Review by Thom Jurek When Tomasz Stanko first started working with a trio of Polish teenagers in 1994 -- Marcin Wasilewski, piano; Slawomir Kurkiewicz, bass; Michal Miskiewicz, drums -- on film projects and live gigs inside his native land, he might have glimpsed, but surely never fully conceived of, the sound that the quartet's relationship would offer a decade later. Suspended Night, on ECM, follows the hugely successful Soul of Things on the same label. It is only the second international offering from this group, but the flowering and maturation of this creative relationship are nothing if not utterly stunning. This ensemble has developed its own bravely compelling yet tonally accessible voice in articulating Stanko's unique compositional language; it is one that opens up the jazz tradition from the inside in startling and wonderful new directions. Suspended Night opens with "Song for Sarah," a ballad that stresses the harmonic language utilized so wonderfully on Soul of Things. Wasilewski's intensely lyrical, Bill Evans-influenced style is the perfect complement to the languid tempo and moving melody of Stanko's balladic utterance. Stanko's playing of the melody moves directly in concert with his pianist's chromatic subtleties, with unhurried, emotional nuance as the rhythm section punctuates his lines with shimmering, dancing colorations and whispers. The rest of the disc is made up of ten "Suspended Variations." They are compositions that offer enough skeletal direction and structure to allow a spacious inner freedom; improvisation feels effortless, innovative in terms of dynamic, tone, and harmonic invention as an exploration of tonal color is combined with space and melodic inquiry that is holistic and open-ended. The dynamic range here is also compelling as it seems to flow and extend rather than explode for the sake of releasing tensions. Where Soul of Things concentrated on intimate dialogue, Suspended Night uses that exchange and extends both subtleties and vagaries while keeping the major tenets of its subject in full view, always with grace and a poetic elegance. This a major new lyric statement that actually looks at jazz as a future music of unfolding investigation rather than as merely a historic tradition celebrating itself. Suspended Night is essential for any serious jazz fan and a wonderful introduction to Stanko's music as well. https://www.allmusic.com/album/suspended-night-mw0000332426
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Reseña de Thom Jurek Cuando Tomasz Stanko comenzó a trabajar con un trío de adolescentes polacos en 1994 (Marcin Wasilewski, piano ; Slawomir Kurkiewicz, bajo; Michal Miskiewicz, batería) en proyectos cinematográficos y conciertos en vivo dentro de su tierra natal, es posible que haya vislumbrado, pero seguramente nunca haya concebido completamente, el sonido que la relación del cuarteto ofrecería una década después. Suspended Night, en ECM, sigue el alma enormemente exitosa de Things en la misma etiqueta. Es solo la segunda oferta internacional de este grupo, pero el florecimiento y la maduración de esta relación creativa no son más que asombrosos. Este conjunto ha desarrollado su propia voz valientemente convincente pero accesible en cuanto al tono al articular el lenguaje compositivo único de Stanko; es uno que abre la tradición del jazz desde adentro en nuevas direcciones sorprendentes y maravillosas. Suspended Night abre con "Song for Sarah", una balada que enfatiza el lenguaje armónico utilizado tan maravillosamente en Soul of Things. El estilo intensamente lírico de Wasilewski, influenciado por Bill Evans, es el complemento perfecto para el tempo lánguido y la melodía conmovedora de la expresión baládica de Stanko. La interpretación de Stanko de la melodía se mueve directamente en concierto con las sutilezas cromáticas de su pianista, con matices emocionales y sin prisas, ya que la sección rítmica puntúa sus líneas con coloraciones brillantes y bailables y susurros. El resto del disco se compone de diez " Variaciones suspendidas."Son composiciones que ofrecen suficiente dirección y estructura esquelética para permitir una libertad interior espaciosa; la improvisación se siente sin esfuerzo, innovadora en términos de dinámica, tono e invención armónica, ya que la exploración del color tonal se combina con el espacio y la investigación melódica que es holística y abierta. El rango dinámico aquí también es convincente, ya que parece fluir y extenderse en lugar de explotar en aras de liberar tensiones. Donde Soul of Things se concentró en un diálogo íntimo, Suspended Night usa ese intercambio y extiende sutilezas y caprichos al tiempo que mantiene a la vista los principios principales de su tema, siempre con gracia y elegancia poética. Esta es una nueva declaración lírica importante que en realidad ve al jazz como una música futura de investigación en desarrollo en lugar de simplemente como una tradición histórica que se celebra a sí misma. Suspended Night es esencial para cualquier fanático serio del jazz y también una maravillosa introducción a la música de Stanko. https://www.allmusic.com/album/suspended-night-mw0000332426
Drummer Manu Katche blossomed as a contemporary jazz drummer and band leader, emerging in the mid-2000s after having played with his share of popular musicians. Born in Saint Maur Des Fossés, France on October 27, 1958, he studied classical piano at age seven in Paris, and at age 15 enrolled at the Conservatorie Nationale de Paris. He then became a session and concert drummer with a wide range of groups, but in the mid-'80s, Katche's stock rose considerably, thanks to his involvement with the touring and recording projects of Peter Gabriel and Sting. A French debut CD It's About Time was followed by a string of engagements as a backup musician. The impressive roster of artists he has played with include Joni Mitchell, Gloria Estefan, Johnny Hallyday, Michael McDonald, Simple Minds, Afro Celt Sound System, Jeff Beck, Al DiMeola, Tears for Fears, Dire Straits, Jan Garbarek, Loreena McKennitt, Youssou N'Dour, Robbie Robertson, Joe Satriani, Tori Amos, Richard Wright, Julia Fordham, the Bee Gees, Joan Armatrading, Tracy Chapman, Bob James and Hilary James, Gipsy Kings, Anna Marie Jopek, Black Eyed Peas, Kyle Eastwood, and David Lanz. After issuing a demo for the Zildjian cymbal company in 1999, he joined the ECM stable of artists., releasing his breakout recording Neighbourhood, with help from labelmates Jan Garbarek, Tomasz Stanko, and Stanko bandmembers Marcin Wasilewski and Slawomir Kurkiewicz. Katche's ECM follow-up Playground came out in 2007 with assistance from saxophonist Trygve Seim and trumpeter Mathias Eick. Katche has also worked with popular Croatian singer Gibonni on his albums Mirakul (2001) and Unca Fibre (2006). From 2003 to 2007, Katche, producer Dove Attia, composer André Manoukian, and singer Marianne James comprised the judges panel for Nouvelle Star, the French Television version of American Idol. He has performed on film soundtracks Quand Les Etoiles, Le Demenagement, Mookies, Zone Franche, The Professional and For the Love of the Game. Since January 2008, he hosts the monthly program One Shot Not.
Review by Scott Yanow Although John Lewis is listed as the leader (this album's alternate title is "John Lewis Presents Contemporary Music"), the pianist does not actually appear on this record and only contributed one piece ("Django"). On what is very much a Gunther Schuller project, Schuller composed "Abstraction" and was responsible for the adventurous three-part "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" and the four-part "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)"; Jim Hall contributed "Piece for Guitar & Strings." One of the most successful third stream efforts, this LP combines avant-garde jazz with aspects of classical music. Among the more notable stars, altoist Ornette Coleman is on "Abstraction" and "Criss Cross" (both of which have been reissued in his Rhino CD box) and multi-instrumentalist Eric Dolphy is on both of the "Variants." Other musicians in the eclectic cast include guitarist Hall, bassist Scott LaFaro, pianist Bill Evans, and several classical string players. This is very interesting music. https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226
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Reseña por Scott Yanow Aunque John Lewis figura como líder (el título alternativo de este álbum es "John Lewis Presents Contemporary Music"), el pianista no aparece realmente en este disco y sólo contribuyó con una pieza ("Django"). En lo que es en gran medida un proyecto de Gunther Schuller, Schuller compuso "Abstraction" y fue responsable de las aventureras "Variants on a Theme of John Lewis (Django)" en tres partes y "Variants on a Theme of Thelonious Monk (Criss-Cross)" en cuatro partes; Jim Hall contribuyó con "Piece for Guitar & Strings". Este LP, uno de los más exitosos de la tercera corriente, combina el jazz de vanguardia con aspectos de la música clásica. Entre las estrellas más notables, el contralto Ornette Coleman está en "Abstraction" y "Criss Cross" (ambas reeditadas en su caja Rhino CD) y el multiinstrumentista Eric Dolphy está en las dos "Variants". Otros músicos del ecléctico elenco son el guitarrista Hall, el bajista Scott LaFaro, el pianista Bill Evans y varios instrumentistas clásicos de cuerda. Se trata de música muy interesante. https://www.allmusic.com/album/john-lewis-presents-jazz-abstractions-mw0001881226
In 2020 Brian Marsella joined the heavy metal organ trio Simulacrum to spawn the astonishing fusion quartet Chaos Magick. This fourth CD in their ever-expanding legacy is a magical collection of instrumental music at its finest. Tighter and wilder than ever, Medeski, Hollenberg, Grohowski, and Marsella perform with a remark- able rapport in this provocative new direction from Downtown alchemist John Zorn, who has been exploring new musical worlds and confounding expectations since the 1970s!
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En 2020, Brian Marsella se unió al trío de órgano de heavy metal Simulacrum para generar el asombroso cuarteto de fusión Chaos Magick. Este cuarto CD de su legado en constante expansión es una colección mágica de música instrumental en su máxima expresión. Más estrictos y salvajes que nunca, Medeski, Hollenberg, Grohowski y Marsella actúan con una relación notable en esta nueva y provocativa dirección del alquimista del centro de la ciudad John Zorn, que ha estado explorando nuevos mundos musicales y confundiendo expectativas desde la década de 1970.
Review by Thom Jurek Drummer Manu Katche's sophomore effort for ECM is, in some ways, an extension of his nearly brilliant debut Neighbourhood, issued by the label in 2004. The former recording listed such ECM standard bearers as trumpeter Tomasz Stanko and veteran saxophonist Jan Garbarek on the front line and a rhythm section comprised of pianist Marcin Wasilewski and bassist Slawomir Kurkiewicz (from Stanko's group). Playground keeps the rhythm section intact, but Mathias Eick and Trygve Seim, on trumpet and saxophones respectively, make up the front line. While there can be no denying the lyrical power of the former unit, this one feels more like a band. Seim is a leader in his own right, having released three fine recordings under his own name and been part of numerous ECM ensembles. He and Eick played together in Iro Haarla's band for the wonderful Northbound recording. The trumpeter is also an integral part of guitarist Jacob Young's group whose ECM debut, Evening Falls, was one of 2002's best jazz releases. Manfred Eicher likes to keep it in the family when he's producing, and he hasn't been wrong for a long time. This set was recorded in New York, and though it retains the trademark ECM "sound" in some ways, it's warmer, too. Separation and space abound, but the dynamic reach of this group transcends that at times.
Guitarist David Torn helps out on the opener, "Lo," and third cut "Song for Her." Interestingly, they are two of the quieter cuts on the set, and Torn's support work is largely atmospheric. The symbiotic communication between Eick and Seim is something to behold. Drummer Manu Katche's sophomore effort for ECM is, in some ways, an extension of his nearly brilliant debut Neighbourhood, issued by the label in 2004. The former recording listed such ECM standard bearers as trumpeter Tomasz Stanko and veteran saxophonist Jan Garbarek on the front line and a rhythm section comprised of pianist Marcin Wasilewski and bassist Slawomir Kurkiewicz (from Stanko's group). Playground keeps the rhythm section intact, but Mathias Eick and Trygve Seim, on trumpet and saxophones respectively, make up the front line. While there can be no denying the lyrical power of the former unit, this one feels more like a band. Seim is a leader in his own right, having released three fine recordings under his own name and been part of numerous ECM ensembles. He and Eick played together in Iro Haarla's band for the wonderful Northbound recording. The trumpeter is also an integral part of guitarist Jacob Young's group whose ECM debut, Evening Falls, was one of 2002's best jazz releases. Manfred Eicher likes to keep it in the family when he's producing, and he hasn't been wrong for a long time. This set was recorded in New York, and though it retains the trademark ECM "sound" in some ways, it's warmer, too. Separation and space abound, but the dynamic reach of this group transcends that at times.
Guitarist David Torn helps out on the opener, "Lo," and third cut "Song for Her." Interestingly, they are two of the quieter cuts on the set, and Torn's support work is largely atmospheric. The symbiotic communication between Eick and Seim is something to behold. The wonderfully tender ballad "Lo" contains the kind of restraint and reliance on gentleness that's difficult for two horn players -- these days anyway -- to hold together as a unit; one usually comes off sounding more dominant than the other. But Katche's pace, with so many subtle fills, and Wasilewski's bridge between the horns is sturdy and moves the melody forward allowing them to hold steady. There are numerous ballads on this set, which is unusual for a drummer, but Katche is nothing if not a lyrical composer. His subtlety is one of his great strengths -- check the quietly insistent brushed hi hat trills in triple time on "Emotions." "So Groovy" is nothing if not modern-day soul-jazz. A skeletal, funky backbeat with Katche playing breaks everywhere relies heavily on Kurkiewicz's bassline to not only keep the pulse, but also to keep it moving. The head in the tune is loping but stays tight. Eick's solo simmers as Katche's percussion and kit work quietly push him even as Wasilewski fills the space with some angular but in-the-cut chords. "Morning Joy" alternates between improvisational sketch and gently swinging mid-tempo ballad. One has to wonder if the solo drumming at the beginning of "Motion" is not a sort of homage to Paul Motian, it replicates his notion of pulse and swing nearly perfectly while keeping Katche's unique snare work his own. The post-bop head in the tune would also seem to suggest that, but the tune moves over a couple of times into other territory without ever straying from that theme too much, and becomes more harmonically complex as it goes. There is also a beautiful bluesy funk element here, that never leaves the realm of controlled tension, but is so seamless it's easy to initially miss the many changes it undergoes -- and there's a killer little solo by Wasilewski.
"Snapshot" is a modern-day glimpse of the classic Blue Note sound of the early to mid-'60s. The themes and solos (particularly by Seim) are modern, but the deep blues and even slightly bossa feel in the rhythms touch on that territory. Katche is at his very best here, dancing like Billy Higgins but deeper in the lower registers of his kit. Them other ballads here, such as "Project 58" and "Possible Thought" are all transformed, chameleon-like, into other things as these wonderfully airy but complex compositions shimmer, slip and slide through the ear. Katche's drumming is quiet but so knotty. He's everywhere, traveling around the band with Kurkiewicz as his foil, guiding this band through his tunes (check the terrain "Inside Games" covers from front to back). The sophisticated urban groove of "Clubbing" is one of the hippest songs Katche's written, with a rolling piano line in the lower register in the head, the drummer breaking and shifting grooves on the bell of his ride cymbal. The solos begin with Eick, and he moves form post-bop to slightly outside, never losing his sense of time or melody. Seim follows suit, but moves to the edges more quickly; his bop phrasing also goes into a kind of modalism around the blues before Wasilewski, becomes a machine, hitting arpeggios insistently and percussively as Katche answers breaking his beat all around him filling that center space. The interplay between the two men is never better than it is here and could have gone on far longer. The set closes with a variation of "Song for Her" that feels more like a reprise than anything else. The first version is so utterly beautiful it seems almost superfluous. In all, Playground is a step ahead of its predecessor; namely because Katche's compositions, while they are more complex, have lost none of their inherent lyricism. The two new front line players have brought with them the experience of playing together and this rhythm section has worked together for a while. They fold into the mix of the ensemble rather than simply standing out on their own. Playground is an exciting new chapter in Katche's evolution as a leader; but more than this, bodes well for the future of jazz: it never loses sight of itself, but moves the various threads of its subgenres further without stretching any of them to the breaking point. https://www.allmusic.com/album/playground-mw0000487368
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Reseña de Thom Jurek El segundo trabajo del baterista Manu Katche para ECM es, de alguna manera, una extensión de su casi brillante debut Neighbourhood, publicado por el sello en 2004. La grabación anterior incluía a abanderados de ECM como el trompetista Tomasz Stanko y el veterano saxofonista Jan Garbarek en primera línea y una sección rítmica compuesta por el pianista Marcin Wasilewski y el bajista Slawomir Kurkiewicz(del grupo de Stanko). Playground mantiene intacta la sección rítmica, pero Mathias Eick y Trygve Seim, en trompeta y saxofones respectivamente, conforman la primera línea. Si bien no se puede negar el poder lírico de la unidad anterior, esta se siente más como una banda. Seim es un líder por derecho propio, ha lanzado tres excelentes grabaciones con su propio nombre y ha formado parte de numerosos conjuntos de ECM. Él y Eick tocaron juntos en la banda de Iro Haarla para la maravillosa grabación Northbound. El trompetista también es una parte integral del grupo del guitarrista Jacob Young, cuyo debut en ECM, Evening Falls, fue uno de los mejores lanzamientos de jazz de 2002. A Manfred Eicher le gusta mantenerlo en familia cuando está produciendo, y no se ha equivocado durante mucho tiempo. Este set fue grabado en Nueva York, y aunque conserva el "sonido" característico de ECM de alguna manera, también es más cálido. La separación y el espacio abundan, pero el alcance dinámico de este grupo trasciende eso a veces.
El guitarrista David Torn ayuda en la canción de apertura, "Lo", y third cut "para Ella."Curiosamente, son dos de los cortes más silenciosos del set, y el trabajo de apoyo de Torn es en gran medida atmosférico . La comunicación simbiótica entre Eick y Seim es algo digno de contemplar. El segundo trabajo del baterista Manu Katche para ECM es, de alguna manera, una extensión de su casi brillante debut Neighbourhood, publicado por el sello en 2004. La grabación anterior incluía a abanderados de ECM como el trompetista Tomasz Stanko y el veterano saxofonista Jan Garbarek en primera línea y una sección rítmica compuesta por el pianista Marcin Wasilewski y el bajista Slawomir Kurkiewicz(del grupo de Stanko). Playground mantiene intacta la sección rítmica, pero Mathias Eick y Trygve Seim, en trompeta y saxofones respectivamente, conforman la primera línea. Si bien no se puede negar el poder lírico de la unidad anterior, esta se siente más como una banda. Seim es un líder por derecho propio, ha lanzado tres excelentes grabaciones con su propio nombre y ha formado parte de numerosos conjuntos de ECM. Él y Eick tocaron juntos en la banda de Iro Haarla para la maravillosa grabación Northbound. El trompetista también es una parte integral del grupo del guitarrista Jacob Young, cuyo debut en ECM, Evening Falls, fue uno de los mejores lanzamientos de jazz de 2002. A Manfred Eicher le gusta mantenerlo en familia cuando está produciendo, y no se ha equivocado durante mucho tiempo. Este set fue grabado en Nueva York, y aunque conserva el "sonido" característico de ECM de alguna manera, también es más cálido. La separación y el espacio abundan, pero el alcance dinámico de este grupo trasciende eso a veces.
El guitarrista David Torn ayuda en la canción de apertura, "Lo", y third cut "para Ella."Curiosamente, son dos de los cortes más silenciosos del set, y el trabajo de apoyo de Torn es en gran medida atmosférico . La comunicación simbiótica entre Eick y Seim es algo digno de contemplar. La balada maravillosamente tierna " Lo " contiene el tipo de moderación y confianza en la gentileza que es difícil para dos trompetistas, de todos modos en estos días, mantenerse unidos como una unidad; uno generalmente suena más dominante que el otro. Pero el ritmo de Katche, con tantos rellenos sutiles, y el puente de Wasilewski entre los cuernos son robustos y mueven la melodía hacia adelante permitiéndoles mantenerse firmes. Hay numerosas baladas en este set, lo cual es inusual para un baterista, pero Katche no es más que un compositor lírico. Su sutileza es una de sus grandes fortalezas check verifique los trinos de hi hat cepillados silenciosamente insistentes en triple tiempo en " Emociones."'So Groovy' no es más que soul-jazz moderno. Un ritmo esquelético y funky con Katche tocando breaks en todas partes depende en gran medida de la línea de bajo de Kurkiewicz no solo para mantener el pulso, sino también para mantenerlo en movimiento. La cabeza en la melodía está ladeada pero se mantiene apretada. El solo de Eick hierve a fuego lento mientras la percusión y el kit de Katche lo empujan silenciosamente incluso cuando Wasilewski llena el espacio con algunos acordes angulares pero improvisados. "Morning Joy" alterna entre un boceto improvisado y una balada de medio tiempo que se balancea suavemente. Uno tiene que preguntarse si el solo de batería al comienzo de "Motion" no es una especie de homenaje a Paul Motian, replica su noción de pulso y swing casi a la perfección mientras mantiene propio el trabajo único de caja de Katche. La cabeza post-bop en la melodía también parece sugerir eso, pero la melodía se mueve un par de veces hacia otro territorio sin desviarse demasiado de ese tema, y se vuelve más compleja armónicamente a medida que avanza. También hay un hermoso elemento funk blues aquí , que nunca abandona el ámbito de la tensión controlada, pero es tan fluido que es fácil perderse inicialmente los muchos cambios que sufre and y hay un pequeño solo asesino de Wasilewski.
"Snapshot" es una visión moderna del sonido clásico de Blue Note de principios a mediados de los 60. Los temas y solos (particularmente de Seim) son modernos, pero el blues profundo e incluso un poco de bossa se sienten en los ritmos que tocan ese territorio. Katche está en su mejor momento aquí, bailando como Billy Higgins pero más profundo en los registros más bajos de su equipo. Las otras baladas aquí, como "Project 58" y "Possible Thought", se transforman, como un camaleón, en otras cosas a medida que estas composiciones maravillosamente aireadas pero complejas brillan, se deslizan y se deslizan por el oído. La batería de Katche es silenciosa pero muy nudosa. Está en todas partes, viajando por la banda con Kurkiewicz como su florete, guiando a esta banda a través de sus melodías (mira las portadas de terrain "Inside Games" de adelante hacia atrás). El sofisticado ritmo urbano de "Clubbing" es una de las canciones más modernas escritas por Katche, con una línea de piano rodante en el registro inferior de la cabeza, el baterista rompiendo y cambiando de ritmo en la campana de su platillo ride. Los solos comienzan con Eick, y se mueve de post-bop ligeramente hacia afuera, sin perder nunca el sentido del tiempo o la melodía. Seim sigue su ejemplo, pero se mueve hacia los bordes más rápidamente; su fraseo bop también entra en una especie de modalismo en torno al blues antes de que Wasilewski, se convierta en una máquina, golpeando arpegios con insistencia y percusión mientras Katche responde rompiendo su ritmo a su alrededor llenando ese espacio central. La interacción entre los dos hombres nunca es mejor de lo que es aquí y podría haber durado mucho más. El set se cierra con una variación de "Song for Her" que se siente más como una repetición que cualquier otra cosa. La primera versión es tan absolutamente hermosa que parece casi superflua. En total, Playground está un paso por delante de su predecesor; es decir, porque las composiciones de Katche, aunque son más complejas, no han perdido nada de su lirismo inherente. Los dos nuevos jugadores de primera línea han traído consigo la experiencia de tocar juntos y esta sección rítmica ha funcionado juntos durante un tiempo. Se incorporan a la mezcla del conjunto en lugar de simplemente destacarse por sí mismos. Playground es un nuevo capítulo emocionante en la evolución de Katche como líder; pero más que esto, es un buen augurio para el futuro del jazz: nunca se pierde de vista a sí mismo, sino que mueve aún más los diversos hilos de sus subgéneros sin estirar ninguno de ellos hasta el punto de ruptura. https://www.allmusic.com/album/playground-mw0000487368
If
it was possible to directly sublimate lucid dreams into sound, it isn't
hard to imagine the results coming out somewhat like this. Music is
made to simulate that kind of loose natural flow of thoughts often
enough, but it's more rare for it to capture the experience as directly
and vividly as Portico Quartet do on their sixth full-length. Memory
Streams isn't just suggestive of memories flowing and shifting, it feels
like a fleeting, mysterious, wash-through-your-mind dream in itself.
The
sonic palette is familiar to those who have been following the band
since their defining shift toward jazztronica on their eponymous album
(Real World, 2012): ethereal saxophone (live and looped), equally
mercurial synthesizer swirls, the vaguely otherworldly resonant tone of
the steel hang drum, skittering rhythms built on an organic blend of
drumming and programming. It's a natural continuation from the landmark
Art in the Age of Automation (Gondwana, 2017) and its counterpart
AITAOA#2 (Gondwana, 2018) that continues stretching and tweaking the
template in subtle minimalist ways. Jazz and ambient, analogue and
digital, strings and console knobs—in Portico's hands, they're all
complementary ingredients rather than dichotomies.
The result on
Memory Streams has the feel of a sort of immersive cocoon washed by a
beautiful understated light show, relaxing as a cabana and mysterious as
outer space. With "Ways of Seeing" the group floats on lively rhythmic
shuffling; "Memory Palace" reprises a previous track's motif for a
thoughtful sax-garnished piano interlude, while the highlight "Offset"
turns to chill-dub as the hang and sax hypnotically flit through the
ether. The quartet sounds more comfortable and effortlessly interlocked
than ever, even as the complex interplay stays sharp and their
soundscape continually expands. The mental and musical stream is a
practically limitless one, wide, deep and endlessly fascinating. By GENO THACKARA October 6, 2019 https://www.allaboutjazz.com/memory-streams-portico-quartet-gondwana-records-review-by-geno-thackara.php
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Si
fuera posible sublimar directamente los sueños lúcidos en sonido, no es
difícil imaginar que el resultado fuera algo parecido a esto. La música
se hace para simular ese tipo de flujo natural de pensamientos con
bastante frecuencia, pero es más raro que capture la experiencia tan
directa y vívidamente como lo hace Portico Quartet en su sexto álbum.
Memory Streams no sólo sugiere recuerdos que fluyen y cambian, sino que
se siente como un sueño fugaz y misterioso que atraviesa tu mente.
La
paleta sonora es familiar para aquellos que han estado siguiendo a la
banda desde su cambio definitorio hacia la jazztrónica en su álbum
homónimo (Real World, 2012): saxofón etéreo (en vivo y en bucle),
remolinos de sintetizador igualmente mercuriales, el tono vagamente
resonante de otro mundo del tambor de acero colgante, ritmos deslizantes
construidos sobre una mezcla orgánica de batería y programación. Es una
continuación natural del emblemático Art in the Age of Automation
(Gondwana, 2017) y de su homólogo AITAOA#2 (Gondwana, 2018) que sigue
estirando y retocando la plantilla de forma sutilmente minimalista. El
jazz y el ambiente, lo analógico y lo digital, las cuerdas y las
perillas de la consola, en manos de Portico, son ingredientes
complementarios en lugar de dicotomías.
El resultado de Memory
Streams es una especie de capullo inmersivo bañado por un bello y
discreto espectáculo de luces, relajante como una cabaña y misterioso
como el espacio exterior. Con "Ways of Seeing", el grupo flota sobre un
animado barajar rítmico; "Memory Palace" retoma el motivo de un tema
anterior para un reflexivo interludio de piano adornado con saxo,
mientras que el punto culminante, "Offset", se convierte en chill-dub
mientras el hang y el saxo revolotean hipnóticamente por el éter. El
cuarteto suena más cómodo y entrelazado sin esfuerzo que nunca, incluso
cuando la compleja interacción se mantiene afilada y su paisaje sonoro
se expande continuamente. La corriente mental y musical es prácticamente
ilimitada, amplia, profunda e infinitamente fascinante. Por GENO THACKARA 6 de octubre de 2019 https://www.allaboutjazz.com/memory-streams-portico-quartet-gondwana-records-review-by-geno-thackara.php
distritojazz_discos_jazz_Portico_islaEl cuarteto londinense Portico es otra muestra más de la pujante escena jazzística que se está viviendo en el Reino Unido; como lo demuestran bandas como The Neil Cowley Trio o Blessing. “Isla” es el segundo disco en la carrera de este joven grupo (sus componentes rondan los 25 años), tras su debut con ‘Knee-Deep in the North Sea’, en el 2007., que le valió una nominación a los Mercury Prize británicos. De su éxito da cuenta el hecho de que este nuevo disco lo han grabado para Real World, el prestigioso sello fundado por Peter Gabriel y que han tenido como productor a John Leckie (Stone Roses, Doves, XTC, Radiohead) y grabado en los míticos estudios de Abbey Road. Portico hace un jazz que, sobre todo, parece beber del minimalismo de compositores como Terry Riley, Philip Glass y Steve Reich; con algunas dosis de free y de avanti-garde. Lo que proponen trae a la memoria tanto a artistas de los años ochenta y noventa como Durruti Colum, como a jazzman del estilo de Jan Garbarek y John Surman, y en general al primer sonido de ECM. Buena parte del sonido de este cuarteto viene marcado por la utilización del hang; instrumento que parece se ha puesto de moda entre muchos de los más jóvenes percusionistas europeos. Para hacerse una idea del sonido de este instrumento, de origen suizo, hay que remitirse a los steel-drums de Trinidad-Tobago. Así, no es de extrañar que la música de Portico acabe teniendo ese punto intimista y –peligrosamente- cuasi místico.
Y sí, este jazz atmosférico, introvertido, exento de complicaciones, que puede sonar como un paisaje sonoro de jazz de cámara pensado para bailar; puede gustar, y me atrevería a decir que va a gustar, a un amplio rango de público. José Manuel Pérez Rey http://www.distritojazz.com/discos-jazz/portico-quartet-isla
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Having created a seismic sensation in Britain with its first album, Knee Deep In The North Sea (Babel, 2007)—which was a Mercury Prize Album Of The Year in 2008—Portico Quartet now releases that "difficult" second album. Can the group better its precocious debut? Yes it can. Portico has grown, as a collective entity and as individual musicians, and it's associating, rewardingly, with some heavy hitters: signed to Peter Gabriel's Real World Records and produced by John Leckie, whose credits include Doves, Radiohead and The Stone Roses.
Portico gathered much of its early media attention from the use of hangs—tuned percussion instruments which in appearance resemble a pair of cooking woks (see the YouTube clip below). Portico was the first British band, maybe the first band in the world, to use hangs, and the novelty served it well.
With a character of their own, hangs nevertheless carry traces of Tibetan prayer bells, steel drums, gamelan gongs, tubular bells, cymbals and xylophones. Their sound is pure and mellifluous, but without the sustained resonance of real bells; they are percussive, but without the hard-edged impact of cymbals or xylophones. Hangs don't work as washes of chill-out ambient sound, but they lend themselves perfectly to riffs and ostinatos, producing rapid-fire rhythms with attractively rounded edges.
One of the strengths of Isla is that the hangs aren't treated like exclamation marks; their particular attributes have become more fully integrated into the group sound. The basic Portico paradigm has hang players Nick Mulvey and Duncan Bellamy, who also plays kit drums, working in tandem with double bassist Milo Fitzpatrick to produce interconnecting layers of beats and melodic motifs. Some might call this "trance," but there's too much evolution going on to merit that generic description. Saxophonist and (less is more) loopist Jack Wyllie rides the waves, stating most of the themes and taking most of the formal solos. He sticks mainly to prettily played and gently handled soprano, but adds some rough, broken-note strewn alto or tenor to the racing "Clipper."
The album is characterized by a brisk liveliness: even when a top line is slow and leisurely, as for instance in the extenuated soprano notes which state "Line," the underlying patterns played by the hangs and/or the drums and bass are frequently in double or quadruple time. Melodies are attractive and catchy. Rhythms are insistent. Improvisation is to the fore. Isla is the nuts. By CHRIS MAY October 12, 2009 https://www.allaboutjazz.com/isla-portico-quartet-real-world-review-by-chris-may.php
Atom String Quartet is one of the most intriguing string quartets in the world, and also one of best Polish jazz bands. The group combines the capabilities of a string quartet (i.e. two violins, viola and cello) with improvisation in its broad sense. The set of instruments of a chamber music ensemble, which is most classic and firmly established in music tradition, enables the artists to search for new sound and formal achievements. It is difficult to define, in an explicit way, the music style of the group. Its music output, besides jazz, shows sources of inspiration coming from Polish folk, music of various regions of the world, and also contemporary and classical music. The quartet was established in Warsaw in 2010, and is created by the violinists: Dawid Lubowicz and Mateusz Smoczyński, the violist – Michał Zaborski and cellist – Krzysztof Lenczowski. All of them graduated from Warsaw Frederic Chopin University of Music. Since winning the Grand Prix of the 13th Bielska Zadymka Jazz Festival in 2011, the band constantly performs at the greatest music festivals of the world, such as: Berliner Jazztage, Jazz Baltica, Leipziger Jazztage, Cairo Jazz Festival, Katara European Jazz Festival, Festival Veranos de la Villa Madrid, Gaume Jazz Festival, Manchester Jazz Festival, Jazzycolors Festival Paris, Salzburger Festspiele, Jazz Jamboree and Solidarity of Arts. Atom String Quartet is also the first Polish group that played twice at the European jazz fair jazzahead! in Bremen (2015 and 2018). The group recorded four original records: “Fade In” – which received the Polish music award “Fryderyk” for Jazz Debut of the Year (2011), “Places” (2012) – which got “Fryderyk” for Album of the Year – Jazz (2012) and “AtomSPHERE”, which was nominated to “Fryderyk” for Jazz Album of the Year (2015). All records were released by Kayax. In 2017 the band released its fourth album containing compositions of the renowned Polish jazz violinist – Zbigniew Seifert with interpretations of the quartet’s musicians. Zbigniew Seifert Foundation is the publisher of the album. The album was nominated to “Fryderyk 2017” for Jazz Album of the Year. The cooperation between ASQ and NFM Leopoldinum Orchestra took special shape. It resulted in two albums: ”Made in Poland”, with compositions of Karol Szymanowski, Grażyna Bacewicz and Mikołaj Górecki as well as Krzysztof Lenczowski (”Iława” and ”Namysłowiak”) and also Dawid Lubowicz (”Ballad on the Death of Janosik”); the other album ”Supernova” contains the Quartet musicians’ premiere composition, written especially on this occassion, and a piece by Hanna Kulenty-Majoor: ”Concerto Rosso for string quartet and string orchestra” – dedicated to both bands. The two albums were awarded ”Fryderyk”: ”Made in Poland” (2017) in the cathegory Album of the Year – symphonic and concert music, and ”Supernova” (2018) in the cathegory Album of the Year – contemporary music. The band’s discography also contains significant live concert albums with special projects, i.e.: Leszek Możdżer and Friends “Live in Berlin Philharmonic III”, Grzech Piotrowski World Orchestra “Live in Gdańsk”, String Big Band “Live in Trójka”, and Dorota Miśkiewicz “Piano.pl”. The musicians of Atom String Quartet are constantly invited to other artists’ recording sessions, e.g. Zakopower (“Drugie pół”), Kayah (“Transoriental Orchestra” and “Gdy pada śnieg”), Natalia Kukulska (“Ósmy plan”), Cezariusz Gadzina (“The Fifth Element”), Rafał Grząka (“Atom Accordion Quintet”), Grażyna Auguścik (“Inspired by Lutosławski”), Tomasz Wendt (“Behind The Strings”). Atom String Quartet received many awards, i.e. : “Grand Prix of Music Lovers Society” in the category New Hope of Music Lovers (2010) and Band of the Year (2016), “Gold Fiddle” at the 15th Polish Radio Folk Festival New Tradition (2012) and “Mateusz Trójki” (2015) in the category Jazz Music – Event. Since the beginning of Atom String Quartet’s activity its musicians gain high ranks in the survey “Jazz Top” of “Jazz Forum” magazine, including several times the first rank in the category Acoustic Band. In 2017/2018 season Atom String Quartet was the artist-in-residence in Mieczysław Karłowicz Philharmonic in Szczecin. The quartet cooperated with such artists as: Branford Marsalis, Bobby McFerrin, Gil Goldstein, Vladislav “Adzik” Sendecki, Mino Cinelu, Paolo Fresu, Leszek Możdżer, Lars Danielsson, Zohar Fresco, Jerzy Maksymiuk, André Ochodlo, Urszula Dudziak, Anna Maria Jopek, Marek Moś, Natalia Kukulska, Kayah, Aga Zaryan, Janusz Olejniczak, Krzesimir Dębski, Adam Sztaba, Grzech Piotrowski, Krzysztof Herdzin, Andrzej Smolik, and bands, i.e.: AUKSO Tychy Chamber Orchestra, Leopoldinum Orchestra, Sinfonia Varsovia Orchestra, Sinfonietta Cracovia, Radom Chamber Orchestra, Szczecin Chamber Orchestra, Elbląg Chamber Orchestra, Grzech Piotrowski World Orchestra, Sinfonia Viva, Sebastian Karpiel- Bułecka Highlanders Band. https://www.atomstringquartet.com/en/biography/
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Atom String Quartet es uno de los cuartetos de cuerda más intrigantes del mundo, y también uno de los mejores grupos de jazz polacos. El grupo combina las capacidades de un cuarteto de cuerda (es decir, dos violines, viola y violonchelo) con la improvisación en su sentido más amplio. El conjunto de instrumentos de un grupo de música de cámara, el más clásico y firmemente establecido en la tradición musical, permite a los artistas buscar nuevos logros sonoros y formales. Es difícil definir, de forma explícita, el estilo musical del grupo. Su producción musical, además del jazz, muestra fuentes de inspiración procedentes del folclore polaco, de la música de diversas regiones del mundo y también de la música contemporánea y clásica. El cuarteto se estableció en Varsovia en 2010, y está creado por los violinistas Dawid Lubowicz y Mateusz Smoczyński, el violista - Michał Zaborski y el chelista - Krzysztof Lenczowski. Todos ellos se graduaron en la Universidad de Música Frederic Chopin de Varsovia. Desde que ganó el Gran Premio del 13º Festival de Jazz de Bielska Zadymka en 2011, la banda actúa constantemente en los mayores festivales de música del mundo, como: Berliner Jazztage, Jazz Baltica, Leipziger Jazztage, Cairo Jazz Festival, Katara European Jazz Festival, Festival Veranos de la Villa Madrid, Gaume Jazz Festival, Manchester Jazz Festival, Jazzycolors Festival Paris, Salzburger Festspiele, Jazz Jamboree y Solidarity of Arts. Atom String Quartet es también el primer grupo polaco que tocó dos veces en la feria europea de jazz jazzahead! en Bremen (2015 y 2018). El grupo grabó cuatro discos originales: "Fade In" - que recibió el premio musical polaco "Fryderyk" al Debut de Jazz del Año (2011), "Places" (2012) - que obtuvo el "Fryderyk" al Álbum del Año - Jazz (2012) y "AtomSPHERE", que fue nominado al "Fryderyk" al Álbum de Jazz del Año (2015). Todos los discos fueron editados por Kayax. En 2017 la banda lanzó su cuarto álbum que contiene composiciones del reconocido violinista de jazz polaco - Zbigniew Seifert con interpretaciones de los músicos del cuarteto. La Fundación Zbigniew Seifert es la editora del álbum. El álbum fue nominado al "Fryderyk 2017" como Álbum de Jazz del Año. La cooperación entre la ASQ y la Orquesta Leopoldinum de la NFM tomó una forma especial. Dio lugar a dos álbumes: "Made in Poland", con composiciones de Karol Szymanowski, Grażyna Bacewicz y Mikołaj Górecki, así como de Krzysztof Lenczowski ("Iława" y "Namysłowiak") y también de Dawid Lubowicz ("Balada sobre la muerte de Janosik"); el otro álbum "Supernova" contiene la composición de estreno de los músicos del Cuarteto, escrita especialmente en esta ocasión, y una pieza de Hanna Kulenty-Majoor: "Concerto Rosso para cuarteto de cuerda y orquesta de cuerda", dedicada a ambos grupos. Los dos álbumes fueron galardonados con el premio "Fryderyk": "Made in Poland" (2017) en la categoría Álbum del Año - música sinfónica y de concierto, y "Supernova" (2018) en la categoría Álbum del Año - música contemporánea. La discografía del grupo también contiene importantes álbumes de conciertos en vivo con proyectos especiales, es decir: Leszek Możdżer y amigos "En vivo en la Filarmónica de Berlín III", Grzech Piotrowski World Orchestra "En vivo en Gdańsk", String Big Band "En vivo en Trójka", y Dorota Miśkiewicz "Piano.pl". Los músicos del Atom String Quartet son constantemente invitados a las sesiones de grabación de otros artistas, por ejemplo Zakopower ("Drugie pół"), Kayah ("Transoriental Orchestra" y "Gdy pada śnieg"), Natalia Kukulska ("Ósmy plan"), Cezariusz Gadzina ("The Fifth Element"), Rafał Grząka ("Atom Accordion Quintet"), Grażyna Auguścik ("Inspired by Lutosławski"), Tomasz Wendt ("Behind The Strings"). Atom String Quartet ha recibido numerosos premios, a saber : "Gran Premio de la Sociedad de Amantes de la Música" en la categoría Nueva Esperanza de los Amantes de la Música (2010) y Banda del Año (2016), "Violín de Oro" en el 15º Festival Folclórico de la Radio Polaca Nueva Tradición (2012) y "Mateusz Trójki" (2015) en la categoría Música de Jazz - Evento. Desde el inicio de la actividad de Atom String Quartet sus músicos obtienen altos rangos en la encuesta "Jazz Top" de la revista "Jazz Forum", incluyendo varias veces el primer rango en la categoría Acoustic Band. En la temporada 2017/2018 Atom String Quartet fue el artista residente en la Filarmónica Mieczysław Karłowicz en Szczecin. El cuarteto cooperó con artistas como: Branford Marsalis, Bobby McFerrin, Gil Goldstein, Vladislav "Adzik" Sendecki, Mino Cinelu, Paolo Fresu, Leszek Możdżer, Lars Danielsson, Zohar Fresco, Jerzy Maksymiuk, André Ochodlo, Urszula Dudziak, Anna Maria Jopek, Marek Moś, Natalia Kukulska, Kayah, Aga Zaryan, Janusz Olejniczak, Krzesimir Dębski, Adam Sztaba, Grzech Piotrowski, Krzysztof Herdzin, Andrzej Smolik, y bandas, es decir e.: Orquesta de Cámara AUKSO Tychy, Orquesta Leopoldinum, Orquesta Sinfonia Varsovia, Sinfonietta Cracovia, Orquesta de Cámara Radom, Orquesta de Cámara Szczecin, Orquesta de Cámara Elbląg, Orquesta Mundial Grzech Piotrowski, Sinfonia Viva, Sebastian Karpiel- Bułecka Highlanders Band.
Biography by Michael G. Nastos Since 2005, the Portico Quartet has created a singular, cinematic sound that melds jazz, electronica, ambient music, and minimalism. At the lead edge of South London's nu-jazz movement, theiur debut album 2007's Knee Deep in the North Sea was shortlisted for a Mercury Prize. Subsequent outings included albums for Peter Gabriel's Real World Records. They temporarily slimmed to an issued they the album Living Fields on Ninja Tune. Subsequently returning to their quartet lineup, they released 2017's Art in the Age of Automation for Matthew Halsall's Gondwana label.
Formed in 2005, the band was initially inspired to play via founding member Duncan Bellamy's purchase of an exotic yet contemporary instrument, the Hang, at a music festival. The Hang, invented in 2000 in Switzerland, is a metallic lap drum with clamped shells, the melodious sound of which resembles both a steel drum and Balinese metallaphone. Where the quartet's influences clearly reference modern jazz and African music, the trance-like sonics of the Hang draw closer comparisons to minimalists Philip Glass and Steve Reich, or gamelan music. A weekly session at the South Bank and residency at the Brixton Ritzy earned them a cult following. It also inspired London's premier jazz club, the Vortex, to start a record label to release their music.
Championed by archivist and historian/mixer Gilles Peterson, the Portico Quartet's debut release, Knee Deep in the North Sea, was acclaimed as jazz, folk, and world music Album of the Year for 2007 by Time Out magazine, and was a Mercury Music Prize honoree for 2008. With Jack Wylie on soprano saxophone, Milo Fitzpatrick on acoustic bass, and Nick Mulvey and Duncan Bellamy playing the Hang and percussion instruments, the group's modern contemporary sound was favorably compared to the diverse, ethnic-flavored work of Ben Allison, E.S.T., and the Cinematic Orchestra.
Following their signing to Peter Gabriel's Real World Records, the Portico Quartet released its sophomore effort. Isla appeared in 2009 and was recorded at Abbey Road Studios. In 2011 Mulvey left the band to pursue a solo career -- to be replaced by Keir Vine -- and his departure signaled a musical shift for the group. Their self-titled third record favored electronic sounds over the predominantly acoustic style of their previous efforts. The band experienced its largest transformation to date in 2014 as Vine departed, and the slimmed-down trio signed to the Ninja Tune label. They re-christened themselves Portico and pursued experimental pop in lieu of the jazz influence of their earlier records. However, for their 2017 record Art in the Age of Automation, they reverted to their original label and moniker, and were reunited with Vine. The foilowing year, they issued the companion outing Untitled (AITAOA #2), recorded during the Art In the Age Of Automation sessions. For 2019's Memory Streams--also on Gondwana-- Portico Quartet mined their catalogue to re-combine older sounds and musics with new ones including elements of prog-rock and abstract electronic soundscapes. https://www.allmusic.com/artist/portico-quartet-mn0001012019/biography
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Biografía de Michael G. Nastos Desde 2005, Portico Quartet ha creado un sonido singular y cinematográfico que fusiona el jazz, la electrónica, la música ambiental y el minimalismo. A la cabeza del movimiento nu-jazz del sur de Londres, su álbum de debut de 2007, Knee Deep in the North Sea, fue preseleccionado para el Mercury Prize. Sus siguientes trabajos incluyen álbumes para el sello Real World Records de Peter Gabriel. Se redujeron temporalmente a una emisión del álbum Living Fields en Ninja Tune. Posteriormente, volvieron a su formación de cuarteto y publicaron en 2017 Art in the Age of Automation para el sello Gondwana de Matthew Halsall.
Formada en 2005, la banda se inspiró inicialmente en la compra por parte de su miembro fundador, Duncan Bellamy, de un instrumento exótico pero contemporáneo, el Hang, en un festival de música. El Hang, inventado en el año 2000 en Suiza, es un tambor metálico con cascos de pinza, cuyo melodioso sonido se asemeja tanto a un tambor de acero como a un metaláfono balinés. Mientras que las influencias del cuarteto hacen referencia claramente al jazz moderno y a la música africana, el sonido de trance del Hang hace que se le compare más con los minimalistas Philip Glass y Steve Reich, o con la música gamelán. Una sesión semanal en el South Bank y una residencia en el Brixton Ritzy les valieron un seguimiento de culto. También inspiró al principal club de jazz de Londres, el Vortex, a crear un sello discográfico para publicar su música.
Defendido por el archivero e historiador/mezclador Gilles Peterson, el primer disco del Portico Quartet, Knee Deep in the North Sea, fue aclamado como Álbum del Año de jazz, folk y músicas del mundo en 2007 por la revista Time Out, y fue galardonado con el Mercury Music Prize en 2008. Con Jack Wylie al saxofón soprano, Milo Fitzpatrick al bajo acústico y Nick Mulvey y Duncan Bellamy tocando los instrumentos de Hang y percusión, el sonido moderno y contemporáneo del grupo fue comparado favorablemente con el trabajo diverso y de sabor étnico de Ben Allison, E.S.T. y la Cinematic Orchestra.
Tras su fichaje por el sello Real World Records de Peter Gabriel, Portico Quartet lanzó su segundo trabajo. Isla apareció en 2009 y fue grabado en los estudios Abbey Road. En 2011 Mulvey dejó la banda para seguir una carrera en solitario -para ser sustituido por Keir Vine- y su salida supuso un cambio musical para el grupo. Su tercer disco autotitulado favoreció los sonidos electrónicos sobre el estilo predominantemente acústico de sus esfuerzos anteriores. La banda experimentó su mayor transformación hasta la fecha en 2014, cuando Vine se marchó y el trío, más delgado, firmó con el sello Ninja Tune. Se rebautizaron con el nombre de Portico y buscaron el pop experimental en lugar de la influencia del jazz de sus discos anteriores. Sin embargo, para su disco de 2017 Art in the Age of Automation, volvieron a su sello y nombre originales, y se reunieron con Vine. El año siguiente, publicaron el disco complementario Untitled (AITAOA #2), grabado durante las sesiones de Art In the Age Of Automation. Para Memory Streams de 2019 -también en Gondwana- Portico Quartet extrajo su catálogo para volver a combinar sonidos y músicas antiguas con otras nuevas, incluyendo elementos de prog-rock y paisajes sonoros electrónicos abstractos. https://www.allmusic.com/artist/portico-quartet-mn0001012019/biography
Review by Thom Jurek This 1998 studio recording by tenor sax legend Archie Shepp is a study in blues and ballads as the title might suggest, but it also marks the return of Shepp as a true bandleader. With pianist John Hicks, drummer Billy Drummond, and bassist George Mraz, Shepp sounds more inspired here than he has in literally decades. There is no crutch-like reliance on hard bop and blues stylings, nor is there any over-the-shoulder tosses at being the king of the avant-garde. Instead Shepp focuses on what he does best: being a fine stylist and one of the great blues phraseologists in the business. Opening with Coltrane's "Lonnie's Lament," Shepp goes one better than just saluting his old boss -- he reharmonizes the tune and slows it down, making it a true elegy. On Cole Porter's tunes, Shepp looks to the deep lyricism in Hicks' playing to bring out his best ballad style. The two of them interact so warmly and intimately here, it could have easily been a duet. On Jimmy van Heusen's "But Beautiful," it's Hicks who leads off the tune, but it's Shepp who gives it its body and soul. Beginning to play the melody from deep in the lower register, Shepp traces the harmony out to the edges and coaxes Hicks to follow him; he simultaneously scales back just enough to open him up to fill that space with wonderful flowering chords against his warmer-than-July tone. Shepp offers one original to the mix, "A Little Surprise for the Lady," which is refreshing among all these covers for its shimmering, funky groove and slithering solo; he offers a stunning rendition of "Blue Train" and ends the program with another of the Coltrane book standards, Billy Eckstine's "I Want to Talk About You." But instead of going for Coltrane's leaping and loping harmony in the bridge, Shepp creates a new one based on the bassline instead of the lyric phrase, which adds a certain depth and dimension not heard before, no matter how many times this tune has been interpreted. The only weak spot on the whole date comes from Mraz. His lack of wood in his tone makes all of his fluidity for naught because, as with most of the sessions he plays on, he becomes too limpid to hear. But it's a small complaint for a gorgeous session. https://www.allmusic.com/album/true-blue-mw0000544622
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Revisión por Thom Jurek Esta grabación de estudio de 1998 de la leyenda del saxo tenor Archie Shepp es un estudio de blues y baladas como el título podría sugerir, pero también marca el regreso de Shepp como un verdadero líder de banda. Con el pianista John Hicks, el baterista Billy Drummond y el bajista George Mraz, Shepp suena más inspirado aquí de lo que lo ha hecho literalmente en décadas. No hay una dependencia como una muleta en los estilos hard bop y blues, ni hay lanzamientos por encima del hombro para ser el rey de la vanguardia. En cambio, Shepp se centra en lo que mejor sabe hacer: ser un buen estilista y uno de los grandes fraseólogos del blues en el negocio. Abriendo con "Lonnie's Lament" de Coltrane, Shepp va mejor que saludar a su antiguo jefe: rearmoniza la melodía y la ralentiza, convirtiéndola en una verdadera elegía. En las canciones de Cole Porter, Shepp busca el profundo lirismo en la interpretación de Hicks para sacar a relucir su mejor estilo de balada. Los dos interactúan tan cálida e íntimamente aquí, que fácilmente podría haber sido un dúo. En "But Beautiful" de Jimmy van Heusen, es Hicks quien dirige la melodía, pero es Shepp quien le da cuerpo y alma. Comenzando a tocar la melodía desde lo profundo del registro inferior, Shepp traza la armonía hasta los bordes y convence a Hicks para que lo siga; simultáneamente, escala hacia atrás lo suficiente como para abrirlo y llenar ese espacio con maravillosos acordes florales contra su tono más cálido que el de julio. Shepp ofrece una original para la mezcla ," A Little Surprise for the Lady", que es refrescante entre todas estas versiones por su ritmo brillante y funky y su solo deslizante; ofrece una impresionante interpretación de "Blue Train" y termina el programa con otro de los libros estándar de Coltrane, "I Want to Talk About You" de Billy Eckstine."Pero en lugar de optar por la armonía de saltos y saltos de Coltrane en el puente, Shepp crea una nueva basada en la línea de bajo en lugar de la frase lírica, lo que agrega una cierta profundidad y dimensión que no se había escuchado antes, sin importar cuántas veces se haya interpretado esta melodía. El único punto débil de toda la fecha proviene de Mraz. Su falta de madera en su tono hace que toda su fluidez sea en vano porque, como en la mayoría de las sesiones en las que toca, se vuelve demasiado límpido para escuchar. Pero es una pequeña queja para una sesión magnífica. https://www.allmusic.com/album/true-blue-mw0000544622
Review by Stephen Thomas Erlewine On the album art of Avonmore, the record he released when he was a year shy of 70, Bryan Ferry showcases himself as a dashing young man -- a portrait of an artist not as a glam trailblazer or distinguished elder statesman, but rather caught in an indeterminate time between the gorgeous heartbreak of Roxy Music's Avalon and the meticulous solo work that came immediately in its wake. This is Ferry's prime, a moment when his legacy was intact but yet to be preserved in amber. Avonmore consciously evokes this distinct period, sometimes sighing into the exquisite ennui of Avalon but usually favoring the fine tailoring of Boys & Girls, a record where every sequenced rhythm, keyboard, and guitar line blended into an alluring urbane pulse. Ferry isn't so much racing to revive a younger edition of himself as much as laying claim to this particular strand of sophisticated pop, one that happens to feel a shade richer now when it's delivered by an artist whose world-weariness has settled into his marrow but is yet to sadden him. This much is apparent on Avonmore's closing covers, an oddly appropriate pairing of Stephen Sondheim's "Send in the Clowns" and Robert Palmer's "Johnny & Mary" that are both given gently meditative electronic makeovers, but much of the record explores the other end of the Ferry spectrum, where he's making music to dance away the heartache. He's no longer on the floor himself, preferring to watch with a bit of a bemusement, but this reserved romanticism suits him perfectly, particularly because Ferry and his co-producer Rhett Davies -- a steady collaborator since 1999's standards record As Time Goes By -- place an emphasis on mood but not at the expense of the songs. Naturally, what is first alluring about Avonmore is its feel -- it's meant to be seductive -- but the songs are what makes this record something more than a fling. https://www.allmusic.com/album/avonmore-mw0002757654
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Reseña de Stephen Thomas Erlewine En la carátula del álbum de Avonmore, el disco que lanzó cuando le faltaba un año para cumplir 70 años, Bryan Ferry se muestra como un joven apuesto - un retrato de un artista no como un pionero del glamour o un distinguido estadista mayor, sino más bien atrapado en un tiempo indeterminado entre el hermoso desengaño de Avalon de Roxy Music y el meticuloso trabajo en solitario que vino inmediatamente después. Este es el momento cumbre de Ferry, un momento en el que su legado estaba intacto pero aún no se ha conservado en el ámbar. Avonmore evoca conscientemente este período, a veces suspirando por el exquisito enojo de Avalon, pero generalmente favoreciendo la fina confección de Boys & Girls, un disco donde cada ritmo secuenciado, teclado y línea de guitarra se mezclan en un atractivo pulso urbano. Ferry no está corriendo tanto para revivir una edición más joven de sí mismo como para reclamar esta particular línea de pop sofisticado, que resulta ser más rico ahora cuando lo hace un artista cuyo cansancio del mundo se ha asentado en su médula pero que aún no lo entristece. Esto es evidente en las últimas portadas de Avonmore, una extraña pareja de "Send in the Clowns" de Stephen Sondheim y "Johnny & Mary" de Robert Palmer, que son maquilladas electrónicamente con suavidad, pero gran parte del disco explora el otro extremo del espectro de Ferry, donde está haciendo música para bailar y aliviar el dolor. Ya no está en el suelo, prefiriendo mirar con un poco de desconcierto, pero este romanticismo reservado le sienta perfectamente, sobre todo porque Ferry y su coproductor Rhett Davies -- un colaborador constante desde el disco estándar de 1999 "As Time Goes By" -- ponen énfasis en el estado de ánimo pero no a expensas de las canciones. Naturalmente, lo primero que atrae de Avonmore es su sentimiento, que está pensado para ser seductor, pero las canciones son lo que hace que este disco sea algo más que una aventura.
For
over three decades OREGON has inspired audiences in renowned concert
halls including Carnegie Hall, Lincoln Center, Berlin Philharmonic Hall,
and Vienna’s Mozartsaal; at international jazz clubs and major
festivals such as Montreux, Pori, Berlin, Montreal, and Newport Jazz;
and on tours throughout the U.S., Canada, Mexico, South America, Eastern
and Western Europe, India, Pakistan, Nepal, Sri Lanka, Bangladesh,
Algeria, and Australia.
OREGON began in 1960 at the University of
Oregon with undergraduate students Ralph Towner and Glen Moore who
formed a musical friendship on bass and piano inspired by Bill Evans and
Scott LaFaro and later by Brazilian music. Moore earned a degree in
history and literature and Towner completed his in composition, taking
up guitar in the process. In the mid 60’s, they both traveled to Europe.
Towner studied classical guitar in Vienna with Karl Scheit; Moore
studied classical bass in Copenhagen and sat in with such greats as Ben
Webster and Dexter Gordon. By 1969, both were living in New York City,
playing with a community of young musicians who formed the great fusion
bands of the ‘70’s including Weather Report and the Mahavishnu
Orchestra.
Performing with folksinger Tim Hardin at the ‘69
Woodstock Festival, Towner and Moore encountered two members of the Paul
Winter Consort who introduced them to the music of that group. In the
studio with Hardin, Ralph and Glen connected with sitar and tabla player
Collin Walcott. He was a graduate of Indiana University under George
Gaber, studied ethnomusicology at UCLA and served as road manager for
Ravi Shankar and Alla Rakha. On a break at that session, Ralph and
Collin played their first guitar/sitar duet in the hallways of Columbia
Studios.
By 1970 Ralph, Glen, and Collin had joined the Paul
Winter Consort for a 50-concert U.S. tour where they quickly formed an
alliance with its oboist, Paul McCandless, who had studied at the
Manhattan School of Music under Toscanini’s first oboe player, Robert
Bloom. During that initial tour, Ralph began composing a new repertoire
of original material including “Icarus”, which has since become a
standard. The early development of OREGON took root in motel rooms and
college dormitories where, in private jam sessions, Towner,
Walcott,Moore and McCandless began investigating new musical
possibilities after getting a taste of collective improvisation on tour
with the Consort. Winter’s group introduced them to the idea of
performing concerts with uncommon combinations of instruments in an
eclectic variety of musical styles. Incorporating these elements, OREGON
emerged with a unique synthesis of European classical instrumentation,
American jazz harmony, and ethnic influences from around the globe. The
notion of recording their own music first arose at a party, where Towner
and Walcott were entertaining friends in their guitar/sitar
configuration. The group was offered the use of an 8-track studio in the
Hollywood Hills, known as “The Farm.” A short-lived independent label
in Los Angeles subsidized six weeks of taping and mixing. The company
did not succeed in selling the results to a major label and the tape
went into storage for ten years before its Vanguard release on disc
called—Our First Record.
In 1971 the band made its debut in New
York City, calling themselves Thyme—Music of Another Present Era, a
phrase designed to answer the question. “ What kind of music do you
play?” McCandless later proposed the name “OREGON” alluding to Ralph and
Glen’s nostalgic reminiscences of their home state. The next year,
Vanguard signed OREGON, recording a new set of original compositions
which became the band’s debut LP, Music of Another Present Era. In that
same period, they made Trios and Solos for ECM, a new label in Europe.
The Vanguard album introduced them to their American audience and
through their association with ECM, they developed their European
following with tours beginning in 1974 where they received critical
acclaim and growing recognition in the international community.
Six
years and nine albums later, OREGON moved to Elektra/Asylum Records.
Its first release on that label, Out of the Woods, reached a decidedly
wider audience and was included in the 101 Best Jazz Albums list by Len
Lyons. As the years spanned and the group’s versatility grew, bass
clarinet, soprano and sopranino saxes, ethnic flutes, flugelhorn, French
horn, clarinet, dulcimer, electric bass, violin, viola, and a myriad of
percussion instruments all found their way into OREGON’s
instrumentation which already included Towner’s nylon and 12 string
guitars and piano, McCandless’ oboe and English horn, Moore’s 1715 Klotz
bass and Walcott’s sitar and tablas.
At the end of OREGON’s
contract with Elektra, and with the birth of Collin Walcott’s daughter
in 1980, the band members took a year long sabbatical during which they
pursued their individual solo careers. When they reassembled, OREGON’s
unique fusion gained an electric dimension through Towner’s addition of
keyboard synthesizers. The group recorded two more albums for ECM with
the original personnel.
They had reached a peak of popularity
when in November 1984, Walcott died in an auto accident in the former
East Germany, leaving the ECM album Crossing as his final document. This
left OREGON with the seemingly impossible task of filling an enormous
vacuum. They reunited for the first time in May 1985 at a memorial
concert for Walcott in New York where the dazzling Indian percussionist
Trilok Gurtu joined them to pay tribute. Trilok, who studied tablas and
jazz drumming, accepted an invitation to work with OREGON in 1986 which
included a State Department tour of the Indian subcontinent. Over a
five-year period, he played on three albums with the band: Ecotopia on
ECM, 45th Parallel on Epic, and Always, Never, and Forever, the band’s
first recording on Intuition. After the departure of Gurtu, the three
original members continued their creative development as a trio making
two CDs—Troika and Beyond Words.
For the 1996 Intuition recording
“Northwest Passage”, the group incorporated two masterful
percussionists, former Chicagoan Mark Walker and Arto Tuncboyician of
Armenia. Walker, who also performs and records with Cuban expatriate
Paquito D’Rivera, has become the new fourth member of OREGON and
together with Towner, Moore, and McCandless traveled to Moscow in June
1999 to record the double CD for Intuition entitled “Oregon In Moscow.”
This project is the band’s debut recording of their orchestral
repertoire. Developing since the Winter Consort days, this prodigious
body of work had been performed with the St. Paul, Philadelphia,
Indianapolis, Stavanger, Freiburg, and Stuttgart Orchestras, but never
documented. Oregon In Moscow, produced by Steve Rodby of the Pat Metheny
Group fame, features the band members as composers, orchestrators, and
soloists in collaboration with the Moscow Tchaikovsky Symphony
Orchestra. In 2001 this album garnered four Grammy nominations. OREGON’s
most recent production, a live CD recorded during a spirited week at
Yoshi’s, San Francisco Bay Area’s premier jazz club, was released in
2002. Not since 1980 has the group’s electrifying and poignant
performances been captured on tape. https://musicians.allaboutjazz.com/oregon
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Durante
más de tres décadas, OREGON ha inspirado al público en salas de
conciertos de renombre, como el Carnegie Hall, el Lincoln Center, la
Filarmónica de Berlín y la Mozartsaal de Viena; en clubes
internacionales de jazz y en los principales festivales, como los de
Montreux, Pori, Berlín, Montreal y Newport Jazz; y en giras por los
Estados Unidos, el Canadá, México, América del Sur, Europa oriental y
occidental, la India, el Pakistán, Nepal, Sri Lanka, Bangladesh, Argelia
y Australia.
OREGON comenzó en 1960 en la Universidad de Oregón
con los estudiantes universitarios Ralph Towner y Glen Moore que
formaron una amistad musical en el bajo y el piano inspirada por Bill
Evans y Scott LaFaro y más tarde por la música brasileña. Moore obtuvo
un título en historia y literatura y Towner completó el suyo en
composición, tomando la guitarra en el proceso. A mediados de los 60,
ambos viajaron a Europa. Towner estudió guitarra clásica en Viena con
Karl Scheit; Moore estudió bajo clásico en Copenhague y se sentó con
grandes como Ben Webster y Dexter Gordon. En 1969, ambos vivían en la
ciudad de Nueva York, tocando con una comunidad de jóvenes músicos que
formaron las grandes bandas de fusión de los años 70, incluyendo Weather
Report y la Mahavishnu Orchestra.
Actuando con el cantante Tim
Hardin en el Festival de Woodstock del 69, Towner y Moore conocieron a
dos miembros del Paul Winter Consort que les introdujeron en la música
de ese grupo. En el estudio con Hardin, Ralph y Glen se conectaron con
el sitar y el tablista Collin Walcott. Se graduó en la Universidad de
Indiana bajo la dirección de George Gaber, estudió etnomusicología en la
UCLA y sirvió como road manager para Ravi Shankar y Alla Rakha. En un
descanso de esa sesión, Ralph y Collin tocaron su primer dúo de
guitarra/sitar en los pasillos de los estudios Columbia.
En 1970
Ralph, Glen y Collin se unieron al Paul Winter Consort para una gira de
50 conciertos en EE.UU. donde rápidamente formaron una alianza con su
oboísta, Paul McCandless, que había estudiado en la Escuela de Música de
Manhattan con el primer oboísta de Toscanini, Robert Bloom. Durante esa
gira inicial, Ralph comenzó a componer un nuevo repertorio de material
original que incluía "Icarus", que desde entonces se ha convertido en un
estándar. El desarrollo temprano de OREGON se arraigó en las
habitaciones de moteles y dormitorios universitarios donde, en jam
sessions privadas, Towner, Walcott, Moore y McCandless comenzaron a
investigar nuevas posibilidades musicales después de probar la
improvisación colectiva en la gira con el Consort. El grupo de Winter
les introdujo en la idea de realizar conciertos con combinaciones poco
comunes de instrumentos en una variedad ecléctica de estilos musicales.
Incorporando estos elementos, OREGON surgió con una síntesis única de la
instrumentación clásica europea, la armonía del jazz americano y las
influencias étnicas de todo el mundo. La idea de grabar su propia música
surgió por primera vez en una fiesta, en la que Towner y Walcott
estaban entreteniendo a sus amigos en su configuración de
guitarra/sitar. Al grupo se le ofreció el uso de un estudio de 8 pistas
en las colinas de Hollywood, conocido como "La Granja". Un sello
independiente de corta duración en Los Ángeles subvencionó seis semanas
de grabación y mezcla. La compañía no logró vender los resultados a un
sello importante y la cinta se guardó durante diez años antes de su
lanzamiento de Vanguard en el disco llamado "Our First Record".
En
1971 la banda debutó en la ciudad de Nueva York, llamándose a sí mismos
Thyme-Music of Another Present Era, una frase diseñada para responder a
la pregunta. "¿Qué tipo de música tocas?" McCandless propuso más tarde
el nombre "OREGON" en alusión a las nostálgicas reminiscencias de Ralph y
Glen en su estado natal. Al año siguiente, Vanguard firmó OREGON,
grabando un nuevo conjunto de composiciones originales que se convirtió
en el LP de debut de la banda, Music of Another Present Era. En ese
mismo período, hicieron Tríos y Solos para ECM, un nuevo sello en
Europa. El álbum Vanguard los presentó a su público americano y a través
de su asociación con ECM, desarrollaron sus seguidores europeos con
giras que comenzaron en 1974, donde recibieron la aclamación de la
crítica y un creciente reconocimiento en la comunidad internacional.
Seis
años y nueve álbumes más tarde, OREGON se trasladó a Elektra/Asylum
Records. Su primer lanzamiento en ese sello, Out of the Woods, llegó a
un público decididamente más amplio y fue incluido en la lista de los
101 mejores álbumes de jazz de Len Lyons. Con el paso de los años y la
versatilidad del grupo creció, clarinete bajo, saxos soprano y
sopranino, flautas étnicas, fliscorno, trompa, clarinete, dulcimer, bajo
eléctrico, violín, viola, y una miríada de instrumentos de percusión se
abrieron camino en la instrumentación de OREGON que ya incluía el nylon
de Towner y las 12 guitarras de cuerda y el piano, el oboe y el corno
inglés de McCandless, el bajo Klotz de 1715 de Moore y el sitar y las
tablas de Walcott.
Al final del contrato de OREGON con Elektra, y
con el nacimiento de la hija de Collin Walcott en 1980, los miembros de
la banda se tomaron un año sabático durante el cual siguieron sus
carreras individuales en solitario. Cuando volvieron a unirse, la fusión
única de OREGON ganó una dimensión eléctrica con la adición de Towner
de sintetizadores de teclado. El grupo grabó dos álbumes más para ECM
con el personal original.
Habían alcanzado un pico de popularidad
cuando en noviembre de 1984, Walcott murió en un accidente de coche en
la antigua Alemania del Este, dejando el álbum de ECM Crossing como su
documento final. Esto dejó a OREGON con la aparentemente imposible tarea
de llenar un enorme vacío. Se reunieron por primera vez en mayo de 1985
en un concierto conmemorativo de Walcott en Nueva York donde el
deslumbrante percusionista indio Trilok Gurtu se les unió para rendirles
homenaje. Trilok, que estudió tablas y batería de jazz, aceptó una
invitación para trabajar con OREGON en 1986 que incluía una gira del
Departamento de Estado por el subcontinente indio. Durante un período de
cinco años, tocó en tres álbumes con la banda: Ecotopia en ECM, 45th
Parallel en Epic, y Always, Never, and Forever, la primera grabación de
la banda en Intuition. Tras la salida de Gurtu, los tres miembros
originales continuaron su desarrollo creativo como trío haciendo dos
CD-Troika y Beyond Words.
Para la grabación de Intuition de 1996
"Northwest Passage", el grupo incorporó a dos magistrales
percusionistas, el ex chicagüense Mark Walker y Arto Tuncboyician de
Armenia. Walker, que también actúa y graba con el expatriado cubano
Paquito D'Rivera, se ha convertido en el nuevo cuarto miembro de OREGON y
junto con Towner, Moore y McCandless viajó a Moscú en junio de 1999
para grabar el doble CD de Intuición titulado "Oregón en Moscú". Este
proyecto es el debut de la banda en la grabación de su repertorio
orquestal. Desarrollado desde los días de Winter Consort, este
prodigioso cuerpo de trabajo había sido interpretado con las orquestas
de St. Paul, Filadelfia, Indianápolis, Stavanger, Friburgo y Stuttgart,
pero nunca fue documentado. Oregon In Moscow, producida por Steve Rodby
del Grupo Pat Metheny, presenta a los miembros de la banda como
compositores, orquestadores y solistas en colaboración con la Orquesta
Sinfónica Tchaikovsky de Moscú. En 2001 este álbum obtuvo cuatro
nominaciones al Grammy. La producción más reciente de OREGON, un CD en
vivo grabado durante una animada semana en Yoshi's, el principal club de
jazz del área de la bahía de San Francisco, fue lanzado en 2002. Desde
1980 no se han grabado las electrificantes y conmovedoras actuaciones
del grupo. https://musicians.allaboutjazz.com/oregon
Focuses on performers whose own styles, by definition, transcend
traditional boundaries of jazz and most Western forms of music. The
performers discussed include John Coltrane, Ornette Coleman, Cecil
Taylor, Daniel Carter, Billy Bang, and Jemeel Moondoc.
The journal Source: Music of the Avant-garde
was and remains a seminal source for materials on the heyday of
experimental music and arts. Conceived in 1966 and published to 1973, it
included some of the most important composers and artists of the time:
John Cage, Harry Partch, David Tudor, Morton Feldman, Robert Ashley,
Pauline Oliveros, Dick Higgins, Nam June Paik, Steve Reich, and many
others. A pathbreaking publication, Source
documented crucial changes in performance practice and live
electronics, computer music, notation and event scores, theater and
installations, intermedia and technology, politics and the social roles
of composers and performers, and innovations in the sound of music.
Biography by Ron Wynn A gifted and versatile bassist, Stafford James has played bebop, hard bop, free, and R&B material since emerging in the late '60s working with Monty Alexander, Albert Ayler, and Sun Ra. He's equally capable on acoustic or electric, and has backed both jazz and R&B singers. James studied at the Chicago Conservatory and Mannes College in the late '60s and early '70s. Following his stints with Alexander, Ayler, and Ra, he played with Melba Moore, Roy Ayers, Garry Bartz, Rashied Ali, Betty Carter, Art Blakey, Al Haig, Barry Harris, Andrew Hill, Andrew Cyrille, and Chico Hamiliton at various points during the early and mid-'70s. James appeared with Bartz at the Montreux Jazz Festival. He worked with Dexter Gordon and Woody Shaw in the late '70s as well as John Scofield. James reunited with Shaw in the early '80s, then played with Philly Joe Jones and Dameronia, Slide Hampton, Cecil Payne, and Jimmy Heath. He also recorded as a leader from the mid-'70s through the '80s, heading quartets, quintets, a trio, and a string and percussion ensemble. James has recorded for Horo (Italy) and Red, a subsidiary of Black Saint/Soul Note, and he can be heard on reissues by Ayler, Shaw, and others. https://www.allmusic.com/artist/stafford-james-mn0000179018#biography
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Biografía de Ron Wynn Stafford James es un bajista talentoso y versátil que ha tocado música bebop, hard bop, free y R&B desde que apareció a finales de los 60 trabajando con Monty Alexander, Albert Ayler y Sun Ra. Es igualmente capaz de tocar en acústico o en eléctrico, y ha respaldado a cantantes de jazz y R&B. James estudió en el Conservatorio de Chicago y en el Mannes College a finales de los sesenta y principios de los setenta. Tras su paso por Alexander, Ayler y Ra, tocó con Melba Moore, Roy Ayers, Garry Bartz, Rashied Ali, Betty Carter, Art Blakey, Al Haig, Barry Harris, Andrew Hill, Andrew Cyrille y Chico Hamiliton en diversos momentos de principios y mediados de los 70. James actuó con Bartz en el Festival de Jazz de Montreux. Trabajó con Dexter Gordon y Woody Shaw a finales de los 70, así como con John Scofield. James se reunió con Shaw a principios de los 80, y después tocó con Philly Joe Jones y Dameronia, Slide Hampton, Cecil Payne y Jimmy Heath. También grabó como líder desde mediados de los 70 hasta los 80, al frente de cuartetos, quintetos, un trío y un conjunto de cuerda y percusión. James ha grabado para Horo (Italia) y Red, filial de Black Saint/Soul Note, y se le puede escuchar en reediciones de Ayler, Shaw y otros. https://www.allmusic.com/artist/stafford-james-mn0000179018#biography
