Eddie Davis Trio with Shirley Scott • Roulette RS 52019

 

Scott Hamilton • Danish Ballads... & More

  

Biography:
Scott Hamilton was born in 1954, in Providence, Rhode Island. During his early childhood he heard a lot of jazz through his father’s extensive record collection, and became acquainted with the jazz greats. He tried out several instruments, including drums at about the age of five, piano at six and mouth-organ. He had some clarinet lessons when he was about eight years of age, but that was the only formal music tuition he has ever had. Even at that age he was attracted to the sound of Johnny Hodges, but it was not until he was about sixteen that he started playing the saxophone seriously. From his playing mainly blues on mouth organ, his little band gradually became more of a jazz band.
He moved to New York in 1976 at the age of twenty-two, and through Roy Eldridge, with whom he had played a year previously in Boston, got a six-week gig at Michael’s Pub. Roy also paved the way for him to work with Anita O’Day and Hank Jones. Although it was the tail-end of the of old New York scene, a lot of the greats were still playing and he got to work and learn from people like Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson and Jo Jones. Eldridge was Scott’s champion, but pulled no punches, and could be extremely critical, something for which Scott has always been grateful. In December of the same year John Bunch got Scott his first recording date, for Famous Door, and was also responsible for him joining Benny Goodman. He continued to work with Goodman at different times until the early 1980s.
In 1977 he formed his own quartet, which later became a quintet, with Bunch added to the group. The same year Carl Jefferson heard him, and began recording him for his Concord record label. More than forty albums later he is still recording for them, having made many under his own leadership, several with his regular British quartet of John Pearce, Dave Green and Steve Brown, including his latest, Nocturnes & Serenades. The Quartet plus two guests, Dave Cliff and Mark Nightingale recorded Our Delight! for Alan Barnes’ Woodville label. A new release, Across the Tracks on Concorde is due this May. Along the way he has made albums with Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, many with Rosemary Clooney and a number with another of his mentors, Ruby Braff, with whom he played residencies at the Pizza Express Jazz Club, London in the mid-1980s. Over the years Scott has also performed and recorded with such touring bands as the Concord Jazz All Stars, the Concord Super Band and George Wein’s Newport Jazz Festival All Stars.
For some years he was based in London, where he first played in 1978, but now travels the world from Italy. Each year, in addition to two or three residencies with the quartet at the Pizza Express Jazz Club, British jazz club dates and festival work including Brecon, where he is one of the patrons, he regularly tours Germany, the Netherlands, Scandinavia, Japan, Spain and Italy. He returns to America three or four times a year to play at festivals, including in 2007, the New York JVC festival in June and Irvine, California in September, and in February 2008 for three nights at the Lincoln Centre New York.
His playing has best been described by fellow tenor saxophonist and writer, Dave Gelly: “Following a Scott Hamilton solo is like listening to a great conversationalist in full flow. First comes the voice, the inimitable, assured sound of his tenor saxophone, then the informal style and finally the amazing fluency and eloquent command of the jazz language.” Scott was awarded the ‘Ronnie’ for International Jazz Saxophonist of the Year in the 2007 inaugural Ronnie Scott’s Jazz Awards.  It is no wonder that Scott Hamilton is in demand the world over.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/

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Biografía:
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007.  No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/

www.scotthamiltonsax.com

Stephane Grappelli & Diz Dizley Trio • Violinspiration

Review by Scott Yanow

Violinist Stephane Grappelli teamed up with the perfectly complementary Diz Disley Trio (featuring Disley and Ike Isaacs on guitar and bassist Isla Eckinger) for a spirited program of standards on this LP. Even if he has played some of these songs (such as "Shine" and "Ain't Misbehavin'") a countless numbers of times through the years, Grappelli never loses enthusiasm nor runs out of new variations.

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Reseña de Scott Yanow

El violinista Stéphane Grappelli se unió al perfectamente complementario Diz Disley Trio (con Disley e Ike Isaacs en la guitarra y el bajista Isla Eckinger) para un animado programa de estándares en este LP. Aunque ha tocado algunas de estas canciones (como "Shine" y "Ain't Misbehavin'") innumerables veces a lo largo de los años, Grappelli nunca pierde el entusiasmo ni se queda sin nuevas variaciones.

Kenny Burrell with Art Blakey • On View At The Five Spot Cafe

Review :

Kenny Burrell and Art Blakey played together infrequently during their careers, so this meeting of jazz minds is a welcome occasion. On View is a rather short set issued from club dates at the Five Spot Cafe in New York City. No matter the configuration, this is come-what-may jazz that has no pressurized content, and a relaxed atmosphere allowing the music to organically breathe and come alive naturally. This feeling comes to the fore right away on Dizzy Gillespie's "Birk's Works," a rather polite version as Burrell tosses out his discriminating versions of the melody. Incorrectly identified as "Lady Be Good," this is actually an adaptation reworked by Thelonious Monk titled "Hackensack." It's a fast jam kicked off by a signature Blakey solo, where the band flies by the seat of their pants, and good feelings are fostered through the simple and solid tenor work of Tina Brooks. Though not penned by Duke Ellington, the elegance he displayed and Burrell revered is quite evident during the ballad "Lover Man." Randy Weston's "Beef Stew Blues," Ray Brown's obscure "Swingin'," and the classic Tadd Dameron ballad "If You Could See Me Now" further illuminate how good this group could have been had they turned into a working unit. As the dawn of the '60s saw new breed jazz fomenting, Burrell, Blakey, and company proved you could still swing and remain melodic while creating new sonic vistas.

by Michael G. Nastos

https://www.allmusic.com/album/on-view-at-the-five-spot-cafe-mw0000191601

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Reseña:

Kenny Burrell y Art Blakey tocaron juntos con poca frecuencia durante sus carreras, así que este encuentro de mentes de jazz es una ocasión bienvenida. On View es un conjunto bastante corto de fechas de clubes en el Five Spot Cafe en la ciudad de Nueva York. No importa la configuración, este es un jazz "come-what-may" que no tiene un contenido presurizado, y una atmósfera relajada que permite que la música respire orgánicamente y cobre vida de forma natural. Este sentimiento se hace notar de inmediato en "Birk's Works" de Dizzy Gillespie, una versión bastante educada mientras Burrell lanza sus versiones discriminatorias de la melodía. Incorrectamente identificada como "Lady Be Good", es en realidad una adaptación reelaborada por Thelonious Monk titulada "Hackensack". Es una rápida improvisación iniciada por un solo de Blakey, donde la banda vuela por el asiento de sus pantalones, y los buenos sentimientos se fomentan a través de la simple y sólida obra de tenor de Tina Brooks. Aunque no fue escrita por Duke Ellington, la elegancia que mostró y que Burrell veneró es evidente en la balada "Lover Man". "Beef Stew Blues" de Randy Weston, el oscuro "Swingin'" de Ray Brown y la clásica balada de Tadd Dameron "If You Could See Me Now" iluminan aún más lo bueno que este grupo podría haber sido si se hubieran convertido en una unidad de trabajo. En los albores de los años 60, cuando se fomentaba el jazz de nueva generación, Burrell, Blakey y compañía demostraron que aún se podía hacer swing y seguir siendo melódico mientras se creaban nuevas vistas sónicas.

por Michael G. Nastos

https://www.allmusic.com/album/on-view-at-the-five-spot-cafe-mw0000191601

 

Don Patterson with Sonny Stitt & Booker Ervin • Patterson's People

Biograph:

Inspired to switch from piano to organ by Jimmy Smith, Don Patterson was one of the Hammond B-3's most bop-rooted players, able to play bluesy soul-jazz grooves or break out of the pocket for some nimble, sharply defined solo lines. Though he led numerous recording dates for Prestige and later Muse, he was best-known as Sonny Stitt's favorite organist, proving eminently compatible with the Parker-influenced saxophonist. Patterson was born in Columbus, OH, on July 22, 1936, and began studying piano as a child. His first major influence was Erroll Garner, and some of that flavor remained in his playing even after he heard Jimmy Smith in 1956 and changed instruments. Patterson made his professional debut on the organ in 1959, and played with a number of groups before Stitt discovered him. The association helped make Patterson's name, and he began recording for Prestige in 1964, often with a trio featuring guitarist Pat Martino and drummer Billy James. Patterson also played with numerous other soul-jazz sax greats over the course of the '60s, before settling in Gary, IN, toward the end of the decade. Drug addiction curtailed his recording activities somewhat, as only a few sporadic sessions for Muse appeared during the '70s. He did revive his career somewhat after moving to Philadelphia, but his health worsened, forcing him to take dialysis frequently; he died on February 10, 1988.

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Biografía:

Inspirado por Jimmy Smith para pasar del piano al órgano, Don Patterson fue uno de los intérpretes más arraigados del Hammond B-3, capaz de tocar ritmos de soul-jazz o de salir del bolsillo para obtener líneas solistas ágiles y bien definidas. Aunque dirigió numerosas grabaciones para Prestige y más tarde para Muse, era más conocido como el organista favorito de Sonny Stitt, demostrando ser eminentemente compatible con el saxofonista influenciado por Parker. Patterson nació en Columbus, OH, el 22 de julio de 1936, y comenzó a estudiar piano de niño. Su primera gran influencia fue Erroll Garner, y parte de ese sabor permaneció en su forma de tocar incluso después de escuchar a Jimmy Smith en 1956 y cambiar de instrumento. Patterson debutó profesionalmente en el órgano en 1959, y tocó con varios grupos antes de que Stitt lo descubriera. La asociación ayudó a hacer el nombre de Patterson, y comenzó a grabar para Prestige en 1964, a menudo con un trío que incluía al guitarrista Pat Martino y al baterista Billy James. Patterson también tocó con muchos otros grandes del saxo soul-jazz durante los años 60, antes de establecerse en Gary, IN, hacia el final de la década. La adicción a las drogas redujo un poco sus actividades de grabación, ya que sólo unas pocas sesiones esporádicas de Muse aparecieron durante los 70. Revivió un poco su carrera después de mudarse a Filadelfia, pero su salud empeoró, forzándolo a tomar diálisis frecuentemente; murió el 10 de febrero de 1988.

 

Hampton Hawes • The Green Leaves of Summer

Pianist Hampton Hawes' first recording after serving five years in prison finds Hawes evolving a bit from a Bud Powell-influenced bop pianist to one familiar with more modern trends in jazz. Reissued on CD, this trio date finds Hawes interacting closely with bassist Monk Montgomery and drummer Steve Ellington (making his recording debut). Hawes had lost nothing of his swinging style while in prison, as can be heard on such numbers as "Vierd Blues," "St. Thomas" and "Secret Love," and he was just starting to hint at moving beyond bop. Recommended.

Scott Yanow, All Music Guide

http://www.allmusic.com/album/the-green-leaves-of-summer-r140365

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La primera grabación del pianista Hampton Hawes, después de cumplir cinco años en prisión, muestra que Hawes evoluciona un poco desde un pianista de influencia de Bud Powell a uno familiarizado con las tendencias más modernas del jazz. Reeditado en CD, este trío cita a Hawes interactuando estrechamente con el bajista Monk Montgomery y el baterista Steve Ellington (haciendo su debut en la grabación). Hawes no había perdido nada de su estilo de swing mientras estaba en prisión, como se puede escuchar en números como "Vierd Blues", "St. Thomas" y "Secret Love", y estaba empezando a insinuar que se iba más allá del bop. Recomendado.

Scott Yanow, toda la guía musical

http://www.allmusic.com/album/the-green-leaves-of-summer-r140365

 

Bill Heid • Wylie Avenue

Bill Heid is unquestionably one of the most impressive Hammond B-3 organists in modern jazz, and one night of listening to him live in performance solidifies this assertion. He's no less impressive in the studio, but the more visceral energy he brings to the stage can still be enjoyed on his studio releases. Wylie Avenue is a tribute to his native Pittsburgh, PA, where on Wylie near Center Avenue, the legendary Hill District was the location of the chitlin circuit jazz and blues clubs that launched the careers of Don Patterson, Big John Patton, Larry Young, Jimmy Smith, Gene Ludwig, and so many other fellow organists. Heid doles out more of his original music on this disc that combines soul-jazz with mainstream and progressive sounds, all blended together in a physical and virtuoso-driven nutty professor swing and bluesy funk. Of the many Pittsburgh icons Heid pays tribute to, "At the Hurricane" (for the legendary Hurricane Bar) is an easy blues, a bit off-kilter, goofy, and always on the move. The light calypso "Always Larry" (for Larry Young) probes into a sidereal deep-blue mood, while the title track is an up-and-down bopper -- mostly up -- with a fierce drum solo by longtime favored Heid sideman Mike Petrosino. "Toe Tappin'" is atypical for Heid, with its loping pace and spare, patient melody. New York guitarist Peter Bernstein is the special guest on this set, well versed and experienced in this type of music. His adaptability shows during the dirty ankle-biting funk of "Grantulant" (dedicated to Grant Green), or in tandem with Heid's organ for the boogaloo-type solid-sending soul song "The Slinky." A personalized groove, "Waltz of the Corgies" is dedicated to Heid's longtime pooch who passed away, and reflects a missing-in-action status. There's no stopping Heid when he gets cranked up, as on the bouncy swinger "Who Else?," where his nutty, spiky accents and flying fingers should convince anyone as to his enormous talent. As Heid's catalog grows and his music grows on you, you have to come to the conclusion that he's one of those rare talents who doesn't come along too often in life. Wylie Avenue is another high point in the brilliant career of perhaps the most underappreciated musician of modern times. ~ Michael G. Nastos

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Bill Heid es sin duda uno de los más impresionantes organistas Hammond B-3 del jazz moderno, y una noche de escucharlo en directo en una actuación solidifica esta afirmación. No es menos impresionante en el estudio, pero la energía más visceral que trae al escenario todavía puede ser disfrutada en sus lanzamientos de estudio. Wylie Avenue es un homenaje a su Pittsburgh natal, PA, donde en Wylie, cerca de Center Avenue, el legendario Hill District fue la sede de los clubes de jazz y blues del circuito chitlin que lanzaron las carreras de Don Patterson, Big John Patton, Larry Young, Jimmy Smith, Gene Ludwig y tantos otros compañeros organistas. Heid reparte más de su música original en este disco que combina el soul-jazz con los sonidos convencionales y progresivos, todos mezclados en un físico y virtuoso profesor loco de swing y blues funk. De los muchos iconos de Pittsburgh a los que Heid rinde homenaje, "At the Hurricane" (para el legendario Hurricane Bar) es un blues fácil, un poco fuera de lo normal, tonto y siempre en movimiento. El calipso ligero "Always Larry" (para Larry Young) sondea en un humor sideral de color azul profundo, mientras que el tema del título es un bopper de arriba a abajo - mayormente arriba - con un feroz solo de batería del largamente favorecido sideman de Heid, Mike Petrosino. "Toe Tappin'" es atípico para Heid, con su ritmo lento y su melodía paciente y sobria. El guitarrista neoyorquino Peter Bernstein es el invitado especial en este set, bien versado y experimentado en este tipo de música. Su adaptabilidad se muestra durante el sucio funk de "Grantulant" (dedicado a Grant Green), o en tándem con el órgano de Heid para la canción soul de envío sólido tipo boogaloo "The Slinky". Un groove personalizado, "Waltz of the Corgies" está dedicado al viejo perro de Heid que falleció, y refleja un estado de falta de acción. No hay forma de detener a Heid cuando se pone nervioso, como en "Who Else?", donde sus acentos chiflados y sus dedos voladores deberían convencer a cualquiera de su enorme talento. A medida que el catálogo de Heid crece y su música crece en ti, tienes que llegar a la conclusión de que es uno de esos raros talentos que no aparecen muy a menudo en la vida. Wylie Avenue es otro punto culminante en la brillante carrera del quizás más subestimado músico de los tiempos modernos. ~ Michael G. Nastos

billheid.com ...

 

Lionel Hampton • Bossa Nova Jazz

Rare and very nice Jazz Samba session issued on Hampton's own Glad Hamp label and never released on cd.

Hamp's take on the popular style is far more careless than, for instance, Stan Getz's highly polished Jazz Samba albums. As much as this carelessness may keep the date from being a classic (or as the AMG may put it, essential) affair, it certainly adds to the charm of the album. The musicians mainly stem from Hamp's big band with the addition of three Brazilian guests, who are in charge of giving the music it's necessary authenticity.

The Brazilian duo of Carmen Costa and Jose Paulo was featured on several Northamerican Bossa/Jazz Samba albums recorded around 1962/63. And while their most frequent assignment was to add Samba percussion to the proceedings - usually tambourine and cabassa - here Paulo is on guitar and Costa sings on 4 tracks (both also add their usual percussion background). In Brazil Costa was mainly popular as a Samba singer and not as a percussionist. It's immediately clear that she's no casual singer but a pro. What a pity that her vocal skills weren't featured more often on her US engagements (she also sings a bit on Ramsey Lewis' Bossa Nova).

The leader plays some melodic solos while Robert Plater's baritone sax and flute solos as well as Judd Woldin's piano contributions are solid but not spectacular. The compact running time of most tunes does of course avert any extensive statements.

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Rara y muy bonita sesión de Jazz Samba emitida por el propio sello Glad Hamp de Hampton y nunca editada en cd.

La toma de Hamp del estilo popular es mucho más descuidada que, por ejemplo, los muy pulidos álbumes de Jazz Samba de Stan Getz. Aunque este descuido puede evitar que la fecha sea un asunto clásico (o como la AMG puede decir, esencial), sin duda contribuye al encanto del álbum. Los músicos provienen principalmente de la big band de Hamp, con la adición de tres invitados brasileños, que se encargan de dar a la música su necesaria autenticidad.

El dúo brasileño de Carmen Costa y José Paulo apareció en varios álbumes norteamericanos de Bossa/Jazz Samba grabados alrededor de 1962/63. Y mientras que su tarea más frecuente era añadir percusión de samba a los procedimientos - generalmente pandereta y cabassa - aquí Paulo está en la guitarra y Costa canta en 4 pistas (ambos también añaden su habitual fondo de percusión). En Brasil, Costa era principalmente popular como cantante de Samba y no como percusionista. Está claro que no es una cantante casual sino una profesional. Qué lástima que sus habilidades vocales no aparecieran más a menudo en sus compromisos con los EE.UU. (también canta un poco en la Bossa Nova de Ramsey Lewis).

El líder toca algunos solos melódicos mientras que los solos de saxo barítono y flauta de Robert Plater, así como las contribuciones de Judd Woldin al piano son sólidos pero no espectaculares. El tiempo de ejecución compacto de la mayoría de las melodías evita, por supuesto, cualquier declaración extensa.

 

 

 

Bobby Hutcherson • Natural Illusions

Review by Stephen Thomas Erlewine

Natural Illusions is one of the rare Bobby Hutcherson dates that finds the vibraphonist flirting with the mainstream and fusion. Hutcherson leads a band that features Ron Carter and George Duvivier alternating on bass, guitarist Gene Bertoncini, pianist Hank Jones, drummer Jack DeJohnette and harpist Gene Bianco. The group plays a selection of standards ("The Folks Who Live on the Hill," "Sophisticated Lady," "Lush Life"), contemporary hits ("The Thrill is Gone"), and new jazz songs, giving them all a smooth, lush treatment. There's little of the unpredictable phrasing and modal harmonies that distinguished Hutcherson's albums, and the music often sounds conventional, making it one of the lesser efforts in his catalog.

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine

Ilusiones Naturales es una de las raras citas de Bobby Hutcherson que encuentra al vibrafonista coqueteando con la corriente principal y la fusión. Hutcherson lidera una banda que cuenta con Ron Carter y George Duvivier alternando en el bajo, el guitarrista Gene Bertoncini, el pianista Hank Jones, el baterista Jack DeJohnette y el arpista Gene Bianco. El grupo toca una selección de estándares ("The Folks Who Live on the Hill", "Sophisticated Lady", "Lush Life"), éxitos contemporáneos ("The Thrill is Gone"), y nuevas canciones de jazz, dándoles a todos un tratamiento suave y exuberante. Hay poco de las impredecibles armonías de fraseo y modales que distinguieron a los álbumes de Hutcherson, y la música a menudo suena convencional, por lo que es uno de los esfuerzos menores de su catálogo.

Buddy Rich Big Band • Mercy, Mercy

Review by Scott Yanow

This CD reissue brings back the finest all-round recording by Buddy Rich's big band. The original version of "Channel 1 Suite" is a classic and contains tenor saxophonist Don Menza's most memorable solo, plus a couple of brilliant improvisations from the explosive drummer/leader. Another highlight is an inventive Phil Wilson arrangement of "Mercy, Mercy, Mercy," and even "Alfie" (a melodic feature for altoist Art Pepper) and "Ode to Billie Joe" come across well. In addition to the original LP program, three selections were released for the first time on this CD. "Chelsea Bridge" is particularly significant, for it showcases Pepper, who was making a brief (and unsuccessful) comeback seven years before he finally returned to the scene. This spirited and often-exciting set is a real gem and is essential.

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Reseña de Scott Yanow

Esta reedición del CD trae la mejor grabación de la gran banda de Buddy Rich. La versión original de "Channel 1 Suite" es un clásico y contiene el solo más memorable del saxofonista tenor Don Menza, además de un par de brillantes improvisaciones del explosivo baterista/líder. Otro punto a destacar es un ingenioso arreglo de Phil Wilson de "Mercy, Mercy, Mercy", e incluso "Alfie" (una característica melódica para el altoista Art Pepper) y "Oda a Billie Joe" se ven bien. Además del programa original del LP, tres selecciones fueron lanzadas por primera vez en este CD. "Chelsea Bridge" es particularmente significativo, ya que muestra a Pepper, que estaba haciendo un breve (y poco exitoso) regreso siete años antes de que finalmente regresara a la escena. Este enérgico y a menudo emocionante conjunto es una verdadera joya y es esencial.

Freddie McCoy • Funk Drops

 

Biography:

Soul-jazz vibraphonist Freddie McCoy was never a hit with the critics, spending most of his time laying down coolly funky grooves and covering contemporary R&B and pop tunes (or doing original material in a similarly accessible vein). However, his albums later became underground collector's items among acid jazz and rare-groove enthusiasts. McCoy started out with Johnny "Hammond" Smith in 1961, then signed with Prestige and cut his first album, Lonely Avenue, in 1963. Over the next five years, McCoy cut seven albums for the label, highlighted by 1965's Spider Man, 1967's Beans and Greens, and 1968's Listen Here. His groups usually featured pianist/organist Joanne Brackeen, in some of her first work after temporarily retiring to raise her family. McCoy later recorded for the small Buddah subsidiary Cobblestone, debuting with Gimme Some!, a circa-1971 jazz-funk session featuring some trippy electric piano work. However, the label was short-lived, and McCoy disappeared from jazz after its demise.

by Steve Huey

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Biografía:

El vibrafonista de soul-jazz Freddie McCoy nunca fue un éxito de la crítica, pasando la mayor parte de su tiempo marcando ritmos frescos y funky y cubriendo temas contemporáneos de R&B y pop (o haciendo material original en una vena igualmente accesible). Sin embargo, sus álbumes se convirtieron más tarde en objetos de colección underground entre los entusiastas del acid jazz y del rare-groove. McCoy comenzó con Johnny "Hammond" Smith en 1961, luego firmó con Prestige y grabó su primer álbum, Lonely Avenue, en 1963. Durante los cinco años siguientes, McCoy grabó siete álbumes para la discográfica, entre los que destacan Spider Man de 1965, Beans and Greens de 1967 y Listen Here de 1968. Sus grupos solían contar con la pianista/organista Joanne Brackeen, en algunos de sus primeros trabajos después de retirarse temporalmente para criar a su familia. McCoy grabó más tarde para la pequeña filial de Buddah Cobblestone, debutando con Gimme Some!, una sesión de jazz-funk de alrededor de 1971 que presentaba una obra de piano eléctrico muy interesante. Sin embargo, la discográfica duró poco y McCoy desapareció del jazz tras su desaparición.

por Steve Huey 

 

Barney Kessel • Breakfast at Tiffany's

Biography

One of the finest guitarists to emerge after the death of Charlie Christian, Barney Kessel was a reliable bop soloist throughout his career. He played with a big band fronted by Chico Marx (1943), was fortunate enough to appear in the classic jazz short Jammin' the Blues (1944), and then worked with the big bands of Charlie Barnet (1944-1945) and Artie Shaw (1945); he also recorded with Shaw's Gramercy Five. Kessel became a busy studio musician in Los Angeles, but was always in demand for jazz records. He toured with the Oscar Peterson Trio for one year (1952-1953) and then, starting in 1953, led an impressive series of records for Contemporary that lasted until 1961 (including several with Ray Brown and Shelly Manne in a trio accurately called the Poll Winners). After touring Europe with George Wein's Newport All-Stars (1968), Kessel lived in London for a time (1969-1970). In 1973, he began touring and recording with the Great Guitars, a group also including Herb Ellis and Charlie Byrd. A serious stroke in 1992 put Barney Kessel permanently out of action, but many of his records (which include dates for Onyx, Black Lion, Sonet, and Concord, in addition to many of the Contemporaries) are available, along with several video collections put out by Vestapol. Kessel was diagnosed with inoperable cancer in 2001, which eventually took his life in May of 2004. He was 80 years old. ~ Scott Yanow

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Biografía

Uno de los mejores guitarristas que surgieron después de la muerte de Charlie Christian, Barney Kessel fue un solista de bop fiable durante toda su carrera. Tocó con una gran banda liderada por Chico Marx (1943), tuvo la suerte de aparecer en el corto clásico de jazz Jammin' the Blues (1944), y luego trabajó con las grandes bandas de Charlie Barnet (1944-1945) y Artie Shaw (1945); también grabó con Shaw's Gramercy Five. Kessel se convirtió en un músico de estudio muy ocupado en Los Ángeles, pero siempre tuvo demanda de discos de jazz. Realizó una gira con el Oscar Peterson Trio durante un año (1952-1953) y luego, a partir de 1953, dirigió una impresionante serie de discos para Contemporary que duró hasta 1961 (incluidos varios con Ray Brown y Shelly Manne en un trío llamado precisamente los Poll Winners). Después de recorrer Europa con el Newport All-Stars de George Wein (1968), Kessel vivió en Londres durante un tiempo (1969-1970). En 1973, comenzó a hacer giras y grabaciones con los Great Guitars, un grupo que también incluía a Herb Ellis y Charlie Byrd. Un grave derrame cerebral en 1992 dejó a Barney Kessel permanentemente fuera de combate, pero muchos de sus discos (que incluyen fechas de Onyx, Black Lion, Sonet y Concord, además de muchos de los Contemporáneos) están disponibles, junto con varias colecciones de vídeo publicadas por Vestapol. A Kessel se le diagnosticó un cáncer inoperable en 2001, que finalmente le quitó la vida en mayo de 2004. Tenía 80 años de edad. ~ Scott Yanow

Henry Mancini • The Latin Sound Of Henry Mancini

Artist Biography

Composer/conductor/arranger Henry Mancini was one of the most versatile talents in music. The Mancini name, synonymous not only with great motion picture and television music, but with fine recordings and international concert performances as well. He was nominated for an unprecedented 72 Grammys and won 20 awards. He was nominated for 18 Academy Awards and won four Oscars. He was also awarded with the Golden Globe Award and nominated for two Emmy Awards.

Whether it be a complete score or a featured song, Mancini lent his talents to many memorable films including Victor/Victoria, The Glass Menagerie, The Pink Panther, 10 Darling Lilli, Arabesque, Charade, Days of Wine and Roses, Hatari and Breakfast at Tiffany's.

He also wrote for a number of television films including “The Thorn Birds,” and “The Shadow Box,” as well as television themes including “Peter Gunn,” “Mr. Lucky,” “NBC News Election Night Coverage,” “Newhart,” “Remington Steele,” and “Hotel.”

Mancini recorded over 90 albums which styles varying from big band to jazz to classical to pops, eight of which were certified gold by the Recording Industry Association of America.

Mancini was a much-in-demand concert performer, conducting over fifty engagements per year. Among the symphony orchestras he conducted are the London Symphony, the Israel Philharmonic, the Boston Pops, the Los Angeles Philharmonic and the Royal Philharmonic Orchestra. He appeared in 1966, 1980, and 1984 in command performances for the Royal Family.

Born in Cleveland, Ohio in 1924 he was introduced to music and the flute by his father, an avid flutist, at the age of eight. At age twelve, he took up piano and within a few years became interested in arranging. After graduation from high school in 1942, Mancini enrolled in New York's famous Juilliard School of Music but his studies were interrupted by a service draft call in 1943 where he served overseas in the Air Force and later in the infantry.

Following his release from the Armed Forces in 1946, Mancini joined the Glenn Miller-Tex Beneke orchestra as a pianist/arranger. It was here that he met the future Mrs. Mancini, Ginny O'Conner, who was one of the original members of Mel Torme's “Mel-tones.” They were married in Hollywood in 1947.

In 1952 Mancini joined the Universal International Studios music department. During the next six years he contributed to over 100 films, most notably The Glenn Miller Story (for which he received his first Academy Award nomination), The Benny Goodman Story and Orson Welles' Touch of Evil.

Mancini left Universal-International to work as an independent composer/arranger in 1958. Soon after, he scored the television series “Peter Gunn” for writer/producer/director Blake Edwards, the genesis of a relationship, which lasted over thirty years and produced twenty-six films.

Mancini collaborated with a number of noted artists. Among those joint projects were “Momma,” with Luciano Pavarotti, who was number one on the classical album charts, and “In the Pink,” with flautist James Galway, which sparkled a popular Mancini/Galway concert tour in 1985. In 1986 Henry Mancini and Johnny Mathis teamed up for a tribute to the silver screen, “Mancini and Mathis-The Hollywood Musicals.”

Mancini received four honorary doctorate degrees: an Honorary Doctor of Music from Duquesne University in Pennsylvania, an Honorary Doctor of Humane Letters from Mount Saint Mary's College in Maryland, an Honorary Doctor of Humanities from Washington and Jefferson College in Pennsylvania and an Honorary Doctorate from the California Institute for the Arts in Valencia. His deep love of music and support of young musicians is evident in the scholarships and fellowships he established at top music schools. Many of tomorrow's composers, conductors and arrangers have benefited from Mancini's programs at Juilliard School of Music, and on the West Coast at UCLA and USC, and at the American Federation of Music's “Congress of Strings.”

Henry Mancini authored two books: “Sound and Scores-A Practical Guide to Professional Orchestration,” which can be found on the shelf of virtually every serious student of music; and the autobiography, “Did They Mention Music?”

Henry Mancini passed away in 1994, but his musical legacy still survives and will influence many generations to come.

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Biografía del artista
El compositor, director de orquesta y arreglista Henry Mancini fue uno de los talentos más versátiles de la música. El nombre Mancini, sinónimo no sólo de una gran música para cine y televisión, sino también de buenas grabaciones y conciertos internacionales. Fue nominado a 72 Grammy y ganó 20 premios. Fue nominado para 18 premios de la Academia y ganó cuatro Oscars. También fue galardonado con el Globo de Oro y nominado a dos premios Emmy.

Ya sea una partitura completa o una canción destacada, Mancini prestó sus talentos a muchas películas memorables como Victor/Victoria, The Glass Menagerie, The Pink Panther, 10 Darling Lilli, Arabesque, Charade, Days of Wine and Roses, Hatari y Breakfast at Tiffany's.

También escribió para varias películas de televisión, incluyendo "The Thorn Birds" y "The Shadow Box", así como temas de televisión como "Peter Gunn", "Mr. Lucky", "NBC News Election Night Coverage", "Newhart", "Remington Steele" y "Hotel".

Mancini grabó más de 90 álbumes cuyos estilos varían de big band a jazz a clásicos y pops, ocho de los cuales fueron certificados de oro por la Recording Industry Association of America.

Mancini era un intérprete de conciertos muy solicitado, dirigiendo más de cincuenta conciertos al año. Entre las orquestas sinfónicas que dirigió se encuentran la London Symphony, la Israel Philharmonic, la Boston Pops, la Los Angeles Philharmonic y la Royal Philharmonic Orchestra. Apareció en 1966, 1980 y 1984 en funciones de mando para la Familia Real.

Nacido en Cleveland, Ohio en 1924, su padre, un ávido flautista, le introdujo a la música y la flauta a la edad de ocho años. A los doce años se dedicó al piano y en pocos años se interesó por los arreglos. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1942, Mancini se matriculó en la famosa Juilliard School of Music de Nueva York, pero sus estudios fueron interrumpidos por una llamada de servicio en 1943, donde sirvió en el extranjero en la Fuerza Aérea y más tarde en la infantería.

Tras su liberación de las Fuerzas Armadas en 1946, Mancini se unió a la orquesta de Glenn Miller-Tex Beneke como pianista/arreglista. Fue aquí donde conoció a la futura Sra. Mancini, Ginny O'Conner, que fue uno de los miembros originales de "Mel-tones" de Mel Torme. Se casaron en Hollywood en 1947.

En 1952 Mancini se unió al departamento de música de Universal International Studios. Durante los siguientes seis años contribuyó a más de 100 películas, entre las que destacan La historia de Glenn Miller (por la que recibió su primera nominación al Oscar), La historia de Benny Goodman y El toque de maldad de Orson Welles.

Mancini dejó Universal-International para trabajar como compositor/arreglador independiente en 1958. Poco después, realizó la serie de televisión "Peter Gunn" para el escritor/productor/director Blake Edwards, la génesis de una relación que duró más de treinta años y produjo veintiséis películas.

Mancini colaboró con varios artistas de renombre. Entre esos proyectos conjuntos estaban "Momma", con Luciano Pavarotti, que era el número uno en las listas de éxitos de los álbumes clásicos, y "In the Pink", con el flautista James Galway, que hizo brillar una popular gira de conciertos de Mancini/Galway en 1985. En 1986 Henry Mancini y Johnny Mathis se unieron para rendir homenaje a la pantalla grande, "Mancini and Mathis-The Hollywood Musicals".

Mancini recibió cuatro títulos de doctor honoris causa: un Doctor Honoris Causa en Música de la Universidad de Duquesne en Pennsylvania, un Doctor Honoris Causa en Letras Humanas del Mount Saint Mary's College en Maryland, un Doctor Honoris Causa en Humanidades del Washington and Jefferson College en Pennsylvania y un Doctor Honoris Causa del California Institute for the Arts en Valencia. Su profundo amor por la música y el apoyo a los jóvenes músicos es evidente en las becas que estableció en las mejores escuelas de música. Muchos de los compositores, directores y arreglistas del mañana se han beneficiado de los programas de Mancini en Juilliard School of Music, y en la Costa Oeste en UCLA y USC, y en el "Congreso de Cuerdas" de la Federación Americana de Música.

Henry Mancini es autor de dos libros: "Sound and Scores-A Practical Guide to Professional Orchestration" (Sonido y partituras: guía práctica para la orquestación profesional), que se encuentra en el estante de prácticamente todos los estudiantes serios de música; y la autobiografía "Did They Mention Music?

Henry Mancini falleció en 1994, pero su legado musical aún sobrevive e influirá en muchas generaciones venideras.
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Lucky Thompson • To the Sax Paradise

 

Artist Biography
Born in Columbia, SC, on June 16, 1924, tenor saxophonist Lucky Thompson bridged the gap between the physical dynamism of swing and the cerebral intricacies of bebop, emerging as one of his instrument's foremost practitioners and a stylist par excellence. Eli Thompson's lifelong nickname -- the byproduct of a jersey, given him by his father, with the word "lucky" stitched across the chest -- would prove bitterly inappropriate: when he was five, his mother died, and the remainder of his childhood, spent largely in Detroit, was devoted to helping raise his younger siblings. Thompson loved music, but without hope of acquiring an instrument of his own, he ran errands to earn enough money to purchase an instructional book on the saxophone, complete with fingering chart. He then carved imitation lines and keys into a broom handle, teaching himself to read music years before he ever played an actual sax. According to legend, Thompson finally received his own saxophone by accident -- a delivery company mistakenly dropped one off at his home along with some furniture, and after graduating high school and working briefly as a barber, he signed on with Erskine Hawkins' 'Bama State Collegians, touring with the group until 1943, when he joined Lionel Hampton and settled in New York City.

Soon after his arrival in the Big Apple, Thompson was tapped to replace Ben Webster during his regular gig at the 52nd Street club the Three Deuces -- Webster, Coleman Hawkins, Lester Young, and Art Tatum were all in attendance at Thompson's debut gig, and while he deemed the performance a disaster (a notorious perfectionist, he was rarely if ever pleased with his work), he nevertheless quickly earned the respect of his peers and became a club fixture. After a stint with bassist Slam Stewart, Thompson again toured with Hampton before joining singer Billy Eckstine's short-lived big band that included Charlie Parker, Dizzy Gillespie, and Art Blakey -- in other words, the crucible of bebop. But although he played on some of the earliest and most influential bop dates, Thompson never fit squarely within the movement's paradigm -- his playing boasted an elegance and formal power all his own, with an emotional depth rare among the tenor greats of his generation. He joined the Count Basie Orchestra in late 1944, exiting the following year while in Los Angeles and remaining there until 1946, in the interim playing on and arranging a series of dates for the Exclusive label. Thompson returned to the road when Gillespie hired him to replace Parker in their epochal combo -- he also played on Parker's landmark March 28, 1946, session for Dial, and that same year was a member of the Charles Mingus and Buddy Collette-led Stars of Swing which, sadly, never recorded.

Thompson returned to New York in 1947, leading his own band at the famed Savoy Ballroom. The following year, he made his European debut at the Nice Jazz Festival, and went on to feature on sessions headlined by Thelonious Monk and Miles Davis (the seminal Walkin'). Backed by a group dubbed the Lucky Seven that included trumpeter Harold Johnson and altoist Jimmy Powell, Thompson cut his first studio session as a leader on August 14, 1953, returning the following March 2.
For the most part he remained a sideman for the duration of his career, however, enjoying a particularly fruitful collaboration with Milt Jackson that yielded several LPs during the mid-'50s. But many musicians, not to mention industry executives, found Thompson difficult to deal with -- he was notoriously outspoken about what he considered the unfair power wielded over the jazz business by record labels, music publishers, and booking agents, and in February 1956 he sought to escape these "vultures" by relocating his family to Paris. Two months later he joined Stan Kenton's French tour, even returning to the U.S. with Kenton's group, but he soon found himself blacklisted by Louis Armstrong's manager, Joe Glaser, after a bizarre conflict with the beloved jazz pioneer over which musician should be the first to leave their plane after landing. Without steady work, he returned to Paris, cutting several sessions with producer Eddie Barclay.

Thompson remained in France until 1962, returning to New York and a year later headlining the Prestige LP Plays Jerome Kern and No More, which featured pianist Hank Jones. Around this same time his wife died, and in addition to struggling to raise their children on his own, Thompson's old battles with the jazz power structure also remained, and in 1966 he formally announced his retirement in the pages of Down Beat magazine. Within a few months he returned to active duty, but remained frustrated with the industry and his own ability -- during the March 20, 1968, date captured on the Candid CD Lord, Lord Am I Ever Gonna Know?, he says "I feel I have only scratched the surface of what I know I am capable of doing." From late 1968 to 1970, Thompson lived in Lausanne, Switzerland, touring widely across Europe before returning the U.S., where he taught music at Dartmouth University and in 1973 led his final recording, I Offer You. The remaining decades of Thompson's life are in large part a mystery -- he spent several years living on Ontario's Manitoulin Island before relocating to Savannah, GA, trading his saxophones in exchange for dental work. He eventually migrated to the Pacific Northwest, and after a long period of homelessness checked into Seattle's Columbia City Assisted Living Center in 1994. Thompson remained in assisted care until his death on July 30, 2005.
by Jason Ankeny
https://www.allmusic.com/artist/lucky-thompson-mn0000302799/biography

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 Biografía del artista
Nacido en Columbia, SC, el 16 de junio de 1924, el saxofonista tenor Lucky Thompson tendió un puente entre el dinamismo físico del swing y las complejidades cerebrales del bebop, emergiendo como uno de los principales practicantes de su instrumento y un estilista por excelencia. El apodo de toda la vida de Eli Thompson - el subproducto de una camiseta, que le dio su padre, con la palabra "afortunado" cosida en el pecho - resultaría amargamente inapropiado: cuando tenía cinco años, su madre murió, y el resto de su infancia, transcurrida en gran parte en Detroit, se dedicó a ayudar a criar a sus hermanos menores. Thompson amaba la música, pero sin esperanza de adquirir un instrumento propio, hizo recados para ganar suficiente dinero para comprar un libro de instrucciones sobre el saxofón, completo con tabla de digitación.
Luego talló líneas de imitación y llaves en el mango de una escoba, enseñándose a sí mismo a leer música años antes de tocar un saxo de verdad. Según la leyenda, Thompson recibió finalmente su propio saxofón por accidente - una empresa de reparto dejó por error uno en su casa junto con algunos muebles, y después de graduarse de la escuela secundaria y trabajar brevemente como barbero, firmó con "Bama State Collegians" de Erskine Hawkins, haciendo una gira con el grupo hasta 1943, cuando se unió a Lionel Hampton y se estableció en la ciudad de Nueva York.

Poco después de su llegada a la Gran Manzana, Thompson fue contratado para sustituir a Ben Webster durante su actuación habitual en el club de la calle 52, los Three Deuces -Webster, Coleman Hawkins, Lester Young y Art Tatum asistieron al concierto de debut de Thompson, y aunque consideró la actuación un desastre (un notorio perfeccionista, rara vez, si es que alguna vez, estaba satisfecho con su trabajo), sin embargo, rápidamente se ganó el respeto de sus compañeros y se convirtió en un fijo del club. Después de una temporada con el bajista Slam Stewart, Thompson volvió a hacer una gira con Hampton antes de unirse a la efímera big band del cantante Billy Eckstine que incluía a Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Art Blakey, en otras palabras, el crisol del bebop. Pero aunque tocó en algunas de las primeras y más influyentes fechas del bop, Thompson nunca encajó de lleno en el paradigma del movimiento - su forma de tocar se jactaba de una elegancia y poder formal propios, con una profundidad emocional rara entre los grandes tenores de su generación. Se unió a la Count Basie Orchestra a finales de 1944, saliendo al año siguiente mientras estaba en Los Ángeles y permaneciendo allí hasta 1946, mientras tanto tocando y arreglando una serie de fechas para el sello Exclusive. Thompson volvió a la carretera cuando Gillespie lo contrató para reemplazar a Parker en su combo de época -- también tocó en la sesión del 28 de marzo de 1946 para Dial, y ese mismo año fue miembro de las Estrellas del Swing de Charles Mingus y Buddy Collette que, tristemente, nunca grabó.

Thompson regresó a Nueva York en 1947, dirigiendo su propia banda en el famoso Savoy Ballroom. Al año siguiente, hizo su debut europeo en el Festival de Jazz de Niza, y continuó con las sesiones encabezadas por Thelonious Monk y Miles Davis (el seminal Walkin'). Apoyado por un grupo llamado Lucky Seven que incluía al trompetista Harold Johnson y al contralto Jimmy Powell, Thompson cortó su primera sesión de estudio como líder el 14 de agosto de 1953, volviendo el siguiente 2 de marzo. Sin embargo, durante toda su carrera permaneció como sideman, disfrutando de una colaboración particularmente fructífera con Milt Jackson que dio lugar a varios LPs a mediados de los años 50. Pero muchos músicos, por no hablar de los ejecutivos de la industria, encontraron a Thompson difícil de tratar - era notoriamente franco acerca de lo que consideraba el injusto poder que ejercían sobre el negocio del jazz los sellos discográficos, los editores de música y los agentes de contratación, y en febrero de 1956 trató de escapar de estos "buitres" trasladando a su familia a París.
Dos meses más tarde se unió a la gira francesa de Stan Kenton, incluso regresó a los Estados Unidos con el grupo de Kenton, pero pronto se encontró en la lista negra del manager de Louis Armstrong, Joe Glaser, después de un extraño conflicto con el querido pionero del jazz sobre qué músico debería ser el primero en dejar su avión después de aterrizar. Sin trabajo fijo, volvió a París, cortando varias sesiones con el productor Eddie Barclay.

Thompson permaneció en Francia hasta 1962, regresando a Nueva York y un año más tarde encabezando el LP Prestige Plays Jerome Kern and No More, en el que aparecía el pianista Hank Jones. Alrededor de esta misma época murió su esposa, y además de luchar para criar a sus hijos por su cuenta, las viejas batallas de Thompson con la estructura de poder del jazz también se mantuvieron, y en 1966 anunció formalmente su retiro en las páginas de la revista Down Beat. En pocos meses volvió al servicio activo, pero siguió frustrado con la industria y su propia habilidad -- durante el 20 de marzo de 1968, fecha capturada en el CD Candid Lord, Lord Am I Gonna Know?, dice "Siento que sólo he arañado la superficie de lo que sé que soy capaz de hacer". Desde finales de 1968 a 1970, Thompson vivió en Lausana, Suiza.

Jimmy Smith • Prayer Meetin' (RVG-edition)

Review by Steve Leggett

Playing piano-style single-note lines on his Hammond B-3 organ, Jimmy Smith revolutionized the use of the instrument in a jazz combo setting in the mid-'50s and early '60s, and arguably his best albums for Blue Note during this period were the ones he did with tenor sax player Stanley Turrentine. Recorded on February 8, 1963, at Van Gelder Studio in New Jersey, and featuring Quentin Warren on guitar and Donald Bailey on drums in addition to Smith and Turrentine, Prayer Meetin' is a delight from start to finish. Forming a perfect closure to Smith's trio of albums with Turrentine (Midnight Special and Back at the Chicken Shack were both released in 1960), Prayer Meetin' was the last of four albums Smith recorded in a week to finish off his Blue Note contract before leaving for Verve. The blues roots are obvious here, and the Smith-penned title track might even be called jazz-gospel, but the single most striking cut is a version of Ivory Joe Hunter's "I Almost Lost My Mind," with both Smith and Turrentine building wonderful solos, suggesting new pathways for organ and sax as complementary instruments.

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Reseña por Steve Leggett

Al tocar líneas de una sola nota al estilo de piano en su órgano Hammond B-3, Jimmy Smith revolucionó el uso del instrumento en un combo de jazz a mediados de los años 50 y principios de los 60, y posiblemente sus mejores álbumes para Blue Note durante este período fueron los que hizo con el tenista saxofonista Stanley Turrentine. Grabado el 8 de febrero de 1963 en Van Gelder Studio en Nueva Jersey, y con Quentin Warren en la guitarra y Donald Bailey en la batería, además de Smith y Turrentine, Prayer Meetin 'es una delicia de principio a fin. El cierre perfecto del trío de álbumes de Smith con Turrentine (Midnight Special y Back at the Chicken Shack se lanzaron en 1960), Prayer Meetin 'fue el último de los cuatro álbumes que Smith grabó en una semana para terminar su contrato de Blue Note antes de irse para verve. Las raíces del blues son obvias aquí, y la canción del título escrita por Smith podría incluso llamarse jazz-gospel, pero el corte más llamativo es una versión de Ivory Joe Hunter "I Almost Lost My Mind", con Smith y Turrentine construyendo maravillosamente Solos, sugiriendo nuevas vías para órgano y saxo como instrumentos complementarios.

 

VA • Jazz Bossa Nova

 

Hank Mobley, Coleman Hawkins, Milt Jackson, Stan Getz, Kenny Burrell, Lalo Schifrin, 

Chick Corea,Latin Jazz,Toots Thielemans ...

 

 

Cal Tjader • Soul Sauce

Review by Stephen Cook

Soul Sauce is one of the highlights from Tjader's catalog with its appealing mixture of mambo, samba, bolero, and boogaloo styles. Tjader's core band -- long-time piano player Lonnie Hewitt, drummer Johnny Rae and percussionist's Willie Bobo and Armanda PerazaÑ -- starts things off with a cooled down version of Dizzy Gillespie and Chano Pozo's latin jazz classic "Guachi Guaro (Soul Sauce)". With the help of guitarist Kenny Burrell, trumpeter Donald Byrd, and tenor saxophonist Jimmy Heath they offer up a lively version of Mongo Santamaria's "Afro Blue." Sticking to his music's "Mambo Without a Migraine" reputation, though, Tjader's musicians keep things fairly calm, especially on Latinized ballads such as Billy May's "Somewhere In the Night" and on midtempo swingers like "Tanya." On Soul Sauce Tjader had perfected a middle ground between the brisk, collegiate mambo of his early Fantasy records and the mood-heavy sound of Asian themed albums like Breeze From the East. In the process, he dodged the "Latin lounge" label with an album full of smart arrangements, subtly provocative vibe solos, and intricate percussion backing.

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Reseña de Stephen Cook

La Salsa para el Alma es uno de los aspectos más destacados del catálogo de Tjader con su atractiva mezcla de estilos de mambo, samba, bolero y boogaloo. El núcleo de la banda de Tjader - el pianista Lonnie Hewitt, el baterista Johnny Rae y los percusionistas Willie Bobo y Armanda PerazaÑ - comienza con una versión más fresca del clásico de jazz latino de Dizzy Gillespie y Chano Pozo "Guachi Guaro (Soul Sauce)". Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el trompetista Donald Byrd, y el saxofonista tenor Jimmy Heath ofrecen una versión animada de "Afro Blue" de Mongo Santamaría. Sin embargo, apegándose a la reputación de su música "Mambo Without a Migraine", los músicos de Tjader mantienen las cosas bastante tranquilas, especialmente en baladas latinizadas como "Somewhere In the Night" de Billy May y en swingers de medio tiempo como "Tanya". En Soul Sauce Tjader había perfeccionado un punto medio entre el mambo colegial y enérgico de sus primeros discos de Fantasía y el sonido agitado de los álbumes de temática asiática como Breeze From the East. En el proceso, esquivó el sello "Latin lounge" con un álbum lleno de arreglos inteligentes, sutilmente provocativos solos de vibración y un intrincado respaldo de percusión.

Terry Gibbs • Findin' The Groove

Recording prolifically in the first years of the 21st century, the octogenarian Terry Gibbs still delivers the fastest vibes in the West on this aptly named 2006 release Findin' the Groove. No tributes or concepts based on the past this time -- just straight-ahead, likeable, hard swinging workouts from a sextet that features the great flutist Hubert Laws on its front line. Gibbs and Laws had only played together once before -- when Laws sat in on piccolo unexpectedly on a Gibbs gig at Steamers in Fullerton, CA not long before this session. Yet they make a very graceful pair, their sound dancing with feather-light agility over the rhythm section, giving this ad hoc yet tight little band a special sound all its own. Laws isn't as visible on the recording scene these days as he once was -- and from hearing his sterling, swinging style and huge, golden tone on this date, you can't figure out why this should be so. Another big factor in this session's lightly shaded color scheme is Terry's drummer, son Gerry Gibbs, who propels the selections with the relentless yet never overbearing energy of his father. Terry wrote about half of the material, all of it appealing, including some journeys into samba "Samba Wazoo" and wistful bossa nova ("The House That Might Have Been, " with vocals by Joan Carroll). Amidst all of the up-tempo swingers, "Teach Me Tonight" is a relaxed breather in context, though these thoroughbreds seem reined in, just dying to gallop again. Alas, Jimmy Giuffre's irresistible "Four Brothers" doesn't really hit its stride until the solos kick in; the famous theme sounds uncharacteristically labored (yes, it's difficult). Mostly, though, a splendid session. ~ Richard S. Ginell 
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
  
 Published: October 2, 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, who has been Findin' the Groove for more than sixty years and continues to home in on it at the post-retirement age of 81 (82 on October 13), shares the front line with master flutist Hubert Laws on his latest album, which, in typical Gibbs fashion, swings relentlessly in a bop-centered groove from first note to last.
The vibes/flute tandem proves remarkably successful, especially when supported by a savvy rhythm section anchored by Terry's son, Gerry, at the drum kit and including guitarist Dan Faehnle, pianist Tom Ranier and bassist Hamilton Price from Gerry's Thrasher Big Band. Faehnle and Ranier are resourceful improvisers who keep Terry and Hubert on their toes and wailing, while Gerry takes a star turn on Terry's "Dance with the Brushes, patterned after Neal Hefti's "Cute. Terry wrote half a dozen other tunes to complement the standards "But Not for Me and "Teach Me Tonight, Bernie Miller's "Bernie's Tune, Benny Golson's "Killer Joe, Jimmy Giuffre's "Four Brothers and Denzil Best's "Wee. Terry arranged everything, and there's not a turkey in the barnyard.

Joan Carroll, definitely someone to keep an eye on, sings marvelously on the Gershwins' "But Not for Me and Terry's bossa "The House That Might Have Been (lyric by Arthur Hamilton), even though "But Not for Me, written as a lament to love that can never be, is cast as an up-tempo romp whose inherent sadness has been supplanted by pure elation. Even so, Carroll manages to make the change of pace seem convincing.

Laws, who has strayed in recent years from the straight-ahead path, sounds as though he'd never been away, matching Terry stride for stride in a series of electrifying ad-libs that reaches its zenith on the mercurial "Wee. To be honest, these old pros are untroubled at any tempo, as one recognizes throughout this relaxed yet cohesive studio date. Above all, they are having fun together, a vibe (pardon the pun) that the listener can instantly sense and appreciate.

Terry Gibbs and his mates have clearly found a groove, one that should please almost anyone who enjoys swinging, straight-from-the-hip jazz. Excellent sound and generous playing time help make the session even more enticing. Warmly recommended. ~ Jack Bowers, All About Jazz
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=23200#.UpURtk0we1s

 

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Grabando prolíficamente en los primeros años del siglo XXI, el octogenario Terry Gibbs sigue ofreciendo las vibraciones más rápidas de Occidente en esta publicación de 2006, acertadamente llamada Findin' the Groove. Esta vez no hay homenajes ni conceptos basados en el pasado, sino que se trata de un trabajo directo, simpático y con mucho swing de un sexteto que cuenta con el gran flautista Hubert Laws en primera línea. Gibbs y Laws sólo habían tocado juntos una vez antes - cuando Laws se sentó en el piccolo inesperadamente en un concierto de Gibbs en Steamers en Fullerton, CA no mucho antes de esta sesión. Sin embargo, forman una pareja muy elegante, su sonido baila con una agilidad de pluma sobre la sección rítmica, dando a esta pequeña banda ad hoc pero ajustada un sonido especial propio. Laws ya no es tan visible en la escena discográfica como lo fue en su día, y al escuchar su excelente estilo de swing y su enorme tono dorado en esta sesión, no se puede entender por qué. Otro factor importante en el esquema de color ligeramente matizado de esta sesión es el baterista de Terry, su hijo Gerry Gibbs, que impulsa las selecciones con la energía implacable pero nunca dominante de su padre. Terry escribió aproximadamente la mitad del material, todo él atractivo, incluyendo algunos viajes a la samba "Samba Wazoo" y a la melancólica bossa nova ("The House That Might Have Been", con voces de Joan Carroll). En medio de todos los ritmos de swing, "Teach Me Tonight" es un respiro relajado en el contexto, aunque estos purasangres parecen estar frenados, muriéndose de ganas de galopar de nuevo. Por desgracia, el irresistible "Four Brothers" de Jimmy Giuffre no llega a su punto álgido hasta que los solos entran en acción; el famoso tema suena inusualmente trabajado (sí, es difícil). Sin embargo, en general, es una sesión espléndida. ~ Richard S. Ginell
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
 
 Publicado: 2 de octubre de 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, que lleva más de sesenta años encontrando el Groove y que sigue en ello a la edad de 81 años (82 el 13 de octubre), comparte la primera línea con el maestro de la flauta Hubert Laws en su último álbum, que, al estilo típico de Gibbs, se balancea implacablemente en un ritmo centrado en el bop desde la primera hasta la última nota.
El tándem de vibráfono y flauta resulta notablemente exitoso, especialmente cuando está apoyado por una inteligente sección rítmica anclada por el hijo de Terry, Gerry, en la batería y que incluye al guitarrista Dan Faehnle, al pianista Tom Ranier y al bajista Hamilton Price de la Thrasher Big Band de Gerry. Faehnle y Ranier son improvisadores ingeniosos que mantienen a Terry y Hubert en vilo, mientras que Gerry se convierte en la estrella de "Dance with the Brushes" de Terry, inspirada en "Cute" de Neal Hefti. Terry escribió otra media docena de temas para complementar los estándares "But Not for Me" y "Teach Me Tonight", "Bernie's Tune" de Bernie Miller, "Killer Joe" de Benny Golson, "Four Brothers" de Jimmy Giuffre y "Wee" de Denzil Best. Terry lo arregló todo, y no hay un pavo en el corral.

Joan Carroll, sin duda alguien a quien hay que seguir de cerca, canta maravillosamente en "But Not for Me" de los Gershwin y en la bossa "The House That Might Have Been" de Terry (letra de Arthur Hamilton), aunque "But Not for Me", escrita como un lamento al amor que nunca podrá ser, se convierte en un retozo a ritmo acelerado cuya tristeza inherente ha sido suplantada por pura euforia. Aun así, Carroll consigue que el cambio de ritmo resulte convincente.

Laws, que se ha desviado en los últimos años del camino recto, suena como si nunca se hubiera alejado, igualando a Terry zancada a zancada en una serie de electrizantes balbuceos que alcanzan su cenit en la mercurial "Wee". Para ser sinceros, estos viejos profesionales no tienen problemas con ningún tempo, como se reconoce a lo largo de esta relajada pero cohesionada cita de estudio. Por encima de todo, se divierten juntos, un ambiente (perdón por el juego de palabras) que el oyente puede percibir y apreciar al instante.

Terry Gibbs y sus compañeros han encontrado claramente un ritmo, que debería gustar a casi todos los que disfrutan del jazz con swing y directo a la cadera. El excelente sonido y el generoso tiempo de reproducción contribuyen a que la sesión sea aún más atractiva. Muy recomendable. ~ Jack Bowers, All About Jazz
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=23200#.UpURtk0we1s

Barbara Carroll • Live - Her Piano And Trio

 

The elegant jazz pianist, composer and vocalist Barbara Carroll is regarded as one of today’s most fascinating purveyors of swinging jazz piano and expressive vocals. Equally at home in a concert hall or intimate music room, she connects with her audience through the passion, joy and emotional power of her performances. Her inventive piano playing and unique vocal sound transforms composition by Harold Arlen, Cole Porter, Billy Strayhorn or Thelonious Monk into her own art with emotional directness and respect for the tunes and their possibilities.

Noted jazz critic Leonard Feather declared that she was “the first girl to play bop piano,” and People Magazine recently wrote: “Barbara Carroll’s jazz pianism is the subtlest and most intricate that New York has to offer.”

Ms. Carroll’s diverse musical career began at the age of five with piano lessons in her native Worcester, Massachusetts. Her classical training began at age eight and continued through her years at the New England Conservatory of Music. Along the way, she developed a fervent interest in jazz and was influenced by the work of Nat “King” Cole, Bud Powell, Charlie Parker and other important musicians of the era.

After making her New York debut at the celebrated Downbeat Club on legendary 52nd Street, she went on to perform in major music rooms across the country to audiences that regularly included luminaries such as Frank Sinatra, Lena Horne, Tony Bennett, and Dinah Washington. Her work over the past 50 years has spanned everything from appearances on Broadway with her trio in Rodgers and Hammerstein's Me and Juliet to performances in concert halls, jazz clubs, on major TV shows and festival stages throughout the world. She has performed for President and Mrs. Clinton at the White House and has made more than thirty major label recordings with an array of jazz legends including Art Farmer, Claudio Roditi, Bucky Pizzarelli and John Pizzarelli.

Ms. Carroll, whom many regard as New York’s “first lady of jazz piano,” recently completed a record-breaking run at the famed Bemelmans Bar in the Carlyle Hotel, where she appeared annually for two extended engagements for 24 consecutive years. Now performing nearly every Wednesday at Birdland (with bassist Jay Leonhart and Joe Cocuzzo on drums), Ms. Carroll has returned to the kind of jazz clubs that made her famous in the 1950s.

Her 2005 release of “Live At Birdland,” showcases her extensive repertoire coupled with her intimate knowledge and presentation of jazz piano at its best.

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La elegante pianista de jazz, compositora y vocalista Barbara Carroll está considerada como una de las proveedoras más fascinantes de hoy en día de piano de jazz y de voces expresivas. Tanto en su casa, en una sala de conciertos o en una sala de música íntima, conecta con su público a través de la pasión, la alegría y el poder emocional de sus actuaciones. Su inventiva en el piano y su sonido vocal único transforma la composición de Harold Arlen, Cole Porter, Billy Strayhorn o Thelonious Monk en su propio arte con una franqueza emocional y un respeto por las melodías y sus posibilidades.

El célebre crítico de jazz Leonard Feather declaró que era "la primera chica que tocaba el piano bop", y la revista People escribió recientemente: "El pianismo de jazz de Barbara Carroll es el más sutil e intrincado que Nueva York tiene para ofrecer".

La diversa carrera musical de la Sra. Carroll comenzó a la edad de cinco años con clases de piano en su Worcester natal, Massachusetts. Su formación clásica comenzó a los ocho años y continuó durante sus años en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra. En el camino, desarrolló un ferviente interés por el jazz y se vio influenciada por la obra de Nat "King" Cole, Bud Powell, Charlie Parker y otros importantes músicos de la época.

Después de hacer su debut en Nueva York en el célebre Downbeat Club de la legendaria calle 52, se presentó en las principales salas de música de todo el país ante un público que incluía regularmente a luminarias como Frank Sinatra, Lena Horne, Tony Bennett y Dinah Washington. Su trabajo en los últimos 50 años ha abarcado desde apariciones en Broadway con su trío en Me and Juliet (Yo y Julieta) de Rodgers y Hammerstein hasta actuaciones en salas de conciertos, clubes de jazz, en los principales programas de televisión y en escenarios de festivales de todo el mundo. Ha actuado para el Presidente y la Sra. Clinton en la Casa Blanca y ha hecho más de treinta grabaciones de grandes sellos discográficos con una serie de leyendas del jazz como Art Farmer, Claudio Roditi, Bucky Pizzarelli y John Pizzarelli.

La Sra. Carroll, a quien muchos consideran la "primera dama del piano de jazz" de Nueva York, recientemente completó una carrera que rompió récords en el famoso Bar Bemelmans en el Hotel Carlyle, donde se presentó anualmente para dos compromisos extendidos durante 24 años consecutivos. Ahora, al actuar casi todos los miércoles en Birdland (con el bajista Jay Leonhart y Joe Cocuzzo a la batería), la Sra. Carroll ha regresado al tipo de clubes de jazz que la hizo famosa en el decenio de 1950.

Su lanzamiento en 2005 de "Live At Birdland", muestra su extenso repertorio junto con su íntimo conocimiento y presentación del piano de jazz en su mejor momento.

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