Johnny Griffin • Introducing Johnny Griffin

 

Biography
by Michael G. Nastos
One of the all-time great tenor saxophonists, Johnny Griffin will go down in the annals of jazz as a performer easily able to negotiate the tricky harmonic changes and swift tempos of modern music. He'll also be remembered as a player who could masterfully interpret tender ballads, rivaling Ben Webster in that regard.

Born John Arnold Griffin III in Chicago, Illinois, on April 24, 1928, he resided on the South Side of the Second City with his mother, who was a singer, and father, who played cornet. An adolescent Griffin heard Gene Ammons play in the big band of King Kolax. Two years later he picked up an alto saxophone, and soon thereafter was working with bluesman T-Bone Walker. A student at DuSable High School, he was tutored by the legendary band director Captain Walter Dyett. Upon graduation, he toured with Lionel Hampton's big band, switched to the tenor sax, and moved to New York City. The late '40s saw Griffin honking his share of R&B with Joe Morris up to 1950, alongside the band of Jo Jones in 1950, and with Arnett Cobb in 1951. He enlisted in the armed services stationed in Hawaii, and played in an Army band.

After his military commitment, he returned to Chicago and was in the company of Thelonious Monk's various ensembles up to the mid-'60s. Griffin cut his Blue Note album Introducing Johnny Griffin in 1958, and that year formed a sextet with Detroiters Pepper Adams and Donald Byrd. He collaborated with pianists Bud Powell and Elmo Hope, was enlisted by Art Blakey briefly as a member of the Jazz Messengers, energized his solo recording career for the Riverside label, and obtained his nickname, The Little Giant, with that eponymously titled LP in 1959. His most famous and popular teaming was with fellow saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin also recorded the legendary A Blowin' Session for the Blue Note label with John Coltrane and Hank Mobley.

But Griffin grew weary of the U.S. and its apathy regarding jazz, so he became an expatriate. He was living in Paris, France, by 1963, and did many albums with European rhythm sections for the Storyville, Black Lion, and Steeplechase labels. He was also a charter member and chief soloist for many years in the Kenny Clarke-Francy Boland Big Band alongside American and Continental standouts. The year 1975 was an important one for Griffin, who was featured with the bands of Dizzy Gillespie and Count Basie as documented in recordings of their sets at the Montreux Jazz Festival. He also collaborated with German saxophonist Klaus Doldinger and his fusion band Passport. In the late '70s, Griffin returned to the States to record for the Galaxy label, and toured with fellow expatriate tenor saxophonist Dexter Gordon.

He left Paris for the countryside of the Netherlands to live on a farm, then headed to the Côte d'Azur in 1980, and in 1984 to rural Availles-Limouzine. In 1986 he was a member of the Paris Reunion Band with Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton, and Kenny Drew, making one album for the Sonet label. During his time in France, Griffin recorded for the Antilles and Verve labels, including The Cat in 1991 and Chicago, New York, Paris in 1994. On the weeks of his birthday, Griffin made regular appearances at the Jazz Showcase back home in Chicago. In his later years he collaborated with pianist Martial Solal and saxophonist Steve Grossman. Griffin passed away at age 80 on July 25, 2008.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-griffin-mn0000213510/biography

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Biografía
por Michael G. Nastos
Johnny Griffin, uno de los mejores saxofonistas tenores de todos los tiempos, pasará a los anales del jazz como un intérprete capaz de negociar con facilidad los complicados cambios armónicos y los rápidos tempos de la música moderna. También será recordado como un músico que podía interpretar magistralmente tiernas baladas, rivalizando con Ben Webster en ese aspecto.

Nacido como John Arnold Griffin III en Chicago, Illinois, el 24 de abril de 1928, residía en el lado sur de la Segunda Ciudad con su madre, que era cantante, y su padre, que tocaba la corneta. Un Griffin adolescente escuchó a Gene Ammons tocar en la gran banda de King Kolax. Dos años más tarde cogió un saxofón alto, y poco después estaba trabajando con el bluesman T-Bone Walker. Como estudiante de la DuSable High School, fue tutelado por el legendario director de banda Captain Walter Dyett. Tras su graduación, realizó una gira con la big band de Lionel Hampton, se cambió al saxo tenor y se trasladó a Nueva York. A finales de los años 40, Griffin tocó su parte de R&B con Joe Morris hasta 1950, junto a la banda de Jo Jones en 1950, y con Arnett Cobb en 1951. Se alistó en las fuerzas armadas con destino en Hawai, y tocó en una banda del ejército.

Tras su compromiso militar, regresó a Chicago y estuvo en compañía de los distintos conjuntos de Thelonious Monk hasta mediados de los años 60. Griffin grabó su álbum de Blue Note Introducing Johnny Griffin en 1958, y ese año formó un sexteto con los de Detroit Pepper Adams y Donald Byrd. Colaboró con los pianistas Bud Powell y Elmo Hope, fue reclutado brevemente por Art Blakey como miembro de los Jazz Messengers, impulsó su carrera de grabación en solitario para el sello Riverside y obtuvo su apodo, The Little Giant, con ese LP de título epónimo en 1959. Su colaboración más famosa y popular fue con su compañero saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin también grabó la legendaria A Blowin' Session para el sello Blue Note con John Coltrane y Hank Mobley.

Pero Griffin se cansó de Estados Unidos y de su apatía hacia el jazz, así que se convirtió en un expatriado. En 1963 vivía en París, Francia, y grabó muchos discos con secciones rítmicas europeas para los sellos Storyville, Black Lion y Steeplechase. También fue miembro fundador y principal solista durante muchos años de la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band, junto a figuras americanas y continentales. El año 1975 fue importante para Griffin, que participó en las bandas de Dizzy Gillespie y Count Basie, como se documenta en las grabaciones de sus actuaciones en el Festival de Jazz de Montreux. También colaboró con el saxofonista alemán Klaus Doldinger y su grupo de fusión Passport. A finales de los años 70, Griffin regresó a Estados Unidos para grabar para el sello Galaxy, y realizó una gira con el también saxofonista tenor expatriado Dexter Gordon.

Abandonó París para irse a vivir a una granja en Holanda, luego se fue a la Costa Azul en 1980, y en 1984 a la zona rural de Availles-Limouzine. En 1986 formó parte de la Paris Reunion Band con Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton y Kenny Drew, y grabó un álbum para el sello Sonet. Durante su estancia en Francia, Griffin grabó para los sellos Antilles y Verve, incluyendo The Cat en 1991 y Chicago, New York, Paris en 1994. En las semanas de su cumpleaños, Griffin hacía apariciones regulares en el Jazz Showcase de su ciudad natal, Chicago. En sus últimos años colaboró con el pianista Martial Solal y el saxofonista Steve Grossman. Griffin falleció a los 80 años el 25 de julio de 2008.
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Sonny Rollins • A Night at the Village Vanguard

  

Theodore Walter Rollins was born on September 7, 1930 in New York City. He grew up in Harlem not far from the Savoy Ballroom, the Apollo Theatre, and the doorstep of his idol, Coleman Hawkins. After early discovery of Fats Waller and Louis Armstrong, he started out on alto saxophone, inspired by Louis Jordan. At the age of sixteen, he switched to tenor, trying to emulate Hawkins. He also fell under the spell of the musical revolution that surrounded him, Bebop.

He began to follow Charlie Parker, and soon came under the wing of Thelonious Monk, who became his musical mentor and guru. Living in Sugar Hill, his neighborhood musical peers included Jackie McLean, Kenny Drew and Art Taylor, but it was young Sonny who was first out of the pack, working and recording with Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell and Miles Davis before he turned twenty.

“Of course, these people are there to be called on because I think I represent them in a way,” Rollins said recently of his peers and mentors. “They’re not here now so I feel like I’m sort of representing all of them, all of the guys. Remember, I’m one of the last guys left, as I’m constantly being told, so I feel a holy obligation sometimes to evoke these people.”

In the early fifties, he established a reputation first among musicians, then the public, as the most brash and creative young tenor on the scene, through his work with Miles, Monk, and the MJQ.

Miles Davis was an early Sonny Rollins fan and in his autobiography wrote that he “began to hang out with Sonny Rollins and his Sugar Hill Harlem crowd…anyway, Sonny had a big reputation among a lot of the younger musicians in Harlem. People loved Sonny Rollins up in Harlem and everywhere else. He was a legend, almost a god to a lot of the younger musicians. Some thought he was playing the saxophone on the level of Bird. I know one thing–he was close. He was an aggressive, innovative player who always had fresh musical ideas. I loved him back then as a player and he could also write his ass off…”

Sonny moved to Chicago for a few years to remove himself from the surrounding elements of negativity around the Jazz scene. He reemerged at the end of 1955 as a member of the Clifford Brown-Max Roach Quintet, with an even more authoritative presence. His trademarks became a caustic, often humorous style of melodic invention, a command of everything from the most arcane ballads to calypsos, and an overriding logic in his playing that found him hailed for models of thematic improvisation.

It was during this time that Sonny acquired a nickname,”Newk.” As Miles Davis explains in his autobiography: “Sonny had just got back from playing a gig out in Chicago. He knew Bird, and Bird really liked Sonny, or “Newk” as we called him, because he looked like the Brooklyn Dodgers’ pitcher Don Newcombe. One day, me and Sonny were in a cab…when the white cabdriver turned around and looked at Sonny and said, `Damn, you’re Don Newcombe!” Man, the guy was totally excited. I was amazed, because I hadn’t thought about it before. We just put that cabdriver on something terrible. Sonny started talking about what kind of pitches he was going to throw Stan Musial, the great hitter for the St. Louis Cardinals, that evening…”

In 1956, Sonny began recording the first of a series of landmark recordings issued under his own name: Valse Hot introduced the practice, now common, of playing bop in 3/4 meter; St. Thomasinitiated his explorations of calypso patterns; and Blue 7 was hailed by Gunther Schuller as demonstrating a new manner of “thematic improvisation,” in which the soloist develops motifs extracted from his theme. Way Out West (1957), Rollins’s first album using a trio of saxophone, double bass, and drums, offered a solution to his longstanding difficulties with incompatible pianists, and exemplified his witty ability to improvise on hackneyed material (Wagon Wheels, I’m an Old Cowhand). It Could Happen to You (also 1957) was the first in a long series of unaccompanied solo recordings, and The Freedom Suite (1958) foreshadowed the political stances taken in jazz in the 1960s. During the years 1956 to 1958 Rollins was widely regarded as the most talented and innovative tenor saxophonist in jazz.

Rollins’s first examples of the unaccompanied solo playing that would become a specialty also appeared in this period; yet the perpetually dissatisfied saxophonist questioned the acclaim his music was attracting, and between 1959 and late `61 withdrew from public performance.

Sonny remembers that he took his leave of absence from the scene because “I was getting very famous at the time and I felt I needed to brush up on various aspects of my craft. I felt I was getting too much, too soon, so I said, wait a minute, I’m going to do it my way. I wasn’t going to let people push me out there, so I could fall down. I wanted to get myself together, on my own. I used to practice on the Bridge, the Williamsburg Bridge because I was living on the Lower East Side at the time.”

sonnyonthebridgefixedWhen he returned to action in late `61, his first recording was appropriately titled The Bridge. By the mid 60’s, his live sets became grand, marathon stream-of-consciousness solos where he would call forth melodies from his encyclopedic knowledge of popular songs, including startling segues and sometimes barely visiting one theme before surging into dazzling variations upon the next. Rollins was brilliant, yet restless. The period between 1962 and `66 saw him returning to action and striking productive relationships with Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, and his idol Hawkins, yet he grew dissatisfied with the music business once again and started yet another sabbatical in `66. “I was getting into eastern religions,” he remembers. “I’ve always been my own man. I’ve always done, tried to do, what I wanted to do for myself. So these are things I wanted to do. I wanted to go on the Bridge. I wanted to get into religion. But also, the Jazz music business is always bad. It’s never good. So that led me to stop playing in public for a while, again. During the second sabbatical, I worked in Japan a little bit, and went to India after that and spent a lot of time in a monastery. I resurfaced in the early 70s, and made my first record in `72. I took some time off to get myself together and I think it’s a good thing for anybody to do.”

In 1972, with the encouragement and support of his wife Lucille, who had become his business manager, Rollins returned to performing and recording, signing with Milestone and releasing Next Album. (Working at first with Orrin Keepnews, Sonny was by the early ’80s producing his own Milestone sessions with Lucille.) His lengthy association with the Berkeley-based label produced two dozen albums in various settings – from his working groups to all-star ensembles (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); from a solo recital to tour recordings with the Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); in the studio and on the concert stage (Montreux, San Francisco, New York, Boston). Sonny was also the subject of a mid-’80s documentary by Robert Mugge entitled Saxophone Colossus; part of its soundtrack is available as G-Man.

He won his first performance Grammy for This Is What I Do (2000), and his second for 2004’s Without a Song (The 9/11 Concert), in the Best Jazz Instrumental Solo category (for “Why Was I Born”). In addition, Sonny received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Recording Arts and Sciences in 2004.

In June 2006 Rollins was inducted into the Academy of Achievement – and gave a solo performance – at the International Achievement Summit in Los Angeles. The event was hosted by George Lucas and Steven Spielberg and attended by world leaders as well as distinguished figures in the arts and sciences.

Rollins was awarded the Austrian Cross of Honor for Science and Art, First Class, in November 2009. The award is one of Austria’s highest honors, given to leading international figures for distinguished achievements. The only other American artists who have received this recognition are Frank Sinatra and Jessye Norman.

In 2010 on the eve of his 80th birthday, Sonny Rollins is one of 229 leaders in the sciences, social sciences, humanities, arts, business, and public affairs who have been elected members of the American Academy of Arts and Sciences. A center for independent policy research, the Academy is among the nation’s oldest and most prestigious honorary societies and celebrates the 230th anniversary of its founding this year.

In August 2010, Rollins was named the Edward MacDowell Medalist, the first jazz composer to be so honored. The Medal has been awarded annually since 1960 to an individual who has made an outstanding contribution to his or her field.

Yet another major award was bestowed on Rollins on March 2, 2011, when he received the Medal of Arts from President Barack Obama in a White House ceremony. Rollins accepted the award, the nation’s highest honor for artistic excellence, “on behalf of the gods of our music.”

Since 2006, Rollins has been releasing his music on his own label, Doxy Records. The first Doxy album was Sonny, Please, Rollins’s first studio recording since This Is What I Do. That was followed by the acclaimed Road Shows, vol. 1 (2008), the first in a planned series of recordings from Rollins’s audio archives.

Mr. Rollins released Road Shows, vol. 2 in the fall of 2011. In addition to material recorded in Sapporo and Tokyo, Japan during an October 2010 tour, the recording contains several tracks from Sonny’s September 2010 80th birthday concert in New York—including the historic and electrifying encounter with Ornette Coleman.

On December 3, 2011 Sonny Rollins was one of five 2011 Kennedy Center honorees, alongside actress Meryl Streep, singer Barbara Cook, singer/songwriter Neil Diamond and cellist Yo-Yo Ma.   Rollins said of the honor, “I am deeply appreciative of this great honor. In honoring me, the Kennedy Center honors jazz, America’s classical music. For that, I am very grateful.”

The saxophonist’s most recent CD is Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  He has just completed editing Road Shows, vol. 4, for Spring 2016 release.

https://sonnyrollins.com/biography/

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Theodore Walter Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York. Creció en Harlem no lejos del Savoy Ballroom, el Teatro Apolo y la puerta de su ídolo, Coleman Hawkins. Tras el descubrimiento temprano de Fats Waller y Louis Armstrong, empezó con el saxo alto, inspirado por Louis Jordan. A la edad de 16 años, cambió a tenor, tratando de emular a Hawkins. También cayó bajo el hechizo de la revolución musical que lo rodeaba, el Bebop.

Empezó a seguir a Charlie Parker, y pronto se puso bajo el ala de Thelonious Monk, que se convirtió en su mentor musical y gurú. Viviendo en Sugar Hill, entre sus compañeros musicales de barrio se encontraban Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor, pero fue el joven Sonny el primero en salir de la manada, trabajando y grabando con Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell y Miles Davis antes de cumplir los veinte años.

"Por supuesto, estas personas están ahí para ser llamadas porque creo que los represento de alguna manera", dijo Rollins recientemente sobre sus compañeros y mentores. "No están aquí ahora, así que siento que los represento a todos ellos, a todos los chicos. Recuerden que soy uno de los últimos que quedan, como me dicen constantemente, así que siento una obligación sagrada a veces de evocar a estas personas".

A principios de los 50, estableció una reputación, primero entre los músicos y luego entre el público, como el joven tenor más descarado y creativo de la escena, a través de su trabajo con Miles, Monk y el MJQ.

Miles Davis fue uno de los primeros fans de Sonny Rollins y en su autobiografía escribió que "empezó a salir con Sonny Rollins y su gente de Sugar Hill Harlem... de todas formas, Sonny tenía una gran reputación entre muchos de los músicos más jóvenes de Harlem". La gente amaba a Sonny Rollins en Harlem y en todas partes. Era una leyenda, casi un dios para muchos de los músicos jóvenes. Algunos pensaban que tocaba el saxofón al nivel de Bird. Sé una cosa, estaba cerca. Era un músico agresivo e innovador que siempre tenía ideas musicales frescas. Lo amaba en ese entonces como músico y también podía escribir su trasero..."

Sonny se mudó a Chicago por unos años para alejarse de los elementos negativos que rodean la escena del Jazz. Reapareció a finales de 1955 como miembro del Quinteto Clifford Brown-Max Roach, con una presencia aún más autoritaria. Su marca registrada se convirtió en un estilo cáustico, a menudo humorístico, de invención melódica, un dominio de todo, desde las baladas más arcanas hasta los calipsos, y una lógica primordial en su forma de tocar que lo encontró aclamado por los modelos de improvisación temática.

Fue durante este tiempo que Sonny adquirió un apodo, "Newk". Como explica Miles Davis en su autobiografía: "Sonny acababa de regresar de un concierto en Chicago. Conocía a Bird, y a Bird le gustaba mucho Sonny, o "Newk" como lo llamábamos, porque se parecía al lanzador de los Dodgers de Brooklyn, Don Newcombe. Un día, Sonny y yo estábamos en un taxi... cuando el taxista blanco se dio la vuelta y miró a Sonny y le dijo: "¡Maldita sea, eres Don Newcombe!" Tío, el tipo estaba totalmente excitado. Estaba sorprendido, porque no había pensado en ello antes. Acabamos de poner a ese taxista en algo terrible. Sonny empezó a hablar de qué tipo de lanzamientos iba a hacer Stan Musial, el gran bateador de los Cardenales de San Luis, esa noche..."

En 1956, Sonny comenzó a grabar la primera de una serie de grabaciones históricas publicadas con su propio nombre: Valse Hot introdujo la práctica, ahora común, de tocar bop en 3/4 de metro; St. Thomas inició sus exploraciones de los patrones del calipso; y Blue 7 fue aclamado por Gunther Schuller como una nueva forma de "improvisación temática", en la que el solista desarrolla motivos extraídos de su tema. Way Out West (1957), el primer álbum de Rollins con un trío de saxofón, contrabajo y batería, ofreció una solución a sus antiguas dificultades con pianistas incompatibles, y ejemplificó su ingeniosa habilidad para improvisar sobre material trillado (Wagon Wheels, I'm an Old Cowhand). It Could Happen to You (también 1957) fue la primera de una larga serie de grabaciones en solitario sin acompañamiento, y The Freedom Suite (1958) prefiguró las posturas políticas adoptadas en el jazz en el decenio de 1960. Durante los años 1956 a 1958 Rollins fue considerado como el saxofonista tenor más talentoso e innovador del jazz.

Los primeros ejemplos de Rollins de la interpretación en solitario sin acompañamiento que se convertiría en una especialidad también aparecieron en este período; sin embargo, el saxofonista, perpetuamente insatisfecho, cuestionó la aclamación que su música estaba atrayendo, y entre 1959 y finales de 1961 se retiró de la actuación pública.

Sonny recuerda que se despidió de la escena porque "me estaba volviendo muy famoso en ese momento y sentí que necesitaba repasar varios aspectos de mi oficio. Sentí que estaba recibiendo demasiado, demasiado pronto, así que dije, espera un minuto, voy a hacerlo a mi manera. No iba a dejar que la gente me empujara ahí fuera, para que me cayera. Quería recomponerme, por mi cuenta. Solía practicar en el puente, el puente de Williamsburg, porque en ese momento vivía en el Lower East Side".

Cuando volvió a la acción a finales del 61, su primera grabación se tituló apropiadamente El Puente. A mediados de los 60, sus directos se convirtieron en grandes y maratónicos solos de consciencia donde sacaba melodías de su conocimiento enciclopédico de las canciones populares, incluyendo sorprendentes segundas partes y a veces apenas visitando un tema antes de pasar a deslumbrantes variaciones sobre el siguiente. Rollins era brillante, pero inquieto. El período entre 1962 y 1966 le vio volver a la acción y establecer relaciones productivas con Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, y su ídolo Hawkins, pero se descontento con el negocio de la música una vez más y comenzó otro año sabático en 1966. "Me estaba metiendo en las religiones orientales", recuerda. "Siempre he sido mi propio hombre. Siempre he hecho, tratado de hacer, lo que he querido hacer por mí mismo. Así que estas son las cosas que quería hacer. Quería ir al puente. Quería entrar en la religión. Pero también, el negocio de la música de Jazz siempre es malo. Nunca es bueno. Así que eso me llevó a dejar de tocar en público por un tiempo, de nuevo. Durante el segundo año sabático, trabajé un poco en Japón, y después me fui a la India y pasé mucho tiempo en un monasterio. Resurgí a principios de los 70, e hice mi primer disco en el 72. Me tomé un tiempo libre para recomponerme y creo que es algo bueno para cualquiera".

En 1972, con el estímulo y el apoyo de su esposa Lucille, que se había convertido en su gerente comercial, Rollins volvió a actuar y a grabar, firmando con Milestone y lanzando Next Album. (Trabajando al principio con Orrin Keepnews, Sonny estaba a principios de los 80 produciendo sus propias sesiones de Milestone con Lucille). Su larga asociación con el sello discográfico de Berkeley produjo dos docenas de álbumes en varios escenarios - desde sus grupos de trabajo hasta conjuntos de estrellas (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); desde un recital en solitario hasta grabaciones de gira con los Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); en el estudio y en el escenario de conciertos (Montreux, San Francisco, Nueva York, Boston). Sonny también fue objeto de un documental de mediados de los años ochenta de Robert Mugge titulado Saxophone Colossus; parte de su banda sonora está disponible como G-Man.

Ganó su primer Grammy por This Is What I Do (2000), y su segundo por Without a Song (The 9/11 Concert) de 2004, en la categoría de Mejor Solo Instrumental de Jazz (por "Why Was I Born"). Además, Sonny recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación en 2004.

En junio de 2006 Rollins fue admitido en la Academia de Logros, y realizó una actuación en solitario, en la Cumbre Internacional de Logros de Los Ángeles. El evento fue presentado por George Lucas y Steven Spielberg y asistieron líderes mundiales así como distinguidas figuras de las artes y las ciencias.

Rollins fue galardonado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase, en noviembre de 2009. El premio es uno de los más altos honores de Austria, otorgado a las principales figuras internacionales por sus distinguidos logros. Los únicos otros artistas americanos que han recibido este reconocimiento son Frank Sinatra y Jessye Norman.

En 2010, en la víspera de su 80 cumpleaños, Sonny Rollins es uno de los 229 líderes en ciencias, ciencias sociales, humanidades, artes, negocios y asuntos públicos que han sido elegidos miembros de la Academia Americana de Artes y Ciencias. La Academia, un centro de investigación política independiente, es una de las sociedades honorarias más antiguas y prestigiosas del país y celebra este año el 230 aniversario de su fundación.

En agosto de 2010, Rollins fue nombrado medallista Edward MacDowell, el primer compositor de jazz en recibir este honor. La Medalla se ha concedido anualmente desde 1960 a un individuo que ha hecho una contribución sobresaliente en su campo.

Otro premio importante fue otorgado a Rollins el 2 de marzo de 2011, cuando recibió la Medalla de las Artes del Presidente Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. Rollins aceptó el premio, el más alto honor de la nación por excelencia artística, "en nombre de los dioses de nuestra música".

Desde 2006, Rollins ha estado publicando su música en su propio sello, Doxy Records. El primer álbum de Doxy fue Sonny, Please, la primera grabación de estudio de Rollins desde This Is What I Do. A esto le siguió el aclamado Road Shows, vol. 1 (2008), el primero de una serie de grabaciones previstas de los archivos de audio de Rollins.

El Sr. Rollins publicó Road Shows, vol. 2 en el otoño de 2011. Además del material grabado en Sapporo y Tokio, Japón, durante una gira en octubre de 2010, la grabación contiene varios temas del concierto del 80º cumpleaños de Sonny en Nueva York en septiembre de 2010, incluyendo el histórico y electrizante encuentro con Ornette Coleman.

El 3 de diciembre de 2011 Sonny Rollins fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center en 2011, junto con la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond y el violonchelista Yo-Yo Ma.   Rollins dijo del honor: "Estoy profundamente agradecido por este gran honor. Al honrarme, el Kennedy Center honra el jazz, la música clásica de Estados Unidos. Por eso, estoy muy agradecido".

El CD más reciente del saxofonista es Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  Acaba de terminar la edición de Road Shows, vol. 4, para su lanzamiento en la primavera de 2016.

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Steve Allen • Soulful Brass #2

 

 

American composer, pianist and comedian, born 26 December 1921 in New York City, New York, USA and died 30 October 2000 in Los Angeles, California, USA. Allen is best known as a talk show pioneer and for hosting numerous radio & TV shows including Tonight show and later The Steve Allen Show. Allen also supposedly wrote more than 7,000 songs and composed a few scores for film and television.

Art Farmer • Farmer's Market

 

 

Born on Aug. 21, 1928, in Iowa, Farmer was raised in Phoenix, Arizona along with his twin brother Addison. They moved to Los Angeles in 1945 and during the late '40s, Farmer worked with the West Coast based bands of Jay McShann, Johnny Otis, Roy Porter and Benny Carter. He also worked with Wardell Gray and in 1952-'53 he went to Europe on the same Lionel Hampton tour as Clifford Brown, Gigi Gryce and Quincy Jones. Upon his return he decided to settle in New York City and shortly thereafter, he worked with Gryce (1954-'56), Horace Silver (1956-'58) and Gerry Mulligan (1958-'59).

Then, in 1959, he became a co-leader of the Jazztet with Benny Golson, a group that remained together from 1959-'62 and was revived in the early '80s. The Jazztet possibly enjoyed less success than it deserved. The unique combination of Farmer's improvisational talent and leadership combined with Benny Golson's gift for composition and arrangement produced a number of world-class recordings. Apart from Golson, the Jazztet included a young McCoy Tyner and trombonist Curtis Fuller.

Following the first Jazztet, Farmer worked in a quartet format with Jim Hall, which lasted until 1964. In musical terms Farmer's trademarks have always been; carefully built melodic statements, beautifully proportioned solos and a rich and mellow sound. Since the early 60-s Farmer has played the flugelhorn as his primary instrument which has only enhanced the mellowness of his tone. He travelled to Europe in the mid '60s for solo tours and worked with Jimmy Heath at home, before taking a job with the Austrian Radio Orchestra in 1968.

Since then he has toured around the world, often returning home for club dates and recordings. In the 80s he recorded 3 fine albums for Contemporary, Clifford Jordan plays sax on all three. In recent years he has taken up the flumpet, a hybrid blending qualities of the trumpet and flugelhorn.
https://musicians.allaboutjazz.com/artfarmer

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Nacido el 21 de agosto de 1928 en Iowa, Farmer se crió en Phoenix, Arizona, junto con su hermano gemelo Addison. Se trasladaron a Los Ángeles en 1945 y, a finales de los años 40, Farmer trabajó con las bandas de la Costa Oeste de Jay McShann, Johnny Otis, Roy Porter y Benny Carter. También trabajó con Wardell Gray y en 1952-53 fue a Europa en la misma gira de Lionel Hampton que Clifford Brown, Gigi Gryce y Quincy Jones. A su regreso, decidió instalarse en Nueva York y, poco después, trabajó con Gryce (1954-'56), Horace Silver (1956-'58) y Gerry Mulligan (1958-'59).

Luego, en 1959, se convirtió en colíder del Jazztet con Benny Golson, un grupo que permaneció unido desde 1959-'62 y que se recuperó a principios de los 80. El Jazztet posiblemente tuvo menos éxito del que merecía. La combinación única del talento para la improvisación y el liderazgo de Farmer, junto con el don de Benny Golson para la composición y los arreglos, produjo una serie de grabaciones de primera clase. Además de Golson, el Jazztet incluía a un joven McCoy Tyner y al trombonista Curtis Fuller.

Tras el primer Jazztet, Farmer trabajó en formato de cuarteto con Jim Hall, que duró hasta 1964. Desde el punto de vista musical, las marcas de Farmer siempre han sido: declaraciones melódicas cuidadosamente construidas, solos bellamente proporcionados y un sonido rico y suave. Desde principios de los años 60, Farmer ha tocado el flugelhorn como su instrumento principal, lo que no ha hecho más que aumentar la suavidad de su tono. A mediados de los 60 viajó a Europa para hacer giras en solitario y trabajó con Jimmy Heath en su país, antes de aceptar un trabajo en la Orquesta de la Radio Austriaca en 1968.

Desde entonces, ha realizado giras por todo el mundo, volviendo a menudo a su país para participar en clubes y grabaciones. En los años 80 grabó tres excelentes álbumes para Contemporary, en los que Clifford Jordan toca el saxo. En los últimos años se ha dedicado a tocar la flumpet, un híbrido que combina las cualidades de la trompeta y el flugelhorn.
https://musicians.allaboutjazz.com/artfarmer

Pete Terrace • King Of The Boogaloo

 

Review by Tony Wilds

Recorded live at Chez José in New York, King of the Boogaloo is a fine boogaloo record, especially for a budget label. Two-thirds of the tunes are original and the rest are by the Joe Cuba Sextet and Johnny Rivera. Most are vocal in a campy, hoarse "soul" style; the singer (Terrace?) is not about to win any awards, but this is supposedly a live set full of spontaneity and joy. The initials in "D.M. Boogaloo," one of the hipper instrumentals, surely refer to David L. Miller, the house producer and director for Alshire's budget Somerset label. One last thrill is the jacket photo of Terrace plinking away at the vibes while mod '60s dancers gyrate directly in front. Note that seven of the originals also appear on the ten-track Pete Terrace LP, Latin Soul, on Mio International.

https://www.allmusic.com/album/king-of-the-boogaloo-mw0000989835

Artist Biography by Rovi Staff

Born to Puerto Rican parents. Started in music in 1940. His first job was with El Sexteto Caney, then followed stints with the Sensemaya Kids, Jose Curbelo, Ralph Font, Noro Morales, and Juanito Sanabria. He served 18 months in the US Army. As a civilian in 1947 he drummed for Bartolo Hernandez before joining the Joe Loco Quintet in 1952. His debut as a bandleader in 1956 resulted in a hit LP. He graduated from Juilliard Conservatory of Music with a B.S. in 1966, and earned his masters a year later.

https://www.allmusic.com/artist/pete-terrace-mn0000523404

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Reseña de Tony Wilds

Grabado en vivo en Chez José en Nueva York, King of the Boogaloo es un buen disco de boogaloo, especialmente para un sello de bajo presupuesto. Dos tercios de los temas son originales y el resto son del Sexteto de Joe Cuba y Johnny Rivera. La mayoría son vocales en un estilo de "alma" ronca y acampada; el cantante (¿Terraza?) no está a punto de ganar ningún premio, pero se supone que se trata de un directo lleno de espontaneidad y alegría. Las iniciales en "D.M. Boogaloo", uno de los instrumentos más modernos, seguramente se refieren a David L. Miller, el productor de la casa y director del sello Somerset de Alshire. Una última emoción es la foto de la chaqueta de Terrace, mientras que los bailarines del mod `60 giran directamente al frente. Tenga en cuenta que siete de los originales también aparecen en el LP de diez pistas de Pete Terrace, Latin Soul, en Mio International.

https://www.allmusic.com/album/king-of-the-boogaloo-mw0000989835

Biografía del artista por el personal de Rovi

Nacido de padres puertorriqueños. Comenzó en la música en 1940. Su primer trabajo fue con El Sexteto Caney, luego siguió con los Sensemaya Kids, José Curbelo, Ralph Font, Noro Morales y Juanito Sanabria. Estuvo 18 meses en el ejército de los Estados Unidos. Como civil en 1947, tocó la batería para Bartolo Hernández antes de unirse al quinteto Joe Loco en 1952. Su debut como director de orquesta en 1956 resultó en un exitoso LP. Se graduó del Conservatorio de Música de Juilliard con una licenciatura en 1966, y obtuvo su maestría un año después.

https://www.allmusic.com/artist/pete-terrace-mn0000523404
  

Teymur Phell • Master Volume

 

 

Teymur is a virtuoso bassist, proficient in classical, upright jazz and electric bass. He graduated with honors from the Jerusalem Academy of Music, then moved to New York City and quickly became a sought-after bassist touring and recording with professionals like Mike Stern and others.
https://www.asterope.com/teymur-phell


About:
Teymur Phell was Born in Baku Azerbaijan in 1987 and immigrated with his family to Israel in 1991.

Despite growing up in an extremely musical home, Teymur has started playing music only at the age of 13. It was the electric bass and it was love at first sight.

After graduating from Vizzo arts high-school in Haifa, Teymur continues he’s studies at the Jerusalem academy of music, in the classical department under maestro Michael Klinghoffer - Professor of  double bass.

In 2010, upon graduating with honors, Teymur moves to New York and quickly establishes himself as a prominent force on the scene.

Since Then, Teymur has worked as a side man and performed with a long list of top musicians such as Arturo Sandoval, Mike Stern, Leni Stern, Bill Evans, Randy Brecker, Simon Phillips, Oz Noy, Dennis Chambers, Leni White, Amal Murkus, Steve Smith and many many more.

Teymur’s debut album Master Volume combines electric jazz, fusion, and funk with influences from Teymur’s motherland, Azerbaijan, as well as his upbringing in Israel. Each tune has a unique structure that tells its own compelling story that draws the audience in. One listen and you’ll know that there is a deeper statement being made. At the same time, the performances are breathtaking without exception.

This album features a great cast of musicians, including Nitzan Gavrieli, Lionel Cordew, Chad Lefkowitz Brown, Itai Kriss, and Daniel Sadownick, along with Mike Stern and Dennis Chambers. This is some of the finest playing there is.

“This is the record I always wanted to do. It’s one-hundred percent original music,‘ says Teymur about the album. “There’s something in this record for everyone.” - TP
https://www.teymurphell.com/

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Teymur es un bajista virtuoso que domina el bajo clásico, el jazz vertical y el bajo eléctrico. Se graduó con honores en la Academia de Música de Jerusalén, luego se trasladó a la ciudad de Nueva York y rápidamente se convirtió en un solicitado bajista que realiza giras y grabaciones con profesionales como Mike Stern y otros.
https://www.asterope.com/teymur-phell


Acerca de:
Teymur Phell nació en Bakú, Azerbaiyán, en 1987 y emigró con su familia a Israel en 1991.

A pesar de haber crecido en un hogar extremadamente musical, Teymur empezó a tocar música sólo a los 13 años. Fue el bajo eléctrico y fue amor a primera vista.

Después de graduarse en la escuela secundaria de artes Vizzo en Haifa, Teymur continúa sus estudios en la academia de música de Jerusalén, en el departamento de música clásica con el maestro Michael Klinghoffer, profesor de contrabajo.

En 2010, al graduarse con honores, Teymur se traslada a Nueva York y rápidamente se establece como una fuerza prominente en la escena.

Desde entonces, Teymur ha trabajado como acompañante y ha actuado con una larga lista de músicos de primera línea como Arturo Sandoval, Mike Stern, Leni Stern, Bill Evans, Randy Brecker, Simon Phillips, Oz Noy, Dennis Chambers, Leni White, Amal Murkus, Steve Smith y muchos más.

El álbum de debut de Teymur, Master Volume, combina el jazz eléctrico, la fusión y el funk con influencias de la patria de Teymur, Azerbaiyán, así como de su educación en Israel. Cada tema tiene una estructura única que cuenta su propia historia convincente que atrae al público. Una sola escucha y sabrá que se está haciendo una declaración más profunda. Al mismo tiempo, las interpretaciones son impresionantes sin excepción.

Este álbum cuenta con un gran elenco de músicos, como Nitzan Gavrieli, Lionel Cordew, Chad Lefkowitz Brown, Itai Kriss y Daniel Sadownick, junto con Mike Stern y Dennis Chambers. Esto es algo de lo mejor que se puede tocar.

"Este es el disco que siempre quise hacer. Es música cien por cien original", dice Teymur sobre el álbum. "En este disco hay algo para todo el mundo". - TP
https://www.teymurphell.com/


www.teymurphell.com ...

Martin Taylor • Double Standards

 

Review

Martin Taylor has long been one of the most accomplished guitarists on the jazz scene and while he has performed with a number of different guitarists in a duo setting, this time around he chose to play duets with himself via overdubbing. Choosing a dozen tunes, including standards, jazz classics, and bossa novas, Taylor weaves masterful mostly improvised arrangements, recording one line while imagining what the accompanying part might sound like in his head as he was playing. The duo performance of Duke Ellington's "Drop Me Off in Harlem" is a highlight, with an intricate introduction and a punchy chart that swings like mad. One can just imagine how his old boss, the late Stéphane Grappelli, would have enjoyed taking part on this track, along with the buoyant setting of Toots Thielemans' engaging "Bluesette." His poignant take of "Young and Foolish" and light-hearted brisk waltz setting of "Alice in Wonderland," two gems not played very often in the early 21st century, are great melodies rejuvenated by his imaginative scoring. His intimate reading of "Estaté" and lyrical treatment of "Triste" almost seem to sing though there are no vocals. It's impossible not to break into a smile and think of pianist/vocalist Nat King Cole when Taylor offers his take of "When I Take My Sugar to Tea." Double Standards easily doubles the listening experience for jazz guitar fans from start to finish.

by Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/double-standards-mw0000796637

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Reseña

Martin Taylor ha sido durante mucho tiempo uno de los guitarristas más consumados de la escena del jazz y aunque ha actuado con varios guitarristas diferentes en un entorno de dúo, esta vez eligió tocar a dúo con él mismo a través del overdubbing. Escogiendo una docena de temas, incluyendo estándares, clásicos del jazz y bossa novas, Taylor teje magistralmente arreglos mayormente improvisados, grabando una línea mientras imagina cómo podría sonar la parte de acompañamiento en su cabeza mientras tocaba. La interpretación a dúo de "Drop Me Off in Harlem" de Duke Ellington es un punto culminante, con una introducción intrincada y un gráfico impactante que se balancea como loco. Uno puede imaginar cómo su antiguo jefe, el difunto Stéphane Grappelli, habría disfrutado participando en esta pista, junto con el boyante escenario de la atractiva "Bluesette" de Toots Thielemans. Su conmovedora toma de "Young and Foolish" y la alegre puesta en escena del vals de "Alicia en el País de las Maravillas", dos joyas que no se tocan muy a menudo a principios del siglo XXI, son grandes melodías rejuvenecidas por su imaginativa puntuación. Su lectura íntima de "Estaté" y el tratamiento lírico de "Triste" casi parecen cantar aunque no hay voces. Es imposible no sonreír y pensar en el pianista/vocalista Nat King Cole cuando Taylor ofrece su versión de "When I Take My Sugar to Tea". Double Standards duplica fácilmente la experiencia auditiva de los fans de la guitarra de jazz de principio a fin.

por Ken Dryden

https://www.allmusic.com/album/double-standards-mw0000796637

 

 

 

martintaylor.com ...

 

 Colaborador / Contribuitor:  Michel

Eddie Higgins • Portrait In Black And White

Biography

Born and raised in New England, Eddie (Haydn) Higgins started his professional career in Chicago, while studying at the Northwestern University Music School. For twenty years Eddie worked at some of Chicago's best known jazz clubs, including the Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn and Jazz Ltd. His longest and most memorable job was at the London House, where he led the house trio for twelve years, playing opposite the biggest jazz stars of the 50's and 60's, including Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans and many others.

During his stay in Chicago, Eddie recorded a number of albums under his auspices and many more as a sideman with a wide variety of musicians, ranging in style from Coleman Hawkins to Wayne Shorter, Don Goldie to Freddie Hubbard, Jack Teagarden to Al Grey. Eddie's versatility is well-known: he has backed singers, done studio work as both pianist and arranger and worked in every jazz medium from Dixieland to Modern Jazz.

In 1970, Eddie moved to Ft. Lauderdale, Florida and began spending winters in Florida and summers on Cape Cod, where he plays local clubs and enjoys sailing and tennis. Since the early 1980's, Eddie has traveled widely on the jazz festival circuit and has performed frequently in Europe and Japan. His releases on the Japanese “Venus” label have earned him number one in jazz sales on more than one album. In 1988, Eddie and jazz singer/pianist/artist Meredith d'Ambrosio were married and have become a popular team at clubs and festivals, as well as recording for Sunnyside Records.

In recent years, Eddie's recording activity has become even more prolific and attention to his play has grown to be more widely recognized. He has received praise from such as Nat Hentoff and Gary Giddons. Attempts to describe his style are exemplified by the following:

To these tributes, I would add that Eddie's play can be extraordinarily moving. Listen to his treatment of Brazilian themes on “Speaking of Jobim” and solo work on the album “Time On My Hands,” the latter which achieves an almost unparalleled marriage of style, composition and audio fidelity. You would think it was being played in a cathedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

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Biografía

Nacido y criado en Nueva Inglaterra, Eddie (Haydn) Higgins comenzó su carrera profesional en Chicago, mientras estudiaba en la Escuela de Música de la Universidad de Northwestern. Durante veinte años Eddie trabajó en algunos de los clubes de jazz más conocidos de Chicago, incluyendo el Brass Rail, Preview Lounge, Blue Note, Cloister Inn y Jazz Ltd. Su trabajo más largo y memorable fue en la London House, donde dirigió el trío de la casa durante doce años, tocando frente a las mayores estrellas del jazz de los años 50 y 60, incluyendo a Stan Getz, Oscar Peterson, Dizzy Gillespie, Errol Garner, George Shearing, Cannonball Adderley, Bill Evans y muchos otros.

Durante su estancia en Chicago, Eddie grabó varios álbumes bajo sus auspicios y muchos más como sideman con una amplia variedad de músicos, desde Coleman Hawkins a Wayne Shorter, Don Goldie a Freddie Hubbard, Jack Teagarden a Al Grey. La versatilidad de Eddie es bien conocida: ha apoyado a cantantes, ha trabajado en estudios como pianista y arreglista y ha trabajado en todos los medios de jazz, desde Dixieland hasta Modern Jazz.

En 1970, Eddie se mudó a Ft. Lauderdale, Florida y comenzó a pasar los inviernos en Florida y los veranos en Cape Cod, donde juega en clubes locales y disfruta de la vela y el tenis. Desde principios de los años 80, Eddie ha viajado mucho por el circuito de festivales de jazz y ha tocado frecuentemente en Europa y Japón. Sus lanzamientos en el sello japonés "Venus" le han valido el número uno en ventas de jazz en más de un álbum. En 1988, Eddie y la cantante, pianista y artista de jazz Meredith d'Ambrosio se casaron y se han convertido en un equipo popular en clubes y festivales, además de grabar para Sunnyside Records.

En los últimos años, la actividad discográfica de Eddie se ha vuelto aún más prolífica y la atención a su obra ha crecido hasta ser más ampliamente reconocida. Ha recibido elogios de Nat Hentoff y Gary Giddons. Los intentos de describir su estilo se ejemplifican con lo siguiente:

A estos homenajes, añadiría que la obra de Eddie puede ser extraordinariamente conmovedora. Escuche su tratamiento de los temas brasileños en "Speaking of Jobim" y su trabajo en solitario en el álbum "Time On My Hands", este último que logra un matrimonio casi inigualable de estilo, composición y fidelidad de audio. Uno pensaría que se está tocando en una catedral.

https://musicians.allaboutjazz.com/eddiehiggins

The Modern Jazz Trio with Jerry Bergonzi • Standard Gonz

 

Carl Winther is known as one of Denmark’s best young piano players. Son of the world famous composer and trumpet player, Jens Winther, he started touring at an early age. His performance is breathtaking and virtuous, with a fluent ability to improvise. An educated Jazz and Classic musician, Winther has been awarded for his precise and extravagant compositions, and his amazing skills.

His trio, driven on by this excellent presence on bass from Johnny Aman and veteran drummer Anders Mogensen is at my opinion one of the strogest combos ever supporting the Bergonzi’s tremendous tenor sound: the gorgeous, sparkling interplay seems to have this soaring vision that’s even more than the sum of its parts.

The collaboration with Bergonzi, spanning over a decade, generated five marvellous albums: Sonic Shapes (2011 Stunt) with bassist Joel Illerhag, Tetragonz (2013 Stunt), Inner Journey (2017 Steeplechase Lookout) and two more for quintet including trumpeter Phil Grenadier (Dog Star, 2017 Savant and Dedication, 2018 AMM).

The quartet toured extensively in festivals and venues in Denmark, Northen Europe, Canada and USA
Mogensen’s label AMM took out from his cylinder hat this wonderful live spontaneous session with these long time friends playing effortlessy some favorite standards. Top tracks: The Best Thing for You Is Me and Let’s Pretend.

The recording date and the venue (it might have been performed at a Copenhagen Festival) are undisclosed, but since the first track, the extraordinary gearing joy created by the quartet quickly dissolves the disappointment for the missing informations.

Bergonzi is in great shape here and it is always a pleasure to listen to his elegant and imaginative phrasing, rich in inventiveness and capable of striking and surprising an enthusiast audience. He is still one of the undisputed masters of the modern saxophone, supported here by prestigious musicians able to hold the ranks of a luxuriant live set like this one.

This is another surprising gem iand a very welcome addition in the wide Bergonzi’s discography.
https://jazzbluesnews.com/2021/03/17/cd-review-the-modern-jazz-trio-with-jerry-bergonzi-standard-gonz-2021-videos-cd-cover/

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Carl Winther es conocido como uno de los mejores pianistas jóvenes de Dinamarca. Hijo del mundialmente famoso compositor y trompetista Jens Winther, empezó a hacer giras a una edad temprana. Su interpretación es impresionante y virtuosa, con una fluida capacidad de improvisación. Músico de jazz y de música clásica, Winther ha sido premiado por sus composiciones precisas y extravagantes, y por su sorprendente habilidad.

Su trío, impulsado por la excelente presencia en el bajo de Johnny Aman y el veterano baterista Anders Mogensen, es, en mi opinión, uno de los combos más elegantes que jamás haya apoyado el tremendo sonido del tenor de Bergonzi: la magnífica y chispeante interrelación parece tener esta visión elevada que es incluso más que la suma de sus partes.

La colaboración con Bergonzi, que abarca más de una década, generó cinco maravillosos álbumes: Sonic Shapes (2011 Stunt) con el bajista Joel Illerhag, Tetragonz (2013 Stunt), Inner Journey (2017 Steeplechase Lookout) y dos más para quinteto que incluyen al trompetista Phil Grenadier (Dog Star, 2017 Savant y Dedication, 2018 AMM).

El cuarteto realizó numerosas giras en festivales y salas de Dinamarca, el norte de Europa, Canadá y Estados Unidos
El sello de Mogensen, AMM, sacó de su chistera esta maravillosa sesión espontánea en directo con estos amigos de toda la vida tocando sin esfuerzo algunos estándares favoritos. Los mejores temas: The Best Thing for You Is Me y Let's Pretend.

La fecha de grabación y el lugar (puede que se haya realizado en un festival de Copenhague) no se han revelado, pero desde el primer tema, la extraordinaria alegría de marcha creada por el cuarteto disuelve rápidamente la decepción por la falta de información.

Bergonzi está aquí en plena forma y siempre es un placer escuchar su fraseo elegante e imaginativo, rico en inventiva y capaz de impactar y sorprender a un público entusiasta. Sigue siendo uno de los maestros indiscutibles del saxofón moderno, apoyado aquí por músicos de prestigio capaces de mantener el rango de un lujoso directo como éste.

Se trata de otra joya sorprendente y de una adición muy bienvenida en la amplia discografía de Bergonzi.
https://jazzbluesnews.com/2021/03/17/cd-review-the-modern-jazz-trio-with-jerry-bergonzi-standard-gonz-2021-videos-cd-cover/

Svend Asmussen Quartet ‎• Fit as a Fiddle

 

  

Tito Puente & His Orchestra • Bossa Nova

 

Hugo Montenegro • Lady In Cement

  

VA • 100 Accordion Jazz Classics [OK]

Artists:
George Shearing
The Jungle Band
George Shearing Quintet
Gus Viseur
Harry James & His Orchestra
The Benny Goodman Sextet
Benny Goodman Quintet
Bennie Moten's Kansas City Orchestra
Charles Verstraete
Ray Miller And His Orchestra
Gus Viseur Et Son Orchestre
Tony Murena Et Son Ensemble Swing
Michel Warlop Et Son Orchestre
The Cellar Boys
Jerry Thomas Swingtette
Tito & His Swingtette
Mat Mathews
Washington-Bertolin's Swing Sextet
Joe Mooney Quartet
Quartette Swing Emile Carrara
Tito Burns & His Sextet
Hubert Simplisse Et Son Ensemble
Kamil Behounek
Art Van Damme
lill-Arnes Sväng-Gäng
Willie Lewis Presents
Guerino Et Son Orchestre Musette De La Boite A Matelots
Charles Verstraete et son Ensemble
Rolf Syversen Og Ans Solister
Louis Richard Day's Accordeon Swing Quartet
Kamil Behounek Hot Harmonica
Tony Murena Et Son Ensemble
Radics Gàbor Jazz-Egvuttese
Quintet Johnny Meyer
Tony Murena Et Son Orchestre
Gus Viseur & L'Orchestre Victor
Ramblers Orkestreri Klaus Salmen Johdolla
Cornell Smelser and His Orchestra
Frans Wouters En Zyn Dansorkest
Emil Hot Five
L'Accordeoniste Gus Viseur Et L'orchestre Victor
Roger Etlens Et Son Ensemble

Astrud Gilberto • Look To The Rainbow

 

Review from AllMusic (by Bob Rusch):
This was a beautiful bossa nova record of Astrud Gilberto's vocal stylings...All the material (32:13) here, with the exception of "Learn to Live Alone" and "Pretty Place," which were arranged by Al Cohn, were arranged by Gil Evans. With the exception of a Johnny Coles trumpet solo, the personnel was uncredited on this 1966 recording. Discographies have credited Bob Brookmeyer (valve trombone), Kenny Burrell (guitar), and Grady Tate (drums), but except for a few bars of sax, there was no solo individualism in this large Creed Taylor-produced orchestra.
https://www.allmusic.com/album/look-to-the-rainbow-mw0000188205

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Reseña de AllMusic (por Bob Rusch):
Este fue un hermoso disco de bossa nova con los estilos vocales de Astrud Gilberto... Todo el material (32:13) aquí, con excepción de "Learn to Live Alone" y "Pretty Place," que fueron arreglados por Al Cohn, fueron arreglados por Gil Evans. Con excepción de un solo de trompeta de Johnny Coles, el personal no fue acreditado en esta grabación de 1966. Las discografías han acreditado a Bob Brookmeyer (trombón de válvulas), Kenny Burrell (guitarra) y Grady Tate (batería), pero excepto por unos pocos compases de saxofón, no hubo individualismo solista en esta gran orquesta producida por Creed Taylor.
https://www.allmusic.com/album/look-to-the-rainbow-mw0000188205

 

www.astrudgilberto.com ...

Coleman Hawkins • At Ease

 

In this crazy run-around world where we never really have time to stop and appreciate all the good things in our lives, it is pretty hard to make time for Coleman Hawkins. But that is precisely why it is so important to do so. They really never invented a saxophone player better than him, and very few musicians have ever gotten closer to what jazz is supposed to be.

At Ease with Coleman Hawkins, originally released in 1960, is like a 42-minute journey into Zen simplicity, with a touch of sexy swagger on the side. Many people today have forgotten just how good the Bean was at this stage of his career. But just because none of the work here is as revolutionary as his work in the 1920s, '30s or '40s doesn't mean these songs aren't full of beauty and invention. His work here on "Then I'll Be Tired of You" starts off kind of sleepy, all loopy Dean Martin phrases, and then gets slightly more beboppy as things go on, until he sounds like Sonny Rollins or someone like that. (Funny quotation work in this solo too!) And there's no mistaking his majesty on the ancient chestnut "At Dawning" or his predatory stroll through the just-as-ancient "Poor Butterfly."

But At Ease is not just all pretty notes and assurance. Hawkins was smart to have bopper Tommy Flanagan as his pianist here—you can hear the two push each other on the opener, "For You, For Me, Forevermore," generations teaching each other how to cook. Flanagan's beautiful intro on "Mighty Like a Rose" ends up presaging his pretty solo two minutes later. And the rhythm section stars throughout. Osie Johnson's drumming is always amazing, but Wendell Marshall deserves special marks for his bass line at the start of "I'll Get By."

This recording isn't fiery or out there, but it's about as solid as one can be, and it proves (for about the millionth time) the mastery of Coleman Hawkins. So what's not to love?
By MATT CIBULA
December 14, 2006
https://www.allaboutjazz.com/at-ease-with-coleman-hawkins-coleman-hawkins-prestige-records-review-by-matt-cibula.php

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En este mundo tan loco en el que nunca tenemos tiempo para detenernos y apreciar todas las cosas buenas de nuestra vida, es bastante difícil sacar tiempo para Coleman Hawkins. Pero precisamente por eso es tan importante hacerlo. Realmente nunca se ha inventado un saxofonista mejor que él, y muy pocos músicos se han acercado a lo que debe ser el jazz.

At Ease with Coleman Hawkins, publicado originalmente en 1960, es como un viaje de 42 minutos a la simplicidad zen, con un toque de fanfarronería sexy al margen. Mucha gente ha olvidado lo bueno que era Bean en esta etapa de su carrera. Pero el hecho de que ninguna de sus obras sea tan revolucionaria como su trabajo en los años 20, 30 o 40 no significa que estas canciones no estén llenas de belleza e invención. Su trabajo aquí en "Then I'll Be Tired of You" comienza de forma somnolienta, con frases de Dean Martin, y luego se vuelve un poco más beboppy a medida que avanza, hasta que suena como Sonny Rollins o alguien así. Y no hay que confundir su majestuosidad en la antigua castaña "At Dawning" o su paseo depredador por la también antigua "Poor Butterfly".

Pero At Ease no es sólo notas bonitas y seguridad. Hawkins ha sido muy inteligente al contar con el pianista Tommy Flanagan como pianista; se puede escuchar a los dos empujándose mutuamente en la primera canción, "For You, For Me, Forevermore", generaciones que se enseñan mutuamente a cocinar. La hermosa introducción de Flanagan en "Mighty Like a Rose" acaba presagiando su bonito solo dos minutos después. Y la sección rítmica es protagonista en todo momento. La batería de Osie Johnson es siempre increíble, pero Wendell Marshall merece una puntuación especial por su línea de bajo al comienzo de "I'll Get By".

Esta grabación no es ardiente ni exagerada, pero es todo lo sólida que puede ser, y demuestra (por millonésima vez) la maestría de Coleman Hawkins. ¿Qué es lo que no te gusta?
Por MATT CIBULA
14 de diciembre de 2006
https://www.allaboutjazz.com/at-ease-with-coleman-hawkins-coleman-hawkins-prestige-records-review-by-matt-cibula.php

Eddie Cleanhead Vinson • Kidney Stew (The Definitive Black & Blue Sessions)

 

Cookin On 3 Burners • Soul Messin

 Artist Biography by Rob Wacey

Comprising additional elements of jazz and street soul, Cookin’ on 3 Burners are a prestigious R&B group hailing from Melbourne, Australia. Originally made up of Hammond organ player Jake Mason, guitarist Lance Ferguson, and drummer Ivan Khatchoyan, the trio formed in 1997 after discovering they shared similar tastes in sound and genre. The three friends decided to form the band with traditional '50s- and '60s-era jazz and soul as its foundation, unified by the eclectic and prominent use of the Hammond organ, which went on to become one of the most definitive aspects of their sound; so much so that the group was also exclusively referred to as the "Hammond organ trio." The ensemble released their first 7" single, "Gravel Rash/Pie Warmer" on the Bamboo Shack label, eventually going on to join the roster of revered U.K. label, Freestyle, which put out their full-length debut, Baked, Broiled & Fried, in 2007. The trio then went on to tour and perform alongside a vast array of household acts such as Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, and Sharon Jones & the Dap Kings. Sometime thereafter, Ferguson left the group to focus on his own funk project, the Bamboos, and was replaced by Dan West. They released their second effort, Soul Messin’, in 2009 to huge success. The record received praise for its funk-infused and highly original cover of Gary Numan's monster hit, "Cars" while the album’s lead single, "This Girl," reached the number one spot on the U.K. iTunes R&B Chart. The group then returned in 2014 with their third record, Blind Bet, which met with further acclaim, most notably for its innovative use of string and horn arrangements, and an impressive host of featured artists including Daniel Merriweather, the Bamboos' vocalist Kylie Auldist, and the Cruel Sea frontman Tex Perkins. They went on to collaborate with Perkins once more on the 2015 single "The Writing’s on the Wall," which saw the group combine their trademark soul and jazz sound with Perkins’ widely recognized swampy blues-rock stylings. It was around this time that the group began working with the Australian hip-hop artist Mantra. The collaboration took the band in a new direction, introducing more hip-hop-based tempos and funk electro vibes to their mixes. Cookin' on 3 Burners continued to branch out further with their collaborations, working with prominent French electronic producer Kungs on a reworking of "This Girl," which also saw chart success in 2016.

https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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 Biografía del artista por Rob Wacey

Con elementos adicionales de jazz y soul callejero, Cookin' on 3 Burners es un prestigioso grupo de R&B de Melbourne, Australia. Originalmente formado por el organista de Hammond Jake Mason, el guitarrista Lance Ferguson y el baterista Ivan Khatchoyan, el trío se formó en 1997 tras descubrir que compartían gustos similares en sonido y género. Los tres amigos decidieron formar la banda con el jazz y el soul tradicionales de los años 50 y 60 como base, unificados por el uso ecléctico y prominente del órgano Hammond, que se convirtió en uno de los aspectos más definitivos de su sonido; hasta el punto de que el grupo también fue conocido exclusivamente como el "trío de órgano Hammond". El conjunto lanzó su primer sencillo de 7", "Gravel Rash/Pie Warmer" en el sello Bamboo Shack, y con el tiempo se unió a la lista de la prestigiosa discográfica británica Freestyle, que lanzó su debut de larga duración, Baked, Broiled & Fried, en 2007. El trío continuó su gira y actuó junto a una gran variedad de actuaciones familiares como Alice Russell, Quantic, Fat Freddy's Drop, y Sharon Jones & the Dap Kings. Algún tiempo después, Ferguson dejó el grupo para centrarse en su propio proyecto de funk, los Bamboos, y fue reemplazado por Dan West. En 2009 lanzaron su segundo esfuerzo, Soul Messin', con un gran éxito. El disco recibió elogios por su portada altamente original e infundida del éxito monstruoso de Gary Numan, "Cars", mientras que el sencillo principal del álbum, "This Girl", alcanzó el primer puesto en la lista de éxitos de iTunes R&B Chart en el Reino Unido. El grupo regresó en 2014 con su tercer disco, Blind Bet, que recibió más elogios, sobre todo por su innovador uso de arreglos de cuerdas y trompa, y una impresionante cantidad de artistas destacados, entre ellos Daniel Merriweather, la vocalista de los Bamboos Kylie Auldist, y el frontman Tex Perkins, del Cruel Sea. Siguieron colaborando con Perkins una vez más en el sencillo de 2015 "The Writing's on the Wall", en el que el grupo combinó su característico sonido soul y jazz con el ampliamente reconocido estilo blues-rock de Perkins. Fue en esta época cuando el grupo comenzó a trabajar con el artista de hip-hop australiano Mantra. La colaboración llevó a la banda en una nueva dirección, introduciendo más tempos basados en el hip-hop y electro vibras funk en sus mezclas. Cookin' on 3 Burners siguió ampliando sus colaboraciones, trabajando con el destacado productor francés de electrónica Kungs en la reelaboración de "This Girl", que también tuvo éxito en 2016.

https://www.allmusic.com/artist/cookin-on-3-burners-mn0001541453/biography

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Manu Katché • Manu Katché

 

 Drummer Manu Katche blossomed as a contemporary jazz drummer and band leader, emerging in the mid-2000s after having played with his share of popular musicians. Born in Saint Maur Des Fossés, France on October 27, 1958, he studied classical piano at age seven in Paris, and at age 15 enrolled at the Conservatorie Nationale de Paris. He then became a session and concert drummer with a wide range of groups, but in the mid-'80s, Katche's stock rose considerably, thanks to his involvement with the touring and recording projects of Peter Gabriel and Sting. A French debut CD It's About Time was followed by a string of engagements as a backup musician. The impressive roster of artists he has played with include Joni Mitchell, Gloria Estefan, Johnny Hallyday, Michael McDonald, Simple Minds, Afro Celt Sound System, Jeff Beck, Al DiMeola, Tears for Fears, Dire Straits, Jan Garbarek, Loreena McKennitt, Youssou N'Dour, Robbie Robertson, Joe Satriani, Tori Amos, Richard Wright, Julia Fordham, the Bee Gees, Joan Armatrading, Tracy Chapman, Bob James and Hilary James, Gipsy Kings, Anna Marie Jopek, Black Eyed Peas, Kyle Eastwood, and David Lanz. After issuing a demo for the Zildjian cymbal company in 1999, he joined the ECM stable of artists., releasing his breakout recording Neighbourhood, with help from labelmates Jan Garbarek, Tomasz Stanko, and Stanko bandmembers Marcin Wasilewski and Slawomir Kurkiewicz. Katche's ECM follow-up Playground came out in 2007 with assistance from saxophonist Trygve Seim and trumpeter Mathias Eick. Katche has also worked with popular Croatian singer Gibonni on his albums Mirakul (2001) and Unca Fibre (2006). From 2003 to 2007, Katche, producer Dove Attia, composer André Manoukian, and singer Marianne James comprised the judges panel for Nouvelle Star, the French Television version of American Idol. He has performed on film soundtracks Quand Les Etoiles, Le Demenagement, Mookies, Zone Franche, The Professional and For the Love of the Game. Since January 2008, he hosts the monthly program One Shot Not.

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Cliff Jordan • Cliff Craft

  

 Clifford Jordan's Cliff Craft (1957) is a vehicle for his warm, powerful tenor sax. Jordan was not the flashiest player in the Blue Note stable, but he exuded confidence with every note. It seems likely that he was aware of Sonny Rollins as a stylist, but he was also looking further back to Charlie Parker and Coleman Hawkins. In 1957 Jordan was still working through his influences on his way to his own sound, but he had a huge presentation that must have made him an exciting player to see live. On this date, Jordan was joined by the magnificent—if ill- fated— Sonny Clark, who always structured his blues with unusual dexterity and originality, as well as the great Art Farmer on trumpet.

As a Van Gelder recording, Cliff Craft has one unusual feature. It was recorded in 1957, the first year stereo was widely employed. The date pushes both horns to the far left, instead of the more common split arrangement. The piano is nicely recessed into the stage, and is as fully realized as any in this catalog. The walking bass line on "Soul-Lo Blues" is forward in the mix with a terrific "thwack," and the cymbals have a widely dispersed ringing tone to them. Overall this is an excellent recording with smooth, detailed sound and terrific instrument definition.     

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 Cliff Craft (1957) de Clifford Jordan es un vehículo para su cálido y poderoso saxo tenor. Jordan no era el intérprete más llamativo de la casa Blue Note, pero desprendía confianza en cada nota. Es probable que conociera a Sonny Rollins como estilista, pero también miraba más atrás, a Charlie Parker y Coleman Hawkins. En 1957 Jordan todavía estaba trabajando con sus influencias en su camino hacia su propio sonido, pero tenía una enorme presentación que debió hacer de él un jugador emocionante de ver en vivo. En esta fecha, a Jordan se le unió el magnífico -aunque malogrado- Sonny Clark, que siempre estructuró su blues con inusual destreza y originalidad, así como el gran Art Farmer a la trompeta.

Como grabación de Van Gelder, Cliff Craft tiene una característica inusual. Se grabó en 1957, el primer año en que se empleó ampliamente el estéreo. La fecha empuja las dos trompas al extremo izquierdo, en lugar de la disposición dividida más común. El piano está muy bien empotrado en el escenario, y es tan completo como cualquiera de este catálogo. La línea de bajo en "Soul-Lo Blues" se encuentra en la mezcla con un excelente "thwack", y los platillos tienen un tono muy disperso. En general, se trata de una grabación excelente con un sonido suave y detallado y una excelente definición de los instrumentos.     

Mitch Towne • Refuge

 

Review from All About Jazz (by Kyle Simpler):
After organ trios came to prominence during the 1950s, jazz groove has never been the same. Performers like Jack McDuff, Jimmy McGriff, and most notably Jimmy Smith introduced a new level of soul to jazz music. With Refuge, organist Mitch Towne makes a compelling debut as a leader, adding his name to a who's who of groovemakers.

Towne's work as a sideman gives him the ethos to warrant serious attention. His resume includes work with everyone from Terrace Martin and Buddy Miles to Dave Stryker and Tom Scott, and Refuge shows the breadth of those experiences. But this is no session player stepping out for a quick solo project — it is a full artistic statement, rooted in tradition but looking ahead.

Refuge offers a tightly focused and creatively executed album that places the Hammond B-3 front and center, paying homage to players who influenced him, while bringing a unique sound to the forefront. The focus here is more on innovation than nostalgia; the result is pure groove satisfaction. Working with guitarist Tetsuya Nishiyama and drummer Jeffery Johnson, Towne delivers seven tracks of modern organ trio jazz, with enough emotion, swing, and funk to keep the party going.

The musicians joining Towne are each in top form. Nishiyama's guitar lines are crisp, harmonically daring, and perfectly balanced between rhythmic comping and lyrical soloing. Johnson, a veteran drummer, swings hard without overplaying, providing just the right propulsion and tasteful playing.

From the onset, Refuge makes its mission clear: this trio is not retracing well-worn paths, but carving fresh ones through modern jazz territory. With the legacy of Jimmy Smith and Joey DeFrancesco hovering in the wings, Towne's compositions draw equally from the harmonic richness of Wayne Shorter, the rhythmic punch of hard bop, and the exploratory attitude of players like Larry Young and Big John Patton. His writing favors fresh chord changes, unexpected meters, and melodic lines that leave room for deep improvisational interplay, which is a particular strength of this group.

The opener, "Wolverine," burns with energy in a fast-paced trio cut highlighting Towne's command as a soloist and supporting player. The title track, "Refuge," slows the tempo and deepens the mood, gesturing toward Wayne Shorter in its spacious theme and underlying tension. "Ode to Kenny," inspired by Kenny Garrett, brings a blues-funk edge to the mix, while "Better Now Than Never At All" plays it more relaxed, with Nishiyama's guitar slightly reminiscent of John Scofield's approach: just slightly behind the beat, but never lazy.

Kenny Kirkland's "Steepian Faith" is the album's sole cover, and Towne treats it with reverence and urgency. The composition's angular contours and dense voicings suit his modern sensibility, making it a natural inclusion. The dreamlike "Some Work Of Noble Note May Yet Be Done," with its ethereal shimmer, may be the most surprising moment here, a reminder of the Hammond organ's versatility in the right hands.

With Refuge, Mitch Towne does not just enter the modern jazz organ conversation — he expands it. For jazz organ enthusiasts, this is just what the doctor ordered: plenty of soul and swing with a healthy dose of "vitamin" B-3.
https://www.allaboutjazz.com/refuge-mitch-towne-cross-towne-records

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Reseña de All About Jazz (por Kyle Simpler):
Desde que los tríos de órgano cobraron protagonismo en los años 50, el groove del jazz nunca volvió a ser el mismo. Intérpretes como Jack McDuff, Jimmy McGriff y, sobre todo, Jimmy Smith introdujeron un nuevo nivel de alma en la música jazz. Con Refuge, el organista Mitch Towne hace un convincente debut como líder, añadiendo su nombre a la lista de maestros del groove.

El trabajo de Towne como sideman le otorga la autoridad para merecer atención seria. Su currículum incluye colaboraciones con artistas tan diversos como Terrace Martin y Buddy Miles, Dave Stryker y Tom Scott, y Refuge muestra la amplitud de esas experiencias. Pero esto no es un músico de sesión dando un paso al frente para un proyecto solista rápido — es una declaración artística plena, arraigada en la tradición pero mirando hacia adelante.

Refuge ofrece un álbum concentrado y ejecutado con creatividad que coloca al Hammond B-3 en primer plano, rindiendo homenaje a los músicos que lo influyeron y aportando a la vez un sonido único. El enfoque aquí está más en la innovación que en la nostalgia; el resultado es pura satisfacción de groove. Trabajando con el guitarrista Tetsuya Nishiyama y el baterista Jeffery Johnson, Towne entrega siete temas de jazz moderno de trío de órgano, con suficiente emoción, swing y funk para mantener la fiesta en marcha.

Los músicos que acompañan a Towne están cada uno en plena forma. Las líneas de guitarra de Nishiyama son nítidas, armónicamente atrevidas y perfectamente equilibradas entre el acompañamiento rítmico y el solo lírico. Johnson, baterista veterano, swingea con fuerza sin exagerar, aportando la propulsión justa y un toque elegante.

Desde el inicio, Refuge deja clara su misión: este trío no está recorriendo caminos trillados, sino trazando otros nuevos a través del territorio del jazz moderno. Con el legado de Jimmy Smith y Joey DeFrancesco sobrevolando en las alas, las composiciones de Towne beben a partes iguales de la riqueza armónica de Wayne Shorter, el punch rítmico del hard bop y la actitud exploradora de músicos como Larry Young y Big John Patton. Su escritura favorece acordes frescos, compases inesperados y líneas melódicas que dejan espacio para un profundo interplay improvisatorio, que es una fortaleza particular de este grupo.

El tema de apertura, "Wolverine," arde con energía en un corte de trío a tempo rápido que destaca el dominio de Towne como solista y músico de apoyo. El tema titular, "Refuge," ralentiza el tempo y profundiza el estado de ánimo, evocando a Wayne Shorter en su tema espacioso y su tensión subyacente. "Ode to Kenny," inspirado en Kenny Garrett, aporta un toque blues-funk, mientras que "Better Now Than Never At All" es más relajado, con la guitarra de Nishiyama que recuerda ligeramente el enfoque de John Scofield: apenas por detrás del beat, pero nunca perezoso.

"Steepian Faith" de Kenny Kirkland es el único cover del álbum, y Towne lo trata con reverencia y urgencia. Los contornos angulares y las densas voicings de la composición se adaptan a su sensibilidad moderna, convirtiéndola en una inclusión natural. El onírico "Some Work Of Noble Note May Yet Be Done," con su brillo etéreo, puede ser el momento más sorprendente del disco, un recordatorio de la versatilidad del órgano Hammond en las manos adecuadas.

Con Refuge, Mitch Towne no solo entra en la conversación del jazz de órgano moderno — la expande. Para los entusiastas del jazz de órgano, esto es exactamente lo que el médico ordenó: mucha alma y swing con una buena dosis de "vitamina" B-3.
https://www.allaboutjazz.com/refuge-mitch-towne-cross-towne-records

 

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