Art Pepper • Mosaic Select 1956-1957

 

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
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The Dave Brubeck Quartet • Live from the Northwest, 1959

 

 Editorial Reviews
"The Dave Brubeck Quartet - Live from the Northwest, 1959" is the newest release from Brubeck Editions, the family-run label that only puts out music of the highest musical and technical quality. These exciting performances were recorded by the trailblazing and iconic audio engineer, Wally Heider, who pioneered the art of remote recording from his "studio on wheels." The sound he achieved is stellar, and this is perhaps the best live recording you can hear of one the most popular jazz groups of all time. The tapes were recorded in April, 1959 at the Multnomah Jazz Club and Clark College, both in the Portland, Oregon area. On this recording you can hear the Quartet's mastery of spontaneous counterpoint improvisation. Four months later, the Dave Brubeck Quartet's focus shifted to polytonal and polyrhythmic approaches when the group recorded the legendary "Time Out", and changed the course of jazz forever.
https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959

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Reseñas Editoriales
"The Dave Brubeck Quartet-Live from the Northwest, 1959" es el lanzamiento más reciente de Brubeck Editions, el sello familiar que solo publica música de la más alta calidad musical y técnica. Estas emocionantes actuaciones fueron grabadas por el pionero e icónico ingeniero de audio, Wally Heider, quien fue pionero en el arte de la grabación remota desde su "estudio sobre ruedas"."El sonido que logró es estelar, y esta es quizás la mejor grabación en vivo que puedes escuchar de uno de los grupos de jazz más populares de todos los tiempos. Las cintas fueron grabadas en abril de 1959 en el Multnomah Jazz Club y Clark College, ambos en el área de Portland, Oregón. En esta grabación se puede escuchar el dominio del Cuarteto de la improvisación contrapuntística espontánea. Cuatro meses después, el enfoque del Dave Brubeck Quartet cambió a enfoques politonales y polirrítmicos cuando el grupo grabó el legendario "Time Out" y cambió el rumbo del jazz para siempre.
https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959


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Vinnie Burke • All-Stars

 

Press reviews
"Originally schooled on violin and guitar, Vinnie Burke redirected his creative energies to contrabass out of necessity brought about by an accident at a factory day gig. The earlier instruments still informed the approach to his replacement, particularly in the areas of timbre and melody and Burke became a first call session man for a roster of east coast band leaders including Tal Farlow, Marian McPartland and singer Chris Conner. There were also opportunities to organize sessions. All-Stars and His String Jazz Quartet collects two of the three albums that Burke released under his name. Together, they present his substantial bull fiddle talents in a handful of stimulating contexts that also show him to have been an accomplished leader.

All-Stars benefits greatly from the presence of one of Burke’s closest associates, pianist Eddie Costa. The latter employed the bassist in his trio, and the rapport established in that context transfers directly the three sessions that comprise the original album. The majority of pieces are by a quartet that combines the pair with guitarist Jimmy Raney and drummer Joe Morello, on loan from the Dave Brubeck Quartet. The most adventurous piece, “Vin-Tin-Tin” juxtaposes a driving melodic figure that flirts with atonality with staggered solos. Another original, “Unison Blues” swaps in guitarist Joe Puma and drummer Jimmy Campbell for Raney and Morello without missing a beat. Three more tunes add tenorist Al Cohn and trombonist Urbie Green, but it’s the more streamlined ensembles that deliver the best results.

On String Jazz Quartet Burke explores an idea that his later employer Gerry Mulligan would borrow and expand on to significantly greater commercial success. The order of titular modifiers is important as the ensembles assembled are first and foremost jazz-grounded rather than classically inclined. Violinist Dick Wetmore, cellist Calo Scott, and guitarist Bobby Grillo join Burke as the core group. Kenny Burrell and Paul Palmieri guest as electric guitarists in a tune ratio of five to one. Lastly, there’s a kit-less Campbell, returning for six numbers to play “brushes on Manhattan telephone directory.” That last addition has gimmick written all over it, but his contributions actually bolster the bands’ rhythmic integrity, particularly on a delightfully fisheye version of “A Night in Tunisia.” Burke solos cogently and concisely on basically every piece and the disc’s generous 74+ minute duration flies by in a finger pluck, er, snap!!

—Derek Taylor (March 4, 2021)
https://dustedmagazine.tumblr.com

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Reseñas de prensa
"Originalmente educado en el violín y la guitarra, Vinnie Burke redirigió sus energías creativas al contrabajo por la necesidad provocada por un accidente en un concierto en una fábrica. Los instrumentos anteriores todavía informaron el enfoque de su reemplazo, particularmente en las áreas de timbre y melodía y Burke se convirtió en un hombre de sesión de primera llamada para una lista de líderes de bandas de la costa este incluyendo Tal Farlow, Marian McPartland y el cantante Chris Conner. También tuvo la oportunidad de organizar sesiones. All-Stars and His String Jazz Quartet recoge dos de los tres álbumes que Burke publicó con su nombre. Juntos, presentan su importante talento como violinista en un puñado de contextos estimulantes que también demuestran que fue un líder consumado.

All-Stars se beneficia en gran medida de la presencia de uno de los socios más cercanos de Burke, el pianista Eddie Costa. Este último empleó al bajista en su trío, y la compenetración establecida en ese contexto se traslada directamente a las tres sesiones que componen el álbum original. La mayoría de las piezas son de un cuarteto que combina a la pareja con el guitarrista Jimmy Raney y el baterista Joe Morello, cedido por el Dave Brubeck Quartet. La pieza más arriesgada, "Vin-Tin-Tin", yuxtapone una figura melódica impulsora que coquetea con la atonalidad con solos escalonados. Otro original, "Unison Blues", cambia al guitarrista Joe Puma y al batería Jimmy Campbell por Raney y Morello sin perder el ritmo. Otras tres melodías añaden al tenorista Al Cohn y al trombonista Urbie Green, pero son los conjuntos más racionalizados los que ofrecen los mejores resultados.

En String Jazz Quartet Burke explora una idea que su posterior empleador Gerry Mulligan tomaría prestada y ampliaría con un éxito comercial significativamente mayor. El orden de los modificadores del título es importante, ya que los conjuntos reunidos tienen, ante todo, una base jazzística más que una inclinación clásica. El violinista Dick Wetmore, el chelista Calo Scott y el guitarrista Bobby Grillo se unen a Burke como grupo principal. Kenny Burrell y Paul Palmieri están invitados como guitarristas eléctricos en una proporción de cinco a uno. Por último, hay un Campbell sin equipo, que vuelve durante seis números para tocar "pinceles en la guía telefónica de Manhattan". Esta última adición tiene el truco escrito por todas partes, pero sus contribuciones en realidad refuerzan la integridad rítmica de la banda, particularmente en una versión deliciosamente pesada de "A Night in Tunisia". Burke hace solos convincentes y concisos en prácticamente todas las piezas y los más de 74 minutos de duración del disco se pasan volando.

-Derek Taylor (4 de marzo de 2021)
https://dustedmagazine.tumblr.com


www.freshsoundrecords.com/vinnie-burke ...

Tal Farlow Quartet • Tal Farlow Quartet

 

Colaborador / Contributor:  Michel

Gil Melle • The Complete Blue Note Fifties Sessions

 

Review by Richard S. Ginell
Blue Note raids the back of its vaults for all four of Melle's long out of print 10" LPs, plus the 12" Patterns in Jazz, in order to place back in circulation a musician who had been nearly invisible to the jazz world for a good three decades. Though Melle's entertaining self-penned liner notes may be outrageously self-aggrandizing, this collection leaves little doubt that he was (and remains) a marvelous saxophonist and an intriguing composer who hasn't been given his due. On the early sides, Melle plays an erudite, relaxed, always musical tenor sax, and "Transition" marks his recorded debut on baritone, which he uses in a thoughtful, even quizzical manner for the remainder of the set. As a composer, Melle was very much the uncompromising cool bopper, but was also equipped with a fascinating mind of his own. His first session is also the most startling: "Four Moons" is brilliant in its Kentonian harmonic way, with vibraphone striking the chords; so is his most famous jazz composition "The Gears," with its Monica Dell scat vocal lead doubled by vibraphone. Further on in the set, Melle does away with the piano in the cool tradition, but gives the lineup an unorthodox twist by using a guitarist (Tal Farlow, Lou Mecca, or Joe Cinderella) in the keyboard role, and a trombonist (Eddie Bert or the swinging, vastly underrated Urbie Green) or even a tuba (Don Butterfield) on the front line. He also employs consistently first-class rhythm sections, with Max Roach and a young Joe Morello among the drummers. For those super-collectors who may have the extremely rare originals (now worth hundreds of dollars each), there is one unreleased track, "The Nearness of You"; the digitally remastered sound, flaws in the master tapes aside, is excellent.
https://www.allmusic.com/album/complete-blue-note-50s-sessions-mw0000045187#review

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Reseña de Richard S. Ginell
Blue Note rebusca en el fondo de sus bóvedas los cuatro LPs de 10" de Melle, agotados hace tiempo, más el 12" Patterns in Jazz, para volver a poner en circulación a un músico que había sido casi invisible para el mundo del jazz durante tres décadas. Aunque las divertidas notas de Melle, escritas por él mismo, pueden ser escandalosamente engreídas, esta colección no deja lugar a dudas de que fue (y sigue siendo) un saxofonista maravilloso y un compositor intrigante al que no se le ha dado su merecido. En las primeras partes, Melle toca un saxo tenor erudito, relajado y siempre musical, y "Transition" marca su debut grabado en barítono, que utiliza de manera reflexiva, incluso inquisitiva, durante el resto del conjunto. Como compositor, Melle era un cool bopper intransigente, pero también estaba dotado de una fascinante mente propia. Su primera sesión es también la más sorprendente: "Four Moons" es brillante en su forma armónica kentoniana, con el vibráfono marcando los acordes; también lo es su composición de jazz más famosa, "The Gears", con su voz solista de Monica Dell doblada por el vibráfono. Más adelante, Melle prescinde del piano en la tradición cool, pero da a la formación un giro poco ortodoxo utilizando un guitarrista (Tal Farlow, Lou Mecca o Joe Cinderella) en el papel de teclista, y un trombonista (Eddie Bert o el oscilante e infravalorado Urbie Green) o incluso una tuba (Don Butterfield) en primera línea. También emplea secciones rítmicas de primera clase, con Max Roach y un joven Joe Morello entre los baterías. Para los supercoleccionistas que tengan los rarísimos originales (que ahora valen cientos de dólares cada uno), hay un tema inédito, "The Nearness of You"; el sonido remasterizado digitalmente, dejando a un lado los defectos de las cintas maestras, es excelente.
https://www.allmusic.com/album/complete-blue-note-50s-sessions-mw0000045187#review

Hank Garland • Jazz Winds From A New Direction

Review by Richard S. Ginell
Lots of folks in the country music streets of Nashville and the jazz canyons of New York were shaken up by this release, for country supersession man Hank Garland demonstrated that he could be just as persuasive rattling off swift, sophisticated bebop as he was playing thousands of country licks on the jukeboxes. Nothing fazes him, not even the tricky "Move," for Garland had technique to burn and a thoroughly modern harmonic approach. Not only that, a 17-year-old Boston kid named Gary Burton makes an astonishingly brash and assured recorded debut on vibes on this record, and bassist Joe Benjamin and the Dave Brubeck Quartet's unquenchably swinging drummer Joe Morello (who had toured with Garland when Garland was a teenager) are on hand from New York. This record seemed to promise great things ahead for Garland in the jazz world, a prospect cut sadly short later in 1961 by a crippling auto accident. Originally recorded in Nashville by Columbia and country & western producer Don Law (another shock to the purists' systems), Jazz Winds has been in print in some form almost continuously.
Bio:  http://en.wikipedia.org/wiki/Hank_Garland

 

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Reseña de Richard S. Ginell
Este disco sacudió a mucha gente en las calles de la música country de Nashville y en los cañones del jazz de Nueva York, ya que Hank Garland, el hombre de la superación del country, demostró que podía ser tan persuasivo desgranando un bebop rápido y sofisticado como tocando miles de licks de country en las máquinas de discos. Nada se le escapa, ni siquiera la complicada "Move", ya que Garland tiene una gran técnica y un enfoque armónico totalmente moderno. Y no sólo eso, un chico de Boston de 17 años llamado Gary Burton hace un debut asombrosamente descarado y seguro con el vibráfono en este disco, y el bajista Joe Benjamin y el insaciable baterista del Dave Brubeck Quartet, Joe Morello (que había estado de gira con Garland cuando éste era un adolescente) están presentes desde Nueva York. Este disco parecía prometer grandes cosas para Garland en el mundo del jazz, una perspectiva truncada más tarde, en 1961, por un accidente de coche. Grabado originalmente en Nashville por el productor de Columbia y de country & western Don Law (otra sacudida para los puristas), Jazz Winds se ha publicado de alguna forma casi continuamente.
Bio:  http://en.wikipedia.org/wiki/Hank_Garland

Dave Brubeck Quartet • Angel Eyes

 

www.davebrubeck.com ....

Gil Melle • New Faces - New Sounds

 

Gil Melle Quintet • EP203

First recording of Van Gelder Studio
Bio from wiki:
Gil Mellé (31 December 1931 – 28 MelléOctober 2004) was an American artist, jazz musician and film composer.
In the 1950s, Mellé's paintings and sculptures were shown in New York galleries and he created the cover art for albums by Miles Davis, Thelonious Monk and Sonny Rollins. Mellé played the tenor and baritone saxophone with George Wallington, Max Roach, Tal Farlow, Oscar Pettiford, Ed Thigpen, Kenny Dorham and Zoot Sims, and led a number of sessions recorded for the Blue Note and Prestige labels between 1953 and 1957.

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Primera grabacion de Van Gelder Studio.

Bio de wiki:
Gil Mellé (31 de diciembre de 1931 - 28 de octubre de 2004) fue un artista, músico de jazz y compositor estadounidense.
En la década de 1950, las pinturas y esculturas de Mellé se mostraron en las galerías de Nueva York y creó la portada de los álbumes de Miles Davis, Thelonious Monk y Sonny Rollins. Mellé tocó el saxofón tenor y barítono con George Wallington, Max Roach, Tal Farlow, Oscar Pettiford, Ed Thigpen, Kenny Dorham y Zoot Sims, y dirigió varias sesiones grabadas para los sellos Blue Note y Prestige entre 1953 y 1957.

 

Dave Brubeck Quartet • My Favorite Things

Review by Scott Yanow

Although recorded in sessions in 1962 and 1965, this set of Richard Rodgers tunes by the Dave Brubeck Quartet has a strong unity about it due to the consistent performances of the veteran group. With altoist Paul Desmond and the pianist-leader contributing some fine solos (and bassist Eugene Wright and drummer Joe Morello excellent in support), The Rodgers songs are treated with respect and swing. This comparatively gentle version of "My Favorite Things" would never be mistaken for John Coltrane's.

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Reseña de Scott Yanow

Aunque fue grabado en sesiones en 1962 y 1965, este conjunto de temas de Richard Rodgers por el Dave Brubeck Quartet tiene una fuerte unidad al respecto debido a las consistentes actuaciones del grupo de veteranos. Con el contralto Paul Desmond y el pianista-líder aportando algunos buenos solos (y el bajista Eugene Wright y el baterista Joe Morello excelente en apoyo), las canciones de The Rodgers son tratadas con respeto y swing. Esta versión comparativamente suave de "Mis cosas favoritas" nunca se confundiría con la de John Coltrane.

 

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Gary Burton • New Vibe Man In Town

Review by Scott Yanow
Vibraphonist Gary Burton's debut as a leader shows that he was a brilliant player from the start of his career. Utilizing a sparse trio that includes bassist Gene Cherico and drummer Joe Morello, Burton (even at this early stage) sounds quite original and unlike his predecessors (Lionel Hampton, Red Norvo, and Milt Jackson). Highlights include "Joy Spring," "You Stepped Out of a Dream," and Burton's original "Our Waltz." This boppish set is easily recommended.

 

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Reseña de Scott Yanow
El debut del vibrafonista Gary Burton como líder demuestra que es un jugador brillante desde el principio de su carrera. Utilizando un escaso trío que incluye al bajista Gene Cherico y al baterista Joe Morello, Burton (incluso en esta etapa temprana) suena bastante original y diferente a sus predecesores (Lionel Hampton, Red Norvo y Milt Jackson). Lo más destacado es "Joy Spring", "You Stepped Out of a Dream" y el original de Burton "Our Waltz". Este conjunto boppish es fácilmente recomendable.

Dave Brubeck • Brubeck A La Mode

Artist Biography by Mark Deming

In the 1950s and '60s, few American jazz artists were as influential, and fewer still were as popular, as Dave Brubeck. At a time when the cooler sounds of West Coast jazz began to dominate the public face of the music, Brubeck proved there was an audience for the style far beyond the confines of the in-crowd, and with his emphasis on unusual time signatures and adventurous tonalities, Brubeck showed that ambitious and challenging music could still be accessible. And as rock & roll began to dominate the landscape of popular music at the dawn of the '60s, Brubeck enjoyed some of his greatest commercial and critical success, expanding the audience for jazz and making it hip with young adults and college students.

David Warren Brubeck was born in Concord, California on December 6, 1920. Brubeck grew up surrounded by music -- his mother was a classically trained pianist and his two older brothers would become professional musicians -- and he began receiving piano lessons when he was four years old. Brubeck showed an initial reluctance to learn to read music, but his natural facility for the keyboard and his ability to pick up melodies by ear allowed him to keep this a secret for several years. His father worked as a cattle rancher, and in 1932, his family moved from Concord to a 45,000-acre spread near the foothills of the Sierras. As a teenager, Brubeck was passionate about music and performed with a local dance band in his spare time, but he planned to follow a more practical career path and study veterinary medicine. However, after enrolling in the College of the Pacific in Stockton, California, Brubeck played piano in local night spots to help pay his way, and his enthusiasm for performing was such that one of his professors suggested he would be better off studying music. Brubeck followed this advice and graduated in 1942, though several of his instructors were shocked to learn that he still couldn't read music.

Brubeck left college as World War II was in full swing, and he was soon drafted into the Army; he served under Gen. George S. Patton, and would have fought in the Battle of the Bulge had he not been asked to play piano in a Red Cross show for the troops. Brubeck was requested to put together a jazz band with his fellow soldiers, and he formed a combo called "the Wolfpack," a multi-racial ensemble at a time when the military was still largely segregated. Brubeck was honorably discharged in 1946, and enrolled at Mills College in Oakland, California, where he studied under the French composer Darius Milhaud. Unlike many composers in art music, Milhaud had a keen appreciation for jazz, and Brubeck began incorporating many of Milhaud's ideas about unusual time signatures and polytonality into his jazz pieces. In 1947, Brubeck formed a band with several other Mills College students, the Dave Brubeck Octet. However, the Octet's music was a bit too adventurous for the average jazz fan at the time, and Brubeck moved on to a more streamlined trio with Cal Tjader on vibes and percussion and Ron Crotty on bass. Brubeck made his first commercial recordings with this trio for California's Fantasy Records, and while he developed a following in the San Francisco Bay Area, a back injury Brubeck received during a swimming accident prevented him from performing for several months and led him to restructure his group.

In 1951, the Dave Brubeck Quartet made their debut, with the pianist joined by Paul Desmond on alto sax; Desmond's easygoing but adventurous approach was an ideal match for Brubeck. While the Quartet's rhythm section would shift repeatedly over the next several years, in 1956 Joe Morello became their permanent drummer, and in 1958, Eugene Wright took over as bassist. By this time, Brubeck's fame had spread far beyond Northern California; Brubeck's recordings for Fantasy had racked up strong reviews and impressive sales, and along with regular performances at jazz clubs, the Quartet began playing frequent concerts at college campuses across the country, exposing their music to a new and enthusiastic audience that embraced their innovative approach. Brubeck and the Quartet had become popular enough to be the subject of a November 8, 1954 cover story in Time Magazine, only the second time that accolade had been bestowed on a jazz musician (Louis Armstrong made the cover in 1949). In 1955, Brubeck signed with Columbia Records, then America's most prestigious record company, and his first album for the label, Brubeck Time, appeared several months later.

A steady stream of live and studio recordings followed as the Dave Brubeck Quartet became the most successful jazz act in the United States, and in 1959, they released one of their most ambitious albums yet, Time Out, a collection of numbers written in unconventional time signatures, such as 5/4 and 9/8. While Columbia were initially reluctant to release an album they felt was too arty for the mainstream, their fears proved groundless -- Time Out became the first jazz album to sell a million copies, and in 1961, it bounded back into the charts when "Take Five" unexpectedly took off as a single, rising to 25 on the pop charts and five on the adult contemporary survey.

As Brubeck enjoyed increasing commercial success, he began exploring new musical avenues; in 1959, the Brubeck Quartet performed with the New York Philharmonic, performing "Dialogues for Jazz Combo and Orchestra," a piece written by Howard Brubeck, Dave's brother. Dave's own composition "Elementals," written for orchestra and jazz ensemble, debuted in 1962; "Elementals" was later adapted into a dance piece by choreographer Lar Lubovitch. And Brubeck and his wife, Iola, wrote a song cycle called "The Real Ambassadors" that celebrated the history of jazz while decrying racism; it was performed at the 1962 Monterey Jazz Festival, with contributions from Louis Armstrong, Carmen McRae, and Lambert, Hendricks & Ross. The Brubeck Quartet also became international stars, with the State Department arranging for them to perform in locales rarely visited by jazz artists, including Poland, Turkey, India, Afghanistan, Iraq, and Sri Lanka.

In 1967, Brubeck dissolved the Dave Brubeck Quartet and began devoting more time to composing longer works that often focused on his spiritual beliefs, including an oratorio for jazz ensemble and orchestra, "The Light in the Wilderness," which debuted in 1968; "The Gates of Justice," first performed in 1969, which melded passages from the Bible with the writings of Martin Luther King, and "Upon This Rock," which was written for Pope John Paul II's visit to San Francisco in 1987. Brubeck continued to perform in a more traditional jazz format as well, forming a new combo in 1968 featuring Jack Six on bass, Alan Dawson on drums, and Gerry Mulligan on baritone sax. In the '70s, Brubeck also toured with a group featuring his sons Darius (keyboards), Chris (bass and trombone), and Dan (drums); dubbed Two Generations of Brubeck, the ensemble performed a bracing fusion of jazz, rock, and blues. In 1976, Brubeck reassembled the classic lineup of the Dave Brubeck Quartet for a 25th anniversary tour; the reunion was cut short by the death of Paul Desmond in 1977.

From the mid-'80s onward, Brubeck maintained a schedule that would befit a rising star eager to make a name for himself rather than a respected elder statesman. He continued to compose orchestral works as well as fresh jazz pieces, and recorded and performed on a regular basis with a variety of accompanists. Perhaps the most honored jazz artist of his generation, Brubeck received awards from two sitting United States Presidents -- Bill Clinton presented him with the National Medal of the Arts in 1994, and Barack Obama presented him with the Kennedy Center Honors in 2009. Brubeck also received a star on the Hollywood Walk of Fame, a lifetime achievement Grammy from the National Academy of Recording Arts and Sciences, the Smithsonian Medal, and honorary degrees from universities in five different countries, among many other awards for his life in music. When he died of heart failure late in 2012, just one day before his 92nd birthday, his life and his work were celebrated around the world.

https://www.allmusic.com/artist/dave-brubeck-mn0000958533/biography

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Biografía del artista por Mark Deming

En los años cincuenta y sesenta, pocos artistas de jazz estadounidenses eran tan influyentes, y menos aún tan populares como Dave Brubeck. En un momento en que los sonidos más fríos del jazz de la costa oeste comenzaron a dominar la cara pública de la música, Brubeck demostró que había una audiencia para el estilo mucho más allá de los confines de la multitud, y con su énfasis en las firmas de tiempo inusuales y las tonalidades aventureras, Brubeck demostró que la música ambiciosa y desafiante todavía podía ser accesible. Y a medida que el rock & roll comenzó a dominar el paisaje de la música popular en los albores de los años 60, Brubeck disfrutó de algunos de sus mayores éxitos comerciales y críticos, ampliando la audiencia del jazz y haciéndolo más atractivo para los jóvenes adultos y los estudiantes universitarios.

David Warren Brubeck nació en Concord, California el 6 de diciembre de 1920. Brubeck creció rodeado de música -- su madre era una pianista de formación clásica y sus dos hermanos mayores se convertirían en músicos profesionales -- y comenzó a recibir clases de piano cuando tenía cuatro años. Brubeck mostró una reticencia inicial a aprender a leer música, pero su facilidad natural para el teclado y su habilidad para recoger melodías de oído le permitieron mantener esto en secreto durante varios años. Su padre trabajaba como ganadero, y en 1932, su familia se mudó de Concord a una finca de 45.000 acres cerca de las estribaciones de las Sierras. En su adolescencia, Brubeck era un apasionado de la música y tocaba con una banda de baile local en su tiempo libre, pero planeaba seguir una carrera más práctica y estudiar medicina veterinaria. Sin embargo, después de inscribirse en el College of the Pacific en Stockton, California, Brubeck tocaba el piano en lugares nocturnos locales para ayudar a pagar sus estudios, y su entusiasmo por tocar era tal que uno de sus profesores sugirió que estaría mejor estudiando música. Brubeck siguió este consejo y se graduó en 1942, aunque varios de sus instructores se sorprendieron al saber que aún no sabía leer música.

Brubeck dejó la universidad cuando la Segunda Guerra Mundial estaba en pleno apogeo, y pronto fue reclutado por el Ejército; sirvió bajo el mando del General George S. Patton, y habría luchado en la Batalla de las Ardenas si no se le hubiera pedido que tocara el piano en un espectáculo de la Cruz Roja para las tropas. A Brubeck se le pidió que formara una banda de jazz con sus compañeros soldados, y formó un combo llamado "The Wolfpack", un conjunto multirracial en una época en la que los militares aún estaban muy segregados. Brubeck fue dado de baja con honores en 1946 y se matriculó en el Mills College de Oakland, California, donde estudió con el compositor francés Darius Milhaud. A diferencia de muchos compositores en la música artística, Milhaud tenía un gran aprecio por el jazz, y Brubeck comenzó a incorporar muchas de las ideas de Milhaud sobre las firmas de tiempo inusuales y la politonalidad en sus piezas de jazz. En 1947, Brubeck formó una banda con varios otros estudiantes de Mills College, el Dave Brubeck Octet. Sin embargo, la música del Octeto era un poco demasiado aventurera para el aficionado medio del jazz de la época, y Brubeck pasó a un trío más aerodinámico con Cal Tjader en las vibraciones y la percusión y Ron Crotty en el bajo. Brubeck hizo sus primeras grabaciones comerciales con este trío para Fantasy Records de California, y mientras desarrollaba un seguimiento en el área de la bahía de San Francisco, una lesión en la espalda que Brubeck sufrió durante un accidente de natación le impidió actuar durante varios meses y lo llevó a reestructurar su grupo.

En 1951, el Cuarteto Dave Brubeck hizo su debut, con el pianista acompañado por Paul Desmond en el saxo alto; el enfoque desenfadado pero aventurero de Desmond fue una combinación ideal para Brubeck. Mientras que la sección rítmica del Cuarteto cambiaría repetidamente durante los siguientes años, en 1956 Joe Morello se convirtió en su baterista permanente, y en 1958, Eugene Wright tomó el relevo como bajista. Para entonces, la fama de Brubeck se había extendido mucho más allá del norte de California; las grabaciones de Brubeck para Fantasy habían generado fuertes críticas y ventas impresionantes, y junto con las actuaciones regulares en clubes de jazz, el Cuarteto comenzó a ofrecer conciertos frecuentes en los campus universitarios de todo el país, exponiendo su música a un público nuevo y entusiasta que adoptó su enfoque innovador. Brubeck y el Cuarteto se habían vuelto lo suficientemente populares como para ser el tema de un artículo de portada del 8 de noviembre de 1954 en la revista Time, sólo la segunda vez que un músico de jazz había sido galardonado con ese premio (Louis Armstrong hizo la portada en 1949). En 1955, Brubeck firmó con Columbia Records, la compañía discográfica más prestigiosa de Estados Unidos, y su primer álbum para el sello, Brubeck Time, apareció varios meses después.

Un flujo constante de grabaciones en vivo y en estudio siguió cuando el Dave Brubeck Quartet se convirtió en el grupo de jazz más exitoso de los Estados Unidos, y en 1959, lanzaron uno de sus álbumes más ambiciosos hasta la fecha, Time Out, una colección de números escritos con firmas de tiempo no convencionales, tales como 5/4 y 9/8. Mientras que al principio Columbia se mostraba reacio a lanzar un álbum que consideraban demasiado artístico para la corriente dominante, sus temores resultaron infundados: Time Out se convirtió en el primer álbum de jazz en vender un millón de copias y, en 1961, volvió a entrar en las listas de éxitos cuando "Take Five" despegó inesperadamente como single, alcanzando los 25 en las listas de éxitos de pop y los cinco en la encuesta de adultos contemporáneos.

En 1959, el Brubeck Quartet actuó con la Filarmónica de Nueva York, interpretando "Dialogues for Jazz Combo and Orchestra", una pieza escrita por Howard Brubeck, el hermano de Dave. La propia composición de Dave "Elementals", escrita para orquesta y conjunto de jazz, debutó en 1962; "Elementals" fue adaptada posteriormente a una pieza de danza por el coreógrafo Lar Lubovitch. Y Brubeck y su esposa, Iola, escribieron un ciclo de canciones llamado "The Real Ambassadors" (Los verdaderos embajadores) que celebraba la historia del jazz al tiempo que denunciaba el racismo; fue presentado en el Festival de Jazz de Monterey en 1962, con contribuciones de Louis Armstrong, Carmen McRae y Lambert, Hendricks & Ross. El Cuarteto Brubeck también se convirtió en una estrella internacional, y el Departamento de Estado hizo arreglos para que se presentaran en lugares raramente visitados por artistas de jazz, como Polonia, Turquía, India, Afganistán, Irak y Sri Lanka.

En 1967, Brubeck disolvió el Cuarteto Dave Brubeck y comenzó a dedicar más tiempo a componer obras más largas que a menudo se centraban en sus creencias espirituales, incluyendo un oratorio para conjunto y orquesta de jazz, "The Light in the Wilderness", que debutó en 1968; "The Gates of Justice", que se estrenó en 1969, y que fusionó pasajes de la Biblia con los escritos de Martin Luther King, y "Upon This Rock", que fue escrito para la visita del Papa Juan Pablo II a San Francisco en 1987. Brubeck continuó tocando en un formato de jazz más tradicional, formando un nuevo combo en 1968 con Jack Six al bajo, Alan Dawson a la batería y Gerry Mulligan al saxo barítono. En los años 70, Brubeck también realizó una gira con un grupo que incluía a sus hijos Darius (teclados), Chris (bajo y trombón) y Dan (batería); apodado Two Generations of Brubeck, el conjunto interpretó una vigorosa fusión de jazz, rock y blues. En 1976, Brubeck volvió a montar la alineación clásica del Cuarteto Dave Brubeck para una gira por el 25º aniversario; la reunión se interrumpió con la muerte de Paul Desmond en 1977.

Desde mediados de los años 80 en adelante, Brubeck mantuvo un calendario que le convenía a una estrella en ascenso deseosa de hacerse un nombre en lugar de un respetado anciano estadista. Continuó componiendo obras orquestales y piezas frescas de jazz, y grabó y tocó regularmente con una variedad de acompañantes. Tal vez el artista de jazz más honorable de su generación, Brubeck recibió premios de dos presidentes de los Estados Unidos en ejercicio: Bill Clinton le otorgó la Medalla Nacional de las Artes en 1994, y Barack Obama le otorgó los honores del Kennedy Center en 2009. Brubeck también recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, un Grammy de por vida de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación, la Medalla Smithsonian, y títulos honoríficos de universidades en cinco países diferentes, entre muchos otros premios por su vida en la música. Cuando murió de insuficiencia cardíaca a finales de 2012, justo un día antes de cumplir 92 años, su vida y su trabajo se celebraron en todo el mundo. (https://www.deepl.com/es/translator)

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Dick Schory • Politely Percussive

 

Dick Schory
by Lauren Vogel Weiss
Dick SchoryIf Dick Schory is more than a percussionist. He is also acomposer, arranger, conductor, music publisher, record and television producer,audio pioneer, and music industry veteran responsible for instrument design and marketing. But perhaps one of the most telling facts about his impressive musical career is that nine members of the PAS Hall of Fame performed with Schory’s famous Percussion Pops Orchestra. What made this musician so specialto attract such stellar sidemen and soloists?
 
Richard L. “Dick” Schory was born in Chicago, Illinois on December 13, 1931 to a musical family. His father, Howard, had been a noted bandleader and percussionist in Columbus, Ohio, and his mother, Dorothea, was a Community Concert Representative for Columbia Artists Management in its Community Concert division. Following a concert by the Chicago Salvation Army Headquarters Staff Band at DeWitt Clinton Grade School, young Dick was hooked. He came home from school and told his family that he wanted to be a musician.
 
In 1942, the family moved to Ames, Iowa, and Schory began to take music lessons—on trumpet! But by the time he got to high school, he was playing percussion. “I played in the marching, concert, and pep bands as well as the symphony orchestra,” recalls Schory. “I started the first Ames High School jazz band, and the 16 members would rehearse in our living room every Wednesday night. We played all the school dances and special jazz concerts.
 
“In those days,” Schory continued, “there were no percussion teachers in Iowa. My dad taught me a lot of the fundamentals.” During his summer breaks from high school, Schory would play in the Ames Municipal Band and the summer band at Iowa State University, where he met Frank Piersol, Director of Bands at ISU. “He was my first influential teacher as well as a real mentor to me,” adds Schory. “He was such a great musician with a lot of ‘heart’.”
 
Schory graduated from high school in 1950 and enrolled in Iowa State University. “Even though they weren’t offering a degree in music at that time, I thought I’d get my freshman year out of the way,” he remembers.
 
In January 1951, after his first quarter at ISU, Schory enlisted in the U.S. Air Force and was assigned to the Strategic Air Command (SAC) headquarters in Omaha, Nebraska, where he remained until the end of his enlistment. “I probably learned more about music in the four years I was with the Air Force than I did at either Iowa State or Northwestern,” Schory says with a laugh. “We had a marching band, a jazz band, two jazz combos, a glee club, and a concert band. We were always rehearsing or performing.
 
“One of the things we did was a weekly television show on WOW-TV Channel 6—the same station Johnny Carson came from,” he continues. “One week was the concert band and the glee club and the next week was the jazz band, so we had to write a lot of original charts and arrangements. Of course, that’s the best kind of experience you can get—to be able to hear your music played immediately upon writing it.”
 
Another benefit of being in the Air Force was that during performing tours throughout the SAC Command and the Midwest, Schory often wound up in Chicago, giving him the opportunity to study with Edward Metzinger, Principal Timpanist with the Chicago Symphony. He also studied composition via a correspondence course from the University of California–Berkeley.
 
When Schory’s tour of duty was up, he returned to Iowa State University. In the fall of 1954 he transferred to Northwestern University in Evanston, Illinois, where he received a full scholarship and assistantship. Schory played in the NU marching band, chamber and symphony orchestras, concert band, wind ensemble, and jazz band. He continued to study with Metzinger while also teaching a class and private lessons to the music education majors. Some of his fellow percussionists included Tom Davis, who would go on to teach at the University of Iowa; Bob Wessberg, a top Chicago studio musician who also played with Frank Sinatra; and Jerry Olson, who later became head of instrumental music for the Chicago Public Schools.
 
Schory founded and conducted the percussion ensemble at Northwestern. “It was one of the first college percussion ensembles in the United States,” he states with pride. “Since there were only a few pieces published for percussion, we wrote about 95 percent of what we played ourselves. It was very different than what Paul Price was doing at the University of Illinois because we featured the extensive use of mallet instruments.
 
“It was during this time that I wrote ‘Introduction and Allegro’ and ‘Baja’,” Schory continues. “Tom Davis also wrote some pieces, which I published later.” These early ensembles formed the initial catalog for Creative Music, the publishing company that Schory founded in 1956 and continues to this day.
 
“The Northwestern Percussion Ensemble evolved into the Percussion Pops Orchestra,” he remembers. “We did our first album two days after graduation in June 1957. That recording, Re-Percussion, was the first album pressed in stereophonic sound in the industry. We had 12 percussion, two guitars, string bass, a harp, and a keyboard player. It featured several of the original compositions and arrangements that we had created for the NU Percussion Ensemble.”
 
Following the success of that album, RCA Victor invited Schory to join its label, and in June 1958, he recorded Music for Bang, Baaroom, and Harp. Recorded on the stage of Chicago’s Orchestra Hall, there cording was an excellent example of stereophonic sound, which helped to keep it on Billboard’s album chart for two years, including six months in the Top10. Later the album was re-released as a digital CD and has been added to Classical CD Review’s Sonic Hall of Fame as an outstanding example of the art of stereo recording.
 
During this time, Schory was also playing and recording with the Chicago Symphony Orchestra. The percussion section in the late 1950s consisted of Metzinger on timpani along with Gordon Peters, Al Payson, and Sam Denov. “I was the on-call fifth player when we recorded all the Mahler and Strauss under Fritz Reiner,” says Schory.
 
Thanks to the popularity of Music for Bang, Baaroom, and Harp, Dick Schory and his Percussion Pops recorded Music to Break Any Mood in 1959 and Wild Percussion and Horns A’ Plenty in 1960, both for the RCA Victor label. The latter brought him his first Grammy nomination for Arranger of the Year.
 
The 22-piece ensemble, which consisted of a big band plus several percussionists, began to perform more and more live concerts. “We toured every year for 15 years,” recalls Schory. “We’d go out for a few weeks in the fall and again in the spring, plus some summer tours. We played a lot of community concerts as well as college events.”
 
Michael Balter, President of Mike Balter Mallets and lifelong Chicago-area resident, remembers his first Percussion Pops Orchestra concert. “Dick Schory wanted the audience to have a ‘live’ stereophonic experience. Whichever percussion instruments were on the left side of the stage were mirrored on the right side, with the band on risers in the middle behind the percussionists.”
 
During one of his visits to Chicago while still in the AirForce Band, Schory met William F. Ludwig, Sr. and impressed him by playing drum rudiments. “I had just passed the NARD test,” laughs Schory. “Once ‘Senior’ heard me play, he asked me to give up my Slingerland drums and become a clinician for the WFL Drum Company; this was before he [William Ludwig, Sr.] bought back the Ludwig name in 1955. While I was based in Omaha, I started doing WFL clinics throughout Nebraska, Iowa, Kansas, and South Dakota.”
 
When Schory moved to Evanston to attend Northwestern, he also began to work part time for Ludwig, doing everything from helping with inventory to writing copy for catalogs. By the time he graduated from college, he had been offered a full-time position at Ludwig.
 
“At that time I was performing in the studios as well as with the Chicago Symphony,” he explains. “Plus I was already recording my own albums. My agreement with Ludwig was that I could continue those activities. So I’d arrive at the factory on Damen Avenue at 7:00 in the morning, then at 8:45 catch the ‘L’ downtown and do a CSO rehearsal at Orchestra Hall. Then I’d get back on the ‘L’, finish up at Ludwig until about 6:30, and then go down and play the concert.”
 
“[Dick] pointed us into the direction of total percussion by including the Musser line in our catalogs,” William F. Ludwig II stated in his autobiography, The Making of a Drum Company. “He saw the potential of percussion ensembles in building a market for total percussion. He hired friends in the percussion world to compose percussion ensemble pieces at the high school level and published them himself, selling them to the company as needed. The purpose was to create a market for marimbas, xylophones, bells, chimes, and all else in the percussion world previously sold in very limited quantities. Dick Schory saw the potential of percussion expansion and aggressively pursued it.”
 
Schory remembers how the term “total percussion” came about. “We did an ad for the center spread in the Ludwig Drummer magazine. It also ran in the Instrumentalist, School Musician, and Music Educators Journal. It showed timpani along with a vibe, marimba, xylophone, orchestra bells, and so forth. I titled the spread ‘Ludwig Total Percussion’.”
 
Balter remembers that ad as if it was printed yesterday. “The picture was taken in a symphony hall. There was a drumset on a riser, plus a Musser marimba and vibe, timpani, eight concert toms, a concert bass drum—everything. In other words, total percussion! Anything that you would ever use, it was there. The ad was referred to as ‘the centerfold.’ This was in the 1960s—the heyday of the Playboy Club. In those days, if you spoke about a ‘centerfold,’ everyone thought you were referring to some girl in Playboy magazine. But if you asked a drummer, ‘Have you seen the centerfold?’ he knew you were talking about the Ludwig catalog.”
 
In addition to his jobs as Educational Director and Vice-President of Marketing for Ludwig, Schory was also involved in product development. One of his most important innovations is the beginning percussion kit. “I created the Ludwig Drum Kit. And when Jim Sewrey joined my educational staff, the Junior Percussion Kit,” he recalls. “The Drum Kit included a snare drum, a practice pad, a pair of sticks, a music stand, and a method book, packaged in a red plush-lined case. The Junior Percussion Kit added a set of bells. Ludwig had bought Musser by that time, and if we were going to develop mallet players, we needed to get them started early on and had to teach them to read music.
 
“At first [Ludwig] Senior didn’t agree and said no one was going to buy kits,” Schory continues. “So I went to Marion Karnes at Karnes Music in Evanston. He was a school dealer that I knew from my Northwestern days. He bought 75 on first showing, and when I went back to check on them he ordered 75 more! So that was the start of the drum kit business.” Schory also worked with William F. Ludwig, Sr. on the development of the Symphonic model timpani as well as the first phase of new instruments for marching bands and drum corps, including high-tension snare drums and multiple bass and tenor drums.
 
During his 15 years at Ludwig, Schory traveled around the U.S. and Canada as a clinician, lecturer, and guest conductor. Not only did he conduct concert bands, orchestras, jazz bands, and percussion ensembles, he also taught workshops and created the first Ludwig Percussion Symposium, held in July 1968 at Northwestern University. Schory also resurrected the Ludwig Drummer magazine—with a worldwide circulation of 150,000—which became an important educational source for professional performers, band and orchestra directors, and percussion students alike.
 
Schory combined two of his passions by booking his Percussion Pops Orchestra to perform seven annual NAMM convention concerts at Orchestra Hall in Chicago. “I would bring in guest soloists with the PPO that included the Dave Brubeck Quartet, Ray Brown [bass], and Doc Severinsen [trumpet],” Schory recalls. During one of those NAMM concerts, William F.Ludwig, Sr. and William F. Ludwig II—two members of the PAS Hall of Fame—performed a snare drum duet. “I wrote an arrangement based on ‘Three Camps’ and ‘Downfall of Paris’ and put the band behind it.”
 
The seven other PAS Hall of Famers to play with the Percussion Pops Orchestra over the years were snare drummer Frank Arsenault (who had served as the PPO road manger on several tours as well as the soloist in “Assault by Arsenault”), jazz drummer Joe Morello (who toured and was featured on four PPO albums), percussionists Bobby Christian (who toured and played on all 12 albums), George Gaber, Al Payson, and Gordon Peters, and vibist Gary Burton (who toured and was featured on five albums). “Gary was just 17 when he started playing with the PPO,” Schory remembers. “And he’s still the Paganini of the vibraphone to me.”
 
In 1971, Schory left Ludwig but continued with his recording career, both in front of and behind the microphone. Two years earlier, he had left RCA Victor and started his own record label, Ovation. His 1970 recording, Dick Schory...Carnegie Hall, received a Grammy nomination for Best Live Recording of the Year. He had also been nominated as Arranger of the Year in 1960, 1961, 1962, and 1963.
 
“The Ovation label was formed based on my development of quadraphonic sound with Jim Cunningham, an engineer in Chicago,” Schory states. “At RCA, I had developed two stereo projects: Stereo Action and then Dynagroove. Both series enjoyed good consumer sales.”
 
Schory produced over 300 Ovation albums featuring such artists as Joe Morello, jazz flutist Paul Horn, the Count Basie Orchestra, and even a series of hit country music singles and albums by The Kendalls. He also established the Black Jazz record label with jazz pianist Gene Russell and produced 30 more albums.
 
More recent projects include Media Ventures International, which is involved in television production, including the series Egoli for a cable company in South Africa. Schory is also keeping his music writing chops sharp. His latest composition is “Cubana,” written for a 20-member percussion ensemble featuring piano. Dan Moore and the University of Iowa Percussion Ensemble will premiere “Cubana” during PASIC 2011.
 
What advice would Schory give a young percussionist? “I’d have to say that in order to make it in today’s economy and musical environment, if you’re not a set drummer or a total percussionist, don’t even think about it.” The concept of total percussion that he coined almost half acentury ago is more important than ever.
 
“Dick Schory wanted to explore the world of percussion sounds,” summarizes Mike Balter, “and prove that a percussion ensemble could play music, not just rhythm. Before I went to the first Ludwig symposium, I was just a drummer. Hearing Dick Schory and the Percussion Pops opened up the world of percussion to me, and it was a life-changing experience."
 
As Tom Gaines said in his liner notes for Dick Schory...Carnegie Hall, Schory was “like a juggler with 15 projects in the air.” Percussionists todayare lucky to enjoy the results of all his “juggling”!
https://www.pas.org/about/hall-of-fame/dick-schory

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Dick Schory
por Lauren Vogel Weiss
Dick SchorySi Dick Schory es más que un percusionista. También es compositor, arreglista, director de orquesta, editor de música, productor de discos y televisión, pionero del audio y veterano de la industria de la música, responsable del diseño y comercialización de instrumentos. Pero quizás uno de los hechos más reveladores de su impresionante carrera musical es que nueve miembros del PAS Hall of Fame tocaron con la famosa Percussion Pops Orchestra de Schory. ¿Qué hizo a este músico tan especial para atraer a sidemen y solistas tan estelares?
 
Richard L. "Dick" Schory nació en Chicago, Illinois el 13 de diciembre de 1931 en el seno de una familia de músicos. Su padre, Howard, había sido un destacado director de orquesta y percusionista en Columbus, Ohio, y su madre, Dorothea, era una Representante de Conciertos Comunitarios para la Administración de Artistas de Columbia en su división de Conciertos Comunitarios. Después de un concierto de la banda del Ejército de Salvación de Chicago en la escuela primaria DeWitt Clinton, el joven Dick quedó enganchado. Volvió de la escuela y le dijo a su familia que quería ser músico.
 
En 1942, la familia se mudó a Ames, Iowa, y Schory comenzó a tomar clases de música, ¡con trompeta! Pero cuando llegó a la secundaria, ya tocaba la percusión. "Tocaba en las bandas de marcha, conciertos y animaciones, así como en la orquesta sinfónica", recuerda Schory. "Comencé la primera banda de jazz de Ames High School, y los 16 miembros ensayaban en nuestra sala de estar todos los miércoles por la noche. Tocamos todos los bailes de la escuela y conciertos especiales de jazz.
 
"En aquellos días", continuó Schory, "no había maestros de percusión en Iowa. Mi padre me enseñó muchos de los fundamentos". Durante sus vacaciones de verano de la escuela secundaria, Schory tocaba en la Banda Municipal de Ames y en la banda de verano de la Universidad Estatal de Iowa, donde conoció a Frank Piersol, Director de Bandas de la ISU. "Fue mi primer maestro influyente y un verdadero mentor para mí", añade Schory. "Era un gran músico con mucho corazón".
 
Schory se graduó de la escuela secundaria en 1950 y se matriculó en la Universidad Estatal de Iowa. "A pesar de que no estaban ofreciendo un título en música en ese momento, pensé que me quitaría el primer año del camino", recuerda.
 
En enero de 1951, después de su primer trimestre en la ISU, Schory se alistó en la Fuerza Aérea de Estados Unidos y fue asignado al cuartel general del Comando Aéreo Estratégico (SAC) en Omaha, Nebraska, donde permaneció hasta el final de su alistamiento. "Probablemente aprendí más sobre música en los cuatro años que estuve en la Fuerza Aérea que en el estado de Iowa o en Northwestern", dice Schory riendo. "Teníamos una banda de marcha, una banda de jazz, dos combos de jazz, un coro y una banda de conciertos. Siempre estábamos ensayando o actuando.
 
"Una de las cosas que hicimos fue un programa semanal de televisión en WOW-TV Canal 6, la misma estación de la que vino Johnny Carson", continúa. "Una semana fue la banda de concierto y el coro, y la semana siguiente fue la banda de jazz, así que tuvimos que escribir muchas cartas y arreglos originales. Por supuesto, ese es el mejor tipo de experiencia que puedes tener, para poder escuchar tu música inmediatamente después de escribirla".
 
Otro beneficio de estar en la Fuerza Aérea fue que durante sus giras por el Comando SAC y el Medio Oeste, Schory a menudo terminaba en Chicago, dándole la oportunidad de estudiar con Edward Metzinger, Timbalista Principal de la Sinfónica de Chicago. También estudió composición a través de un curso por correspondencia de la Universidad de California-Berkeley.
 
Cuando terminó el período de servicio de Schory, regresó a la Universidad Estatal de Iowa. En el otoño de 1954 fue transferido a la Universidad Northwestern en Evanston, Illinois, donde recibió una beca completa y un puesto de asistente. Schory tocó en la banda de marcha NU, orquestas de cámara y sinfónicas, banda de concierto, conjunto de viento y banda de jazz. Siguió estudiando con Metzinger mientras daba clases y clases particulares a las especialidades de educación musical. Algunos de sus compañeros percusionistas incluían a Tom Davis, que seguiría enseñando en la Universidad de Iowa; Bob Wessberg, un músico de estudio de primera línea de Chicago que también tocaba con Frank Sinatra; y Jerry Olson, que más tarde se convirtió en director de música instrumental de las Escuelas Públicas de Chicago.
 
Schory fundó y dirigió el conjunto de percusión en Northwestern. "Fue uno de los primeros conjuntos de percusión universitarios en Estados Unidos", afirma con orgullo. "Como sólo había unas pocas piezas publicadas para percusión, escribimos sobre el 95 por ciento de lo que tocamos nosotros mismos. Fue muy diferente a lo que Paul Price estaba haciendo en la Universidad de Illinois porque presentamos el uso extensivo de instrumentos de mazo.
 
"Fue durante este tiempo que escribí'Introducción y Allegro' y'Baja'", continúa Schory. "Tom Davis también escribió algunas piezas, que publiqué más tarde." Estos primeros conjuntos formaron el catálogo inicial de Creative Music, la editorial que Schory fundó en 1956 y que continúa en la actualidad.

Tras el éxito de ese álbum, RCA Victor invitó a Schory a unirse a su sello, y en junio de 1958, grabó Music for Bang, Baaroom, and Harp. Grabado en el escenario de la Orchestra Hall de Chicago, su grabación fue un excelente ejemplo de sonido estereofónico, lo que ayudó a mantenerlo en la lista de álbumes de Billboard durante dos años, incluyendo seis meses en el Top10. Más tarde el álbum fue reeditado como un CD digital y ha sido añadido al Sonic Hall of Fame de Classical CD Review como un ejemplo sobresaliente del arte de la grabación en estéreo.
 
Durante este tiempo, Schory también tocaba y grababa con la Orquesta Sinfónica de Chicago. La sección de percusión a finales de la década de 1950 consistía en Metzinger en timbales junto con Gordon Peters, Al Payson y Sam Denov. "Yo era el quinto jugador de guardia cuando grabamos todos los Mahler y Strauss bajo Fritz Reiner", dice Schory.
 
Gracias a la popularidad de la música para Bang, Baaroom y Harp, Dick Schory y sus Percussion Pops grabaron Music to Break Any Mood en 1959 y Wild Percussion and Horns A' Plenty en 1960, ambos para el sello RCA Victor. Este último le trajo su primera nominación a los Grammy como Arreglador del Año.
 
El conjunto de 22 piezas, que consistía en una gran banda y varios percusionistas, comenzó a dar cada vez más conciertos en vivo. "Hicimos giras todos los años durante 15 años", recuerda Schory. "Salíamos unas semanas en otoño y otra vez en primavera, además de algunas excursiones de verano. Tocamos en muchos conciertos comunitarios y en eventos universitarios".
 
Michael Balter, Presidente de Mike Balter Mallets y residente de toda la vida en el área de Chicago, recuerda su primer concierto de la Percussion Pops Orchestra. "Dick Schory quería que el público tuviera una experiencia estereofónica en directo. Los instrumentos de percusión que estaban en el lado izquierdo del escenario se reflejaban en el lado derecho, con la banda en las bandas en el centro detrás de los percusionistas".
 
Durante una de sus visitas a Chicago mientras aún estaba en la banda de la Fuerza Aérea, Schory conoció a William F. Ludwig, Sr. y lo impresionó tocando rudimentos de batería. "Acababa de pasar la prueba NARD", ríe Schory. "Una vez que'Senior' me oyó tocar, me pidió que dejara mi batería Slingerland y me convirtiera en médico de la WFL Drum Company; esto fue antes de que él[William Ludwig, Sr.] comprara de nuevo el nombre Ludwig en 1955. Mientras estaba en Omaha, empecé a hacer clínicas de la WFL en Nebraska, Iowa, Kansas y Dakota del Sur".
 
Cuando Schory se mudó a Evanston para asistir a Northwestern, también comenzó a trabajar a tiempo parcial para Ludwig, haciendo de todo, desde ayudar con el inventario hasta escribir textos para catálogos. Cuando se graduó de la universidad, le habían ofrecido un puesto de trabajo a tiempo completo en Ludwig.
 
"En ese momento actuaba en los estudios, así como con la Sinfónica de Chicago", explica. "Además, ya estaba grabando mis propios discos. Mi acuerdo con Ludwig fue que podía continuar con esas actividades. Así que llegaba a la fábrica de Damen Avenue a las 7:00 de la mañana, luego a las 8:45 tomaba la "L" en el centro de la ciudad y hacía un ensayo de CSO en Orchestra Hall. Luego volvía a la'L', terminaba en Ludwig hasta las 6:30, y luego bajaba a tocar el concierto".
 
"Dick] nos señaló en la dirección de la percusión total al incluir la línea Musser en nuestros catálogos", dijo William F. Ludwig II en su autobiografía, The Making of a Drum Company. "Vio el potencial de los conjuntos de percusión en la construcción de un mercado para la percusión total. Contrató a amigos del mundo de la percusión para componer piezas de conjuntos de percusión a nivel de bachillerato y las publicó él mismo, vendiéndolas a la compañía cuando fue necesario. El propósito era crear un mercado para marimbas, xilófonos, campanas, campanas y todo lo demás en el mundo de la percusión que antes se vendía en cantidades muy limitadas. Dick Schory vio el potencial de la expansión de la percusión y la persiguió agresivamente".
 
Schory recuerda cómo surgió el término "percusión total". "Hicimos un anuncio para el artículo central de la revista Ludwig Drummer. También se publicó en la revista Instrumentalist, School Musician y Music Educators Journal. Mostraba timbales junto con una vibración, marimba, xilófono, campanas de orquesta, etc. Yo titulé el artículo'Ludwig Total Percussion'."
 
Balter recuerda ese anuncio como si hubiera sido impreso ayer. "La foto fue tomada en una sala sinfónica. Había una batería en un elevador, más una marimba y vibración Musser, timbales, ocho tomos de concierto, un bombo de concierto, todo. En otras palabras, ¡percusión total! Cualquier cosa que usaras, estaba ahí. El anuncio se llamaba "el desplegable central". Esto fue en los años 60, el apogeo del Playboy Club. En aquellos días, si hablabas de un "centerfold", todos pensaban que te referías a una chica de la revista Playboy. Pero si le preguntas a un baterista, ``¿Has visto el desplegable?' supo que hablabas del catálogo de Ludwig."


Además de su trabajo como Director de Educación y Vicepresidente de Marketing para Ludwig, Schory también estuvo involucrado en el desarrollo de productos. Una de sus innovaciones más importantes es el kit de percusión para principiantes. "Yo creé el Ludwig Drum Kit. Y cuando Jim Sewrey se unió a mi equipo educativo, el Junior Percussion Kit", recuerda. "El Drum Kit incluía un tambor, una almohadilla de práctica, un par de palos, un atril y un libro de métodos, empaquetados en un estuche rojo forrado con una cinta adhesiva. El kit de percusión Junior agregó un juego de campanas. Ludwig había comprado Musser para entonces, y si íbamos a desarrollar músicos de mazo, necesitábamos que se iniciaran desde el principio y que aprendieran a leer música.
 
"Al principio[Ludwig] Senior no estaba de acuerdo y dijo que nadie iba a comprar kits", continúa Schory. "Así que fui a ver a Marion Karnes en Karnes Music en Evanston. Era un traficante de escuela que conocía desde mis días en Northwestern. Compró 75 en la primera exhibición, y cuando volví a verlos, ¡pidió 75 más! Así que ese fue el comienzo del negocio de las baterías". Schory también trabajó con William F. Ludwig, Sr. en el desarrollo de los timbales de modelos sinfónicos, así como en la primera fase de nuevos instrumentos para bandas de marcha y cuerpos de tambores, incluyendo tambores de alta tensión y múltiples tambores de bajo y tenor.
 
Durante sus 15 años en Ludwig, Schory viajó por los Estados Unidos y Canadá como médico, conferencista y director invitado. No sólo dirigió bandas de concierto, orquestas, bandas de jazz y conjuntos de percusión, sino que también impartió talleres y creó el primer Simposio de Percusión Ludwig, celebrado en julio de 1968 en la Northwestern University. Schory también resucitó la revista Ludwig Drummer -con una circulación mundial de 150.000 ejemplares- que se convirtió en una importante fuente educativa para intérpretes profesionales, directores de bandas y orquestas, y estudiantes de percusión por igual.
 
Schory combinó dos de sus pasiones al contratar a su Percussion Pops Orchestra para realizar siete conciertos anuales de la convención NAMM en el Orchestra Hall de Chicago. "Traía solistas invitados con el PPO que incluía al Dave Brubeck Quartet, Ray Brown[bajo] y Doc Severinsen[trompeta]", recuerda Schory. Durante uno de esos conciertos de la NAMM, William F. Ludwig, Sr. y William F. Ludwig II -dos miembros de la Sala de la Fama del PAS- tocaron un dúo de tambores. "Escribí un arreglo basado en'Three Camps' y'Downfall of Paris' y puse a la banda detrás."
 
Los otros siete PAS Hall of Famers que tocaron con la Percussion Pops Orchestra a lo largo de los años fueron el baterista Frank Arsenault (que había servido como el PPO road manger en varias giras, así como el solista en "Assault by Arsenault"), El baterista de jazz Joe Morello (quien estuvo de gira y fue presentado en cuatro álbumes PPO), los percusionistas Bobby Christian (quien estuvo de gira y tocó en los 12 álbumes), George Gaber, Al Payson, y Gordon Peters, y el vibrafonista Gary Burton (quien estuvo de gira y fue presentado en cinco álbumes). "Gary tenía sólo 17 años cuando empezó a jugar con el PPO", recuerda Schory. "Y sigue siendo el Paganini del vibráfono para mí."
 
En 1971, Schory dejó a Ludwig pero continuó con su carrera discográfica, tanto delante como detrás del micrófono. Dos años antes, había dejado RCA Victor y había comenzado su propio sello discográfico, Ovation. Su grabación de 1970, Dick Schory....Carnegie Hall, recibió una nominación al Grammy como Mejor Grabación en Vivo del Año. También fue nombrado Arreglador del Año en 1960, 1961, 1962 y 1963.
 
"El sello Ovation se formó en base a mi desarrollo del sonido cuadrafónico con Jim Cunningham, un ingeniero de Chicago", afirma Schory. "En la RCA, había desarrollado dos proyectos estéreo: Stereo Action y luego Dynagroove. Ambas series disfrutaron de buenas ventas al consumidor".
 
Schory produjo más de 300 álbumes de Ovation con artistas como Joe Morello, el flautista de jazz Paul Horn, la Count Basie Orchestra, e incluso una serie de éxitos de música country y álbumes de The Kendalls. También estableció el sello discográfico Black Jazz con el pianista de jazz Gene Russell y produjo 30 álbumes más.
 
Entre los proyectos más recientes figuran Media Ventures International, que se dedica a la producción de televisión, incluida la serie Egoli para una empresa de cable en Sudáfrica. Schory también mantiene su música escribiendo chuletas afiladas. Su última composición es "Cubana", escrita para un conjunto de percusión de 20 miembros con piano. Dan Moore y el conjunto de percusión de la Universidad de Iowa estrenarán "Cubana" durante PASIC 2011.
 
¿Qué consejo le daría Schory a un joven percusionista? "Tendría que decir que para triunfar en la economía y el ambiente musical de hoy, si no eres un baterista o un percusionista total, ni siquiera lo pienses." El concepto de percusión total que acuñó hace casi medio siglo es más importante que nunca.
 
"Dick Schory quería explorar el mundo de los sonidos de percusión", resume Mike Balter, "y demostrar que un conjunto de percusión puede tocar música, no sólo ritmo. Antes de ir al primer simposio de Ludwig, era sólo un baterista. Escuchar a Dick Schory y a Percussion Pops me abrió el mundo de la percusión, y fue una experiencia que me cambió la vida".
 
Como dijo Tom Gaines en sus notas para Dick Schory... Carnegie Hall, Schory era "como un malabarista con 15 proyectos en el aire". Los percusionistas de hoy en día tienen la suerte de disfrutar de los resultados de todos sus "malabares"!
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


https://www.discogs.com/Dick-Schorys-Percussion-Pops-Orchestra-Politely-Percussive/release/4735451

Chuck Wayne • Tasty Pudding

 

Chuck Wayne's participation in some of the earliest bebop recordings have lead many to conclude that he was purely a bop-style guitar player. Yet on the recordings he made in the mid-1940s, first with the Billy Eckstine Band and later with Dizzy Gillespie, his swing-oriented guitar collides with the "new music" being played by the more modern musicians on the set. It was with George Shearing that Wayne had his greatest success, making a major contribution to the Shearing sound. This particular album reissues two sets cut by Wayne during the 1950s. The first, covering tracks 1-4 and 7-10, is from 1953 sessions with his Quartet featuring Zoot Sims and Brew Moore; the second session, made the following year with the John Mehegan Quartet, comprises the other four tunes. There are some standards along with seven originals, including five by Wayne. Words that can best be used to describe the latter are "innocuous," "pleasant," "nice background music." These arrangements could be heard in a hundred lounges and small clubs throughout the country during the years when this album was made. While there is virtually no inventiveness going on, the playing is entertaining. One quality that comes through with the Wayne guitar is its hornlike sound, which adds a dimension to his playing and is especially complementary when either Sims or Moore is soloing, as on "While My Lady Sleeps," "Side Walks of Cuba" and "Uncus." One exception to the ordinariness of the material is the arrangement of the Victor Young/Ned Washington masterpiece, "Stella by Starlight," where John Mehegan's piano and Wayne's guitar engage in interplay which comes close to being avant-garde. Several of the players at these sessions were from the upper echelons of jazz; it's regrettable they were not offered more interesting or challenging music to perform.

Dave Nathan. http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=10:jcfixqygldke

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La participación de Chuck Wayne en algunas de las primeras grabaciones de bebop ha llevado a muchos a concluir que era un guitarrista puramente bop. Sin embargo, en las grabaciones que realizó a mediados de los años 40, primero con la Billy Eckstine Band y después con Dizzy Gillespie, su guitarra orientada al swing choca con la "nueva música" que tocan los músicos más modernos del set. Fue con George Shearing que Wayne tuvo su mayor éxito, haciendo una gran contribución al sonido Shearing. Este álbum en particular reedita dos sets cortados por Wayne durante la década de 1950. La primera, que abarca los temas 1-4 y 7-10, es de 1953 con su Cuarteto con Zoot Sims y Brew Moore; la segunda sesión, realizada al año siguiente con el Cuarteto John Mehegan, comprende los otros cuatro temas. Hay algunos estándares junto con siete originales, incluyendo cinco de Wayne. Las palabras que mejor se pueden usar para describir esto último son "inocuo", "agradable", "música de fondo agradable". Estos arreglos se pudieron escuchar en un centenar de salones y clubes pequeños de todo el país durante los años en que se hizo este disco. Aunque prácticamente no hay inventiva, el juego es entretenido. Una cualidad de la guitarra Wayne es su sonido de trompa, que añade una dimensión a su toque y es especialmente complementaria cuando Sims o Moore están solos, como en "While My Lady Sleeps", "Side Walks of Cuba" y "Uncus". Una excepción a lo común del material es el arreglo de la obra maestra de Victor Young/Ned Washington, "Stella by Starlight", en la que el piano de John Mehegan y la guitarra de Wayne se entrelazan en un juego que se acerca a la vanguardia. Varios de los músicos en estas sesiones eran de los niveles superiores del jazz; es lamentable que no se les ofreciera música más interesante o desafiante para interpretar.
Dave Nathan. http://www.allmusic.com/cg/amg.dll?p=amg&sql=10:jcfixqygldke