Woody Herman • Woody's Winners

  

Kjeld Lauritsen • Fontaine Nights

 

Kjeld Lauritsen Hammond Organ Kjeld Lauritsen is one of the few remaining jazz organ players, who plays the big Hammond Organ with rotating leslie speakers and bass pedals. In his younger days he was a profile on the danish blues scene, which gave him a background similar to many of the original organ grinders. 

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Kjeld Lauritsen Hammond Organ Kjeld Lauritsen es uno de los pocos organistas de jazz que quedan, que toca el gran Hammond Organ con altavoces rotativos de leslie y pedales de bajo. En su juventud fue un perfil en la escena del blues danés, lo que le dio un fondo similar a muchos de los organistas originales. 

 

 

www.kjeldlauritsen.dk ...

 

Key Depositfiles for 1 month

 

 

 

How to activate pass-Gold:
Once registered go to
https://depositfiles.org/gold/points.php
At the bottom of the web page it states:
“If you have (purchased) a Gold key and wish to activate it, enter it here and click Activate”.

THE ANSWER TO THE TRIVIA QUESTION IS THE PASSWORD.

Please, if you already have a DepositFiles pass, refrain from participating to give other blog visitors the opportunity to benefit. 

It is important and I would appreciate that whoever is the lucky one, to comment that they have already succeeded.

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Cómo activar pass-Gold:
Una vez registrado ira a
https://depositfiles.org/gold/points.php
Al pie de la página web se indica:
"Si usted tiene (ha comprado) una clave Gold y desea activarla, introdúzcala aquí y haga clic en Activar"

LA SOLUCION A LA TRIVIA ES LA CONTRASEÑA. 

Por favor, si ya cuentas con un pase para DepositFiles, abstente de participar para dar oportunidad a otros visitantes del blog de beneficiarse. 

Es importante y agradecería que quien sea el afortunado, que comente que ya lo ha logrado.

 

Andrew Hill • Lift Every Voice

  

Reissue. Features the high-fidelity SHM-CD format (compatible with standard CD player) and the latest 24bit 192kHz remastering. A rare and beautiful Andrew Hill session, and one of the classic Blue Note entries into the "jazz and voices" sound that the label pioneered with Donald Byrd and Eddie Gale. Hill leads a core jazz group that includes Woody Shaw on trumpet, Carlos Garnett on tenor, Richard Davis on bass, and Freddie Waits on drums – and the group is backed by a vocal ensemble with a very spiritual vibe – a chorus who soar out soulfully, and really augment the jazz instrumentation of the album! The sound is a lot more hip than the Donald Byrd & Voices albums, and the playing of the core jazz group is very very soulful – along the lines of Hill's Grass Roots album, which was also from the same period. The record's similar to the Max Roach/Billy Harper vocal work around the same time, and titles include "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies", and "Love Chant". CD reissue features 6 unissued bonus tracks, including "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit", and "Such It Is".

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Reedición. Presenta el formato SHM-CD de alta fidelidad (compatible con un reproductor de CD estándar) y la última remasterización de 24 bits y 192 kHz. Una rara y hermosa sesión de Andrew Hill, y una de las entradas clásicas de Blue Note en el sonido de "jazz y voces" en el que el sello fue pionero con Donald Byrd y Eddie Gale. Hill lidera un grupo de jazz que incluye a Woody Shaw en la trompeta, Carlos Garnett en el tenor, Richard Davis en el bajo y Freddie Waits en la batería, y el grupo está respaldado por un conjunto vocal con un ambiente muy espiritual, un coro que se eleva con alma y realmente aumenta la instrumentación de jazz del álbum. El sonido es mucho más moderno que el de los álbumes de Donald Byrd & Voices, y la forma de tocar del grupo principal de jazz es muy, muy conmovedora, en la línea del álbum Grass Roots de Hill, que también era de la misma época. El disco es similar al trabajo vocal de Max Roach/Billy Harper de la misma época, y los títulos incluyen "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies" y "Love Chant". La reedición del CD incluye 6 temas extra inéditos, como "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit" y "Such It Is".


Colaborador / Contributor:  Pierre

Al Cohn • The Brothers!

  

Review
by Scott Yanow
Lester Young's influence on younger tenor players was at its height in the early-to-mid-'50s. This enjoyable session matches together the three tenors of Al Cohn, Bill Perkins and Richie Kamuca but good luck telling them apart! Backed by pianist Hank Jones, either Barry Galbraith or Jimmy Raney (who used the pseudonym on this date of Sam Beethoven) on guitar, bassist John Beal and drummer Chuck Flores, the tenors play concise versions of originals by Cohn, Perkins, Nat Pierce, Bill Potts and Bob Brookmeyer in addition to the lone standard "Blue Skies." The music is fun and swinging if not all that original or distinctive. [The disc was issued by Mosaic in 2006 with the addition of four bonus tracks.]
https://www.allmusic.com/album/the-brothers%21-mw0000699291

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Reseña
por Scott Yanow
La influencia de Lester Young en los tenores más jóvenes estaba en su apogeo a principios y mediados de los 50. Esta agradable sesión reúne a los tres tenores Al Cohn, Bill Perkins y Richie Kamuca, ¡pero buena suerte para distinguirlos! Respaldados por el pianista Hank Jones, Barry Galbraith o Jimmy Raney (que utilizó el seudónimo en esta fecha de Sam Beethoven) a la guitarra, el bajista John Beal y el batería Chuck Flores, los tenores tocan versiones concisas de originales de Cohn, Perkins, Nat Pierce, Bill Potts y Bob Brookmeyer, además del único estándar "Blue Skies". La música es divertida y con mucho swing, aunque no sea tan original o distintiva. [El disco fue publicado por Mosaic en 2006 con la adición de cuatro temas extra].
https://www.allmusic.com/album/the-brothers%21-mw0000699291

Bill Evans • You Must Believe in Spring

 

Evans was born in Plainfield, New Jersey and attended Southeastern Louisiana University. After a period in the Army, he returned to New York in 1955 and began working and recording with Tony Scott and George Russell. His subtly swinging, lucidly constructed solos with these leaders quickly attracted attention, and provided Evans with an opportunity to begin recording under his own name; but he was modest regarding his gifts, and for a time was reluctant to push himself into the limelight. All this changed after he spent several months during 1958 in Miles Davis's band, where he played alongside John Coltrane and Cannonball Adderley, and became a central figure in Davis's shift to modal improvisation.

The period with Davis allowed Evans to organize his own trio, which featured bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian by the end of 1959. These three players developed a new and more interactive approach to trio playing, one in which all instruments carried melodic responsibilities and functioned as equal voices. LaFaro's tragic death in a July 1961 highway accident ended the existence of this seminal unit; but not before it had recorded four albums, two in the studio and two at a Village Vanguard performance shortly before the bassist's death, that influenced several generations of pianists, bassists, and drummers.

While Evans excelled in even more intimate playing situations—he made memorable duet music with guitarist Jim Hall, singer Tony Bennett, and bassist Eddie Gomez, and on more than one occasion created fascinating studio recitals of multi-tracked piano—for the remaining two decades of his life, he continued to work in the trio format he had established with LaFaro and Motian. Personnel rarely changed in the Evans trio (Gomez was a member from 1966-1977, while drummers Marty Morell and Eliot Zigmund performed in the trio alongside Evans and Gomez from 1968-1974 and 1975-1977, respectively), and the unit's repertoire slowly grew to include evocative new originals and worthy standards, as well as the tunes that led to Evans's initial fame.

Despite this consistency of format and material, Evans remained uncommonly inspired, able to reach stunning emotional depths with a quiet lucidity that was unmatched. His lyrical melodic inventions, intricate phrasing, complex voicings, and beautiful touch remain as unmistakable influences on pianists more than 40 years after his death.
https://billevansofficial.com/about/

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Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, y estudió en la Southeastern Louisiana University. Tras un periodo en el ejército, regresó a Nueva York en 1955 y empezó a trabajar y grabar con Tony Scott y George Russell. Sus solos sutilmente oscilantes y lúcidamente construidos con estos líderes llamaron rápidamente la atención, y proporcionaron a Evans la oportunidad de empezar a grabar con su propio nombre; pero era modesto en cuanto a sus dotes, y durante un tiempo se mostró reacio a saltar a la palestra. Todo esto cambió después de pasar varios meses de 1958 en la banda de Miles Davis, donde tocó junto a John Coltrane y Cannonball Adderley, y se convirtió en una figura central en el cambio de Davis hacia la improvisación modal.

El periodo con Davis permitió a Evans organizar su propio trío, que a finales de 1959 contaba con el bajista Scott LaFaro y el batería Paul Motian. Estos tres músicos desarrollaron un enfoque nuevo y más interactivo para tocar en trío, en el que todos los instrumentos tenían responsabilidades melódicas y funcionaban como voces iguales. La trágica muerte de LaFaro en un accidente de carretera en julio de 1961 puso fin a la existencia de esta unidad seminal; pero no antes de que hubiera grabado cuatro álbumes, dos en el estudio y dos en una actuación en el Village Vanguard poco antes de la muerte del bajista, que influyeron en varias generaciones de pianistas, bajistas y bateristas.

Aunque Evans destacó en situaciones de interpretación aún más íntimas -hizo memorables duetos con el guitarrista Jim Hall, el cantante Tony Bennett y el bajista Eddie Gómez, y en más de una ocasión creó fascinantes recitales en estudio de piano multipista-, durante las dos décadas que le quedaban de vida siguió trabajando en el formato de trío que había establecido con LaFaro y Motian. El personal del trío de Evans rara vez cambió (Gómez fue miembro de 1966 a 1977, mientras que los bateristas Marty Morell y Eliot Zigmund tocaron en el trío junto a Evans y Gómez de 1968 a 1974 y de 1975 a 1977, respectivamente), y el repertorio de la unidad creció lentamente para incluir nuevos originales evocadores y estándares dignos, así como las melodías que llevaron a la fama inicial de Evans.

A pesar de esta consistencia de formato y material, Evans seguía estando extraordinariamente inspirado, capaz de alcanzar profundidades emocionales asombrosas con una lucidez silenciosa que no tenía parangón. Sus líricas invenciones melódicas, su intrincado fraseo, sus complejos voicings y su hermoso toque siguen siendo influencias inconfundibles para los pianistas más de 40 años después de su muerte.
https://billevansofficial.com/about/

billevansofficial.com ...
  

Sonny Fortune-Billy Harper-Stanley Cowell-Reggie Workman-Billy Hart • Great Friends

  

Pete Rugolo • The Music From Richard Diamond

 

Biography
by Richard S. Ginell
Pete Rugolo was one of the most prolific arrangers for Stan Kenton's 1945-1949 orchestras, following through on the leader's swashbuckling example to help shape the band's exciting, blasting style. Brought to the U.S. at age five, Rugolo grew up in Santa Rosa, California, and became a student of Darius Milhaud at Mills College in Oakland. After a stint with the Army, he submitted an arrangement to Kenton and then settled in with the band, turning out a series of "Artistry in..." compositions ("Bass," "Percussion," "Bolero," "Boogie"), as well as some of the earliest, most startling pieces for the Innovations in Modern Music Orchestra. However, Rugolo soon gravitated toward pop, landing a position as music director of Capitol Records in 1949, where he cranked out arrangements -- some of which bordered on easy listening treacle -- for June Christy, Nat King Cole, Harry Belafonte (in his brief pop period), the Four Freshmen, and others. In 1957, he became music director of Mercury Records, making a number of albums for that label, and briefly led a big band in 1954. From the '50s onward, Rugolo moved into Hollywood, scoring TV series like The Fugitive and Run for Your Life, and several films. Consequently, his importance to jazz lessened as the years passed.
https://www.allmusic.com/artist/pete-rugolo-mn0000321194/biography

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Biografía
por Richard S. Ginell
Pete Rugolo fue uno de los arreglistas más prolíficos de las orquestas de Stan Kenton entre 1945 y 1949, siguiendo el ejemplo del líder para ayudar a dar forma al emocionante estilo de la banda. Traído a Estados Unidos a los cinco años, Rugolo creció en Santa Rosa, California, y se convirtió en alumno de Darius Milhaud en el Mills College de Oakland. Tras un periodo en el ejército, presentó un arreglo a Kenton y luego se instaló en la banda, produciendo una serie de composiciones "Artistry in..." ("Bass", "Percussion", "Bolero", "Boogie"), así como algunas de las primeras y más sorprendentes piezas para la Innovations in Modern Music Orchestra. Sin embargo, Rugolo pronto se decantó por el pop, y en 1949 consiguió un puesto como director musical de Capitol Records, donde realizó arreglos -algunos de los cuales rozaban la melaza del easy listening- para June Christy, Nat King Cole, Harry Belafonte (en su breve periodo pop), los Four Freshmen y otros. En 1957, se convirtió en director musical de Mercury Records, para el que grabó varios álbumes, y dirigió brevemente una big band en 1954. A partir de los años 50, Rugolo se trasladó a Hollywood, y puso música a series de televisión como The Fugitive y Run for Your Life, y a varias películas. En consecuencia, su importancia para el jazz fue disminuyendo con el paso de los años.
https://www.allmusic.com/artist/pete-rugolo-mn0000321194/biography

Joe Farnsworth • In What Direction Are You Headed

 

One of the most highly regarded jazz drummers on the scene today, Joe is known for his blazing speed, precision, musical, and melodic playing.

Born in South Hadley, Massachusetts in 1968, Joe grew up in a musical family; his father was a music educator and he has four older brothers, two of whom became professional musicians.  

He studied with Alan Dawson and Arthur Taylor prior to attending and graduating from William Patterson College in New Jersey in 1994 where he began playing with saxophonist, Eric Alexander and guitarist, Peter Bernstein.

Upon moving to New York City, he led the weekend jazz combos at Augie’s (now Smoke Jazz & Supper Club). He performed with Junior Cook, Cecil Payne, John Ore,  Big John Patton, Harold Mabern, Eddie Henderson, John Jenkins and his brothers, John and James.

Joseph’s career includes recording over 100 CD’s as leader and side-man, jazz festivals and world tours with Pharaoh Sanders, Horace Silver, Harold Mabern, McCoy Tyner, Cedar Walton, Diana Krall, Benny Golson, George Coleman, Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Green, Barry Harris, Curtis Fuller to name a few.

He is currently the drummer for McCoy Tyner and a member of the Pharaoh Sanders Quartet, Harold Mabern Trio, and is a founding member of the renowned One for All Quintet.

Recordings as leader include:  Drumspeak, Beautiful Friendship feat. Cedar Walton and Curtis Fuller, Prime Time, Super Prime Time and Make Someone Happy.
https://www.joefarnsworthdrums.com/bio

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Joe, uno de los bateristas de jazz más respetados de la escena actual, es conocido por su increíble velocidad, precisión, interpretación musical y melódica.

Nacido en South Hadley, Massachusetts, en 1968, Joe creció en una familia musical; su padre era educador musical y tiene cuatro hermanos mayores, dos de los cuales se convirtieron en músicos profesionales.  

Estudió con Alan Dawson y Arthur Taylor antes de asistir y graduarse en William Patterson College en Nueva Jersey en 1994, donde comenzó a tocar con el saxofonista Eric Alexander y el guitarrista Peter Bernstein.

Al mudarse a la ciudad de Nueva York, dirigió los combos de jazz de fin de semana en Augie's (ahora Smoke Jazz & Supper Club). Actuó con Junior Cook, Cecil Payne, John Ore, Big John Patton, Harold Mabern, Eddie Henderson, John Jenkins y sus hermanos, John y James.

La carrera de Joseph incluye la grabación de más de 100 CD como líder y acompañante, festivales de jazz y giras mundiales con Pharaoh Sanders, Horace Silver, Harold Mabern, McCoy Tyner, Cedar Walton, Diana Krall, Benny Golson, George Coleman, Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Green, Barry Harris, Curtis Fuller, por nombrar algunos.

Actualmente es el baterista de McCoy Tyner y miembro del Cuarteto Pharaoh Sanders, Harold Mabern Trio, y es miembro fundador del renombrado Quinteto One for All.

Las grabaciones como líder incluyen: Drumspeak, Beautiful Friendship feat. Cedar Walton and Curtis Fuller, Prime Time, Super Prime Time and Make Someone Happy.
https://www.joefarnsworthdrums.com/bio


 www.joefarnsworthdrums.com ...

Larry Carlton • Four Hands & A Heart Volume One

www.larrycarlton ...

Bing Crosby & Louis Armstrong • Havin' Fun

 

 

The Madeira • Ruins [EP]

The Madeira plays surf music born of screaming wind over the sand dunes of the Sahara Desert, deafening echoes of waves pounding the Gibraltar Rock, joyous late-night gypsy dances in the small towns of Andalucia, and exotic cacophony of the Marrakesh town square. It is the surf music of the millennia-old Mediterranean mysteries.
Band Biography

The Madeira began in 2004 in Indianapolis, IN. The band features Ivan Pongracic on lead guitar, the founder of the 1990s surf music icons the Space Cossacks; Patrick O'Connor on rhythm guitar, the founder of the Indy space-surf mavens Destination: Earth!; Dane Carter on drums; and Todd Fortier on bass. We have released seven CDs: “Sandstorm” (2005), “Ruins” EP (2006), “Carpe Noctem” (2008), “Tribal Fires” (2012), "Sonic Cataclysm - Live" (2014), "Ancient Winds (2015) and "Center of the Surf - Live" (2018), all on Double Crown Records from Bellingham, WA. We've played all around the US, including four California tours as well as shows on the East Coast and in the South, though we primarily play in the Indiana/Illinois/Ohio/Michigan/Wisconsin area. We also headlined the third and final night of the 2009 Surfer Joe Festival in Livorno, Italy, followed by a 10-day Italian tour.

The Indianapolis weekly paper NUVO included "Carpe Noctem" in their April 2014 article "100 Best Hoosier Albums Ever," among albums by music legends Wes Montgomery, the Jackson Five and John Mellencamp. The band was also featured in a full-page article in the March 2014 issue of the Guitar Player magazine in the column titled "Now Hear This - Snappy Profiles of Players You Should Know." The May 2019 issue of the Vintage Guitar magazine featured the band in an article on the current surf music revival, referring to us as the "leading lights of the revival". UK's Pipeline magazine, the leading surf/instrumental-rock fanzine in the world, selected “Carpe Noctem” Album of the Year in 2008, "Sonic Cataclysm" Album of the Year in 2014, "Ancient Winds" Album of the Year in 2015, and “Sandstorm” and “Tribal Fires” as runners-up for the Album of the Year in 2006 and 2012, respectively.
https://themadeira.net/bio/

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La Madeira toca música de surf nacida de los gritos del viento sobre las dunas del desierto del Sahara, ecos ensordecedores de las olas golpeando el Peñón de Gibraltar, alegres bailes gitanos nocturnos en los pequeños pueblos de Andalucía, y la exótica cacofonía de la plaza del pueblo de Marrakech. Es la música de surf de los milenarios misterios mediterráneos.
Biografía de la banda

El Madeira comenzó en 2004 en Indianápolis, IN. La banda cuenta con Ivan Pongracic en la guitarra principal, el fundador de los iconos de la música surf de los 90, los Cosacos Espaciales; Patrick O'Connor en la guitarra rítmica, el fundador del Destino de los expertos en surf espacial de Indy: Tierra!; Dane Carter en la batería; y Todd Fortier en el bajo. Hemos lanzado siete CDs: "Sandstorm" (2005), "Ruins" EP (2006), "Carpe Noctem" (2008), "Tribal Fires" (2012), "Sonic Cataclysm - Live" (2014), "Ancient Winds" (2015) y "Center of the Surf - Live" (2018), todos en Double Crown Records de Bellingham, WA. Hemos tocado por todo EE.UU., incluyendo cuatro giras por California, así como espectáculos en la Costa Este y en el Sur, aunque principalmente tocamos en el área de Indiana/Illinois/Ohio/Michigan/Wisconsin. También encabezamos la tercera y última noche del Festival Surfer Joe 2009 en Livorno, Italia, seguido de una gira italiana de 10 días.

El semanario NUVO de Indianápolis incluyó "Carpe Noctem" en su artículo de abril de 2014 "100 Best Hoosier Albums Ever", entre los álbumes de las leyendas de la música Wes Montgomery, los Jackson Five y John Mellencamp. La banda también apareció en un artículo a toda página en la edición de marzo de 2014 de la revista Guitar Player en la columna titulada "Now Hear This - Snappy Profiles of Players You Should Know". En la edición de mayo de 2019 de la revista Vintage Guitar, la banda apareció en un artículo sobre el actual renacimiento de la música surf, refiriéndose a nosotros como los "líderes del renacimiento". La revista británica Pipeline, el principal fanzine de surf/instrumental-rock del mundo, seleccionó el Álbum del Año "Carpe Noctem" en 2008, el Álbum del Año "Sonic Cataclysm" en 2014, el Álbum del Año "Ancient Winds" en 2015, y "Sandstorm" y "Tribal Fires" como subcampeones del Álbum del Año en 2006 y 2012, respectivamente.
https://themadeira.net/bio/

https://themadeira.net/

Clifford Brown • With Strings

 

Two opposite visions of the same album:


Review
by Scott Yanow
There are two schools of thought regarding this Clifford Brown with strings session (which has been reissued on CD). Brownie plays quite beautifully and shows off his warm tone on such numbers as "Portrait of Jenny," "Memories of You," "Embraceable You" and "Stardust." But on the other hand the string arrangements by Neal Hefti border on muzak and Brown never really departs from the melody. So the trumpeter's tone is the only reason to acquire this disc which to this listener is a slight disappointment, not living up to its potential.
https://www.allmusic.com/album/clifford-brown-with-strings-mw0000602972


Automatic Translation of Excerpts from clasijazz.com:
Clifford Brows' With Strings takes pride of place among the most beautiful string jazz albums recorded to date. His luminous and lyrical voice, his melodic depth, is so subtly attached to the strings that it generates a sound framework similar to the fluttering of a butterfly over a flowery field. All this is thanks to Hefti's beautiful arrangements, but above all to Brown's magical way of reading the melodies.

Unlike Stan Getz's Focus - to which the next session will be devoted - this album was not geared to improvisation and in each of the 12 tracks Brown's solos are generally restricted to thematic embellishments during the second half of each cut.

Beautiful music and beautiful songs, great classics and true gems of the jazz repertoire. Three were written by Jerome Kern, two by Richard Rodgers and the rest by no less illustrious composers: George Gershwin, Eubie Blake, Bob Haggart, David Raksin, Ann Ronell and Joseph Russel Robinson and to close the album the impressive roundness of Hoagy Carmichael's "Stardust".

Clifford Brown with Strings is so close to perfection that rather than brushing against it, it draws a line so close to it, and this session in which a tribute is paid to it is not the mere reflection that returns the mirror, but as it happens in all artistic expression, it is a new sparkle, a new image/creation fruit of the individual personality of those who look into the mirror, of those who participate in the work, musicians and conductor.
https://clasijazz.com/clifford-brown-with-strings-swinging-strings-for-trumpet/

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Dos visiones opuestas de un mismo álbum:


Reseña
por Scott Yanow
Hay dos escuelas de pensamiento respecto a esta sesión de Clifford Brown con cuerdas (que ha sido reeditada en CD). Brownie toca muy bien y muestra su tono cálido en números como "Portrait of Jenny", "Memories of You", "Embraceable You" y "Stardust". Pero, por otro lado, los arreglos de cuerda de Neal Hefti rozan el muzak y Brown nunca se aleja realmente de la melodía. Así que el tono del trompetista es la única razón para adquirir este disco, que para este oyente es una ligera decepción, que no está a la altura de su potencial.
https://www.allmusic.com/album/clifford-brown-with-strings-mw0000602972


Extractos de clasijazz.com:
El With Strings de Clifford Brows ocupa lugar de honor entre los más hermosos álbumes de jazz con cuerdas grabados hasta la fecha. Su voz luminosa y lírica, su hondura melódica se ciñe a las cuerdas con tal sutileza, para generar un entramado sonoro semejante al revoloteo de una mariposa sobre un campo florido. Todo ello merced a los hermosos arreglos de  Hefti, pero sobre todo a la mágica manera de leer las melodías de Brown

A diferencia del Focus de Stan Getz —al que se dedicará la siguiente sesión— este álbum no estaba dirigido a la improvisación y en cada una de las 12 canciones los solos de Brown quedan restringuidos, en general, a los adornos temáticos durante la segunda mitad de cada corte.

Hermosa música y hermosas canciones, grandes clásicos y auténticas joyas del repertorio jazzístico. Tres fueron escritas por Jerome Kern, dos por Richard Rodgers y el resto autoría de  no menos preclares compositores: George Gershwin, Eubie Blake, Bob Haggart, David Raksin, Ann Ronell y Joseph Russel Robinson y para cerrar el álbum la impresionante redondez del “Stardust” de Hoagy Carmichael.

Clifford Brown with Strings está tan cerca de la perfección que más que rozarla traza una línea tanjente con ella y esta sesión en la que se le rinde sentido tributo no es el mero reflejo que devuelve el espejo, sino que como sucede en toda expresión artistica, es un destello nuevo, una nueva imagen/creacción fruto de la personalidad individual de cuantos se asoman al espejo, de cuantos participan en la obra, músicos y director.
https://clasijazz.com/clifford-brown-with-strings-swinging-strings-for-trumpet/

 

 

 

Biography by Matt Collar
One of the greatest trumpeters of all time, Clifford Brown's death in a car accident at the age of 25 was one of the most profound losses to the jazz world. Yet, "Brownie" (as he was affectionately known) left behind one of the most impressive and lasting bodies of work, and it continues to hold sway on musicians decades after his passing. Brown was master of the trumpet, blessed with a warm, fat tone and deep grasp of bebop harmony. Influenced by his idol Fats Navarro, he quickly rose through the ranks of the leading trumpeters of his time, ascending to the top echelon alongside icons like Dizzy Gillespie and Miles Davis. Following his early work with Tadd Dameron and Art Blakey, Brown cemented his place in jazz history forming his landmark quintet with drummer Max Roach and recording a handful of classic albums in Clifford Brown & Max Roach, Brown and Roach Incorporated, and Study in Brown, all of which helped define the hard bop sound of the late '50s. It's hard to believe that he was still improving at the time of his death in 1956.

Born in 1930 in Wilmington, Delaware, Brown became interested in music at a young age and even sang in a family vocal group alongside his three brothers. By age 13, he was playing trumpet at school and taking private lessons with noted Delaware trumpeter and educator Robert "Boysie" Lowery. Jazz gigs followed and by 1948 Brown was playing regularly in the Philadelphia area, gaining encouragement from and even sitting in with players like Dizzy Gillespie and Charlie Parker. He enrolled as a math major at Delaware State College and in 1949 transferred to Maryland State College on a music scholarship. There, he learned writing and arranging. It was also during this period that he met two major figures in his life, drummer Max Roach and trumpeter Fats Navarro, the latter of whom quickly became a major influence on his playing.

In June 1950, Brown was injured in a serious car accident that forced him to stop performing. A month later, Navarro died of a drug overdose. Despite these setbacks, Brown recovered, returned to action in 1952 as a member of Chris Powell's R&B ensemble the Blue Flames. The following year, he joined pianist Tadd Dameron's group and toured Europe with Lionel Hampton's Orchestra. While overseas, he ignored Hampton's edict banning his musicians from recording, and led several of his own sessions alongside altoist Gigi Gryce. Upon his return to the states, he made his Blue Note debut with 1953's A New Star on the Horizon. Recorded just prior to his departure for Europe, the album featured a group with Gryce, tenor player Charlie Rouse, Modern Jazz Quartet's pianist John Lewis and bassist Percy Heath, and drummer Art Blakey. Other sessions followed, including a 1954 proto-Jazz Messengers quintet with Blakey recorded at Birdland.

By the middle of 1954, he had formed a quintet with drummer Max Roach. Largely considered one of the premiere hard bop bands of the era, the group also featured tenor saxophonist Harold Land, pianist Richie Powell, and bassist George Morrow. They made their debut with 1954's Brown and Roach Incorporated, followed several months later by Clifford Brown and Max Roach. In 1955, Brown released two more soon to be classic albums: the ballads-heavy session Clifford Brown with Strings and his third with Roach, Study in Brown. A fourth Brown and Roach record, At Basin Street, arrived in 1956 and found Land replaced by Sonny Rollins.

In June 1956, Brown, Richie Powell, and Powell's wife, Nancy, were killed in a car accident while driving to Chicago after a jam session in Philadelphia. Brown, who was 25 years old, was later buried in Mt. Zion Cemetery in Wilmington, Delaware. After his death, more albums were released that kept his legacy alive, including two compilation Memorial Albums and 1973's The Beginning and the End, which featured his early Blue Flames sessions, as well as a miraculous ad hoc recording of the final Philadelphia jam session. Amazingly, a filmed appearance of Brown performing two songs on comedian Soupy Sales' 1955 variety show was discovered after being lost for 40 years and is the only known footage of the trumpeter. There have also been superb box sets released by Mosaic, and collecting all of his work for labels like EmArcy, Blue Note, and Pacific Jazz. Already by the late '50s, Brown had already become a major influence on the next generation of players, and trumpeters like Freddie Hubbard, Woody Shaw, and Charles Tolliver would build upon his work. Even decades after his death, Brown's influence continues to be felt as successive generations look upon him as a paradigm for jazz excellence.
https://www.allmusic.com/artist/clifford-brown-mn0000789775#biography

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Biografía de Matt Collar

Uno de los mejores trompetistas de todos los tiempos, la muerte de Clifford Brown en un accidente automovilístico a la edad de 25 años fue una de las pérdidas más profundas para el mundo del jazz. Sin embargo," Brownie " (como se le conocía cariñosamente) dejó atrás uno de los trabajos más impresionantes y duraderos, y continúa dominando a los músicos décadas después de su fallecimiento. Brown era maestro de la trompeta, bendecido con un tono cálido y gordo y una profunda comprensión de la armonía del bebop. Influenciado por su ídolo Fats Navarro, rápidamente ascendió en las filas de los principales trompetistas de su tiempo, ascendiendo al escalafón más alto junto a íconos como Dizzy Gillespie y Miles Davis. Después de sus primeros trabajos con Tadd Dameron y Art Blakey, Brown consolidó su lugar en la historia del jazz formando su quinteto histórico con el baterista Max Roach y grabando un puñado de álbumes clásicos en Clifford Brown & Max Roach, Brown and Roach Incorporated y Study in Brown, todo lo cual ayudó a definir el sonido hard bop de finales de los 50. Es difícil creer que todavía estuviera mejorando en el momento de su muerte en 1956.

Nacido en 1930 en Wilmington, Delaware, Brown se interesó por la música a una edad temprana e incluso cantó en un grupo vocal familiar junto a sus tres hermanos. A los 13 años, tocaba la trompeta en la escuela y tomaba lecciones privadas con el destacado trompetista y educador de Delaware Robert "Boysie" Lowery. Siguieron conciertos de jazz y, para 1948, Brown tocaba regularmente en el área de Filadelfia, recibiendo aliento e incluso sentándose con músicos como Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Se matriculó en matemáticas en Delaware State College y en 1949 se transfirió a Maryland State College con una beca de música. Allí, aprendió a escribir y arreglar. También fue durante este período que conoció a dos figuras importantes en su vida, el baterista Max Roach y el trompetista Fats Navarro, el último de los cuales rápidamente se convirtió en una gran influencia en su forma de tocar.

En junio de 1950, Brown resultó herido en un grave accidente automovilístico que lo obligó a dejar de actuar. Un mes después, Navarro murió de una sobredosis de drogas. A pesar de estos contratiempos, Brown se recuperó y volvió a la acción en 1952 como miembro del conjunto de R&B de Chris Powell, The Blue Flames. Al año siguiente, se unió al grupo del pianista Tadd Dameron y realizó una gira por Europa con la Orquesta de Lionel Hampton. Mientras estaba en el extranjero, ignoró el edicto de Hampton que prohibía a sus músicos grabar, y dirigió varias de sus propias sesiones junto a la altoista Gigi Gryce. A su regreso a los Estados unidos, hizo su debut en Blue Note con A New Star on the Horizon de 1953. Grabado justo antes de su partida a Europa, el álbum incluía un grupo con Gryce, el tenor Charlie Rouse, el pianista de Modern Jazz Quartet John Lewis y el bajista Percy Heath, y el baterista Art Blakey. Siguieron otras sesiones, incluido un quinteto de proto-Jazz Messengers de 1954 con Blakey grabado en Birdland.

A mediados de 1954, había formado un quinteto con el baterista Max Roach. Ampliamente considerada como una de las principales bandas de hard bop de la época, el grupo también contó con el saxofonista tenor Harold Land, el pianista Richie Powell y el bajista George Morrow. Hicieron su debut con Brown and Roach Incorporated de 1954, seguidos varios meses después por Clifford Brown y Max Roach. En 1955, Brown lanzó dos álbumes más que pronto serían clásicos: la sesión de baladas Clifford Brown with Strings y su tercero con Roach, Study in Brown. Un cuarto disco de Brown y Roach, At Basin Street, llegó en 1956 y encontró a Land reemplazado por Sonny Rollins.

En junio de 1956, Brown, Richie Powell y la esposa de Powell, Nancy, murieron en un accidente automovilístico mientras conducían a Chicago después de una sesión improvisada en Filadelfia. Brown, que tenía 25 años, fue enterrado más tarde en el monte. Cementerio Zion en Wilmington, Delaware. Después de su muerte, se lanzaron más álbumes que mantuvieron vivo su legado, incluidos dos álbumes Conmemorativos recopilatorios y The Beginning and the End de 1973, que presentaban sus primeras sesiones de Blue Flames, así como una grabación milagrosa ad hoc de la última sesión improvisada de Filadelfia. Sorprendentemente, se descubrió una aparición filmada de Brown interpretando dos canciones en el programa de variedades del comediante Soupy Sales de 1955 después de perderse durante 40 años y es el único metraje conocido del trompetista. También ha habido excelentes box sets lanzados por Mosaic y recopilando todo su trabajo para sellos como EmArcy, Blue Note y Pacific Jazz. Ya a fines de los 50, Brown ya se había convertido en una gran influencia para la próxima generación de músicos, y trompetistas como Freddie Hubbard, Woody Shaw y Charles Tolliver se basarían en su trabajo. Incluso décadas después de su muerte, la influencia de Brown continúa sintiéndose a medida que las generaciones sucesivas lo ven como un paradigma de la excelencia del jazz.
https://www.allmusic.com/artist/clifford-brown-mn0000789775#biography

cliffordbrown.net ...

Turk Murphy • Favorites [link OK]

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
All of trombonist Turk Murphy's Good Time Jazz recordings of 1947-1952 (all the studio sides he led prior to 1953) are now available on two CDs. The first volume has material from five different sessions and is filled with likable and swinging performances. In addition to the leader, the bands include either Bob Scobey or Don Kinch on trumpet; Bob Helm or Bill Napier on clarinet; and on piano either the legendary Burt Bales, Skip Anderson, or Wally Rose. The music is essentially Dixieland, with some of the highlights being "When My Sugar Walks Down the Street," "Struttin' With Some Barbecue," "Trombone Rag," "Down By the Riverside," and "Cake Walkin' Babies From Home" (the latter has Clare Austin on vocals).
[https://www.allmusic.com/album/turk-murphys-jazz-band-favorites-mw0000651064](https://www.allmusic.com/album/turk-murphys-jazz-band-favorites-mw0000651064)

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Resena de AllMusic (por Scott Yanow):
Todas las grabaciones realizadas por el trombonista Turk Murphy para Good Time Jazz entre 1947 y 1952 (todas las sesiones de estudio que lidero antes de 1953) estan disponibles en dos CD. Este primer volumen contiene material de cinco sesiones diferentes y esta lleno de interpretaciones agradables y llenas de swing. Ademas del lider, los grupos incluyen a Bob Scobey o Don Kinch en trompeta, Bob Helm o Bill Napier en clarinete, y al legendario Burt Bales, Skip Anderson o Wally Rose en piano. La musica es esencialmente dixieland y entre los momentos mas destacados se encuentran "When My Sugar Walks Down the Street", "Struttin' With Some Barbecue", "Trombone Rag", "Down By the Riverside" y "Cake Walkin' Babies From Home", esta ultima con la voz de Clare Austin.
[https://www.allmusic.com/album/turk-murphys-jazz-band-favorites-mw0000651064](https://www.allmusic.com/album/turk-murphys-jazz-band-favorites-mw0000651064)

Ronobir Lahiri • Indian Moods

 

About Ronobir Lahiri (from ronobirlahirimusic.com and Spotify):
Ronobir Lahiri is a Calcutta-trained sitarist, student of Sri Deepak Choudhuri, a leading disciple of Pandit Ravi Shankar. He trained on classical sitar as a teenager in Calcutta, India, following the formal Hindustani classical tradition. He later earned a BA in Theater Studies & Literature from Yale University.

After nearly two decades in the classical tradition, he began blending sitar with electronic and pop textures, releasing albums such as Broad Strokes and Hypnosis: Deep House Sitar. He later reimagined chart hits as "Sitar Covers", including 2021's Redemption Sitar. He has recorded with Katy Perry, Ziggy Marley, Jaden Smith and Lil Nas X, and has performed at the Hollywood Bowl with Blue Man Group. He currently lives in Los Angeles with his family.
https://www.ronobirlahirimusic.com

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Sobre Ronobir Lahiri (desde ronobirlahirimusic.com y Spotify):
Ronobir Lahiri es un sitarista formado en Calcuta, estudiante de Sri Deepak Choudhuri, uno de los principales discípulos de Pandit Ravi Shankar. Estudió sitar clásico de adolescente en Calcuta, India, siguiendo la tradición clásica formal del hindustaní. Más tarde obtuvo una licenciatura en Estudios Teatrales y Literatura en la Universidad de Yale.

Después de casi dos décadas en la tradición clásica, comenzó a fusionar el sitar con texturas electrónicas y pop, lanzando álbumes como Broad Strokes e Hypnosis: Deep House Sitar. Más tarde reinventó grandes éxitos como "Sitar Covers", incluyendo Redemption Sitar de 2021. Ha grabado con Katy Perry, Ziggy Marley, Jaden Smith y Lil Nas X, y ha actuado en el Hollywood Bowl con Blue Man Group. Actualmente vive en Los Ángeles con su familia.
https://www.ronobirlahirimusic.com


https://www.youtube.com/watch?v=RZdmEMwczkw&list=OLAK5uy_mifhSdkt8H3Zjbzq6jNlhDDpeAuwgtkrk&index=1


www.ronobirlahirimusic.com ...

Elmer Snowden • The Harlem Rent-Party Spirit

 

Eiji Kitamura • After You've Gone

 

About Eiji Kitamura (from Wikipedia / Encyclopedia.com / AllMusic):
Eiji Kitamura (北村英治, born April 8, 1929, Tokyo, Japan) is a Japanese jazz clarinetist and tenor saxophonist who made his professional debut at the age of 22. A self-taught musician, Kitamura devoted himself to clarinet playing while still an undergraduate at Keio University in Tokyo. He began working professionally in 1950 with Tetsuro Takahama's Esquire Cats, then worked for three years with Saburo Nambu (1951-53), before forming his first group, Cats Herd (1954-57). He then worked with Mitsuru Ono & His 6 Brothers Band (1957-60), before striking out on his own for good, leading a swing-styled sextet. He first came to prominence in the United States at the 20th Anniversary Jam Session of the Monterey Jazz Festival in 1977. His following in Japan had been built prior to this on his regular television program. He prefers to interpret traditional swing jazz rather than modern jazz, and according to AllMusic is most strongly influenced by Benny Goodman and Woody Herman. He often played alongside visiting American jazzmen throughout his career, recording with Teddy Wilson, Ben Webster and others. In 2007 he received the Order of the Rising Sun, Gold Rays with Rosette. Still active at 96 years of age.
https://en.wikipedia.org/wiki/Eiji_Kitamura
https://www.encyclopedia.com/arts/dictionaries-thesauruses-pictures-and-press-releases/kitamura-eiji
https://www.allmusic.com/artist/eiji-kitamura-mn0000226397

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Sobre Eiji Kitamura (desde Wikipedia / Encyclopedia.com / AllMusic):
Eiji Kitamura (北村英治, nacido el 8 de abril de 1929, Tokio, Japón) es un clarinetista y saxofonista tenor de jazz japonés que hizo su debut profesional a los 22 años. Músico autodidacta, Kitamura se dedicó al clarinete mientras era estudiante universitario en la Universidad de Keio en Tokio. Comenzó a trabajar profesionalmente en 1950 con los Esquire Cats de Tetsuro Takahama, luego trabajó tres años con Saburo Nambu (1951-53), antes de formar su primer grupo, Cats Herd (1954-57). Después actuó como sideman con la banda de Mitsuru Ono & His 6 Brothers (1957-60), antes de lanzarse definitivamente por su cuenta liderando un sexteto de estilo swing. Alcanzó notoriedad en Estados Unidos en la 20ª Sesión de Aniversario del Festival de Jazz de Monterey en 1977. Su popularidad en Japón se había construido antes de eso gracias a su programa regular de televisión. Prefiere interpretar el jazz swing tradicional antes que el jazz moderno, y según AllMusic está más influenciado por Benny Goodman y Woody Herman. A lo largo de su carrera tocó frecuentemente junto a músicos estadounidenses de visita, grabando con Teddy Wilson, Ben Webster y otros. En 2007 recibió la Orden del Sol Naciente, Rayos de Oro con Roseta. Sigue activo a los 96 años de edad.
https://en.wikipedia.org/wiki/Eiji_Kitamura
https://www.encyclopedia.com/arts/dictionaries-thesauruses-pictures-and-press-releases/kitamura-eiji
https://www.allmusic.com/artist/eiji-kitamura-mn0000226397

Chet Baker • Theme Music From The James Dean Story

 

Bobby Hutcherson • Montara

 

Review from AllMusic (by Thom Jurek):
With the possible exception of Grover Washington's Feels So Good, no other album captured the spirit of jazz in 1975 like Bobby Hutcherson's Montara. Recorded in his hometown of L.A., Montara is the very sound of groove jazz coming out of fusion, and Latin jazz's tough salsa rhythms coming home to roost in something more warm and effluvial that would meet the populace where it was changing and mellowing out rather than making it sit up and take notice. That said, Montara is, like the Washington record, a masterpiece of the genre even though it isn't celebrated in the same way. Featuring a stellar cast of musicians -- among them Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash, and Chuck Domanico -- Montara is a portrait of Hutcherson's complex gift of subtlety and virtuosity. Whether it's the funky Weather Report dance of "Camel Rise," with Nash's electric piano and the horns weaving around one another in a soulful samba melody, the sweet soulful groove of the title track, where Hutcherson's solo lilts to the point of actually singing, the killer Cuban salsa of "La Malanga," done in complete minor-key frenzy (all the while without losing the easy, slippery grace of soul-jazz), the shimmering echoplexed electric piano and vibes interplay on "Love Song," or the steaming, burning gasoline orgy of Hutcherson's read of Santana's "Oye Como Va," with a killer flute line by Watts winding its way through a knotty bassline and multi-part percussion, the effect is the same: blissed-out moving and grooving for a summer day. Hutcherson's chameleon-like ability to shape-shift is truly remarkable as a sideman and especially as a leader. He never overplays, his charts are tight, and he always creates a band vibe. Almost all of his solo recordings reflect the strengths of the ensemble rather than his strengths as a soloist. Montara is one of the great feel-good jazz albums of the 1970s, one of the great Latin jazz albums of the 1970s, and one of the great groove jazz records. Seek it out without hesitation.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

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Reseña de AllMusic (por Thom Jurek):
Con la posible excepción de Feels So Good de Grover Washington, ningún otro álbum capturó el espíritu del jazz en 1975 como el Montara de Bobby Hutcherson. Grabado en su ciudad natal de Los Ángeles, Montara es el sonido mismo del groove jazz saliendo de la fusión, y los duros ritmos de salsa del jazz latino volviendo a casa para anidar en algo más cálido y efluente que se encontraría con el público donde se estaba transformando y relajando, en lugar de obligarlo a prestar atención. Dicho esto, Montara es, como el disco de Washington, una obra maestra del género aunque no sea celebrada de la misma manera. Con un elenco estelar de músicos — entre ellos Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash y Chuck Domanico — Montara es un retrato del complejo don de sutileza y virtuosismo de Hutcherson. Ya sea la danza funky al estilo Weather Report de "Camel Rise", con el piano eléctrico de Nash y los vientos entretejidos en una melodía de samba llena de alma, el dulce y anímico groove del tema titular, donde el solo de Hutcherson se inclina hasta el punto de realmente cantar, la asesina salsa cubana de "La Malanga", ejecutada en una frenética tonalidad menor (sin perder en ningún momento la gracia fácil y resbaladiza del soul-jazz), el interplay reluciente de piano eléctrico con echoplex y vibráfono en "Love Song", o la orgia de gasolina ardiente y humeante de la lectura de Hutcherson de "Oye Como Va" de Santana, con una línea de flauta asesina de Watts serpenteando a través de una línea de bajo intrincada y percusión de múltiples partes, el efecto es el mismo: un éxtasis de movimiento y groove para un día de verano. La capacidad camaleónica de Hutcherson para transformarse es verdaderamente notable tanto como sideman como especialmente como líder. Nunca toca de más, sus arreglos son ajustados y siempre crea un ambiente de banda. Casi todas sus grabaciones en solitario reflejan las fortalezas del ensemble más que las suyas como solista. Montara es uno de los grandes discos de jazz de buen rollo de los años 70, uno de los grandes discos de jazz latino de los años 70, y uno de los grandes discos de groove jazz. Búscalo sin vacilar.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961