Ray Brown • Brown's Bag

 

Jay Hoggard • Days Like These

Jay Hoggard - Vibraphonist / Composer

          Vibraphonist, Composer Jay Hoggard’s music has touched the hearts and souls of listeners around Planet Earth for  40 years. Jay Hoggard has long ranked with the greatest vibraphone innovators. Jay’s music is positive, spiritual, uplifting, and happy. He masterfully draws on traditional and contemporary musical vocabulary to develop new directions for the vibraphone. Jay seamlessly blends jazz and gospel roots with African marimba rhythms. His performance repertoire represents the three B’s of the jazz tradition (Blues, Bop, Ballads) with original innovations.

          Born in Washington, DC, Jay Hoggard was raised in Mt. Vernon, New York in a religious family.His father was a Bishop in the African Methodist Episcopal Zion denomination. At age 15, Jay began playing the vibraphone. "One night I had a dream that I was playing the vibes. I asked my father to rent me a set and from the first moment, I knew that this was what I was supposed to do." Jay majored in the renown World Music program at Wesleyan University . He toured Europe and played at Carnegie Hall during his freshman year. In his junior year, he traveled to Tanzania to study East African marimba music. Jay graduated from Wesleyan in 1976 and returned to New York City in 1977 to be proclaimed a young lion of the vibraphone.

           Jay Hoggard has recorded 22 CD’s as a leader and over 50 as a collaborator. His newest CD, released in 2016 on the JHVM label, is HARLEM HIEROGLYPHS. This two disc recording features Gary Bartz saxophones, James Weidman piano,organ, Nat Adderley,Jr piano,organ, Belden Bullock bass, and Yoron Israel drums. Noted jazz writer Owen McNally recently declared in his Jazz Corridor column for WNPR.org :

         “ Hoggard has created a triumphant jazz album, a dramatic showcase for his diverse composing skills… While the standards get royal treatment, Hoggard’s originals are the album’s crown jewels. Among these are the celebratory rent party special, "Harlem Jazzbirds Swingin’ and Swayin’"; "Sonic Hieroglyphs," an ode to jazz’s sophisticated sonic semiotics, signs and symbols expressing the sweet and bittersweet mysteries of life, and Disposable Consumption, landscaped with brilliant corners and a mysterious motif of sharp consciousness morphing in and out of an edgy, subconscious dream state… Throughout, there’s the underlying theme of the hieroglyphs of jazz, the music’s uniquely creative, emblematic lexicon, alive with nuance and layers of symbolic meaning. Hoggard’s striking gallery of sonic portraits reflects many inspirations, both artistic and personal, that nourish his imagination…Harlem Hieroglyphs is alive with open-ended potential, perhaps even as the foreshadowing of a historical and culturally-oriented musical theater work graced with evocative narrative pieces resonating with cultural relevance. Or the album could be the gateway to programmatic tonal suites as painterly as the works by such great African-American artists as Jacob Lawrence, a master chronicler of the African-American experience, including his celebrated Migration Series. … Part of what fuels Hoggard’s soaring, imaginative flights are his passion for jazz in all its historic and cultural breadth and depth, and his fascination with the legacy of Harlem’s Golden Age, its rich, vibrant social and cultural life from sacred churches to secular shrines for jazz…Along with a host of aesthetic, intellectual and psychological inspirations resides his deep-seated sense of family, pride in its roots and history. Moved by spirituality, scholarly intensity and uncompromising integrity, the composer/savant is on a mission to use his artistic gifts to spread the good word about the power and the glory of jazz’s hieroglyphs, those myriad, mysterious, sub rosa, miraculously redemptive messages that have left a profoundly expressive, ineffable yet indelible mark on America’s creative consciousness.”      

         Jay Hoggard’s other recordings on the JHVM label, THE RIGHT PLACE, SONGS OF SPIRITUAL LOVE, SWING ‘EM GATES, SOULAR POWER, CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, and SOLO FROM TWO SIDES, give  listeners an opportunity to experience the many sides of this  significant and vital musician. 

         About CHRISTMAS VIBES ALL THRU THE YEAR, Jay says "This recording is about the joy, peace, love, and happiness that should traverse the world during the holiday seasons and throughout the whole year. I am a Christian, and this recording is about the reason for the Christmas season: the observance and re-enactment of the circumstances of the birth of Jesus. But this music is also an offering to human beings of all faiths and non- faiths, of the beautiful sounds of which I am blessed to be one of many, many channeling spirits." This trio recording features James Weidman on organ and piano and Bruce Cox on the drums.

          SOLO FROM TWO SIDES is a beautiful program of 13 Jay Hoggard compositions performed by the composer on both vibraphone and marimba, by way of digital overdubbing. SOULAR POWER, released Fall 08, is an exquisite set of eleven Jay Hoggard compositions and one jazz standard. As Hoggard says, “this CD has the feel of a live performance with the benefit of studio quality sound. New tunes are combined with others that have evolved in performance over the years. I am about music that is both aesthetically pleasing for your mind and spirit, and physically healing for your body and soul. The power of soul is a mystical paradigm of consciousness transformation .”

          SOULAR POWER swings with great sonic balance among its instruments and artists. Pianist/ organist James Weidman, bassist Belden Bullock, and drummer Yoron Israel have performed and recorded as an ensemble with Jay for more than fifteen years. Their performances here are of a caliber that can only be delivered by long associated, empathetic collaborators. 

           SWING 'EM GATES, is a tribute to the late vibraphone grand master Lionel Hampton. “Eight of the compositions on this recording are tunes that I played when Lionel Hampton sent me to sub for him with his band in the 1990’s…Once, when Hamp called me to play for him, I asked what tunes he wanted. He replied, ’Just swing ‘em,gates.’ ” That conversation was the inspiration for Jays’ composition of the same name as well as the direction of this musical tribute to Hampton in Hoggard’s musical voice The recording features stellar performances by top New York collaborators with a guest appearance by piano master, Dr. Billy Taylor on three tunes.

          Jay Hoggard has been honored and commissioned as a composer in various contexts. In 2016 he collaborated with choreographer Nicole Stanton and writer Lois Brown on STORIED PLACES, premiered at Wesleyan University.  In 2009, he was commissioned by dance troupe Sankofa Kuumba and the Hartford Symphony Orchestra to write THE OTHER SIDE OF THE OCEAN and LET ME MAKE IT CLEAR. Previously, Jay collaborated with choreographer Cleo Parker Robinson by composing THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE commissioned by Lincoln Center Out of Doors. He was commissioned by the Hartford Festival of Jazz to compose LA TIERRA HERMOSA, dedicated to Tito Puente. He was commissioned by Wesleyan University to compose JOYFUL SWAMP and CROSSING POINT for Max Roach and percussion ensemble, and VIBARIMBALA for symphonic and jazz orchestras.

          As a performer, Jay Hoggard has toured the globe to rave reviews. He has performed in many of the finest venues of music presentation throughout the United States , Africa Europe, South America, the Caribbean, and Asia. Jay has performed in major venues (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) jazz festivals (St. Lucia. JVC, Montreux, Mt.Fuji, Pori, Hartford), colleges, universities, churches, galleries, libraries, and clubs around the globe. Jay has been featured on radio (NPR, Pacifica) and television (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) nationally and internationally. He led a quintet on an extensive tour sponsored by the United States government to North Africa, the Middle East and India. Jay performed in special concert collaborations with vibraphone masters Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente and Bobby Hutcherson. He has recorded and toured with creative artists such as Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen, Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams , Sherry Winston, Ahmed Abdullah, and was a guest artist with the Dizzy Gillespie Big Band. Jay has accompanied singers, instrumentalists, and poets and has performed with gospel, theater, dance, percussion, and orchestral ensembles.

          Jay Hoggard is a tenured Professor of Music at his alma mater, Wesleyan University. For over 25 years, he has been the director of the Wesleyan Jazz Orchestra and has taught and mentored thousands of students.

http://www.jayhoggard.com/?section=bio

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Jay Hoggard - Vibrafonista / Compositor

          La música del vibrafonista y compositor Jay Hoggard ha tocado los corazones y las almas de los oyentes de todo el planeta Tierra durante 40 años. Jay Hoggard ha clasificado durante mucho tiempo con los mejores innovadores de vibráfono. La música de Jay es positiva, espiritual, edificante y feliz. Se basa magistralmente en el vocabulario musical tradicional y contemporáneo para desarrollar nuevas direcciones para el vibráfono. Jay combina a la perfección las raíces del jazz y el gospel con los ritmos de la marimba africana. Su repertorio de interpretación representa las tres B de la tradición del jazz (Blues, Bop, Ballads) con innovaciones originales.

          Nacido en Washington, DC, Jay Hoggard se crió en Mt. Vernon, Nueva York, en una familia religiosa. Su padre era un obispo en la denominación metodista africana episcopal Zion. A los 15 años, Jay comenzó a tocar el vibráfono. "Una noche tuve el sueño de tocar la vibra. Le pedí a mi padre que me rentara un juego y, desde el primer momento, supe que esto era lo que debía hacer". Jay se especializó en el renombrado programa de música mundial en la Universidad de Wesleyan. Realizó una gira por Europa y jugó en el Carnegie Hall durante su primer año. En su primer año, viajó a Tanzania para estudiar música de marimba de África Oriental. Jay se graduó de Wesleyan en 1976 y regresó a la ciudad de Nueva York en 1977 para ser proclamado un joven león del vibráfono.

           Jay Hoggard ha grabado 22 CD como líder y más de 50 como colaborador. Su nuevo CD, lanzado en 2016 con el sello JHVM, es HARLEM HIEROGLYPHS. Esta grabación de dos discos incluye los saxofones Gary Bartz, el piano James Weidman, el órgano, Nat Adderley, el piano Jr, el órgano, el bajo de Belden Bullock y la batería de Yoron Israel. El destacado escritor de jazz Owen McNally recientemente declaró en su columna Jazz Corridor para WNPR.org:

         "Hoggard ha creado un álbum de jazz triunfante, un escaparate dramático por sus diversas habilidades de composición ... Mientras que los estándares reciben un tratamiento real, los originales de Hoggard son las joyas de la corona del álbum. Entre ellos se encuentran la fiesta especial de alquiler de celebración, "Harlem Jazzbirds Swingin’ y Swayin ’"; "Sonic Hieroglyphs", una oda a la sofisticada semiótica sónica del jazz, signos y símbolos que expresan los dulces y agridulces misterios de la vida, y el Consumo desechable, adornados con esquinas brillantes y un misterioso motivo de conciencia aguda que se transforma dentro y fuera de un sueño sutil e inconsciente. estado ... A lo largo, está el tema subyacente de los jeroglíficos del jazz, el léxico emblemático y singularmente creativo de la música, vivo con matices y capas de significado simbólico. La impactante galería de retratos sonoros de Hoggard refleja muchas inspiraciones, tanto artísticas como personales, que nutren su imaginación ... Harlem Hieroglyphs está vivo con un potencial ilimitado, tal vez incluso como el presagio de una obra de teatro musical histórica y culturalmente orientada con evocativas piezas narrativas. resonando con relevancia cultural. O el álbum podría ser la puerta de entrada a las suites tonales programáticas tan pictóricamente como las obras de grandes artistas afroamericanos como Jacob Lawrence, un cronista maestro de la experiencia afroamericana, incluida su célebre Serie Migración. … Parte de lo que alimenta los vuelos imaginativos e intensos de Hoggard es su pasión por el jazz en toda su amplitud y profundidad histórica y cultural, y su fascinación por el legado de la Edad de Oro de Harlem, su vida social y cultural rica y vibrante, desde iglesias sagradas hasta santuarios seculares. para el jazz ... Junto con una serie de inspiraciones estéticas, intelectuales y psicológicas reside su profundo sentido de familia, orgullo en sus raíces e historia. Movido por la espiritualidad, la intensidad académica y la integridad intransigente, el compositor / sabio tiene la misión de usar sus dones artísticos para difundir la buena palabra sobre el poder y la gloria de los jeroglíficos del jazz, esos miles, misteriosos, sub rosa, milagrosamente redentor de mensajes que han dejado una huella profundamente expresiva, inefable pero indeleble en la conciencia creativa de Estados Unidos ".

         Las otras grabaciones de Jay Hoggard en la etiqueta JHVM, EL LUGAR CORRECTO, LAS CANCIONES DEL AMOR ESPIRITUAL, LAS PUERTAS SWING 'EM, EL PODER SOULAR, VIBRAS DE NAVIDAD TODO EL AÑO, Y SOLO DESDE DOS LADOS, dan a los oyentes la oportunidad de experimentar los muchos aspectos de esto. Músico significativo y vital.

         Acerca de CHRISTMAS VIBES TODO EL AÑO, Jay dice: "Esta grabación es sobre la alegría, la paz, el amor y la felicidad que deben atravesar el mundo durante las vacaciones y durante todo el año. Soy un cristiano, y esta grabación es sobre la motivo de la temporada navideña: la observancia y recreación de las circunstancias del nacimiento de Jesús. Pero esta música es también una ofrenda a los seres humanos de todas las creencias y no creencias, de los hermosos sonidos de los cuales tengo la bendición de ser Uno de los muchos, muchos espíritus canalizadores ". Este trío de grabación cuenta con James Weidman en el órgano y el piano y Bruce Cox en la batería.

SOLO FROM TWO SIDES es un hermoso programa de 13 composiciones de Jay Hoggard realizadas por el compositor tanto en vibráfono como en marimba, a través de la sobregrabación digital. SOULAR POWER, lanzado en otoño de 08, es un conjunto exquisito de once composiciones de Jay Hoggard y un estándar de jazz. Como dice Hoggard, “este CD tiene la sensación de una presentación en vivo con el beneficio de un sonido de calidad de estudio. Las nuevas melodías se combinan con otras que han evolucionado en rendimiento a lo largo de los años. Me refiero a la música que es estéticamente placentera para tu mente y espíritu, y la curación física de tu cuerpo y alma. El poder del alma es un paradigma místico de la transformación de la conciencia ".

          SOULAR POWER oscila con gran equilibrio sonoro entre sus instrumentos y artistas. El pianista / organista James Weidman, el bajista Belden Bullock y el baterista Yoron Israel han actuado y grabado como un conjunto con Jay durante más de quince años. Sus actuaciones aquí son de un calibre que solo pueden ser proporcionadas por colaboradores empáticos asociados durante mucho tiempo.

           SWING 'EM GATES, es un homenaje al difunto gran vibráfono Lionel Hampton. "Ocho de las composiciones de esta grabación son melodías que toqué cuando Lionel Hampton me envió a un subgrupo para él con su banda en la década de 1990 ... Una vez, cuando Hamp me llamó para tocar para él, le pregunté qué melodías quería. Respondió: 'Sólo hay que batirlos, puertas' ”. Esa conversación fue la inspiración para la composición de los Jays del mismo nombre, así como la dirección de este tributo musical a Hampton en la voz musical de Hoggard. La grabación presenta actuaciones estelares de los mejores de Nueva York. colaboradores con una aparición especial del maestro de piano, Dr. Billy Taylor en tres canciones.

          Jay Hoggard ha sido honrado y comisionado como compositor en varios contextos. En 2016 colaboró ​​con la coreógrafa Nicole Stanton y la escritora Lois Brown en STORIED PLACES, estrenada en Wesleyan University. En 2009, el grupo de danza Sankofa Kuumba y la Orquesta Sinfónica de Hartford le encargaron que escribiera EL OTRO LADO DEL OCÉANO y DEJÉMALOJARLO. Anteriormente, Jay colaboró ​​con el coreógrafo Cleo Parker Robinson al componer THE WISDOM OF THE BAOBAB TREE, encargado por Lincoln Center Out of Doors. El Hartford Festival of Jazz le encargó que compusiera LA TIERRA HERMOSA, dedicada a Tito Puente. Fue encargado por la Universidad de Wesleyan para componer JOYFUL SWAMP y CROSSING POINT para Max Roach y conjunto de percusión, y VIBARIMBALA para orquestas sinfónicas y de jazz.

          Como actor, Jay Hoggard ha realizado giras por todo el mundo para obtener excelentes críticas. Ha actuado en muchos de los mejores lugares de presentación de música en los Estados Unidos, África, Europa, América del Sur, el Caribe y Asia. Jay ha actuado en los principales lugares (Kennedy Center, Lincoln Center, Schomberg Center) festivales de jazz (Santa Lucía. JVC, Montreux, Mt. Fuji, Pori, Hartford), colegios, universidades, iglesias, galerías, bibliotecas y clubes en todo el globo. Jay ha aparecido en radio (NPR, Pacifica) y televisión (ABC Times Square, CBS Sunday Morning, BETJazz) a nivel nacional e internacional. Lideró un quinteto en una extensa gira patrocinada por el gobierno de los Estados Unidos al norte de África, Medio Oriente e India. Jay actuó en colaboraciones de conciertos especiales con los maestros de vibráfono Lionel Hampton, Milt Jackson, Tito Puente y Bobby Hutcherson. Ha grabado y realizado giras con artistas creativos como Kenny Burrell, Dr. Billy Taylor, Max Roach, James Newton, Hilton Ruiz, Oliver Lake, Bennie Maupin, Sam Rivers, Anthony Braxton, Jorge Dalto, Terumasa Hino, Dwight Andrews, Geri Allen , Anthony Davis, Henry Threadgill, Vishnu Wood, Chico Freeman, Muhal Richard Abrams, Sherry Winston, Ahmed Abdullah, y fue un artista invitado de la Dizzy Gillespie Big Band. Jay ha acompañado a cantantes, instrumentistas y poetas y ha actuado con gospel, teatro, danza, percusión y conjuntos orquestales.

          Jay Hoggard es profesor titular de música en su alma mater, la Universidad de Wesleyan. Durante más de 25 años, ha sido el director de la Orquesta de Jazz de Wesleyan y ha enseñado y asesorado a miles de estudiantes.

http://www.jayhoggard.com/?section=bio

 

 

 

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Lee Ritenour • Collection

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin 

  

Lee Ritenour • Gentle Thoughts

 

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin 

  

VA • A Twist of Jobim

 

Review by Scott Yanow
The debut release from the I.E. label (which is connected with Polygram) is an unusual multi-artist tribute to the music of Antonio Carlos Jobim. Some of his tunes are made funky (but in a melodic and tasteful way), while others become quiet (but still passionate) ballads. The treatments are all jazz-oriented, and there is plenty of solo space for the likes of guitarist Lee Ritenour (in one of his finest jazz efforts), pianists Dave Grusin and Alan Pasqua, altoist Eric Marienthal, bassist Christian McBride, and tenor saxophonist Ernie Watts. Plus, there are guest spots for Herbie Hancock (an excellent acoustic piano solo on "Stone Flower"), the sopranos of Art Porter (on "Dindi") and Steve Tavaglione, the Yellowjackets (who team up with Ritenour on "Mojave"), singer El DeBarge ("Dindi") and the vocal duo of Al Jarreau and Oleta Adams ("Waters of March" and a lightweight rendition of "The Girl from Ipanema"). Nearly every song holds one's interest, the melodies are celebrated, and the fresh interpretations contain more than their share of surprises. 
https://www.allmusic.com/album/a-twist-of-jobim-mw0000616318


This appropriately "smooth jazz" tribute to Antonio Carlos Jobim is perhaps one of the best that's come out over the last few years. Like many of Jobim's records, it goes down like a smooth, relaxing drink. Producer, arranger and nominal leader guitarist Lee Ritenour has collected some fine talent, particularly frequent collaborator Dave Grusin, and crafted some very nice moments throughout. Highlights include "Water to Drink" (featuring Ritenour and Grusin), "Captain Bacardi" (an old Ritenour / Grusin staple with Eric Marienthal), "Lamento" (featuring Ernie Watts and Christian McBride) and "Mojave" (with the Yellowjackets and Ritenour). All lend their individual, and often surprisingly distinctive, talents to the collective soul of Jobim's beautiful melodies.

Much to his credit, Ritenour favors some of Jobim's fine, less exploited, tunes. The nicest surprise of all, though, is Herbie Hancock's smoking rendition of "Stone Flower," Jobim's truly under-appreciated maze of rhythm and chord changes from 1970. Hancock, who's lately made a career of inclusion among Jobim tributes, gets his only feature here and it's truly worth the price of admission. Hancock's dynamic playing, reminiscent of his work with Milton Nascimento, is as muscular and as sensitive as Jobim's tricky romance suggests. Although I could do without the vocals and the vocalists (El DeBarge on "Dindi," Al Jarreau and Oletta Adams on the annoying "Waters of March" and "Girl from Ipanema"), each singer, especially Jarreau, fits well into Jobim's universe, ably suggesting the romantic shores of Ipanema.

Great song choices (though I would've traded "Girl from Ipanema" for "A Felicidade") and a sensitive cast of talented players make A Twist Of Jobim worth at least a listen or two.
By Douglas Payne
May 1, 1997 
https://www.allaboutjazz.com/a-twist-of-jobim-various-artists-review-by-douglas-payne

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Reseña de Scott Yanow
El lanzamiento debut del sello I.E. (vinculado a Polygram) es un inusual tributo multiartista a la música de Antonio Carlos Jobim. Algunas de sus canciones tienen un toque funky (pero melódico y elegante), mientras que otras se convierten en baladas tranquilas (pero apasionadas). Todos los temas están orientados al jazz, y hay mucho espacio para solistas como el guitarrista Lee Ritenour (en uno de sus mejores trabajos de jazz), los pianistas Dave Grusin y Alan Pasqua, el saxofonista alto Eric Marienthal, el bajista Christian McBride y el saxofonista tenor Ernie Watts. Además, colaboran como invitados Herbie Hancock (un excelente solo de piano acústico en "Stone Flower"), las sopranos Art Porter (en "Dindi") y Steve Tavaglione, los Yellowjackets (que colaboran con Ritenour en "Mojave"), el cantante El DeBarge ("Dindi") y el dúo vocal de Al Jarreau y Oleta Adams ("Waters of March" y una versión ligera de "The Girl from Ipanema"). Casi todas las canciones mantienen el interés, las melodías son celebradas y las frescas interpretaciones ofrecen abundantes sorpresas.

https://www.allmusic.com/album/a-twist-of-jobim-mw0000616318

Este homenaje a Antonio Carlos Jobim, apropiadamente "smooth jazz", es quizás uno de los mejores de los últimos años. Como muchos de los discos de Jobim, es una bebida suave y relajante. El productor, arreglista y guitarrista principal, Lee Ritenour, ha reunido a un gran talento, en particular a su colaborador habitual Dave Grusin, y ha creado momentos muy especiales. Entre los temas más destacados se encuentran "Water to Drink" (con Ritenour y Grusin), "Captain Bacardi" (un clásico de Ritenour/Grusin con Eric Marienthal), "Lamento" (con Ernie Watts y Christian McBride) y "Mojave" (con los Yellowjackets y Ritenour). Todos aportan su talento individual, a menudo sorprendentemente distintivo, al alma colectiva de las hermosas melodías de Jobim.

Hay que reconocerle a Ritenour que prefiere algunas de las mejores melodías de Jobim, aunque menos explotadas. La mayor sorpresa de todas, sin embargo, es la impresionante interpretación de Herbie Hancock de "Stone Flower", el laberinto de ritmos y cambios de acordes de Jobim de 1970, verdaderamente subestimado. Hancock, quien últimamente se ha labrado una carrera entre los homenajes a Jobim, tiene su única participación aquí, y realmente vale la pena el precio de la entrada. La dinámica interpretación de Hancock, que recuerda a su trabajo con Milton Nascimento, es tan vigorosa y sensible como sugiere el intrincado romance de Jobim. Aunque podría prescindir de las voces y los vocalistas (El DeBarge en "Dindi", Al Jarreau y Oletta Adams en las molestas "Waters of March" y "Girl from Ipanema"), cada cantante, especialmente Jarreau, encaja a la perfección en el universo de Jobim, evocando hábilmente las románticas costas de Ipanema. Excelentes canciones (aunque habría cambiado "Girl from Ipanema" por "A Felicidade") y un elenco sensible de músicos talentosos hacen que A Twist Of Jobim merezca al menos una o dos escuchas.
Por Douglas Payne
1 de mayo de 1997
https://www.allaboutjazz.com/a-twist-of-jobim-various-artists-review-by-douglas-payne

Sergio Mendes & Brasil 66 • Equinox

Review by Richard S. Ginell
Equinox continues the scrumptiously winning sound that Sergio Mendes cooked up in the mid-'60s, this time a bit more fleshed out with John Pisano's guitar, a slightly thicker texture, and even an imitation sitar (this was, after all, 1967). Again, the mix of American pop tunes old and new and Brazilian standards and sleepers is impeccable (although it didn't yield any substantial hits), and the treatments are smooth, swinging, and very much to the point. While Mendes reaps a predictable harvest from Antonio Carlos Jobim -- he was one of the first to discover and record "Triste" and "Wave" -- he also likes to explore the work of other outstanding Brazilian writers like Jorge Ben, Joao Gilberto, and especially Edu Lobo (whose "For Me," with its bright flashes of combo organ, is one of the album's highlights). Lani Hall's star was just rising at this time, and it is her cool, clear voice that haunts the memory most often. Like its predecessor, Equinox is exceedingly brief in duration, yet not a motion is wasted.

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Reseña de Richard S. Ginell
Equinox continúa con el sonido deliciosamente ganador que Sergio Mendes cocinó a mediados de los 60, esta vez un poco más fleshed out con la guitarra de John Pisano, una textura ligeramente más gruesa, e incluso una imitación de sitar (esto fue, después de todo, en 1967). Una vez más, la mezcla de melodías pop americanas viejas y nuevas y los estándares y durmientes brasileños es impecable (aunque no produjo ningún éxito sustancial), y los tratamientos son suaves, swinging, y muy al punto. Mientras Mendes cosecha una cosecha predecible de Antonio Carlos Jobim -fue uno de los primeros en descubrir y grabar "Triste" y "Wave"- también le gusta explorar el trabajo de otros destacados escritores brasileños como Jorge Ben, Joao Gilberto, y especialmente Edu Lobo (cuyo "For Me", con sus brillantes destellos de órgano combinado, es uno de los puntos culminantes del álbum). La estrella de Lani Hall se estaba elevando en ese momento, y es su voz fría y clara la que más a menudo atormenta la memoria. Como su predecesor, el Equinoccio es excesivamente breve en duración, pero no se desperdicia ni una moción. 

 

 

 

sergiomendesmusic.com ...

Sergio Mendes • Gold

Artist Biography by Bruce Eder

 For most of the second half of the '60s, Sergio Mendes was the top-selling Brazilian artist in the United States, charting huge hit singles and LPs that regularly made the Top Five. His records with his group, Brasil '66, regularly straddled the domestic pop and international markets in America, getting played heavily on AM radio stations, both rock and easy listening, and he gave his label, A&M, something to offer light jazz listeners beyond the work of the company's co-founder, Herb Alpert. During this period, he also became an international music star and one of the most popular musicians in South America.

Born the son of a physician in Niteroi, Brazil, Mendes began studying music at the local conservatory while still a boy, with the intention of becoming a classical pianist. He was living in Rio de Janeiro as the bossa nova craze hit in the mid- to late '50s, and at age 15, he abandoned classical music in favor of bossa nova. Mendes began spending time with other young Brazilian musicians in Rio de Janeiro, absorbing the musical ferment around him in the company of such figures as Antonio Carlos Jobim and João Gilberto. Their company was augmented by the periodic visits of American jazz giants such as Stan Getz, Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Paul Winter, Roy Eldridge, and Herbie Mann. Mendes became the leader of his own group, the Sexteto Bossa Rio, and was heard with them by many visiting musicians. He made his first recording, Dance Moderno, in 1961 on the Philips Records label. By 1962, Mendes and his band were playing at Birdland in New York in an impromptu performance with Cannonball Adderley (who was officially on the bill). Mendes and Adderley cut an album together for Capitol Records that was released later that year.

His early music, represented on albums like Bossa Nova York and Girl from Ipanema, was heavily influenced by Antonio Carlos Jobim, on whose recording Mendes worked. Mendes liked what he had found on his visit to New York, and in 1964 he moved to the United States, initially to play on albums with Jobim and Art Farmer, and formed Brasil '65 the following year. The group recorded for Capitol without attracting too much notice at first. In 1966, however, Mendes and his band -- renamed Brasil '66 -- were signed to A&M Records and something seemed to click between the group and its audience.

The group, consisting in its first A&M incarnation of Mendes on keyboards, Bob Matthews on bass, João Palma on drums, Jose Soares as percussionist, Lani Hall (aka Mrs. Herb Alpert and A&M's co-founder) on vocals, and Janis Hansen on vocals, was successful upon the release of its first album for the label, with its mix of light jazz, a bossa nova beat, and contemporary soft pop melodies. Their self-titled debut LP rose to number six nationally, propelled by the presence of the single "Mas Que Nada." Their second album, Equinox, yielded a trio of minor hits, "Night and Day," "Constant Rain (Chove Chuva)," and "For Me," but their third, Look Around, rose to number five behind a number three single of the group's cover of the Beatles' "Fool on the Hill" and an accompanying hit with "Scarborough Fair," based on the Simon & Garfunkel version of the folk song. Crystal Illusions, from 1969, featured a version of Otis Redding's "(Sittin' On) The Dock of the Bay" and the hit single "Pretty World." Depending upon one's sensibilities, these covers -- especially "Fool on the Hill" and "Scarborough Fair" -- were either legitimate, internationalized pop versions of the originals, or they were "elevator music."

During this period, Mendes also made several recordings for Atlantic Records separate from his A&M deal, principally aimed at a light jazz audience, and several of them in association with Jobim. Art Farmer, Phil Woods, Hubert Laws, and Claire Fisher were among the jazz figures who appeared on these records, which never remotely attracted the same level of interest or sales as his records with Brasil '66. Mendes successfully walked a fine line between international and domestic audiences for most of the late '60s until the end of the decade. Ye-Me-Le was notably less successful than its predecessors, and its single, "Wichita Lineman," was only a minor hit. Mendes seemed to lose his commercial edge with the turn of the decade, and his next two A&M albums: Stillness, a folk-based collection that contained covers of Joni Mitchell's "Chelsea Morning" and Stephen Stills' "For What It's Worth," and Primal Roots, an album of traditional Brazilian music, failed to make any impression on the charts whatsoever.

The group moved to the much smaller Bell Records label in 1973, and then Mendes jumped to Elektra for his first official solo album, Sergio Mendes. He relaunched his recording career two years later with Sergio Mendes & Brasil '77 to little avail, and then, after a five-year layoff from the public eye, Mendes returned to A&M in 1982. His 1983 comeback album, Sergio Mendes, was his first Top 40 album in nearly a decade and a half, and was accompanied by his biggest chart single ever, "Never Gonna Let You Go," which hit number four. Since then, Mendes has had limited chart success with the single "Alibis" and the LP Confetti. He remained a popular figure internationally, even when his record sales slumped in America, as evidenced by the fact that his entire A&M catalog (and much of his Atlantic work) from the '60s has been reissued on CD in Japan. Indeed, his popularity in the rest of the world, versus America, was even the basis for a comic vignette in one episode of the television series Seinfeld.

During the '90s, Mendes performed with a new group, Brasil '99, and more recently, Brasil 2000, and has been integrating the sounds of Bahian hip-hop into his music. In 1997, A&M's British division released a remastered double-CD set of the best of Mendes' music from his first seven years on the label. Most of Mendes' back catalog was reissued as the 21st century dawned, and in 2006, Concord Records released Timeless, his first album of newly recorded material in eight years. A mere two years later, Encanto appeared, including co-productions from will.i.am of Black Eyed Peas. A third album on Concord, Bom Tempo, was released in 2010. After appearances at numerous festivals and a global tour, Mendes took a short break before beginning to record again. He signed to Sony's revived OKeh imprint and cut a completely new set of songs in Los Angeles, Salvador, and Bahia, with a host of special guests and old friends, including John Legend, will.i.am., and Brazilian artists such as Carlinhos Brown, with whom he cut the first single, "One Nation," issued on One Love, One Rhythm: The 2014 FIFA World Cup Official Album. Mendes' album Magic was released in September.

https://www.allmusic.com/artist/sergio-mendes-mn0000002330/biography

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Biografía del artista por Bruce Eder

 Durante la mayor parte de la segunda mitad de los años 60, Sergio Mendes fue el artista brasileño más vendido en los Estados Unidos, con grandes éxitos de ventas en sencillos y LPs que regularmente figuraban en el Top Five. Sus discos con su grupo, Brasil '66, se movían regularmente entre el pop nacional y los mercados internacionales en América, siendo tocados en gran medida en las estaciones de radio AM, tanto de rock como de easy listening, y le dio a su sello, A&M, algo para ofrecer a los oyentes de jazz ligero más allá del trabajo del co-fundador de la compañía, Herb Alpert. Durante este período, también se convirtió en una estrella internacional de la música y en uno de los músicos más populares de Sudamérica.

Nacido hijo de un médico en Niteroi, Brasil, Mendes comenzó a estudiar música en el conservatorio local cuando aún era un niño, con la intención de convertirse en un pianista clásico. Vivía en Río de Janeiro cuando la moda de la bossa nova llegó a mediados y finales de los años 50, y a los 15 años abandonó la música clásica en favor de la bossa nova. Mendes comenzó a pasar tiempo con otros jóvenes músicos brasileños en Río de Janeiro, absorbiendo el fermento musical que lo rodeaba en compañía de figuras como Antonio Carlos Jobim y João Gilberto. Su compañía se vio aumentada por las visitas periódicas de gigantes del jazz estadounidense como Stan Getz, Dizzy Gillespie, Charlie Byrd, Paul Winter, Roy Eldridge y Herbie Mann. Mendes se convirtió en el líder de su propio grupo, el Sexteto Bossa Rio, y fue escuchado con ellos por muchos músicos visitantes. Hizo su primera grabación, Dance Moderno, en 1961 en el sello Philips Records. Para 1962, Mendes y su banda estaban tocando en Birdland en Nueva York en una actuación improvisada con Cannonball Adderley (quien estaba oficialmente en el proyecto de ley). Mendes y Adderley grabaron un álbum para Capitol Records que fue lanzado ese mismo año.

Su música antigua, representada en álbumes como Bossa Nova York y Girl de Ipanema, fue fuertemente influenciada por Antonio Carlos Jobim, en cuya grabación trabajó Mendes. A Mendes le gustó lo que había encontrado en su visita a Nueva York, y en 1964 se mudó a los Estados Unidos, inicialmente para tocar en álbumes con Jobim y Art Farmer, y formó Brasil '65 al año siguiente. El grupo grabó para el Capitolio sin llamar demasiado la atención al principio. En 1966, sin embargo, Mendes y su banda -- rebautizada Brasil '66 -- fueron fichados por A&M Records y algo pareció encajar entre el grupo y su audiencia.

El grupo, que consiste en su primera encarnación A&M de Mendes en teclados, Bob Matthews en el bajo, João Palma en la batería, José Soares como percusionista, Lani Hall (aka Mrs. Herb Alpert y co-fundador de A&M) en la voz, y Janis Hansen en la voz, tuvo éxito en el lanzamiento de su primer álbum para la disquera, con su mezcla de jazz ligero, un ritmo de bossa nova, y melodías contemporáneas de pop suave. Su primer LP autotitulado ascendió al número seis a nivel nacional, impulsado por la presencia del sencillo "Mas Que Nada". Su segundo álbum, Equinox, produjo un trío de éxitos menores, "Night and Day", "Constant Rain (Chove Chuva)", y "For Me", pero su tercer álbum, Look Around, se elevó al número cinco detrás de un sencillo de la versión número tres de la versión de los Beatles de "Fool on the Hill" y un éxito acompañante con "Scarborough Fair", basado en la versión de Simon & Garfunkel de la canción folk. Crystal Illusions, de 1969, presentaba una versión de "(Sittin' On) The Dock of the Bay" de Otis Redding y el exitoso single "Pretty World". Dependiendo de la sensibilidad de cada uno, estas portadas, especialmente "Fool on the Hill" y "Scarborough Fair", eran versiones pop legítimas e internacionalizadas de los originales, o eran "música de ascensor".

Durante este período, Mendes también realizó varias grabaciones para Atlantic Records aparte de su acuerdo A&M, principalmente dirigido a un público de jazz ligero, y varias de ellas en asociación con Jobim. Art Farmer, Phil Woods, Hubert Laws y Claire Fisher estaban entre las figuras del jazz que aparecieron en estos discos, que nunca atrajeron remotamente el mismo nivel de interés o ventas que sus discos con Brasil `66. Mendes caminó con éxito por una delgada línea entre el público internacional y el nacional durante la mayor parte de los últimos años 60 hasta el final de la década. Ye-Me-Le fue notablemente menos exitoso que sus predecesores, y su sencillo, "Wichita Lineman", fue sólo un éxito menor. Mendes pareció perder su ventaja comercial con el cambio de década, y sus dos próximos álbumes de A&M: Stillness, una colección folklórica que contenía versiones de "Chelsea Morning" de Joni Mitchell y "For What It's Worth" de Stephen Stills, y Primal Roots, un álbum de música tradicional brasileña, no causó ninguna impresión en las listas de éxitos.

El grupo se trasladó al sello mucho más pequeño de Bell Records en 1973, y luego Mendes saltó a Elektra para su primer álbum en solitario oficial, Sergio Mendes. Dos años más tarde, relanzó su carrera discográfica con Sergio Mendes & Brasil '77 con muy poco éxito, y luego, después de cinco años de despido del ojo público, Mendes regresó a A&M en 1982. Su álbum de regreso en 1983, Sergio Mendes, fue su primer Top 40 en casi una década y media, y fue acompañado por su mayor single, "Never Gonna Let You Go", que llegó al número cuatro. Desde entonces, Mendes ha tenido un éxito gráfico limitado con el sencillo "Alibis" y el LP Confetti. Se mantuvo como una figura popular a nivel internacional, incluso cuando sus ventas de discos se desplomaron en Estados Unidos, como lo demuestra el hecho de que todo su catálogo de A&M (y gran parte de su obra atlántica) de los años 60 ha sido reeditado en CD en Japón. De hecho, su popularidad en el resto del mundo, contra Estados Unidos, fue incluso la base de una viñeta cómica en un episodio de la serie de televisión Seinfeld.

Durante los'90, Mendes tocó con un nuevo grupo, Brasil'99, y más recientemente, Brasil 2000, y ha estado integrando los sonidos del hip-hop bahiano en su música. En 1997, la división británica de A&M lanzó un doble CD remasterizado con lo mejor de la música de Mendes de sus primeros siete años en el sello. La mayor parte del catálogo de Mendes fue reeditado en los albores del siglo XXI, y en 2006, Concord Records lanzó Timeless, su primer álbum de material grabado en ocho años. Apenas dos años después, apareció Encanto, incluyendo coproducciones de will.i.am de Black Eyed Peas. Un tercer álbum de Concord, Bom Tempo, fue lanzado en 2010. Después de sus apariciones en numerosos festivales y una gira mundial, Mendes se tomó un breve descanso antes de empezar a grabar de nuevo. Firmó con Sony para revivir el sello OKeh y grabó un conjunto completamente nuevo de canciones en Los Ángeles, Salvador y Bahía, con una gran cantidad de invitados especiales y viejos amigos, incluyendo a John Legend, will.i.am., y artistas brasileños como Carlinhos Brown, con quien grabó el primer sencillo, "One Nation", emitido en One Love, One Rhythm: El álbum oficial de la Copa Mundial de la FIFA 2014. El álbum Magic de Mendes fue lanzado en septiembre.

https://www.allmusic.com/artist/sergio-mendes-mn0000002330/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

https://sergiomendesmusic.com/

Sergio Mendes & Brasil '66 • Look Around

Review

Sergio Mendes took a deep breath, expanded his sound to include strings lavishly arranged by the young Dave Grusin and Dick Hazard, went further into Brazil, and out came a gorgeous record of Brasil '66 at the peak of its form. Here Mendes released himself from any reliance upon Antonio Carlos Jobim and rounded up a wealth of truly great material from Brazilian fellow travelers: Gilberto Gil's jet-propelled "Roda" and Joao Donato's clever "The Frog," Dori Caymmi's stunningly beautiful "Like a Lover," Harold Lobo's carnival-esque "Tristeza," and Mendes himself (the haunting "So Many Stars" and the title track). Mendes was also hip enough to include "With a Little Help From My Friends" from the Beatles' Sgt. Pepper LP. As things evolved, though, the one track that this album would be remembered for is the only other non-Brazilian tune, Burt Bacharach's "The Look of Love," in an inventive, grandiose arrangement with a simplified bossa beat. The tune just laid there on the album until Mendes and company performed it on the Academy Awards telecast in 1968. The performance was a sonic disaster, but no matter; the public response was huge, a single was released, and it become a monster, number four on the pop charts. So much for the reported demise of bossa nova; in Sergio Mendes' assimilating, reshaping hands, allied with Herb Alpert's flawless production, it was still a gold mine.

by Richard S. Ginell

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Revisar

Sergio Mendes respiró hondo, expandió su sonido para incluir cuerdas suntuosamente arregladas por el joven Dave Grusin y Dick Hazard, se adentró más en Brasil, y salió un magnífico disco de Brasil '66 en su mejor momento. Aquí Mendes se liberó de cualquier dependencia de Antonio Carlos Jobim y reunió un montón de material verdaderamente grandioso de sus compañeros de viaje brasileños: La "Roda" de Gilberto Gil y la inteligente "Rana" de Joao Donato, la impresionantemente bella "Like a Lover" de Dori Caymmi, la "Tristeza" de Harold Lobo, y el mismo Mendes (la inolvidable "So Many Stars" y la canción que da título al disco). Mendes también era lo suficientemente moderno como para incluir "With a Little Help From My Friends" del LP Sgt. Pepper de los Beatles. Sin embargo, a medida que las cosas evolucionaron, el único tema por el que este álbum sería recordado es la única otra canción no brasileña, "The Look of Love" de Burt Bacharach, en un ingenioso y grandioso arreglo con un simplificado ritmo de bossa. La melodía estuvo en el álbum hasta que Mendes y compañía la presentaron en la transmisión de los Premios de la Academia en 1968. La actuación fue un desastre sónico, pero no importaba; la respuesta del público fue enorme, se lanzó un single, y se convirtió en un monstruo, número cuatro en las listas de pop. Hasta ahí llegó la noticia de la desaparición de la bossa nova; en las manos asimiladoras y remodeladoras de Sergio Mendes, aliado con la impecable producción de Herb Alpert, seguía siendo una mina de oro.

por Richard S. Ginell

https://sergiomendesmusic.com/