Boogaloo Joe Jones • Legends of Acid Jazz

Boogaloo Joe Jones • Legends of Acid Jazz - Vol. 2

Review by Richie Unterberger
A CD reissue that combines Jones' fifth and sixth Prestige LPs, Noway! (1970) and What It Is (1971), onto one disc. Grover Washington, Jr. (tenor sax) and Bernard Purdie (drums) are the key accompanists on both sessions. Noway! is a set of pretty funky early-1970s soul-jazz, though the covers of fairly straight pop numbers ("Georgia on My Mind," the Jackson 5's "I'll Be There") are kind of undistinguished. Better are the originals "No Way" and "Holdin' Back" (by Jones) and "Sunshine Alley" (by organist Butch Cornell), which have a more convincing groove. "No Way" is the toughest, with funk guitar lines betraying some influence from James Brown; "Holdin' Back" sounds a bit like a jazzy instrumental treatment of the kind of songs Marvin Gaye used to record in his early Motown days. Using the same personnel, Jones offers more good-natured funk-soul-jazz on What It Is. After getting a couple of contemporary pop covers (of Bill Withers' "Ain't No Sunshine" and Carole King's "I Feel the Earth Move") out of the way, it's mostly Jones originals. On his slower moments, as in "Fadin'" and Sonny Thompson's "Let Them Talk," he shows the influence of straight jazz players such as Wes Montgomery; "What It Is" and "Inside Job" are more cut-to-the-chase funk riffs. Jones has his cult following, but as soul-jazz goes, this is kind of run-of-the-mill: good for background, but not captivating foreground listening.

 

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Reseña de Richie Unterberger
Una reedición en CD que combina el quinto y sexto LP de Jones, Noway! (1970) y What It Is (1971), en un solo disco. Grover Washington, Jr. (saxo tenor) y Bernard Purdie (batería) son los acompañantes clave en ambas sesiones. ¡De ninguna manera! es un conjunto de soul-jazz bastante funky de principios de la década de 1970, aunque las versiones de números pop bastante sencillos ("Georgia on My Mind", "I'll Be There" de los Jackson 5) son algo poco distinguidas. Mejores son los originales "No Way" y "Holdin 'Back" (de Jones) y "Sunshine Alley" (del organista Butch Cornell), que tienen un ritmo más convincente. "No Way" es el más duro, con líneas de guitarra funk que traicionan alguna influencia de James Brown; "Holdin 'Back" suena un poco como un tratamiento instrumental de jazz del tipo de canciones que Marvin Gaye solía grabar en sus primeros días en Motown. Utilizando el mismo personal, Jones ofrece más funk-soul-jazz afable en What It Is. Después de sacar un par de versiones de pop contemporáneo (de "Ain't No Sunshine" de Bill Withers y "I Feel the Earth Move" de Carole King), la mayoría son originales de Jones. En sus momentos más lentos, como en "Fadin '" y "Let Them Talk" de Sonny Thompson, muestra la influencia de músicos de jazz heterosexuales como Wes Montgomery; "What It Is" e "Inside Job" son riffs funk más sencillos. Jones tiene seguidores de culto, pero en lo que respecta al soul-jazz, esto es algo común y corriente: bueno para el fondo, pero no para cautivar la escucha en primer plano.

Wayne Shorter • The Classic Blue Note Recordings

 

Review from AllMusic:
While this isn't the only Wayne Shorter Blue Note collection, it is the best. The Best of Wayne Shorter, which was released in 1998 within a series of other Blue Note best-ofs that were coming out at the time, is adequate, but with only one disc it's hard to cover any ground with a guy who's recorded around a dozen top-notch records as a leader for Blue Note, and then appeared on scores of others — and that's where this collection wins. The second disc consists of appearances he made alongside such greats as Art Blakey, Lee Morgan, and Freddie Hubbard. Perhaps a Blue Note Wayne Shorter box set is in order? At any rate, "Speak No Evil," "Footprints," "Witch Hunt," and "Nefertiti" prove to highlight Wayne Shorter's astounding career and in turn show off jazz composition in general — as Shorter stands as one of the genre's best songwriters. Recommended as a springboard into the full-length discs these tracks are culled from, The Classic Blue Note Recordings of Wayne Shorter hits the mark.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

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Reseña de AllMusic:
Si bien esta no es la única compilación de Blue Note de Wayne Shorter, sí es la mejor. The Best of Wayne Shorter, publicada en 1998 dentro de una serie de recopilaciones de Blue Note que salían por entonces, es adecuada, pero con un solo disco es difícil cubrir el terreno de un artista que grabó alrededor de una docena de discos de primera categoría como líder para Blue Note, y apareció en decenas más — y ahí es donde esta colección gana. El segundo disco consiste en sus apariciones junto a grandes como Art Blakey, Lee Morgan y Freddie Hubbard. ¿Quizás un box set de Wayne Shorter para Blue Note sea lo que se necesita? En cualquier caso, "Speak No Evil", "Footprints", "Witch Hunt" y "Nefertiti" destacan la asombrosa carrera de Wayne Shorter y a su vez exhiben la composición en el jazz en general — ya que Shorter es uno de los mejores compositores del género. Recomendada como trampolín hacia los discos completos de los que se toman estos temas, The Classic Blue Note Recordings da en el blanco.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

wayneshorter.com ...

Lowell Davidson Trio (Gary Peacock, Milford Graves) • Lowell Davidson Trio

  

Scott Hamilton & Bucky Pizzarelli • The Red Door Remember Zoot Sims

 

Review by Jim Santella (All About Jazz):
The tribute to Zoot Sims by Scott Hamilton and Bucky Pizzarelli is, as one would expect, wrinkle-free, easy on the ears, and nostalgic. The duo has chosen tunes associated, in one way or another, with the tenor saxophonist who delighted audiences for some 40 years; Sims passed away in 1985 at age 59. Allowing each voice to be heard unobstructed while still providing ample interaction, the duo format works well; Pizzarelli worked and recorded briefly as a duo with Zoot Sims. His 7-string electric model allows the guitarist to supply a bass line, rhythm/harmony and melody. Scott Hamilton's reputation precedes him; the full, relaxed tenor sound is quite pleasant. Zoot Sims and Al Cohn wrote "Morning Fun," which aptly describes the session. The saxophonist and guitarist fill the air with a style of music that remains pleasurable to fans of all jazz sub-genres, while performing songs familiar to most. "Just You, Just Me" includes a guitar solo in which Pizzarelli allows the enthusiasm to take him through string slaps and strums that exert additional rhythmic force. Elsewhere, the duo harmonizes and takes turns improvising on the familiar melodies without ever losing sight of the swing in jazz. Highly recommended.
https://www.allaboutjazz.com/the-red-door-scott-hamilton-concord-music-group-review-by-jim-santella

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Reseña de Jim Santella (All About Jazz) - Traducción:
El tributo a Zoot Sims de Scott Hamilton y Bucky Pizzarelli es, como era de esperar, impecable, agradable al oído y nostálgico. El dúo ha elegido temas asociados, de una forma u otra, con el saxofonista tenor que deleitó al público durante unos 40 años; Sims falleció en 1985 a los 59 años. Permitiendo que cada voz sea escuchada sin obstrucciones mientras aún proporciona amplia interacción, el formato de dúo funciona bien; Pizzarelli trabajó y grabó brevemente como dúo con Zoot Sims. Su modelo eléctrico de 7 cuerdas permite al guitarrista suministrar una línea de bajo, ritmo/armonía y melodía. La reputación de Scott Hamilton lo precede; el sonido de tenor lleno y relajado es bastante placentero. Zoot Sims y Al Cohn escribieron "Morning Fun", que describe con precisión la sesión. El saxofonista y el guitarrista llenan el aire con un estilo de música que sigue siendo placentero para los fanáticos de todos los subgéneros del jazz, mientras interpretan canciones familiares para la mayoría. "Just You, Just Me" incluye un solo de guitarra en el que Pizzarelli permite que el entusiasmo lo lleve a través de golpes y rasgueos de cuerdas que ejercen fuerza rítmica adicional. En otras partes, el dúo armoniza y se turna improvisando sobre las melodías familiares sin perder nunca de vista el swing en el jazz. Muy recomendado.
https://www.allaboutjazz.com/the-red-door-scott-hamilton-concord-music-group-review-by-jim-santella

Soul Message Band • Live at Blue LLama

 

 

A soulful and infectious style crafted around classic organ grooves, and rooted in the tradition of great Hammond B3 organists like Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Jack McDuff, and "Groove" Holmes.
SMB is founded on the enduring partnership of Chris Foreman, the Chicago-based and nationally celebrated Hammond B3 Jazz Organist, and the always solid drummer, Greg Rockingham, aka "The Rock." Greg and Chris have a 25-year history of collaboration, including groups like the Deep Blue Organ Trio. Mr. Rockingham and Mr. Foreman have an unmistakable chemistry that has taken them from Chicago to Jazz Clubs and Arenas around the world as both headliners and as an opening group for Steely Dan.
The band adds Chicago veteran guitarist, Lee Rothenberg on guitar.
https://ilpresenters.org/soul-message-band/

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Un estilo conmovedor e infeccioso elaborado en torno a ritmos clásicos de órgano y arraigado en la tradición de grandes organistas de Hammond B3 como Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Jack McDuff y" Groove " Holmes.
SMB se funda en la duradera asociación de Chris Foreman, el organista de Jazz Hammond B3 con sede en Chicago y célebre a nivel nacional, y el siempre sólido baterista Greg Rockingham, también conocido como "The Rock"."Greg y Chris tienen una historia de colaboración de 25 años, incluidos grupos como Deep Blue Organ Trio. El Sr. Rockingham y el Sr. Foreman tienen una química inconfundible que los ha llevado de Chicago a Clubes de Jazz y Estadios de todo el mundo como cabezas de cartel y como grupo de apertura de Steely Dan.
La banda agrega al guitarrista veterano de Chicago, Lee Rothenberg a la guitarra.
https://ilpresenters.org/soul-message-band/


 

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DESCARGAR Victor Feldman • Modern Jazz Quartet EP 35

 

 

Victor Feldman es considerado uno de los más importantes músicos de jazz de Gran Bretaña. Nació el 7 de abril de 1934, y ya estaba en el escenario tocando la batería con la banda de Glenn Miller a la edad de seis años. Glenn Miller llama a Feldman "El mayor joven percusionista jamás creado".
Ya mayor entra en la escena británica del jazz alternándose entre batería, vibráfono y piano, siendo admirado por su versatilidad en la interpretación de dichos instrumentos.

En 1955 emigra a USA instalándose sin problemas en el circuito jazzístico de Los Ángeles, tocando con figuras tales como Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, e incluso diversificando su visión musical con talentos como Frank Zapp, Steely Dan, Tom Waits y Joe Walsh.

Más de un centenar de sus composiciones han sido grabadas, incluyendo los clásicos del jazz reconocible al instante "Seven Steps to Heaven" y "Joshua", hecha famosa por Miles Davis y grabado y tocado con otros artistas no nombrados en esta escueta bio.

Fallece en su casa, a la edad de 53 años, a raíz de un ataque de asma.

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Automatic translation: 

Victor Feldman is considered one of the most important jazz musicians of Great Britain. He was born on April 7, 1934, and was already on stage playing the drums with Glenn Miller's band at the age of six. Glenn Miller calls Feldman "The greatest young percussionist ever created."Already he enters the British jazz scene alternating between drums, vibraphone and piano, being admired for his versatility in the interpretation of these instruments.In 1955, he emigrated to the United States and settled in the Los Angeles Jazz circuit, playing with figures such as Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, and even diversifying his musical vision with talents such as Frank Zapp , Steely Dan, Tom Waits and Joe Walsh.More than a hundred of his compositions have been recorded, including the instantly recognizable jazz classics "Seven Steps to Heaven" and "Joshua", made famous by Miles Davis and recorded and played with other artists not named in this short bio.He died at home at the age of 53, following an asthma attack.

 

 

 

 

victorfeldman.com ...

Bruton Music Library • BRD6 Leisure

 

Bruton Music Library • BRP 06 Evolution

 

Al Di Meola & Eszter Horgas • He & Carmen

  

 

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B.B. King • Great Moments With B.B. King

 

 

Biography

Born on a plantation in Itta Bena, Mississippi in 1925, Riley B. King would start from very humble beginnings. His family moved around the area, and the young Riley experienced early a life of constant motion. As a youngster he was a farm laborer, but drawn to music, he took up the guitar; he played on street corners, and would sometimes play in as many as four towns a night. In 1946, he hitchhiked to Memphis, to pursue his music career. Memphis was a large musical community where every style of music could be found, a good place for a young man who wanted to play the blues. Riley stayed with his cousin Bukka White, a celebrated bluesman in his own right, who was able to show him first hand the guitar foundations of the blues.

Playing an acoustic set of rural blues, he kicked around a lot of the clubs in Memphis, getting a break in 1948 when he performed on Sonny Boy Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to steady engagements at the 16th St. Grill in West Memphis, and later to a ten-minute spot on black Memphis radio station WDIA. “King's Spot,” became so popular, it was expanded and became the “Sepia Swing Club.” Becoming a popular local disc jockey, Riley needed a professional sounding name. He was the Beale Street Blues Boy then Blues Boy King, and eventually B.B. King. This led to the studio recording of “Miss Martha King” for the local Bullet label, which didn’t cause much of a stir, but it did stimulate B.B. to pursue a recording contract.

He recorded a couple of singles for Bullet, and then signed with Modern’s RPM where he did “Three O’Clock Blues”, in 1951. This song proved to be a major hit, and he quickly followed that with “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Every Day”, (which would become his theme song), “Ten Long Years”, and “Sweet Little Angel”. These are available as “The RPM Hits 1951-1957” (Ace). These recordings rose to the tops of the R&B charts, and he went on the road to promote the songs, thus starting his life of incessant touring. This is how he developed his unique and signature style, every night, playing the blues. By 1955 he had a full time band, and hit the road, where he’s been ever since.

Riding the wave of popularity generated by the RPM records, he churned out a string of hits for their subsidiary Kent label, and stayed with them throughout the ‘50’s. This is the period where he made a name for himself, both in the record charts, and promoting the records by playing live. But by 1961, he had decided to change labels, looking to get a better deal than he was getting at RPM/Kent. He signed with ABC/Paramount records, which had just scored big by signing Ray Charles from Atlantic, they were aware of a bigger market, knew how to market B.B.’s music and were willing to pay for it. B.B. King received a $25,000 signing bonus. The overall environ was much more professional, and though they brought in first class arrangers and musicians, they pretty much gave B.B. a free reign, or so he thought.

There was in this period of the early ‘60’s a change of direction that took away from the blues essence he was known for and the record sales were not what everyone expected. Then producer/arranger Johnny Pate had the idea of recording B.B. on his home turf, a black nightspot, with his own band. The result was “Live at the Regal”, released in January 1965. It blew everyone away, and changed contemporary guitar forever. This album is responsible for the acceptance and adherence of a whole new generation, mostly white, to the blues. The guitar players alone who were influenced by it is staggering, and includes every blues and rock player from then on. It reestablished the way to play electric blues and made B.B. King “King of the Blues”!!

B.B. King has one of the world's most identifiable guitar styles, and his guitar Lucille is probably the most famous. Lucille is a Custom Shop Gibson ES-355. His first guitar back in his early days in Mississippi was a Stella acoustic. He borrowed from Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, of course T-Bone Walker and others, integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left hand vibrato, both of which have become indispensable components of guitar vocabulary. Drawing heavily from the sweet single string T-bone style patterns, he plays with a short stinging attack, often in a cluster pattern. Starting with a five note signature, he follows with delicate phrases, sliding into notes, and allowing space for them to build. He listened a lot to jazz horn players, and it is portrayed in his use of dynamics, tension and tone, he is the undisputed master of an economical method of expression.

By 1968, B.B. was playing at the Newport Folk Festival and at Bill Graham's Fillmore West on bills with the hottest rock artists of the day, all which were huge fans. The Rolling Stones chose him to open their ’69 tour, thus gaining even broader exposure. He was able to capitalize on the Blues Revival at the time, but then again he was always around, and perennially on the road. In 1969 he was the premier act on the new ABC label Bluesway where he came out with “The Thrill is Gone”, which is his signature tune, and is his biggest hit to date. This opened up new venues and he was soon playing Las Vegas, in the same clubs where Sinatra played. By 1970 he was on the Tonight Show, and on the Ed Sullivan Show, the blues makes it to prime time America.

The 1970’s saw B.B.King sitting on top of the world, so then he decided to go back to his blues roots and did two excellent albums “Live at the Cook County Jail”, and “Completely Well/Live in Cook County Jail”. These showcase what he does best, playing in front of a live audience. Both for the ABC/MCA label where he continued to record for years to come.

He would go on to record many commercially successful albums, and of course stayed on the road performing around the world, known as the Ambassador of the Blues, as certainly no one has played the blues in so many places. MCA released a four cd box set “B.B.King, King of the Blues”, as a compilation of his recording history up to 1991. B.B. was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984,the Rock and Roll Hall of Fame in 1987, and the Songwriters Hall of Fame in 1990.He received a Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received honorary doctorates from several colleges as Yale University in 1977; Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990 and Mississippi Valley State University in 2002. In 1992, he received the National Award of Distinction from the University of Mississippi. There is also a star on the Hollywood Walk of Fame, and Presidential Medal of Honor.

In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and in 1994, a second club was launched in Los Angeles. A third club in New York City's Times Square opened in June 2000 and two clubs opened in Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom “On the Road with B.B. King: An Interactive Autobiography”, and his book “Blues All Around Me” (Avon Books) was published. “The Arrival of B.B. King” (Doubleday) by Charles Sawyer, a biography was published in 1980. Between 1951 and 1985 he listed an amazing 75 entries in Billboard’s R&B charts. There are multiple Grammy’s (over 15 last count) sitting on his shelf at home, and a wall full of Gold and Platinum Records representing millions in album sales. “Deuces Wild”, an all-star collection of duets, released in 1997, returned B.B. to the limelight. His 1998 album, “Blues on the Bayou”, was well received, and his annual B.B. King Blues Festival Tour is a top attraction. The1999 release of “Let the Good Times Roll—The Music of Louis Jordan” was a musical tribute to one of his heroes. B.B. teamed up with Eric Clapton on the multi-platinum release of “Riding with the King”, (Reprise 2000) which was Clapton’s tribute to him, an excellent record, a master and his pupil so many years later, so many roads traveled both still playing the blues.On the occasion of his 80th birthday in 2005, he recorded a star- studded duets album “80”(Geffen) as a testament to his will as an enduring musician.

B.B. King has released another gem of a album. “One Kind Favor” on Geffen Records.Recorded at The Village Recorder in Los Angeles, CA “OneKind Favor” is meant to sound like an album recorded in the50s. To get this sound producer T-Bone Burnett and King replicated the kind of blues band King had back in the day.Studio conditions of the time were reproduced. The result is a vintage sounding album filled with the songs that influenced King in his early days as an artist. Highly Recommended!

B.B. King was the most fortunate and unusual of bluesmen; a success on his own terms, and in his own time. He was the best known, most recognized bluesman on the planet. He stayed true to himself and his music, and made it on that.

B.B. King passed on May 15, 2015.

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Biografía

Nacido en una plantación en Itta Bena, Mississippi, en 1925, Riley B. King comenzaría desde un principio muy humilde. Su familia se trasladó por la zona, y el joven Riley experimentó a temprana edad una vida de constante movimiento. De joven era obrero agrícola, pero atraído por la música, tomó la guitarra; tocaba en las esquinas de las calles, y a veces tocaba en hasta cuatro pueblos por noche. En 1946, hizo autostop a Memphis, para continuar su carrera musical. Memphis era una gran comunidad musical donde se podían encontrar todos los estilos de música, un buen lugar para un joven que quería tocar blues. Riley se quedó con su primo Bukka White, un famoso bluesista por derecho propio, que pudo mostrarle de primera mano los fundamentos de la guitarra del blues.

Tocando un conjunto acústico de blues rural, dio una patada a muchos de los clubes de Memphis, consiguiendo un descanso en 1948 cuando actuó en el programa de radio de Sonny Boy Williamson en KWEM fuera de Memphis Oeste. Esto condujo a compromisos constantes en el 16th St. Grill en West Memphis, y más tarde a un anuncio de diez minutos en la estación de radio negra de Memphis WDIA. "King's Spot", se hizo tan popular, que se expandió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Convirtiéndose en un popular disc-jockey local, Riley necesitaba un nombre que sonara profesional. Era el Beale Street Blues Boy, luego el Blues Boy King, y finalmente el B.B. King. Esto llevó a la grabación en estudio de "Miss Martha King" para el sello local Bullet, que no causó mucho revuelo, pero sí estimuló a B.B. a buscar un contrato de grabación.

Grabó un par de sencillos para Bullet, y luego firmó con Modern's RPM donde hizo "Three O'Clock Blues", en 1951. Esta canción resultó ser un gran éxito, y rápidamente la siguió con "Please Love Me", "You Upset Me Meter Baby", "Every Day", (que se convertiría en su tema principal), "Ten Long Years", y "Sweet Little Angel". Están disponibles como "The RPM Hits 1951-1957" (Ace). Estas grabaciones llegaron a lo más alto de las listas de éxitos del R&B, y se puso en camino para promocionar las canciones, iniciando así su vida de incesante gira. Así fue como desarrolló su estilo único y característico, cada noche, tocando el blues. Para 1955 tenía una banda de tiempo completo, y se fue de viaje, donde ha estado desde entonces.

Aprovechando la ola de popularidad generada por los discos RPM, produjo una serie de éxitos para su subsidiaria Kent, y permaneció con ellos a lo largo de los años 50. Este es el período en el que se hizo un nombre, tanto en las listas de éxitos como en la promoción de los discos tocando en vivo. Pero para 1961, había decidido cambiar de discográfica, buscando conseguir un mejor precio que el que obtenía en RPM/Kent. Firmó con ABC/Paramount Records, que acababa de obtener una gran puntuación con Ray Charles de Atlantic, conocían un mercado más grande, sabían cómo comercializar la música de B.B. y estaban dispuestos a pagar por ella. B.B. King recibió un bono de 25.000 dólares por la firma. El ambiente en general era mucho más profesional, y aunque trajeron arreglistas y músicos de primera clase, le dieron a B.B. un reinado libre, o eso pensó.

Hubo en este período de principios de los'60 un cambio de dirección que le quitó la esencia del blues por el que era conocido y las ventas de discos no fueron lo que todo el mundo esperaba. Entonces el productor y arreglista Johnny Pate tuvo la idea de grabar a B.B. en su territorio natal, un local nocturno negro, con su propia banda. El resultado fue "Live at the Regal", publicado en enero de 1965. Voló por los aires a todo el mundo y cambió la guitarra contemporánea para siempre. Este álbum es responsable de la aceptación y adhesión de toda una nueva generación, en su mayoría blanca, al blues. Los guitarristas que fueron influenciados por ella son asombrosos, e incluye a todos los guitarristas de blues y rock a partir de entonces. Restableció la forma de tocar blues eléctrico e hizo que B.B. King "King of the Blues"!

B.B. King tiene uno de los estilos de guitarra más conocidos del mundo, y su guitarra Lucille es probablemente la más famosa. Lucille es una tienda personalizada Gibson ES-355. Su primera guitarra en sus primeros días en Mississippi fue una Stella acústica. Tomó prestado de Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, por supuesto T-Bone Walker y otros, integrando sus precisas y complejas curvas de cuerdas vocales y su vibrato de la mano izquierda, que se han convertido en componentes indispensables del vocabulario de la guitarra. Basándose en gran medida en los dulces patrones en forma de T-bone de una sola cuerda, juega con un ataque corto y punzante, a menudo en forma de racimo. Comenzando con una firma de cinco notas, sigue con frases delicadas, deslizándose en notas y dejando espacio para que se construyan. Escuchó mucho a los trompetistas de jazz, y se refleja en su uso de la dinámica, la tensión y el tono, es el maestro indiscutible de un método económico de expresión.

En 1968, B.B. tocaba en el Festival Folklórico de Newport y en Fillmore West de Bill Graham con los artistas de rock más populares del momento, todos los cuales eran grandes fans. Los Rolling Stones lo eligieron para abrir su gira del'69, ganando así una exposición aún más amplia. Fue capaz de sacar provecho del avivamiento del Blues en ese momento, pero luego siempre estaba alrededor, y perennemente en la carretera. En 1969 fue el primer acto del nuevo sello ABC Bluesway, donde salió con "The Thrill is Gone", que es su tema característico, y es su mayor éxito hasta la fecha. Esto abrió nuevos lugares y pronto tocó en Las Vegas, en los mismos clubes donde tocaba Sinatra. Para 1970 estaba en el Tonight Show, y en el Ed Sullivan Show, el blues llega al horario de máxima audiencia en Estados Unidos.

La década de 1970 vio a B.B.King sentado en la cima del mundo, así que decidió volver a sus raíces blues e hizo dos excelentes álbumes "Live at the Cook County Jail", y "Completely Well/Live in Cook County Jail". Éstas muestran lo que él hace mejor, tocando frente a un público en vivo. Tanto para el sello ABC/MCA donde continuó grabando en los próximos años.

Siguió grabando muchos discos de éxito comercial y, por supuesto, se quedó de gira por todo el mundo, conocido como el Embajador de los Blues, ya que ciertamente nadie ha tocado el blues en tantos lugares. MCA lanzó un set de cuatro cd's "B.B.King, King of the Blues", como una compilación de su historia discográfica hasta 1991. B.B. fue admitido en el Salón de la Fama de la Fundación Blues en 1984, en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987, y en el Salón de la Fama de los Compositores de Canciones en 1990, recibió un premio Grammy en 1987, y ha recibido doctorados honoris causa de varias universidades como la Universidad de Yale en 1977, el Colegio de Música de Berklee en 1982, el Colegio de Música de Rhodes en Memphis en 1990 y la Universidad Estatal del Valle de Mississippi en 2002. En 1992, recibió el Premio Nacional de Distinción de la Universidad de Mississippi. También hay una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y una Medalla Presidencial de Honor.

En 1991, B.B. King's Blues Club abrió sus puertas en Beale Street en Memphis, y en 1994, se fundó un segundo club en Los Ángeles. Un tercer club en el Times Square de la ciudad de Nueva York abrió en junio de 2000 y dos clubes abrieron en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-Rom "On the Road with B.B. King: Una autobiografía interactiva", y su libro "Blues All Around Me" (Avon Books). "The Arrival of B.B. King" (Doubleday) de Charles Sawyer, se publicó una biografía en 1980. Entre 1951 y 1985 enumeró una sorprendente lista de 75 entradas en las listas de R&B de Billboard. Hay varios Grammy's (más de 15 en el último recuento) sentados en su estantería de casa, y una pared llena de discos de oro y platino que representan millones en ventas de álbumes. "Deuces Wild", una colección de dúos de estrellas, lanzada en 1997, volvió a poner a B.B. en el candelero. Su álbum de 1998, "Blues on the Bayou", fue bien recibido, y su gira anual B.B. King Blues Festival Tour es una de las principales atracciones. El lanzamiento en 1999 de "Let the Good Times Roll-The Music of Louis Jordan" fue un tributo musical a uno de sus héroes. B.B. se unió a Eric Clapton en el lanzamiento multi-platino de "Riding with the King", (Reprise 2000) que fue el tributo de Clapton a él, un excelente disco, un maestro y su alumno tantos años más tarde, tantos caminos recorridos por ambos aún tocando el blues, y con motivo de su 80 cumpleaños en 2005 grabó un álbum de dúos "80" (Geffen) como testimonio de su voluntad como músico perdurable.

B.B. King ha lanzado otra joya de un álbum. "Grabado en The Village Recorder en Los Angeles, CA "OneKind Favor" tiene la intención de sonar como un álbum grabado en la década de 1950. Para conseguir este sonido, el productor T-Bone Burnett y King replicaron el tipo de banda de blues que King tenía en su día, reproduciendo las condiciones del estudio de la época. El resultado es un álbum de sonido vintage lleno de las canciones que influenciaron a King en sus primeros días como artista. Altamente Recomendado!

B.B. King fue el más afortunado e inusual de los bluesmen; un éxito en sus propios términos, y en su propio tiempo. Era el bluesista más conocido y reconocido del planeta. Se mantuvo fiel a sí mismo y a su música, y lo hizo con ella.

B.B. King falleció el 15 de mayo de 2015.

 

 

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Kenny Burrell • A Night At The Vanguard

  

 

Review by Michael G. Nastos
Kenny Burrell's storied career as perhaps the premier modern jazz guitarist has been documented by many efforts in the studio, but here's a nightclub date that may well be highly ranked as one of his very best efforts. The spontaneity and freshness of Burrell's lyric lines and deft chords is further enhanced by perhaps the most advanced musicians he has ever played with -- bassist Richard Davis and drummer Roy Haynes. For music done in 1959, this is heady, seat-of-the-pants, brilliantly executed jazz that is mostly based in standards, but stretched to exacting tolerances that bend, but are not close to breaking. Davis provides strong support without going as outward as he did later in life, while Haynes might sound subdued to his fans, yet has an elastic presence that allows the other two a lot of freedom to fully articulate this modern mainstream language as a prelude heading into the turbulent '60s. On this straight reissue that originally sported the title "Man at Work," the trio plays all standards save the lively blues groove, more pronounced than the studio version of Burrell's "All Night Long," and the Erroll Garner tune "Trio," where Burrell's proves expert at combining singles lines and chords in balance. Most of the material is very upbeat and energetic as on the fast and quick "Will You Still Be Mine," and the bop swing of "Broadway" mixed up a little melodically by Burrell. The love of Duke Ellington's music is always with the guitarist as rendered during "Just A-Sittin' and A-Rockin'," where the genius of Burrell is extant in his ability to provide his own counterpoint. Burrell's other precious component is his ability to relax and consistently swing as on Thelonious Monk's "Well, You Needn't," Benny Goodman's poignant and simple "Soft Winds," and dipping deep into the tenderness quotient on the ballad "I'm a Fool to Want You" aside the tango-flavored bass of Davis. A solid effort top to bottom, and a recording most highly recommended, this is Burrell and his extraordinary trio very close to, if not truly in their prime, and their element.
https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946

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Reseña de Michael G. Nastos
La carrera de Kenny Burrell como quizás el mejor guitarrista de jazz moderno ha sido documentada por muchos esfuerzos en el estudio, pero aquí hay una cita en un club nocturno que bien puede ser clasificada como uno de sus mejores esfuerzos. La espontaneidad y frescura de las líneas líricas y los hábiles acordes de Burrell se ven realzadas por los músicos más avanzados con los que ha tocado: el bajista Richard Davis y el batería Roy Haynes. Para ser música de 1959, se trata de un jazz embriagador y brillantemente ejecutado que se basa principalmente en estándares, pero estirados hasta tolerancias exactas que se doblan, pero no están cerca de romperse. Davis proporciona un fuerte apoyo sin salirse tanto como lo hizo más tarde en su vida, mientras que Haynes puede sonar apagado para sus fans, pero tiene una presencia elástica que permite a los otros dos mucha libertad para articular plenamente este lenguaje mainstream moderno como preludio hacia los turbulentos años 60. En esta reedición directa que originalmente llevaba el título de "Man at Work", el trío toca todos los estándares salvo el animado groove de blues, más pronunciado que en la versión de estudio de "All Night Long" de Burrell, y el tema de Erroll Garner "Trio", donde Burrell se muestra experto en combinar líneas sencillas y acordes en equilibrio. La mayor parte del material es muy optimista y enérgico, como en la rápida y veloz "Will You Still Be Mine", y el swing bop de "Broadway", mezclado un poco melódicamente por Burrell. El amor por la música de Duke Ellington está siempre presente en el guitarrista, como en "Just A-Sittin' and A-Rockin'", donde el genio de Burrell se manifiesta en su habilidad para aportar su propio contrapunto. El otro componente valioso de Burrell es su habilidad para relajarse y balancearse consistentemente como en "Well, You Needn't" de Thelonious Monk, la conmovedora y sencilla "Soft Winds" de Benny Goodman, y sumergiéndose profundamente en el cociente de ternura en la balada "I'm a Fool to Want You" al lado del bajo con sabor a tango de Davis. Burrell y su extraordinario trío están muy cerca, si no verdaderamente en su mejor momento, y en su elemento.
https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946

Lazy Lester • Poor Boy Blues

Review

After two decades away from the music scene, Lazy Lester has been making up for lost time with a spate of recordings. Why was he away from the music all that time? According to Lazy Lester, he just did not feel like playing. The guitarist turned harmonica player from Baton Rouge, LA, made a name for himself playing with Lightnin' Slim. Lazy Lester called his style of playing swamp blues. It's a lot like the blues of Chicago, but steamier, like the country from where it originates. Leslie Johnson's moniker of Lazy Lester was given to him by record producer Jay Miller, who noted the lackadaisical attitude of the harpist. Lazy Lester, sounding like a meditation master, says that he is never in a hurry because it is easier on the system. But when he plays the harmonica, he sounds anything but laid-back. Since his comeback in 1988, Lester has been fronting his own bands in live concerts and on recordings, and he has proved to be anything but lazy in his recording schedule since his return to performing the blues. His high-energy, soulful harmonica growls out the blues with passion and authority. His recordings All Over You and Blues Stop Knockin' won accolades from the critics. His release Poor Boy Blues may be his best CD. Featured are some of the artist's best-known tunes, such as "The Same Thing Could Happen to You" and the title cut, "Poor Boy Blues." He reaches back in time for a reprise of his classic "I Hear You Knockin'." "You Got Me Where You Want Me" drives hard, "Sugar Coated Love" still has its edge, and "Sad Sad City" is the blues personified. Lazy Lester is a living legend. This recording shows why.

by Rose of Sharon Witmer

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Reseña

Después de dos décadas alejado de la escena musical, Lazy Lester ha estado recuperando el tiempo perdido con una avalancha de grabaciones. ¿Por qué estuvo alejado de la música todo ese tiempo? Según Lazy Lester, no tenía ganas de tocar. El guitarrista convertido en armónico de Baton Rouge, Los Ángeles, se hizo un nombre tocando con Lightnin' Slim. Lazy Lester llamó a su estilo de tocar swamp blues. Se parece mucho al blues de Chicago, pero más vaporoso, como el país del que procede. El apodo de Leslie Johnson de Lazy Lester se lo dio el productor discográfico Jay Miller, que notó la actitud displicente del arpista. Lazy Lester, sonando como un maestro de la meditación, dice que nunca tiene prisa porque es más fácil para el sistema. Pero cuando toca la armónica, suena todo menos relajado. Desde su regreso en 1988, Lester ha estado al frente de sus propias bandas en conciertos en vivo y en grabaciones, y ha demostrado ser cualquier cosa menos perezoso en su agenda de grabaciones desde su regreso a la interpretación del blues. Su armónica de alta energía y alma gruñe el blues con pasión y autoridad. Sus grabaciones "All Over You" y "Blues Stop Knockin" recibieron elogios de la crítica. Su lanzamiento Poor Boy Blues puede ser su mejor CD. Se presentan algunas de las canciones más conocidas del artista, como "The Same Thing Could Happen to You" y el corte del título, "Poor Boy Blues". Retrocede en el tiempo para una repetición de su clásico "I Hear You Knockin'". "You Got Me Where You Want Me" conduce duro, "Sugar Coated Love" todavía tiene su ventaja, y "Sad Sad City" es el blues personificado. Lazy Lester es una leyenda viva. Esta grabación muestra por qué.

por Rose de Sharon Witmer

 

Sara Caswell • But Beautiful

 

2018 Grammy Nominee Sara Caswell “is a brilliant world-class violinist…one of the very best of the present generation of emerging young jazz stars” according to the late David Baker, internationally-renowned jazz educator and former Director of the Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra. Rooted in an early exposure to a variety of musical genres, Sara’s technical facility intertwined with her gift for lyricism continue to attract growing attention to her artistry as a jazz soloist, sideman, and teacher.

Recognized as a “Rising Star” in the DownBeat Magazine Critics and Readers Polls every year since 2013, Sara’s two groups (the Sara Caswell Quartet and the Caswell Sisters Quintet) have been heard in venues ranging from Jazz at Lincoln Center’s Dizzy’s Club to university concert halls nationwide. In 2013 Sara and her sister, vocalist Rachel Caswell, released their CD, Alive in the Singing Air featuring jazz pianist Fred Hersch, to rave reviews and its selection by jazz critic Thomas Cunniffe as one of the year’s “Best Vocal CDs” on Jazz History Online. Sara’s two CDs, First Song (Double-Time Records, 2000) and But Beautiful (Arbors Records, 2005), were recognized in several year-end best-of jazz album releases.

Sara regularly performs with mandolinist Joseph Brent’s 9 Horses and has toured extensively with Grammy-winning bassist/vocalist Esperanza Spalding’s Chamber Music Society, clarinetist David Krakauer’s The Big Picture, vocalist Roseanna Vitro’s quintet, violinist Mark O’Connor’s American String Celebration, and violinist Darol Anger’s Four Generations of Jazz Violin. She has performed and/or recorded with such artists as Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian Almazan, Regina Carter, Jenny Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike Sturm, John Clayton, Gene Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson, Bucky Pizzarelli, and Bruce Springsteen.  She is a member of the New York Pops Orchestra with whom she has been a featured soloist several times in Carnegie Hall, and was part of the house band for NBC’s weekly variety show “Maya & Marty” starring Maya Rudolph and Martin Short.

Currently on faculty at both the Berklee College of Music and the Manhattan School of Music, Sara’s formidable teaching experience also includes the Mark O’Connor String Camps, the Jamey Aebersold Summer Jazz Workshops, the Indiana University String Academy, and a private studio. She has given numerous jazz string improvisation workshops and master classes and is involved with JEN (Jazz Education Network), MENC (National Association of Music Education), and ASTA (American String Teachers Association).

As an award-winning classical violinist, Sara has soloed with several orchestras, given numerous recitals, and performed as a chamber musician in a variety of settings. She was raised in a musical family and began violin at age 5, moving through the first five Suzuki volumes in just nine months. Subsequent years of private lessons at Indiana University led to her involvement in the classical competition circuit where she won numerous awards and 1st-place prizes. “Sara has always shown a remarkable understanding of different musical styles and an uncommon power of communication. These qualities are making of this young artist an outstanding one,” spoken by the late violin maestro Franco Gulli.

A graduate of Indiana University which she attended under full scholarship as a Wells Scholar, Sara received B.M. Degrees with High Distinction and an Artist Diploma in both Violin Performance and Jazz Studies. In 2006 Sara completed her M.M. Degree in Jazz Violin at the Manhattan School of Music. In addition to several years of study with the legendary Josef Gingold (classical), Stanley Ritchie (baroque), and David Baker (jazz), Sara worked with many of today’s top jazz artists at the Thelonious Monk Institute of Jazz Summer Residency Program and at the Steans Institute for Young Artists at the Ravinia Jazz Festival.

Sara’s artistry and unique sound lead international recording artist/violinist Mark O’Connor to write: “Most good violinists will never experience what Sara creates with her instrument. It is beautifully refined emotion that lifts the spirit…Jazz violin needs a universal ambassador…a player who can pick up where the last generation left off. Sara  is well on her way to extending that tradition to touch new audiences.”

http://saracaswell.com/bio/

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Sara Caswell, nominada al Grammy 2018 "es una brillante violinista de clase mundial ... una de las mejores estrellas emergentes de jazz jóvenes", según el fallecido David Baker, reconocido internacionalmente como educador de jazz y ex director de la Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra . Arraigada en una temprana exposición a una variedad de géneros musicales, la facilidad técnica de Sara entrelazada con su don para el lirismo sigue atrayendo cada vez más atención a su arte como solista de jazz, sideman y profesora.

Reconocidos como una “estrella en ascenso” en las encuestas de críticos y lectores de la revista DownBeat cada año desde 2013, los dos grupos de Sara (el cuarteto de Sara Caswell y el quinteto de las hermanas de Caswell) han sido escuchados en lugares que van desde el Jazz en el Dizzy's Club del Lincoln Center hasta un concierto universitario. Salones a nivel nacional. En 2013, Sara y su hermana, la vocalista Rachel Caswell, lanzaron su CD, Alive in the Singing Air con el pianista de jazz Fred Hersch, con excelentes críticas y su selección por el crítico de jazz Thomas Cunniffe como uno de los "Mejores CDs vocales" de la historia del jazz. En línea. Los dos CD de Sara, First Song (Double-Time Records, 2000) y But Beautiful (Arbors Records, 2005), fueron reconocidos en varios de los mejores lanzamientos de álbumes de jazz de fin de año.

Sara se presenta regularmente con los 9 caballos del mandolinista Joseph Brent y ha realizado numerosas giras con la bajista y vocalista ganadora del Grammy, la Sociedad de Música de Cámara Esperanza Spalding, The Big Picture del clarinetista David Krakauer, el quinteto de la vocalista Roseanna Vitro, el violinista Mark O'Connor y el violinista Darol Las cuatro generaciones de violín de jazz de la ira. Ella ha actuado y / o grabado con artistas como Brad Mehldau, Linda Oh, Fabian Almazan, Regina Carter, Jenny Scheinman, Lynne Arriale, Alan Ferber, Ike Sturm, John Clayton, Gene Bertoncini, Charlie Byrd, Skitch Henderson, Bucky Pizzarelli, y Bruce Springsteen. Es miembro de la Orquesta Pops de Nueva York, con la que ha sido solista destacada varias veces en el Carnegie Hall, y fue parte de la banda de house para el programa de variedades semanal "Maya & Marty" de NBC, protagonizada por Maya Rudolph y Martin Short.

Actualmente formando parte de la facultad de Berklee College of Music y Manhattan School of Music, la formidable experiencia de enseñanza de Sara también incluye los Mark O’Connor String Camps, los Jamey Aebersold Summer Jazz Workshops, la Indiana University String Academy y un estudio privado. Ha impartido numerosos talleres y clases magistrales de improvisación de cuerdas de jazz y está involucrada con JEN (Jazz Education Network), MENC (Asociación Nacional de Educación Musical) y ASTA (American String Teachers Association).

Como violinista clásica galardonada, Sara ha tocado en solitario con varias orquestas, ha dado numerosos recitales y ha actuado como músico de cámara en una variedad de escenarios. Creció en una familia de músicos y comenzó a tocar el violín a los 5 años, pasando por los primeros cinco volúmenes de Suzuki en solo nueve meses. Los años subsiguientes de clases privadas en la Universidad de Indiana la llevaron a participar en el circuito de competencia clásica, donde ganó numerosos premios y premios de 1er lugar. “Sara siempre ha demostrado una notable comprensión de los diferentes estilos musicales y un poder de comunicación poco común. Estas cualidades hacen que este joven artista sea excepcional ", pronunciado por el fallecido maestro de violín Franco Gulli.

Una graduada de la Universidad de Indiana, a la que asistió con una beca completa como becaria de Wells, Sara recibió B.M. Grados con Alta Distinción y un Diploma de Artista en Violin Performance y Jazz Studies. En 2006 Sara completó su M.M. Licenciada en violín de jazz en la Manhattan School of Music. Además de varios años de estudio con el legendario Josef Gingold (clásico), Stanley Ritchie (barroco) y David Baker (jazz), Sara trabajó con muchos de los mejores artistas de jazz de hoy en el Programa de Residencia de Verano Thelonious Monk Institute of Jazz y en El Instituto Steans para Jóvenes Artistas en el Festival de Jazz de Ravinia.

El arte y el sonido único de Sara llevaron al artista y violinista internacional Mark O’Connor a escribir: “La mayoría de los buenos violinistas nunca experimentarán lo que Sara crea con su instrumento. Es una emoción bellamente refinada la que levanta el espíritu ... El violín de jazz necesita un embajador universal ... un jugador que puede continuar donde se detuvo la última generación. Sara está bien encaminada para extender esa tradición a nuevas audiencias ".

http://saracaswell.com/bio/

 

saracaswell.com ...

 

Space Junk is Forever • Duo Junk

  

SPACE JUNK IS FOREVER is a project from Massachusetts, U.S.A. that started as solo compositions and recordings in 2013 by organist Jordan Holt, who stated he had no intention of using the material in a band. He would later collaborate with pianist/composer Claude Garoute. In 2017 drummer Madden Klass joined and the trio began creating live recording sessions of their debut, self-titled release. The band is accompanied by Matt Vigna on guitar and Dave Palan on bass on their third release, SJF3, as well as live shows.

SPACE JUNK IS FOREVER describes their music with the following passage from their website:

"Space Junk is Forever uses vintage instruments to weave simple melodies, stirring harmonic language, and frequent key and meter changes into impressionistic, aptly titled tunes that 70's prog lovers, mathy drummers, synthesizer geeks, and music theory nerds are all sure to enjoy. Deep grooves, varied instrumentations, and wild group improvisations further invite a broader audience."

https://www.progarchives.com/artist.asp?id=11969

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SPACE JUNK IS FOREVER es un proyecto de Massachusetts, EE. UU. que comenzó como composiciones y grabaciones en solitario en 2013 por el organista Jordan Holt, quien declaró que no tenía intención de usar el material en una banda. Más tarde colaboraría con el pianista y compositor Claude Garoute. En 2017, el baterista Madden Klass se unió y el trío comenzó a crear sesiones de grabación en vivo de su debut, el lanzamiento homónimo. La banda está acompañada por Matt Vigna a la guitarra y Dave Palan al bajo en su tercer lanzamiento, SJF3, así como en shows en vivo.

SPACE JUNK IS FOREVER describe su música con el siguiente pasaje de su sitio web:

"Space Junk is Forever usa instrumentos antiguos para tejer melodías simples, un lenguaje armónico conmovedor y frecuentes cambios de tonalidad y compás en melodías impresionistas y acertadamente tituladas que los amantes progresistas de los 70, los bateristas matemáticos, los geeks de sintetizadores y los nerds de la teoría musical seguramente disfrutarán. Ritmos profundos, instrumentaciones variadas e improvisaciones grupales salvajes invitan aún más a una audiencia más amplia."

https://www.progarchives.com/artist.asp?id=11969


www.spacejunkisforever.com ...

The Dave Brubeck Quartet • Live from the Northwest, 1959

 

 Editorial Reviews
"The Dave Brubeck Quartet - Live from the Northwest, 1959" is the newest release from Brubeck Editions, the family-run label that only puts out music of the highest musical and technical quality. These exciting performances were recorded by the trailblazing and iconic audio engineer, Wally Heider, who pioneered the art of remote recording from his "studio on wheels." The sound he achieved is stellar, and this is perhaps the best live recording you can hear of one the most popular jazz groups of all time. The tapes were recorded in April, 1959 at the Multnomah Jazz Club and Clark College, both in the Portland, Oregon area. On this recording you can hear the Quartet's mastery of spontaneous counterpoint improvisation. Four months later, the Dave Brubeck Quartet's focus shifted to polytonal and polyrhythmic approaches when the group recorded the legendary "Time Out", and changed the course of jazz forever.
https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959

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Reseñas Editoriales
"The Dave Brubeck Quartet-Live from the Northwest, 1959" es el lanzamiento más reciente de Brubeck Editions, el sello familiar que solo publica música de la más alta calidad musical y técnica. Estas emocionantes actuaciones fueron grabadas por el pionero e icónico ingeniero de audio, Wally Heider, quien fue pionero en el arte de la grabación remota desde su "estudio sobre ruedas"."El sonido que logró es estelar, y esta es quizás la mejor grabación en vivo que puedes escuchar de uno de los grupos de jazz más populares de todos los tiempos. Las cintas fueron grabadas en abril de 1959 en el Multnomah Jazz Club y Clark College, ambos en el área de Portland, Oregón. En esta grabación se puede escuchar el dominio del Cuarteto de la improvisación contrapuntística espontánea. Cuatro meses después, el enfoque del Dave Brubeck Quartet cambió a enfoques politonales y polirrítmicos cuando el grupo grabó el legendario "Time Out" y cambió el rumbo del jazz para siempre.
https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959


www.brubeckeditions.com ...

www.davebrubeck.com ... 

Vinicius De Moraes, Maria Creuza & Toquinho • En ''La Fusa''

  

En La Fusa con Maria Creuza y Toquinho is a 1970 live album by Maria Creuza and Toquinho in partnership with Vinicius de Moraes. It was recorded at the La Fusa Bar in Buenos Aires. 

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En La Fusa con Maria Creuza y Toquinho es un álbum en vivo de 1970 de Maria Creuza y Toquinho en asociación con Vinicius de Moraes. Fue grabado en el Bar La Fusa de Buenos Aires.

 

Paul Williams and his Hucklebuckers • Spider Sent Me

 

Biography:

Saxophonist and bandleader Paul Williams scored one of the first big hits of the R&B era in 1949 with "The Hucklebuck," an adaption of Charlie Parker's "Now's the Time." The song topped the R&B charts for 14 weeks in 1949, and was one of three Top Ten and five other Top 20 R&B instrumental hits that Williams scored for Savoy in 1948 and 1949.

He had played with Clarence Dorsey in 1946 and then made his recording debut with King Porter in 1947 for Paradise before forming his own band late that year. Saxophonists Noble "Thin Man" Watts and Wild Bill Moore, trumpeter Phil Guilbeau, and vocalists Danny Cobb, Jimmy Brown, Joan Shaw, and Connie Allen were among Williams' bandmembers. He was later part of Atlantic Records' house band in the '60s, and directed the Lloyd Price and James Brown orchestras until 1964. After leaving the music business temporarily, Williams opened a booking agency in New York in 1968. His other Top Ten hits were "35-30" in 1948 and "Walkin' Around" in 1949.

by Ron Wynn

https://www.allmusic.com/artist/paul-hucklebuck-williams-mn0000030817/biography

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Biografía:

El saxofonista y director de banda Paul Williams obtuvo uno de los primeros grandes éxitos de la era del R&B en 1949 con "The Hucklebuck", una adaptación de "Now's the Time" de Charlie Parker. La canción encabezó las listas de R&B durante 14 semanas en 1949, y fue uno de los tres Top Ten y otros cinco Top 20 éxitos instrumentales de R&B que Williams anotó para Savoy en 1948 y 1949.

Había tocado con Clarence Dorsey en 1946 y luego hizo su debut discográfico con King Porter en 1947 para Paradise antes de formar su propia banda a finales de ese año. Los saxofonistas Noble "Thin Man" Watts y Wild Bill Moore, el trompetista Phil Guilbeau y los vocalistas Danny Cobb, Jimmy Brown, Joan Shaw y Connie Allen estaban entre los miembros de la banda de Williams. Más tarde formó parte de la banda de Atlantic Records en los años 60, y dirigió las orquestas de Lloyd Price y James Brown hasta 1964. Después de dejar el negocio de la música temporalmente, Williams abrió una agencia de contratación en Nueva York en 1968. Sus otros éxitos en el Top Ten fueron "35-30" en 1948 y "Walkin' Around" en 1949.

por Ron Wynn
https://www.allmusic.com/artist/paul-hucklebuck-williams-mn0000030817/biography

 

Yusef Lateef • The Gentle Giant

 

 

 

William Emanuel Huddleston, (n. Chattanooga, 9 de octubre de 1920 ; m. Sutesbury (Massachusetts), 23 de diciembre de 2013), mejor conocido como Yusef Lateef, fue un músico estadounidense que tocaba la flauta, el oboe y el saxo tenor, encuadrado habitualmente como músico de jazz, aunque su ámbito estilístico era el de la vanguardia musical en general: hard bop, new age, músicas del mundo, etc.

Lateef creció en Detroit y empezó tocando el saxo tenor a los 17 años. Trabajó con Lucky Millinder (1946), Hot Lips Page, Roy Eldridge y con la big band de Dizzy Gillespie (1949-50). Durante los años cincuenta se inició en el estudio de la flauta en la Wayne State University.

Comenzó a grabar como líder en 1955 para el sello Savoy y más tarde para Riverside y Prestige. En 1959, se trasladó a Nueva York, cuando ya tenía una sólida reputación por su versatilidad y su tendencia a utilizar instrumentos creados por él.

En 1960, tocó con Charles Mingus, acompañó a Donald Byrd y trabajó con el Cannonball Adderley Sextet (1962-1964).

Con Impulse! (1963-1966) grabó algunos de sus mejores trabajos, como también lo fueron los grabados para Atlantic (1967-76).

En los años ochenta se dedicó a la enseñanza en Nigeria y su música prestó atención al new age, ampliando sus intereses en los noventa y llegando a grabar improvisación pura con músicos como Ricky Ford, Archie Shepp y Von Freeman. [WIKI]

http://www.yuseflateef.com/

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Yusef Abdul Lateef (born William Emanuel Huddleston; October 9, 1920 – December 23, 2013) was an American jazz multi-instrumentalist, composer and prominent figure among the Ahmadiyya Community in America, in 1950.

 Although Lateef's main instruments were the tenor saxophone and flute, he also played oboe and bassoon, both rare in jazz, and also used a number of non-western instruments such as the bamboo flute, shanai, shofar, xun, arghul and koto. He is known for having been an innovator in the blending of jazz with "Eastern" music. Peter Keepnews, in his New York Times obituary of Lateef, wrote that the musician "played world music before world music had a name."[2]

 Lateef wrote and published a number of books including two novellas entitled A Night in the Garden of Love and Another Avenue, the short story collections Spheres and Rain Shapes, also his autobiography, The Gentle Giant, written in collaboration with Herb Boyd.[3] Along with his record label YAL Records, Lateef owned Fana Music, a music publishing company. Lateef published his own work through Fana, which includes Yusef Lateef's Flute Book of the Blues and many of his own orchestral compositions.

http://www.yuseflateef.com/

 

 

Jeff Beck • Rock 'n' Roll Party

www.jeffbeck.com ...

 

Wallace Roney • The Standard Bearer

 

Review by Scott Yanow
To say that Wallace Roney (30 at the time of this Muse CD) resembles mid-'60s Miles Davis in his playing is the same as stating that Sonny Stitt sounded a little like Charlie Parker. That objection aside, Romney's The Standard Bearer (dedicated to Woody Shaw) is excellent. The leader is in fine form on six familiar standards and "Loose" has Roney successfully holding one's interest while backed by just drummer Cindy Blackman and percussionist Steve Berrios. Tenor saxophonist Gary Thomas (who does have a very original sound) is fiery during his four appearances and the rhythm section (which also includes pianist Mulgrew Miller and bassist Charnett Moffett) is quite superior. Creative frameworks and inspired solos keep this recording from being just a bop revival session. In fact, except for Romney's sound, everything about the music is quite fresh.


Biography by Matt Collar
A forward-thinking, post-bop trumpeter, Wallace Roney first emerged in the late '80s as a gifted soloist with Art Blakey's Jazz Messengers and Tony Williams. Blessed with a warm, often plaintive tone and lithe improvisational style, Roney was often regarded as the heir to the modal legacy of Miles Davis, though his playing also evinced the influence of trumpeters like Clifford Brown and Woody Shaw. While many of his albums, like 1989's The Standard Bearer and 1997's The Village, displayed his talent for swinging and harmonically advanced acoustic jazz, others, like 2000's No Room for Argument and 2016's In an Ambient Way with the all-star group Powerhouse, revealed his love of genre-bending, electrified funk, and soul.

Born in Philadelphia in 1960, Roney grew up alongside his younger brother, saxophonist Antoine Roney, and first displayed an interest in playing the trumpet around age four. As an adolescent, he enrolled in Philadelphia's Settlement School of Music where he studied trumpet privately with Sigmund Hering of the Philadelphia Orchestra. From there, he attended the Duke Ellington School of Music in Washington, D.C., where he gained further tutelage under Langston Fitzgerald of the Baltimore Symphony Orchestra.

At the same time that Roney was receiving formal music training, his father was encouraging him to transcribe jazz solos of artists like Clifford Brown, Dizzy Gillespie, and others. Consequently, by his teens, Roney was an accomplished performer, appearing regularly with both classical chamber groups and jazz ensembles. During this time, he took lessons with several trumpet luminaries including Gillespie, Clark Terry, and Woody Shaw. He also had the opportunity to play with pianist Cedar Walton's group.

After high school, Roney attended both Berklee School of Music in Boston and Howard University before relocating to New York City in the early '80s. Although he had already played with such luminaries as drummer Art Blakey's Jazz Messengers, replacing Wynton Marsalis, who was touring with Herbie Hancock's V.S.O.P. Quartet in 1981, Roney's initial time in New York was a struggle that also found him taking jobs in Latin dance and other kinds of bands to make ends meet. His break came in 1985 when he toured with Miles Davis alum/drummer Tony Williams, appearing on two Williams' albums -- Foreign Intrigue in 1985 and Civilization in 1986. Also around this time, he returned to Blakey's Jazz Messengers, this time replacing trumpeter Terence Blanchard. These esteemed gigs helped launch Roney into the upper echelons of the jazz scene.

As a solo artist, Roney made his debut in 1987 with the album Verses on Muse, featuring drummer Williams, saxophonist Gary Thomas, pianist Mulgrew Miller, and bassist Charnett Moffett. Several more Muse albums followed, all of them sophisticated showcases for Roney's adventurous, post-bop, and modal-influenced style.

While Roney had long admired Miles Davis, an admitted influence who had mentored him on and off since first hearing him play at Davis' Carnegie Hall birthday gala in 1983, it was during Davis' famed 1991 tribute concert to Gil Evans at Montreux (later released as Miles & Quincy Live at Montreux) that he cemented his image as heir apparent to Davis' legacy. Invited by Quincy Jones to participate in the concert, Roney sat next to Davis, trading solos on various Evans arrangements culled from such classic Davis releases as Birth of the Cool, Miles Ahead, and Sketches of Spain. Tragically, Davis, who was gravely ill at the time, died roughly a month after the Montreux concerts.

Following his high-profile show with Davis, Roney had established himself as a rising jazz star. He built upon this renown, signing a major-label deal with Warner Bros. and releasing several well-received albums with his brother, saxophonist Antoine Roney, and wife, pianist Geri Allen, including 1993's Misterios, 1995's Wallace Roney Quintet, and 1996's Village. Conversely, during this period, Roney appeared on several of Allen's albums including 1997's Eyes in the Back of Your Head and 1998's The Gathering.

In 2000, Roney took a creative turn toward funk, hip-hop, and experimental post-bop with the album No Room for Argument on Concord. It was a direction he stuck with through several more albums for Highnote, including 2004's Prototype and 2005's Mystikal. Roney never fully retreated from straight-ahead jazz, though, and generally incorporated a variety of jazz styles on his albums. This varied approach is represented on such releases as 2007's Jazz, 2010's If Only for One Night, and 2012's Home.

In 2013, Roney delivered Understanding, his sixth album for Highnote. Also in 2013, he premiered his live version of saxophonist Wayne Shorter's "Universe," a long-form orchestral composition originally written for the Miles Davis' quintet in the late '60s. Abandoned for decades, "Universe" was eventually given to Roney, who spent much of the next several years touring the piece, which included playing an NPR broadcast performance at the 2014 Detroit Jazz Festival.

In 2015, Roney appeared as a member of the ensemble Powerhouse on the album In an Ambient Way, which also included saxophonist/producer Bob Belden, drummer Lenny White, keyboardist Kevin Hays, guitarist Oz Noy, and bassist Daryl Johns. A reworking of Miles Davis' 1969 recording In a Silent Way, In an Ambient Way was the brainchild of Belden, who died a month before its release. After Belden's passing, Roney took time off from his "Universe" activities to tour with Powerhouse. In 2019, he returned to his solo work with Blue Dawn - Blue Nights, which found him collaborating with his quintet featuring pianist Oscar Williams II, bassist Paul Cuffari, tenor Emilio Modeste, and his nephew drummer Kojo Odu Roney. Wallace Roney died on March 31, 2020 from complications of the COVID-19 virus; he was 59 years old.
https://www.allmusic.com/artist/wallace-roney-mn0000813629#biography

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Reseña de Scott Yanow
Decir que Wallace Roney (30 en el momento de este CD de Muse) se parece a Miles Davis de mediados de los 60 en su interpretación es lo mismo que afirmar que Sonny Stitt sonaba un poco como Charlie Parker. Dejando de lado esa objeción, The Standard Bearer de Romney (dedicado a Woody Shaw) es excelente. El líder está en buena forma con seis estándares familiares y" Loose " tiene a Roney manteniendo con éxito el interés de one mientras está respaldado solo por la baterista Cindy Blackman y el percusionista Steve Berrios. El saxofonista tenor Gary Thomas (que tiene un sonido muy original) es ardiente durante sus cuatro apariciones y la sección rítmica (que también incluye al pianista Mulgrew Miller y al bajista Charnett Moffett) es bastante superior. Los marcos creativos y los solos inspirados evitan que esta grabación sea solo una sesión de avivamiento de la balanza de pagos. De hecho, excepto por el sonido de Romney, todo sobre la música es bastante fresco.


Biografía de Matt Collar
Wallace Roney, trompetista progresista y post-bop, surgió por primera vez a fines de los 80 como un talentoso solista con Art Blakey's Jazz Messengers y Tony Williams. Bendecido con un tono cálido, a menudo lastimero y un estilo ágil de improvisación, Roney a menudo era considerado el heredero del legado modal de Miles Davis, aunque su forma de tocar también mostraba la influencia de trompetistas como Clifford Brown y Woody Shaw. Si bien muchos de sus álbumes, como The Standard Bearer de 1989 y The Village de 1997, mostraron su talento para el swing y el jazz acústico armónicamente avanzado, otros, como No Room for Argument de 2000 y In an Ambient de 2016 con la potencia del grupo de estrellas, revelaron su amor por la flexión de géneros, el funk electrificado y el soul.

Nacido en Filadelfia en 1960, Roney creció junto a su hermano menor, el saxofonista Antoine Roney, y mostró interés por primera vez en tocar la trompeta alrededor de los cuatro años. Cuando era adolescente, se inscribió en la Escuela de Música Settlement de Filadelfia, donde estudió trompeta en privado con Sigmund Hering de la Orquesta de Filadelfia. A partir de ahí, asistió a la Escuela de Música Duke Ellington en Washington, DC, donde obtuvo una mayor tutela con Langston Fitzgerald de la Orquesta Sinfónica de Baltimore.

Al mismo tiempo que Roney recibía capacitación musical formal, su padre lo alentaba a transcribir solos de jazz de artistas como Clifford Brown, Dizzy Gillespie y otros. En consecuencia, en su adolescencia, Roney era un intérprete consumado, apareciendo regularmente tanto con grupos de cámara clásicos como con conjuntos de jazz. Durante este tiempo, tomó lecciones con varias luminarias de la trompeta, incluidos Gillespie, Clark Terry y Woody Shaw. También tuvo la oportunidad de tocar con el grupo del pianista Cedar Walton.

Después de la secundaria, Roney asistió a la Berklee School of Music en Boston y a la Howard University antes de mudarse a la ciudad de Nueva York a principios de los 80. Aunque ya había tocado con luminarias como el baterista Art Blakey's Jazz Messengers, reemplazando a Wynton Marsalis, quien estaba de gira con el Cuarteto V. S. O. P. de Herbie Hancock en 1981, la primera vez que Roney estuvo en Nueva York fue una lucha que también lo llevó a aceptar trabajos de baile latino y otros tipos de bandas para llegar a fin de mes. Su oportunidad llegó en 1985 cuando realizó una gira con Tony Williams, baterista y alumno de Miles Davis, apareciendo en dos álbumes de Williams: Foreign Intrigue en 1985 y Civilization en 1986. También por esta época, regresó a Blakey's Jazz Messengers, esta vez reemplazando al trompetista Terence Blanchard. Estos estimados conciertos ayudaron a lanzar a Roney a los niveles más altos de la escena del jazz.

Como solista, Roney hizo su debut en 1987 con el álbum Verses on Muse, con el baterista Williams, el saxofonista Gary Thomas, el pianista Mulgrew Miller y el bajista Charnett Moffett. Siguieron varios álbumes más de Muse, todos ellos sofisticados escaparates del estilo aventurero, post-bop e influenciado por el modal de Roney.

Si bien Roney había admirado durante mucho tiempo a Miles Davis, una influencia admitida que lo había guiado intermitentemente desde que lo escuchó tocar por primera vez en la gala de cumpleaños de Davis en el Carnegie Hall en 1983, fue durante el famoso concierto tributo de Davis en 1991 a Gil Evans en Montreux (luego lanzado como Miles & Quincy Live en Montreux) que consolidó su imagen como heredero aparente del legado de Davis. Invitado por Quincy Jones a participar en el concierto, Roney se sentó junto a Davis, intercambiando solos en varios arreglos de Evans extraídos de lanzamientos clásicos de Davis como Birth of the Cool, Miles Ahead y Sketches of Spain. Trágicamente, Davis, que estaba gravemente enfermo en ese momento, murió aproximadamente un mes después de los conciertos de Montreux.

Después de su programa de alto perfil con Davis, Roney se había establecido como una estrella del jazz en ascenso. Se basó en este renombre, firmó un contrato con un sello importante con Warner Bros. y lanzó varios álbumes bien recibidos con su hermano, el saxofonista Antoine Roney, y su esposa, la pianista Geri Allen, incluidos Misterios de 1993, Wallace Roney Quintet de 1995 y Village de 1996. Por el contrario, durante este período, Roney apareció en varios de los álbumes de Allen, incluidos Eyes in the Back of Your Head de 1997 y The Gathering de 1998.

En 2000, Roney dio un giro creativo hacia el funk, el hip-hop y el post-bop experimental con el álbum No Room for Argument on Concord. Fue una dirección en la que se mantuvo durante varios álbumes más para Highnote, incluidos Prototype de 2004 y Mystikal de 2005. Sin embargo, Roney nunca se retiró por completo del jazz directo y, en general, incorporó una variedad de estilos de jazz en sus álbumes. Este enfoque variado está representado en lanzamientos como Jazz de 2007, If Only for One Night de 2010 y Home de 2012.

En 2013, Roney entregó Understanding, su sexto álbum para Highnote. También en 2013, estrenó su versión en vivo de "Universe" del saxofonista Wayne Shorter, una composición orquestal de formato largo escrita originalmente para el quinteto de Miles Davis a fines de los 60. Abandonada durante décadas, "Universe" finalmente fue entregada a Roney, quien pasó gran parte de los siguientes años de gira por la pieza, que incluyó tocar en una presentación transmitida por NPR en el Festival de Jazz de Detroit de 2014.

En 2015, Roney apareció como miembro del conjunto Powerhouse en el álbum In an Ambient Way, que también incluía al saxofonista/productor Bob Belden, el baterista Lenny White, el tecladista Kevin Hays, el guitarrista Oz Noy y el bajista Daryl Johns. Una reelaboración de la grabación de Miles Davis de 1969 De una Manera Silenciosa, de una Manera Ambiental, fue una creación de Belden, quien murió un mes antes de su lanzamiento. Después del fallecimiento de Belden, Roney se tomó un tiempo libre de sus actividades del "Universo" para hacer una gira con Powerhouse. En 2019, regresó a su trabajo en solitario con Blue Dawn - Blue Nights, que lo encontró colaborando con su quinteto con el pianista Oscar Williams II, el bajista Paul Cuffari, el tenor Emilio Modeste y su sobrino el baterista Kojo Odu Roney. Wallace Roney murió el 31 de marzo de 2020 por complicaciones del virus COVID-19; tenía 59 años.
https://www.allmusic.com/artist/wallace-roney-mn0000813629#biography