Scott Hamilton • Danish Ballads... & More

  

Biography:
Scott Hamilton was born in 1954, in Providence, Rhode Island. During his early childhood he heard a lot of jazz through his father’s extensive record collection, and became acquainted with the jazz greats. He tried out several instruments, including drums at about the age of five, piano at six and mouth-organ. He had some clarinet lessons when he was about eight years of age, but that was the only formal music tuition he has ever had. Even at that age he was attracted to the sound of Johnny Hodges, but it was not until he was about sixteen that he started playing the saxophone seriously. From his playing mainly blues on mouth organ, his little band gradually became more of a jazz band.
He moved to New York in 1976 at the age of twenty-two, and through Roy Eldridge, with whom he had played a year previously in Boston, got a six-week gig at Michael’s Pub. Roy also paved the way for him to work with Anita O’Day and Hank Jones. Although it was the tail-end of the of old New York scene, a lot of the greats were still playing and he got to work and learn from people like Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson and Jo Jones. Eldridge was Scott’s champion, but pulled no punches, and could be extremely critical, something for which Scott has always been grateful. In December of the same year John Bunch got Scott his first recording date, for Famous Door, and was also responsible for him joining Benny Goodman. He continued to work with Goodman at different times until the early 1980s.
In 1977 he formed his own quartet, which later became a quintet, with Bunch added to the group. The same year Carl Jefferson heard him, and began recording him for his Concord record label. More than forty albums later he is still recording for them, having made many under his own leadership, several with his regular British quartet of John Pearce, Dave Green and Steve Brown, including his latest, Nocturnes & Serenades. The Quartet plus two guests, Dave Cliff and Mark Nightingale recorded Our Delight! for Alan Barnes’ Woodville label. A new release, Across the Tracks on Concorde is due this May. Along the way he has made albums with Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, many with Rosemary Clooney and a number with another of his mentors, Ruby Braff, with whom he played residencies at the Pizza Express Jazz Club, London in the mid-1980s. Over the years Scott has also performed and recorded with such touring bands as the Concord Jazz All Stars, the Concord Super Band and George Wein’s Newport Jazz Festival All Stars.
For some years he was based in London, where he first played in 1978, but now travels the world from Italy. Each year, in addition to two or three residencies with the quartet at the Pizza Express Jazz Club, British jazz club dates and festival work including Brecon, where he is one of the patrons, he regularly tours Germany, the Netherlands, Scandinavia, Japan, Spain and Italy. He returns to America three or four times a year to play at festivals, including in 2007, the New York JVC festival in June and Irvine, California in September, and in February 2008 for three nights at the Lincoln Centre New York.
His playing has best been described by fellow tenor saxophonist and writer, Dave Gelly: “Following a Scott Hamilton solo is like listening to a great conversationalist in full flow. First comes the voice, the inimitable, assured sound of his tenor saxophone, then the informal style and finally the amazing fluency and eloquent command of the jazz language.” Scott was awarded the ‘Ronnie’ for International Jazz Saxophonist of the Year in the 2007 inaugural Ronnie Scott’s Jazz Awards.  It is no wonder that Scott Hamilton is in demand the world over.
(Brian Peerless)
http://www.scotthamiltonsax.com/

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Biografía:
Scott Hamilton nació en 1954, en Providence, Rhode Island. Durante su infancia escuchó mucho jazz a través de la extensa colección de discos de su padre, y se familiarizó con los grandes del jazz. Probó varios instrumentos, incluyendo la batería a la edad de cinco años, el piano a los seis años y la armónica. Tomó algunas clases de clarinete cuando tenía unos ocho años, pero fue la única clase de música formal que tuvo. Incluso a esa edad se sintió atraído por el sonido de Johnny Hodges, pero no fue hasta los dieciséis años cuando empezó a tocar el saxofón en serio. De tocar principalmente blues con armónica, su pequeña banda se convirtió gradualmente en una banda de jazz.
Se mudó a Nueva York en 1976 a la edad de veintidós años, y a través de Roy Eldridge, con quien había tocado un año antes en Boston, consiguió un concierto de seis semanas en el Michael's Pub. Roy también le allanó el camino para trabajar con Anita O'Day y Hank Jones. Aunque era el final de la vieja escena neoyorquina, muchos de los grandes seguían tocando y él se puso a trabajar y a aprender de gente como Eldridge, Illinois Jacquet, Vic Dickenson y Jo Jones. Eldridge era el campeón de Scott, pero no se andaba con rodeos y podía ser extremadamente crítico, algo por lo que Scott siempre ha estado agradecido. En diciembre del mismo año John Bunch le consiguió a Scott su primera fecha de grabación, para Famous Door, y también fue responsable de que se uniera a Benny Goodman. Continuó trabajando con Goodman en diferentes momentos hasta principios de los 80.
En 1977 formó su propio cuarteto, que más tarde se convirtió en quinteto, con Bunch añadido al grupo. Ese mismo año Carl Jefferson lo escuchó y comenzó a grabarlo para su sello discográfico Concord. Más de cuarenta álbumes después sigue grabando para ellos, habiendo hecho muchos bajo su propia dirección, varios con su cuarteto británico habitual de John Pearce, Dave Green y Steve Brown, incluyendo su último, Nocturnos y Serenatas. El cuarteto más dos invitados, Dave Cliff y Mark Nightingale grabaron Our Delight! para el sello Woodville de Alan Barnes. Un nuevo lanzamiento, Across the Tracks en el Concorde, está previsto para este mayo. Por el camino ha hecho álbumes con Dave McKenna, Jake Hanna, Woody Herman, Tony Bennett, Gerry Mulligan, Flip Phillips, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Warren Vache, muchos con Rosemary Clooney y un número con otra de sus mentoras, Ruby Braff, con quien hizo residencias en el Pizza Express Jazz Club de Londres a mediados de los 80. A lo largo de los años, Scott también ha tocado y grabado con bandas de gira como la Concord Jazz All Stars, la Concord Super Band y la Newport Jazz Festival All Stars de George Wein.
Durante algunos años estuvo basado en Londres, donde tocó por primera vez en 1978, pero ahora viaja por el mundo desde Italia. Cada año, además de dos o tres residencias con el cuarteto en el Pizza Express Jazz Club, fechas de clubes de jazz británicos y trabajos en festivales como el de Brecon, donde es uno de los patrocinadores, realiza giras regulares por Alemania, los Países Bajos, Escandinavia, Japón, España e Italia. Regresa a América tres o cuatro veces al año para tocar en festivales, entre ellos, en 2007, el festival JVC de Nueva York en junio e Irvine, California, en septiembre, y en febrero de 2008 durante tres noches en el Lincoln Centre de Nueva York.
Su forma de tocar ha sido mejor descrita por su compañero saxofonista tenor y escritor, Dave Gelly: "Seguir un solo de Scott Hamilton es como escuchar a un gran conversador a todo volumen. Primero viene la voz, el inimitable y seguro sonido de su saxo tenor, luego el estilo informal y finalmente la asombrosa fluidez y el dominio elocuente del lenguaje del jazz". Scott fue galardonado con el premio 'Ronnie' al Saxofonista Internacional de Jazz del Año en la edición inaugural de los Premios de Jazz Ronnie Scott de 2007.  No es de extrañar que Scott Hamilton sea solicitado en todo el mundo.
(Brian Peerless)
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Radam Schwartz Organ Big Band • Message From Groove and GW

 

Liner notes notwithstanding, the alliance of a big band and organ is hardly unique—Jimmy Smith, Richard "Groove" Holmes and Joey DeFrancesco are organ maestros who have been there and done that; even the great Oscar Peterson once dipped his toes into that water. Having said that, organist Radam Schwartz and his power-laden New Jersey-based ensemble do the concept proud on Message from Groove and GW, burning on all cylinders and swinging as hard and as often as any band has license to do. Spoiler alert: if your taste runs to ballads and music that is more placid than potent, you may want to give this one a pass in favor of, say, the Modern Jazz Quartet.

If, on the other hand, swing and blues are in your wheelhouse, you've come to the right place. Schwartz and his like-minded crew have that genre under control, wailing with abandon while steadfastly anchored by Schwartz and drummer David F. Gibson who is so central to the enterprise that his name alone appears below that of Schwartz on the album jacket's front cover. Perhaps the nearest ingredient to a "ballad" on the menu is the Isley brothers' mellow "Between the Sheets," and even there the rhythmic undercurrent is strong. Charles Mingus' "Work Song"—not to be confused with the Nat Adderley classic of that name—proceeds at a similar tempo, again with virile support from Schwartz and Gibson to punctuate persuasive solos by trumpeter Benjamin Hankle, trombonist Andrae Murchison, alto Anthony Ware and Schwartz himself. And what better way to close an album of organ-based big-band swing and blues than with a theme by Johann Sebastian Bach, whose "Von Gott" has been given a handsome up-to-date face-lift by Schwartz.

A group chorus ushers in the well-knit opener, "Trouble Just Won't Go Away," the first of three tantalizing originals by Schwartz (the others are "Dig You Like Crazy" and "Message from Groove and GW," a deeply-channeled salute to Groove Holmes and Gerald Wilson). Completing the program are John Coltrane's bop-oriented "Blues Minor," the Aretha Franklin hit "Ain't No Way," trombonist Peter Lind's tasteful "Path to Understanding" and last but not least, tenor saxophonist Abel Mireles' emphatic "What to Do." Mireles, who solos there and on "Blues Minor," is Schwartz' right-hand man, and a press release accompanying the album even refers to the ensemble as the Jazz Exchange Big Band, co-led by Schwartz and Mireles. Be that as it may, this band by any other name would surely swing as hard, which is all that matters.

Besides those already mentioned, there are impressive solos along the way by Lind, trumpeters Lee Hogans and Ben Chubb, tenor Gene Ghee, baritone Ben Kovacs and guitarist Charlie Sigler, enhanced by the band's able-bodied blowing as a unit. If it don't mean a thing if it ain't got that swing, the Radam Schwartz Organ Big Band needs no rhetoric to underline its purpose.
By JACK BOWERS
September 25, 2020
https://www.allaboutjazz.com/message-from-groove-and-gw-the-radam-schwartz-organ-big-band-arabesque-jazz

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A pesar de las notas de Liner, la alianza de una gran banda y el órgano no es única: Jimmy Smith, Richard "Groove" Holmes y Joey DeFrancesco son maestros de órgano que han estado allí y lo han hecho; incluso el gran Oscar Peterson una vez sumergió los dedos de sus pies en esa agua. Dicho esto, el organista Radam Schwartz y su poderoso conjunto con base en Nueva Jersey hacen el concepto orgulloso en Message from Groove y GW, quemando en todos los cilindros y balanceándose tan duro y tan a menudo como cualquier banda tiene licencia para hacerlo. Alerta de spoiler: si te gustan las baladas y la música más plácida que potente, quizá quieras dar el visto bueno a, digamos, el Modern Jazz Quartet.

Si, por el contrario, el swing y el blues están en tu terreno, has llegado al lugar adecuado. Schwartz y su equipo tienen el género bajo control, llorando con abandono mientras están firmemente anclados por Schwartz y el baterista David F. Gibson, que es tan importante para la empresa que su nombre aparece debajo del de Schwartz en la portada del álbum. Quizás el ingrediente más cercano a una "balada" en el menú es el suave "Between the Sheets" de los hermanos Isley, e incluso allí el trasfondo rítmico es fuerte. La "Canción de trabajo" de Charles Mingus, que no debe confundirse con el clásico de Nat Adderley de ese nombre, sigue un ritmo similar, de nuevo con el viril apoyo de Schwartz y Gibson para puntuar los persuasivos solos del trompetista Benjamin Hankle, el trombonista Andrae Murchison, el alto Anthony Ware y el propio Schwartz. Y qué mejor manera de cerrar un álbum de swing y blues de banda grande basado en el órgano que con un tema de Johann Sebastian Bach, cuyo "Von Gott" ha sido actualizado por Schwartz.

Un coro de grupo introduce el bien unido tema de apertura, "Trouble Just Won't Go Away", el primero de los tres tentadores originales de Schwartz (los otros son "Dig You Like Crazy" y "Message from Groove and GW", un saludo profundamente canalizado a Groove Holmes y Gerald Wilson). Completan el programa el "Blues Minor" de John Coltrane, el éxito de Aretha Franklin "Ain't No Way", el sabroso "Path to Understanding" del trombonista Peter Lind y por último, pero no menos importante, el enfático "What to Do" del saxofonista tenor Abel Mireles. Mireles, que hace un solo allí y en "Blues Minor", es la mano derecha de Schwartz, y en un comunicado de prensa que acompaña al álbum incluso se refiere al conjunto como la Jazz Exchange Big Band, codirigida por Schwartz y Mireles. Sea como fuere, esta banda con cualquier otro nombre seguramente se moverá tan duro, que es todo lo que importa.

Además de los ya mencionados, hay impresionantes solos de Lind, los trompetistas Lee Hogans y Ben Chubb, el tenor Gene Ghee, el barítono Ben Kovacs y el guitarrista Charlie Sigler, realzados por el soplido fluido de la banda como unidad. Si no significa nada si no tiene ese swing, la Radam Schwartz Organ Big Band no necesita retórica para subrayar su propósito.
Por JACK BOWERS
25 de septiembre de 2020
https://www.allaboutjazz.com/message-from-groove-and-gw-the-radam-schwartz-organ-big-band-arabesque-jazz

radamschwartz.com ...  

 

Kenny Burrell with Art Blakey • On View At The Five Spot Cafe

Review :

Kenny Burrell and Art Blakey played together infrequently during their careers, so this meeting of jazz minds is a welcome occasion. On View is a rather short set issued from club dates at the Five Spot Cafe in New York City. No matter the configuration, this is come-what-may jazz that has no pressurized content, and a relaxed atmosphere allowing the music to organically breathe and come alive naturally. This feeling comes to the fore right away on Dizzy Gillespie's "Birk's Works," a rather polite version as Burrell tosses out his discriminating versions of the melody. Incorrectly identified as "Lady Be Good," this is actually an adaptation reworked by Thelonious Monk titled "Hackensack." It's a fast jam kicked off by a signature Blakey solo, where the band flies by the seat of their pants, and good feelings are fostered through the simple and solid tenor work of Tina Brooks. Though not penned by Duke Ellington, the elegance he displayed and Burrell revered is quite evident during the ballad "Lover Man." Randy Weston's "Beef Stew Blues," Ray Brown's obscure "Swingin'," and the classic Tadd Dameron ballad "If You Could See Me Now" further illuminate how good this group could have been had they turned into a working unit. As the dawn of the '60s saw new breed jazz fomenting, Burrell, Blakey, and company proved you could still swing and remain melodic while creating new sonic vistas.

by Michael G. Nastos

https://www.allmusic.com/album/on-view-at-the-five-spot-cafe-mw0000191601

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Reseña:

Kenny Burrell y Art Blakey tocaron juntos con poca frecuencia durante sus carreras, así que este encuentro de mentes de jazz es una ocasión bienvenida. On View es un conjunto bastante corto de fechas de clubes en el Five Spot Cafe en la ciudad de Nueva York. No importa la configuración, este es un jazz "come-what-may" que no tiene un contenido presurizado, y una atmósfera relajada que permite que la música respire orgánicamente y cobre vida de forma natural. Este sentimiento se hace notar de inmediato en "Birk's Works" de Dizzy Gillespie, una versión bastante educada mientras Burrell lanza sus versiones discriminatorias de la melodía. Incorrectamente identificada como "Lady Be Good", es en realidad una adaptación reelaborada por Thelonious Monk titulada "Hackensack". Es una rápida improvisación iniciada por un solo de Blakey, donde la banda vuela por el asiento de sus pantalones, y los buenos sentimientos se fomentan a través de la simple y sólida obra de tenor de Tina Brooks. Aunque no fue escrita por Duke Ellington, la elegancia que mostró y que Burrell veneró es evidente en la balada "Lover Man". "Beef Stew Blues" de Randy Weston, el oscuro "Swingin'" de Ray Brown y la clásica balada de Tadd Dameron "If You Could See Me Now" iluminan aún más lo bueno que este grupo podría haber sido si se hubieran convertido en una unidad de trabajo. En los albores de los años 60, cuando se fomentaba el jazz de nueva generación, Burrell, Blakey y compañía demostraron que aún se podía hacer swing y seguir siendo melódico mientras se creaban nuevas vistas sónicas.

por Michael G. Nastos

https://www.allmusic.com/album/on-view-at-the-five-spot-cafe-mw0000191601

 

Don Patterson with Sonny Stitt & Booker Ervin • Patterson's People

Biograph:

Inspired to switch from piano to organ by Jimmy Smith, Don Patterson was one of the Hammond B-3's most bop-rooted players, able to play bluesy soul-jazz grooves or break out of the pocket for some nimble, sharply defined solo lines. Though he led numerous recording dates for Prestige and later Muse, he was best-known as Sonny Stitt's favorite organist, proving eminently compatible with the Parker-influenced saxophonist. Patterson was born in Columbus, OH, on July 22, 1936, and began studying piano as a child. His first major influence was Erroll Garner, and some of that flavor remained in his playing even after he heard Jimmy Smith in 1956 and changed instruments. Patterson made his professional debut on the organ in 1959, and played with a number of groups before Stitt discovered him. The association helped make Patterson's name, and he began recording for Prestige in 1964, often with a trio featuring guitarist Pat Martino and drummer Billy James. Patterson also played with numerous other soul-jazz sax greats over the course of the '60s, before settling in Gary, IN, toward the end of the decade. Drug addiction curtailed his recording activities somewhat, as only a few sporadic sessions for Muse appeared during the '70s. He did revive his career somewhat after moving to Philadelphia, but his health worsened, forcing him to take dialysis frequently; he died on February 10, 1988.

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Biografía:

Inspirado por Jimmy Smith para pasar del piano al órgano, Don Patterson fue uno de los intérpretes más arraigados del Hammond B-3, capaz de tocar ritmos de soul-jazz o de salir del bolsillo para obtener líneas solistas ágiles y bien definidas. Aunque dirigió numerosas grabaciones para Prestige y más tarde para Muse, era más conocido como el organista favorito de Sonny Stitt, demostrando ser eminentemente compatible con el saxofonista influenciado por Parker. Patterson nació en Columbus, OH, el 22 de julio de 1936, y comenzó a estudiar piano de niño. Su primera gran influencia fue Erroll Garner, y parte de ese sabor permaneció en su forma de tocar incluso después de escuchar a Jimmy Smith en 1956 y cambiar de instrumento. Patterson debutó profesionalmente en el órgano en 1959, y tocó con varios grupos antes de que Stitt lo descubriera. La asociación ayudó a hacer el nombre de Patterson, y comenzó a grabar para Prestige en 1964, a menudo con un trío que incluía al guitarrista Pat Martino y al baterista Billy James. Patterson también tocó con muchos otros grandes del saxo soul-jazz durante los años 60, antes de establecerse en Gary, IN, hacia el final de la década. La adicción a las drogas redujo un poco sus actividades de grabación, ya que sólo unas pocas sesiones esporádicas de Muse aparecieron durante los 70. Revivió un poco su carrera después de mudarse a Filadelfia, pero su salud empeoró, forzándolo a tomar diálisis frecuentemente; murió el 10 de febrero de 1988.

 

Hampton Hawes • The Green Leaves of Summer

Pianist Hampton Hawes' first recording after serving five years in prison finds Hawes evolving a bit from a Bud Powell-influenced bop pianist to one familiar with more modern trends in jazz. Reissued on CD, this trio date finds Hawes interacting closely with bassist Monk Montgomery and drummer Steve Ellington (making his recording debut). Hawes had lost nothing of his swinging style while in prison, as can be heard on such numbers as "Vierd Blues," "St. Thomas" and "Secret Love," and he was just starting to hint at moving beyond bop. Recommended.

Scott Yanow, All Music Guide

http://www.allmusic.com/album/the-green-leaves-of-summer-r140365

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La primera grabación del pianista Hampton Hawes, después de cumplir cinco años en prisión, muestra que Hawes evoluciona un poco desde un pianista de influencia de Bud Powell a uno familiarizado con las tendencias más modernas del jazz. Reeditado en CD, este trío cita a Hawes interactuando estrechamente con el bajista Monk Montgomery y el baterista Steve Ellington (haciendo su debut en la grabación). Hawes no había perdido nada de su estilo de swing mientras estaba en prisión, como se puede escuchar en números como "Vierd Blues", "St. Thomas" y "Secret Love", y estaba empezando a insinuar que se iba más allá del bop. Recomendado.

Scott Yanow, toda la guía musical

http://www.allmusic.com/album/the-green-leaves-of-summer-r140365

 

Bobby Hutcherson • Natural Illusions

Review by Stephen Thomas Erlewine

Natural Illusions is one of the rare Bobby Hutcherson dates that finds the vibraphonist flirting with the mainstream and fusion. Hutcherson leads a band that features Ron Carter and George Duvivier alternating on bass, guitarist Gene Bertoncini, pianist Hank Jones, drummer Jack DeJohnette and harpist Gene Bianco. The group plays a selection of standards ("The Folks Who Live on the Hill," "Sophisticated Lady," "Lush Life"), contemporary hits ("The Thrill is Gone"), and new jazz songs, giving them all a smooth, lush treatment. There's little of the unpredictable phrasing and modal harmonies that distinguished Hutcherson's albums, and the music often sounds conventional, making it one of the lesser efforts in his catalog.

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine

Ilusiones Naturales es una de las raras citas de Bobby Hutcherson que encuentra al vibrafonista coqueteando con la corriente principal y la fusión. Hutcherson lidera una banda que cuenta con Ron Carter y George Duvivier alternando en el bajo, el guitarrista Gene Bertoncini, el pianista Hank Jones, el baterista Jack DeJohnette y el arpista Gene Bianco. El grupo toca una selección de estándares ("The Folks Who Live on the Hill", "Sophisticated Lady", "Lush Life"), éxitos contemporáneos ("The Thrill is Gone"), y nuevas canciones de jazz, dándoles a todos un tratamiento suave y exuberante. Hay poco de las impredecibles armonías de fraseo y modales que distinguieron a los álbumes de Hutcherson, y la música a menudo suena convencional, por lo que es uno de los esfuerzos menores de su catálogo.

Barney Kessel • Breakfast at Tiffany's

Biography

One of the finest guitarists to emerge after the death of Charlie Christian, Barney Kessel was a reliable bop soloist throughout his career. He played with a big band fronted by Chico Marx (1943), was fortunate enough to appear in the classic jazz short Jammin' the Blues (1944), and then worked with the big bands of Charlie Barnet (1944-1945) and Artie Shaw (1945); he also recorded with Shaw's Gramercy Five. Kessel became a busy studio musician in Los Angeles, but was always in demand for jazz records. He toured with the Oscar Peterson Trio for one year (1952-1953) and then, starting in 1953, led an impressive series of records for Contemporary that lasted until 1961 (including several with Ray Brown and Shelly Manne in a trio accurately called the Poll Winners). After touring Europe with George Wein's Newport All-Stars (1968), Kessel lived in London for a time (1969-1970). In 1973, he began touring and recording with the Great Guitars, a group also including Herb Ellis and Charlie Byrd. A serious stroke in 1992 put Barney Kessel permanently out of action, but many of his records (which include dates for Onyx, Black Lion, Sonet, and Concord, in addition to many of the Contemporaries) are available, along with several video collections put out by Vestapol. Kessel was diagnosed with inoperable cancer in 2001, which eventually took his life in May of 2004. He was 80 years old. ~ Scott Yanow

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Biografía

Uno de los mejores guitarristas que surgieron después de la muerte de Charlie Christian, Barney Kessel fue un solista de bop fiable durante toda su carrera. Tocó con una gran banda liderada por Chico Marx (1943), tuvo la suerte de aparecer en el corto clásico de jazz Jammin' the Blues (1944), y luego trabajó con las grandes bandas de Charlie Barnet (1944-1945) y Artie Shaw (1945); también grabó con Shaw's Gramercy Five. Kessel se convirtió en un músico de estudio muy ocupado en Los Ángeles, pero siempre tuvo demanda de discos de jazz. Realizó una gira con el Oscar Peterson Trio durante un año (1952-1953) y luego, a partir de 1953, dirigió una impresionante serie de discos para Contemporary que duró hasta 1961 (incluidos varios con Ray Brown y Shelly Manne en un trío llamado precisamente los Poll Winners). Después de recorrer Europa con el Newport All-Stars de George Wein (1968), Kessel vivió en Londres durante un tiempo (1969-1970). En 1973, comenzó a hacer giras y grabaciones con los Great Guitars, un grupo que también incluía a Herb Ellis y Charlie Byrd. Un grave derrame cerebral en 1992 dejó a Barney Kessel permanentemente fuera de combate, pero muchos de sus discos (que incluyen fechas de Onyx, Black Lion, Sonet y Concord, además de muchos de los Contemporáneos) están disponibles, junto con varias colecciones de vídeo publicadas por Vestapol. A Kessel se le diagnosticó un cáncer inoperable en 2001, que finalmente le quitó la vida en mayo de 2004. Tenía 80 años de edad. ~ Scott Yanow

Herbie Hancock • The Essential

 

Biography by Richard S. Ginell
Herbie Hancock will always be one of the most revered and controversial figures in jazz, just as his employer/mentor Miles Davis was when he was alive. Unlike Miles, who pressed ahead relentlessly and never looked back until near the very end, Hancock has cut a zigzagging forward path, shuttling between almost every development in electronic and acoustic jazz and R&B over the last third of the 20th century and into the 21st. Though grounded in Bill Evans and able to absorb blues, funk, gospel, and even modern classical influences, Hancock's piano and keyboard voices are entirely his own, with their own urbane harmonic and complex, earthy rhythmic signatures -- and young pianists cop his licks constantly. Having studied engineering and professing to love gadgets and buttons, Hancock was perfectly suited for the electronic age; he was one of the earliest champions of the Rhodes electric piano and Hohner clavinet, and would field an ever-growing collection of synthesizers and computers on his electric dates. Yet his love for the grand piano never waned, and despite his peripatetic activities all over the musical map, his piano style continued to evolve into tougher, ever more complex forms. He is as much at home trading riffs with a smoking funk band as he is communing with a world-class post-bop rhythm section -- and that drives purists on both sides of the fence up the wall.

Having taken up the piano at age seven, Hancock quickly became known as a prodigy, soloing in the first movement of a Mozart piano concerto with the Chicago Symphony at the age of 11. After studies at Grinnell College, Hancock was invited by Donald Byrd in 1961 to join his group in New York City, and before long, Blue Note offered him a solo contract. His debut album, Takin' Off, took off after Mongo Santamaria covered one of the album's songs, "Watermelon Man." In May 1963, Miles Davis asked him to join his band in time for the Seven Steps to Heaven sessions, and he remained with him for five years, greatly influencing Davis' evolving direction, loosening up his own style, and, upon Davis' suggestion, converting to the Rhodes electric piano. During that time, Hancock's solo career blossomed on Blue Note, as he poured forth increasingly sophisticated compositions like "Maiden Voyage," "Cantaloupe Island," "Goodbye to Childhood," and the exquisite "Speak Like a Child." He also played on many East Coast recording sessions for producer Creed Taylor and provided a groundbreaking score to Michelangelo Antonioni's film Blow-Up, which gradually led to further movie assignments.

Having left the Davis band in 1968, Hancock recorded an elegant funk album, Fat Albert Rotunda, and in 1969 formed a sextet that evolved into one of the most exciting, forward-looking jazz-rock groups of the era. By then deeply immersed in electronics, Hancock added Patrick Gleeson's synthesizer to his Echoplexed, fuzz-wah-pedaled electric piano and clavinet, and the recordings became spacier and more complex rhythmically and structurally, creating their own corner of the avant-garde. By 1970, all of the musicians used both English and African names (Herbie's was Mwandishi). Alas, Hancock had to break up the band in 1973 when it ran out of money, and having studied Buddhism, he concluded that his ultimate goal should be to make his audiences happy.

The next step, then, was a terrific funk group whose first album, Head Hunters, with its Sly Stone-influenced hit single, "Chameleon," became the biggest-selling jazz LP up to that time. Handling all of the synthesizers himself, Hancock's heavily rhythmic comping often became part of the rhythm section, leavened by interludes of the old urbane harmonies. Hancock recorded several electric albums of mostly superior quality in the '70s, followed by a turn into disco around the decade's end. In the meantime, Hancock refused to abandon acoustic jazz. After a one-shot reunion of the 1965 Miles Davis Quintet (Hancock, Ron Carter, Tony Williams, Wayne Shorter, and Freddie Hubbard sitting in for Miles) at New York's 1976 Newport Jazz Festival, they went on tour the following year as V.S.O.P. The near-universal acclaim of the reunions proved that Hancock was still a whale of a pianist; that Miles' loose mid-'60s post-bop direction was far from spent; and that the time for a neo-traditional revival was near, finally bearing fruit in the '80s with Wynton Marsalis and his ilk. V.S.O.P. continued to hold sporadic reunions through 1992, though the death of the indispensable Williams in 1997 cast much doubt as to whether these gatherings would continue.

Hancock continued his chameleonic ways in the '80s: scoring an MTV hit in 1983 with the scratch-driven, electro-influenced single "Rockit" (accompanied by a striking video); launching an exciting partnership with Gambian kora virtuoso Foday Musa Suso that culminated in the swinging 1986 live album Jazz Africa; doing film scores, and playing festivals and tours with the Marsalis brothers, George Benson, Michael Brecker, and many others. After his 1988 techno-pop album, Perfect Machine, Hancock left Columbia (his label since 1973), signed a contract with Qwest that came to virtually nothing (save for A Tribute to Miles in 1992), and finally made a deal with Polygram in 1994 to record jazz for Verve and release pop albums on Mercury.

Well into a youthful middle age, Hancock's curiosity, versatility, and capacity for growth showed no signs of fading, and in 1998 he issued Gershwin's World. His curiosity with the fusion of electronic music and jazz continued with 2001's Future 2 Future, but he also continued to explore the future of straight-ahead contemporary jazz with 2005's Possibilities. An intriguing album of jazz treatments of Joni Mitchell compositions called River: The Joni Letters was released in 2007 and won a Grammy for Album of the Year in 2008. Two years later, Hancock released his The Imagine Project album, recorded in seven countries with a host of collaborators including Dave Matthews, Juanes, and Wayne Shorter. He was also named Creative Chair for the New Los Angeles Philharmonic. In 2013, he was the recipient of a Kennedy Center Honors award, acknowledged for his contribution to American performing arts. An expanded tenth anniversary edition of River: The Joni Letters was released in 2017, and he continues to perform regularly.
https://www.allmusic.com/artist/herbie-hancock-mn0000957296#biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Herbie Hancock siempre será una de las figuras más veneradas y controvertidas del jazz, tal como lo fue su empleador/mentor Miles Davis cuando estaba vivo. A diferencia de Miles, que siguió adelante sin descanso y nunca miró hacia atrás hasta casi el final, Hancock ha abierto un camino zigzagueante hacia adelante, viajando entre casi todos los desarrollos en jazz electrónico y acústico y R&B durante el último tercio del siglo XX y hasta el XXI. Aunque basado en Bill Evans y capaz de absorber blues, funk, gospel e incluso influencias clásicas modernas, las voces de piano y teclado de Hancock son completamente suyas, con sus propias armónicas urbanas y complejas, firmas rítmicas terrenales constantly y los jóvenes pianistas copean sus lamidas constantemente. Habiendo estudiado ingeniería y profesando amar los artilugios y los botones, Hancock se adaptaba perfectamente a la era electrónica; fue uno de los primeros campeones del piano eléctrico Rhodes y el clavinete Hohner, y presentaría una colección cada vez mayor de sintetizadores y computadoras en sus citas eléctricas. Sin embargo, su amor por el piano de cola nunca disminuyó y, a pesar de sus actividades itinerantes por todo el mapa musical, su estilo pianístico continuó evolucionando hacia formas más duras y complejas. Se siente tan cómodo intercambiando riffs con una banda de funk humeante como comunicándose con una sección rítmica post-bop de clase mundial, y eso impulsa a los puristas a ambos lados de la valla por la pared.

Habiendo comenzado a tocar el piano a los siete años, Hancock rápidamente se hizo conocido como un prodigio, tocando el primer movimiento de un concierto para piano de Mozart con la Sinfónica de Chicago a los 11 años. Después de estudiar en el Grinnell College, Donald Byrd invitó a Hancock en 1961 a unirse a su grupo en la ciudad de Nueva York y, en poco tiempo, Blue Note le ofreció un contrato en solitario. Su álbum debut, Takin ' Off, despegó después de que Mongo Santamaría hiciera una versión de una de las canciones del álbum, "Watermelon Man."En mayo de 1963, Miles Davis le pidió que se uniera a su banda a tiempo para las sesiones de Seven Steps to Heaven, y permaneció con él durante cinco años, influyendo enormemente en la dirección evolutiva de Davis, aflojando su propio estilo y, por sugerencia de Davis, convirtiéndose al piano eléctrico Rhodes. Durante ese tiempo, la carrera en solitario de Hancock floreció con una nota Azul, ya que vertió composiciones cada vez más sofisticadas como "Maiden Voyage", "Cantaloupe Island", "Goodbye to Childhood" y la exquisita "Speak Like a Child"."También tocó en muchas sesiones de grabación de la Costa Este para el productor Creed Taylor y proporcionó una partitura innovadora para la película Blow-Up de Michelangelo Antonioni, que gradualmente condujo a nuevas asignaciones cinematográficas.

Habiendo dejado la Davis Band en 1968, Hancock grabó un elegante álbum de funk, Fat Albert Rotunda, y en 1969 formó un sexteto que se convirtió en uno de los grupos de jazz-rock más emocionantes y progresistas de la época. Para entonces, profundamente inmerso en la electrónica, Hancock agregó el sintetizador de Patrick Gleeson a su piano y clavinete eléctricos ecoplexados y de pedal fuzz-wah, y las grabaciones se volvieron más espaciosas y complejas rítmica y estructuralmente, creando su propio rincón de la vanguardia. Para 1970, todos los músicos usaban nombres ingleses y africanos(el de Herbie era Mwandishi). Lamentablemente, Hancock tuvo que disolver la banda en 1973 cuando se quedó sin dinero, y habiendo estudiado budismo, concluyó que su objetivo final debería ser hacer feliz a su público.

El siguiente paso, entonces, fue un excelente grupo de funk cuyo primer álbum, Head Hunters, con su sencillo influenciado por Sly Stone, "Chameleon", se convirtió en el LP de jazz más vendido hasta ese momento. Manejando él mismo todos los sintetizadores, la composición fuertemente rítmica de Hancock a menudo se convertía en parte de la sección rítmica, fermentada por interludios de las viejas armonías urbanas. Hancock grabó varios álbumes eléctricos de calidad superior en su mayoría en los años 70, seguidos de un giro hacia la música disco a fines de la década. Mientras tanto, Hancock se negó a abandonar el jazz acústico. Después de una reunión única del Quinteto de Miles Davis de 1965 (Hancock, Ron Carter, Tony Williams, Wayne Shorter y Freddie Hubbard acompañando a Miles) en el Festival de Jazz de Newport de Nueva York de 1976, se fueron de gira al año siguiente como V. S. O. P. La aclamación casi universal de las reuniones demostró que Hancock todavía era un gran pianista; que la dirección relajada posterior a la bop de mediados de los 60 de Miles estaba lejos de agotarse; y que el tiempo para un renacimiento neotradicional estaba llegando a su fin.near, finalmente dando frutos en los años 80 con Wynton Marsalis y los de su clase. V. S. O. P. continuó celebrando reuniones esporádicas hasta 1992, aunque la muerte de la indispensable Williams en 1997 arrojó muchas dudas sobre si estas reuniones continuarían.

Hancock continuó con sus caminos camaleónicos en los años 80: obtuvo un éxito en MTV en 1983 con el sencillo "Rockit", impulsado por scratch e influenciado por la electrónica (acompañado de un sorprendente video); lanzó una emocionante asociación con el virtuoso de la kora gambiana Foday Musa Suso que culminó en el álbum en vivo Jazz Africa de 1986; haciendo bandas sonoras de películas y tocando en festivales y giras con los hermanos Marsalis, George Benson, Michael Brecker y muchos otros. Después de su álbum tecno-pop de 1988, Perfect Machine, Hancock dejó Columbia (su sello desde 1973), firmó un contrato con Qwest que quedó prácticamente en nada (salvo por un tributo a Miles en 1992) y finalmente llegó a un acuerdo con Polygram en 1994 para grabar jazz para Verve y lanzar álbumes de pop en Mercury.

Hasta bien entrada la mediana edad juvenil, la curiosidad, versatilidad y capacidad de crecimiento de Hancock no mostraron signos de desvanecerse, y en 1998 publicó Gershwin's World. Su curiosidad por la fusión de música electrónica y jazz continuó con Future 2 Future de 2001, pero también continuó explorando el futuro del jazz contemporáneo directo con Possibilities de 2005. Un álbum intrigante de tratamientos de jazz de las composiciones de Joni Mitchell llamado River: The Joni Letters fue lanzado en 2007 y ganó un Grammy por Álbum del Año en 2008. Dos años más tarde, Hancock lanzó su álbum The Imagine Project, grabado en siete países con una gran cantidad de colaboradores, incluidos Dave Matthews, Juanes y Wayne Shorter. También fue nombrado Presidente Creativo de la Nueva Filarmónica de Los Ángeles. En 2013, recibió un premio Kennedy Center Honors, reconocido por su contribución a las artes escénicas estadounidenses. Una edición ampliada del décimo aniversario de River: The Joni Letters se lanzó en 2017, y continúa actuando con regularidad.
https://www.allmusic.com/artist/herbie-hancock-mn0000957296#biography

 

www.herbiehancock.com ...

Jo Jones • Our Man, Papa Jo!

 

Biography by Scott Yanow
Jo Jones shifted the timekeeping role of the drums from the bass drum to the hi-hat cymbal, greatly influencing all swing and bop drummers. Buddy Rich and Louie Bellson were just two musicians who learned from his light but forceful playing, as Jones swung the Count Basie Orchestra with just the right accents and sounds. After growing up in Alabama, Jones worked as a drummer and tap dancer with carnival shows. He joined Walter Page's Blue Devils in Oklahoma City in the late '20s. After a period with Lloyd Hunter's band in Nebraska, Jones moved to Kansas City in 1933, joining Count Basie's band the following year. He went with Basie to New York in 1936 and with Basie, Freddie Green, and Walter Page, he formed one of the great rhythm sections. Jones was with the Basie band (other than 1944-1946 when he was in the military) until 1948, and in later years, he participated in many reunions with Basie alumni. He was on some Jazz at the Philharmonic tours and recorded in the '50s with Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum, and Duke Ellington, among others; Jones appeared at the 1957 Newport Jazz Festival with both Basie and the Coleman Hawkins-Roy Eldridge Sextet. He led sessions for Vanguard (1955 and 1959) and Everest (1959-1960), a date for Jazz Odyssey on which he reminisced and played drum solos (1970), and mid-'70s sessions for Pablo and Denon. In later years he was known as "Papa" Jo Jones, and thought of as a wise if brutally frank elder statesman.
https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography

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Biografía de Scott Yanow
Jo Jones cambió el papel de cronometraje de la batería del bombo al platillo charles, influyendo enormemente en todos los bateristas de swing y bop. Buddy Rich y Louie Bellson fueron sólo dos músicos que aprendieron de su interpretación ligera pero contundente, mientras Jones hacía girar a la Count Basie Orchestra con los acentos y sonidos adecuados. Después de crecer en Alabama, Jones trabajó como baterista y bailarín de claqué en espectáculos de carnaval. Se unió a los Blue Devils de Walter Page en Oklahoma City a finales de los años 20. Después de un período con la banda de Lloyd Hunter en Nebraska, Jones se mudó a Kansas City en 1933 y se unió a la banda de Count Basie al año siguiente. Se fue con Basie a Nueva York en 1936 y con Basie, Freddie Green y Walter Page formó una de las grandes secciones rítmicas. Jones estuvo con la banda de Basie (aparte de 1944-1946 cuando estaba en el ejército) hasta 1948, y en años posteriores participó en muchas reuniones con ex alumnos de Basie. Estuvo en algunas giras de Jazz at the Philharmonic y grabó en los años 50 con Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum y Duke Ellington, entre otros; Jones apareció en el Festival de Jazz de Newport de 1957 con Basie y el Sexteto Coleman Hawkins-Roy Eldridge. Dirigió sesiones para Vanguard (1955 y 1959) y Everest (1959-1960), fecha de Jazz Odyssey en la que rememoró y tocó solos de batería (1970), y sesiones de mediados de los 70 para Pablo y Denon. En años posteriores fue conocido como "Papá" Jo Jones, y se le consideraba un anciano estadista sabio aunque brutalmente franco.
https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography

Buddy DeFranco • Bravura

Buddy DeFranco has the unprecedented distinction of winning twenty Downbeat Magazine Awards, nine Metronome Magazine Awards, and sixteen Playboy All-Stars Awards as the number one jazz clarinetist in the world.

Buddy is generally credited with leading the way for jazz clarinetists from the exciting era of swing to the exhilarating age of bop. Along the way he has set the example for all jazz musicians for technical brilliance. Improvisational virtuosity and creative warmth. He is one of the most imaginative clarinetists playing today.

Born in Camden, New Jersey, Buddy was raised in South Philadelphia and began playing the clarinet at age nine. By age fourteen he had won a national Tommy Dorsey Swing contest, and appeared on the Saturday Night Swing Club, sharing the spotlight with Gene Krupa. He was soon discovered by Johnny “Scat” Davis and began his road career with him in 1939. He joined Gene Krupa in 1941, Ted FioRito and Charlie Barnet 1942-43, Tommy Dorsey 1944-45, Boyd Raeburn 1946, Tommy Dorsey again in 1947-48. In 1950 he joined the famous Count Basie Septet. Buddy was appointed leader of the Glenn Miller Orchestra 1966-1974. Since then he has resumed his jazz career and has done countless clinics: Tri-State Festival, Stan Kenton Clinics, North Texas State Teachers College, Clinician and Soloist with the N.O.R.A.D. Band and Air Men of Note. Buddy has brought his clarinet and jazz groups to many famous clubs. His concert appearances include Norman Granz's Jazz at the Philharmonic, Carnegie Hall, Hollywood Bowl, Ravinia Park with Tony Bennett, Sahara Hotel in Las Vegas, Kool Jazz Festival, Aurex Jazz Festival in Japan, Bern Festival in Switzerland, Radio Cologne with Bill Holman and the Radio Cologne Orchestra, Dutch Radio with Rob Pronk & Metropole Orchestra, European Tours, the Far East, Australia, New Zealand, Hawaii, South Africa, and Argentina ... wherever good jazz is played!

He has made both concert and recording appearances with such stars as Art Tatum, Tal Farlow, Billie Holiday, Nat King Cole, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Lenny Tristano, Nelson Riddle, Billy Eckstine, Barney Kessel, Herb Ellis, Art Blakey, Mel Torme, Louis Bellson, Terry Gibbs, Oscar Peterson, as well as several Metronome All Star Sessions. He has appeared on the Steve Allen Show, the Jerry Lewis Telethon, the Pat Sajak Show, and Johnny Carson's Tonight Show. He was the featured soloist on the Stars of Jazz T.V. Show, had his own T.V. show, “The Buddy DeFranco Jazz Forum” for Public Television, and he and Terry Gibbs shared the spotlight on a segment of the P.B.S. series “Club Date”.

https://musicians.allaboutjazz.com/buddydefranco

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Buddy DeFranco tiene la distinción sin precedentes de haber ganado veinte premios de la revista Downbeat, nueve premios de la revista Metronome y dieciséis premios Playboy All-Stars como el clarinetista de jazz número uno del mundo.

A Buddy se le atribuye generalmente el liderato de los clarinetistas de jazz desde la emocionante era del swing hasta la estimulante era del bop. A lo largo del camino ha dado el ejemplo a todos los músicos de jazz por su brillantez técnica. Virtuosidad de la improvisación y calidez creativa. Es uno de los clarinetistas más imaginativos que tocan hoy en día.

Nacido en Camden, Nueva Jersey, Buddy se crió en el sur de Filadelfia y empezó a tocar el clarinete a los nueve años. A los catorce años ganó un concurso nacional de Tommy Dorsey Swing, y apareció en el Saturday Night Swing Club, compartiendo el escenario con Gene Krupa. Pronto fue descubierto por Johnny "Scat" Davis y comenzó su carrera en la carretera con él en 1939. Se unió a Gene Krupa en 1941, Ted FioRito y Charlie Barnet 1942-43, Tommy Dorsey 1944-45, Boyd Raeburn 1946, Tommy Dorsey de nuevo en 1947-48. En 1950 se unió al famoso Count Basie Septet. Buddy fue nombrado líder de la Orquesta de Glenn Miller 1966-1974. Desde entonces ha reanudado su carrera de jazz y ha hecho innumerables clínicas: Festival Tri-State, Clínicas Stan Kenton, Colegio de Maestros del Norte de Texas, Clínico y Solista de la Banda N.O.R.A.D. y Air Men of Note. Buddy ha llevado sus grupos de clarinete y jazz a muchos clubes famosos. Sus conciertos incluyen el Jazz de Norman Granz en la Filarmónica, el Carnegie Hall, el Hollywood Bowl, el Ravinia Park con Tony Bennett, el Sahara Hotel en Las Vegas, el Kool Jazz Festival, el Aurex Jazz Festival en Japón, el Festival de Berna en Suiza, la Radio Colonia con Bill Holman y la Orquesta de la Radio Colonia, la Radio Holandesa con Rob Pronk y la Orquesta Metropole, las giras europeas, el Lejano Oriente, Australia, Nueva Zelanda, Hawai, Sudáfrica y Argentina... ¡dondequiera que se toque buen jazz!

Ha hecho apariciones tanto en conciertos como en grabaciones con estrellas como Art Tatum, Tal Farlow, Billie Holiday, Nat King Cole, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Stan Getz, Lenny Tristano, Nelson Riddle, Billy Eckstine, Barney Kessel, Herb Ellis, Art Blakey, Mel Torme, Louis Bellson, Terry Gibbs, Oscar Peterson, así como varias sesiones de Metronome All Stars. Ha aparecido en el Show de Steve Allen, el Teletón de Jerry Lewis, el Show de Pat Sajak, y el Tonight Show de Johnny Carson. Fue el solista del Stars of Jazz T.V. Show, tuvo su propio programa, "The Buddy DeFranco Jazz Forum" para la televisión pública, y él y Terry Gibbs compartieron la atención en un segmento de la serie de P.B.S. "Club Date".

https://musicians.allaboutjazz.com/buddydefranco

 

Terry Gibbs • Findin' The Groove

Recording prolifically in the first years of the 21st century, the octogenarian Terry Gibbs still delivers the fastest vibes in the West on this aptly named 2006 release Findin' the Groove. No tributes or concepts based on the past this time -- just straight-ahead, likeable, hard swinging workouts from a sextet that features the great flutist Hubert Laws on its front line. Gibbs and Laws had only played together once before -- when Laws sat in on piccolo unexpectedly on a Gibbs gig at Steamers in Fullerton, CA not long before this session. Yet they make a very graceful pair, their sound dancing with feather-light agility over the rhythm section, giving this ad hoc yet tight little band a special sound all its own. Laws isn't as visible on the recording scene these days as he once was -- and from hearing his sterling, swinging style and huge, golden tone on this date, you can't figure out why this should be so. Another big factor in this session's lightly shaded color scheme is Terry's drummer, son Gerry Gibbs, who propels the selections with the relentless yet never overbearing energy of his father. Terry wrote about half of the material, all of it appealing, including some journeys into samba "Samba Wazoo" and wistful bossa nova ("The House That Might Have Been, " with vocals by Joan Carroll). Amidst all of the up-tempo swingers, "Teach Me Tonight" is a relaxed breather in context, though these thoroughbreds seem reined in, just dying to gallop again. Alas, Jimmy Giuffre's irresistible "Four Brothers" doesn't really hit its stride until the solos kick in; the famous theme sounds uncharacteristically labored (yes, it's difficult). Mostly, though, a splendid session. ~ Richard S. Ginell 
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
  
 Published: October 2, 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, who has been Findin' the Groove for more than sixty years and continues to home in on it at the post-retirement age of 81 (82 on October 13), shares the front line with master flutist Hubert Laws on his latest album, which, in typical Gibbs fashion, swings relentlessly in a bop-centered groove from first note to last.
The vibes/flute tandem proves remarkably successful, especially when supported by a savvy rhythm section anchored by Terry's son, Gerry, at the drum kit and including guitarist Dan Faehnle, pianist Tom Ranier and bassist Hamilton Price from Gerry's Thrasher Big Band. Faehnle and Ranier are resourceful improvisers who keep Terry and Hubert on their toes and wailing, while Gerry takes a star turn on Terry's "Dance with the Brushes, patterned after Neal Hefti's "Cute. Terry wrote half a dozen other tunes to complement the standards "But Not for Me and "Teach Me Tonight, Bernie Miller's "Bernie's Tune, Benny Golson's "Killer Joe, Jimmy Giuffre's "Four Brothers and Denzil Best's "Wee. Terry arranged everything, and there's not a turkey in the barnyard.

Joan Carroll, definitely someone to keep an eye on, sings marvelously on the Gershwins' "But Not for Me and Terry's bossa "The House That Might Have Been (lyric by Arthur Hamilton), even though "But Not for Me, written as a lament to love that can never be, is cast as an up-tempo romp whose inherent sadness has been supplanted by pure elation. Even so, Carroll manages to make the change of pace seem convincing.

Laws, who has strayed in recent years from the straight-ahead path, sounds as though he'd never been away, matching Terry stride for stride in a series of electrifying ad-libs that reaches its zenith on the mercurial "Wee. To be honest, these old pros are untroubled at any tempo, as one recognizes throughout this relaxed yet cohesive studio date. Above all, they are having fun together, a vibe (pardon the pun) that the listener can instantly sense and appreciate.

Terry Gibbs and his mates have clearly found a groove, one that should please almost anyone who enjoys swinging, straight-from-the-hip jazz. Excellent sound and generous playing time help make the session even more enticing. Warmly recommended. ~ Jack Bowers, All About Jazz
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=23200#.UpURtk0we1s

 

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Grabando prolíficamente en los primeros años del siglo XXI, el octogenario Terry Gibbs sigue ofreciendo las vibraciones más rápidas de Occidente en esta publicación de 2006, acertadamente llamada Findin' the Groove. Esta vez no hay homenajes ni conceptos basados en el pasado, sino que se trata de un trabajo directo, simpático y con mucho swing de un sexteto que cuenta con el gran flautista Hubert Laws en primera línea. Gibbs y Laws sólo habían tocado juntos una vez antes - cuando Laws se sentó en el piccolo inesperadamente en un concierto de Gibbs en Steamers en Fullerton, CA no mucho antes de esta sesión. Sin embargo, forman una pareja muy elegante, su sonido baila con una agilidad de pluma sobre la sección rítmica, dando a esta pequeña banda ad hoc pero ajustada un sonido especial propio. Laws ya no es tan visible en la escena discográfica como lo fue en su día, y al escuchar su excelente estilo de swing y su enorme tono dorado en esta sesión, no se puede entender por qué. Otro factor importante en el esquema de color ligeramente matizado de esta sesión es el baterista de Terry, su hijo Gerry Gibbs, que impulsa las selecciones con la energía implacable pero nunca dominante de su padre. Terry escribió aproximadamente la mitad del material, todo él atractivo, incluyendo algunos viajes a la samba "Samba Wazoo" y a la melancólica bossa nova ("The House That Might Have Been", con voces de Joan Carroll). En medio de todos los ritmos de swing, "Teach Me Tonight" es un respiro relajado en el contexto, aunque estos purasangres parecen estar frenados, muriéndose de ganas de galopar de nuevo. Por desgracia, el irresistible "Four Brothers" de Jimmy Giuffre no llega a su punto álgido hasta que los solos entran en acción; el famoso tema suena inusualmente trabajado (sí, es difícil). Sin embargo, en general, es una sesión espléndida. ~ Richard S. Ginell
http://www.allmusic.com/album/findin-the-groove-mw0000547204
 
 Publicado: 2 de octubre de 2006 Terry Gibbs: Findin' the Groove Terry Gibbs, que lleva más de sesenta años encontrando el Groove y que sigue en ello a la edad de 81 años (82 el 13 de octubre), comparte la primera línea con el maestro de la flauta Hubert Laws en su último álbum, que, al estilo típico de Gibbs, se balancea implacablemente en un ritmo centrado en el bop desde la primera hasta la última nota.
El tándem de vibráfono y flauta resulta notablemente exitoso, especialmente cuando está apoyado por una inteligente sección rítmica anclada por el hijo de Terry, Gerry, en la batería y que incluye al guitarrista Dan Faehnle, al pianista Tom Ranier y al bajista Hamilton Price de la Thrasher Big Band de Gerry. Faehnle y Ranier son improvisadores ingeniosos que mantienen a Terry y Hubert en vilo, mientras que Gerry se convierte en la estrella de "Dance with the Brushes" de Terry, inspirada en "Cute" de Neal Hefti. Terry escribió otra media docena de temas para complementar los estándares "But Not for Me" y "Teach Me Tonight", "Bernie's Tune" de Bernie Miller, "Killer Joe" de Benny Golson, "Four Brothers" de Jimmy Giuffre y "Wee" de Denzil Best. Terry lo arregló todo, y no hay un pavo en el corral.

Joan Carroll, sin duda alguien a quien hay que seguir de cerca, canta maravillosamente en "But Not for Me" de los Gershwin y en la bossa "The House That Might Have Been" de Terry (letra de Arthur Hamilton), aunque "But Not for Me", escrita como un lamento al amor que nunca podrá ser, se convierte en un retozo a ritmo acelerado cuya tristeza inherente ha sido suplantada por pura euforia. Aun así, Carroll consigue que el cambio de ritmo resulte convincente.

Laws, que se ha desviado en los últimos años del camino recto, suena como si nunca se hubiera alejado, igualando a Terry zancada a zancada en una serie de electrizantes balbuceos que alcanzan su cenit en la mercurial "Wee". Para ser sinceros, estos viejos profesionales no tienen problemas con ningún tempo, como se reconoce a lo largo de esta relajada pero cohesionada cita de estudio. Por encima de todo, se divierten juntos, un ambiente (perdón por el juego de palabras) que el oyente puede percibir y apreciar al instante.

Terry Gibbs y sus compañeros han encontrado claramente un ritmo, que debería gustar a casi todos los que disfrutan del jazz con swing y directo a la cadera. El excelente sonido y el generoso tiempo de reproducción contribuyen a que la sesión sea aún más atractiva. Muy recomendable. ~ Jack Bowers, All About Jazz
http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=23200#.UpURtk0we1s

Charles Kynard ‎• Charles Kynard

Charles Elliot Kynard was born February 20, 1933. A native of  Kansas City, who lived and played in Kansas City, Missouri as a child, and an adult for over forty years. Considered a Hammond organ virtuoso and electric-bass player, Kynard is unquestionably the finest organist to have played in Kansas City, Missouri. Pat Metheney of Kansas City and national fame has said Charles Kynard was the best organ player he has ever played with. Foremost, Kynard holds a very special place in jazz history as he is always mentioned along with the giants of organ mastery that includes Jimmy Smith, Richard “Groove” Holmes, and Jimmy McGriff.

Kynard received his early his early education in the Kansas City, Kansas public Schools.  He received his undergraduate and graduate degrees from the University of Kansas  at Lawrence; Post graduate work at UCLA, University of  California at Long Beach; Avila University, Kansas City; the Ford Free University in Berlin, Germany; and the Hock-Schule for Music in Berlin, Germany.  Charles Kynard started studying and playing music at the tender age of nine then switching from piano to the organ. His Mother, and father, (B.C. Kynard) both were outstanding professional musicians.

An uncle, Ben Kynard, Kansas City’s own Mr. Red Top played with the Lionel Hampton Orchestra; and an aunt was a dean of Music at Hampton Institute.

In 1956-1957 he touched the world with the U.S. Army show. He also appeared on the famous Ed Sullivan show in 1956; and with the Kansas City Philharmonic Orchestra. During the early 1960’s Kynard often played as a guest organist at Municipal stadium at Kansas City Athletics baseball games. There he played the traditional baseball songs in the 7th inning stretch such as Take Me Out To The Ball Game, while also adding his flair for improvisation.

 In 1963, Kynard moved to Los Angeles, California and worked in studio orchestras for Columbia Pictures, and Warner Brothers Pictures.  He also worked with studio musicians in and around Hollywood.  He recorded on three labels, Prestige Records, under his own name with Pacific Jazz in the 1960’s, and Mainstream Records during 1971-74. It is, perhaps, the four records he did for Prestige between 1968 and 1970 that Kynard is best known for.  “Legends of Acid Jazz” which combines the last two of these, “Afro-Disiac” (1970) and “Wa-Tu-Wa-Zui” (1970). A brief discography includes: “Where it’s at“ (1963) “Professor Soul” (1968) “Soul Brotherhood “ (1969), “Reelin With The Feelin”(1969), “Charles Kynard” (1971), “Woga” (1972) “Your Mama Don’t Dance” (1973). In addition, Charles Kynard has accumulated numerous credits for his outstanding work throughout the years, and with many artists continuing today.

Kynard, despite the number of albums produced, actually  recorded infrequently choosing to appear nightly on the Los Angeles County and New York  night club scenes.

Kynard was also an educator who taught mentally challenged children of both the Kansas City, Missouri public school district and the Los Angeles County public school system. In his private studio, he would teach piano and organ to budding musicians of all ages. In addition to his love of several jazz genres that included soul, jazz, and acid jazz, Kynard equally loved and played Gospel music much in the tradition of Thomas Wright Waller (Fats Waller). To that end he served as organist at the First AME Church Los Angeles under the Reverend H. Hartford Brookins before he was selected to the bishopric. Charles Kynard later led First AME Church of Pasadena as its Minister of Music and served as organist for the Fifth District of the AME Church.

Kynard traveled and performed with Gladys Knight and the Pips, and Jimmy Witherspoon, in concerts in New York, California, Rhode Island, Massachusetts and other states. Charles had been performing with the popular stage drama, “Evolution of the Blues.” The good Lord called Charles E. Kynard home July 8, 1979 as he sat at the organ that day playing the music he loved so much.

Charles Kynard was married to the late Alice Kynard and have three children, the late Jeffrey Kynard, Kimberly Kynard of Los Angeles, and noted opera singer, Bradley Kynard of San Francisco.  Two brothers, Gary Kynard of Los Angeles, and Richard Kynard of New York. An uncle Ben Kynard, and an aunt Shiverla Jones of Kansas City, Missouri in addition to several cousins in California,  New York, Lee’s Sumit and Kansas City, Missouri.

Special thanks to cousin Brett Kynard for assembling this biography and working with theAmerican Jazz Museum in Kansas City with their tribute to Charles Kynard.

http://www.kynard.com/wp/?page_id=106

more Charles Kynard  ...   http://www.kynard.com/wp/?page_id=7

User Reviews allmusic.com ...  https://www.allmusic.com/album/woga-mw0000894844/user-reviews

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Charles Elliot Kynard nació el 20 de febrero de 1933. Nacido en Kansas City, vivió y jugó en Kansas City, Missouri de niño y adulto durante más de cuarenta años. Considerado un virtuoso del órgano de Hammond y un bajista eléctrico, Kynard es sin duda el mejor organista que haya tocado en Kansas City, Missouri. Pat Metheney de Kansas City y la fama nacional han dicho que Charles Kynard fue el mejor organista con el que ha jugado. En primer lugar, Kynard ocupa un lugar muy especial en la historia del jazz, ya que siempre se lo menciona junto con los gigantes del dominio de los órganos que incluyen a Jimmy Smith, Richard "Groove" Holmes y Jimmy McGriff.

Kynard recibió su educación temprana en las escuelas públicas de Kansas City, Kansas. Recibió sus títulos de pregrado y posgrado de la Universidad de Kansas en Lawrence; Trabajo de posgrado en UCLA, Universidad de California en Long Beach; Universidad de Ávila, Kansas City; la Universidad Libre de Ford en Berlín, Alemania; y el Hock-Schule para la música en Berlín, Alemania. Charles Kynard comenzó a estudiar y tocar música a la tierna edad de nueve años y luego pasó del piano al órgano. Su madre y su padre, (B.C. Kynard) eran excelentes músicos profesionales.

Un tío, Ben Kynard, el Sr. Red Top de Kansas City, tocó con la Lionel Hampton Orchestra; y una tía era decana de música en el Instituto Hampton.

En 1956-1957 tocó el mundo con el espectáculo del Ejército de los Estados Unidos. También apareció en el famoso show de Ed Sullivan en 1956; y con la Orquesta Filarmónica de Kansas City. Durante los primeros años de la década de 1960, Kynard jugaba a menudo como organista invitado en el estadio Municipal de los juegos de béisbol de Kansas City Athletics. Allí tocó las canciones de béisbol tradicionales en el tramo de la séptima entrada, como el juego Take Me Out To The Ball, a la vez que añadió su talento para la improvisación.

 En 1963, Kynard se mudó a Los Ángeles, California, y trabajó en orquestas de estudio para Columbia Pictures y Warner Brothers Pictures. También trabajó con músicos de estudio en y alrededor de Hollywood. Grabó en tres sellos discográficos, Prestige Records, bajo su propio nombre con Pacific Jazz en la década de 1960, y Mainstream Records durante 1971-74. Es, quizás, los cuatro registros que hizo para Prestige entre 1968 y 1970 que Kynard es mejor conocido. “Legends of Acid Jazz” que combina las dos últimas, “Afro-Disiac” (1970) y “Wa-Tu-Wa-Zui” (1970). Una breve discografía incluye: "Where is at" (1963) "Professor Soul" (1968) "Soul Brotherhood" (1969), "Reelin With The Feelin" (1969), "Charles Kynard" (1971), "Woga" ( 1972) "Tu mamá no baila" (1973). Además, Charles Kynard ha acumulado numerosos créditos por su trabajo sobresaliente a lo largo de los años y con muchos artistas que continúan en la actualidad.

Kynard, a pesar de la cantidad de álbumes producidos, en realidad grabó con poca frecuencia y optó por aparecer todas las noches en las escenas de los clubes nocturnos del condado de Los Ángeles y Nueva York.

Kynard también fue un educador que enseñó a niños con discapacidades mentales tanto del distrito escolar público de Kansas City, Missouri como del sistema de escuelas públicas del condado de Los Angeles. En su estudio privado, enseñaba piano y órgano a músicos en ciernes de todas las edades. Además de su amor por varios géneros de jazz que incluían soul, jazz y acid jazz, Kynard amaba y tocaba la música Gospel en la tradición de Thomas Wright Waller (Fats Waller). Con ese fin, se desempeñó como organista en la Primera Iglesia AME de Los Ángeles bajo el Reverendo H. Hartford Brookins antes de ser seleccionado para el obispado. Charles Kynard más tarde dirigió la Primera Iglesia AME de Pasadena como su Ministro de Música y se desempeñó como organista para el Quinto Distrito de la Iglesia AME.

Kynard viajó y actuó con Gladys Knight and the Pips y Jimmy Witherspoon en conciertos en Nueva York, California, Rhode Island, Massachusetts y otros estados. Charles había estado actuando en el popular drama teatral, "Evolution of the Blues". El buen Señor llamó a Charles E. Kynard a su casa el 8 de julio de 1979 cuando estaba sentado en el órgano ese día tocando la música que tanto amaba.

Charles Kynard se casó con la difunta Alice Kynard y tiene tres hijos, el difunto Jeffrey Kynard, Kimberly Kynard de Los Ángeles, y el destacado cantante de ópera, Bradley Kynard de San Francisco. Dos hermanos, Gary Kynard de Los Ángeles y Richard Kynard de Nueva York. Un tío Ben Kynard y una tía Shiverla Jones de Kansas City, Missouri, además de varios primos en California, Nueva York, Lee's Sumit y Kansas City, Missouri.

Un agradecimiento especial al primo Brett Kynard por reunir esta biografía y trabajar con el American Jazz Museum en Kansas City con su homenaje a Charles Kynard.

http://www.kynard.com/wp/?page_id=106

 

The Dave Pike Set • Noisy Silence – Gentle Noise

Artist Biography by Scott Yanow

Dave Pike has been a consistent vibraphonist through the years without gaining much fame. He originally played drums and is self-taught on vibes. Pike moved with his family to Los Angeles in 1954 and played with Curtis Counce, Harold Land, Elmo Hope, Dexter Gordon, Carl Perkins, and Paul Bley, among others. After moving to New York in 1960 he put an amplifier on his vibes. Pike toured with Herbie Mann during 1961-1964, spent 1968-1973 in Germany (recording with the Kenny Clarke-Francy Boland big band), and then resettled in Los Angeles, playing locally and recording for Timeless and Criss Cross.

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Biografía del artista por Scott Yanow

Dave Pike ha sido un vibrafonista constante a través de los años sin ganar mucha fama. Originalmente tocaba la batería y es autodidacta en el vibráfono. Pike se mudó con su familia a Los Ángeles en 1954 y tocó con Curtis Counce, Harold Land, Elmo Hope, Dexter Gordon, Carl Perkins y Paul Bley, entre otros. Después de mudarse a Nueva York en 1960 puso un amplificador en sus vibraciones. Pike realizó una gira con Herbie Mann durante 1961-1964, pasó de 1968 a 1973 en Alemania (grabando con la gran banda de Kenny Clarke-Francy Boland), y luego se instaló en Los Ángeles, tocando localmente y grabando para Timeless y Criss Cross.

Joe Henderson • Tetragon

 

Biography by Scott Yanow
Joe Henderson is proof that jazz can sell without watering down the music; it just takes creative marketing. Although his sound and style were virtually unchanged from the mid-'60s, Joe Henderson's signing with Verve in 1992 was treated as a major news event by the label (even though he had already recorded many memorable sessions for other companies). His Verve recordings had easy-to-market themes (tributes to Billy Strayhorn, Miles Davis, and Antonio Carlos Jobim) and, as a result, he became a national celebrity and a constant poll winner while still sounding the same as when he was in obscurity in the 1970s.

The general feeling is that it couldn't have happened to a more deserving jazz musician. After studying at Kentucky State College and Wayne State University, Joe Henderson played locally in Detroit before spending time in the military (1960-1962). He played briefly with Jack McDuff and then gained recognition for his work with Kenny Dorham (1962-1963), a veteran bop trumpeter who championed him and helped Henderson get signed to Blue Note. Henderson appeared on many Blue Note sessions both as a leader and as a sideman, spent 1964-1966 with Horace Silver's Quintet, and during 1969-1970 was in Herbie Hancock's band. From the start, he had a very distinctive sound and style which, although influenced a bit by both Sonny Rollins and John Coltrane, also contained a lot of brand new phrases and ideas. Henderson had long been able to improvise in both inside and outside settings, from hard bop to freeform. In the 1970s, he recorded frequently for Milestone and lived in San Francisco, but was somewhat taken for granted. The second half of the 1980s found him continuing his freelancing and teaching while recording for Blue Note, but it was when he hooked up with Verve that he suddenly became famous. Virtually all of his recordings are currently in print on CD, including a massive collection of his neglected (but generally rewarding) Milestone dates. On June 30, 2001, Joe Henderson passed away due to heart failure after a long battle with emphysema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

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Biografía de Scott Yanow
Joe Henderson es la prueba de que el jazz puede venderse sin diluir la música; sólo hace falta un marketing creativo. Aunque su sonido y su estilo no han cambiado prácticamente desde mediados de los años 60, el fichaje de Joe Henderson por Verve en 1992 fue tratado como un gran acontecimiento por la discográfica (a pesar de que ya había grabado muchas sesiones memorables para otras compañías). Sus grabaciones para Verve tenían temas fáciles de comercializar (homenajes a Billy Strayhorn, Miles Davis y Antonio Carlos Jobim) y, como resultado, se convirtió en una celebridad nacional y en un constante ganador de encuestas mientras seguía sonando igual que cuando estaba en la oscuridad en los años 70.

El sentimiento general es que no podría haberle ocurrido a un músico de jazz más meritorio. Tras estudiar en el Kentucky State College y en la Wayne State University, Joe Henderson tocó a nivel local en Detroit antes de pasar por el ejército (1960-1962). Tocó brevemente con Jack McDuff y luego ganó reconocimiento por su trabajo con Kenny Dorham (1962-1963), un veterano trompetista de bop que lo defendió y ayudó a Henderson a firmar con Blue Note. Henderson apareció en muchas sesiones de Blue Note como líder y como acompañante, pasó de 1964 a 1966 con el Quinteto de Horace Silver, y durante 1969-1970 estuvo en la banda de Herbie Hancock. Desde el principio, tenía un sonido y un estilo muy característicos que, aunque estaban un poco influenciados por Sonny Rollins y John Coltrane, también contenían muchas frases e ideas nuevas. Henderson llevaba mucho tiempo siendo capaz de improvisar tanto en ambientes interiores como exteriores, desde el hard bop hasta el freeform. En la década de 1970, grabó con frecuencia para Milestone y vivió en San Francisco, pero se le daba por descontado. En la segunda mitad de los años 80 continuó trabajando como freelance y dando clases mientras grababa para Blue Note, pero fue cuando se unió a Verve cuando se hizo famoso de repente. En la actualidad, casi todas sus grabaciones se encuentran en CD, incluida una enorme colección de sus olvidadas (pero generalmente gratificantes) fechas de Milestone. El 30 de junio de 2001, Joe Henderson falleció debido a un fallo cardíaco tras una larga batalla contra el enfisema.
https://www.allmusic.com/artist/joe-henderson-mn0000139804/biography

www.bluenote.com/joe-henderson ...
 

 Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Lou Bennett Quartet • Amen

"Lou Bennett began as a bop pianist, then switched to organ and became a solid player in the late '50s. With Jimmy Smith's virtuostic approach as inspiration, Bennett left piano behind in 1956, and toured the East and Midwest with his organ trio from 1957 through 1959. Bennett left America for Paris in 1960. He recorded there, played at the city's Blue Note club with Jimmy Gourley and fellow expatriate Kenny Clarke, who became one of his regulars alongside Rene Thomas. Bennett made only one return visit to America, appearing at the 1964 Newport Jazz Festival. He led his own group during the '80s." -All Music Guide

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Lou Bennett fue el nombre artístico de Jean-Louis Benoît (n. Filadelfia, Estados Unidos, 18 de mayo de 1926 - Le Chesnay, Francia, 10 de febrero de 1997), músico organista de jazz norteamericano.

Lou Bennett tocó primero bebop al piano en algunos locales de Baltimore hasta 1956 y se decide por consagrarse al órgano tras escuchar la música de Jimmy Smith.

Gira por Estados Unidos con un trío de órgano entre 1957 y 1959, y se traslada a París en 1960 para iniciar su carrera europea, allí toca y graba en Blue Note con Jimmy Gourley y Kenny Clarke, así como con René Thomas, volverá solo en una ocasión a América, al Newport Jazz Festival de 1964.

Grabó además en los años 60 con Philip Catherine y Franco Manzecchi. En los años 80 tocó en su propio quinteto junto a Gerard Badini, entre otros, en ese período realizó giras por España, pasando por escenarios de Almería, Barcelona, La Coruña, Segovia y Madrid. En 1966 graba un disco junto a la cantante catalana Núria Feliu: Núria Feliu amb Lou Bennett i els seus amics y su disco Now hear my meaning editado en 1993 fue grabado en vivo en Barcelona.

VA • Jazzify-Flute

 

Yusef Lateef, Roland Kirk, Bobbi Humphrey, Dave Valentin, Herbie Mann, James Moody ...