Brian Setzer Orchestra • Best Of The Big Band

 

 

Biography by Stephen Thomas Erlewine
Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and styles back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice: first as the leader of the Stray Cats, the trio who brought rockabilly back into the charts during the '80s, and then as a figure who helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s, which is when rockabilly was born, but it was also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, such as Louis Prima and Big Joe Turner. While the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had. Though Setzer's first solo effort, 1986's The Knife Feels Like Justice, was a heartland rock album, his big step forward came with 1994's The Brian Setzer Orchestra, where his rockabilly/swing fusion first took hold, and with 1998's The Dirty Boogie, he took that sound to the pop charts. His work with the Orchestra and the occasional holiday-themed release dominated his solo career, but he took detours back to rockabilly, most notably on 2005's Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records and 2021's Gotta Have the Rumble. 2023's The Devil Always Collects was recorded with a trio.

While the heroes of rockabilly's golden era -- Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis, and Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard, but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter was also a bandmate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.

Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," the record was a hit; its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."

Success came to the Stray Cats, but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats' fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Another reunion with the Stray Cats followed, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; they then returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final album recorded with their original producer, Dave Edmunds.

This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200, and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal releases in his discography) to swinging covers of classical compositions (2007's Wolfgang's Big Night Out), most issued on SurfDog Records. 2004's The Ultimate Collection: Recorded Live was a solid document of this period; a two-album set, the first disc featured a show in Montreal from one of the Setzer Orchestra's early tours, while the second preserved a show in Japan after the band's commercial breakthrough, previously issued on its own in 2001 as Jumpin' East of Java: Live in Japan.

At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Another holiday album, Rockin' Rudolph, showed up in time for the Christmas season of 2015. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November 2017. In 2020, The Ultimate Collection: Recorded Live set from 2004 got a vinyl reissue in the form of two double-LP sets, with The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 featuring the Montreal concert and The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 2 containing the Japanese show. In 2021, Setzer issued his first solo outing in seven years, the rollicking, yet reflective Gotta Have the Rumble.

He returned to the studio with co-producer Julian Raymond, mixing engineer Chris Lord-Alge, and a cast of sidemen; he emerged with The Devil Always Collects. Released in September 2023, it showcased originals and covers, evidenced by lead single "Girl on the Billboard," a mid-'60s trucker's anthem closely associated with Del Reeves. Following its release, Setzer undertook the Rockabilly Riot Tour with an international trio that included bassist Australian bassist Chris D’Rozario and drummer Juan Laurios from Mexico City.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Cada década tiene su propia locura retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y estilos clásicos. Brian Setzer interpretó este truco no solo una vez, sino dos veces: primero como líder de The Stray Cats, el trío que devolvió el rockabilly a las listas de éxitos durante los años 80, y luego como una figura que ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los 90 con la Orquesta de Brian Setzer. Ambos sonidos se basaron en los años 50, que es cuando nació el rockabilly, pero también fue el apogeo del tipo de jump blues que amaba Setzer, como Louis Prima y Big Joe Turner. Mientras que The Stray Cats eran puristas, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, como solista, Setzer terminó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo oscilante. Con este sonido de salto, cultivó seguidores leales, que consistían en no pocos discípulos de los últimos días, que se extendieron hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la carrera exitosa y de larga duración que muchos de sus ídolos nunca tuvieron. Aunque el primer esfuerzo en solitario de Setzer, The Knife Feels Like Justice de 1986, fue un álbum de rock del corazón, su gran paso adelante llegó con The Brian Setzer Orchestra de 1994, donde su fusión de rockabilly/swing se afianzó por primera vez, y con The Dirty Boogie de 1998, llevó ese sonido a las listas de éxitos. Su trabajo con la Orquesta y el lanzamiento ocasional de temas navideños dominaron su carrera en solitario, pero volvió al rockabilly, sobre todo en Rockabilly Riot, Vol. 1: Un tributo a Sun Records y Gotta Have the Rumble de 2021. The Devil Always Collects de 2023 fue grabado con un trío.

Mientras que los héroes de la era dorada del rockabilly, Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis y Carl Perkins, ocupan un lugar destacado en la obra de Setzer, cuando era niño y crecía en Long Island, inicialmente se enamoró del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el bombardino y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que lo llevó por el camino del rockabilly. Cogiendo una guitarra, formó The Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, este último también fue compañero de banda de Brian en the Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su enamoramiento por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que se convirtieron en Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom ingresaron a la formación a fines de 1979.

Sintiendo que Estados Unidos no estaba listo para su rock & roll, The Stray Cats partieron hacia Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. En unos pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds, quien casualmente apareció en la película de 1973 That'll be the Day, tocando en una banda llamada Stray Cats, y los tomó bajo su protección, produciendo su debut homónimo de 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", el disco fue un éxito; a su secuela de 1982, Gonna Ball, no le fue tan bien, pero los aspectos más destacados de los dos LP fueron seleccionados para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos antes mencionados, que recibieron una gran difusión en MTV, Built for Speed convirtió a The Stray Cats en estrellas en los EE. UU., allanando el camino para Rant n Rave with the Stray Cats de 1983, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17 "y uno menor en la forma de" I Won't Stand in Your Way."

El éxito llegó a The Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como acompañante de una variedad de rockeros, sobre todo tocando en la banda de viejos de Robert Plant, The Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás casualmente, Setzer regresó al redil de Stray Cats ese año para Rock Therapy, una reunión que tampoco logró impulsar las ventas. El siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Siguió otra reunión con The Stray Cats, que duró tres álbumes durante cuatro años. ¡Primero fue Blast Off de 1989!, que apoyaron con una gira como teloneros de Stevie Ray Vaughan, pero el récord no superó los 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Sin desanimarse, se unieron a Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster!, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para Choo Choo Hot Fish de 1992, un último álbum grabado con su productor original, Dave Edmunds.

Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Orquesta de Brian Setzer, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut homónimo apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, alcanzando el puesto 158; luego, la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco no llegó a las listas, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un gran éxito gracias a una versión exitosa de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima."El sencillo alcanzó su punto máximo en 23 y el récord llegó hasta nueve en el Billboard 200, y si Setzer nunca volvió a escalar esas alturas the ¡el seguimiento de 2000, Vavoom!, llegó a 62 -- sin embargo, encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big band oscilantes en el nuevo milenio, que van desde una serie de álbumes navideños (hay al menos cinco lanzamientos estacionales en su discografía) hasta versiones oscilantes de composiciones clásicas (Wolfgang's Big Night Out de 2007), la mayoría publicados en SurfDog Records. The Ultimate Collection: Recorded Live de 2004 fue un documento sólido de este período; un set de dos álbumes, el primer disco presentó un espectáculo en Montreal de una de las primeras giras de la Orquesta Setzer, mientras que el segundo conservó un espectáculo en Japón después del gran avance comercial de la banda, publicado previamente por su cuenta en 2001 como Jumpin' East of Java: Live in Japan.

A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con Nitro Burnin' Funny Daddy, de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: ¡Un tributo a Sun Records en 2005, y que se extiende a Rockabilly Riot de 2014! Todo Original. Otro álbum navideño, Rockin ' Rudolph, apareció a tiempo para la temporada navideña de 2015. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Orquesta Brian Setzer con el lanzamiento de 25 Live!, una tienda de discos de edición limitada El Día 45 de "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock", en noviembre de 2017. En 2020, The Ultimate Collection: Set grabado en vivo de 2004 recibió una reedición en vinilo en forma de dos sets de doble LP, con The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 presentando el concierto de Montreal y The Ultimate Collection Grabado en Vivo, Vol. 2 que contiene el espectáculo japonés. En 2021, Setzer emitió su primera salida en solitario en siete años, el alegre, pero reflexivo Gotta Have the Rumble.

Regresó al estudio con el coproductor Julian Raymond, el ingeniero de mezcla Chris Lord-Alge y un elenco de acompañantes; surgió con The Devil Always Collects. Lanzado en septiembre de 2023, mostró originales y versiones, evidenciado por el sencillo principal "Girl on the Billboard", un himno de camioneros de mediados de los 60 estrechamente asociado con Del Reeves. Tras su lanzamiento, Setzer emprendió la gira Rockabilly Riot con un trío internacional que incluía al bajista australiano Chris D'Rozario y al baterista Juan Laurios de la Ciudad de México.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

 

 

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Johnny & The Hurricanes • Rocking Goose [EP]

 

Instrumental rock & roll band formed in 1958 in Toledo, OH, USA and disbanded in 2006 after the death of founder and bandleader Johnny Paris aka John Pocisk, the only constant member of the band.

If Paris claimed that over 300 musicians played in the band in its fifty-year existence, the most famous line-up is:
Johnny Paris, tenor sax
Paul Tesluk, organ
Dave Yorko, guitar
Lionel "Butch" Mattice, bass
Bill "Little Bo" Savich, drums

Sonny Burgess • The Sun Records Sound Of Sonny Burgess

 

 

Biography by Cub Koda
Sonny Burgess was one of the wildest rockers to record for the legendary Sun label in Memphis. He and his band the Pacers came out of Newport, Arkansas with a hard-rocking style that, unlike that of most rockabillies, owed little to nothing in the way of a stylistic debt to country music. With his red-dyed hair, matching stage suit and guitar, and wild stage performances, Burgess made mincemeat of the competition on many of the early-'50s rock & roll package tours. Though his Sun releases never brought him much in the way of commercial success, his recordings nonetheless remain landmarks of the early rockabilly style. Burgess later toured and recorded with other Memphis alumni in the Sun Rhythm Section, and during the new millennium hit the road and the studio under the moniker of Sonny Burgess & the Legendary Pacers (celebrating the Pacers' 50th anniversary in 2005). Burgess & the Legendary Pacers issued the Gijon Stomp! album, a collection of new recordings, on the El Toro label in 2009. Burgess fell in his home in July 2017, and died in a Little Rock, Arkansas hospital the following month; he was 88 years old.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-burgess-mn0000046603#biography

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Biografía de Cub Koda
Sonny Burgess fue uno de los rockeros más salvajes que grabaron para el legendario sello Sun de Memphis. Él y su banda, los Pacers, salieron de Newport, Arkansas, con un estilo hard-rockero que, a diferencia del de la mayoría de los rockabillies, no tenía casi ninguna deuda estilística con la música country. Con su pelo teñido de rojo, su traje y su guitarra a juego y sus salvajes actuaciones, Burgess hizo picadillo a la competencia en muchas de las giras de rock & roll de principios de los 50. Aunque sus lanzamientos para Sun nunca le reportaron un gran éxito comercial, sus grabaciones siguen siendo hitos del primer estilo rockabilly. Más tarde, Burgess realizó giras y grabaciones con otros ex alumnos de Memphis en la Sun Rhythm Section, y durante el nuevo milenio salió a la carretera y al estudio bajo el nombre de Sonny Burgess & the Legendary Pacers (que celebraron su 50 aniversario en 2005). Burgess & the Legendary Pacers publicaron el álbum Gijon Stomp!, una colección de nuevas grabaciones, en el sello El Toro en 2009. Burgess sufrió una caída en su casa en julio de 2017 y falleció en un hospital de Little Rock, Arkansas, al mes siguiente; tenía 88 años.
https://www.allmusic.com/artist/sonny-burgess-mn0000046603#biography

sunrecords.com/sonny-burgess ...

The Surfaris • Wipe Out

 

 A Glendora, CA, surf group remembered for "Wipe Out," the number two 1963 hit that ranks as one of the great rock instrumentals, featuring a classic up-and-down guitar riff and a classic solo drum roll break, both of which were emulated by millions (the number is no exaggeration) of beginning rock & rollers. They recorded an astonishing number of albums (about half a dozen) and singles in the mid-'60s; the "Wipe Out" follow-up, "Point Panic," was the only one to struggle up to the middle of the charts. The Surfaris were not extraordinary, but they were more talented than the typical one-shot surf group; drummer Ron Wilson was praised by session stickman extraordinaire Hal Blaine, and his uninhibited splashing style sounds like a direct ancestor to Keith Moon. He also took the lead vocals on the group's occasional Beach Boys imitations.

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Un grupo de surf de Glendora, CA, recordado por "Wipe Out", el éxito número dos de 1963 que se clasifica como uno de los grandes instrumentales del rock, con un riff clásico de guitarra de arriba abajo y un solo de batería de break, ambos emulados por millones (el número no es una exageración) de rock & rollers principiantes. Grabaron un número asombroso de álbumes (cerca de media docena) y singles a mediados de los 60; el siguiente álbum "Wipe Out", "Point Panic", fue el único que llegó a la mitad de las listas de éxitos. Los Surfaris no eran extraordinarios, pero tenían más talento que el típico grupo de surf de un solo golpe; el baterista Ron Wilson fue elogiado por el extraordinario stickman de sesión Hal Blaine, y su desinhibido estilo splash suena como un antepasado directo de Keith Moon. También tomó la voz principal en las imitaciones ocasionales de los Beach Boys del grupo. 

 

thesurfaris.com ...

 

 

Joakim Tinderholt & His Band • Hold On To Me

 

 joakimtinderholt.com ... 

 

Mickey Baker • Guitar

Biography by Richie Unterberger

Of all the guitarists who helped transform rhythm & blues into rock & roll, Mickey Baker was one of the very most important, ranking almost on the level of Chuck Berry and Bo Diddley. The reason he wasn't nearly as well known as those legends is that a great deal of his work wasn't issued under his own name, but as a backing guitarist for many R&B and rock & roll musicians. Baker originally aspired to be a jazz musician, but turned to calypso, mambo, and then R&B, where the most work could be found.

In the early and mid-'50s, he did countless sessions for Atlantic, King, RCA, Decca, and OKeh, playing on such classics as the Drifters' "Money Honey" and "Such a Night," Joe Turner's "Shake, Rattle & Roll," Ruth Brown's "Mama, He Treats Your Daughter Mean," and Big Maybelle's "Whole Lot of Shakin' Going On." He also released a few singles under his own name, and made a Latin jazz-tinged solo album, Guitar Mambo.

Baker's best work, though, was recorded as half of the duo Mickey & Sylvia. Their hit "Love Is Strange," as well as several other unknown but nearly equally strong tracks, featured Baker's keening, bluesy guitar riffs, which were gutsier and more piercing than most anything else around in the late '50s. Mickey & Sylvia split in the late '50s (though they recorded off and on until the middle of the next decade), and Baker recorded his best solo album, the all-instrumental The Wildest Guitar. In 1961, he took the male spoken part (usually assumed to be Ike Turner) on Ike & Tina Turner's first hit, "It's Gonna Work Out Fine." Shortly afterwards he moved to France, making a few hard-to-find solo records and working with a lot of French pop and rock performers, including Ronnie Bird, the best '60s French rock singer. He recorded only sporadically after the mid-'60s. Mickey Baker died at his home in Montastruc-la-Conseillère, France on November 27, 2012, at the age of 87. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

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Compilado de este extraordinario guitarrista, que se reparte entre interpretaciones propias y como acompañante.

Biografía de Richie Unterberger

De todos los guitarristas que ayudaron a transformar el rhythm & blues en rock & roll, Mickey Baker fue uno de los más importantes, situándose casi al nivel de Chuck Berry y Bo Diddley. La razón por la que no era tan conocido como esas leyendas es que gran parte de su trabajo no se publicó con su propio nombre, sino como guitarrista de apoyo para muchos músicos de R&B y rock & roll. Baker originalmente aspiraba a ser un músico de jazz, pero se dedicó al calypso, al mambo y luego al R&B, donde se encontraba la mayor parte de su trabajo.

A principios y mediados de los 50, hizo innumerables sesiones para Atlantic, King, RCA, Decca y OKeh, tocando en clásicos como "Money Honey" y "Such a Night" de los Drifters, "Shake, Rattle & Roll" de Joe Turner, "Mama, He Treats Your Daughter Mean" de Ruth Brown y "Whole Lot of Shakin' Going On" de Big Maybelle. También lanzó algunos sencillos bajo su propio nombre, e hizo un álbum en solitario con un toque de jazz latino, Guitar Mambo.

El mejor trabajo de Baker, sin embargo, fue grabado como la mitad del dúo Mickey & Sylvia. Su éxito "Love Is Strange", así como varios otros temas desconocidos pero casi igual de fuertes, presentaban los agudos riffs de guitarra de Baker, que eran más audaces y penetrantes que cualquier otra cosa de finales de los 50. Mickey & Sylvia se separaron a finales de los 50 (aunque grabaron de vez en cuando hasta mediados de la siguiente década), y Baker grabó su mejor álbum en solitario, el todo-instrumental The Wildest Guitar. En 1961, tomó la parte masculina hablada (normalmente asumida como Ike Turner) en el primer éxito de Ike & Tina Turner, "It's Gonna Work Out Fine". Poco después se mudó a Francia, haciendo algunos discos en solitario difíciles de encontrar y trabajando con muchos artistas franceses de pop y rock, incluyendo a Ronnie Bird, el mejor cantante de rock francés de los 60. Sólo grabó esporádicamente después de mediados de los 60. Mickey Baker murió en su casa de Montastruc-la-Conseillère, Francia, el 27 de noviembre de 2012, a la edad de 87 años. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

Carl Perkins • The Dance Album

 

Biography by Matt Collar
One of the quintessential rockabilly performers, Carl Perkins was a singer, guitarist, and songwriter whose humble sharecropping roots informed his twangy, boogie rhythm style and innovative blend of country and R&B. Along with Elvis Presley, Perkins helped define the early rockabilly sound and put Memphis' Sun Records on the map in the process with classic songs like "Blue Suede Shoes," "Matchbox," "Honey, Don't," and "Everybody's Trying to Be My Baby," all included on 1957's Dance Album. While he was slow to gain the pop culture status of some of his Million Dollar Quartet peers (including Presley, Johnny Cash, and Jerry Lee Lewis), he enjoyed extended revivals from the '60s onward, touring with Chuck Berry and influencing the work of countless artists like the Beatles, Brian Setzer, U2, and more. He also composed hits for other performers, including "Daddy Sang Bass" for Johnny Cash, "I Was So Wrong" for Patsy Cline, and "Let Me Tell You About Love" for the Judds. Prior to his death in 1998, Perkins was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame and the Rock & Roll Hall of Fame and saw his landmark 1955 recording of "Blue Suede Shoes" honored with a Grammy Hall of Fame Award.

Carl Lee Perkins was born in 1932 in Tipton, Tennessee to sharecroppers Buck and Louise Perkins (misspelled on his birth certificate as "Perkings"). Starting early in his childhood, he worked in the fields picking cotton and living in a shack with his parents, older brother Jay, and his younger brother Clayton. Gifted a second-hand guitar, he took lessons from a local Black sharecropper, learning firsthand the boogie rhythm that he would later build a career on. By his teens, Perkins was playing electric guitar, mixing R&B traditions with bluegrass and country techniques. He soon recruited his brothers Jay on vocals and rhythm guitar and Clayton on vocals and string bass. The Perkins Brothers Band quickly established itself as the hottest band in the get-hot-or-go-home cutthroat Jackson, Tennessee honky tonk circuit. It was here that Carl started composing his first songs with an eye toward the future. Watching the dancefloor at all times for a reaction, Perkins kept reshaping these loosely structured songs until he had a completed composition, which would then finally be put to paper. He was already sending demos to New York record companies, who kept rejecting him, sometimes explaining that this strange new hybrid of country and R&B fit no current commercial trend. But once Perkins heard Elvis on the radio, he not only knew what to call it, but knew that there was a record company person who finally understood it and was also willing to gamble on promoting it. That man was Sam Phillips and the record company was Sun Records, and that's exactly where Perkins headed in 1954 to get an audition.

It was here at his first Sun audition that the structure of the Perkins Brothers Band changed forever. Phillips didn't show the least bit of interest in Jay's Ernest Tubb-styled vocals but flipped over Carl's singing and guitar playing. A scant four months later, he had issued the first Carl Perkins record, "Movie Magg"/"Turn Around," both sides written by the artist. By his second session, he had added W.S. Holland -- a friend of Clayton's -- to the band playing drums, a relatively new innovation to country music at the time. Phillips was still channeling Perkins in a strictly hillbilly vein, feeling that two artists doing the same type of music (in this case, Elvis and rockabilly) would cancel each other out. But after selling Elvis' contract to RCA Victor in December, Perkins was encouraged to finally let his rocking soul come up for air at his next Sun session. And rock he did, with a double-whammy blast that proved to be his ticket to the bigs. The chance overhearing of a conversation at a dance one night between two teenagers, coupled with a song idea suggestion from labelmate Johnny Cash, inspired Perkins to approach Phillips with a new song he had written called "Blue Suede Shoes." After cutting two sides that Phillips planned on releasing as a single by the Perkins Brothers Band, Perkins laid down three takes each of "Blue Suede Shoes" and another rocker, "Honey Don't." A month later, Phillips decides to shelve the two country sides and go with the rockers as Perkins' next single. Three months later, "Blue Suede Shoes," a tune that borrowed stylistically from pop, country, and R&B music, sat at the top of all charts, the first record to accomplish such a feat while becoming Sun's first million-seller in the bargain.

Ready to cash in on a national basis, Perkins and the boys headed up to New York for the first time to appear on The Perry Como Show. While en route their car rammed the back of a poultry truck, putting Carl and his brother Jay in the hospital with a cracked skull and broken neck, respectively. While in traction, Perkins saw Presley performing his song on The Dorsey Brother Stage Show, his moment of fame and recognition snatched away from him. Perkins shrugged his shoulders and went back to the road and the Sun studios, trying to pick up where he left off.

The follow-ups to "Shoes" were, in many ways, superior to his initial hit, but each succeeding Sun single held diminishing sales, and it wasn't until the British Invasion and the subsequent rockabilly revival of the early '70s that the general public got to truly savor classics like "Boppin' the Blues," "Matchbox," "Everybody's Trying to Be My Baby," "Your True Love," "Dixie Fried," "Put Your Cat Clothes On," and "All Mama's Children." While labelmates Cash and Jerry Lee Lewis (who played piano on "Matchbox" during the legendary Million Dollar Quartet session) were scoring hit after hit, Perkins was becoming disillusioned with his fate, fueled by his increasing dependence on alcohol and the death of his brother Jay to cancer. He kept plugging along, and when Cash left Sun to go to Columbia in 1958, Perkins followed him over. The royalty rate was better, and Perkins had no shortage of great songs to record, but Columbia's Nashville watch-the-clock production methods killed the spontaneity that was the charm of the Sun records.

By the early '60s, after being dropped by Columbia and moving over to Decca with little success, Perkins was back playing the honky tonks and contemplating getting out of the business altogether. A call from a booking agent in 1964 offering a tour of England alongside Chuck Berry changed all of that. Temporarily swearing off the bottle, Perkins was greeted in Britain as a conquering hero, playing to sold-out audiences and being particularly lauded by a young beat group on the top of the charts named the Beatles. George Harrison had cut his musical teeth on Perkins' Sun recordings (as had most British guitarists) and the Fab Four ended up recording more tunes by him than any other artist except themselves. The British tour not only rejuvenated his outlook, but suddenly made him realize that he had gone -- through no maneuvering of his own -- from has-been to legend in a country he had never played in before. Upon his return to the States, he hooked up with old friend and former labelmate Cash and was a regular fixture of his road show for the next ten years, bringing his battle with alcohol to an end. He kept recording, releasing My Kind of Country in 1973 and covering classic rock & roll and country hits on 1978's Ol' Blue Suede's Back.

As the '80s dawned, Perkins found himself at the epicenter of the rockabilly revival, touring on his own with a new band consisting of his sons backing him (including future Rockabilly Hall of Famer Stan Perkins). In 1982, he collaborated with Paul McCartney on the song "Get It," included on Tug of War. He also joined with Stray Cats members Lee Rocker and Slim Jim Phantom for a re-recording of "Blue Suede Shoes" for the soundtrack to the comedy Porky's Revenge. 1985 proved a banner year for Perkins, who was featured in a live television special, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, recorded at London's Limehouse Studios and featuring guests including George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash, and Ringo Starr. He also made a cameo, alongside David Bowie, in director John Landis' film Into the Night. 1985 was also the year he was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame. Two years later, he was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame and, soon after, the Rockabilly Hall of Fame. In 1986, his original 1955 recording of "Blue Suede Shoes" was inducted into the Grammy Hall of Fame. That same year, he reunited with fellow rock & roll legends Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, and Roy Orbison for Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, a tribute to their early years at Sun Records. In 1989, he scored a number one country hit with the Judds on "Let Me Tell You About Love" and released his own album, Born to Rock.

In 1992, Perkins released Friends, Family, & Legends, a star-studded production featuring appearances by Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer, and others. He then collaborated with Duane Eddy and the Mavericks, contributing a version of "Matchbox" to the 1994 AIDS benefit album Red Hot + Country. Perkins' final album, Go Cat Go!, arrived in 1996 and featured guest spots from many performers who had drawn inspiration from him, including both George Harrison and Paul McCartney, Bono, John Fogerty, and Tom Petty, among others. After a long battle with throat cancer, Perkins died in early 1998 at the age of 65, his place in the history books assured.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography

 

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Biografía de Matt Collar
Carl Perkins, uno de los intérpretes de rockabilly por excelencia, era cantante, guitarrista y compositor cuyas humildes raíces aparceras informaron su estilo vibrante y rítmico boogie y su innovadora combinación de country y R&B. Junto con Elvis Presley, Perkins ayudó a definir el sonido rockabilly temprano y puso a Sun Records de Memphis en el mapa en el proceso con canciones clásicas como "Blue Suede Shoes", "Matchbox", "Honey, Don't" y "Everybody's Trying to Be My Baby", todas incluidas en el Álbum Dance de 1957. Si bien tardó en ganar el estatus de cultura pop de algunos de sus compañeros de Cuarteto de Un Millón de Dólares (incluidos Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis), disfrutó de avivamientos extendidos desde los años 60 en adelante, haciendo giras con Chuck Berry e influyendo en el trabajo de innumerables artistas como los Beatles, Brian Setzer, U2 y más. También compuso éxitos para otros artistas, incluidos "Daddy Sang Bass" para Johnny Cash, "I Was So Wrong " para Patsy Cline y" Let Me Tell You About Love " para the Judds. Antes de su muerte en 1998, Perkins fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville y en el Salón de la Fama del Rock & Roll y vio su histórica grabación de 1955 de "Blue Suede Shoes" honrada con un premio Grammy Hall of Fame.

Carl Lee Perkins nació en 1932 en Tipton, Tennessee, de los aparceros Buck y Louise Perkins (mal escrito en su certificado de nacimiento como "Perkings"). Comenzando temprano en su infancia, trabajó en los campos recogiendo algodón y viviendo en una choza con sus padres, su hermano mayor Jay y su hermano menor Clayton. Dotado con una guitarra de segunda mano, tomó lecciones de un aparcero negro local, aprendiendo de primera mano el ritmo boogie con el que más tarde construiría una carrera. En su adolescencia, Perkins tocaba la guitarra eléctrica, mezclando tradiciones de R & B con bluegrass y técnicas country. Pronto reclutó a sus hermanos Jay en la voz y la guitarra rítmica y a Clayton en la voz y el bajo de cuerda. The Perkins Brothers Band se estableció rápidamente como la banda más candente en el despiadado circuito honky tonk de Jackson, Tennessee. Fue aquí donde Carl comenzó a componer sus primeras canciones con la vista puesta en el futuro. Observando la pista de baile en todo momento en busca de una reacción, Perkins siguió remodelando estas canciones vagamente estructuradas hasta que tuvo una composición completa, que finalmente se pondría en papel. Ya estaba enviando demos a las compañías discográficas de Nueva York, que seguían rechazándolo, a veces explicando que este extraño nuevo híbrido de country y R&B no encajaba con ninguna tendencia comercial actual. Pero una vez que Perkins escuchó a Elvis en la radio, no solo supo cómo llamarlo, sino que supo que había una persona de la compañía discográfica que finalmente lo entendió y también estaba dispuesta a apostar por promocionarlo. Ese hombre era Sam Phillips y la compañía discográfica era Sun Records, y ahí es exactamente a donde se dirigió Perkins en 1954 para conseguir una audición.

Fue aquí, en su primera audición para Sun, donde la estructura de la Perkins Brothers Band cambió para siempre. Phillips no mostró el más mínimo interés en la voz al estilo Ernest Tubb de Jay, pero le dio la vuelta al canto y la guitarra de Carl. Apenas cuatro meses después, había publicado el primer disco de Carl Perkins, "Movie Magg"/"Turn Around", ambas caras escritas por el artista. Para su segunda sesión, había agregado a W. S. Holland, un amigo de Clayton, a la banda tocando la batería, una innovación relativamente nueva para la música country en ese momento. Phillips todavía estaba canalizando a Perkins en una vena estrictamente hillbilly, sintiendo que dos artistas que hacían el mismo tipo de música (en este caso, Elvis y rockabilly) se cancelarían mutuamente. Pero después de vender el contrato de Elvis a RCA Victor en diciembre, Perkins se animó a finalmente dejar que su alma rockera saliera al aire en su próxima sesión de Sun. Y rock lo hizo, con una explosión de doble golpe que resultó ser su boleto a los grandes. La casualidad de escuchar una conversación en un baile una noche entre dos adolescentes, junto con una sugerencia de una idea de canción de su compañero de sello Johnny Cash, inspiró a Perkins a acercarse a Phillips con una nueva canción que había escrito llamada "Blue Suede Shoes". Después de cortar dos lados que Phillips planeaba lanzar como sencillo de The Perkins Brothers Band, Perkins grabó tres tomas cada una de "Blue Suede Shoes" y otra rockera, "Honey Don't". Un mes después, Phillips decide dejar de lado los dos lados country e ir con the rockers como el próximo sencillo de Perkins .  Tres meses después, "Blue Suede Shoes", una canción que tomaba prestado estilísticamente de la música pop, country y R&B, se ubicó en la cima de todas las listas, el primer disco en lograr tal hazaña y se convirtió en el primer millón de ventas de Sun en el negocio.

Listos para sacar provecho a nivel nacional, Perkins y los muchachos se dirigieron a Nueva York por primera vez para aparecer en The Perry Como Show. Mientras se dirigían, su automóvil embistió la parte trasera de un camión avícola, lo que llevó a Carl y su hermano Jay al hospital con el cráneo partido y el cuello roto, respectivamente. Mientras estaba en traction, Perkins vio a Presley interpretar su canción en el espectáculo teatral Dorsey Brother, su momento de fama y reconocimiento le fue arrebatado. Perkins se encogió de hombros y regresó a la carretera y a los estudios Sun, tratando de continuar donde lo dejó.

Los seguimientos de "Shoes" fueron, en muchos sentidos, superiores a su éxito inicial, pero cada sencillo sucesivo de Sun mantuvo ventas decrecientes, y no fue hasta la Invasión británica y el posterior resurgimiento del rockabilly de principios de los 70 que el público en general pudo saborear verdaderamente clásicos como "Boppin 'the Blues", "Matchbox", "Everybody's Trying to Be My Baby", "Your True Love", "Dixie Fried", "Put Your Cat Clothes On" y "All Mama's Children"."Mientras sus compañeros de sello Cash y Jerry Lee Lewis (que tocaron el piano en "Matchbox" durante la legendaria sesión del Cuarteto Million Dollar) anotaban éxito tras éxito, Perkins se estaba desilusionando con su destino, impulsado por su creciente dependencia del alcohol y la muerte de su hermano Jay a causa del cáncer. Siguió conectándose, y cuando Cash dejó Sun para irse a Columbia en 1958, Perkins lo siguió. La tasa de regalías era mejor, y a Perkins no le faltaban grandes canciones para grabar, pero los métodos de producción de relojería de Nashville de Columbia acabaron con la espontaneidad que era el encanto de The Sun Records.

A principios de los 60, después de que Columbia lo abandonara y se mudara a Decca con poco éxito, Perkins volvió a tocar honky tonks y contemplaba dejar el negocio por completo. Una llamada de un agente de reservas en 1964 ofreciendo una gira por Inglaterra junto a Chuck Berry cambió todo eso. Renunciando temporalmente a la botella, Perkins fue recibido en Gran Bretaña como un héroe conquistador, tocando para audiencias agotadas y siendo particularmente elogiado por un joven grupo beat en lo más alto de las listas llamado The Beatles. George Harrison se había hecho un hueco musical en las grabaciones de Sun de Perkins (al igual que la mayoría de los guitarristas británicos) y los Fab Four terminaron grabando más canciones suyas que cualquier otro artista, excepto ellos mismos. La gira británica no solo rejuveneció su perspectiva, sino que de repente le hizo darse cuenta de que había pasado, sin maniobras propias, de haber sido una leyenda en un país en el que nunca antes había tocado. A su regreso a los Estados Unidos, se conectó con un viejo amigo y excompañero de sello Cash y fue un elemento habitual de su gira durante los siguientes diez años, poniendo fin a su batalla con el alcohol. Siguió grabando, lanzando My Kind of Country en 1973 y versionando éxitos clásicos de rock & roll y country en Ol ' Blue Suede de 1978.

Al amanecer de los 80, Perkins se encontró en el epicentro del renacimiento del rockabilly, de gira solo con una nueva banda formada por sus hijos que lo respaldaban (incluido el futuro miembro del Salón de la Fama del Rockabilly, Stan Perkins). En 1982, colaboró con Paul McCartney en la canción "Get It", incluida en Tug of War. También se unió a los miembros de Stray Cats Lee Rocker y Slim Jim Phantom para una regrabación de "Blue Suede Shoes" para la banda sonora de la comedia Porky's Revenge. 1985 resultó ser un año excepcional para Perkins, quien apareció en un especial de televisión en vivo, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, grabado en los Limehouse Studios de Londres y con invitados como George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash y Ringo Starr. También hizo un cameo, junto a David Bowie,en la película Into the Night del director John Landis. 1985 también fue el año en que fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville. Dos años más tarde, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y, poco después, en el Salón de la Fama del Rockabilly. En 1986, su grabación original de 1955 de "Blue Suede Shoes" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. Ese mismo año, se reunió con sus compañeros leyendas del rock & roll Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison para Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, un tributo a sus primeros años en Sun Records. En 1989, obtuvo un éxito country número uno con The Judds en "Let Me Tell You About Love" y lanzó su propio álbum, Born to Rock.

En 1992, Perkins lanzó Friends, Family, & Legends, una producción repleta de estrellas con apariciones de Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer y otros. Luego colaboró con Duane Eddy y The Mavericks, contribuyendo con una versión de "Matchbox" al álbum benéfico contra el SIDA de 1994 Red Hot + Country. El último álbum de Perkins, Go Cat Go!, llegó en 1996 y contó con anuncios invitados de muchos artistas que se habían inspirado en él, incluidos George Harrison y Paul McCartney, Bono, John Fogerty y Tom Petty, entre otros. Después de una larga batalla contra el cáncer de garganta, Perkins murió a principios de 1998 a la edad de 65 años, su lugar en los libros de historia asegurado.
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Warren Smith • Rock-A-Billy Rhythms

 

 

VA • Boppin' Buick

 

 

Carl Perkins • The King of Rockabilly

 

 

Celebrate the golden era of Carl Perkins with Sun Records' 70th Anniversary collection of his remastered hits, The King of Rockabilly. Boasting an alternate version of "Honey Don't," as well as an extended, never-before-released version of "Y.O.U.," which features a spoken-word bridge section by Carl Perkins.

The album also includes the classic hits "Put Your Cat Clothes On" featuring Jerry Lee Lewis, "Boppin' the Blues," and "All Mama's Children," co-written with Johnny Cash.

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Celebre la época dorada de Carl Perkins con la colección del 70 aniversario de Sun Records de sus éxitos remasterizados, The King of Rockabilly. Con una versión alternativa de "Honey Don't", así como una versión ampliada e inédita de "Y.O.U.", que incluye una sección hablada de Carl Perkins en el puente.

El álbum también incluye los éxitos clásicos "Put Your Cat Clothes On", con Jerry Lee Lewis, "Boppin' the Blues" y "All Mama's Children", coescrita con Johnny Cash.


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Sandy Nelson • Let There Be Drums

 

 Sandy Nelson es un batería estadounidense. Nelson, uno de los baterías de rock más conocidos de la década de 1960, tuvo varios solistas instrumentales Top 40 hits y fue un batería de sesión de muchos otros éxitos conocidos, y grabando más de 30 álbumes.

Canción "Teen Beat" de Nelson subió al # 4 en las listas en 1959. Posteriormente firmó con el sello imperial y colocó dos canciones más en el Top 40 hits, "Let There Be Drums", que llegó al # 3 en el Reino Unido, y "Drums Are My Beat". Los tres eran instrumentales (una hazaña rara vez, o nunca, se repite).

Sander L Nelson nació el 1 de diciembre de 1938 en Santa Mónica, California. Asistió a la escuela secundaria con Jan Berry, Dean Torrence (que en conjunto se convirtió en Jan y Dean), y Kim Fowley. Después de ganar respeto como batería de estudio, tocó en canciones tan conocidas como "To Know Him Is To Love Him" (Phil Teddy Bears de Spector, 1958), "alley-oop" (The Hollywood Argyles, 1960), "A Thousand Stars"(Kathy Young y los Innocents, 1960) y más.

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 Sandy Nelson is an American drummer. Nelson, one of the best known rock drummers of the 1960s, had several Top 40 instrumental soloists and was a session drummer on many other well-known hits, and recording over 30 albums.

Nelson's song "Teen Beat" rose to #4 on the charts in 1959. He later signed with the Imperial label and placed two more songs in the Top 40 hits, "Let There Be Drums", which reached #3 in the UK, and "Drums Are My Beat". All three were instrumental (a feat rarely, if ever, repeated).

Sander L Nelson was born on December 1, 1938 in Santa Monica, California. He attended high school with Jan Berry, Dean Torrence (who together became Jan and Dean), and Kim Fowley. After gaining respect as a studio drummer, he played in such well-known songs as "To Know Him Is To Love Him" (Spector's Phil Teddy Bears, 1958), "alley-oop" (The Hollywood Argyles, 1960), "A Thousand Stars" (Kathy Young and the Innocents, 1960) and more.

Jack Rabbit Slim • The Best Of

  

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Charlie Feathers • Live In Memphis

 

Biography by Cub Koda

Charlie Feathers was many things to many fans of rock and country music. To some, he was a superb country stylist who could take almost any piece of material and stamp it with the full force of his personality. To others, he was one of rockabilly's great pioneers, there at the dawn of Sun Records. And Feathers' stubborn insistence on combining elements of country, raw blues, and bluegrass to make his own version of the rockabilly experience showed him to be one of the genre's most original and enduring artists.

Feathers was born near Slayden, MS, with music all around the sharecropping community he grew up in. After day jobs in Illinois and Texas, Feathers moved to Memphis in 1950, working for a box manufacturer until a bout with spinal meningitis left him hospitalized. Listening to the radio there on a daily basis, he emerged from his stay determined to become a professional singer. By 1954, Feathers was working his way into the confines of Sam Phillips' Memphis Recording Service, with an eye toward getting something released on Sun Records. He filled in whenever and wherever he could, helping with arrangement ideas, even playing spoons on a Miller Sisters session. Demoing songs for steel guitarist Stan Kesler found him getting half credit on the Elvis Sun side "I Forgot to Remember to Forget." Phillips decided to start a local non-union label called Flip to test out new artists, and after pairing Feathers with country session songwriter-musicians Bill Cantrell and Quinton Claunch, released Charlie's first single on that label, the classic "Peepin' Eyes" coupled with "I've Been Deceived." The record kicked enough noise locally to get Feathers transferred to Sun for a second single, but the artist had bigger visions. Although Phillips saw him as "a superb country stylist," Feathers wanted to rock and cut many Sun demo sessions in that style. When Phillips turned a deaf ear to it all, Feathers' impatience led him to Memphis rival Meteor Records, where he waxed the two-sided rockabilly classic "Tongue-Tied Jill" and "Get With It." This single garnered enough Memphis airplay to cement him a deal with King Records, and it is here that the Charlie Feathers as rockabilly legend story begins in earnest. The dozen or so sides he cut as singles for King are the greatest '50s rockabilly tracks to escape the hegemony of the Sun studios, with "One Hand Loose," "Bottle to the Baby," "Everybody's Lovin' My Baby," and "I Can't Hardly Stand It" all becoming classics of the genre. Their territorial success got Feathers on numerous package tours and multiple appearances on Dallas' Big D Jamboree. When the King contract ran out, Feathers continued to record one-off singles of very high musical quality, for a variety of Memphis labels, while stubbornly playing his music for whatever local audience cared to listen.

When the rockabilly revival started up in Europe in the early '70s, Feathers became the first living artist up for deification by collectors. His old 45s suddenly became worth hundreds of dollars, and every interviewer wanted to know why he never really made it big and what his true involvement with Sun consisted of. Feathers embroidered the story with a skewed view of rock & roll history with each retelling, to be sure, but once he picked up his guitar and sang to reinforce his point, the truth came out in his music. Never mind why he didn't make it back in the '50s; he could still deliver the goods now.

With health problems plaguing him from his diabetes and a surgically removed lung, Feathers continued on his own irascible course, recording his first album for a major label in 1991 (Elektra's American Masters series) and continuing to perform and record for his wide European fan base. Truly an American music original, Feathers died August 29, 1998, of complications following a stroke; he was 66.

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Biografía de Cub Koda

Charlie Feathers era muchas cosas para muchos fans del rock y la música country. Para algunos, era un magnífico estilista country que podía tomar casi cualquier material y estamparlo con toda la fuerza de su personalidad. Para otros, fue uno de los grandes pioneros del rockabilly, allí en los albores de Sun Records. Y la obstinada insistencia de Feathers en combinar elementos del country, el blues crudo y el bluegrass para hacer su propia versión de la experiencia del rockabilly le mostró ser uno de los artistas más originales y duraderos del género.

Feathers nació cerca de Slayden, MS, con la música alrededor de la comunidad de aparceros en la que creció. Después de trabajar durante el día en Illinois y Texas, Feathers se mudó a Memphis en 1950, trabajando para un fabricante de cajas hasta que un ataque de meningitis espinal lo dejó hospitalizado. Escuchando la radio allí a diario, salió de su estancia decidido a convertirse en un cantante profesional. En 1954, Feathers se abrió camino hasta los confines del servicio de grabación de Sam Phillips en Memphis, con la intención de conseguir que algo saliera en Sun Records. Se ocupó de todo lo que pudo, ayudando con ideas de arreglos, incluso tocando cucharas en una sesión de las Miller Sisters. Haciendo demostraciones de canciones para el guitarrista de acero Stan Kesler le dio medio crédito en el lado de Elvis Sun "I Forgot to Remember to Forget". Phillips decidió crear un sello local no sindicalizado llamado Flip para probar nuevos artistas, y después de emparejar Feathers con los músicos y compositores de sesiones country Bill Cantrell y Quinton Claunch, lanzó el primer single de Charlie en ese sello, el clásico "Peepin' Eyes" junto con "I've Been Deceived". El disco hizo suficiente ruido a nivel local como para que Feathers fuera transferido a Sun para un segundo single, pero el artista tenía visiones más grandes. Aunque Phillips lo veía como "un magnífico estilista country", Feathers quería rockear y cortar muchas sesiones de demostración de Sun en ese estilo. Cuando Phillips hizo oídos sordos a todo esto, la impaciencia de Feathers lo llevó a su rival de Memphis, Meteor Records, donde enceró el clásico de rockabilly de dos caras "Tongue-Tied Jill" y "Get With It". Este sencillo obtuvo suficiente difusión en Memphis para cerrar un trato con King Records, y es aquí donde la historia de Charlie Feathers como leyenda del rockabilly comienza en serio. La docena o más de lados que cortó como sencillos para King son los grandes temas de rockabilly de los 50 para escapar de la hegemonía de los estudios Sun, con "One Hand Loose", "Bottle to the Baby", "Everybody's Lovin' My Baby" y "I Can't Hardly Stand It", todas convertidas en clásicos del género. Su éxito territorial hizo que Feathers participara en numerosos paquetes turísticos y en múltiples apariciones en el Big D Jamboree de Dallas. Cuando el contrato con King se acabó, Feathers continuó grabando sencillos únicos de muy alta calidad musical, para una variedad de sellos de Memphis, mientras tocaba obstinadamente su música para cualquier público local que quisiera escuchar.

Cuando el renacimiento del rockabilly comenzó en Europa a principios de los 70, Feathers se convirtió en el primer artista vivo que fue condenado a la deificación por los coleccionistas. Sus 45 años de edad de repente se convirtieron en cientos de dólares, y cada entrevistador quería saber por qué nunca llegó a ser grande y en qué consistía su verdadera participación con Sun. Feathers bordó la historia con una visión sesgada de la historia del rock & roll con cada relato, por supuesto, pero una vez que tomó su guitarra y cantó para reforzar su punto, la verdad salió en su música. No importa por qué no lo hizo en los años 50; todavía podía entregar la mercancía ahora.

Con los problemas de salud que le acosaban por su diabetes y un pulmón extirpado quirúrgicamente, Feathers siguió su propio rumbo irascible, grabando su primer álbum para un importante sello discográfico en 1991 (la serie American Masters de Elektra) y continuando con sus actuaciones y grabaciones para su amplia base de fans europeos. Verdaderamente un original de la música americana, Feathers murió el 29 de agosto de 1998, por complicaciones después de un derrame cerebral; tenía 66 años.

Langhorns • Showstopper

 

VA • Rockabilly Classics - Sun Records

 

The Reverend Horton Heat • Revival

 

www.reverendhortonheat.com ...

Little Richard • The Fabulous - LP London HA U 2193

 

 

Various Artists • 60s Garage

 

Esquerita • Shoutin' and Screamin'

 

 

Sam Phillips The Man Who Invented Rock n Roll

 

 

The music that he shaped in his tiny Memphis studio with artists as diverse as Elvis Presley, Ike Turner, Howlin' Wolf, Jerry Lee Lewis, and Johnny Cash, introduced a sound that had never been heard before. He brought forth a singular mix of black and white voices passionately proclaiming the vitality of the American vernacular tradition while at the same time declaring, once and for all, a new, integrated musical day.

With extensive interviews and firsthand personal observations extending over a 25-year period with Phillips, along with wide-ranging interviews with nearly all the legendary Sun Records artists, Guralnick gives us an ardent, unrestrained portrait of an American original as compelling in his own right as Mark Twain, Walt Whitman, or Thomas Edison.