VA • Party Jazz

 

Bob Thiele & Gabor Szabo • Light My Fire

 

Light My Fire is an album by Hungarian jazz guitarist Gábor Szabó and American record producer Bob Thiele featuring performances recorded in 1967 for the Impulse! label.

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Light My Fire es un álbum del guitarrista de jazz húngaro Gábor Szabó y del productor discográfico estadounidense Bob Thiele con actuaciones grabadas en 1967 para el sello Impulse!

 

 

Gabor Szabo • Jazz Raga

 

Review by Thom Jurek

Jazz Raga, recorded in August of 1966, and released in early 1967, is Hungarian jazz guitarist Gabor Szabo's third album for Impulse!, and his most exotic and mysterious. Szabo not only played guitar on the live-to-two-track sessions, he also overdubbed sitar on nine of the album's eleven cuts. Produced by Bob Thiele and engineered by Rudy Van Gelder, it combines Szabo's singular guitar sound (equally influenced by West Coast jazz, Hungarian gypsy folk songs, and Indian music -- which he began studying as early as 1961), as he fronts a rhythm section of drummer Bernard Purdie and upright bassist Jack Gregg on nearly half of the album with an expanded lineup that also included electric bassist Bob Bushnell on the rest. On what has now become Szabo's signature tune, "Mizrab" (perhaps the first truly psychedelic jazz composition) Ed Shaugnessy was added on tablas. Musically, Jazz Raga dwells in the no man's lands between jazz, psych rock, Indian, and Eastern European music. Its track selection includes two standards -- "Caravan" and "Summertime" -- a smoking cover of the Rolling Stones' "Paint It Black," and eight Szabo originals. While some of the titles, like "Search for Nirvana," "Raga Doll," and "Krishna" seem dated, they don't taint the power of the music. "Mizrab," with its driving tablas, mantra-like bassline, open-tuned, droning guitar and a call-and- response sitar, creates a melody that is at once haunting, inviting, and affecting. The groove is monstrous, infectious, and dizzying. Szabo's glorious staccato playing on "Raga Doll" complements the hypnotic but gentle Latin groove laid down by Purdie. Gregg's descending five-note bass pattern that breaks in the middle, creates a halting, anticipatory breath in the listener. "Sophisticated Wheels" adds a tough samba rhythm and a taut engagement between Purdie and Gregg. The sitar and guitar create a contrapuntal feel, adding to the dimension of the tune. "Paint It Black" one ups the Stones' version; it employs the sitar right up front, not for coloring the melody, but as a foundational element. "Ravi" is actually funky thanks to Purdie's drumming, while Szabo's instruments play alternately at one another, communicating intensely. "Caravan" comes off as something completely otherworldly, while "Summertime" is one of the most original versions ever recorded. “Comin’ Back” combines a 12-bar blues with a surf riff and R&B drums, with a killer tone by Szabo. The album received mixed reviews at the time but developed a lasting cult following. Jazz Raga is a classic for its barrier-breaking invention and startling creativity.

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Revisión por Thom Jurek

Jazz Raga, grabado en agosto de 1966 y lanzado a principios de 1967, es el tercer álbum del guitarrista húngaro de jazz Gabor Szabo para Impulse !, y su más exótico y misterioso. Szabo no solo tocó la guitarra en las sesiones de live-to-track, sino que también sobrescribió sitar en nueve de los once cortes del álbum. Producido por Bob Thiele y diseñado por Rudy Van Gelder, combina el singular sonido de guitarra de Szabo (igualmente influenciado por el jazz de la Costa Oeste, las canciones populares gitanas húngaras y la música de la India, que comenzó a estudiar desde 1961), ya que tiene un ritmo La sección del baterista Bernard Purdie y el bajista vertical Jack Gregg en casi la mitad del álbum con una formación ampliada que también incluyó al bajista eléctrico Bob Bushnell en el resto. En lo que ahora se ha convertido en la melodía característica de Szabo, "Mizrab" (quizás la primera composición de jazz realmente psicodélica) Ed Shaugnessy se agregó a las tablas. Musicalmente, Jazz Raga habita en las tierras de nadie entre el jazz, el rock psíquico, la música india y europea oriental. Su selección de pistas incluye dos estándares, "Caravan" y "Summertime", una cubierta para fumar de "Paint It Black" de los Rolling Stones y ocho originales de Szabo. Si bien algunos de los títulos, como "Búsqueda de Nirvana", "Muñeca Raga" y "Krishna" parecen anticuados, no afectan el poder de la música. "Mizrab", con sus tablas de conducción, su línea de bajo tipo mantra, su guitarra sintonizada, sintonía abierta y un sitar de llamada y respuesta, crea una melodía que es a la vez inquietante, invitadora y afectiva. El surco es monstruoso, infeccioso y vertiginoso. El glorioso staccato de Szabo en "Raga Doll" complementa el hipnótico pero suave ritmo latino establecido por Purdie. El patrón de bajo descendente de cinco notas de Gregg que se rompe en el medio, crea una respiración de anticipación y de detención en el oyente. "Ruedas sofisticadas" agrega un ritmo de samba duro y un compromiso tenso entre Purdie y Gregg. El sitar y la guitarra crean una sensación de contrapunto, que se suma a la dimensión de la melodía. "Paint It Black" se sube a la versión de los Stones; emplea el sitar justo al frente, no para colorear la melodía, sino como un elemento fundamental. "Ravi" es realmente funky gracias a la batería de Purdie, mientras que los instrumentos de Szabo se tocan alternativamente, comunicándose intensamente. "Caravan" aparece como algo completamente ajeno, mientras que "Summertime" es una de las versiones más originales que se hayan registrado. "Comin’ Back "combina un blues de 12 compases con un riff de surf y baterías de R&B, con un tono asesino de Szabo. El álbum recibió críticas mixtas en ese momento, pero desarrolló un seguimiento de culto duradero. Jazz Raga es un clásico por su invento que rompe barreras y su sorprendente creatividad.

 

 

 

 

Chico Hamilton • The Further Adventures Of El Chico

 

Legendary jazz drummer and bandleader Foreststorn ‘Chico’ Hamilton, born September 21st, 1921 in Los Angeles, had a fast track musical education in a band with his schoolmates Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette and Jack Kelso. Engagements with Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan and six years with Lena Horne established this young West Coast prodigy as a jazz drummer on the rise, before striking out on his own as a bandleader in 1955.

Chico appears in the March Milastaire number in the film “You'll Never Get Rich” (1941) as part of the backing group supporting Fred Astaire, and performed on the soundtrack of the Bing Crosby/Bob Hope film “Road to Bali”.

Chico’s impact upon jazz includes the introduction of two unique and distinct sounds: first in 1955 with his Original Quintet which combined the sounds of his drums, the bass of Carson Smith, the guitar of Jim Hall, the cello of Fred Katz, and the flute of Buddy Collette; and the second in 1962 with his own drums, the bass of Albert Stinson, the guitar of Gabor Szabo, the tenor sax of Charles Lloyd, and the trombone of George Bohanon.

Recorded first lp as leader in '55 with George Duvivier and Howard Roberts for Pacific Jazz; in '55 formed an unusual quintet in L.A. feat. cello, flute, guitar, bass and drums which acquired national following; the original personnel incl. Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz and Carson Smith; Hamilton continued to tour using different personnel '57-'60; group incl. Paul Horne and John Pisano feat. in the film “Sweet Smell of Success” in '57; group incl. Nate Gershman and Eric Dolphy app. in film “Jazz on a Summer’s Day” in '60; Dolphy makes first recordings with Hamilton on “With Strings Attached”, “Gongs East”, “The Three Faces of Chico”, and “That Hamilton Man”.

Hamilton revamps group in '61 with new musical direction; new group incl. Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon and Albert Stinson; group records for Columbia, Reprise and Impulse also records soundtrack for industrial film “Litho” in '62, the first American film to be shown behind the Iron Curtain. Hamilton forms commercial and film production company in '65; scores the feature films “Repulsion”, “Mr. Rico”, “By Design”, “Liebe Auf Den Ersten Blick”, “Die Sonnengottin”, and “A Practical Man”; scores for television “Portrait of Willie Mays” and the popular children's series “Gerald McBoing Boing”; scores hundreds of commercials for TV and radio. Forms new group with Larry Coryell, Richard Davis and Arnie Lawrence in '66 and records “The Dealer” for Impulse. Performs Montreux and North Sea Jazz Festivals in '72 and '73. Forms new “Players” group in '75 w. Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty and Abdullah; tours with “Players” using different personnel '76-'80; records for Blue Note, Mercury, Nautilus and Elektra. Originating faculty member in '87 of New School University Jazz & Contemporary Music Program.

Forms new group “Euphoria” in '87 w. Eric Person, Cary DeNigris and Reggie Washington; records “Euphoria” '87; tours Europe with “Euphoria” '87, '88, '90. Performs at Verona, Bolzano, Vienne, Nice, North Sea and Montreux Jazz Festivals in '89 with regrouped original quintet w. Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; records “Reunion” for Soul Note. For Soul Note records “Arroyo” with “Euphoria” group, “Trio!” w. Eric Person , Cary DeNigris, Eric Dolphy tribute “My Panamanian Friend” with “Euphoria” group, and solo drum session “Dancing to a Different Drummer”. Tours Europe with “Euphoria” group '94. Hamilton subject of documentary film by director Julian Benedikt “Dancing to a Different Drummer” '94. 1997 Hamilton receives the New School University Jazz & Contemporary Music Program’s Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”.

Hamilton releases “Foreststorn” in 2001 featuring his new “Euphoria” group with stalwarts Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, and a new two horn front line featuring Eric Lawrence on alto and soprano saxes and Evan Schwam on tenor sax, as well as Special Guest Appearances from Former Band members Arthur Blythe, Steve Turre and his wife Akua Dixon, Eric Person, former Spin Doctors guitarist Eric Schenkman (a student of Chico's), Blues Traveler front man John Popper (also a student of Chico's), and Charlie Watts of The Rolling Stones. August 2001 performs in front of 2300 people at Lincoln Center “My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton” with “Euphoria” plus Special Guest Appearances from Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones and Eric Person. Fall 2002 releases “Thoughts of…” with his “Euphoria” group with Special Guest Appearances from guitarists and former band members Joe Beck, Larry Coryell and Rodney Jones.

In 1997, Chico received the New School University Jazz & Contemporary Music Programs Beacons in Jazz Award in recognition for his “significant contribution to the evolution of Jazz”. In 2002, Chico was awarded the WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. At the IAJE in NYC January 2004, Hamilton was awarded a NEA Jazz Master Fellowship, presented to him by Roy Haynes. In December 2006, Congress confirmed the President’s nomination of Chico to the Presidents Council on the Arts. And in 2007, Chico received a Living Legacy Jazz Award as part of The Kennedy Center Jazz in Our Time Festival, as well as receiving a Doctor of Fine Arts from The New School.

Dynamic as ever at the age of 86, Chico Hamilton has a resume that includes scores for film, original compositions, commercial jingles, 50 + albums as a leader, and countless international tours. In 2006, Chico released four CD’s on Joyous Shout! in celebration of his 85th birthday: “Juniflip” featuring guest appearances from- legendary Love front- man Arthur Lee, criminally under-rated vocalist (and successful actor) Bill Henderson, and former Hamilton band members trombonist George Bohanon and bass trombonist Jimmy Cheatham; “Believe” with Special Guest appearances from vocalist and R & B Diva Fontella Bass and trombonist George Bohanon; “6th Avenue Romp” featuring Special Guest appearances from guitarist Shuggie Otis, trumpeter Jon Faddis, trombonist George Bohanon, vocalist Brenna Bavis and percussionist Jaimoe of the Allman Brothers Band; and “Heritage” with Special Guest appearances from vocalist Marya Lawrence and tromboist George Bohanon. September 2007, Chico released “Hamiltonia” sampling his original compositions from the four albums released in 2006. “Hamiltonia” is an impassioned statement of purpose- an emphatic endorsement of writing and performing THIS music in the NOW, the way the GREATS did in their time, and confirms Hamilton's status as one of the most important living jazz artists and composers.

Over the years, Chico has had a series of dance floor successes, including his signature song “Conquistadors from his 60's Impulse album “El Chico”, and the Brazilian influenced song “Strut” from Chico's 1979 outing on Elektra “Nomad”, which became so successful on the Northern Soul Scene in the U.K. that it had its own dance!! “Conquistadors” also was the signature track for E-man when he rocked the dance floor at Frank's Cocktail Lounge in Brooklyn. In 2002 a track titled “For Mods Only” from Chico's 1968 Impulse album “The Dealer”, was included on the [Thievery Corporations “Sounds from the Verve Hi-Fi”. Fall 2006, Rong Music released the 12” vinyl “Kerry's Caravan” from Mudd & Chico Hamilton, a moody yet stunning slice of modern music and a molten melting pot ready made for filling the dance floor with remixes from long-term Idjut Boys collaborator and Fiasco imprint boss Ray Mang!! And the recent Impulsive! Remix Project features Mark De Clive Lowe’s take on Chico’s classic 60s track “El Toro”. Released December of 2007 from SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) on 12” Limited Edition Vinyl is their recasting of Chico's classic track “Mysterious Maiden”, and coming Spring 2008 from SoulFeast is a CD & double vinyl 12” EP “Chico Hamilton Presents: Alternative Dimensions of El-Chico”.

Chico is presently teaching at New School University Jazz & Contemporary Music Program; touring extensively in North America with “Euphoria” group which includes Cary DeNigris on guitar, Paul Ramsey on bass, Evan Schwam on flute, tenor and soprano saxes, and Ian Young on flute, alto and baritone saxes, and Jeremy Carlstedt on percussion; recording with his “Euphoria” group and special guests; composing and performing music for film; and working on autobiography.

https://musicians.allaboutjazz.com/chicohamilton

 

Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

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El legendario baterista de jazz y director de banda Foreststorn 'Chico' Hamilton, nacido el 21 de septiembre de 1921 en Los Ángeles, tuvo una educación musical acelerada en una banda con sus compañeros de escuela Charles Mingus, Illinois Jacquet, Ernie Royal, Dexter Gordon, Buddy Collette y Jack Kelso. Sus compromisos con Lionel Hampton, Slim & Slam, T-Bone Walker, Lester Young, Count Basie, Duke Ellington, Charlie Barnett, Billy Eckstine, Nat King Cole, Sammy Davis Jr., Billie Holiday, Gerry Mulligan y seis años con Lena Horne hicieron que este joven prodigio de la costa oeste se convirtiera en un baterista de jazz en ascenso, antes de emprender su propio camino como director de orquesta en 1955.

Chico aparece en el número de marzo de Milastaire en la película "You'll Never Get Rich" (1941) como parte del grupo de apoyo a Fred Astaire, y actuó en la banda sonora de la película de Bing Crosby/Bob Hope "Road to Bali".

El impacto de Chico en el jazz incluye la introducción de dos sonidos únicos y distintos: el primero en 1955 con su Quinteto Original que combinaba los sonidos de su batería, el bajo de Carson Smith, la guitarra de Jim Hall, el violonchelo de Fred Katz y la flauta de Buddy Collette; y el segundo en 1962 con su propia batería, el bajo de Albert Stinson, la guitarra de Gabor Szabo, el saxo tenor de Charles Lloyd y el trombón de George Bohanon.

Grabó su primer LP como líder en el 55 con George Duvivier y Howard Roberts para Pacific Jazz; en el 55 formó un quinteto inusual en la hazaña de L.A.: cello, flauta, guitarra, bajo y batería que adquirió seguidores nacionales; el personal original incluía a Buddy Collette, Jim Hall, Fred Katz y Carson Smith; Hamilton siguió de gira usando personal diferente del 57 al 60; el grupo incluía a Paul Horne y John Pisano en la película "Sweet Smell of Success" en el 57; el grupo incluye a Nate Gershman y Eric Dolphy en la película "Jazz on a Summer's Day" en el 60; Dolphy hace las primeras grabaciones con Hamilton en "With Strings Attached", "Gongs East", "The Three Faces of Chico" y "That Hamilton Man".

Hamilton renueva el grupo en el 61 con una nueva dirección musical; el nuevo grupo incluye a Charles Lloyd, Gabor Szabo, George Bohanon y Albert Stinson; el grupo graba para Columbia, Reprise e Impulse y también graba la banda sonora de la película industrial "Litho" en el 62, la primera película americana que se proyectó tras el telón de acero. Hamilton forma una empresa de producción de películas y anuncios en el año 65; graba las partituras de los largometrajes "Repulsion", "Mr. Rico", "By Design", "Liebe Auf Den Ersten Blick", "Die Sonnengottin" y "A Practical Man"; graba las partituras para la televisión "Portrait of Willie Mays" y la popular serie infantil "Gerald McBoing Boing"; graba cientos de anuncios para la televisión y la radio. Forma un nuevo grupo con Larry Coryell, Richard Davis y Arnie Lawrence en el 66 y graba "The Dealer" para Impulse. Actúa en los festivales de jazz de Montreux y del Mar del Norte en 1972 y 1973. Forma un nuevo grupo "Players" en el 75 con Arthur Blythe, Steve Turre, Barry Finnerty y Abdullah; giras con "Players" con personal diferente en el 76-80; discos para Blue Note, Mercury, Nautilus y Elektra. Miembro de la facultad en el 87 del programa de Jazz y Música Contemporánea de la Universidad New School.

Forma el nuevo grupo "Euphoria" en el 87 con Eric Person, Cary DeNigris y Reggie Washington; graba "Euphoria" 87; gira por Europa con "Euphoria" 87, 88 y 90. Se presenta en los festivales de jazz de Verona, Bolzano, Viena, Niza, Mar del Norte y Montreux en el 89 con el quinteto original reagrupado con Buddy Collette, Fred Katz, John Pisano, Carson Smith; graba "Reunion" para Soul Note. Para Soul Note graba "Arroyo" con el grupo "Euphoria", "Trio!" con Eric Person, Cary DeNigris, Eric Dolphy tributo "My Panamanian Friend" con el grupo "Euphoria", y la sesión de batería en solitario "Dancing to a Different Drummer". Gira por Europa con el grupo "Euphoria" del 94. Hamilton tema del documental del director Julian Benedikt "Dancing to a Different Drummer" '94. 1997 Hamilton recibe el premio Beacons in Jazz del Programa de Jazz y Música Contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del Jazz".

Hamilton lanza "Foreststorn" en 2001 con su nuevo grupo "Euphoria", con los incondicionales Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, y una nueva línea frontal de dos trompas con Eric Lawrence en los saxos alto y soprano y Evan Schwam en el saxo tenor, así como las apariciones como invitados especiales de los ex miembros de la banda Arthur Blythe, Steve Turre y su esposa Akua Dixon, Eric Person, el ex guitarrista de los Spin Doctors Eric Schenkman (un estudiante de Chico's), el testaferro de Blues Traveler John Popper (también un estudiante de Chico's), y Charlie Watts de los Rolling Stones. En agosto de 2001 actúa ante 2300 personas en el Lincoln Center "My Funny Valentine- A Tribute to Chico Hamilton" con "Euphoria", además de las apariciones como invitados especiales de Joe Beck, Arthur Blythe, Larry Coryell, Akua Dixon, Rodney Jones y Eric Person. El otoño de 2002 lanza "Thoughts of..." con su grupo "Euphoria" con Special Guest Appearances de los guitarristas y ex-miembros de la banda Joe Beck, Larry Coryell y Rodney Jones.

En 1997, Chico recibió el premio Beacons in Jazz de los programas de jazz y música contemporánea de la New School University en reconocimiento a su "significativa contribución a la evolución del jazz". En 2002, Chico fue galardonado con el premio WLIU-FM Radio Lifetime Achievement Award. En el IAJE de Nueva York, en enero de 2004, Hamilton fue premiado con una beca NEA Jazz Master Fellowship, presentada por Roy Haynes. En diciembre de 2006, el Congreso confirmó el nombramiento del Presidente de Chico en el Consejo Presidencial de las Artes. Y en 2007, Chico recibió un premio de Jazz del Legado Vivo como parte del Festival de Jazz en Nuestro Tiempo del Centro Kennedy, así como un Doctorado en Bellas Artes de la New School.

Dinámico como siempre a la edad de 86 años, Chico Hamilton tiene un currículum que incluye partituras para películas, composiciones originales, jingles comerciales, más de 50 álbumes como líder, e innumerables giras internacionales. En 2006, Chico lanzó cuatro CD en Joyous Shout! para celebrar su 85 cumpleaños: "Juniflip" con las apariciones como invitado del legendario cantante de Love Arthur Lee, el vocalista (y exitoso actor) Bill Henderson, y los ex miembros de la banda de Hamilton, el trombonista George Bohanon y el trombonista bajo Jimmy Cheatham; "Believe" con las apariciones como invitado especial del vocalista y R & B Diva Fontella Bass y el trombonista George Bohanon; "6th Avenue Romp" con apariciones como invitados especiales del guitarrista Shuggie Otis, el trompetista Jon Faddis, el trombonista George Bohanon, la vocalista Brenna Bavis y el percusionista Jaimoe de la Allman Brothers Band; y "Heritage" con apariciones como invitados especiales de la vocalista Marya Lawrence y el trombonista George Bohanon. En septiembre de 2007, Chico publicó "Hamiltonia" con una muestra de sus composiciones originales de los cuatro álbumes publicados en 2006. "Hamiltonia" es una apasionada declaración de intenciones - un apoyo rotundo a la escritura e interpretación de ESTA música en el AHORA, de la manera en que los GRANDES lo hicieron en su tiempo, y confirma el estatus de Hamilton como uno de los más importantes artistas y compositores de jazz vivos.

A lo largo de los años, Chico ha tenido una serie de éxitos en la pista de baile, incluyendo su canción característica "Conquistadors" de su álbum Impulse de los 60 "El Chico", y la canción de influencia brasileña "Strut" de la salida de Chico en 1979 en Elektra "Nomad", que tuvo tanto éxito en la escena Northern Soul en el Reino Unido que tuvo su propio baile!! "Conquistadors" también fue el tema característico de E-man cuando rockeó en la pista de baile del Frank's Cocktail Lounge en Brooklyn. En 2002, un tema titulado "For Mods Only" del álbum "The Dealer" de Chico's Impulse en 1968, fue incluido en el [Thievery Corporations "Sounds from the Verve Hi-Fi"]. En otoño de 2006, Rong Music lanzó el vinilo de 12" "Kerry's Caravan" de Mudd & Chico Hamilton, una malhumorada pero impresionante rebanada de música moderna y un crisol fundido listo para llenar la pista de baile con remezclas del colaborador de larga data de Idjut Boys y jefe de imprenta de Fiasco, Ray Mang!! ¡Y el reciente "Impulsivo"! Remix Project presenta la versión de Mark De Clive Lowe del clásico de los 60 "El Toro" de Chico. Lanzado en diciembre de 2007 por SoulFeast (Joaquin 'Joe' Claussell & Brian Michel Bacchus) en vinilo de 12" de edición limitada es su refundición del tema clásico de Chico "Mysterious Maiden", y la próxima primavera de 2008 de SoulFeast es un CD y doble vinilo de 12" EP "Chico Hamilton Presents": Dimensiones alternativas de El-Chico".

Chico está actualmente enseñando en el programa de jazz y música contemporánea de la New School University; está de gira por América del Norte con el grupo "Euphoria", que incluye a Cary DeNigris en la guitarra, Paul Ramsey en el bajo, Evan Schwam en la flauta, saxos tenor y soprano, e Ian Young en la flauta, saxos alto y barítono, y Jeremy Carlstedt en la percusión; está grabando con su grupo "Euphoria" e invitados especiales; está componiendo e interpretando música para películas; y está trabajando en la autobiografía.

https://musicians.allaboutjazz.com/chicohamilton

 

Note:
Chico Hamilton passed away on 25 November 2013, in Manhattan, New York.

Charles Lloyd • Manhattan Stories

 

Review from JazzTimes:
The claims that producers make for their own projects cannot always be taken straight to the bank, but Zev Feldman's remark about Manhattan Stories is provocative: "This just might be the holy grail for longtime Charles Lloyd fans like myself who think they've heard it all." The saxophonist's career has been well documented, but the quartet on Manhattan Stories -- with guitarist Gabor Szabo, bassist Ron Carter and drummer Pete La Roca -- left behind no known recordings until now. The contents of this two-disc set come from performances in two long-defunct venues, one civilized and patrician (Judson Hall, across 57th Street from Carnegie Hall), one not (Slugs' Saloon, in the mean streets of the East Village). Szabo plays an amplified steel-string acoustic guitar whose nasal twang sometimes sounds like a banjo. His ideas about how to interact with a horn player are unusual, less about comping or counterpoint than creative conflict. Lloyd and Szabo slash at one another, but "Sweet Georgia Bright," at 18 minutes, goes down many roads. Szabo, who was born in Hungary, died at 45 in 1982. He was a major guitar innovator, now rarely remembered, who brought Eastern European textures and rock 'n' roll defiance into jazz. His fierce staccato phrasing was a perfect stark contrast to Lloyd, who was and is instinctively lyrical. Even on Manhattan Stories, where Lloyd plays with an impulsive abandon unique in his early discography, his tenor saxophone tone is glowing and rounded at the edges, not jagged.
https://jazztimes.com/reviews/albums/charles-lloyd-manhattan-stories/

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Resena de JazzTimes:
Las afirmaciones que hacen los productores sobre sus propios proyectos no siempre pueden tomarse al pie de la letra, pero la observacion de Zev Feldman sobre Manhattan Stories es provocadora: "Esto podria ser el santo grial para los fans de larga data de Charles Lloyd como yo, que creen haberlo escuchado todo." La carrera del saxofonista esta bien documentada, pero el cuarteto de Manhattan Stories -- con el guitarrista Gabor Szabo, el bajista Ron Carter y el baterista Pete La Roca -- no dejo grabaciones conocidas hasta ahora. El contenido de este doble disco proviene de actuaciones en dos locales ya desaparecidos: uno civilizado y patricio (Judson Hall, frente a Carnegie Hall en la calle 57), y otro no tanto (Slugs' Saloon, en las calles mas duras del East Village). Szabo toca una guitarra acustica de cuerdas de acero amplificada cuyo sonido nasal a veces recuerda a un banjo. Sus ideas sobre como interactuar con un musico de viento son inusuales, menos de acompanamiento o contrapunto que de conflicto creativo. Lloyd y Szabo se enfrentan mutuamente, pero "Sweet Georgia Bright," de 18 minutos, recorre muchos caminos. Szabo, nacido en Hungria, murio a los 45 en 1982. Fue un gran innovador de la guitarra, hoy raramente recordado, que introdujo texturas de Europa del Este y la rebeldia del rock and roll en el jazz. Su fraseo staccato y feroz era un contraste perfecto con Lloyd, quien era y sigue siendo instintivamente lirico. Incluso en Manhattan Stories, donde Lloyd toca con un abandono impulsivo unico en su discografia temprana, el sonido de su saxofon tenor es luminoso y redondeado en sus bordes, no dentado.
https://jazztimes.com/reviews/albums/charles-lloyd-manhattan-stories/

Charles Lloyd • Discovery

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This superior set by tenor saxophonist Charles Lloyd was recorded two years before Lloyd's quartet achieved great popular success. Lloyd's Coltrane-inspired sound was already in place and although pianist Gabor Szabo would be succeeded by Keith Jarrett, the overall sound of the ensemble would remain unchanged. Lloyd's passionate yet melodic approach is heard at its best on the famous "Forest Flower," but all of the music is quite worthwhile and highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/discovery!-the-charles-lloyd-quartet-mw0001882003

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Este conjunto superior del saxofonista tenor Charles Lloyd fue grabado dos años antes de que el cuarteto de Lloyd lograra un gran éxito popular. El sonido inspirado en Coltrane de Lloyd ya estaba en su lugar y aunque el pianista Gabor Szabo sería sucedido por Keith Jarrett, el sonido general del ensamble permanecería sin cambios. El enfoque apasionado pero melódico de Lloyd se escucha en su mejor momento en la famosa "Forest Flower", pero toda la música es bastante valiosa y muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/discovery!-the-charles-lloyd-quartet-mw0001882003

The Chico Hamilton Quintet • Transfusion

 

Review by Scott Yanow
The first four CDs released by Studio West, a subsidiary of V.S.O.P., are all taken from concise (around three minutes apiece) performances that were made to be used as part of the radio show "The Navy Swings." This particular release features performances by one of drummer Chico Hamilton's most stimulating groups, a quintet comprised of Charles Lloyd (on tenor, flute and alto), guitarist Gabor Szabo, trombonist George Bohanon, bassist Albert Stinson and the drummer/leader. Because the individual selections are briefer than usual, in many cases only one soloist is featured on each cut. But overall, there is plenty of solo space for Lloyd (very much playing in a Coltrane vein), Bohanon and Szabo. The mixture of seven standards with nine Lloyd originals works quite well with plenty of variety in moods and tempoes. An excellent all-around showcase for this much underrated but very timeless unit.
https://www.allmusic.com/album/transfusion-mw0000047999

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Reseña de Scott Yanow
Los cuatro primeros CDs editados por Studio West, una filial de V.S.O.P., son todos extraídos de actuaciones concisas (alrededor de tres minutos cada una) que se hicieron para ser utilizadas como parte del programa de radio "The Navy Swings". Este lanzamiento en particular presenta actuaciones de uno de los grupos más estimulantes del baterista Chico Hamilton, un quinteto compuesto por Charles Lloyd (en el tenor, la flauta y el alto), el guitarrista Gabor Szabo, el trombonista George Bohanon, el bajista Albert Stinson y el baterista/líder. Como las selecciones individuales son más breves de lo habitual, en muchos casos sólo aparece un solista en cada corte. Pero, en general, hay mucho espacio para los solos de Lloyd (que toca muy a lo Coltrane), Bohanon y Szabo. La mezcla de siete estándares con nueve originales de Lloyd funciona bastante bien, con mucha variedad de estados de ánimo y tempos. Un excelente escaparate para esta unidad infravalorada pero atemporal.
https://www.allmusic.com/album/transfusion-mw0000047999

VA • The House That Trane Built - The Story of Impulse Records

 

Gary McFarland • The In Sound

A more comfortable mix of McFarland's vocalese pop and jazz than the more successful Soft Samba. The In Sound is chock full of brief, enjoyable tunes that stick with you. Guitarist Gabor Szabo is a perfect partner and makes a memorable combination with McFarland's mellifluous vibraphone.

 Artist Biography by Douglas Payne

Largely forgotten now, Gary McFarland was one of the more significant contributors to orchestral jazz during the early '60s. An "adult prodigy," as Gene Lees accurately noted, McFarland was an ingenious composer whose music could reveal shades of complex emotional subtlety and clever childlike simplicity. While in the Army, he became interested in jazz and attempted to play trumpet, trombone, and piano. In 1955, he took up playing the vibes. Displaying a quick ability for interesting writing, he obtained a scholarship to the Berklee School of Music. He spent one semester there and with the encouragement of pianist John Lewis, concentrated on large-band arrangements of his own compositions. He attained early notoriety and success working with Gerry Mulligan, Johnny Hodges, John Lewis, Stan Getz, Bob Brookmeyer, and Anita O'Day. McFarland began devoting more attention to his own career by 1963 when he released what is often regarded as his most significant recording, The Gary McFarland Orchestra/Special Guest Soloist: Bill Evans. He also recorded in small-group settings, which featured his clever vibes playing. The success of his instrumental pop collection, Soft Samba, allowed McFarland to form his first performing group. But his recordings thereafter, more often than not, featured an easy listening instrumental pop bent. McFarland went on to excellent work with Gabor Szabo, Shirley Scott, Zoot Sims, and Steve Kuhn, but only rarely featured his outstanding compositional talents (as in 1968's America the Beautiful). He formed the short-lived Skye Records label with Szabo and vibist Cal Tjader in the late 60s and continued to record prolifically. By the late 60s, though, he was forgotten by his initial jazz followers and he died in 1971 after being poisoned in a New York City bar.

https://www.allmusic.com/artist/gary-mcfarland-mn0000662149/biography

more ... https://en.wikipedia.org/wiki/Gary_McFarland

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Una mezcla más cómoda de pop vocal y jazz de McFarland que la más exitosa Soft Samba. El In Sound está repleto de breves y divertidas melodías que te acompañan. El guitarrista Gabor Szabo es un compañero perfecto y hace una combinación memorable con el vibráfono melifluo de McFarland.

 Biografía del artista por Douglas Payne

Hoy en día, Gary McFarland fue uno de los contribuyentes más significativos al jazz orquestal durante los primeros años de la década de 1960. Un "prodigio adulto", como Gene Lees señaló con precisión, McFarland era un ingenioso compositor cuya música podía revelar matices de compleja sutileza emocional y una ingeniosa simplicidad infantil. Mientras estuvo en el Ejército, se interesó por el jazz e intentó tocar la trompeta, el trombón y el piano. En 1955, comenzó a tocar el vibráfono. Demostrando una rápida habilidad para la escritura interesante, obtuvo una beca para la Berklee School of Music. Allí pasó un semestre y, con el apoyo del pianista John Lewis, se concentró en los arreglos para big bands de sus propias composiciones. Alcanzó notoriedad y éxito trabajando con Gerry Mulligan, Johnny Hodges, John Lewis, Stan Getz, Bob Brookmeyer y Anita O'Day. McFarland comenzó a dedicar más atención a su propia carrera en 1963 cuando lanzó lo que a menudo se considera su grabación más significativa, The Gary McFarland Orchestra/Special Guest Soloist: Bill Evans. También grabó en grupos pequeños, en los que tocó con sus inteligentes vibraciones. El éxito de su colección de pop instrumental, Soft Samba, le permitió a McFarland formar su primer grupo interpretativo. Pero sus grabaciones posteriores, la mayoría de las veces, inclinadas hacia el pop instrumental de fácil escucha. McFarland continuó con un excelente trabajo con Gabor Szabo, Shirley Scott, Zoot Sims y Steve Kuhn, pero sólo en raras ocasiones presentó sus talentos compositivos sobresalientes (como en America the Beautiful de 1968). Formó el sello de corta duración Skye Records con Szabo y el vibrafonista Cal Tjader a finales de los 60 y continuó grabando prolíficamente. A finales de los años 60, sin embargo, fue olvidado por sus primeros seguidores del jazz y murió en 1971 después de haber sido envenenado en un bar de la ciudad de Nueva York.

https://www.allmusic.com/artist/gary-mcfarland-mn0000662149/biography

https://es.wikipedia.org/wiki/Gary_McFarland

Gabor Szabo • Blowin' Some Old Smoke

Hungarian born jazz guitarist Gabor Szabo arrived in America in the late 1950s, having fled the anti-communist uprising in his homeland. By the early 1960s, he had begun to establish himself as one of jazz's rising stars, joining drummer Chico Hamilton's group in 1960. He left Hamilton in 1965 and briefly played in a group co-led with tenor saxophonist Charles Lloyd before going out on his own as a solo artist. Between 1965 and 1977, he recorded a string of solo albums for the Impulse, Blue Thumb, Skye, CTI and Mercury labels. Faces, recorded for Mercury in 1977, is very much a jazz-fusion album. Produced by trombonist and ex-Crusader Wayne Henderson, the rhythm section was drawn from the soul-jazz-funk band Pleasure with whom Henderson was working at the Fantasy label. The music is built on irresistible, earthy funk grooves that allow Szabo plenty of space to spin long, elegant guitar lines and meticulously constructed solos, both of which were his trademarks. Largely overlooked on its original release, Faces is now revealed as a minor classic within the jazz-fusion genre.

 

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El guitarrista de jazz de origen húngaro Gabor Szabo llegó a Estados Unidos a finales de la década de 1950, tras huir del levantamiento anticomunista en su país. A principios de la década de 1960, empezó a establecerse como una de las estrellas emergentes del jazz, uniéndose al grupo del baterista Chico Hamilton en 1960. Dejó a Hamilton en 1965 y tocó brevemente en un grupo codirigido con el saxofonista tenor Charles Lloyd antes de salir por su cuenta como artista en solitario. Entre 1965 y 1977, grabó una serie de álbumes en solitario para los sellos Impulse, Blue Thumb, Skye, CTI y Mercury. Faces, grabado para Mercury en 1977, es un álbum de jazz-fusión. Producido por el trombonista y ex-Crusader Wayne Henderson, la sección rítmica procede del grupo de soul-jazz-funk Pleasure, con el que Henderson trabajaba en el sello Fantasy. La música se basa en irresistibles ritmos funk terrenales que permiten a Szabo disponer de mucho espacio para crear largas y elegantes líneas de guitarra y solos meticulosamente construidos, que eran su marca de fábrica. Faces, en gran medida ignorado en su lanzamiento original, se revela ahora como un clásico menor dentro del género del jazz-fusión.

Steve Allen & The Gentle Players • Songs For Gentle People

Gabor Szabo • Live In Budapest

The Hungarian-born jazz guitar legend was at the peak of his career in 1974, when he first visited his abandoned homeland after 18 years of absence. He was invited by the Hungarian Television to record a few tracks with session musicians of his choice. The project came to life in September 1974, when six artists gathered in a studio of the Hungarian Radio and gave an hour-long, live concert. The program was compiled mostly of material from Szabo’s albums published in the West, as well, as arrangements of Hungarian and international pop hits. The sessions’ television broadcast was quite a success that in fact officially introduced this great artist to his homeland’s audience.

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La leyenda de la guitarra de jazz de origen húngaro llegó a la cima de su carrera en 1974, cuando visitó por primera vez su patria abandonada después de 18 años de ausencia. Fue invitado por la televisión húngara para grabar algunos temas con los músicos de sesión que eligiera. El proyecto cobró vida en septiembre de 1974, cuando seis artistas se reunieron en un estudio de la Radio Húngara y dieron un concierto en vivo de una hora de duración. El programa se compuso principalmente de material de los álbumes de Szabo publicados en Occidente, así como de arreglos de éxitos pop húngaros e internacionales. La transmisión televisiva de las sesiones fue un éxito que, de hecho, presentó oficialmente a este gran artista a la audiencia de su patria.

Bob Thiele-Gabor Szabo • Intercontinental Jazz

 

Highly recommended album by Bob Thiele and Gabor Szabo. This is the German release of the Impulse Light My Fire album with alternative cover art. Much harder to find than the US pressing. Holds the dancefloor friendly sitar driven mod jazz version of Light My Fire however my stand-out cut is here Sophisticated Wheels.

VA • Jazz Rock - Verve 50

 

Gabor Szabo • Night Flight

Review by Thom Jurek
In the 1970s, Hungarian guitarist Gabor Szabo pursued a highly individual take on the mercurial space where jazz and pop met funk. He was also no stranger to large orchestrations, dating back to his work with producers Gary McFarland and Bob Thiele. But beginning with 1971's High Contrast on Blue Thumb and carrying all the way through his CTI sides -- Rambler and Mizrab in 1973 -- he had blended all of his seemingly disparate interests together without sacrificing his own voice; namely, his signature guitar style. After 1975's Salvation release, Macho, produced by Bob James, Szabo signed to Mercury. Nightflight is his debut for the label. In hindsight, given the popularity of Barry White and the sophisticated Philly Soul sound in general, it was only a question of time before the guitarist got there. Teaming with producer/arranger/multi-instrumentalist Bunny Sigler and a host of Philly's hottest session players -- including Dexter Wansel on synths and composer Ritchie Rome (who, along with Sigler, handled the large-scale arrangements) -- at Sigma Sound Studio, Szabo created a pop disco album that bled straight through jazz and onto the club floor. Opener "Concorde (Nightflight)" was an underground -- and now almost a de rigueur -- DJ staple because of its spacy flamenco groove, cinematic horns, and bubbling synths. "Baby Rattle Snake" was downright funky, with its angular wah-wah guitar lines, chunky horns, and rubbery basslines. "Keep Smilin'," a Sigler nugget that had scored on the charts before, was given a nearly eight-minute treatment. With Szabo's deep-grooving solo atop pulsing keyboards, wafting synths, and a steady bassline vamp, it hit FM radio. Mercury subsequently released an edit that became the guitarist's biggest hit. The set's most beautiful track, however, is "Every Minute Counts," with a funky Wes Montgomery-esque guitar vamp weaving in and out of a rich, luscious woodwind, horn, and string chart and a soulful, hovering, backing chorus. Closer "Smooth Sailin'" features one of his two vocals on the set. His melancholic, understated delivery becomes just another instrument in this breezy groover. Nightflight is stronger than his CTI dates because Szabo is far more comfortable in a setting where the record label's sound doesn't need to assert itself over his own. The softer, more lustrous production by Sigler reflects a better understanding of Szabo as an artist, making Nightflight an all-around winner. [The Dutton Vocalian reissue includes three bonus tracks: the edited 45 A- and-B-side versions of "Keep Smilin' and "Baby Rattle Snake," as well as a wholly unedited take on "Keep Smilin'."]
https://www.allmusic.com/album/nightflight-mw0000903634

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Reseña de Thom Jurek
En la década de los 70, el guitarrista húngaro Gabor Szabo se adentró en el espacio mercurial en el que el jazz y el pop se encontraban con el funk. Tampoco era ajeno a las grandes orquestaciones, que se remontan a su trabajo con los productores Gary McFarland y Bob Thiele. Pero a partir de High Contrast, de 1971, en Blue Thumb, y hasta sus discos en CTI -Rambler y Mizrab, de 1973-, había mezclado todos sus intereses aparentemente dispares sin sacrificar su propia voz, es decir, su estilo de guitarra característico. Tras el lanzamiento de Salvation en 1975, Macho, producido por Bob James, Szabo firmó con Mercury. Nightflight es su debut para el sello. En retrospectiva, dada la popularidad de Barry White y el sofisticado sonido Philly Soul en general, era sólo cuestión de tiempo que el guitarrista llegara. Formando equipo con el productor, arreglista y multiinstrumentista Bunny Sigler y con un grupo de músicos de sesión de lo más selecto de Filadelfia -incluyendo a Dexter Wansel en los sintetizadores y al compositor Ritchie Rome (que, junto con Sigler, se encargó de los arreglos a gran escala)- en el Sigma Sound Studio, Szabo creó un álbum de música disco pop que se coló directamente en el jazz y en la pista de baile. La primera canción, "Concorde (Nightflight)", se convirtió en un elemento básico de los DJs, ahora casi de rigor, por su ritmo flamenco, sus vientos cinematográficos y sus sintetizadores burbujeantes. "Baby Rattle Snake" era un tema francamente funky, con sus angulosas líneas de guitarra wah-wah, sus gruesos cuernos y sus gomosas líneas de bajo. "Keep Smilin'", un tema de Sigler que ya había entrado en las listas de éxitos, recibió un tratamiento de casi ocho minutos. Con el solo de Szabo sobre teclados pulsantes, sintetizadores y una línea de bajo constante, llegó a la radio FM. Mercury publicó posteriormente una edición que se convirtió en el mayor éxito del guitarrista. Sin embargo, el tema más bello del conjunto es "Every Minute Counts", con un vampiro de guitarra al estilo de Wes Montgomery que entra y sale de una rica y deliciosa carta de maderas, trompas y cuerdas, y un estribillo conmovedor y flotante. La última canción, "Smooth Sailin'", presenta una de sus dos voces en el disco. Su melancólica y discreta voz se convierte en un instrumento más en este alegre tema. Nightflight es más fuerte que sus fechas de CTI porque Szabo se siente mucho más cómodo en un entorno en el que el sonido del sello discográfico no necesita imponerse sobre el suyo propio. La producción de Sigler, más suave y lustrosa, refleja una mejor comprensión de Szabo como artista, lo que hace que Nightflight sea un éxito total. La reedición de Dutton Vocalian incluye tres temas extra: las versiones editadas en 45 de las caras A y B de "Keep Smilin'" y "Baby Rattle Snake", así como una versión totalmente inédita de "Keep Smilin'"].
https://www.allmusic.com/album/nightflight-mw0000903634

Gabor Szabo • The Szabo Equation

 Biography:
An innovative musician who combined the folk music of his native Hungary with his passion for jazz, Gabor Szabo began his study of the guitar at the age of 14. Following a single free lesson that came as a gift with his first instrument, he then began to teach himself to play by emulating the American jazz performers he heard on the radio. Some work with various bands in the Budapest area gradually developed, but in 1956 Szabo was forced to take refuge in Austria by the Communist takeover of Hungary.

Eventually settling in California, Szabo struggled to establish himself as a musician; for a time he worked as a janitor and used his earnings to attend the Berklee School of Music in Boston between 1958 and 1960. Reaching the end of his money, Szabo returned to California and again sought to break into the music field, working in property management to support his family. In 1961, the long-sought opportunity arrived in the form of an invitation to join The Chico Hamilton Quintet. After a somewhat tenuous beginning (Szabo was actually fired by Hamilton and then re-hired later in the year), the guitarist quickly began to establish himself with jazz audiences through his strikingly unique approach to his instrument. It was during this period that Szabo first performed with Lena Horne - an association that would later evolve into a collaborative record and an appearance on Horne's television special in 1970.

By 1965 Szabo had moved on from Hamilton's group, working for a time with The Gary McFarland Quintet and in a quartet fronted by his Hamilton bandmate Charles Lloyd before initiating his solo career in 1966 with the release of “Spellbinder.” A track from this album, “Gypsy Queen,” would later be adapted into the successful single “Black Magic Woman” by the band Santana. In ’66 he also recorded “Jazz Raga,” where he experiments with the sitar, doing some interesting covers. This was an early world fusion excursion.The following year, he formed his own quintet, with whom he recorded a series of albums for the Skye label during the remainder of the decade.

. Concurrent with the growing popularity of rock, Szabo began to integrate the use of feedback into his playing, as well as intergrating aspects of Indian music. Following the dissolution of his quintet, Szabo assembled a sextet; the new band concentrated on a more commercially-accesible style of music and began an active West Coast performing schedule. Numerous collaborative projects also materialized throughout the 1970s - including “High Contrast,” a critically-acclaimed album with Bobby Womack. Another recording “Mizrab,” (1972) revealed the success of his jazz, pop, Gypsy, Indian and Asian fusions.

Towards the end of the 70s, Szabo had begun to travel back to his homeland, instigating a renewed interest in his Hungarian heritage. Upon his return to the United States, Szabo sought to merge elements of both his acoustic and electric styles with a return to his musical roots. This awareness led to his eventual recording of Franz Liszt's “Hungarian Rhapsody,” on the record “Macho,” in 1975. His other sessions for the ‘70’s were “Nightflight,” (1976) “Faces,” (1977) “Belsta River,” (1978)

The guitarist's final recording, “Femme Fatale,” done in collaboration with Chick Corea followed in 1979. A brief resurgence of musical activity was managed at the start of the 80s, but in 1981 Szabo returned again to Hungary. The following year he died of liver and kidney failure in a Budapest hospital.

Guitarist Jimmy Stewart, who befriended and accompanied Gabor on many occasions, discusses the basis of the “Gabor Szabo Sound.”

Gabor Szabo's sound was extremely unusual. That, coupled with his Hungarian field, made him one of the premier guitarists during the mid 60s and early 70s. Part of that sound came from his hands. The other part of the sound came from the type of instruments that he used. One of his favorite instruments was the Martin D-45. Another guitar Gabor liked to play was a Martin D-285. Gabor Szabo used a pickup made by DeArmond, placing it in the center of the round hole and adjusting it so he could have an excellent balance between the bass strings and the treble strings. So the round pickup in the center of the round hole on the Martin D-45 was the real basic sound for Gabor Szabo.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo

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Biografía:
Un músico innovador que combinó la música folclórica de su Hungría natal con su pasión por el jazz, Gabor Szabo comenzó a estudiar la guitarra a los 14 años. Tras una única lección gratuita que le regalaron con su primer instrumento, empezó a aprender a tocar emulando a los intérpretes de jazz americanos que escuchaba en la radio. Poco a poco se fue desarrollando el trabajo con varias bandas de la zona de Budapest, pero en 1956 Szabo se vio obligado a refugiarse en Austria por la toma de Hungría por parte de los comunistas.

Finalmente, al establecerse en California, Szabo luchó por establecerse como músico; durante un tiempo trabajó como conserje y utilizó sus ganancias para asistir a la Berklee School of Music de Boston entre 1958 y 1960. Al llegar al final de su dinero, Szabo regresó a California y volvió a intentar introducirse en el campo de la música, trabajando en la administración de propiedades para mantener a su familia. En 1961, la oportunidad tan buscada llegó en forma de una invitación para unirse al Chico Hamilton Quintet. Después de un comienzo algo tenue (Szabo fue despedido por Hamilton y luego recontratado más tarde ese mismo año), el guitarrista comenzó rápidamente a establecerse con el público del jazz a través de su sorprendente enfoque único de su instrumento. Fue durante este período que Szabo actuó por primera vez con Lena Horne - una asociación que más tarde se convertiría en un disco de colaboración y una aparición en el especial de televisión de Horne en 1970.

En 1965 Szabo se había alejado del grupo de Hamilton, trabajando durante un tiempo con The Gary McFarland Quintet y en un cuarteto liderado por su compañero de banda de Hamilton Charles Lloyd antes de iniciar su carrera en solitario en 1966 con el lanzamiento de "Spellbinder". Un tema de este álbum, "Gypsy Queen", sería más tarde adaptado al exitoso sencillo "Black Magic Woman" de la banda Santana. En el 66 también grabó "Jazz Raga", donde experimenta con el sitar, haciendo algunas interesantes versiones. Al año siguiente formó su propio quinteto, con el que grabó una serie de álbumes para el sello Skye durante el resto de la década.

. Paralelamente a la creciente popularidad del rock, Szabo comenzó a integrar el uso de la retroalimentación en su forma de tocar, así como a integrar aspectos de la música india. Tras la disolución de su quinteto, Szabo reunió un sexteto; la nueva banda se concentró en un estilo de música más comercialmente accesible y comenzó un activo programa de actuaciones en la costa oeste. También se materializaron numerosos proyectos de colaboración a lo largo de la década de 1970, entre ellos "High Contrast", un álbum aclamado por la crítica junto con Bobby Womack. Otra grabación "Mizrab" (1972) reveló el éxito de sus fusiones de jazz, pop, gitano, indio y asiático.

Hacia finales de los 70, Szabo había empezado a viajar de vuelta a su tierra natal, instigando un renovado interés por su herencia húngara. A su regreso a los Estados Unidos, Szabo buscó fusionar elementos de sus estilos acústico y eléctrico con un retorno a sus raíces musicales. Esta conciencia le llevó a grabar la "Rapsodia húngara" de Franz Liszt, en el disco "Macho", en 1975. Sus otras sesiones de los años 70 fueron "Nightflight" (1976) "Faces" (1977) "Belsta River" (1978)

La última grabación del guitarrista, "Femme Fatale", hecha en colaboración con Chick Corea, fue seguida en 1979. Un breve resurgimiento de la actividad musical se logró a principios de los 80, pero en 1981 Szabo volvió de nuevo a Hungría. Al año siguiente murió de una insuficiencia hepática y renal en un hospital de Budapest.

El guitarrista Jimmy Stewart, que se hizo amigo de Gabor y lo acompañó en muchas ocasiones, habla de las bases del "Gabor Szabo Sound".

El sonido de Gabor Szabo era extremadamente inusual. Eso, unido a su campo húngaro, le convirtió en uno de los principales guitarristas a mediados de los 60 y principios de los 70. Parte de ese sonido provenía de sus manos. La otra parte del sonido provenía del tipo de instrumentos que usaba. Uno de sus instrumentos favoritos era el Martin D-45. Otra guitarra que a Gabor le gustaba tocar era una Martin D-285. Gabor Szabo usaba una pastilla hecha por DeArmond, colocándola en el centro del agujero redondo y ajustándola para poder tener un excelente equilibrio entre las cuerdas bajas y las agudas. Así que la pastilla redonda en el centro del agujero redondo del Martin D-45 era el verdadero sonido básico para Gabor Szabo.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo

 

Paul Desmond Featuring Gabor Szabo • Skylark

Review by Richard S. Ginell 

Moving over to the CTI label with Creed Taylor, Paul Desmond injects a bit of the 1970s into his sound, obtaining agreeable if not totally simpatico results. Here, the cool altoist is teamed with the progressive-slanted drumming of Jack DeJohnette (who might have been too busy a drummer for his taste), and Bob James' electric and acoustic pianos, with Ron Carter as the bass anchor, Gene Bertoncini on rhythm guitar, and, most interestingly, another individualist, Gabor Szabo, on solo electric guitar. For the first and only time, even taking into account the most inspired moments of Jim Hall, Desmond is not the most interesting soloist on his own record, for it is Szabo who most consistently draws you in with his mesmerizing incantations over vamps from the rhythm section. For those who missed it the first time, Desmond remakes "Take Ten" -- without the Middle Eastern elements -- "Romance de Amor" is eventually dominated by Szabo, and the inclusion of "Was a Sunny Day" proves that Desmond's involvement with the music of Paul Simon in 1970 was not a passing infatuation. Don Sebesky is credited with the "arrangements" but his orchestrating hand is not felt except for a single solo cello (George Ricci) in an adaptation of Purcell ("Music for a While"). It's a cautious change of pace for Desmond, although the fiercer context into which he was placed doesn't really fire his imagination.

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Reseña de Richard S. Ginell 

Pasando a la etiqueta CTI con Creed Taylor, Paul Desmond inyecta un poco de los años 70 en su sonido, obteniendo resultados agradables, si no totalmente simpáticos. Aquí, el genial contralto se une a la progresiva e inclinada batería de Jack DeJohnette (que podría haber sido un baterista demasiado ocupado para su gusto), y a los pianos eléctricos y acústicos de Bob James, con Ron Carter como presentador de bajo, Gene Bertoncini en la guitarra rítmica y, lo que es más interesante, otro individualista, Gabor Szabo, en la guitarra eléctrica en solitario. Por primera y única vez, incluso teniendo en cuenta los momentos más inspirados de Jim Hall, Desmond no es el solista más interesante de su propio disco, ya que es Szabo el que más te atrae con sus fascinantes encantamientos sobre vampiros de la sección rítmica. Para aquellos que se lo perdieron por primera vez, Desmond rehace "Take Ten" -- sin los elementos de Oriente Medio -- "Romance de Amor" es finalmente dominado por Szabo, y la inclusión de "Was a Sunny Day" prueba que la implicación de Desmond con la música de Paul Simon en 1970 no fue un enamoramiento pasajero. A Don Sebesky se le atribuyen los "arreglos", pero su mano orquestadora no se siente excepto por un solo violonchelo (George Ricci) en una adaptación de Purcell ("Music for a While"). Es un cauteloso cambio de ritmo para Desmond, aunque el contexto más feroz en el que fue colocado en realidad no enciende su imaginación.

Gabor Szabo • Small World

Artist Biography

An innovative musician who combined the folk music of his native Hungary with his passion for jazz, Gabor Szabo began his study of the guitar at the age of 14. Following a single free lesson that came as a gift with his first instrument, he then began to teach himself to play by emulating the American jazz performers he heard on the radio. Some work with various bands in the Budapest area gradually developed, but in 1956 Szabo was forced to take refuge in Austria by the Communist takeover of Hungary.

Eventually settling in California, Szabo struggled to establish himself as a musician; for a time he worked as a janitor and used his earnings to attend the Berklee School of Music in Boston between 1958 and 1960. Reaching the end of his money, Szabo returned to California and again sought to break into the music field, working in property management to support his family. In 1961, the long-sought opportunity arrived in the form of an invitation to join The Chico Hamilton Quintet. After a somewhat tenuous beginning (Szabo was actually fired by Hamilton and then re-hired later in the year), the guitarist quickly began to establish himself with jazz audiences through his strikingly unique approach to his instrument. It was during this period that Szabo first performed with Lena Horne - an association that would later evolve into a collaborative record and an appearance on Horne's television special in 1970.

By 1965 Szabo had moved on from Hamilton's group, working for a time with The Gary McFarland Quintet and in a quartet fronted by his Hamilton bandmate Charles Lloyd before initiating his solo career in 1966 with the release of “Spellbinder.” A track from this album, “Gypsy Queen,” would later be adapted into the successful single “Black Magic Woman” by the band Santana. In ’66 he also recorded “Jazz Raga,” where he experiments with the sitar, doing some interesting covers. This was an early world fusion excursion.The following year, he formed his own quintet, with whom he recorded a series of albums for the Skye label during the remainder of the decade.

Concurrent with the growing popularity of rock, Szabo began to integrate the use of feedback into his playing, as well as intergrating aspects of Indian music. Following the dissolution of his quintet, Szabo assembled a sextet; the new band concentrated on a more commercially-accesible style of music and began an active West Coast performing schedule. Numerous collaborative projects also materialized throughout the 1970s - including “High Contrast,” a critically-acclaimed album with Bobby Womack. Another recording “Mizrab,” (1972) revealed the success of his jazz, pop, Gypsy, Indian and Asian fusions.

Towards the end of the 70s, Szabo had begun to travel back to his homeland, instigating a renewed interest in his Hungarian heritage. Upon his return to the United States, Szabo sought to merge elements of both his acoustic and electric styles with a return to his musical roots. This awareness led to his eventual recording of Franz Liszt's “Hungarian Rhapsody,” on the record “Macho,” in 1975. His other sessions for the ‘70’s were “Nightflight,” (1976) “Faces,” (1977) “Belsta River,” (1978)

The guitarist's final recording, “Femme Fatale,” done in collaboration with Chick Corea followed in 1979. A brief resurgence of musical activity was managed at the start of the 80s, but in 1981 Szabo returned again to Hungary. The following year he died of liver and kidney failure in a Budapest hospital.

Guitarist Jimmy Stewart, who befriended and accompanied Gabor on many occasions, discusses the basis of the “Gabor Szabo Sound.”

Gabor Szabo's sound was extremely unusual. That, coupled with his Hungarian field, made him one of the premier guitarists during the mid 60s and early 70s. Part of that sound came from his hands. The other part of the sound came from the type of instruments that he used. One of his favorite instruments was the Martin D-45. Another guitar Gabor liked to play was a Martin D-285. Gabor Szabo used a pickup made by DeArmond, placing it in the center of the round hole and adjusting it so he could have an excellent balance between the bass strings and the treble strings. So the round pickup in the center of the round hole on the Martin D-45 was the real basic sound for Gabor Szabo.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo

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Biografía del artista

Un músico innovador que combinó la música folclórica de su Hungría natal con su pasión por el jazz, Gabor Szabo comenzó sus estudios de guitarra a la edad de 14 años. Después de una única lección gratuita que le fue regalada con su primer instrumento, comenzó a aprender a tocar emulando a los intérpretes de jazz estadounidenses que escuchaba en la radio. Algunos trabajos con varias bandas en la zona de Budapest se desarrollaron gradualmente, pero en 1956 Szabo se vio obligado a refugiarse en Austria por la toma de poder comunista de Hungría.

Eventualmente se estableció en California, Szabo luchó por establecerse como músico; durante un tiempo trabajó como conserje y utilizó sus ganancias para asistir a la Escuela de Música de Berklee en Boston entre 1958 y 1960. Al llegar al final de su dinero, Szabo regresó a California y de nuevo trató de entrar en el campo de la música, trabajando en la administración de propiedades para mantener a su familia. En 1961, la tan buscada oportunidad llegó en forma de invitación para unirse al Quinteto Chico Hamilton. Después de un comienzo un tanto tenue (Szabo fue despedido por Hamilton y luego contratado de nuevo más tarde en el año), el guitarrista rápidamente comenzó a establecerse entre el público de jazz a través de su enfoque sorprendentemente único de su instrumento. Fue durante este período que Szabo actuó por primera vez con Lena Horne - una asociación que más tarde se convertiría en un disco colaborativo y una aparición en el especial de televisión de Horne en 1970.

En 1965 Szabo había dejado el grupo de Hamilton, trabajando durante un tiempo con The Gary McFarland Quintet y en un cuarteto liderado por su compañero de banda de Hamilton Charles Lloyd antes de iniciar su carrera en solitario en 1966 con el lanzamiento de "Spellbinder". Un tema de este álbum, "Gypsy Queen", se adaptaría más tarde al exitoso sencillo "Black Magic Woman" de la banda Santana. En el'66 también grabó "Jazz Raga", donde experimenta con el sitar, haciendo algunas versiones interesantes. Al año siguiente formó su propio quinteto, con el que grabó una serie de discos para el sello Skye durante el resto de la década.

Paralelamente a la creciente popularidad del rock, Szabo comenzó a integrar el uso de la retroalimentación en su interpretación, así como a integrar aspectos de la música india. Después de la disolución de su quinteto, Szabo montó un sexteto; la nueva banda se concentró en un estilo de música más accesible comercialmente y comenzó un programa activo de presentaciones en la Costa Oeste. Numerosos proyectos de colaboración también se materializaron a lo largo de la década de 1970 - incluyendo "High Contrast", un álbum aclamado por la crítica con Bobby Womack. Otra grabación "Mizrab" (1972) reveló el éxito de sus fusiones de jazz, pop, gitano, indio y asiático.

A finales de los años 70, Szabo había comenzado a viajar de vuelta a su tierra natal, lo que despertó un renovado interés por su herencia húngara. A su regreso a los Estados Unidos, Szabo trató de fusionar elementos de sus estilos acústico y eléctrico con un retorno a sus raíces musicales. Esta conciencia le llevó a grabar la "Rapsodia húngara" de Franz Liszt, en el disco "Macho", en 1975. Sus otras sesiones para los años 70 fueron "Vuelo nocturno" (1976), "Caras" (1977), "Río Belsta" (1978).

La última grabación del guitarrista, "Femme Fatale", realizada en colaboración con Chick Corea, fue seguida en 1979. A principios de los años 80 se logró un breve resurgimiento de la actividad musical, pero en 1981 Szabo regresó de nuevo a Hungría. Al año siguiente murió de insuficiencia hepática y renal en un hospital de Budapest.

El guitarrista Jimmy Stewart, que se hizo amigo y acompañó a Gabor en muchas ocasiones, habla de las bases del "Gabor Szabo Sound".

El sonido de Gabor Szabo era extremadamente inusual. Eso, junto con su campo húngaro, lo convirtió en uno de los principales guitarristas a mediados de los años 60 y principios de los 70. Parte de ese sonido vino de sus manos. La otra parte del sonido provenía del tipo de instrumentos que utilizaba. Uno de sus instrumentos favoritos era el Martin D-45. Otra guitarra que le gustaba tocar a Gabor era una Martin D-285. Gabor Szabo utilizó una pastilla hecha por DeArmond, colocándola en el centro del agujero redondo y ajustándola para que pudiera tener un excelente equilibrio entre las cuerdas de graves y las cuerdas de agudos. Así que la pastilla redonda en el centro del agujero redondo en el Martin D-45 era el sonido básico real para Gabor Szabo.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo

 

Gabor Szabo • Macho

Artist Biography

An innovative musician who combined the folk music of his native Hungary with his passion for jazz, Gabor Szabo began his study of the guitar at the age of 14. Following a single free lesson that came as a gift with his first instrument, he then began to teach himself to play by emulating the American jazz performers he heard on the radio. Some work with various bands in the Budapest area gradually developed, but in 1956 Szabo was forced to take refuge in Austria by the Communist takeover of Hungary.

Eventually settling in California, Szabo struggled to establish himself as a musician; for a time he worked as a janitor and used his earnings to attend the Berklee School of Music in Boston between 1958 and 1960. Reaching the end of his money, Szabo returned to California and again sought to break into the music field, working in property management to support his family. In 1961, the long-sought opportunity arrived in the form of an invitation to join The Chico Hamilton Quintet. After a somewhat tenuous beginning (Szabo was actually fired by Hamilton and then re-hired later in the year), the guitarist quickly began to establish himself with jazz audiences through his strikingly unique approach to his instrument. It was during this period that Szabo first performed with Lena Horne - an association that would later evolve into a collaborative record and an appearance on Horne's television special in 1970.

By 1965 Szabo had moved on from Hamilton's group, working for a time with The Gary McFarland Quintet and in a quartet fronted by his Hamilton bandmate Charles Lloyd before initiating his solo career in 1966 with the release of “Spellbinder.” A track from this album, “Gypsy Queen,” would later be adapted into the successful single “Black Magic Woman” by the band Santana. In ’66 he also recorded “Jazz Raga,” where he experiments with the sitar, doing some interesting covers. This was an early world fusion excursion.The following year, he formed his own quintet, with whom he recorded a series of albums for the Skye label during the remainder of the decade.

Concurrent with the growing popularity of rock, Szabo began to integrate the use of feedback into his playing, as well as intergrating aspects of Indian music. Following the dissolution of his quintet, Szabo assembled a sextet; the new band concentrated on a more commercially-accesible style of music and began an active West Coast performing schedule. Numerous collaborative projects also materialized throughout the 1970s - including “High Contrast,” a critically-acclaimed album with Bobby Womack. Another recording “Mizrab,” (1972) revealed the success of his jazz, pop, Gypsy, Indian and Asian fusions.

Towards the end of the 70s, Szabo had begun to travel back to his homeland, instigating a renewed interest in his Hungarian heritage. Upon his return to the United States, Szabo sought to merge elements of both his acoustic and electric styles with a return to his musical roots. This awareness led to his eventual recording of Franz Liszt's “Hungarian Rhapsody,” on the record “Macho,” in 1975. His other sessions for the ‘70’s were “Nightflight,” (1976) “Faces,” (1977) “Belsta River,” (1978)

The guitarist's final recording, “Femme Fatale,” done in collaboration with Chick Corea followed in 1979. A brief resurgence of musical activity was managed at the start of the 80s, but in 1981 Szabo returned again to Hungary. The following year he died of liver and kidney failure in a Budapest hospital.

Guitarist Jimmy Stewart, who befriended and accompanied Gabor on many occasions, discusses the basis of the “Gabor Szabo Sound.”

Gabor Szabo's sound was extremely unusual. That, coupled with his Hungarian field, made him one of the premier guitarists during the mid 60s and early 70s. Part of that sound came from his hands. The other part of the sound came from the type of instruments that he used. One of his favorite instruments was the Martin D-45. Another guitar Gabor liked to play was a Martin D-285. Gabor Szabo used a pickup made by DeArmond, placing it in the center of the round hole and adjusting it so he could have an excellent balance between the bass strings and the treble strings. So the round pickup in the center of the round hole on the Martin D-45 was the real basic sound for Gabor Szabo.

Source: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo

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Biografía del artista

Un músico innovador que combinó la música folclórica de su Hungría natal con su pasión por el jazz, Gabor Szabo comenzó sus estudios de guitarra a la edad de 14 años. Después de una única lección gratuita que le fue regalada con su primer instrumento, comenzó a aprender a tocar emulando a los intérpretes de jazz estadounidenses que escuchaba en la radio. Algunos trabajos con varias bandas en la zona de Budapest se desarrollaron gradualmente, pero en 1956 Szabo se vio obligado a refugiarse en Austria por la toma de poder comunista de Hungría.

Eventualmente se estableció en California, Szabo luchó por establecerse como músico; durante un tiempo trabajó como conserje y utilizó sus ganancias para asistir a la Escuela de Música de Berklee en Boston entre 1958 y 1960. Al llegar al final de su dinero, Szabo regresó a California y de nuevo trató de entrar en el campo de la música, trabajando en la administración de propiedades para mantener a su familia. En 1961, la tan buscada oportunidad llegó en forma de invitación para unirse al Quinteto Chico Hamilton. Después de un comienzo un tanto tenue (Szabo fue despedido por Hamilton y luego contratado de nuevo más tarde en el año), el guitarrista rápidamente comenzó a establecerse entre el público de jazz a través de su enfoque sorprendentemente único de su instrumento. Fue durante este período que Szabo actuó por primera vez con Lena Horne - una asociación que más tarde se convertiría en un disco colaborativo y una aparición en el especial de televisión de Horne en 1970.

En 1965 Szabo había dejado el grupo de Hamilton, trabajando durante un tiempo con The Gary McFarland Quintet y en un cuarteto liderado por su compañero de banda de Hamilton Charles Lloyd antes de iniciar su carrera en solitario en 1966 con el lanzamiento de "Spellbinder". Un tema de este álbum, "Gypsy Queen", se adaptaría más tarde al exitoso sencillo "Black Magic Woman" de la banda Santana. En el'66 también grabó "Jazz Raga", donde experimenta con el sitar, haciendo algunas versiones interesantes. Al año siguiente formó su propio quinteto, con el que grabó una serie de discos para el sello Skye durante el resto de la década.

Paralelamente a la creciente popularidad del rock, Szabo comenzó a integrar el uso de la retroalimentación en su interpretación, así como a integrar aspectos de la música india. Después de la disolución de su quinteto, Szabo montó un sexteto; la nueva banda se concentró en un estilo de música más accesible comercialmente y comenzó un programa activo de presentaciones en la Costa Oeste. Numerosos proyectos de colaboración también se materializaron a lo largo de la década de 1970 - incluyendo "High Contrast", un álbum aclamado por la crítica con Bobby Womack. Otra grabación "Mizrab" (1972) reveló el éxito de sus fusiones de jazz, pop, gitano, indio y asiático.

A finales de los años 70, Szabo había comenzado a viajar de vuelta a su tierra natal, lo que despertó un renovado interés por su herencia húngara. A su regreso a los Estados Unidos, Szabo trató de fusionar elementos de sus estilos acústico y eléctrico con un retorno a sus raíces musicales. Esta conciencia le llevó a grabar la "Rapsodia húngara" de Franz Liszt, en el disco "Macho", en 1975. Sus otras sesiones para los años 70 fueron "Vuelo nocturno" (1976), "Caras" (1977), "Río Belsta" (1978).

La última grabación del guitarrista, "Femme Fatale", realizada en colaboración con Chick Corea, fue seguida en 1979. A principios de los años 80 se logró un breve resurgimiento de la actividad musical, pero en 1981 Szabo regresó de nuevo a Hungría. Al año siguiente murió de insuficiencia hepática y renal en un hospital de Budapest.

El guitarrista Jimmy Stewart, que se hizo amigo y acompañó a Gabor en muchas ocasiones, habla de las bases del "Gabor Szabo Sound".

El sonido de Gabor Szabo era extremadamente inusual. Eso, junto con su campo húngaro, lo convirtió en uno de los principales guitarristas a mediados de los años 60 y principios de los 70. Parte de ese sonido vino de sus manos. La otra parte del sonido provenía del tipo de instrumentos que utilizaba. Uno de sus instrumentos favoritos era el Martin D-45. Otra guitarra que le gustaba tocar a Gabor era una Martin D-285. Gabor Szabo utilizó una pastilla hecha por DeArmond, colocándola en el centro del agujero redondo y ajustándola para que pudiera tener un excelente equilibrio entre las cuerdas de graves y las cuerdas de agudos. Así que la pastilla redonda en el centro del agujero redondo en el Martin D-45 era el sonido básico real para Gabor Szabo.

Fuente: James Nadal

https://musicians.allaboutjazz.com/gaborszabo