Thursday, September 10, 2026

Mike Di Lorenzo • Soul To Soul

 



As a New York based freelance musician, keyboardist Mike DiLorenzo has had the opportunity to perform as a sideman on piano, organ, and synthesizers with a wide range of artists whose styles range from Rhythm and Blues to Latin and Jazz..  Starting with classical piano lessons at the age of 7,  has led to performances with such artists as Whitney Houston, Cissy Houston, the grammy award winning NJ Mass Choir, Gerald Alston, Regina Belle, Tisha Campbell, Bo Diddley, Little Anthony and the Imperials and The Shirelles among many others and the Delaware and North Carolina Symphonies. He has performed in such NYC landmarks as Carnegie Hall, Radio City Music Hall, Madison Square Garden, the Blue Note and the Apollo Theater as well as various television appearances on NJN. His original compositions and covers have been played on commercial and syndicated radio across the country and Europe and  on reality television shows.

This combination of musical diversity was presented on his first project as a leader entitled "Urbanized".  "The idea behind the cd was to create a blend of melodic, jazzy, groove oriented music with contemporary appeal." This mixture of contemporary jazz and R&B mixed with hip-hop and latin elements interacts wonderfully providing a tasteful blend of street beats and melodic improvisation.  This concept was then expanded in 2011 with 'Bring It Back" featuring vocalist Norman Durham where the cd made it to #12 on JazzWeek Smooth Jazz Album Charts in November 2011 and #9 on the JazzWeek's Singles Chart for "Can't Hide Love".
http://www.mikedilorenzo.com/about/4519745435

///////

Como músico independiente radicado en Nueva York, el teclista Mike DiLorenzo ha tenido la oportunidad de actuar como sideman en el piano, el órgano y los sintetizadores con una amplia gama de artistas cuyos estilos van desde el Ritmo y el Blues hasta el Latín y el Jazz.  Comenzando con lecciones de piano clásico a la edad de 7 años, ha llevado a actuaciones con artistas como Whitney Houston, Cissy Houston, el ganador del premio Grammy NJ Mass Choir, Gerald Alston, Regina Belle, Tisha Campbell, Bo Diddley, Little Anthony and the Imperials y The Shirelles entre muchos otros y las Sinfonías de Delaware y Carolina del Norte. Ha actuado en lugares tan importantes de la ciudad de Nueva York como el Carnegie Hall, el Radio City Music Hall, el Madison Square Garden, el Blue Note y el Apollo Theater, así como en varias apariciones televisivas en la NJN. Sus composiciones originales y portadas han sido tocadas en la radio comercial y sindicada en todo el país y Europa y en programas de televisión de realidad.

Esta combinación de diversidad musical fue presentada en su primer proyecto como líder titulado "Urbanizado".  "La idea detrás del cd era crear una mezcla de música melódica, jazzy, orientada al groove con un atractivo contemporáneo." Esta mezcla de jazz contemporáneo y R&B mezclado con elementos de hip-hop y latinos interactúa maravillosamente proporcionando una mezcla de buen gusto de ritmos callejeros e improvisación melódica.  Este concepto se amplió en 2011 con "Bring It Back" con el vocalista Norman Durham, donde el cd alcanzó el número 12 en las listas de álbumes de JazzWeek Smooth Jazz en noviembre de 2011 y el número 9 en la lista de singles de JazzWeek por "Can't Hide Love".
http://www.mikedilorenzo.com/about/4519745435
   
 
 

Philip Catherine • Manoir de mes Rêves

 

 



Guitar greats Philip Catherine and Paulo Morello got to know and appreciate each other in 2010 jamming together at the Burghausen Jazz Festival. In 2017 they teamed up with bassist Sven Faller to start a real collaboration. The chemistry of this trio turned out to be just right and lead to a number of well-received concerts. After successfully continuing their tour in 2018 they decided it was time to document their efforts in a recording. They named it after one of their favorite compositions by European jazz pioneer Django Reinhardt: “Manoir de mes Rêves.
https://www.jazzmessengers.com/es/81479/philip-catherine/manoirdemesreves

/////////


Los grandes de la guitarra Philip Catherine y Paulo Morello se conocieron y apreciaron en 2010 improvisando juntos en el Festival de Jazz de Burghausen. En 2017 se unieron al bajista Sven Faller para iniciar una verdadera colaboración. La química de este trío resultó ser la adecuada y dio lugar a una serie de conciertos bien recibidos. Tras continuar con éxito su gira en 2018, decidieron que era el momento de documentar sus esfuerzos en una grabación. Le pusieron el nombre de una de sus composiciones favoritas del pionero del jazz europeo Django Reinhardt: "Manoir de mes Rêves".
https://www.jazzmessengers.com/es/81479/philip-catherine/manoirdemesreves



www.philipcatherine.com ...


Sam Phillips The Man Who Invented Rock n Roll

 

 


The music that he shaped in his tiny Memphis studio with artists as diverse as Elvis Presley, Ike Turner, Howlin' Wolf, Jerry Lee Lewis, and Johnny Cash, introduced a sound that had never been heard before. He brought forth a singular mix of black and white voices passionately proclaiming the vitality of the American vernacular tradition while at the same time declaring, once and for all, a new, integrated musical day.

With extensive interviews and firsthand personal observations extending over a 25-year period with Phillips, along with wide-ranging interviews with nearly all the legendary Sun Records artists, Guralnick gives us an ardent, unrestrained portrait of an American original as compelling in his own right as Mark Twain, Walt Whitman, or Thomas Edison.

 

 

 

Memphis Minnie • Hoodoo Lady

 



Memphis Minnie [1897-1973] guitarrista, cantante y compositora, generadora de country-blues y blues fresco y al mismo tiempo visceral, que nos llega a este siglo con la misma frescura que entonces.

///////

Memphis Minnie [1897-1973] guitarist, singer and songwriter, generating country-blues and cool blues and visceral at the same time, that comes to this century with the same freshness that time.



Wednesday, September 9, 2026

The Modest Jazz Trio • Good Friday Blues

 






Ray Nance • Body And Soul

 



Ray no sólo fue violinista sino también trompetista y cantante. Este disco es de su faceta con el violín del año 1969.

///////

 Ray was not only cool but also trumpeter and singer. This album is his role with the violin of 1969.

 
 

Review by Ken Dryden
This is a very unusual date by Ray Nance, as he sticks exclusively to violin with an occasional vocal. Accompanied by either Jaki Byard or Roland Hanna on piano, the shifting supporting cast also includes guitarists Tiny Grimes and Tommy Lucas, and tenor saxophonist Brew Moore. Nance swings like mad through "Get Happy" with some hot licks from Grimes and Lucas, and delivers a poignant "Body and Soul" in a duet with Hanna. Some of the pop tunes from the 1960s fare less well, especially the rather monotonous "Sunny" and an uninspired arrangement of the gospel tune "Oh Happy Day." The two tracks from the Duke Ellington-Billy Strayhorn songbook are the album's highlights. "Guitar Amour" (which strangely omitted guitar in the many renditions of it by Ellington) has a gypsy flavor. But the masterpiece of this long unavailable LP is Nance's dirge-like duet with Hanna of "Take the 'A' Train" (which Nance had earlier performed at Strayhorn's memorial service); it is difficult not to be moved by this emotional arrangement, which contrasts starkly with typical recordings of it.

///////

Revisión por Ken Dryden
Esta es una fecha muy inusual de Ray Nance, ya que se adhiere exclusivamente al violín con una voz ocasional. Acompañado por Jaki Byard o Roland Hanna en el piano, el cambiante reparto también incluye a los guitarristas Tiny Grimes y Tommy Lucas, y al saxofonista tenor Brew Moore. Nance se balancea como loca a través de "Get Happy" con algunas frases calientes de Grimes y Lucas, y ofrece un conmovedor "Body and Soul" en un dúo con Hanna. Algunas de las melodías pop de la década de los sesenta no son tan buenas, especialmente el monótono "Sunny" y un arreglo poco inspirado de la melodía del evangelio "Oh Happy Day". Las dos pistas del libro de canciones de Duke Ellington-Billy Strayhorn son los aspectos más destacados del álbum. "Guitar Amour" (que extrañamente omite la guitarra en las muchas interpretaciones de Ellington) tiene un sabor gitano. Pero la obra maestra de este largo LP no disponible es el dúo de Nance con Hanna como "Take the 'A' Train" (que Nance había realizado anteriormente en el funeral de Strayhorn); es difícil no ser movido por este arreglo emocional, que contrasta fuertemente con las grabaciones típicas de este.


Keith Jarrett • Dramaten Theater Stockholm, September 1972

 



Jarrett is best known for his solo piano performances, which have earned him a devoted following of fans, and a catalog that will remain popular despite the pianist's forced retirement. And Jarrett's portfolio is likely to grow as tapes of live performances surface at a fairly regular clip. Dramaten Theater Stockholm, September 1972 (Restauración 2023), for example, is a rare non-ECM solo concert with all the fire and improvising genius of Jarrett's early masterpieces. The selections that follow are all on the ECM label and are chosen based more on diversity than ranking in the Jarrett solo hierarchy.

“It started out maybe as a result of recording ‘Facing You;’ I can’t remember, but it started out, I remember, at the Heidelberg Jazz Festival [June 1972 – see hereunder], where I was, supposedly, I wasn’t very well-known, I guess, and I came out and did a solo thing, and it was tunes, but I started to connect them somehow. Like, I’d have these transitional parts that connected everything, and then that somehow just moved slowly into the expanded solo concert, where there are no songs whatsoever, and everything is improvised on the spot.”
— Keith Jarrett about the idea of long solo piano concerts

///////


Jarrett es mejor conocido por sus interpretaciones de piano solo, que le han valido seguidores devotos y un catálogo que seguirá siendo popular a pesar del retiro forzado del pianista. Y es probable que la cartera de Jarrett crezca a medida que surjan cintas de presentaciones en vivo a un ritmo bastante regular. Dramaten Theater Stockholm, septiembre de 1972 (Restauración 2023), por ejemplo, es un raro concierto en solitario que no es ECM con todo el fuego y el genio improvisador de las primeras obras maestras de Jarrett. Las selecciones que siguen están todas en la etiqueta ECM y se eligen en función más de la diversidad que de la clasificación en la jerarquía de Jarrett solo.

"Comenzó tal vez como resultado de la grabación de 'Facing You'; no puedo recordar, pero comenzó, recuerdo, en el Festival de Jazz de Heidelberg [junio de 1972-ver a continuación], donde supuestamente no era muy conocido, supongo, y salí e hice algo en solitario, y eran melodías, pero comencé a conectarlas de alguna manera . Como, tendría estas partes de transición que conectaban todo, y luego que de alguna manera simplemente se movían lentamente hacia el concierto solista expandido, donde no hay canciones de ningún tipo, y todo se improvisa en el acto.”
- Keith Jarrett sobre la idea de largos conciertos de piano solo


Astrud Gilberto & Walter Wanderley • A Certain Smile, A Certain Sadness

 
 
 

Steve Nelson • Brothers Under The Sun

 



This outstanding vibraphonist and composer was born in Pittsburgh, Pennsylvania. He graduated from Rutgers University with both Masters and Bachelors degrees in music and his teaching activities have included a position at Princeton University. As a resident of the New York area he has performed and recorded with many great musicians including Kenny Barron, Bobby Watson, Mulgrew Miller, David Fathead Newman, Johnny Griffin and Jackie McLean.

He has appeared at concerts and festivals worldwide and has made three recordings as the leader of his own group. His recordings as a leader include Live At Acireale (Red Records), Full Nelson (Sunnyside) and Communications (Criss Cross). Recordings with others include Mulgrew Miller, David “Fathead” Newman, Kenny Barron, Jackie McLean and Johnny Griffin.
https://musicians.allaboutjazz.com/stevenelson

///////


Este destacado vibrafonista y compositor nació en Pittsburgh, Pensilvania. Se graduó en la Universidad de Rutgers con un máster y una licenciatura en música y su actividad docente ha incluido un puesto en la Universidad de Princeton. Como residente en la zona de Nueva York, ha tocado y grabado con muchos grandes músicos, como Kenny Barron, Bobby Watson, Mulgrew Miller, David Fathead Newman, Johnny Griffin y Jackie McLean.

Ha aparecido en conciertos y festivales de todo el mundo y ha realizado tres grabaciones como líder de su propio grupo. Sus grabaciones como líder incluyen Live At Acireale (Red Records), Full Nelson (Sunnyside) y Communications (Criss Cross). Entre las grabaciones con otros músicos se encuentran Mulgrew Miller, David "Fathead" Newman, Kenny Barron, Jackie McLean y Johnny Griffin.
https://musicians.allaboutjazz.com/stevenelson


inter-jazz.com/web/artists/steve-nelson ...
 

VA • I Ain't Got No Money - 50s South Louisiana Blues

 



Mike LeDonne • Partners in Time



A gifted jazz pianist and Hammond B-3 specialist, Mike LeDonne has earned praise for his deeply swinging work with jazz greats, as well as with his own trio and Groover Quartet. Arriving in New York in the early '80s, LeDonne distinguished himself as a regular member of the Milt Jackson Quartet, the Widespread Depression Orchestra, and as a sideman with such legends as Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, and Benny Golson. Along with sessions for Joshua Redman, Jim Snidero, and Eric Alexander, LeDonne has led his own highly regarded straight-ahead dates including 1988's Bout Time, 1993's Soulmates, and 2005's Night Song. He also leads his own funky Hammond organ group the Groover Quartet with saxophonist Alexander, guitarist Peter Bernstein, and drummer Joe Farnsworth, issuing albums like 2010's The Groover and 2016's That Feelin'.

Born in 1956 in Bridgeport, Connecticut, LeDonne became fascinated by music at a young age while listening to albums at his parent's music store. His father, a guitarist, introduced him to jazz and got him started on piano lessons at age five. By the age of ten, LeDonne was already good enough to begin playing on his father's gigs. After high school, he further honed his skills studying at Boston's New England Conservatory of Music. Graduating in 1979, he moved to New York where he played with the Widespread Depression Orchestra and toured the U.K. with Panama Francis and the Savoy Sultans. Returning to New York in the early '80s, he gained visibility as the house pianist at the noted jazz club Jimmy Ryan's. There, he met and played with a bevy of jazz greats, including Roy Eldridge, Papa Jo Jones, and Vic Dickenson, among others, and toured as a member of the Benny Goodman sextet; he worked with such luminaries as Buddy Tate, Ruby Braff, Art Farmer, James Moody, Dizzy Gillespie, and Sonny Rollins, as well as singers like Annie Ross and Etta Jones. In 1988, LeDonne joined the Milt Jackson Quartet and became the band's musical director after Jackson's death in 1999.

As a leader, LeDonne began recording in 1988, debuting with the post-bop album Bout Time on the Criss Cross label. It featured contributions by trumpeter and flugelhornist Tom Harrell, baritone saxophonist Gary Smulyan, bassist Dennis Erwin, and drummer Kenny Washington. Several more albums followed on Criss Cross throughout the early and mid-'90s, peaking with the sextet album Soulmates, a straight-ahead recording which featured soloists such as alto saxophonist Jon Gordon, tenor saxophonist Joshua Redman, and trumpeter Ryan Kisor. Also during this period, there were sessions with Chris Flory, Duke Robillard, and others.

LeDonne switched to the Double Time label in 1998, issuing To Each His Own, a trio effort with bassist Peter Washington and veteran drummer Mickey Roker. He then paid homage to his former boss, vibraphonist Jackson, on 2001's Bags Groove: A Tribute to Milt Jackson, with saxophonist Jim Snidero, trumpeter Jim Rotondi, altoist Steve Wilson, vibraphonist Steve Nelson, bassist Bob Cranshaw, and drummer Roker. With 2004's Smokin' Out Loud, LeDonne moved to Savant Records showcasing his Hammond B-3 organ chops alongside tenor saxophonist Eric Alexander, guitarist Peter Bernstein, and drummer Joe Farnsworth. Sticking with Savant, he returned a year later with Night Song, a trio date with bassist Ron Carter and drummer Farnsworth. On Fire arrived in 2006 and again showcased LeDonne's organ work with Alexander, Bernstein, and Farnsworth. FiveLive followed in 2008 and featured the pianist in concert at New York's club Smoke with Alexander, Farnsworth, bassist John Webber, and trumpeter Jeremy Pelt.

In 2010, LeDonne continued exploring his love of organ jazz with The Groover, featuring his long-running ensemble dubbed here as the Groover Quartet with saxophonist Alexander, guitarist Bernstein, and drummer Farnsworth. The same group was on board for 2011's Keep the Faith, 2014's I Love Music, and 2015's AwwlRIGHT!, the latter of which also featured Bob Cranshaw and Jeremy Pelt. LeDonne then augmented his Groover Quartet with saxophonist Vincent Herring for 2016's That Feelin', and returned two years later with From the Heart. In 2019, he paired with bassist Christian McBride and drummer Lewis Nash for the trio date Partners in Time.

///////

Un talentoso pianista de jazz y especialista en Hammond B-3, Mike LeDonne ha ganado elogios por su trabajo de profundo swing con los grandes del jazz, así como con su propio trío y Groover Quartet. Al llegar a Nueva York a principios de los 80, LeDonne se distinguió como miembro regular del Milt Jackson Quartet, la Widespread Depression Orchestra, y como acompañante de leyendas como Dizzy Gillespie, Sonny Rollins y Benny Golson. Además de las sesiones para Joshua Redman, Jim Snidero y Eric Alexander, LeDonne ha dirigido sus propias y muy apreciadas fechas de concierto, entre las que se incluyen Bout Time de 1988, Soulmates de 1993 y Night Song de 2005. También dirige su propio grupo de órgano funky Hammond, el Groover Quartet, con el saxofonista Alexander, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Joe Farnsworth, publicando álbumes como The Groover de 2010 y That Feelin' de 2016.

Nacido en 1956 en Bridgeport, Connecticut, LeDonne quedó fascinado por la música a una edad temprana mientras escuchaba los álbumes en la tienda de música de sus padres. Su padre, un guitarrista, le introdujo en el jazz y le hizo empezar a tomar clases de piano a los cinco años. A los diez años, LeDonne ya era lo suficientemente bueno como para empezar a tocar en los conciertos de su padre. Después de la escuela secundaria, perfeccionó sus habilidades estudiando en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra en Boston. Tras graduarse en 1979, se trasladó a Nueva York, donde tocó con la Widespread Depression Orchestra y realizó una gira por el Reino Unido con Panama Francis y los Sultanes de Saboya. Al regresar a Nueva York a principios de los años 80, se hizo famoso como pianista invitado en el famoso club de jazz Jimmy Ryan's. Allí conoció y tocó con un grupo de grandes del jazz, como Roy Eldridge, Papa Jo Jones y Vic Dickenson, entre otros, y realizó una gira como miembro del sexteto de Benny Goodman; trabajó con luminarias como Buddy Tate, Ruby Braff, Art Farmer, James Moody, Dizzy Gillespie y Sonny Rollins, así como con cantantes como Annie Ross y Etta Jones. En 1988, LeDonne se unió al Milt Jackson Quartet y se convirtió en el director musical de la banda tras la muerte de Jackson en 1999.

Como líder, LeDonne comenzó a grabar en 1988, debutando con el álbum post-bop Bout Time en el sello Criss Cross. En él participaron el trompetista y fliscornista Tom Harrell, el saxofonista barítono Gary Smulyan, el bajista Dennis Erwin y el baterista Kenny Washington. Varios álbumes más siguieron en Criss Cross a principios y mediados de los 90, alcanzando su punto máximo con el álbum del sexteto Soulmates, una grabación directa que incluía solistas como el saxofonista alto Jon Gordon, el saxofonista tenor Joshua Redman y el trompetista Ryan Kisor. También durante este período, hubo sesiones con Chris Flory, Duke Robillard, y otros.

LeDonne cambió al sello Double Time en 1998, publicando To Each His Own, un esfuerzo en trío con el bajista Peter Washington y el veterano baterista Mickey Roker. Luego rindió homenaje a su antiguo jefe, el vibrafonista Jackson, en el Bags Groove de 2001: A Tribute to Milt Jackson, con el saxofonista Jim Snidero, el trompetista Jim Rotondi, el altoista Steve Wilson, el vibrafonista Steve Nelson, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Roker. Con Smokin' Out Loud de 2004, LeDonne se trasladó a Savant Records mostrando sus chuletas de órgano Hammond B-3 junto con el saxofonista tenor Eric Alexander, el guitarrista Peter Bernstein y el baterista Joe Farnsworth. Siguiendo con Savant, volvió un año después con Night Song, una cita en trío con el bajista Ron Carter y el batería Farnsworth. On Fire llegó en 2006 y volvió a mostrar el trabajo de LeDonne en el órgano con Alexander, Bernstein y Farnsworth. FiveLive le siguió en 2008 y presentó al pianista en un concierto en el club Smoke de Nueva York con Alexander, Farnsworth, el bajista John Webber y el trompetista Jeremy Pelt.

En 2010, LeDonne continuó explorando su amor por el organo jazz con The Groover, presentando su larga trayectoria como cuarteto Groover con el saxofonista Alexander, el guitarrista Bernstein y el baterista Farnsworth. El mismo grupo estuvo a bordo de Keep the Faith de 2011, I Love Music de 2014 y AwwlRIGHT! de 2015, este último también con Bob Cranshaw y Jeremy Pelt. LeDonne aumentó su Groover Quartet con el saxofonista Vincent Herring para That Feelin' de 2016, y volvió dos años después con From the Heart. En 2019, se emparejó con el bajista Christian McBride y el baterista Lewis Nash para la cita del trío Partners in Time. 
 

mikeledonne.net ...
 

Buddy Rich Sextet • Blues Caravan

 



Arguably the greatest jazz drummer of all time, the legendary Buddy Rich exhibited his love for music through the dedication of his life to the art. His was a career that spanned seven decades, beginning when Rich was 18 months old and continuing until his death in 1987. Immensely gifted, Rich could play with remarkable speed and dexterity despite the fact that he never received a formal lesson and refused to practice outside of his performances. Born Bernard Rich to vaudevillians Robert and Bess Rich on September 30, 1917, the famed drummer was introduced to audiences at a very young age. By 1921, he was a seasoned solo performer with his vaudeville act, "Traps the Drum Wonder." With his natural sense of rhythm, Rich performed regularly on Broadway at the age of four. At the peak of Rich's early career, he was the second-highest paid child entertainer in the world. Rich's jazz career began in 1937 when he began playing with Joe Marsala at New York's Hickory House. By 1939, he had joined Tommy Dorsey's band, and he later went on to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong and Gene Krupa. Rich was regularly featured in Jazz at the Philharmonic during the late 1940s. He also appeared in such Hollywood films as Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) and How's About It (1943). Throughout the 1960s and 1970s, Rich toured with his own bands and opened two nightclubs, Buddy's Place and Buddy's Place II. Both clubs were regularly filled to capacity by fans of the great master drummer. After opening Buddy's Place II, Rich introduced new tunes with elements of rock into his repertoire, demonstrating his ability to adapt to his audience's changing tastes and establishing himself as a great rock drummer. Known for his caustic humor, Rich was a favorite on several television talk shows including the Tonight Show with Johnny Carson, the Mike Douglas Show, the Dick Cavett Show and the Merv Griffin Show. During these appearances, audiences were entertained by Rich's constant sparring with the hosts and his slights of various pop singers. This famed musician received outstanding recognition throughout his career. The Downbeat Magazine Hall of Fame Award, the Modern Drummer Magazine Hall of Fame Award and the Jazz Unlimited Immortals of Jazz Award are just a few of his numerous honors. Rich gained international attention for such master compositions as his 10-minute West Side Story medley.

During his lengthy career, Rich toured around the globe, performing for millions of fans and several world leaders including the King of Thailand, King Hussein of Jordan the Queen of England, and U.S. presidents Franklin Roosevelt, John F. Kennedy and Ronald Reagan. On April 2, 1987, Rich died of heart failure following surgery for a malignant brain tumor. Longtime friend, Frank Sinatra, spoke a touching eulogy at Rich's funeral. Today, Buddy Rich is remembered as one of history's greatest musicians. According to jazz legend Gene Krupa, Rich was "The greatest drummer ever to have drawn breath."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/

///////


Posiblemente el mejor batería de jazz de todos los tiempos, el legendario Buddy Rich demostró su amor por la música dedicando su vida a este arte. Su carrera abarcó siete décadas, desde que Rich tenía 18 meses hasta su muerte en 1987. Inmensamente dotado, Rich podía tocar con notable rapidez y destreza a pesar de que nunca recibió una lección formal y se negaba a practicar fuera de sus actuaciones. Nacido Bernard Rich, hijo de los vodeviles Robert y Bess Rich, el 30 de septiembre de 1917, el famoso batería se dio a conocer al público a una edad muy temprana. En 1921, ya era un experimentado solista con su número de vodevil, "Traps the Drum Wonder". Con su sentido natural del ritmo, Rich actuaba regularmente en Broadway a la edad de cuatro años. En el punto álgido de su carrera, fue el segundo artista infantil mejor pagado del mundo. La carrera jazzística de Rich comenzó en 1937, cuando empezó a tocar con Joe Marsala en el Hickory House de Nueva York. En 1939 se unió a la banda de Tommy Dorsey y más tarde tocó con grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong y Gene Krupa. Rich participó regularmente en Jazz at the Philharmonic a finales de la década de 1940. También apareció en películas de Hollywood como Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) y How's About It (1943). Durante las décadas de 1960 y 1970, Rich realizó giras con sus propias bandas y abrió dos clubes nocturnos, Buddy's Place y Buddy's Place II. Ambos clubes se llenaban regularmente de fans del gran maestro de la batería. Tras abrir Buddy's Place II, Rich introdujo en su repertorio nuevas melodías con elementos de rock, demostrando su capacidad para adaptarse a los gustos cambiantes de su público y consagrándose como un gran batería de rock. Conocido por su humor cáustico, Rich fue uno de los favoritos en varios programas de entrevistas de televisión, como el Tonight Show con Johnny Carson, el Mike Douglas Show, el Dick Cavett Show y el Merv Griffin Show. Durante estas apariciones, el público se divertía con las constantes disputas de Rich con los presentadores y sus desprecios a varios cantantes pop. Este afamado músico recibió destacados reconocimientos a lo largo de su carrera. El Premio del Salón de la Fama de la revista Downbeat, el Premio del Salón de la Fama de la revista Modern Drummer y el Premio de los Inmortales del Jazz de Jazz Unlimited son sólo algunos de sus numerosos honores. Rich se ganó la atención internacional por composiciones maestras como su popurrí de 10 minutos de West Side Story.

Durante su larga carrera, Rich realizó giras por todo el mundo, actuando para millones de fans y varios líderes mundiales, entre ellos el Rey de Tailandia, el Rey Hussein de Jordania, la Reina de Inglaterra y los presidentes estadounidenses Franklin Roosevelt, John F. Kennedy y Ronald Reagan. El 2 de abril de 1987, Rich murió de un fallo cardíaco tras una operación por un tumor cerebral maligno. Su viejo amigo Frank Sinatra pronunció un emotivo elogio en el funeral de Rich. Hoy, Buddy Rich es recordado como uno de los mejores músicos de la historia. Según la leyenda del jazz Gene Krupa, Rich era "El mejor batería que jamás haya exhalado aliento".
https://www.allaboutjazz.com/musicians/buddy-rich/



Woody Shaw • Rosewood

 



Caçulinha • Na Bossa Nova

 



Biografia:
Rubens Antônio da Silva ficou conhecido na história da música popular brasileira por seus inúmeros talentos como multi-instrumentista e por suas grandes contribuições em composições importantes para o cenário musical brasileiro.
Influenciado pelo duo de violeiros formado por seu tio Caçula e seu pai Mariano, Caçulinha tocou os seus primeiros acordes aos 8 anos de idade. A convivência com esses dois grandes nomes da música regional permitiu que o músico iniciasse desde cedo sua trajetória, marcada por muito talento e composições que colaboraram para a evolução da identidade cultural e musical do país.
Sua carreira profissional começou ao lado de seu pai, quando juntos formaram a dupla “Mariano e Caçulinha”. Após o início da década de 50, sua carreira como multi-instrumentista foi impulsionada ao começar a gravar discos e a compor músicas ao lado de grandiosos artistas, como Caetano Veloso, Elis Regina, Elizeth Cardoso, João Gilberto, Jair Rodrigues e Luiz Gonzaga.

////////////


Automatic translation:
Biography:
Rubens Antônio da Silva became known in the history of Brazilian popular music for his many talents as a multi-instrumentalist and for his great contributions in compositions important to the Brazilian music scene.
Influenced by the duo of violeiros formed by his Uncle, and his father Mariano, Caçulinha played his first chords at the age of 8. The coexistence with these two great names of regional music allowed the musician to start his career early, marked by great talent and compositions that contributed to the evolution of the country's cultural and musical identity.
His professional career began alongside his father, when together they formed the duo "Mariano e Caçulinha". After the beginning of the 50's, his career as a multi-instrumentalist was boosted when he began recording records and composing songs alongside great artists like.

////////////


Traducción Automática:
Biografía:
Rubens Antônio da Silva fue conocido en la historia de la música popular brasileña por sus innumerables talentos como multi-instrumentista y por sus grandes contribuciones en composiciones importantes para el escenario musical brasileño.
Influenciado por el dúo de violeiros formado por su tío Caçula y su padre Mariano, Caçulinha tocó sus primeros acordes a los 8 años de edad. La convivencia con estos dos grandes nombres de la música regional permitió que el músico iniciara desde temprana su trayectoria, marcada por mucho talento y composiciones que colaboraron para la evolución de la identidad cultural y musical del país.
Su carrera profesional comenzó al lado de su padre, cuando juntos formaron la pareja "Mariano y Caçulinha". Después de principios de la década de 1950, su carrera como multi-instrumentista fue impulsada al comenzar a grabar discos ya componer canciones junto a grandes artistas, como Caetano Veloso, Elis Regina, Elizeth Cardoso, João Gilberto, Jair Rodrigues y Luiz Gonzaga.




J.J. Johnson • Broadway Express

  



J.J. Johnson is an NEA Jazz Master Considered by many to be the finest jazz trombonist of all time, J.J. Johnson somehow transferred the innovations of Charlie Parker and Dizzy Gillespie to his more awkward instrument, playing with such speed and deceptive ease that at one time some listeners assumed he was playing valve (rather than slide) trombone! Johnson toured with the territory bands of Clarence Love and Snookum Russell during 1941-42 and then spent 1942-45 with Benny Carter's big band.

He made his recording debut with Carter (taking a solo on "Love for Sale" in 1943) and played at the first JATP concert (1944). Johnson also had led plenty of solo space during his stay with Count Basie's Orchestra (1945-46). During 1946-50, he played with all of the top bop musicians including Charlie Parker (with whom he recorded in 1947), the Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-49) and the Miles Davis Birth of the Cool Nonet. His own recordings from the era included such sidemen as Bud Powell and a young Sonny Rollins. J.J., who also recorded with the Metronome All-Stars, played with Oscar Pettiford (1951) and Miles Davis (1952) but then was outside of music, working as a blueprint inspector for two years (1952-54).

His fortunes changed when in August 1954 he formed a two -trombone quintet with Kai Winding that became known as Jay and Kai and was quite popular during its two years. After J.J. and Kai went their separate ways (they would later have a few reunions), Johnson led a quintet that often included Bobby Jaspar.

He began to compose ambitious works starting with 1956's "Poem for Brass" and including "El Camino Real" and a feature for Dizzy Gillespie, "Perceptions"; his "Lament" became a standard. Johnson worked with Miles Davis, during part of 1961-62, led some small groups of his own, and by the late '60s was kept busy writing television and film scores. J.J. Johnson was so famous in the jazz world that he kept on winning DOWN BEAT polls in the 1970s even though he was not playing at all! However, starting with a Japanese tour in 1977, J.J. gradually returned to a busy performance schedule, leading a quintet in the 1980s that often featured Ralph Moore.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jj-johnson/

///////


J. J. Johnson es un Maestro del Jazz NEA Considerado por muchos como el mejor trombonista de jazz de todos los tiempos. ¡J. J. Johnson transfirió de alguna manera las innovaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie a su instrumento más incómodo, tocando con tanta velocidad y facilidad engañosa que en un momento algunos oyentes asumieron que estaba tocando trombón de válvula (en lugar de slide)! Johnson realizó una gira con las bandas territoriales de Clarence Love y Snookum Russell durante 1941-42 y luego pasó 1942-45 con la big band de Benny Carter.

Hizo su debut discográfico con Carter (haciendo un solo en" Love for Sale " en 1943) y tocó en el primer concierto de JATP (1944). Johnson también había liderado mucho espacio en solitario durante su estadía con la Orquesta de Count Basie(1945-46). Durante 1946-50, tocó con todos los mejores músicos de bop, incluido Charlie Parker (con quien grabó en 1947), la Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-49) y Miles Davis Birth of the Cool Nonet. Sus propias grabaciones de la época incluían acompañantes como Bud Powell y un joven Sonny Rollins. J. J., quien también grabó con Metronome All-Stars, tocó con Oscar Pettiford (1951) y Miles Davis (1952), pero luego estuvo fuera de la música, trabajando como inspector de planos durante dos años (1952-54).

Su suerte cambió cuando en agosto de 1954 formó un quinteto de dos trombones con Kai Winding que se conoció como Jay y Kai y fue bastante popular durante sus dos años. Después de que J. J. y Kai tomaran caminos separados (más tarde tendrían algunas reuniones), Johnson dirigió un quinteto que a menudo incluía a Bobby Jaspar.

Comenzó a componer obras ambiciosas a partir de "Poem for Brass" de 1956 e incluyendo "El Camino Real" y un largometraje para Dizzy Gillespie, "Perceptions"; su "Lamento" se convirtió en un estándar. Johnson trabajó con Miles Davis, durante parte de 1961-62, dirigió algunos pequeños grupos propios y, a fines de los 60, se mantuvo ocupado escribiendo partituras para televisión y cine. ¡J. J. Johnson era tan famoso en el mundo del jazz que siguió ganando en las encuestas A LA BAJA en la década de 1970 a pesar de que no tocaba en absoluto! Sin embargo, comenzando con una gira japonesa en 1977, J. J. poco a poco volvió a una apretada agenda de presentaciones, liderando un quinteto en la década de 1980 que a menudo presentaba a Ralph Moore.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jj-johnson/


Brian Charette • Square One

 

 

Organist Brian Charette steps strongly back onto the scene with his 2014 album, "Square One,” his first for Posi-Tone. With guitarist Yotam Silberstein and drummer Mark Ferber, Charette succeeds in offering listeners a fresh take on the art of the organ trio. While the session is definitely straight ahead and features some hard swinging highlights, the music is also elegantly lyrical and brilliantly evocative of a more modern jazz sensibility. With an amazing combination of talents, some brilliant performances, and an evocative program of music, including several amazing new original compositions, "Square One" is sure to bring bright moments to jazz fans everywhere.

///////

El organista Brian Charette regresa con fuerza a la escena con su álbum de 2014, "Square One", su primero para Posi-Tone. Con el guitarrista Yotam Silberstein y el baterista Mark Ferber, Charette logra ofrecer a los oyentes una nueva visión del arte del trío de órganos. Aunque la sesión es definitivamente directa y presenta algunos momentos de swing duro, la música es también elegantemente lírica y brillantemente evocadora de una sensibilidad jazzística más moderna. Con una increíble combinación de talentos, algunas interpretaciones brillantes y un programa musical evocador, que incluye varias composiciones originales nuevas y sorprendentes, "Square One" seguro que aportará momentos brillantes a los aficionados al jazz de todo el mundo.


www.briancharette.com ...


VA • Uptight Tonightː Ultimate 60's Garage Collection

  



Review by Steve Leggett
This 26-track assemblage of vintage '60s garage band singles may not actually be the ultimate garage rock collection (the Nuggets box set probably has that distinction locked up), but Uptight Tonight: Ultimate 60's Garage Collection rips out the attitude and trash riffs pretty darn well, making it perhaps the ultimate single-disc set of this raggedly endearing (and enduring) rock style. There are some well-known garage classics here, like Count Five's genre-defining "Psychotic Reaction," Music Machine's ultra-assertive "Talk Talk," and the Seeds leave-me-be anthem "Pushin' Too Hard," but there are also some less well-known sides like the Sonics' Kinks-on-steroids monster "He's Waitin'," the Wailers' "Hang Up" fuzzfest, and Dean Carter's unhinged and manic version of "Jailhouse Rock." Serious garage band record collectors will already have most of these tracks, but listeners looking for a single-disc compilation to check out what all the fuss is about, or folks looking for a good purchase to supplement the Nuggets box, Uptight Tonight will be darn near perfect. Either way, it hits the nerves like an ice pick full of adrenaline.
https://www.allmusic.com/album/uptight-tonight-ultimate-60s-garage-collection-mw0000187426

///////


Reseña de Steve Leggett
Este conjunto de 26 pistas de singles de bandas de garaje de los años 60 puede que no sea la colección definitiva de rock de garaje (la caja de Nuggets probablemente tiene esa distinción), pero Uptight Tonight: Ultimate 60's Garage Collection desprende la actitud y los riffs basura bastante bien, lo que lo convierte en el disco definitivo de este estilo de rock tan entrañable (y duradero). Hay algunos clásicos del garaje bien conocidos aquí, como "Psychotic Reaction" de Count Five, el ultra-asertivo "Talk Talk" de Music Machine, y el himno de los Seeds "Pushin' Too Hard", pero también hay algunos lados menos conocidos como el monstruo de los Kinks con esteroides "He's Waitin'" de los Sonics, el fuzzfest "Hang Up" de los Wailers, y la versión desquiciada y maníaca de Dean Carter de "Jailhouse Rock". Los coleccionistas serios de discos de bandas de garaje ya tendrán la mayoría de estos temas, pero los oyentes que busquen una compilación de un solo disco para comprobar de qué va todo el alboroto, o la gente que busque una buena compra para complementar la caja de los Nuggets, Uptight Tonight será casi perfecta. En cualquier caso, golpea los nervios como un punzón lleno de adrenalina.
https://www.allmusic.com/album/uptight-tonight-ultimate-60s-garage-collection-mw0000187426


Bob James • Rhodes Scholar- Jazz-Funk Classics 1974 - 1982

 




Jimmy Smith • I'm Gon' Git Myself Together

 



Disco atípico de Jimmy, hay blues, funk, soul, poco jazz y hasta una alcohólica versión de "Sitting On The Dock Of The Bay"

///////

Jimmy's atypical album, there are blues, funk, soul, little jazz and even an alcoholic version of "Sitting On The Dock Of The Bay"


 
 
 

Max Roach • The Max Roach Trio Featuring The Legendary Hasaan

 


Tuesday, September 8, 2026

Herbie Mann • Gagaku & Beyond

 



This is easily the strangest record Herbie Mann ever made -- and that's saying something.  Released as an import-only in 1976, Gagaku & Beyond had Mann working in the world music fusion genre with great success long before new age or "world music" were ever marketing catch phrases.  This set puts the "family of Mann" -- that included bassist Tony Levin, drummer Steve Gadd, guitarist Sam T. Brown, as well as Pat Rebillot on keyboards -- in close proximity to the stellar Japanese ensemble Minuro Muraoka.  Muraoka's group concentrated on performing the royal court music of Japan, gagaku, with original instruments that include samisen, koto, riu teki, kakko, shoko, shakuhachi, and the big drums, taiko o-daiko and the wa-daiko. In addition, on track one, "Shomyo," the two bands are joined by Modern Shomyo Study, a quartet of chanting zen monks.  Exotic, huh? Yes, and so stirring and beautifully textured it's a wonder that hundreds of recordings were not modeled on its subtle ambiences, gloriously rich charts, and tasteful engagements.  Mann's group doesn't try to be Japanese, nor do the Japanese musicians try to be jazzers. They engage each other in a place of respect, frankness, and hauntingly similar intentions: to articulate inner spaces using spare structures to illuminate timbre, breath, space, and tonalities.  Yes, the music is melodic, though some may find "Shomyo" a little jarring with its chants, but they are seamless, edgeless, warm, and full.  The two ensembles don't play together all the time -- there are various configurations at work over the album's five cuts -- but those details are for listeners to sort on their own.  For now, this is, along with Mann's more soul- and bossa-oriented recordings, one of his most essential works: groundbreaking, heartrendingly beautiful, and full of deep, contemplative soul. ~ Thom Jurek, All Music Guide

///////

Este es sin duda el disco más extraño que ha hecho Herbie Mann, y eso es mucho decir.  Editado como disco de importación en 1976, Gagaku & Beyond hizo que Mann trabajara en el género de la fusión de músicas del mundo con gran éxito mucho antes de que la nueva era o la "música del mundo" fueran frases hechas de marketing.  Este conjunto sitúa a la "familia de Mann" -que incluía al bajista Tony Levin, al batería Steve Gadd, al guitarrista Sam T. Brown, así como a Pat Rebillot a los teclados- muy cerca del estelar conjunto japonés Minuro Muraoka.  El grupo de Muraoka se concentró en la interpretación de la música de la corte real de Japón, el gagaku, con instrumentos originales que incluyen el samisen, el koto, el riu teki, el kakko, el shoko, el shakuhachi y los grandes tambores, el taiko o-daiko y el wa-daiko. Además, en la primera pista, "Shomyo", a las dos bandas se les une Modern Shomyo Study, un cuarteto de monjes zen que cantan.  Exótico, ¿eh? Sí, y tan conmovedor y bellamente texturizado que es una maravilla que no se hayan modelado cientos de grabaciones con sus sutiles ambientes, sus gloriosos gráficos y sus compromisos de buen gusto.  El grupo de Mann no intenta ser japonés, ni los músicos japoneses intentan ser jazzistas. Se relacionan entre sí desde el respeto, la franqueza y unas intenciones inquietantemente similares: articular los espacios interiores utilizando estructuras libres para iluminar el timbre, la respiración, el espacio y las tonalidades.  Sí, la música es melódica, aunque algunos pueden encontrar "Shomyo" un poco chocante con sus cantos, pero son fluidos, sin aristas, cálidos y plenos.  Los dos conjuntos no tocan juntos todo el tiempo -hay varias configuraciones en los cinco cortes del álbum-, pero esos detalles deben ser resueltos por los oyentes.  Por ahora, ésta es, junto con las grabaciones más orientadas al soul y a la bossa de Mann, una de sus obras más esenciales: innovadora, desgarradoramente bella y llena de alma profunda y contemplativa. ~ Thom Jurek, All Music Guide



Monk's Music: Thelonious Monk and Jazz History in the Making

 



Thelonious Monk (1917-1982) was one of jazz's greatest and most enigmatic figures. As a composer, pianist, and bandleader, Monk both extended the piano tradition known as Harlem stride and was at the center of modern jazz's creation during the 1940s, setting the stage for the experimentalism of the 1960s and '70s. This pathbreaking study combines cultural theory, biography, and musical analysis to shed new light on Monk's music and on the jazz canon itself. Gabriel Solis shows how the work of this stubbornly nonconformist composer emerged from the jazz world's fringes to find a central place in its canon. Solis reaches well beyond the usual life-and-times biography to address larger issues in jazz scholarship―ethnography and the role of memory in history's construction. He considers how Monk's stature has grown, from the narrowly focused wing of the avant-garde in the 1960s and '70s to the present, where he is claimed as an influence by musicians of all kinds. He looks at the ways musical lineages are created in the jazz world and, in the process, addresses the question of how musicians use performance itself to maintain, interpret, and debate the history of the musical tradition we call jazz.


Amazon ...


No Simple Highway: A Cultural History of the Grateful Dead

 


For almost three decades, the Grateful Dead was America's most popular touring band. No Simple Highway is the first book to ask the simple question of why―and attempt to answer it. Drawing on new research, interviews, and a fresh supply of material from the Grateful Dead archives, author Peter Richardson vividly recounts the Dead's colorful history, adding new insight into everything from the Acid Tests to the band's formation of their own record label to their massive late career success, while probing the riddle of the Dead's vast and durable appeal.

Arguing that the band successfully tapped three powerful utopian ideals―for ecstasy, mobility, and community―it also shows how the Dead's lived experience with these ideals struck deep chords with two generations of American youth and continues today.

Routinely caricatured by the mainstream media, the Grateful Dead are often portrayed as grizzled hippy throwbacks with a cult following of burned-out stoners.
No Simple Highway corrects that impression, revealing them to be one of the most popular, versatile, and resilient music ensembles in the second half of the twentieth century. The band's history has been well-documented by insiders, but its unique and sustained appeal has yet to be explored fully. At last, this legendary American musical institution is given the serious and entertaining examination it richly deserves.

 

Peter Richardson (Author) 

 

Montis, Goudsmit & Directie • Root Up

 

 

Review from Slagwerkkrant: Root Up keeps its groove, swing and infectious energy throughout all eight tracks, with the Hammond, guitar and drums maintaining the listener's attention from beginning to end. [https://slagwerkkrant.nl/nieuws/artikel/2-27974/release-van-de-week-montis-goudsmit--directie--root-up](https://slagwerkkrant.nl/nieuws/artikel/2-27974/release-van-de-week-montis-goudsmit--directie--root-up)

/////// 

Resena de Slagwerkkrant: Root Up mantiene su groove, swing y energia contagiosa a lo largo de sus ocho temas, con el Hammond, la guitarra y la bateria manteniendo la atencion del oyente de principio a fin. [https://slagwerkkrant.nl/nieuws/artikel/2-27974/release-van-de-week-montis-goudsmit--directie--root-up](https://slagwerkkrant.nl/nieuws/artikel/2-27974/release-van-de-week-montis-goudsmit--directie--root-up) 

 

Scary Goldings • Feel

 


 


scary-goldings ...


Barney Kessel • Hair Is Beautiful

 




Review from AllMusic (by Stephen Thomas Erlewine):
On paper, the pairing of bop guitarist Barney Kessel and the hippie musical Hair seems a little unusual, but the results are surprisingly enjoyable. Teaming with guitarist Ike Isaacs, organists Kenny Saloman and Steve Gray, bassist Tony Campo and drummer Barry Morgan, Kessel runs through all the familiar pieces -- "Aquarius," "Frank Mills," "Easy to Be Hard," "Good Morning Starshine" -- injecting them with a spirited sense of swing. Some of the tunes remain slight, and the guitarist doesn't always sound comfortable with the material, but overall it's a fun, albeit minor, entry in Kessel's catalog.
https://www.allmusic.com/album/hair-is-beautiful-mw0000894740

///////


Resena de AllMusic (por Stephen Thomas Erlewine):
Sobre el papel, la combinacion del guitarrista de bop Barney Kessel con el musical hippie Hair parece un tanto inusual, pero los resultados son sorprendentemente agradables. Junto al guitarrista Ike Isaacs, los organistas Kenny Saloman y Steve Gray, el bajista Tony Campo y el baterista Barry Morgan, Kessel recorre todas las piezas conocidas, como "Aquarius", "Frank Mills", "Easy to Be Hard" y "Good Morning Starshine", aportandoles un animado sentido del swing. Algunas de las canciones resultan algo menores, y el guitarrista no siempre parece sentirse comodo con el material, pero en conjunto es una obra divertida, aunque menor, dentro del catalogo de Kessel.
https://www.allmusic.com/album/hair-is-beautiful-mw0000894740


Billy Harper • Love On The Sudan

 

 



Billy Harper's unique music creativity was first noted in Houston, Texas, where, at age 5, he was singing at sacred and secular functions and participating in choral and solo singing events. By age 14, he formed his first Billy Harper Quintet while a student at Evan E. Worthing High School. Graduating cum laude, he went on to study saxophone and music theory at North Texas State University and received his Bachelor of Music degree. He continued graduate studies at NTSU and became a member of their "big band." That year, 1965, the University's big band won first prize at the Kansas Jazz Festival.

Harper moved to New York in 1966 and began attracting attention from some of jazzdom's giants - Gil Evans, Max Roach, Thad Jones, Mel Lewis, Lee Morgan, Art Blakey and the Jazz Messengers. He performed, recorded and toured Europe, Japan, Africa and throughout the United States from 1966 to 1979 with these groups, as well as his own Billy Harper Quintet.

The Billy Harper Quintet began receiving notoriety of its own. In 1966, Harper and his ensemble group were highlighted on the NBC-TV special, "The Big Apple." With more exposure came bigger audiences and bigger demands for appearances.

Throughout Harper's career, there has been a pattern of spiritual growth and innovation. Says Harper: "My feeling is that music should have a purpose. In the past, it always has been used for healing and uplifting and meditation. And that's the way I see my music. I've had people come up after a program to tell me that they felt a spiritual healing from the music. When that happens, then I feel we're fulfilling what we're supposed to do. If people are entertained, that's ok too. But I certainly see a purpose in my music beyond that."

As a teacher and lecturer, Harper has taught at Livingston College and Rutgers University. He has also received a special grant from the New Jersey State Council for the Arts to teach improvisation at 15 high schools. Awards and honors included 3 Music Composition Grants; two from the National Endowment of the Arts, and one from the Creative Arts Program. He also received the International Critics Award for Tenor Saxophone for two years consecutively.

As a recording artist, Billy Harper's album, Black Saint exploded on the international jazz scene in 1976. The reviews all applauded his innovations and prompted the Modern Jazz League of Tokyo to name the album, "Jazz Record of the Year - Voice Grand Prix."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/billy-harper/

///////


La creatividad musical única de Billy Harper se notó por primera vez en Houston, Texas, donde, a los 5 años, cantaba en funciones sagradas y seculares y participaba en eventos corales y de canto solista. A los 14 años, formó su primer quinteto Billy Harper mientras estudiaba en la escuela Secundaria Evan E. Worthing. Graduado cum laude, pasó a estudiar saxofón y teoría musical en la Universidad Estatal del Norte de Texas y recibió su Licenciatura en Música. Continuó sus estudios de posgrado en NTSU y se convirtió en miembro de su " big band."Ese año, 1965, la big band de la Universidad ganó el primer premio en el Festival de Jazz de Kansas.

Harper se mudó a Nueva York en 1966 y comenzó a atraer la atención de algunos de los gigantes del jazz: Gil Evans, Max Roach, Thad Jones, Mel Lewis, Lee Morgan, Art Blakey y los Jazz Messengers. Actuó, grabó y realizó giras por Europa, Japón, África y por todo Estados Unidos de 1966 a 1979 con estos grupos, así como con su propio Quinteto Billy Harper.

El Quinteto de Billy Harper comenzó a recibir notoriedad propia. En 1966, Harper y su grupo ensemble fueron destacados en el especial de NBC-TV, " La Gran Manzana."Con más exposición vinieron audiencias más grandes y mayores demandas de apariciones.

A lo largo de la carrera de Harper, ha habido un patrón de crecimiento espiritual e innovación. Harper dice: "Mi sensación es que la música debería tener un propósito. En el pasado, siempre se ha utilizado para sanar, elevar y meditar. Y así es como veo mi música. He tenido gente que vino después de un programa para decirme que sintieron una sanación espiritual por la música. Cuando eso sucede, entonces siento que estamos cumpliendo con lo que se supone que debemos hacer. Si la gente está entretenida, también está bien. Pero ciertamente veo un propósito en mi música más allá de eso."

Como docente y conferencista, Harper ha enseñado en Livingston College y Rutgers University. También ha recibido una subvención especial del Consejo Estatal de las Artes de Nueva Jersey para enseñar improvisación en 15 escuelas secundarias. Los premios y honores incluyeron 3 Becas de Composición Musical; dos del Fondo Nacional de las Artes y una del Programa de Artes Creativas. También recibió el Premio Internacional de la Crítica al Saxofón Tenor durante dos años consecutivos.

Como artista de grabación, el álbum de Billy Harper, Black Saint explotó en la escena internacional del jazz en 1976. Todas las críticas aplaudieron sus innovaciones y llevaron a la Liga de Jazz Moderno de Tokio a nombrar el álbum "Grabación de Jazz del Año-Gran Premio de Voz"."
https://www.allaboutjazz.com/musicians/billy-harper/


Archie Shepp • Mama Too Tight

 



Review
by Thom Jurek  
The octet Archie Shepp surrounded himself with in 1966 was filled with new and old faces. The twin trombones of Roswell Rudd and Grachan Moncur III embodied this, but so did bassist Charlie Haden and trumpeter Tommy Turrentine, while familiar figures like drummer Beaver Harris and tubaist Howard Johnson had been part of Shepp's regular band. There are four tracks on Mama Too Tight, all of them in some way acting as extensions of the opening three-part suite "A Portrait of Robert Thomson (As a Young Man)." Shepp had hit his stride here compositionally. The track is, at first, a seeming free jazz blowout, but then traces the history of jazz, gospel, and blues breeze through its three sections. Certainly there is plenty of atonality, but there is plenty of harmonic and rhythmic invention, too. The piece, almost 19 minutes in length, has an intricate architecture that uses foreshadowing techniques and complex resolution methods. The title track is a post-bop blues swinger with a killer frontline riff turning in and out as the trombones go head to head. And finally, "Basheer," with an Eastern modality that transposes itself toward blues and folk music, becomes a statement on the transitional ties the '60s were ushering in musically. Here again, lots of free blowing, angry bursts of energy, and shouts of pure revelry are balanced with Ellingtonian elegance and restraint that was considerable enough to let the lyric line float through and encourage more improvisation. This is Shepp at his level best.
https://www.allmusic.com/album/mama-too-tight-mw0000034785

///////


Reseña
por Thom Jurek  
El octeto del que se rodeó Archie Shepp en 1966 estaba lleno de caras nuevas y viejas. Los trombones gemelos de Roswell Rudd y Grachan Moncur III encarnaban esto, pero también lo hacían el bajista Charlie Haden y el trompetista Tommy Turrentine, mientras que figuras conocidas como el baterista Beaver Harris y el tubista Howard Johnson habían formado parte de la banda habitual de Shepp. Hay cuatro temas en Mama Too Tight, todos ellos actuando de alguna manera como extensiones de la suite inicial de tres partes "A Portrait of Robert Thomson (As a Young Man)". Shepp ha alcanzado aquí su mejor momento compositivo. El tema es, al principio, una aparente explosión de free jazz, pero luego traza la historia del jazz, el gospel y la brisa del blues a través de sus tres secciones. Ciertamente hay mucha atonalidad, pero también hay mucha invención armónica y rítmica. La pieza, de casi 19 minutos de duración, tiene una intrincada arquitectura que utiliza técnicas de prefiguración y complejos métodos de resolución. El tema que da título a la obra es un blues swinger post-bop con un riff de primera línea que entra y sale mientras los trombones se enfrentan. Y finalmente, "Basheer", con una modalidad oriental que se transpone hacia el blues y la música folk, se convierte en una declaración sobre los lazos de transición que los años 60 estaban marcando musicalmente. Aquí también, muchos soplos libres, ráfagas de energía furiosa y gritos de puro jolgorio se equilibran con la elegancia ellingtoniana y una contención lo suficientemente considerable como para dejar fluir la línea lírica y fomentar más la improvisación. Este es el mejor nivel de Shepp.
https://www.allmusic.com/album/mama-too-tight-mw0000034785


Colaborador / Contributor:  Pierre


Art Pepper • Mosaic Select 1956-1957

 

 


Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

///////

Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography