Stanley Clarke-Randy Brecker-Frank Morgan-Ernie Watts-Eric Gale-McCoy Tyner-Roger Kellaway-Peter Erskine • Implosions

 

 

Ben Webster • See You At The Fair

 

Review
by Scott Yanow
Ben Webster's final American recording was one of his greatest. At 55, the tenor saxophonist was still very much in his prime but considered out of style in the U.S. He would soon permanently move to Europe where he was better appreciated. This CD has the nine selections originally included on the LP of the same name, a quartet set with either Hank Jones or Roger Kellaway on piano, bassist Richard Davis, and drummer Osie Johnson. Webster's tone has rarely sounded more beautiful than on "Someone to Watch Over Me" and "Our Love Is Here to Stay." In addition, one song from the same session (but originally released on a sampler) and two tunes featuring Webster on an Oliver Nelson date (More Blues and the Abstract Truth) wrap up this definitive CD.
https://www.allmusic.com/album/see-you-at-the-fair-mw0000093829

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Reseña
por Scott Yanow
La última grabación americana de Ben Webster fue una de sus mejores. A los 55 años, el saxofonista tenor estaba todavía en su mejor momento, pero se consideraba fuera de moda en los Estados Unidos. Pronto se trasladaría definitivamente a Europa, donde era más apreciado. Este CD contiene las nueve selecciones incluidas originalmente en el LP del mismo nombre, un conjunto de cuarteto con Hank Jones o Roger Kellaway al piano, el bajista Richard Davis y el baterista Osie Johnson. El tono de Webster nunca ha sonado más hermoso que en "Someone to Watch Over Me" y "Our Love Is Here to Stay". Además, una canción de la misma sesión (pero publicada originalmente en un sampler) y dos temas con Webster en una fecha de Oliver Nelson (More Blues y The Abstract Truth) completan este CD definitivo.
https://www.allmusic.com/album/see-you-at-the-fair-mw0000093829

 

Phil Woods, Oliver Nelson, Pepper Adams, Osie Johnson, Grady Tate, Roger Kellaway, Hank Jones, Ben Webster, Phil Bodner, Thad Jones.

Clark Terry Sextet feat. Ben Webster • More [Theme From Mondo Cane]

  

Biography
by Scott Yanow
Possessor of the happiest sound in jazz, flügelhornist Clark Terry always played music that was exuberant, swinging, and fun. A brilliant (and very distinctive) soloist, Terry gained fame for his "Mumbles" vocals (which started as a satire of the less intelligible ancient blues singers) and was also an enthusiastic educator. He gained early experience playing trumpet in the viable St. Louis jazz scene of the early '40s (where he was an inspiration for Miles Davis) and, after performing in a Navy band during World War II, he gained a strong reputation playing with the big band of Charlie Barnet (1947-1948), the orchestra and small groups of Count Basie (1948-1951), and particularly with Duke Ellington (1951-1959). Terry, a versatile swing/bop soloist who started specializing on flügelhorn in the mid-'50s, had many features with Ellington (including "Perdido"), and started leading his own record dates during that era. He visited Europe with Harold Arlen's unsuccessful Free & Easy show of 1959-1960 as part of Quincy Jones' Orchestra, and then joined the staff of NBC where he was a regular member of the Tonight Show Orchestra. He recorded regularly in the '60s, including a classic set with the Oscar Peterson Trio and several dates with the quintet he co-led with valve trombonist Bob Brookmeyer. Throughout the '70s, '80s, and '90s, Terry remained a major force, recording and performing in a wide variety of settings, including as the head of his short-lived big band in the mid-'70s, with all-star groups for Pablo, and as a guest artist who provided happiness in every note he played. Terry died on February 21, 2015, at age 94, after an extended battle with diabetes.
https://www.allmusic.com/artist/clark-terry-mn0000133832/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Poseedor del sonido más feliz del jazz, el flügelhornista Clark Terry siempre tocó música exuberante, oscilante y divertida. Un solista brillante (y muy distintivo), Terry ganó fama por sus voces "Mumbles" (que comenzaron como una sátira de los antiguos cantantes de blues menos inteligibles) y también fue un educador entusiasta. Adquirió experiencia temprana tocando la trompeta en el viable St. Louis jazz de principios de los años 40 (donde fue una inspiración para Miles Davis) y, después de tocar en una banda de la Marina durante la Segunda Guerra Mundial, se ganó una sólida reputación tocando con la big band de Charlie Barnet( 1947-1948), la orquesta y pequeños grupos de Count Basie (1948-1951), y particularmente con Duke Ellington (1951-1959). Terry, un versátil solista de swing / bop que comenzó a especializarse en flügelhorn a mediados de los años 50, tuvo muchas características con Ellington (incluido "Perdido") y comenzó a liderar sus propias fechas discográficas durante esa época. Visitó Europa con el fallido espectáculo Free & Easy de Harold Arlen de 1959-1960 como parte de la Orquesta de Quincy Jones, y luego se unió al personal de NBC, donde era miembro habitual de la Orquesta Tonight Show. Grabó regularmente en los años 60, incluido un set clásico con el Trío Oscar Peterson y varias fechas con el quinteto que codirigió con el trombonista de válvulas Bob Brookmeyer. A lo largo de los años 70, 80 y 90, Terry siguió siendo una fuerza importante, grabando y actuando en una amplia variedad de escenarios, incluso como líder de su big band de corta duración a mediados de los 70, con grupos de estrellas para Pablo, y como artista invitado que brindaba felicidad en cada nota que tocaba. Terry murió el 21 de febrero de 2015, a los 94 años, después de una larga batalla contra la diabetes.
https://www.allmusic.com/artist/clark-terry-mn0000133832/biography

Herbie Mann • Plays The Roar of the Greasepaint & The Smell of the Crowd

Review by Scott Yanow

On this out of print LP, flutist Herbie Mann performs 11 songs from a famous Leslie Bricusse-Anthony Newley musical. Joined by an orchestra arranged by Ray Ellis (and including either Chick Corea or Roger Kellaway on piano), Mann plays well enough. However, the only one of the 11 songs remembered today is "Who Can I Turn To," and the renditions of the material are so brief (only two songs are longer than three minutes) as to be unadventurous and rather superficial. One of Mann's less significant projects of the '60s.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

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Reseña de Scott Yanow

En este LP agotado, el flautista Herbie Mann interpreta 11 canciones de un famoso musical de Leslie Bricusse-Anthony Newley. Acompañado por una orquesta arreglada por Ray Ellis (e incluyendo a Chick Corea o Roger Kellaway en el piano), Mann toca bastante bien. Sin embargo, la única de las 11 canciones que se recuerdan hoy en día es "Who Can I Turn To", y las interpretaciones del material son tan breves (sólo dos canciones duran más de tres minutos) que no son aventureras y son bastante superficiales. Uno de los proyectos menos significativos de Mann de los años 60.

https://www.allmusic.com/album/the-roar-of-the-greasepaint-the-smell-of-the-crowd-mw0000901394

 

 

 

Roger Kellaway • A Jazz Portrait of Roger Kellaway

 

Review from AllMusic (by Ken Dryden):
Roger Kellaway was at the beginning of his professional career when he recorded this album for the long-defunct Regina label in 1963. He had recently taken over as the featured pianist at Filly's, a 52nd Street nightclub in New York City. For these sessions, Kellaway utilizes two separate groups. The trio selections with bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey include Kellaway's forward-thinking uptempo blues "Double Fault," the bittersweet ballad "Here Today, Gone Tomorrow," and a romp through the oldie "Crazy She Calls Me" that proves very playful. His quartet with guitarist Jim Hall, bassist Steve Swallow, and drummer Tony Inzalaco plays his gospel-flavored "Same Old, Same Old" and the easygoing "And Elsewhere," the latter sounding like it could have been written for a '60s television theme. Kellaway may surprise a few fans with his brilliant stride piano interpretation of Sidney Bechet's "Broken Windmill." Long out of print, this rewarding release was finally reissued by Fresh Sound in 1990.
https://www.allmusic.com/album/a-jazz-portrait-of-roger-kellaway-mw0000308388

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Reseña de AllMusic (por Ken Dryden):
Roger Kellaway estaba al comienzo de su carrera profesional cuando grabo este album para el ya desaparecido sello Regina en 1963. Acababa de convertirse en el pianista estrella del Filly's, un club nocturno de la calle 52 en Nueva York. Para estas sesiones, Kellaway utiliza dos grupos distintos. Las selecciones en trio con el bajista Ben Tucker y el baterista Dave Bailey incluyen el blues de tempo rapido y vision de futuro "Double Fault", la balada agridulce "Here Today, Gone Tomorrow" y una version muy juguetona del clasico "Crazy She Calls Me". Su cuarteto con el guitarrista Jim Hall, el bajista Steve Swallow y el baterista Tony Inzalaco interpreta su "Same Old, Same Old" de sabor gospel y el relajado "And Elsewhere", que suena como si hubiera sido escrito para un programa de television de los anos 60. Kellaway puede sorprender a algunos fans con su brillante interpretacion al piano stride de "Broken Windmill" de Sidney Bechet. Agotado por mucho tiempo, este valioso lanzamiento fue finalmente reeditado por Fresh Sound en 1990.
https://www.allmusic.com/album/a-jazz-portrait-of-roger-kellaway-mw0000308388

Sonny Rollins • Original Music From The Score ''Alfie''

  

Review by Rovi Staff
Tenor saxophonist Sonny Rollins loaned his flair for the dramatic to the score for the film Alfie, accompanying the story of what the liner notes describe as "the involuntary education of a hipster." Arranged by Oliver Nelson, the soundtrack follows the character's evolution from the carefree, rakish Lothario of "Alfie's Theme" to the contemplative, somewhat broken man reflected in "Alfie's Theme Differently." Rollins attempts to capture the textures of life through his incisive and energetic playing, his coherent improvisations, and variations on musical themes. While "Alfie's Theme" and its variants make the most lasting impression, "He's Younger Than You Are" is touching, laced with regret. And the sensual, relaxed "On Impulse" has a nice sense of immediacy.
https://www.allmusic.com/album/alfie-1966-original-music-from-the-score-mw0000142392

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Reseña de la plantilla de Rovi
El saxofonista tenor Sonny Rollins prestó su talento dramático a la partitura de la película Alfie, acompañando la historia de lo que las notas de presentación describen como "la educación involuntaria de un hipster". Arreglada por Oliver Nelson, la banda sonora sigue la evolución del personaje desde el despreocupado y desenfadado Lothario de "Alfie's Theme" hasta el hombre contemplativo y algo roto que se refleja en "Alfie's Theme Differently". Rollins intenta capturar las texturas de la vida a través de su incisiva y enérgica forma de tocar, sus coherentes improvisaciones y sus variaciones sobre temas musicales. Mientras que "Alfie's Theme" y sus variantes causan la impresión más duradera, "He's Younger Than You Are" es conmovedora y está llena de arrepentimiento. Y la sensual y relajada "On Impulse" tiene una agradable sensación de inmediatez.
https://www.allmusic.com/album/alfie-1966-original-music-from-the-score-mw0000142392


sonnyrollins.com ...

Jazz Moods • Cocktail Party

Review by Stacia Proefrock
The swankiest of the releases in the Jazz Moods series, Cocktail Party combines songs from smooth characters like Benny Goodman, Johnny Mercer, and Jimmy Van Heusen with fun songs by the likes of Jimmy Durante and Fats Waller. The result is both stylish and celebratory, and great background music for whatever soirée you may be hosting.

 

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Reseña de Stacia Proefrock
El más elegante de los lanzamientos de la serie Jazz Moods, Cocktail Party, combina canciones de personajes suaves como Benny Goodman, Johnny Mercer y Jimmy Van Heusen con canciones divertidas de la talla de Jimmy Durante y Fats Waller. El resultado es elegante y festivo, y una buena música de fondo para cualquier velada que se celebre.

Gene Harris, Jimmy Bruno, Joey Defrancesco, Ken Peplowski, Kenny Burrell, Monty Alexander, Ray Brown, Scott Hamilton, Tommy Flanagan.

Oliver Nelson • More Blues And The Abstract Truth

 

Review
by Scott Yanow
Unlike the original classic Blues and the Abstract Truth set from three years earlier, Oliver Nelson does not play on this album. He did contribute three of the eight originals and all of the arrangements but his decision not to play is disappointing. However there are some strong moments from such all-stars as trumpeter Thad Jones, altoist Phil Woods, baritonist Pepper Adams, pianist Roger Kellaway and guest tenor Ben Webster (who is on two songs). The emphasis is on blues-based pieces and there are some strong moments even if the date falls short of its predecessor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

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Reseña
por Scott Yanow
A diferencia del clásico original Blues and the Abstract Truth de tres años antes, Oliver Nelson no toca en este álbum. Contribuyó con tres de los ocho originales y todos los arreglos, pero su decisión de no tocar es decepcionante. Sin embargo, hay algunos momentos fuertes de estrellas como el trompetista Thad Jones, el contralto Phil Woods, el barítono Pepper Adams, el pianista Roger Kellaway y el tenor invitado Ben Webster (que está en dos canciones). El énfasis se pone en las piezas basadas en el blues y hay algunos momentos fuertes, aunque la cita no esté a la altura de su predecesor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

Richie Cole & Art Pepper • A Piece of Jazz History

 

Review by Scott Yanow
Altoists Richie Cole and Art Pepper only played together once; for this recording date in 1982. Teamed together by producer-writer Herb Wong,  they inspire each other, being both competitive and complementary. Cole plays baritone on two selections (he should play it more often), sounding quite exuberant, and he switches to tenor on "A & R." Pepper plays a bit of clarinet in addition to his alto. Backed by a powerhouse rhythm section that includes pianist Roger Kellaway, the two saxophonists perform three Cole originals, Pepper's "Art Opus #2" and "Broadway." Cole takes "Things We Did Last Summer" as a ballad feature. This CD reissue of a Palo Alto LP (which lives up to its name) adds a brief alternate version of "Art's Opus #2." 
https://www.allmusic.com/album/a-piece-of-jazz-history-mw0000421399

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Reseña de Scott Yanow
Los saxofonistas altos Richie Cole y Art Pepper solo tocaron juntos una vez, en esta grabación de 1982. Reunidos por el productor y compositor Herb Wong,  se inspiran mutuamente, siendo a la vez competitivos y complementarios. Cole toca el barítono en dos selecciones (debería tocarlo más a menudo), sonando bastante exuberante, y cambia al tenor en «A & R». Pepper toca un poco el clarinete además de su saxo alto. Respaldados por una potente sección rítmica que incluye al pianista Roger Kellaway, los dos saxofonistas interpretan tres temas originales de Cole, «Art Opus #2» y «Broadway» de Pepper. Cole toma «Things We Did Last Summer» como tema principal de balada. Esta reedición en CD de un LP de Palo Alto (que hace honor a su nombre) añade una breve versión alternativa de «Art's Opus #2». 
https://www.allmusic.com/album/a-piece-of-jazz-history-mw0000421399

Wes Montgomery • Goin' Out of My Head

Artist Biography

Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

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Biografía del artista

Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson. 

https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

Wes Montgomery • Bumpin'

 

 

Review by Shawn M. Haney
Taking the listener on a smoother, rather than bumpier, ride down the moonlight highway of jazz is Wes Montgomery, a chief architect of the world's guitar virtuoso scene. Not only is his brilliant command of the six-string present here, so is the vivid color tones of notes and blue notes played between. Backed up by a hauntingly beautiful and mesmerizing orchestra conducted and arranged by Don Sebesky, the music almost lifts the listener off his feet into a dreamy, water-like landscape. The atmosphere is serene and enchanting, such as a romantic evening for two under starlight, and certainly a romantic eve merits the accompaniment of this record. The sounds are soft, smooth, and silky, and Montgomery addresses full leadership of his graceful melodic style, fronting close to 20 members of a orchestra perhaps best described resonant and sweeping. So too are the sweeping note flows of Montgomery's guitar, and his surprising fluidness towards the art of comping, a necessary trait of the jazz guitar virtuoso. Even the unforgettable Jim Hall can be tickled and intrigued through a listen of these influential records, as for all amateur and professional guitar musicians. "A Quiet Thing" is perhaps the most somber, peaceful, and smooth piece on the record, demonstrating Montgomery's love of quiet, and how much the idea of not playing at all brings music to the listeners. The charming sounds of orchestral violas, violins, cellos, and harp are sent ablaze to create a pleasant atmosphere, either for a quick morning get up, get ready for work, or evening dining setting. "Here's That Rainy Day" is an up-tempo bossa nova tune that resonates with Montgomery's enticing chordal changes and blissful phrasing, not to mention the blend of harp and strings lays the groundwork for a perfect rainy day inside, with drops pattering at the windows and fires aglow. The recording engineer did a wonderful job with this album. The sound quality is clear and lush, and, overall, this collection of mid-'60s cool jazz is a delight to listen too, once and again.
https://www.allmusic.com/album/bumpin-mw0000188575

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Reseña de Shawn M. Haney
Llevando al oyente a un viaje más suave, en lugar de más accidentado, por la autopista de la luz de la luna del jazz está Wes Montgomery, un arquitecto principal de la escena mundial de virtuosos de la guitarra. No sólo está presente aquí su brillante dominio de las seis cuerdas, sino también los vívidos tonos de color de las notas y los azules que se tocan entre ellas. Respaldada por una orquesta inquietantemente bella e hipnotizante, dirigida y arreglada por Don Sebesky, la música casi eleva al oyente a un paisaje de ensueño, como el agua. La atmósfera es serena y encantadora, como una velada romántica para dos bajo la luz de las estrellas, y ciertamente una víspera romántica merece el acompañamiento de este disco. Los sonidos son suaves, lisos y sedosos, y Montgomery dirige plenamente su elegante estilo melódico, al frente de cerca de 20 miembros de una orquesta que tal vez pueda describirse como resonante y arrolladora. También lo son los flujos de notas arrolladores de la guitarra de Montgomery, y su sorprendente fluidez hacia el arte de la composición, un rasgo necesario del virtuoso de la guitarra de jazz. Incluso el inolvidable Jim Hall puede sentir cosquillas e intriga a través de una escucha de estos influyentes discos, como para todos los músicos de guitarra aficionados y profesionales. "A Quiet Thing" es quizás la pieza más sombría, pacífica y suave del disco, y demuestra el amor de Montgomery por la tranquilidad, y lo mucho que la idea de no tocar en absoluto aporta a la música a los oyentes. Los encantadores sonidos de las violas orquestales, los violines, los violonchelos y el arpa se envían para crear una atmósfera agradable, ya sea para levantarse rápidamente por la mañana, prepararse para el trabajo o para cenar por la noche. "Here's That Rainy Day" es un tema de bossa nova que resuena con los tentadores cambios de acordes de Montgomery y su feliz fraseo, por no mencionar que la mezcla de arpa y cuerdas sienta las bases para un perfecto día de lluvia en el interior, con gotas golpeando las ventanas y fuegos encendidos. El ingeniero de grabación ha hecho un magnífico trabajo con este álbum. La calidad del sonido es clara y exuberante y, en general, esta colección de cool jazz de mediados de los 60 es una delicia para escuchar una y otra vez.
https://www.allmusic.com/album/bumpin-mw0000188575

 

Tom Scott • Great Scott!

 

Review
by Scott Yanow
This was one of Tom Scott's strongest albums of his career. Although there are commercial elements to the music, Scott is heard throughout in prime form, and several of the numbers are quite memorable. Scott roars on tenor during his catchy "Lookin' Out for Number Seven," and plays lyrical flute on Joni Mitchell's "Woodstock," and digs into John Coltrane's "Dahomey Dance." Among the notable sidemen are guitarist Howard Roberts, keyboardist Mike Wofford and guitarist Larry Carlton. On this album (which unfortunately is long out of print), Tom Scott for once perfectly balances the artistic and commercial aspects of his music and comes out with a near-classic offering.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

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Reseña
por Scott Yanow
Este es uno de los discos más sólidos de la carrera de Tom Scott. Aunque hay elementos comerciales en la música, se escucha a Scott en plena forma, y varios de los números son bastante memorables. Scott ruge con el tenor en su pegadiza "Lookin' Out for Number Seven", toca la flauta lírica en "Woodstock" de Joni Mitchell y se adentra en "Dahomey Dance" de John Coltrane. Entre los músicos de acompañamiento destacan el guitarrista Howard Roberts, el teclista Mike Wofford y el guitarrista Larry Carlton. En este álbum (desgraciadamente descatalogado desde hace tiempo), Tom Scott logra por una vez un equilibrio perfecto entre los aspectos artísticos y comerciales de su música y presenta una obra casi clásica.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

Jimmy Witherspoon • Blues For Easy Livers

 

Review
by Richie Unterberger
Despite the title, this actually leans considerably further to the jazz side of Witherspoon's muse than the blues one, with backing by Pepper Adams on baritone sax, Roger Kellaway on piano, Bill Watrous on trombone, Richard Davis on bass, and Mel Lewis on drums. The songs, too, are much more in the jazz/pop vein than the blues/jazz one, heavy on standards by the likes of Johnny Mercer, the Gershwins, and Ellington. Witherspoon's one of the masters of closing-time bluesy jazz, and he doesn't let anyone down on that account on this relaxed (but not sleepy) session.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-easy-livers-mw0000184490

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Reseña
por Richie Unterberger
A pesar del título, en realidad se inclina considerablemente más hacia el lado jazzístico de la musa de Witherspoon que hacia el blues, con el apoyo de Pepper Adams al saxo barítono, Roger Kellaway al piano, Bill Watrous al trombón, Richard Davis al bajo y Mel Lewis a la batería. Las canciones también están mucho más en la onda del jazz/pop que en la del blues/jazz, con abundancia de estándares de la talla de Johnny Mercer, los Gershwin y Ellington. Witherspoon es uno de los maestros del blues jazz de última hora, y no defrauda a nadie en esta relajada (pero no somnolienta) sesión.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-easy-livers-mw0000184490

Oliver Nelson & Steve Allen • Soulful Brass

Roger Kellaway • Live at the Jazz Standard

 

Review by Michael G. Nastos
Many jazz pianists are truly brilliant, and of that there is no doubt. Where Art Tatum, Oscar Peterson, McCoy Tyner, Keith Jarrett, and Chick Corea are usually mentioned first, dozens of other extraordinary players are not mentioned simply because of their name recognition. Roger Kellaway is such a figure, clearly a talented, highly skilled, and universally accessible player whose heightened melodic sense and chops galore easily put him in the class of a musician's musician. A double-CD set live in New York City at the Jazz Standard, this effort should leave no doubt as to Kellaway's worthiness belonging in the upper echelon of mainstream jazz masters. But it would be inaccurate to peg Kellaway a conservative player simply because he is interpreting well-known standards. True, there are echoes of Nat King Cole's pre-vocal bands, and the bright inventions of the Modern Jazz Quartet. Guitarist Russell Malone and bassist Jay Leonhart boost Kellaway's cache, while vibraphonist Stefon Harris is included on several selections. No drummer is included on purpose, heightening the intimacy quotient. This lends to an elastic rhythmic feel, provided primarily by Malone, and it is the guitarist who sparks this ensemble. Give credit to Kellaway for taking liberties on tunes that might never be radio friendly, but are eminently listenable. The spare melody starting an over ten-minute "C Jam Blues," long piano discourse on the 15-minute "Cherry," and easy take of "Freddie Freeloader" stretch most imaginations. Check out the popping percussive guitar playing of Malone on "Cherry," sounding like H. Ray Crawford, as well as the reliable Leonhart's tactful bowed bass solos. Playful counterpoint fuels the jumping "I'm Beginning to See the Light," and a loping "Tumbling Tumbleweeds" moves from delicate tiptoe to traipsing, stepped-up in tempo halfway through. The bopper "Cottontail" sounds most like MJQ or especially Cole in a neat, clean fashion, while the Sonny Rollins evergreen "Doxy" is modified, sounding more like Cannonball Adderley's "Things Are Getting Better." In a reflection of a previous Kellaway combo, cellist Borislav Strulev joins the group for the pianist's original "All My Life," an atmospheric chamber waltz, and the most unique track of the date. Coming in a close second is a reinvented, sly, bluesy and lowdown "Take Five." Harris consistently shines when deigned lead melody maker as on "C Jam Blues," the pretty "Someday My Prince Will Come," a pristinely romantic "The Nearness of You," and the very slow ballad "You Don't Know What Love Is." The finale "52nd Street Theme" is a barn burner, a furious bop vehicle where Kellaway utilizes call and response devices with Harris and Malone, recalling a hypothetical best effort if Terry Gibbs met Oscar Peterson and Herb Ellis. An exceptional recording of depth and substance, listeners will be well served to hear this recording not only in its entirety, but repeatedly, to fully enjoy the professional company of these great modern musicians playing their ever lovin' hearts out.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-jazz-standard-mw0000801802


“Kellaway is a national treasure who is omniscient in the field of jazz”. - AllAboutJazz
“Roger Kellaway Live At The Jazz Standard is one rare session of music you will not want to miss”. - ejazznews
“This quartet album provides a more generous exposure to Kellaway's vast piano universe than any of his recent solo and trio recordings. The reason is that it is two CDs containing almost two hours of spontaneous live music”.
- - Jazz Time
https://www.jazzmessengers.com/es/6100/roger-kellaway/live-at-jazz-standard

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Reseña de Michael G. Nastos
Muchos pianistas de jazz son realmente brillantes, y de eso no hay duda. Donde Art Tatum, Oscar Peterson, McCoy Tyner, Keith Jarrett y Chick Corea generalmente se mencionan primero, docenas de otros jugadores extraordinarios no se mencionan simplemente por el reconocimiento de su nombre. Roger Kellaway es una figura así, claramente un músico talentoso, altamente calificado y universalmente accesible cuyo mayor sentido melódico y habilidades en abundancia lo colocan fácilmente en la clase de músico de un músico. Un set de doble CD en vivo en la ciudad de Nueva York en el Jazz Standard, este esfuerzo no debería dejar dudas sobre la valía de Kellaway para pertenecer al escalón superior de los principales maestros del jazz. Pero sería inexacto considerar a Kellaway un jugador conservador simplemente porque está interpretando estándares bien conocidos. Es cierto que hay ecos de las bandas pre-vocales de Nat King Cole y los brillantes inventos del Cuarteto de Jazz Moderno. El guitarrista Russell Malone y el bajista Jay Leonhart aumentan el caché de Kellaway, mientras que el vibrafonista Stefon Harris está incluido en varias selecciones. No se incluye ningún baterista a propósito, lo que aumenta el cociente de intimidad. Esto se presta a una sensación rítmica elástica, proporcionada principalmente por Malone, y es el guitarrista quien enciende este conjunto. Dale crédito a Kellaway por tomarse libertades en canciones que tal vez nunca sean amigables con la radio, pero que son eminentemente escuchables. La melodía de repuesto que comienza un "C Jam Blues" de más de diez minutos, un largo discurso de piano en el "Cherry" de 15 minutos y una toma fácil de" Freddie Freeloader " estiran la mayoría de las imaginaciones. Echa un vistazo a la guitarra percusiva de Malone en "Cherry", que suena como H. Ray Crawford, así como los discretos solos de bajo arqueado del confiable Leonhart. El contrapunto lúdico alimenta el salto "Estoy Empezando a Ver la Luz", y una "Planta Rodadora que Cae" se mueve de puntillas delicadas a arrastrarse, intensificada en el tempo a mitad de camino. El bopper "Cottontail" suena más como MJQ o especialmente Cole de una manera ordenada y limpia, mientras que el Sonny Rollins evergreen "Doxy" se modifica, sonando más como Cannonball Adderley's " Things Are Getting Better. En un reflejo de un combo anterior de Kellaway, el violonchelista Borislav Strulev se une al grupo para el original "All My Life" del pianista, un vals de cámara atmosférico y la canción más singular de la fecha .  En un cercano segundo lugar está un reinventado, astuto, blues y lowdown "Take Five."Harris brilla constantemente cuando se digna como melody maker principal en "C Jam Blues", la bonita "Someday My Prince Will Come", una prístina romántica "The Nearness of You" y la balada muy lenta "You Don't Know What Love Is"."El final" 52nd Street Theme " es un quemador de granero, un furioso vehículo bop donde Kellaway utiliza dispositivos de llamada y respuesta con Harris y Malone, recordando un hipotético mejor esfuerzo si Terry Gibbs conociera a Oscar Peterson y Herb Ellis. Una grabación excepcional de profundidad y sustancia, los oyentes estarán bien servidos para escuchar esta grabación no solo en su totalidad, sino repetidamente, para disfrutar plenamente de la compañía profesional de estos grandes músicos modernos que tocan sus corazones siempre amorosos.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-jazz-standard-mw0000801802


"Kellaway es un tesoro nacional que es omnisciente en el campo del jazz". - AllAboutJazz
"Roger Kellaway Live At The Jazz Standard es una rara sesión de música que no querrás perderte". - ejazznews
"Este álbum de cuarteto proporciona una exposición más generosa al vasto universo de piano de Kellaway que cualquiera de sus recientes grabaciones en solitario y trío. La razón es que son dos CD que contienen casi dos horas de música espontánea en vivo".
- - Jazz Time
https://www.jazzmessengers.com/es/6100/roger-kellaway/live-at-jazz-standard

 

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Roger Kellaway Featuring Tom Scott • Spirit Feel

 

American jazz pianist, born 1 November 1939 in Waban, Massachusetts, USA, who has been playing since the age of 7. He has appeared on more than two hundred albums and has performed with everyone from Elvis to Duke Ellington, Dizzy Gillespie to Yo Yo Ma, Joni Mitchell to Mancini and Quincy Jones to Michael Tilson Thomas.
https://www.discogs.com/artist/296954-Roger-Kellaway

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Pianista de jazz estadounidense, nacido el 1 de noviembre de 1939 en Waban, Massachusetts, EE.UU., que toca desde los 7 años. Ha aparecido en más de doscientos álbumes y ha actuado con todo el mundo, desde Elvis a Duke Ellington, Dizzy Gillespie a Yo Yo Ma, Joni Mitchell a Mancini y Quincy Jones a Michael Tilson Thomas.
https://www.discogs.com/artist/296954-Roger-Kellaway


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The Russian Jazz Quartet • Happiness

The Russian Jazz Quartet was a modern jazz band founded in 1964 by saxophonist/clarinetist Boris Midney and bass player Igor Berukshtis, who made a break from their Soviet music hall orchestra on tour to defect to the United States via the American Embassy in Tokyo the same year.
The incident attracted much attention from the Soviet press at the time, they were amongst the first musical artists to defect from the USSR in the 1960s. After requesting political asylum the two were flown to Copenhagen and then transferred to West Germany before moving to New York to pursue their careers in jazz. There they teamed up with British born Roger Kellaway on piano, George Ricci on cello/viola and African-American drummer Grady Tate to record the group's one and only album “Happiness”, released on ABC's recently created jazz label Impulse! in 1965.

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The Russian Jazz Quartet era una banda de jazz moderno fundada en 1964 por el saxofonista/clarinetista Boris Midney y el bajista Igor Berukshtis, que se separó de su orquesta soviética de sala de música durante una gira para desertar a los Estados Unidos a través de la Embajada Americana en Tokio ese mismo año.
El incidente atrajo mucha atención de la prensa soviética de la época, fueron de los primeros artistas musicales en desertar de la URSS en los años 60. Tras solicitar asilo político, los dos fueron trasladados a Copenhague y luego a Alemania Occidental antes de trasladarse a Nueva York para seguir sus carreras en el jazz. Allí se asociaron con el británico Roger Kellaway al piano, George Ricci al violonchelo/viola y el baterista afroamericano Grady Tate para grabar el único álbum del grupo "Happiness", publicado en el recién creado sello de jazz Impulse! de la ABC en 1965.