explorar y dar expresión a su visión musical. Nacido en el Bronx y criado como hijo de una soprano estrella que actuó con las orquestas sinfónicas de Cleveland y Boston, recibió 5 años de clases de piano clásico antes de enamorarse del jazz a través de los LP de Lester Young, Charlie Parker y John Coltrane. Había estado tocando la batería durante un tiempo y practicando con discos, emulando a Elvin Jones, cuando escuchó que Elvin estaba enseñando en el Centro de Percusión Profesional de Frank Ippolito. Mark lo buscó como profesor. Lo que más aprendió de Elvin fue un sentimiento de "swing suelto pero intenso" y cómo "canalizar la energía espiritual en la música".

 Sherman se graduó en la Escuela Superior de Música y Arte y luego pasó a Juilliard, donde tuvo 5 años sólidos de entrenamiento en percusión con el maestro de tímpano Saul Goodman, y el maestro de percusión Elden (Buster) Bailey. Tocó en situaciones sinfónicas dirigidas por Zubin Mehta, Sir George Solti, y Leonard Bernstein, y muchos otros buenos directores. En Juilliard conoció a otra alma en su casa, en el mundo de la música clásica y el jazz, Wynton Marsalis. Tocaban juntos regularmente y años más tarde, cuando George Butler de Columbia Records preguntó por Mark, el respaldo de Wynton ayudó a allanar el camino para la fecha de grabación de Sherman, A New Balance (1986). Los primeros años después de Juilliard se ganaba la vida en la escena de los estudios independientes en la ciudad de Nueva York. Pero pronto se encontró con un trabajo más desafiante, se encontró en situaciones de juego con Kenny Kirkland, Rodney Jones, Joe Beck, Jackie & Roy, la Filarmónica de NY, la Joffrey Ballet Orchestra, la American Symphony, el NY New Music Ensemble y muchos otros grupos. David Chesky escribió un concierto para vibráfono y orquesta especialmente para Sherman, que ha sido interpretado en el Lincoln Center. Mark actuó como solista en el Concierto para Marimba y Orquesta de Darius Milhaud en el Merkin Hall. Sherman se fue de gira con los cantantes Jackie y Roy (4 años), lo que le llevó a su grabación y a trabajar con Peggy Lee (6 años). De ella recibió lecciones de cómo "convertir una frase musical" y "tiempo sutil". El trabajo con los músicos especiales con los que Lee se rodeó (Mike Renzi, Jay Leonhart, Grady Tate y Jon Chiodini) llevó a conciertos con Mel Torme y a grabaciones con otros cantantes como Maureen McGovern, Liza Minelli, Tony Bennett, Lena Horne, Ruth Brown, Gloria Lynn, Laverne Butler y muchos otros. Tocó en discos de los guitarristas Joe Beck y Rodney Jones, y también coprodujo el CD de Jones "The Unspoken Heart" para Minor Music en Alemania. Sherman comenzó a hacer giras con la pionera del R&B, Ruth Brown, justo en el momento en que estaba siendo repreciada como cantante de jazz. Pero su canto de los estándares siempre requiere una gran dosis de sentimiento de blues y cambios de blues. Mark estuvo expuesto a un montón de formas y tempos de blues diferentes. Al acompañarla, adquirió una renovada conciencia del blues como las raíces de toda la música popular americana. Tocó vibráfono y piano en "Songs Of My Life" (Fantasy records) de Brown. Después de grabar para pequeños sellos, A New Balance (CBS) mostró sus habilidades como compositor, vibrafonista y pianista. En los últimos años Mark ha estado actuando con su grupo y haciendo clases magistrales en todo el mundo. Parte de su música se ha usado regularmente en programas de televisión. Mark ha hecho giras con el guitarrista Larry Coryell. Produjo dos de los CDs de Coryell, I'll Be Over You (CTI records), y Sketches Of Coryell (Shanachie records) y tocó en "New High" (High Note records). Mark tocó vibras en "This One's On Me" de Gloria Lynne (High Note records) así como en el lanzamiento de Lena Horne (Blue Note records). Además Mark tiene ocho CD's de su propia música "Fulcrum Point", "A New Balance "(CBS), "Spiral Staircase", "High Rolling", "The Motive Series", "One Step Closer", "Family First", y su última grabación de cuarteto "Live at The Bird's Eye" que están disponibles a nivel mundial, y en internet en www.markshermanmusic.com o www.mileshighrecords.com.

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Beverly Guitar Watkins • Back in Business

Beverly "Guitar" Watkins (nacida en 1940, en Atlanta, Georgia) es una guitarrista americana de blues. Sandra Pointer-Jones escribe: "Beverly Watkins es un experta en la guitarra pirotécnica, su manera de tocar la guitarra se ha convertido en cuentos alegóricos dentro de la comunidad blues". George Varga, escuchando de su CD debut, señaló que "canta y toca con aplomo y entusiasmo suficiente como para que los músicos no tengan en cuenta la edad que tiene y se empleen con toda su energía”.

Cuando tenía aproximadamente 12 años, su familia se mudó a Commerce, Georgia. Comenzó a tocar música en el colegio, y luego en la escuela secundaria tocaba el bajo en una banda llamada Billy West Stone and the Down Beats. Aproximadamente en 1959, su primer año de escuela secundaria, fue presentada a Piano Red, que tenía un programa de radio diario en la WAOK, y posteriormente se unió a Piano Red and the Houserockers, con quienes actuó en varias ciudades del área de Atlanta y a continuación, en clubes de Atlanta como el salón Magnolia y el Casino, antes de comenzar la gira por el sureste, principalmente en las universidades. Con el tiempo, el grupo cambió su nombre por Piano Red and the Houserockers y entonces comenzó a viajar a nivel nacional.

El grupo tuvo dos singles de gran éxito: "Dr. Feelgood" y " Right String But The Wrong Yo-Yo ". Después de la grabación "Dr. Feelgood", el grupo fue conocido también como Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, y Dr. Feelgood, The Interns and The Nurse. En el grupo también estaba Roy Lee Johnson (autor de "Mr. Moonlight", más tarde grabada por The Beatles).

Después de la desintegración de la banda, aproximadamente el 1965, Watkins tocó con Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, y luego con Redding and the Houserockers hasta finales de 1980. Posteriormente se fue a Atlanta, deambulando en el Underground Atlanta.

Watkins, no sólo tiene una carrera musical larga y continua, sino que también ha trabajado con artistas como James Brown, BB King y Ray Charles, y ha sido bien conocida dentro de la comunidad de blues durante muchos años. Sin embargo, al igual que le ocurrió a muchos artistas de música con raíces, tanto blancos como negros, le resultó difícil ser reconocida en la radio y alcanzó renombre al final de su carrera, después de que la llegada de Internet hiciera posible que los músicos que no están respaldados por los principales sellos discográficos lleguen a ser escuchados por un público más amplio. Así que Watkins fue re-descubierta por Music Maker Relief Foundation, de Tim Duffy, quien la incluyó en sus shows, y en 1998 fue parte del Tour de la Banda AllStars "Women of the Blues 'Hot Mamas'" junto a Koko Taylor y Rory Block. Su Cd debut de 1999 Back in Business, la devolvió a la escena musical y obtuvo una nominación al premio WC Handy en 2000.

Watkins ha estado actuando a nivel internacional (por ejemplo, el escenario principal en el Festival de blues de Ottawa en 2004) y también en su ciudad natal de Atlanta. Quedó un tiempo apartada de los escenarios por una cirugía en 2005, de la que se recuperó. Realizó una actuación en el “2008 Cognac Blue Festival”.

 

Nota: Beverly falleció 1 de octubre de 2019 (edad 80 años), en Atlanta, Georgia, Estados Unidos. 

Beverly "Guitar" Watkins (born c. 1939, Atlanta, Georgia) is an American black female blues guitarist. Sandra Pointer-Jones writes, "Beverly Watkins is a pyrotechnic guitar maven whose searing, ballistic attacks on the guitar have become allegorical tales within the blues community." George Varga, reviewing her debut CD, observed that Watkins “sings and plays with enough poise and verve to make musicians half her age or younger consider alternative means of employment.”

When Watkins was approximately 12 years old, her family moved to Commerce, Georgia. She began playing music as a schoolchild, and then in high-school played bass for a band called Billy West Stone and the Down Beats. In approximately 1959, her junior year of high school, she was introduced to Piano Red, who had a daily radio show on WAOK, and she subsequently joined Piano Red and the Meter-tones, who played in a number of towns in the Atlanta area, and then Atlanta clubs such as the Magnolia Ballroom and the Casino, before starting to tour throughout the southeast, primarily at colleges. About the time the group renamed itself Piano Red and the Houserockers, they started touring nationally.

The group had two successful singles: "Dr. Feelgood" and "Right String But The Wrong Yo-Yo". After recording "Dr. Feelgood" the group was known variously as Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, and Dr. Feelgood, The Interns, and The Nurse. The group also included Roy Lee Johnson (composer of "Mr. Moonlight", later recorded by The Beatles).

After the breakup of the band in approximately 1965, Watkins played with Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, and then with Leroy Redding and the Houserockers until the late 1980s. Subsequently she has been based in Atlanta, a well-known fixture at the Underground Atlanta.

Watkins, who not only had a long and continuous musical career, but worked with artists like James Brown, B.B. King and Ray Charles, was well known for years within the blues community. However, like many roots musicians, she found it difficult to crack the airwaves and would achieve recognition much later in her career, after the advent of the Internet made it possible for musicians not backed by major labels to be heard by a wider audience. She was re-discovered by Music Maker Relief Foundation founder Tim Duffy, who started booking her in package shows, and in 1998, with Koko Taylor and Rory Block, was part of the all-star Women of the Blues “Hot Mamas” tour. Her 1999 CD debut, Back in Business, earned a W. C. Handy Award nomination in 2000.

Watkins was playing internationally (for example, the Main Stage at the Ottawa Blues Fest in 2004) as well as in her hometown Atlanta until temporarily sidelined by surgery in 2005, but is recovered and taking bookings. She performed a set at the 2008 Cognac Blue Festival.

 

Note: Beverly passed away on October 1, 2019 (at age 80), in Atlanta, Georgia, United States.

 

John Lewis • Jazz Abstractions

 

Review
by Scott Yanow
Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

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Reseña
por Scott Yanow
Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante.
https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226

VA • Thunderbolt!

 

Roby Lakatos • Gypsy violin virtuoso

Roby Lakatos es un violinista Romaní (etnia gitana) de Hungría. Es famoso por su mezcla de música clásica con la música gitana y húngara y temas de jazz.

Roby Lakatos no sólo es un virtuoso abrasador, sino un músico de una versatilidad estilística extraordinaria. Se refieren a él como violinista gitano o "el violinista del diablo", un virtuoso de la clásica, un improvisador de jazz, compositor y arreglista, y una vuelta del siglo 19, y él es en realidad todas estas cosas a la vez. Él es el tipo de músico universal, rara vez se encuentra en nuestro tiempo un intérprete cuya fuerza como se deriva de sus actividades como improvisador y compositor. Ha actuado en las grandes salas y festivales de Europa, Asia y América.

Nacido en 1965 en la legendaria familia de violinistas gitanos descendientes de Janos Bihari, "rey de los violinistas gitanos”, Roby Lakatos fue introducido a la música muy jovencito y a la edad de nueve años hizo su debut público como primer violín en una banda de Romani. Su musicalidad evolucionó no sólo dentro de su propia familia, sino también en el Conservatorio Béla Bartók de Budapest, donde ganó el primer premio de violín clásico en el año 1984. En marzo de 2004, Lakatos, apareció con gran éxito con la Orquesta Sinfónica de Londres en la orquesta de "genio del violín” del festival junto con Maxim Vengerov.

Roby Lakatos ha lanzado cuatro álbumes hasta la fecha para Avanticlassic: Proyecto de Prokofiev, con Polina Leschenko, Poltera cristiana y Martha Argerich, Danza del fuego, el Karma Klezmer con la Orquesta de Cámara Franz Liszt, la cantante yiddish Myriam Fuks y el acordeonista Aldo Granato y, Roby Lakatos con músicos amigos con Stéphane Grappelli, Vadim Repin, Randy Brecker, Lakatos Tony, Marc Fosset y el Cuarteto de Vieuxtemps.

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Roby Lakatos is a Romani (Gypsy) violinist from Hungary. He is renowned for his mix of classical music with Hungarian Romani music and jazz themes.

Romani violinist Roby Lakatos is not only a scorching virtuoso, but a musician of extraordinary stylistic versatility.[citation needed] Equally comfortable performing classical music as he is playing jazz and his own Hungarian folk idiom, Lakatos is the rare musician who defies definition. He is referred to as a gypsy violinist or ‘devil’s fiddler’, a classical virtuoso, a jazz improviser, a composer and arranger, and a 19th-century throwback, and he is actually all of these things at once. He is the kind of universal musician so rarely encountered in our time—a player whose strength as an interpreter derives from his activities as an improviser and composer. He has performed in the great halls and festivals of Europe, Asia and America.

Born in 1965 into the legendary family of Romani violinists descended from János Bihari, ‘King of Gypsy Violinists’, Roby Lakatos was introduced to music as a child and at the age of nine he made his public debut as first violin in a Romani band. His musicianship evolved not only within his own family but also at the Béla Bartók Conservatory of Budapest, where he won the first prize for classical violin in 1984. Between 1986 and 1996, he and his ensemble delighted audiences at the restaurant ‘Les Atéliers de la Grande Ille’ in Brussels, their musical home throughout this period. He has collaborated with Vadim Repin and Stéphane Grappelli, and his playing was greatly admired by Sir Yehudi Menuhin, who always made a point of visiting the place to hear Lakatos. In March 2004, Lakatos appeared to great acclaim with the London Symphony Orchestra in the orchestra’s ‘Genius of the Violin’ festival alongside Maxim Vengerov.

When Roby Lakatos mixes so-called ‘classical music’ with the magic of Hungarian-gypsy vitality, it is not disrespectful toward the classical tradition, but it reflects the deep tradition rooted in the cultural heritage of the Romani people and offers new, refreshing pleasures to the listener and music lover. And just as Liszt, Brahms and others used Hungarian overtones in their compositions, so now the public profits from the reuniting of these classics with their Romani roots. This enlivens all those men and women in whose veins still pulses at least a little bit of the blood of the wandering spirit.

Roby Lakatos has released five albums for avanticlassic to date: Prokofiev project with Polina Leschenko, Christian Poltéra and Martha Argerich; Fire Dance; Klezmer Karma with the Franz Liszt Chamber Orchestra, Yiddish singer Myriam Fuks and accordionist Aldo Granato and; Roby Lakatos with Musical Friends with Stéphane Grappelli, Vadim Repin, Randy Brecker, Tony Lakatos - his brother and established jazz musician in his own right, Marc Fosset and the Vieuxtemps Quartet. La Passion live at Sydney Opera House.

www.facebook.com/RobyLakatosofficial ...

Joe Harriott • Abstract

  

Review by Thom Jurek
This 1961 date recorded in England shows altoist and composer Joe Harriott in full command. Harriott was, like his contemporary Eric Dolphy, a consummate stylist whose tonal and harmonic inquiries led him off the left-hand path of mainstream jazzers. Harriott was interested in how mode and interval, when stretched to their limits by extended harmonics, could create "impressions" of lyricism and melody, without actually engaging them. The reason for this was simple, and a listen to any of the seven originals here -- the cover of "Oleo" is a throwaway -- will attest to it. But "Pictures," "Idioms," and "Tonal" -- constructed by harmony and rhythm, mode, and interval -- could be used to invert standard notions in that space and leave room for musicians or listeners to create their own impressions of what that sound world might be. Rhythmically, the quintet was also interesting, in that they allowed the standard notions of jazz time to fade into freer constructs that undid rhythm altogether -- check out the percussion on "Shadows" and try to find a time signature anywhere, though the ensemble has no trouble playing or keeping together during Harriott's raw, bluesed-out solo. Drummers Bobby Orr and Paul Seamen (who alternated) were both amazing. Pianist Pat Smythe was the driving force in the rhythm section, creating very large chords and pulsing them along modal lines to keep everyone focused. Trumpeter Shake Keane was the perfect lyrical foil for Harriott, in that his smooth, high-register approach contrasted brightly with Harriott's gospel and guttersnipe honk, and bassist Coleridge Goode was the technician of atmosphere for this band. Abstract is wonderful; it shows that the Brits were taking the new jazz of the early '60s and placing a spin on it because they had a few players like Joe Harriott. Here is a musician deserving of a wide reappraisal. Let's hope he gets it.
https://www.allmusic.com/album/abstract-mw0000997054

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Reseña de Thom Jurek
Esta fecha de 1961 grabada en Inglaterra muestra al altoista y compositor Joe Harriott en pleno dominio. Harriott era, como su contemporáneo Eric Dolphy, un estilista consumado cuyas indagaciones tonales y armónicas lo desviaron del camino de la izquierda de los jazzistas convencionales. Harriott estaba interesado en cómo el modo y el intervalo, cuando se extendían hasta sus límites mediante armónicos extendidos, podían crear "impresiones" de lirismo y melodía, sin involucrarlos realmente. La razón de esto fue simple, y una escucha de cualquiera de los siete originales aquí, la versión de" Oleo " es desechable, lo atestiguará. Pero "Imágenes", "Modismos" y "Tonal", construidos por armonía y ritmo, modo e intervalo, podrían usarse para invertir las nociones estándar en ese espacio y dejar espacio para que los músicos u oyentes creen sus propias impresiones de lo que ese mundo sonoro podría ser. Rítmicamente, el quinteto también fue interesante, ya que permitieron que las nociones estándar del tiempo de jazz se desvanecieran en construcciones más libres que deshacían el ritmo por completo check mira la percusión en "Shadows" e intenta encontrar un compás en cualquier lugar, aunque el conjunto no tiene problemas para tocar o mantenerse juntos durante el crudo solo de blues de Harriott. Los bateristas Bobby Orr y Paul Seamen (que se alternaron) fueron increíbles. El pianista Pat Smythe fue la fuerza impulsora en la sección rítmica, creando acordes muy grandes y pulsándolos a lo largo de líneas modales para mantener a todos enfocados. El trompetista Shake Keane fue el contraste lírico perfecto para Harriott, ya que su enfoque suave y de registros altos contrastaba brillantemente con el gospel y el bocinazo de guttersnipe de Harriott, y el bajista Coleridge Goode fue el técnico de atmósfera de esta banda. Abstract es maravilloso; muestra que los británicos estaban tomando el nuevo jazz de principios de los 60 y dándole un giro porque tenían algunos músicos como Joe Harriott. Aquí hay un músico que merece una amplia reevaluación. Esperemos que lo consiga.
https://www.allmusic.com/album/abstract-mw0000997054

Psychedelic Popular Music: A History through Musical Topic Theory

 

 

Recognized for its distinctive musical features and its connection to periods of social innovation and ferment, the genre of psychedelia has exerted long-term influence in many areas of cultural production, including music, visual art, graphic design, film, and literature. William Echard explores the historical development of psychedelic music and its various stylistic incarnations as a genre unique for its fusion of rock, soul, funk, folk, and electronic music. Through the theory of musical topics―highly conventional musical figures that signify broad cultural concepts―and musical meaning, Echard traces the stylistic evolution of psychedelia from its inception in the early 1960s, with the Beatles' Rubber Soul and Revolver and the Kinks and Pink Floyd, to the German experimental bands and psychedelic funk of the 1970s, with a special emphasis on Parliament/Funkadelic. He concludes with a look at the 1980s and early 1990s, touching on the free festival scene, rave culture, and neo–jam bands. Set against the cultural backdrop of these decades, Echard's study of psychedelia lays the groundwork and offers lessons for analyzing the topic of popular music in the twentieth and twenty-first centuries.

 

William Echard (Autor)

Little Richard: The Birth of Rock 'n' Roll

 

A brilliant new biography of the extraordinary, outrageous performer who helped open the floodgates of Rock 'n' Roll. In June, 2007, Little Richard's 1955 Specialty Records single, "Tutti Frutti," topped Mojo magazine's list of "100 Records That Changed the World." But back in the early 1950s, nobody gave Little Richard a second glance. It was a time in America where the black and white worlds had co-existed separately for nearly two centuries. After "Tutti Frutti," Little Richard began garnering fans from both sides of the civil rights divide. He brought black and white youngsters together on the dance floor and even helped to transform race relations.

Little Richard: The Birth of Rock 'n' Roll begins by grounding the reader in the fertile soil from which Little Richard's music sprang. In Macon, Georgia, David Kirby interviews relatives and local characters, who knew Little Richard way back when, citing church and family as his true inspiration. His antics began as early as grade school, performing for his classmates every time the teacher would leave the room, connecting to an age-old American show biz tradition of charade and flummery. On the road, Little Richard faced competition from his peers, honing his stage show and making it, too, an act that could not be counterfeited.
Kirby sees Little Richard as a foxy warrior, fighting with skill and cunning to take his place among the greats. In the words of Keith Richards (on hearing "Tutti Frutti" for the first time), "it was as though the world changed suddenly from monochrome to Technicolor." Those sentiments have consistently been echoed by the music-listening world, and the time is ripe for a reassessment of Little Richard's genius and legacy.


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Lost Soundsː Blacks and the birth of the recording industry, 1890-1919

Biographies of the first African-American recording stars, and how they succeeded against tremendous odds.

"An act of cultural reclamation - the great lost heroes of black performance." New York Times "Brooks has uncovered a wealth of fascinating detail about the record business, its artists and the range of music they recorded 100 years ago. This engaging work of thorough scholarship is essential reading for anyone interested in the birth of commercial recording and African American music in the early part of the 20th century." Samuel Brylawski, Head, Recorded Sound Section, Library of Congress.

 

 

www.amazon.es/Lost-Sounds-Recording-Industry-1890-1919 ...

The Bruce Katz Band • A Deeper Blue

Review:

Keyboardist Bruce Katz showcases his jazz-meets-blues chops on Deeper Blue. Featuring Katz on both the Hammond B-3 organ and piano, the results sound something like a progressive, post-bop jazz group heavily into early-period Ray Charles. Although Katz is the featured player here, the album plays more like a group effort with guitarists Ronnie Earl and Michael Williams coming front and center much of the time. To these ends, "(Why Don't You Just) Go Home!" is a quick and funky Medeski, Martin & Wood-style burner, "Greasy Sticks" is a suitably greasified shuffle, and "Slinky" is a menacing and atmospheric mid-tempo modern blues. Longtime Katz fans and listeners searching for some rootsy and intelligent improvisational music should find much to enjoy here.

by Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/deeper-blue-mw0000209666

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Reseña:

El teclista Bruce Katz muestra sus chuletas de jazz-meets-blues en Deeper Blue. Con Katz en el órgano B-3 de Hammond y en el piano, los resultados suenan como un grupo de jazz progresivo, post-bop, muy metido en el período temprano de Ray Charles. Aunque Katz es el protagonista aquí, el álbum es más bien un esfuerzo de grupo con los guitarristas Ronnie Earl y Michael Williams al frente y en el centro la mayor parte del tiempo. Para estos fines, "(Why Don't You Just) Go Home!" es un rápido y funky Medeski, Martin & Wood-style burner, "Greasy Sticks" es un shuffle adecuadamente engrasado, y "Slinky" es un amenazante y atmosférico blues moderno de medio tiempo. Los fanáticos y oyentes de Katz que han buscado música de improvisación inteligente y de raíz, encontrarán aquí mucho que disfrutar.

por Matt Collar

https://www.allmusic.com/album/deeper-blue-mw0000209666

 

 

www.brucekatzband.com ...

 

The Ventures • Only Hits [Expanded Edition]

 

Biography by John Bush
Not the first but definitely the most popular rock instrumental combo, the Ventures scored several hit singles during the 1960s -- most notably "Walk-Don't Run" and "Hawaii Five-O" -- but made their name in the growing album market, covering hits of the day and organizing thematically linked LPs. Almost 40 Ventures' albums charted, and 17 hit the Top 40. And though the group's popularity in America virtually disappeared by the 1970s, their enormous contribution to pop culture was far from over; the Ventures soon became one of the most popular world-wide groups, with dozens of albums recorded especially for the Japanese and European markets. They toured continually throughout the 1970s and '80s -- influencing Japanese pop music of the time more than they had American music during the '60s.

The Ventures' origins lie in a Tacoma, Washington group called the Impacts. Around 1959, construction workers and hobby guitarists Bob Bogle and Don Wilson formed the group, gigging around Washington state and Idaho with various rhythm sections as backup. They recorded a demo tape, but after it was rejected by the Liberty Records subsidiary Dolton, the duo founded their own label, Blue Horizon. They released one vocal single ("Cookies and Coke"), then recruited bassist Nokie Edwards and drummer Skip Moore and decided to instead become an instrumental group.

Hi Fi in Focus
The Ventures went into the studio in 1959 with an idea for a new single they had first heard on Chet Atkins' Hi Fi in Focus LP. Released on Blue Horizon in 1960, the single "Walk-Don't Run" became a big local hit after being aired as a news lead-in on a Seattle radio station (thanks to a friend with connections). In an ironic twist, Dolton Records came calling and licensed the single for national distribution; by summer 1960, it had risen to number two in the charts, behind only "It's Now or Never" by Elvis Presley. After Howie Johnson replaced Moore on drums, the Ventures began recording their debut album, unsurprisingly titled after their hit single.

The Colorful Ventures
Two singles, "Perfidia" and "Ram-Bunk-Shush," hit the Top 40 during 1960-61, but the Ventures soon began capitalizing on what became a trademark: releasing LPs which featured songs very loosely arranged around a theme implied in the title. The group's fourth LP, The Colorful Ventures, included "Yellow Jacket," "Red Top," "Orange Fire" and no less than three tracks featuring the word "blue" in the title. The Ventures put their indelible stamp on each style of '60s music they covered, and they covered many -- twist, country, pop, spy music, psychedelic, swamp, garage, TV themes. (In the '70s, the band moved on to funk, disco, reggae, soft rock and Latin music.) The Ventures' lineup changed slightly during 1962. Howie Johnson left the band, to be replaced by session man Mel Taylor; also, Nokie Edwards took over lead guitar with Bob Bogle switching to bass.

The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull
One of the few LPs not arranged around a theme became their best-selling; 1963's The Ventures Play Telstar, The Lonely Bull featured a cover of the number one instrumental hit by the British studio band the Tornadoes and produced by Joe Meek. Though their cover of "Telstar" didn't even chart, the album hit the Top Ten and became the group's first of three gold records. A re-write of their signature song -- entitled "Walk-Don't Run '64" -- reached number eight that year. By the mid-'60s however, the Ventures appeared to be losing their touch. Considering the volatility of popular music during the time, it was quite forgivable that the group would lose their heads-up knowledge of current trends in the music industry to forecast which songs should be covered. The television theme "Hawaii Five-O" hit number four in 1969, but the Ventures slipped off the American charts for good in 1972. Instead, the band began looking abroad for attention and -- in Japan especially -- they found it with gusto. After leaving Dolton/Liberty and founding their own Tridex Records label, the Ventures began recording albums specifically for the Japanese market. The group eventually sold over 40 million records in that country alone, becoming one of the biggest American influences on Japanese pop music ever.

Nokie Edwards left the Ventures in 1968 to pursue his interest in horse racing for a time, and was replaced by Gerry McGee; though he returned by 1972, Mel Taylor left the group that year for a solo career, to be replaced by Joe Barile. (Taylor also returned, in 1979.) By the early '80s, the Ventures' core quartet of Wilson, Bogle, Edwards, and Taylor could boast of playing together for over 20 years. Edwards left the band for good in 1984 (replaced again by Gerry McGee), and the following decades were marked by the deaths of several of the group's earliest members -- Mel Taylor died midway through a Japanese tour in 1996 (replaced by his son Leon), co-founder Bob Bogle died in 2009, and Nokie Edwards himself died in 2018 -- yet latter-day incarnations of the Ventures continued to pack venues around the world.
https://www.allmusic.com/artist/the-ventures-mn0000921965/biography

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Biografía de John Bush
No es el primer pero definitivamente el más popular combo instrumental de rock, los Ventures consiguieron varios singles de éxito durante los años 60 - más notablemente "Walk-Don't Run" y "Hawaii Five-O" - pero se hicieron un nombre en el creciente mercado de álbumes, cubriendo éxitos del día y organizando LPs temáticamente vinculados. Casi 40 álbumes de Ventures se colocaron en la lista de éxitos, y 17 llegaron al Top 40. Y aunque la popularidad del grupo en América prácticamente desapareció en los años 70, su enorme contribución a la cultura pop estaba lejos de haber terminado; los Ventures pronto se convirtieron en uno de los grupos más populares del mundo, con docenas de álbumes grabados especialmente para los mercados japonés y europeo. Hicieron giras continuas durante los años 70 y 80 - influenciando la música pop japonesa de la época más que la música americana de los años 60.

Los orígenes de The Ventures se encuentran en un grupo de Tacoma, Washington, llamado The Impacts. Alrededor de 1959, los trabajadores de la construcción y los guitarristas aficionados Bob Bogle y Don Wilson formaron el grupo, actuando en el estado de Washington y en Idaho con varias secciones rítmicas como respaldo. Grabaron una cinta de demostración, pero después de que fuera rechazada por la filial de Liberty Records, Dolton, el dúo fundó su propio sello, Blue Horizon. Lanzaron un single vocal ("Cookies and Coke"), luego reclutaron al bajista Nokie Edwards y al baterista Skip Moore y decidieron convertirse en un grupo instrumental.

Hi Fi in Focus
The Ventures entraron en el estudio en 1959 con una idea para un nuevo single que habían escuchado por primera vez en el LP Hi Fi in Focus de Chet Atkins. Lanzado en Blue Horizon en 1960, el single "Walk-Don't Run" se convirtió en un gran éxito local después de salir al aire como un avance de noticias en una estación de radio de Seattle (gracias a un amigo con conexiones). En un giro irónico, Dolton Records llamó y licenció el single para su distribución nacional; para el verano de 1960, había subido al número dos de las listas de éxitos, sólo por detrás de "It's Now or Never" de Elvis Presley. Después de que Howie Johnson reemplazara a Moore en la batería, los Ventures comenzaron a grabar su álbum debut, titulado, como era de esperar, después de su exitoso single.

The Colorful Ventures
Dos sencillos, "Perfidia" y "Ram-Bunk-Shush", estuvieron en el Top 40 durante 1960-61, pero los Ventures pronto comenzaron a capitalizar lo que se convirtió en una marca registrada: lanzaron LPs que presentaban canciones muy sueltas dispuestas alrededor de un tema implícito en el título. El cuarto LP del grupo, The Colorful Ventures, incluía "Yellow Jacket", "Red Top", "Orange Fire" y nada menos que tres temas con la palabra "blue" en el título. The Ventures puso su sello indeleble en cada estilo de música de los 60 que cubrieron, y cubrieron muchos... temas de twist, country, pop, música espía, psicodélica, pantano, garaje, TV. (En los 70, la banda pasó al funk, disco, reggae, soft rock y música latina). La alineación de The Ventures cambió ligeramente durante 1962. Howie Johnson dejó la banda, para ser reemplazado por el hombre de sesión Mel Taylor; también, Nokie Edwards tomó la guitarra principal con Bob Bogle cambiando al bajo.

Los Ventures tocan en Telstar, The Lonely Bull
Uno de los pocos LPs que no se organizaron en torno a un tema se convirtió en su best-seller; The Ventures Play Telstar de 1963, The Lonely Bull, incluía una versión del éxito instrumental número uno de la banda de estudio británica The Tornadoes y fue producido por Joe Meek. Aunque la portada de "Telstar" ni siquiera llegó a las listas de éxitos, el álbum llegó al Top Ten y se convirtió en el primero de los tres discos de oro del grupo. Una reescritura de su canción principal, titulada "Walk-Don't Run '64", alcanzó el número ocho ese año. Sin embargo, a mediados de los 60, los Ventures parecían estar perdiendo su toque. Considerando la volatilidad de la música popular de la época, era bastante perdonable que el grupo perdiera su conocimiento de las tendencias actuales de la industria musical para pronosticar qué canciones deberían ser cubiertas. El tema de televisión "Hawaii Five-O" llegó al número cuatro en 1969, pero los Ventures se salieron definitivamente de las listas de éxitos estadounidenses en 1972. En cambio, la banda comenzó a buscar atención en el extranjero y, especialmente en Japón, la encontró con gusto. Después de dejar Dolton/Liberty y fundar su propio sello Tridex Records, los Ventures comenzaron a grabar discos específicamente para el mercado japonés. El grupo finalmente vendió más de 40 millones de discos sólo en ese país, convirtiéndose en una de las mayores influencias americanas en la música pop japonesa de todos los tiempos.

Nokie Edwards dejó los Ventures en 1968 para dedicarse a las carreras de caballos durante un tiempo, y fue reemplazado por Gerry McGee; aunque regresó en 1972, Mel Taylor dejó el grupo ese año para una carrera en solitario, para ser reemplazado por Joe Barile. A principios de los años 80, el cuarteto principal de los Ventures, formado por Wilson, Bogle, Edwards y Taylor, pudo presumir de haber tocado juntos durante más de 20 años. Edwards dejó la banda definitivamente en 1984 (reemplazado nuevamente por Gerry McGee), y las décadas siguientes estuvieron marcadas por la muerte de varios de los primeros miembros del grupo: Mel Taylor murió a mitad de una gira por Japón en 1996 (reemplazado por su hijo Leon), el cofundador Bob Bogle murió en 2009, y el propio Nokie Edwards murió en 2018.
https://www.allmusic.com/artist/the-ventures-mn0000921965/biography

www.theventures.com ...

  

Cory Weeds • Condition Blue, The Music Of Jackie McLean

 

coryweeds.com ...

mikeledonne.net ... 

www.peterbernsteinmusic.com ... 

 www.joefarnsworthdrums.com ... 

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Beegie Adair • Escape To New York

 

 

 

Biography
Beegie Adair began taking piano lessons at age five. She continued to study piano throughout college, earning a B.S. in Music Education at Western Kentucky State College (later to become Western Kentucky University) in Bowling Green, Kentucky. During and after college, she played in jazz bands, and spent three years teaching music to children before moving to Nashville, where she became a session musician, working at WSM-TV and Radio. After 9 years at the station, she began freelancing studio work, in addition to TV orchestra work. She was rehearsal pianist and utility keyboard on the Johnny Cash Show on ABC from 1969-1971. She has many album credits with musicians all around the world, including John Stewart, John Loudermilk, J.J. Cale, Ronnie Milsap and Mickey Newbury. Her TV credits include shows with Peggy Lee, Mama Cass Elliott, Dinah Shore, Chet Atkins, Dolly Parton, Carol Burnett, Lucille Ball. She has accompanied such artists as Urbie Green, Nat Adderley, Lew Tabackin, Perry Como, Wayne Newton, Steve Allen and Henry Mancini in live concerts.
 She and her husband also started a jingle company to write music for commercials. In 1982, she and saxophonist Denis Solee formed the Adair-Solee Quartet, which evolved into the Be-Bop Co-Op, a jazz sextet. She made her first album under her own name, Escape to New York, with a rhythm section consisting of Bob Cranshaw and Gregory Hutchinson.
Adair has recorded and appeared in over 90 recordings (34 of which are recorded with her trio, the Beegie Adair Trio, which consists of bassist Roger Spencer and percussionist Chris Brown), ranging from Cole Porter standards to Frank Sinatra classics to romantic World War II ballads. Her 6-CD Centennial Composers Collection of tunes by Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael and Berlin became an instant collectible classic upon its release. Mrs. Adair cites George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson and Erroll Garner among her influences.
In the late 80s, Beegie hosted Improvised Thoughts, a popular radio talk/music show on the local NPR affiliate, featuring local and international jazz artists including such greats as Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson and Helen Merrill. She has guested on McPartland’s internationally-known Piano Jazz show twice. In 2002, Beegie joined one of the most exclusive rosters in the world when she became a Steinway Artist. An honor only bestowed upon 1,600 pianists in the world including Lang Lang, Diana Krall, Harry Connick, Jr., Michael Legrand, Billy Joel and the "immortals" like Irving Berlin, Cole Porter, Sergei Rachmaninoff, and Arthur Rubinstein.
She and her trio continue to play in jazz clubs and festivals around the world and was the top selling jazz artist in Japan in 2010. In January, Beegie received a very warm welcome from her fans in New York, making her debut appearance at Birdland, with Monica Ramey in January 2011. They made a second appearance at the historic jazz venue one year later.
She currently lives in Franklin, Tennessee with her husband, Billy, who is an associate professor of jazz studies at the Blair School in Vanderbilt University. She is a Board & Faculty member of the Nashville Jazz Workshop and performs regularly in Nashville. wiki

Biografía
Beegie Adair comenzó a tomar clases de piano a los cinco años. Continuó estudiando piano durante toda la universidad, obteniendo una licenciatura en Educación Musical en el Western Kentucky State College (que más tarde se convertiría en la Western Kentucky University) en Bowling Green, Kentucky. Durante y después de la universidad, tocó en bandas de jazz y pasó tres años enseñando música a niños antes de mudarse a Nashville, donde se convirtió en músico de sesión, trabajando en WSM-TV y Radio. Después de 9 años en la emisora, comenzó a trabajar como freelance en estudios, además de trabajar en orquestas de televisión. Fue pianista de ensayo y teclado utilitario en el programa Johnny Cash de la ABC de 1969 a 1971. Tiene muchos créditos de álbumes con músicos de todo el mundo, incluyendo John Stewart, John Loudermilk, J.J. Cale, Ronnie Milsap y Mickey Newbury. Sus créditos de televisión incluyen programas con Peggy Lee, Mama Cass Elliott, Dinah Shore, Chet Atkins, Dolly Parton, Carol Burnett, Lucille Ball. Ha acompañado a artistas como Urbie Green, Nat Adderley, Lew Tabackin, Perry Como, Wayne Newton, Steve Allen y Henry Mancini en conciertos en vivo.
 Ella y su marido también fundaron una compañía de jingle para escribir música para anuncios. En 1982, ella y el saxofonista Denis Solee formaron el cuarteto Adair-Solee, que se convirtió en el Be-Bop Co-Op, un sexteto de jazz. Hizo su primer álbum bajo su propio nombre, Escape to New York, con una sección rítmica compuesta por Bob Cranshaw y Gregory Hutchinson.
Adair ha grabado y aparecido en más de 90 grabaciones (34 de las cuales están grabadas con su trío, el Beegie Adair Trio, formado por el bajista Roger Spencer y el percusionista Chris Brown), que van desde los estándares de Cole Porter a los clásicos de Frank Sinatra y las baladas románticas de la Segunda Guerra Mundial. Su 6-CD Centennial Composers Collection de temas de Rodgers, Gershwin, Kern, Ellington, Carmichael y Berlin se convirtió en un clásico de colección instantáneo en el momento de su lanzamiento. La Sra. Adair cita a George Shearing, Bill Evans, Oscar Peterson y Erroll Garner entre sus influencias.
A finales de los años 80, Beegie fue el anfitrión de Improvised Thoughts, un popular programa de música y charlas en la radio de la filial local de NPR, que presentaba a artistas de jazz locales e internacionales, entre los que se encontraban grandes figuras como Tony Bennett, Joe Williams, Marian McPartland, Benny Golson y Helen Merrill. Ha sido invitada dos veces al internacionalmente conocido programa de piano jazz de McPartland. En 2002, Beegie se unió a una de las listas más exclusivas del mundo cuando se convirtió en una artista de Steinway. Un honor que sólo se otorga a 1.600 pianistas en el mundo, incluyendo a Lang Lang, Diana Krall, Harry Connick, Jr., Michael Legrand, Billy Joel y los "inmortales" como Irving Berlin, Cole Porter, Sergei Rachmaninoff y Arthur Rubinstein.
Ella y su trío siguen tocando en clubes y festivales de jazz de todo el mundo y fue la artista de jazz más vendida en Japón en 2010. En enero, Beegie recibió una muy cálida bienvenida de sus fans en Nueva York, haciendo su debut en Birdland, con Monica Ramey en enero de 2011. Un año después, hicieron una segunda aparición en el histórico escenario del jazz.
Actualmente vive en Franklin, Tennessee, con su marido, Billy, que es profesor asociado de estudios de jazz en la Escuela Blair de la Universidad de Vanderbilt. Es miembro de la Junta y de la Facultad del Taller de Jazz de Nashville y actúa regularmente en Nashville. wiki 

 

 

 beegieadair.com ...

The Perceptions • Introducing The Perceptions

 

Miles Davis • Miles Davis & The Modern Jazz Giants

 

Review from All About Jazz (by Douglas Payne):
Hyperbole aside, this disc's title could hardly be more accurate. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. That doesn't even count the legendary rhythm sections (Percy Heath and Kenny Clarke in one, Red Garland, Paul Chambers and Philly Joe Jones in the other). Miles Davis And The Modern Jazz Giants is made up of two sessions, with four tracks from an all-star group with Jackson and Monk from 1954 (which also yielded the title track to Davis's Bags Groove) and one track from the first of the famous 1956 Davis quintet's marathon recordings that produced Workin', Steamin', Cookin' and Relaxin'. The music is unquestionably excellent, yielding sterling and signature input from each participant. The first of these two sessions is famous for being the one where the cranky trumpeter was miffed by the cantankerous Monk's playing behind his solos. "That's bullshit," according to label owner and session supervisor Bob Weinstock in the recently released The Prestige Records Story box set (and confirmed in this disc's liner notes by Ira Gitler). "Miles didn't want him to comp on one tune. There was no hostility, no fighting. I've heard that story many times but those guys had total respect for each other." Indeed, the musical evidence bears Weinstock out. The rapport among these leaders — however edgy it certainly must have been in the studio on that Christmas Eve day — works to the music's advantage. The quintet excels on Davis's "Swing Spring," Monk's "Bemsha Swing" and two very different takes of Gershwin's "The Man I Love." The lone 1956 track is Davis's breathtaking signature reverie on Monk's "'Round Midnight," with the trumpeter's familiar and definitive quintet. This collection essentially documents two important summit meetings from some of the greatest individuals jazz has ever known. Hyperbole aside, the results are significant and timeless.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne

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Reseña de All About Jazz (por Douglas Payne):
La hipérbole aparte, el título de este disco difícilmente podría ser más preciso. Miles Davis. Milt Jackson. Thelonious Monk. John Coltrane. Y eso sin contar las legendarias secciones rítmicas (Percy Heath y Kenny Clarke en una, Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones en la otra). Miles Davis And The Modern Jazz Giants está compuesto por dos sesiones: cuatro temas de un grupo all-star con Jackson y Monk de 1954 (que también produjo el tema titular del Bags Groove de Davis) y un tema de la primera de las famosas sesiones maratón del quinteto de Davis de 1956, que produjeron Workin', Steamin', Cookin' y Relaxin'. La música es inequívocamente excelente, ofreciendo aportes brillantes y característicos de cada participante. La primera de estas dos sesiones es famosa por ser aquella en la que el malhumorado trompetista estaba molesto con el juego de acompañamiento del obstinado Monk detrás de sus solos. "Eso es una tontería", según el dueño del sello y supervisor de sesión Bob Weinstock en el recientemente publicado box set The Prestige Records Story (y confirmado en las notas del liner de este disco por Ira Gitler). "Miles no quería que él acompañara en un tema. No había hostilidad, ni peleas. He escuchado esa historia muchas veces pero esos tipos se tenían total respeto mutuo." De hecho, la evidencia musical le da la razón a Weinstock. La compenetración entre estos líderes — por tensa que ciertamente debió de haber sido en el estudio en aquel día de Nochebuena — trabaja a favor de la música. El quinteto brilla en "Swing Spring" de Davis, "Bemsha Swing" de Monk y dos takes muy diferentes de "The Man I Love" de Gershwin. El único tema de 1956 es la ensoñación emblemática y sobrecogedora de Davis sobre "'Round Midnight" de Monk, con el familiar y definitivo quinteto del trompetista. Esta colección documenta esencialmente dos importantes cumbres de algunos de los más grandes individuos que el jazz haya conocido. La hipérbole aparte, los resultados son significativos e imperecederos.
https://www.allaboutjazz.com/miles-davis-and-the-modern-jazz-giants-miles-davis-prestige-records-review-by-douglas-payne