VA • Funky organ B3 Jazz Grooves

 

 

Bill Heid, Charles Earland, Joey Defrancesco, Mike Ledonne, Reuben Wilson ... 

 

Charles Earland • If Only For One Night

 

Review by Scott Yanow

Less than two months before his sudden death, Charles Earland recorded this final rewarding effort. One of the most inventive of the organists to come up after Jimmy Smith, Earland contributed five originals to the set and shows that one can play funky and still be creative and unpredictable. The main surprise of the outing is that Najee, a saxophonist best known for his R&B-ish/crossover records, fits in quite well to the hard bop and soul-jazz jams. Also in fine form as a soloist is underrated guitarist Melvin Sparks. Earland sounds inspired by his sidemen and is heard in excellent form this one last time.

By Owen Cordle

Recorded on Oct. 19, 1999, this was Earland's last studio album. The organist, known as "the Mighty Burner," died less than two months later. He was admired for his heated, climactic performances and walking-bass-pedal technique (the best in the business, it has been said). Arriving on the scene in the late '60s, he recorded for Prestige, Muse and Milestone before joining HighNote in '97.

This album includes saxophonist and flutist Najee, guitarist Melvin Sparks, drummer Buddy Williams and percussionist Gary Fritz. Before the name Najee gets your defenses up, be advised that the smooth-jazz star flexes his straightahead jazz chops convincingly throughout this session. His sound and style on the title ballad and the stepping "My Blues Is Funky," an Earland original, belong to the preaching tenor tradition. While his soprano work on "My Favorite Things" won't challenge John Coltrane's definitive jazz version of this song, it is a respectable, scale-based treatment. Najee's flute, heard on "All My Tomorrows," "Summertime" and Earland's Latin-flavored "Just for You," is also solid.

Earland's ensemble focus resembles a big-band arranger's in terms of harmonic density, instrumental colors, the structure of his accompaniment, and his rhythmic acuity. The title cut is but one good example. As a soloist, he doesn't scatter random flurries of notes and licks; instead, he builds steadily and purposefully. Rhythmically, each track has a well-defined groove.

Sparks lives up to his name with a hot touch and some stinging lines, especially on Earland's "Keep the Faith" and B.B. King-tinged "Smoke." The drums are infectious and well-recorded (e.g., "Smoke"), and the percussion is clean and valuable to the groove.

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Reseña por Scott Yanow

Menos de dos meses antes de su repentina muerte, Charles Earland registró este esfuerzo final gratificante. Uno de los organistas más inventivos que surgió después de Jimmy Smith, Earland contribuyó con cinco originales al set y demuestra que uno puede jugar al funky y ser creativo e impredecible. La principal sorpresa de la salida es que Najee, un saxofonista mejor conocido por sus discos de R & B-ish / crossover, encaja bastante bien en el hard bop y el soul-jazz jams. También en buena forma como solista es el guitarrista subestimado Melvin Sparks. Earland suena inspirado por sus sidemen y se escucha en forma excelente esta última vez.

Por Owen Cordle

Grabado el 19 de octubre de 1999, este fue el último álbum de estudio de Earland. El organista, conocido como "The Mighty Burner", murió menos de dos meses después. Fue admirado por sus acaloradas actuaciones climáticas y su técnica de pedales (el mejor en el negocio, se ha dicho). Al llegar a la escena a finales de los años 60, grabó para Prestige, Muse y Milestone antes de unirse a HighNote en '97.

Este álbum incluye al saxofonista y flautista Najee, al guitarrista Melvin Sparks, al baterista Buddy Williams y al percusionista Gary Fritz. Antes de que el nombre Najee levante sus defensas, tenga en cuenta que el estrella de jazz suave flexiona sus chuletas de jazz de manera convincente a lo largo de esta sesión. Su sonido y estilo en la balada del título y el paso "My Blues Is Funky", un original de Earland, pertenecen a la tradición del tenor de la predicación. Si bien su trabajo de soprano en "Mis cosas favoritas" no desafiará la versión definitiva de jazz de John Coltrane de esta canción, es un tratamiento respetable basado en la escala. La flauta de Najee, escuchada en "All My Tomorrows", "Summertime" y "Just for You" con sabor latino de Earland, también es sólida.

El enfoque conjunto de Earland se asemeja a un arreglador de bandas grandes en términos de densidad armónica, colores instrumentales, la estructura de su acompañamiento y su agudeza rítmica. El título de corte es sólo un buen ejemplo. Como solista, no dispersa ráfagas al azar de notas y licks; en cambio, él construye de manera constante y decidida. Rítmicamente, cada pista tiene un surco bien definido.

Sparks hace honor a su nombre con un toque cálido y algunas líneas de picadura, especialmente en "Keep the Faith" de Earland y B.B. "Smoke" teñido de rey. Los tambores son infecciosos y están bien grabados (por ejemplo, "Humo"), y la percusión es limpia y valiosa para el ritmo.

VA • Funky Organ B-3 Jazz Grooves

 

VA • Jazz Dispensary The Dank D-Funk Blend Vol.1

 

VA • Jazz Dispensary The Dank D-Funk Blend Vol.2

 

 

 

Charlie Earland Trio feat. George Coleman • Soul Crib

Review:
This album has never seen the light of day on CD. Some tracks were later released on a few of Charles' Muse albums; namely Smokin' and Mama Roots, but careful checking of track timings reveals slightly different versions. In this regard they may have not been from the same session. George Coleman's addition to Charles Earland’s Trio truly makes this LP magnificent. He plays beautifully right throughout the whole session. In addition the listener cannot disregard the intuitive playing of Jimmy Ponder whereby he at times gets some marvelous opportunities to really stretch out. Of course as always Charles Earland beyond any doubt greatly entertains with his vivacious mastery of the B-3. Similarly without Walter Perkins’ driving the beat on drums and the inclusion of some very innovative percussive effects the tunes wouldn't be as dynamic. "Soul Crib" leans more toward the jazz side of things, featuring no fewer than five standards, one swinging original ‘The Dozens’ and a psychedelic free improvisation piece called ‘Mus’ Be LSD’ that seems completely out of place. Taken together the album truly entertains and clearly showcases George Coleman’s tenor blending seamlessly with Charles' big organ sounds. A masterful gem for its time and is highly recommended.

 

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Reseña:

Este álbum nunca ha visto la luz en CD. Algunos temas se publicaron posteriormente en algunos de los álbumes Muse de Charles, concretamente en Smokin' y Mama Roots, pero una cuidadosa comprobación de los tiempos de los temas revela versiones ligeramente diferentes. En este sentido, es posible que no procedan de la misma sesión. La incorporación de George Coleman al trío de Charles Earland hace que este LP sea realmente magnífico. Toca maravillosamente durante toda la sesión. Además, el oyente no puede pasar por alto la interpretación intuitiva de Jimmy Ponder, que a veces tiene maravillosas oportunidades para estirarse. Por supuesto, como siempre, Charles Earland entretiene enormemente con su vivaz dominio de la B-3. Igualmente, sin el impulso de Walter Perkins en la batería y la inclusión de algunos efectos de percusión muy innovadores, las melodías no serían tan dinámicas. "Soul Crib" se inclina más hacia el lado del jazz, presentando no menos de cinco estándares, un original de swing 'The Dozens' y una pieza de improvisación libre psicodélica llamada 'Mus' Be LSD' que parece completamente fuera de lugar. En conjunto, el álbum es realmente entretenido y muestra claramente que el tenor de George Coleman se combina a la perfección con los grandes sonidos del órgano de Charles. Una joya magistral para su época y muy recomendable.

Lou Donaldson • Everything I Play Is Funky

 Review by Steve Huey

Although purists might not find it as much to their taste as Midnight Creeper, Everything I Play Is Funky is easily one of the best examples of Lou Donaldson's commercially accessible period of the late '60s and early '70s. Donaldson's forays into funk and R&B-driven soul-jazz could sometimes sound stiff, but the grooves here -- which feature many of the same players -- are consistently limber and unforced. And, typical of the style, the grooves (not adventurous improvisation) are what make the album tick. For once, Donaldson's attempt at an R&B cover -- in this case, the Lee Dorsey-sung, Allen Toussaint-penned "Everything I Do Gonna Be Funky (From Now On)" -- is pulled off well enough to make for an entirely convincing statement of purpose. That number kicks off an entertaining program also highlighted by three Donaldson originals -- the cooking funk number "Donkey Walk," which seems to inspire the fieriest solos on the record, the cheery calypso "West Indian Daddy," and the hard bop-flavored "Minor Bash." There's also a version of "Over the Rainbow" done in Donaldson's caressing, melodic ballad style, and the simple funk vamp "Hamp's Hump." It's a nicely varied assortment, all anchored by the percolating rhythm section of guitarist Melvin Sparks, bassist Jimmy Lewis, and drummer Idris Muhammad (Charles Earland and Dr. Lonnie Smith switch off on organ, and Blue Mitchell and Eddie Williams do the same on trumpet). This is the sort of record that modern-day Donaldson disciples like the Sugarman Three cherish, and one of his few truly consistent efforts in this style. Recommended wholeheartedly to funk and rare-groove fans.

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Traducción Automática:

Reseña por Steve Huey

Aunque los puristas no lo encuentren a su gusto como Midnight Creeper, Everything I Play Is Funky es fácilmente uno de los mejores ejemplos del período comercialmente accesible de Lou Donaldson de finales de los sesenta y principios de los setenta. Las incursiones de Donaldson en el funk y el soul-jazz impulsado por el R&B a veces pueden sonar rígidos, pero los ritmos aquí, que incluyen a muchos de los mismos jugadores, son consistentemente ágiles y no forzados. Y, típico del estilo, los surcos (no la improvisación aventurera) son los que hacen que el álbum funcione. Por una vez, el intento de Donaldson de una portada de R&B, en este caso el "Todo lo que hago va a ser funky (interpretado por Lee Dorsey), interpretado por Allen Toussaint" Se arranca lo suficientemente bien como para crear una declaración convincente de propósito. Ese número da inicio a un entretenido programa también resaltado por tres originales de Donaldson: el número funky de cocina "Donkey Walk", que parece inspirar a los solos más feroces del disco, el alegre calypso "West Indian Daddy" y el duro sabor a bop "Golpe menor". También hay una versión de "Over the Rainbow" realizada en el estilo de balada melódica y caricias de Donaldson, y en el simple vampiro funk "Hamp's Hump". Es un surtido muy variado, todo anclado por la sección de ritmo percolador del guitarrista Melvin Sparks, el bajista Jimmy Lewis y el baterista Idris Muhammad (Charles Earland y el Dr. Lonnie Smith apagan el órgano, y Blue Mitchell y Eddie Williams hacen lo mismo en la trompeta ). Este es el tipo de registro que los discípulos modernos de Donaldson como Sugarman Three aprecian, y uno de sus pocos esfuerzos verdaderamente consistentes en este estilo. Recomendado de todo corazón para los fanáticos del funk y el groove raro.

 

Boogaloo Joe Jones • Right On Brother

Right On Brother is the fourth album by guitarist Boogaloo Joe Jones which was recorded in 1970 and released on the Prestige label.

Artist Biography by Richie Unterberger

Not to be confused with Philly Joe Jones, guitarist Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones recorded several albums in a soul-jazz vein for Prestige in the late '60s and early '70s. In addition to leading his own group for recording purposes, Jones also played with Wild Bill Davis, Houston Person, and Willis Jackson. His own dates are solid, if unexceptional groove jazz, leaving plenty of space for the saxes and organ, as well as his own bop/R&B hybrid style. Rusty Bryant, Charles Earland, and ace soul and jazz session drummer Bernard Purdie are among the sidemen also featured on Boogaloo's albums.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Artist Biography by   Douglas Payne

In the short decade (1966-78) he recorded and performed, guitarist Ivan "Boogaloo Joe" Jones was never really given his due as an exciting, rapid-fire R&B plecterist. His sound and style clearly derived from the blues. But it was a solid understanding of rock that Jones brought to his style of jazz. The result, outlined on a handful of albums for Prestige, was a healthy mix of finger-licking funk, sweet-natured soul and infectious blues.

Born Ivan Joseph Jones on November 1, 1940, Boogaloo Joe Jones learned the guitar himself on a three-string instrument that he received as a gift from his father in 1956. He was influenced most by Tal Farlow and Billy Butler, but gravitated toward the R&B juke-joint jazz Butler was popularizing with organist Bill Doggett's popular group. Jones has lived in South New Jersey most of his life and mostly worked in and around the Atlantic City area with chitlin-circuit heroes like Wild Bill Davis, Willis Jackson and Charlie Ventura.

"Right On Brother"He made his solo debut as "Joe Jones" on Prestige Records in 1967, but earned the name "Boogaloo Joe" following a 1969 record of that title. The demeaning name was meant to distinguish him from the other Jo(e) Jones in music: Papa Jo, Philly Joe, and the Joe of the Fluxus movement. But as much as the moniker suited his style it probably straightjacketed his jazz career too. Later, he'd turn to billing himself as Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

While jazz went through some drastic changes during the dozen years of his recording career, Jones’ sound and style stayed remarkably consistent. His twangy tone coupled catchy chordal vamps with astonishing rapid-fire single-note playing. He could handle familiar pop covers ("Light My Fire," "Have You Never Been Mellow") and ballads. But he really excelled in the jazz-funk groove and proved himself a first-rate blues player.

"My Fire!"None of his albums are groundbreaking or marked by individual achievements. But every Joe Jones record contains reliably interesting covers (blues like "St. James Infirmary" and "Trouble In Mind" are the best) and percolating originals that aptly illustrate the guitarist's fretboard talents: "Right Now," "Ivan The Terrible," "Boogaloo Joe," "6:30 Blues," "Poppin," "Hoochie Coo Chickie," "Black Whip," "Confusion" and "Sweetback." These are the songs that today's club crowd discovered and celebrate as the cornerstone of "acid jazz."

Ivan Jones recorded with Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern and, most notably, Willis Jackson. Jones, who never won the notice of critics or great support from fans during his career, is finding new life on CD -- thanks to the apt and rapt attention of the acid-jazz crowd. Today, the retired guitarist is believed to reside in his hometown of Vineland, New Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

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Right On Brother es el cuarto álbum del guitarrista Boogaloo Joe Jones, grabado en 1970 y publicado por el sello Prestige.


Biografía del artista por Richie Unterberger

No confundir con Philly Joe Jones, el guitarrista Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones grabó varios álbumes en una vena de soul-jazz para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70. Además de dirigir su propio grupo con fines de grabación, Jones también tocó con Wild Bill Davis, Houston Person y Willis Jackson. Sus propias fechas son sólidas, aunque no excepcionales, y dejan mucho espacio para los saxos y el órgano, así como su propio estilo híbrido de bop/R&B. Rusty Bryant, Charles Earland, y el baterista de soul y jazz Bernard Purdie son algunos de los sidemen que también aparecen en los álbumes de Boogaloo.

https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography

Biografía del artista por Douglas Payne

En la corta década (1966-78) grabó y tocó, el guitarrista Ivan "Boogaloo Joe" Jones nunca fue realmente reconocido como un apasionante y rápido plecterista de R&B. Su sonido y estilo derivan claramente del blues. Pero fue una sólida comprensión del rock lo que Jones aportó a su estilo de jazz. El resultado, esbozado en un puñado de álbumes para Prestige, fue una saludable mezcla de funk para chuparse los dedos, soul dulce y blues contagioso.

Nacido Ivan Joseph Jones el 1 de noviembre de 1940, Boogaloo Joe Jones aprendió la guitarra él mismo en un instrumento de tres cuerdas que recibió como regalo de su padre en 1956. Fue influenciado por Tal Farlow y Billy Butler, pero se inclinó por el jazz R&B juke-joint Butler se estaba popularizando con el grupo popular del organista Bill Doggett. Jones ha vivido en el sur de Nueva Jersey la mayor parte de su vida y ha trabajado principalmente en el área de Atlantic City y sus alrededores con héroes del circuito de chitlin como Wild Bill Davis, Willis Jackson y Charlie Ventura.

"Right On Brother" debutó en solitario como "Joe Jones" en Prestige Records en 1967, pero se ganó el nombre de "Boogaloo Joe" tras un disco de 1969 con ese título. El nombre degradante tenía la intención de distinguirlo del otro Jo(e) Jones en la música: Papa Jo, Philly Joe, y el Joe del movimiento Fluxus. Pero por mucho que el apodo se adaptara a su estilo, probablemente también enderezó su carrera de jazz. Más tarde, se convertiría en Ivan "Boogaloo Joe" Jones.

Mientras que el jazz pasó por algunos cambios drásticos durante los doce años de su carrera discográfica, el sonido y el estilo de Jones se mantuvieron notablemente consistentes. Su tono twangy unía a pegadizos vampiros cordales con una asombrosa y rápida interpretación de una sola nota. Podía manejar las conocidas portadas pop ("Light My Fire", "Have You Never Been Mellow") y baladas. Pero realmente sobresalió en el groove del jazz-funk y demostró ser un bluesista de primera clase.

"¡Mi fuego!" Ninguno de sus álbumes es innovador o está marcado por logros individuales. Pero todos los discos de Joe Jones contienen portadas fiables e interesantes (blues como "St. James Infirmary" y "Trouble In Mind" son los mejores) y originales percolantes que ilustran a la perfección los talentos del guitarrista en el diapasón: "Ahora mismo", "Ivan el Terrible", "Boogaloo Joe", "6:30 Blues", "Poppin", "Hoochie Coo Chickie", "Black Whip", "Confusión" y "Sweetback". Estas son las canciones que la gente del club de hoy descubrió y celebra como la piedra angular del "acid jazz".

Ivan Jones grabó con Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern y, sobre todo, Willis Jackson. Jones, que nunca se ganó la atención de los críticos o el gran apoyo de los fans durante su carrera, está encontrando una nueva vida en el CD - gracias a la atención apta y cautivada de la multitud del acid jazz. Hoy en día, se cree que el guitarrista jubilado reside en su ciudad natal de Vineland, Nueva Jersey.

http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

 

Charles Earland • Smokin'

Artist Biography by Richard S. Ginell

Charles Earland came into his own at the tail-end of the great 1960s wave of soul-jazz organists, gaining a large following and much airplay with a series of albums for the Prestige label. While heavily indebted to Jimmy Smith and Jimmy McGriff, Earland came armed with his own swinging, technically agile, light-textured sound on the keyboard and one of the best walking-bass pedal techniques in the business. Though not an innovative player in his field, Earland burned with the best of them when he was on.

Earland actually started his musical experiences surreptitiously on his father's alto sax as a kid, and when he was in high school, he played baritone in a band that also featured fellow Philadelphians Pat Martino on guitar, Lew Tabackin on tenor, and yes, Frankie Avalon on trumpet. After playing in the Temple University band, he toured as a tenor player with McGriff for three years, became infatuated with McGriff's organ playing, and started learning the Hammond B-3 at intermission breaks. When McGriff let him go, Earland switched to the organ permanently, forming a trio with Martino and drummer Bobby Durham. He made his first recordings for Choice in 1966, then joined Lou Donaldson for two years (1968-1969) and two albums before being signed as a solo artist to Prestige. Earland's first album for Prestige, Black Talk!, became a best-selling classic of the soul-jazz genre; a surprisingly effective cover of the Spiral Starecase's pop/rock hit "More Today Than Yesterday" from that LP received saturation airplay on jazz radio in 1969. He recorded eight more albums for Prestige, one of which featured a young unknown Philadelphian named Grover Washington, Jr., then switched to Muse before landing contracts with Mercury and Columbia. By this time, the organ trio genre had gone into eclipse, and in the spirit of the times, Earland acquired some synthesizers and converted to pop/disco in collaboration with his wife, singer/songwriter Sheryl Kendrick. Kendrick's death from sickle-cell anemia in 1985 left Earland desolate, and he stopped playing for awhile, but a gig at the Chickrick House on Chicago's South Side in the late '80s brought him out of his grief and back to the Hammond B-3. Two excellent albums in the old soul-jazz groove for Milestone followed, and the '90s found him returning to the Muse label.

Earland died of heart failure on December 11, 1999, the morning after playing a gig in Kansas City; he was 58.

https://www.allmusic.com/artist/charles-earland-mn0000204850/biography

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Biografía del artista por Richard S. Ginell

Charles Earland llegó a su apogeo al final de la gran ola de organistas de soul-jazz de los años sesenta, ganando un gran número de seguidores y mucha difusión con una serie de álbumes para el sello Prestige. Mientras estaba muy endeudado con Jimmy Smith y Jimmy McGriff, Earland llegó armado con su propio sonido de swing, técnicamente ágil y de textura ligera en el teclado y una de las mejores técnicas de pedaleo de bajo en el negocio. Aunque no era un jugador innovador en su campo, Earland se quemó con los mejores cuando estaba en el equipo.

Earland comenzó sus experiencias musicales subrepticiamente en el saxo alto de su padre cuando era niño, y cuando estaba en la escuela secundaria, tocó como barítono en una banda que también contaba con los compañeros de Filadelfia Pat Martino en la guitarra, Lew Tabackin en el tenor, y sí, Frankie Avalon en la trompeta. Después de tocar en la banda de la Universidad de Temple, viajó como tenor con McGriff durante tres años, se enamoró del órgano de McGriff y comenzó a aprender el Hammond B-3 en los descansos. Cuando McGriff lo dejó ir, Earland cambió al órgano permanentemente, formando un trío con Martino y el baterista Bobby Durham. Hizo sus primeras grabaciones para Choice en 1966, luego se unió a Lou Donaldson durante dos años (1968-1969) y dos álbumes antes de ser firmado como solista de Prestige. El primer álbum de Earland para Prestige, Black Talk! se convirtió en un clásico de gran éxito de ventas del género soul-jazz; una versión sorprendentemente efectiva del éxito pop/rock de Spiral Starecase "More Today Than Yesterday", de ese LP, que recibió un aire de saturación en la radio de jazz en 1969. Grabó ocho álbumes más para Prestige, uno de los cuales incluía a un joven desconocido de Filadelfia llamado Grover Washington, Jr. y luego cambió a Muse antes de conseguir contratos con Mercury y Columbia. Para entonces, el género del trío de órgano había entrado en eclipse, y en el espíritu de la época, Earland adquirió algunos sintetizadores y se convirtió al pop/disco en colaboración con su esposa, la cantante y compositora Sheryl Kendrick. La muerte de Kendrick por anemia drepanocítica en 1985 dejó a Earland desolado, y dejó de tocar por un tiempo, pero un concierto en la Chickrick House en el South Side de Chicago a finales de los 80 lo sacó de su pena y lo llevó de vuelta al Hammond B-3. Dos excelentes álbumes en el viejo ritmo de soul-jazz para Milestone le siguieron, y en los años 90 lo encontraron regresando a la disquera Muse.

Earland murió de insuficiencia cardíaca el 11 de diciembre de 1999, la mañana después de tocar en Kansas City; tenía 58 años.

https://www.allmusic.com/artist/charles-earland-mn0000204850/biography

Charles Earland • Live [1999-Cannonball]

 

 

 

Charles Earland • Anthology

 

Review
by Steve Leggett
This two-disc set from London's Soul Brother Records does a great job of consolidating Hammond B-3 player Charles Earland's early and late stylistic phases, picking key tracks from his Prestige and Muse soul-jazz period for the first disc and tracks from his later jazz-funk era with Mercury and Columbia for the second disc. Since fans of one style might not be fans of the other, it's nice having them separated like this, and everything you really need for an introduction to Earland's full career is here, from his first big side, "Black Talk," through his intergalactic "Betty Boop" phase, while the common denominator between the two discs is Earland's relentless pursuit of the groove.
https://www.allmusic.com/album/anthology-mw0000379092

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Reseña
por Steve Leggett
Este conjunto de dos discos de Soul Brother Records de Londres hace un gran trabajo de consolidación de Hammond B-3 de Charles Earland principios y finales de las fases estilísticas, la selección de pistas clave de su Prestige y Muse soul-jazz período para el primer disco y pistas de su última época de jazz-funk con Mercury y Columbia para el segundo disco. Dado que los fans de un estilo pueden no serlo del otro, es agradable tenerlos separados de esta manera, y todo lo que realmente se necesita para una introducción a la carrera completa de Earland está aquí, desde su primera gran cara, "Black Talk", hasta su intergaláctica fase "Betty Boop", mientras que el denominador común entre los dos discos es la incesante búsqueda del groove por parte de Earland.
https://www.allmusic.com/album/anthology-mw0000379092

VA • Hammond Funk #2

Selection by / Compilado por:
http://funky16corners.com/

Sonny Phillips,  Lonnie Smith,  Leon Spencer,  Charles Earland,  Houston Person,  Shirley Scott,   Brother Jack McDuff,  Jimmy McGriff ...

 

Lou Donaldson • Say it Loud

 

loudonaldson.com ...

 

 

VA • Kickin' The 3 The Best Of Organ Trio Jazz

The 13 performances on this 1997 CD sampler features a variety of the top jazz organists of the previous 40 years on selections (all easily available elsewhere) leased from Telarc, Fantasy, Sony, Polygram, Blue Note and Minor Music. However, although the music is reasonably enjoyable, the poor documentation (no personnel listing or dates) is inexcusable. If one wonders who a particular guitar or saxophone soloist might be, they can keep on wondering or do their own research. Obviously, this release is primarily for the casual listener who simply desires some grooving background music. Heard from are Jimmy McGriff (teaming up with altoist Hank Crawford), Charles Earland, Joey DeFrancesco, Jimmy Smith, Lonnie Smith, Larry Goldings, Richard "Groove" Holmes (his hit version of "Misty"), Johnny "Hammond" Smith, Brother Jack McDuff, Medeski, Martin & Wood, Larry Young, Don Patterson and Will Bouleware. ~Review by Scott Yanow

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Las 13 actuaciones de este CD de 1997 presentan una variedad de los mejores organistas de jazz de los últimos 40 años en selecciones (todas fácilmente disponibles en otros lugares) arrendadas a Telarc, Fantasy, Sony, Polygram, Blue Note y Minor Music. Sin embargo, aunque la música es razonablemente agradable, la escasa documentación (sin lista de personal ni fechas) es inexcusable. Si uno se pregunta quién puede ser un solista de guitarra o saxofón en particular, puede seguir preguntándose o hacer su propia investigación. Obviamente, este lanzamiento es principalmente para el oyente ocasional que simplemente desea algo de música de fondo. Se ha escuchado a Jimmy McGriff (en equipo con el altoista Hank Crawford), Charles Earland, Joey DeFrancesco, Jimmy Smith, Lonnie Smith, Larry Goldings, Richard "Groove" Holmes (su versión de éxito de "Misty"), Johnny "Hammond" Smith, Brother Jack McDuff, Medeski, Martin & Wood, Larry Young, Don Patterson y Will Bouleware. ~Revisión por Scott Yanow

VA • Signifying! - Funky Organ Grooves from the Big Apple

Review by Richie Unterberger

With 16 songs and 77 minutes of music, this compilation of 1965-71 Hammond organ soul-jazz from the Prestige vaults is not only excellent value, but so well-selected as to rate among the finest soul-jazz compilations. Jack McDuff is the only name that will be immediately familiar to many general listeners; most of the disc is dedicated to lesser-known talents in the same vein, including Johnny "Hammond" Smith, Richard "Groove" Holmes, Charles Earland, and more obscure names like Freddie Roach, Trudy Pitts, Don Patterson, and Leon Spencer. What elevates this above some similar anthologies is the focus upon cuts with really sharp, funky riffs, along with intelligent programming that provides a greater variety than you'll find on most soul-jazz comps. Highlights are hard to isolate in such strong company, but Trudy Pitts' suave run-through of "Take Five," Jack McDuff's propulsive "601 1/2 No. Poplar," Earland's furiously fast-paced "Milestones," and McDuff's incandescent version of "Walk On By" (arranged by Benny Golson) are standouts.

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Reseña de Richie Unterberger

Con 16 canciones y 77 minutos de música, esta compilación de soul-jazz de órgano Hammond de 1965-71 de las bóvedas del Prestige no sólo tiene un valor excelente, sino que está tan bien seleccionada que se encuentra entre las mejores compilaciones de soul-jazz. Jack McDuff es el único nombre que será inmediatamente familiar para muchos oyentes en general; la mayor parte del disco está dedicada a talentos menos conocidos en la misma línea, incluyendo a Johnny "Hammond" Smith, Richard "Groove" Holmes, Charles Earland, y nombres más oscuros como Freddie Roach, Trudy Pitts, Don Patterson y Leon Spencer. Lo que eleva esto por encima de algunas antologías similares es el enfoque en cortes con riffs realmente agudos y funky, junto con una programación inteligente que proporciona una mayor variedad que la que se encuentra en la mayoría de las composiciones de soul-jazz. Es difícil aislar los momentos culminantes en una compañía tan fuerte, pero destacan el suave repaso de Trudy Pitts de "Take Five", el propulsor de Jack McDuff "601 1/2 No. Poplar", el furioso y trepidante "Milestones" de Earland, y la versión incandescente de McDuff de "Walk On By" (arreglada por Benny Golson).

Lou Donaldson • Hot Dog

Artist Biography

Lou Donaldson is an NEA Jazz Master Lou Donaldson, alto saxophonist, recording star and entertainer extraordinaire was born in Badin, North Carolina on November 1, 1926. He is the child of parents, Lucy Wallace Donaldson, mother, and Louis Andrew Donaldson, Sr., father. His mother was a first grade teacher at Badin High School, Musical Director at the school, and a concert pianist who was a graduate of Cheney University. His father was a graduate of Livingstone College, an AME Zion minister, and insurance agent. Lou is the second of 4 children, between older sister Margaret and younger sister Elizabeth and brother William, all of whom ended up involved with music. Lou never studied piano because his mother had a switch that she would crack across the fingers when students missed a note. That turned him completely away from being a pianist. When he was about 9 years old, she heard him singing or humming all of the piano etudes that the students played and she took him aside and told him that he had more musical talent than anyone in the family and that he needed to play some type of instrument. She got a clarinet from the Band Director, Leo Gabriel, at the Alcoa Aluminum Plant Band. Although she knew nothing about the clarinet, she taught him basic music and they used the clarinet book to learn the fingerings and how to play the clarinet. Lou mastered the instrument and this ignited his pursuit of a career in music.

At age 15, Lou matriculated to North Carolina A& T College where he received a Bachelor's of Science degree and joined the marching band playing clarinet. After being drafted into the US Navy in 1945, he played in the Great Lakes Navy Band where, when playing for dances, he would also play the alto saxophone. After going into Chicago several times, he heard of Charlie Parker and, after checking him out, he decided that this was the style of playing he would make his own. Previously he had played like Johnny Hodges, or Tab Smith, or another saxophonist named Pete Brown. Returning from the military back to North Carolina A& T College, he played in the dance band led by Billy Tolles, who was a great saxophonist who played with several groups and with the Sabby Lewis Band during the summer months in Boston. Touring bands, such as Count Basie, Erskine Hawkins, Buddy Johnson, and Andy Kirk—all dance bands, used to come through Greensboro, North Carolina periodically four or five times a year. The students from the school would go down sometimes and sit in with the bands, all of which prompted the musicians in the band to tell them to come to New York. Lou never did go to New York then because he was also playing baseball which he loved dearly. But Illinois Jacquet came through with a tremendous band and Lou sat in with this band. The drummer was Poppa Joe Jones who, without any reservations, told Lou to come to New York and checked him in his hotel behind the Apollo Theater. Also, there was an Army band stationed in Greensboro that had several musicians of note: James Moody, Dave Burns, Joe Gale, and Walter Fuller and they insisted that Lou go to New York to establish himself as a musician. They assured him he would be welcomed and that he would be able to “cut the mustard”. Taking this advice, Lou went to New York in 1950 or late 49. Being a GI and a Veteran he enrolled in the Darrow Institute of Music, which was a GI school, and was paid a monthly stipend so that he could survive. While at the school, he played many small clubs in Harlem where he lived at 127th Street and 8th Avenue with his new wife, Maker. Maker was his longtime sweetheart from North Carolina and remained his wife and business partner for 56 years until her death in 2006. Together they raised two children—Lydia, deceased, who was a nurse and educational recruiter, and Dr. E. Carol Webster, clinical psychologist and author who resides in Fort Lauderdale and who, along with husband Charles, founded the African American Success Foundation that Lou very happily supports each year by doing a Jazz Benefit.

Once he moved to New York, Lou worked weekends in Jersey with Dud Bascomb's band. One night while working at Minton's Playhouse—the famous jazz club, he was approached by Alfred Lyons of Blue Note Records to make a recording and he suggested that Lou make a Charlie Parker- type recording which he did with the Milt Jackson Quartet. At that time, it was Milt Jackson, Percy Heath, John Lewis, and Kenny Clark. Later on this group would be called the Modern Jazz Quartet. The record was successful and the company asked him to make a record on his own and this is why he's most proud of his time at Blue Note Records— because this date started a career for him that actually made him bring several musicians to Blue Note Records and today he's very proud to have been the first to record these musicians— Horace Silver, Clifford Brown, Grant Green, John Patton, Blue Mitchell, Donald Byrd, Horace Parlan, Tommy Turrentine, Al Harewood, George Tucker, Jameel Nasser, and Curtis Fuller—with his group at Blue Note Records. Lou brought Gene Harris and the 3 Sounds from Washington DC to New York to record with him on the famous album called LD Plus 3 which was a big hit. His most famous group was Herman Foster on piano, Ray Baretto on conga, Peck Morrison on bass, and Dave Bailey on drums, which was the best move he made during his tenure on the label. This group recorded the famous record which is still selling today, Blues Walk—and on the back side, The Masquerade is Over. This solo is dearly considered by many disc jockeys as one of the top alto solos of all times and, along with Blues Walk, was used by many as a theme song. Another album Lou is very proud of is Lush Life, recorded for Blue Note with Duke Pearson as arranger and producer, that had several musicians who later become famous ?” Freddy Hubbard, on trumpet, Wayne Shorter on tenor saxophone, Pepper Adams on baritone saxophone, Al Harewood on drums, McCoy Tyner on piano, Jerry Dodgin on alto saxophone, Garnet Brown on trombone, and Ron Carter on bass.

After this recording, there was a big demand for Lou in Europe and he started to tour through the Wim Wigt Agency out of Wageningen, Holland in the Netherlands with his group—Herman Foster, piano, Nat Yarborough, drums, Jeff Fuller, bass, and Lou on alto saxophone —very successfully for years. Many dates and many records in between, he finally met the great Jimmy Smith and was prominent on the record, The Sermon. He often told Jimmy that his solo on that record made Jimmy famous. The organ sound was so powerful and commercial that he started making organ records. In 1968 he recorded, Alligator Boogaloo with Dr. Lonnie Smith on the organ, George Benson on guitar, Melvin Lasky on trumpet, Idris Mohammed (Leo Morris) on drums which was a hit record. It stayed on the Best Selling Billboard chart for 52 weeks, and put Lou into a good position musically and financially. He then continued to make these type of records with the great Charles Earland, the great Leon Spencer, Jr. Billy Gardner and Baby Face Willette. Then Lou began to sing blues and luckily came up with a big hit called Whiskey Drinkin' Woman, recorded on Wim Wigt's label, Timeless Records, that is still in great demand every time he plays a set.

In the mid 60's, Lou furthered his success as a musician and businessman. He set up his own tour of clubs—which was no easy feat in those days. Beginning in Rochester, NY, then to Buffalo, NY, and on to Pittsburgh, Pa.—where he worked two great clubs: Birdie's and Crawford Grill, then would head to Cleveland. All of these clubs were like two week stands and they weren't too far for Lou to drive because at that time he would have to carry an organ which he put on a U-Haul trailer. These places he booked and he would call ahead and keep booking so thathe could get more work and stay on the road. After Cleveland he would go to Columbus, right on the campus of Ohio State where one of his best friends, Warren Stephens, had a club—the Sacred Mushroom. Stephens also was an agent with the Ruth Bowen Agency and helped Lou get some gigs. Then Lou would move on to Dayton, Ohio to another club called Jilly's. Then onto Cincinnati, a few miles away from Dayton he would play two clubs—Babe Baker's and the Modern Jazz Room. From Cincinnati was another short jump to Louisville, Kentucky to the big club the Idle Hour. From there Lou would take old US 50 to Old St. Louis to the Riviera Club, the Gaslight Square Club, and a very famous club called Georgie's. Then he would head 7 miles away across the river to East St. Louis to the Blue Note Club owned by Leo Gooden, a good friend of his, where he met Oliver Nelson and recorded a great album that Oliver arranged for him called Rough House Blues.

After St Louis, Lou would drive a couple of hundred more miles to Kansas City where he worked the Blue Room on 18th and Vine—the very famous street in Kansas City, and several clubs for well known club owner Jimmy Willis. Then he would head into Wichita to Bill Reeves' Steakhouse where all the food was free so the band had a nice stay for two weeks. Then from there, Lou was on to Tulsa, Oklahoma to the Twilight club, which was on a mountain overlooking Tulsa, for good friend Lloyd Williams, and then on to Dallas where the band worked 3 or 4 clubs, such as Lark Club owned by Chuck Banks. But the most prominent one was Magruder's. Then Lou would work a nice club in Fort Worth, the Blue Flamingo, which was about 40 to 50 miles from there, and then would put a long set together and go all the way to Los Angeles, California and work the It Club, run by a famous promoter named John T McClain. Lou also worked the Zebra Lounge on that famous avenue that a lot of people don't like to talk about anymore, Central Avenue. Then the band went up to San Francisco and Oakland to play a club named Mister Major's. After the band had a chance to rest, Lou started the long trip back to New York by stopping in Colorado at Basin Street West and also another club in Denver called the KC Lounge. Coming back over the top, the band dropped into Chicago where most of the time Lou worked for a good friend, Joe Segal who had a club named the Jazz Showcase which Lou worked for many years, which is still there. He also worked two very good clubs— McKee's Lounge and had some one nighters at the Persian Ballroom on 63rd and Cottage Grove. Then Lou would take the next trip coming back toward New York to Detroit where he'd work Baker's Lounge, a very famous club still there, and also the Blue Note Club which was owned by a good friend, Clarence Eddings. After Detroit, the band typically deadheaded straight across to play Cleveland one more time in another place called Leo's Casino which was at 55th and Central in Cleveland, and also Corner Tavern, then owned by Don King. The band would come back and play another place in Pittsburgh and then come across the Pennsylvania Turnpike to Philly to play the Blue Note on Ridge Avenue, Club Harlem, and a few more. Then Lou would drive the 90 miles back to New York.

Lou is most proud of this tour because several other bands would call him during these years and he would give them the scheme of the clubs so they could also book them and play there. Sometimes he would be called by big promoters and people booking other groups to put their bands in these clubs because they didn't even know where these clubs were. Jack Whittemore, Miles Davis' manager, was famous for calling Lou to try to get Miles into some of these clubs even though they were so-called “ghetto clubs” because they were in poorer neighborhoods and Lou didn't know whether the great fans who frequented these clubs would relate to the groups that Miles, John Coltrane, and these types of musicians had. But Lou told them anyway and some got work in these clubs because of his help. Lou also remembers getting John Coltrane one of his first gigs in a place called Vernon's which was in New Orleans, Louisiana—and was also on Louisiana Avenue—and the manager was not too happy with the group. Also the Judge's Chamber in East St. Louis, Illinois where Lou had to talk the guy into paying Coltrane enough money to get him back to New York because he was unsatisfied with the group and was not going to pay up the money. These were the types of things even the great musicians had to face, but Lou eventually convinced the club to do the right thing and this got Coltrane back to New York.

During these memorable years, Lou had four distinct groups that he would use for the organ sound: one group was John Patton on organ, Bill Hardman on trumpet, Grant Green on guitar, and Ben Dixon on drums. Another group was Lonnie Smith on organ, Billy Kaye on drums, Mark Elf on guitar—and sometimes Melvin Sparks on guitar, and Joe Dukes on drums—the greatest organ drummer of all times. Later he had another group with Caesar Frazier on organ, Eric Johnson on guitar, and Billy Kaye on drums with Sweet Lou on alto. Another of Lou's groups had Charles Earland on organ, Jimmy Ponder on guitar, Blue Mitchell on trumpet, and Idris Muhammad on drums. These groups played mostly the so- called “ghetto clubs” where the fans really got into their music and sometimes they were booked even for dancing. It was a very successful set up and several other people like Hank Crawford, Jack McDuff, Groove Holmes, Sonny Stitt, and even Dizzy found out about these clubs and had a good run following this idea. Later in the ‘80's, Lou began to go to Europe again touring most of the countries playing jazz festivals and one nighters and even today remains in demand for these types of jobs when he's able to do them. He has continued to play in between commercial and jazz music—sort of modified in places where the avante garde or what is called ultra modern—might run into some problems with the audience. Using this system, he has survived and continues to work as much as he possibly can at his age. This octogenarian has to space his appearances to suit his health and availability. He works locally in New York, his home town, twice a year at the Village Vanguard and twice a year and the Birdland Club, as well as many jazz festivals, concerts, and one nighters throughout the country and around the world. He is very proud of his current group that boasts the musical excellence of Randy Johnston on guitar, Akiko Tsuruga on organ, Fukushi Tainaka on drums along with Lou on alto sax.

Lou was awarded the honorary Doctorate of Letters by North Carolina A& T University and a scholarship was established in his name that is awarded to the most gifted jazz musician at North Carolina A&T University each year. He was inducted into the International Jazz Hall of Fame and is the recipient of countless other honors and awards for his outstanding contributions to jazz.

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Biografía del artista

Lou Donaldson es un maestro del jazz de NEA Lou Donaldson, saxofonista alto, estrella de la grabación y artista extraordinario que nació en Badin, Carolina del Norte el 1 de noviembre de 1926. Es hijo de los padres, Lucy Wallace Donaldson, madre, y Louis Andrew Donaldson, padre. Su madre era profesora de primer grado en Badin High School, Directora Musical en la escuela, y concertista de piano graduada de la Universidad de Cheney. Su padre se graduó de Livingstone College, ministro de AME Zion y agente de seguros. Lou es el segundo de 4 hijos, entre su hermana mayor Margaret y su hermana menor Elizabeth y su hermano William, todos los cuales terminaron involucrados con la música. Lou nunca estudió piano porque su madre tenía un interruptor que se rompía entre los dedos cuando los estudiantes perdían una nota. Eso le hizo dejar de ser pianista. Cuando tenía unos 9 años, ella lo escuchó cantar o tararear todos los estudios de piano que tocaban los estudiantes y lo llevó aparte y le dijo que tenía más talento musical que nadie en la familia y que necesitaba tocar algún tipo de instrumento. Obtuvo un clarinete del director de la banda, Leo Gabriel, en la Alcoa Aluminum Plant Band. Aunque ella no sabía nada sobre el clarinete, le enseñó música básica y usaron el libro de clarinete para aprender las digitaciones y cómo tocar el clarinete. Lou dominó el instrumento y esto encendió su búsqueda de una carrera en la música.

A la edad de 15 años, Lou se matriculó en el North Carolina A&T College donde recibió su licenciatura en Ciencias y se unió a la banda tocando clarinete. Después de ser reclutado en la Marina de los Estados Unidos en 1945, tocó en la Banda de la Marina de los Grandes Lagos donde, cuando tocaba para los bailes, también tocaba el saxofón alto. Después de ir a Chicago varias veces, oyó hablar de Charlie Parker y, después de comprobarlo, decidió que este era el estilo de juego que se haría suyo. Anteriormente había tocado como Johnny Hodges, o Tab Smith, u otro saxofonista llamado Pete Brown. Al regresar del ejército al North Carolina A&T College, tocó en la banda de baile liderada por Billy Tolles, quien fue un gran saxofonista que tocó con varios grupos y con la Sabby Lewis Band durante los meses de verano en Boston. Las bandas de gira, como Count Basie, Erskine Hawkins, Buddy Johnson, y Andy Kirk-todas las bandas de baile, solían venir a Greensboro, Carolina del Norte periódicamente cuatro o cinco veces al año. Los estudiantes de la escuela bajaban a veces y se sentaban con las bandas, lo que impulsaba a los músicos de la banda a decirles que vinieran a Nueva York. Lou nunca fue a Nueva York porque también jugaba al béisbol, algo que le encantaba. Pero Illinois Jacquet llegó con una banda tremenda y Lou se sentó con ella. El baterista fue Poppa Joe Jones quien, sin ninguna reservación, le dijo a Lou que viniera a Nueva York y lo registrara en su hotel detrás del Apollo Theater. Además, había una banda del Ejército estacionada en Greensboro que tenía varios músicos destacados: James Moody, Dave Burns, Joe Gale y Walter Fuller e insistieron en que Lou fuera a Nueva York para establecerse como músico. Le aseguraron que sería bienvenido y que podría "cortar la mostaza". Siguiendo este consejo, Lou fue a Nueva York en 1950 o a finales de los 49. Siendo un soldado y veterano, se inscribió en el Darrow Institute of Music, que era una escuela de soldados, y se le pagó un estipendio mensual para que pudiera sobrevivir. Mientras estaba en la escuela, tocaba en muchos clubes pequeños en Harlem, donde vivía en la calle 127 y la 8ª Avenida con su nueva esposa, Maker. Maker fue su novia de toda la vida desde Carolina del Norte y siguió siendo su esposa y socia de negocios durante 56 años hasta su muerte en 2006. Juntos criaron a dos hijos: Lydia, fallecida, que era enfermera y reclutadora educativa, y la Dra. E. Carol Webster, psicóloga clínica y autora que reside en Fort Lauderdale y que, junto con su esposo Charles, fundó la Fundación Afroamericana de Éxito, a la que Lou apoya muy felizmente todos los años haciendo un Jazz Benefit.

Una vez que se mudó a Nueva York, Lou trabajó los fines de semana en Jersey con la banda de Dud Bascomb. Una noche, mientras trabajaba en el Playhouse de Minton -el famoso club de jazz-, Alfred Lyons, de Blue Note Records, le propuso hacer una grabación y le sugirió a Lou que hiciera una grabación del tipo de Charlie Parker, lo que hizo con el Milt Jackson Quartet. En ese momento, eran Milt Jackson, Percy Heath, John Lewis y Kenny Clark. Más tarde este grupo se llamaría Modern Jazz Quartet. El disco fue un éxito y la compañía le pidió que grabara un disco por su cuenta y es por eso que está más orgulloso de su tiempo en Blue Note Records - porque esta fecha comenzó una carrera para él que le hizo traer a varios músicos a Blue Note Records y hoy está muy orgulloso de haber sido el primero en grabar a estos músicos - Horace Silver, Clifford Brown, Grant Green, John Patton, Blue Mitchell, Donald Byrd, Horace Parlan, Tommy Turrentine, Al Harewood, George Tucker, Jameel Nasser y Curtis Fuller, con su grupo en Blue Note Records. Lou trajo a Gene Harris y los 3 sonidos de Washington DC a Nueva York para grabar con él en el famoso álbum LD Plus 3 que fue un gran éxito. Su grupo más famoso fue Herman Foster al piano, Ray Baretto a la conga, Peck Morrison al bajo y Dave Bailey a la batería, que fue el mejor movimiento que hizo durante su mandato en el sello. Este grupo grabó el famoso disco que se sigue vendiendo hoy en día, Blues Walk-y en el reverso, The Masquerade is Over. Este solo es considerado por muchos disc-jockeys como uno de los mejores solos de contralto de todos los tiempos y, junto con Blues Walk, fue utilizado por muchos como tema principal. Otro álbum del que Lou está muy orgulloso es Lush Life, grabado para Blue Note con Duke Pearson como arreglista y productor, que tuvo varios músicos que más tarde se hicieron famosos?" Freddy Hubbard, en trompeta, Wayne Shorter en saxo tenor, Pepper Adams en saxo barítono, Al Harewood en batería, McCoy Tyner en piano, Jerry Dodgin en saxo alto, Garnet Brown en trombón y Ron Carter en bajo.

Después de esta grabación, hubo una gran demanda de Lou en Europa y comenzó a hacer giras por la Wim Wigt Agency en Wageningen, Holanda, con su grupo -Herman Foster, piano, Nat Yarborough, batería, Jeff Fuller, bajo y Lou en saxofón alto- con mucho éxito durante años. Muchas fechas y muchos discos en el medio, finalmente conoció al gran Jimmy Smith y fue prominente en el disco, El Sermón. A menudo le decía a Jimmy que su solo en ese disco le hacía famoso. El sonido del órgano era tan poderoso y comercial que comenzó a hacer discos de órgano. En 1968 grabó Alligator Boogaloo con el Dr. Lonnie Smith al órgano, George Benson a la guitarra, Melvin Lasky a la trompeta, Idris Mohammed (Leo Morris) a la batería, que fue un disco de éxito. Permaneció en la lista de los más vendidos durante 52 semanas, y puso a Lou en una buena posición musical y financiera. Luego continuó haciendo este tipo de discos con el gran Charles Earland, el gran Leon Spencer, Jr. Billy Gardner y Cara de Bebé Willette. Luego Lou comenzó a cantar blues y afortunadamente se le ocurrió un gran éxito llamado Whiskey Drinkin' Woman, grabado en el sello de Wim Wigt, Timeless Records, que sigue siendo muy solicitado cada vez que toca un set.

A mediados de los años 60, Lou amplió su éxito como músico y hombre de negocios. Organizó su propia gira de clubes, lo que no fue tarea fácil en aquellos días. Comenzando en Rochester, NY, luego en Buffalo, NY, y luego en Pittsburgh, Pa.-donde trabajó en dos grandes clubes: Birdie's y Crawford Grill, luego se dirigían a Cleveland. Todos estos clubes eran como stands de dos semanas y no estaban muy lejos para que Lou condujera porque en ese momento tendría que llevar un órgano que puso en un remolque de U-Haul. Estos lugares los reservaba y llamaba con anticipación y los seguía reservando para que pudiera conseguir más trabajo y mantenerse en la carretera. Después de Cleveland se iba a Columbus, justo en el campus de Ohio State, donde uno de sus mejores amigos, Warren Stephens, tenía un club: el Sacred Mushroom. Stephens también era agente de la Agencia Ruth Bowen y ayudó a Lou a conseguir algunos conciertos. Luego Lou se mudaría a Dayton, Ohio, a otro club llamado Jilly's. Luego, en Cincinnati, a pocos kilómetros de Dayton, tocaba en dos clubes: Babe Baker's y Modern Jazz Room. De Cincinnati fue otro salto corto a Louisville, Kentucky al gran club de la hora de descanso. Desde allí Lou llevaría la vieja US 50 a Old St. Louis al Riviera Club, al Gaslight Square Club y a un club muy famoso llamado Georgie's. Louis al Blue Note Club propiedad de Leo Gooden, un buen amigo suyo, donde conoció a Oliver Nelson y grabó un gran álbum que Oliver arregló para él llamado Rough House Blues.

Después de St. Louis, Lou conduciría un par de cientos de millas más hasta Kansas City, donde trabajó en el Blue Room de la calle 18 y Vine-la famosa calle de Kansas City, y en varios clubes para el conocido dueño del club, Jimmy Willis. Luego se dirigía a Wichita a Bill Reeves's Steakhouse donde toda la comida era gratis, así que la banda tuvo una agradable estancia durante dos semanas. Luego de ahí, Lou fue a Tulsa, Oklahoma al club Twilight, que estaba en una montaña con vistas a Tulsa, para el buen amigo Lloyd Williams, y luego a Dallas, donde la banda trabajaba en 3 o 4 clubes, como Lark Club, propiedad de Chuck Banks. Pero la más prominente era la de Magruder. Luego Lou trabajaría en un bonito club en Fort Worth, el Blue Flamingo, que estaba a unas 40 a 50 millas de allí, y luego armaría un largo set e iría hasta Los Ángeles, California y trabajaría en el It Club, dirigido por un famoso promotor llamado John T McClain. Lou también trabajó en el Zebra Lounge en esa famosa avenida de la que a mucha gente ya no le gusta hablar, Central Avenue. Luego la banda fue a San Francisco y Oakland a tocar en un club llamado Mister Major's. Después de que la banda tuvo la oportunidad de descansar, Lou comenzó el largo viaje de regreso a Nueva York parando en Colorado en Basin Street West y también en otro club en Denver llamado KC Lounge. Volviendo a la cima, la banda cayó en Chicago, donde la mayor parte del tiempo Lou trabajaba para un buen amigo, Joe Segal, que tenía un club llamado Jazz Showcase, en el que Lou trabajó durante muchos años, y que todavía está allí. También trabajó en dos clubes muy buenos - McKee's Lounge y tuvo algunos noctámbulos en el Persian Ballroom en la 63 y Cottage Grove. Luego Lou haría el siguiente viaje volviendo a Nueva York a Detroit donde trabajaría en Baker's Lounge, un club muy famoso que aún existe, y también en el Blue Note Club que era propiedad de un buen amigo, Clarence Eddings. Después de Detroit, la banda se dirigió directamente a Cleveland para tocar una vez más en otro lugar llamado Leo's Casino, que estaba en la calle 55 y Central en Cleveland, y también en Corner Tavern, entonces propiedad de Don King. La banda regresaba y tocaba en otro lugar en Pittsburgh y luego se cruzaba con el Pennsylvania Turnpike a Filadelfia para tocar el Blue Note en Ridge Avenue, el Club Harlem, y unos cuantos más. Entonces Lou conduciría las 90 millas de regreso a Nueva York.

Lou está muy orgulloso de esta gira porque varias otras bandas lo llamarían durante estos años y les daría el esquema de los clubes para que ellos también los reservaran y tocaran allí. A veces lo llamaban los grandes promotores y la gente que contrataba a otros grupos para que pusieran sus bandas en estos clubes porque ni siquiera sabían dónde estaban estos clubes. Jack Whittemore, el manager de Miles Davis, era famoso por llamar a Lou para tratar de meter a Miles en algunos de estos clubes a pesar de que eran los llamados "ghetto clubs" porque estaban en barrios pobres y Lou no sabía si los grandes fans que frecuentaban estos clubes se relacionarían con los grupos que Miles, John Coltrane y este tipo de músicos tenían. Pero Lou se lo dijo de todos modos y algunos consiguieron trabajo en estos clubes gracias a su ayuda. Lou también recuerda haberle conseguido a John Coltrane uno de sus primeros conciertos en un lugar llamado Vernon's que estaba en Nueva Orleans, Louisiana, y también en Louisiana Avenue, y el gerente no estaba muy contento con el grupo. Louis, Illinois, donde Lou tuvo que convencer al tipo para que le pagara a Coltrane suficiente dinero para que regresara a Nueva York porque no estaba satisfecho con el grupo y no iba a pagar el dinero. Este era el tipo de cosas que incluso los grandes músicos tenían que enfrentar, pero Lou finalmente convenció al club de que hiciera lo correcto y esto hizo que Coltrane regresara a Nueva York.

Durante estos años memorables, Lou tenía cuatro grupos distintos que utilizaría para el sonido del órgano: un grupo era John Patton en el órgano, Bill Hardman en la trompeta, Grant Green en la guitarra, y Ben Dixon en la batería. Otro grupo fue Lonnie Smith al órgano, Billy Kaye a la batería, Mark Elf a la guitarra-y a veces Melvin Sparks a la guitarra, y Joe Dukes a la batería-el mejor baterista de órgano de todos los tiempos. Más tarde tuvo otro grupo con Caesar Frazier al órgano, Eric Johnson a la guitarra, y Billy Kaye a la batería con Sweet Lou a la contralto. Otro de los grupos de Lou tenía a Charles Earland al órgano, Jimmy Ponder a la guitarra, Blue Mitchell a la trompeta e Idris Muhammad a la batería. Estos grupos tocaban sobre todo en los llamados "ghetto clubs", donde los aficionados se metían de lleno en su música y a veces se les reservaba incluso para bailar. Fue un montaje muy exitoso y otras personas como Hank Crawford, Jack McDuff, Groove Holmes, Sonny Stitt, e incluso Dizzy se enteraron de estos clubes y tuvieron una buena racha siguiendo esta idea. Más tarde, en los años 80, Lou comenzó a ir a Europa de nuevo de gira por la mayoría de los países tocando en festivales de jazz y en noches, y aún hoy en día sigue teniendo demanda para este tipo de trabajos cuando es capaz de hacerlo. Ha seguido tocando entre la música comercial y el jazz, algo así como modificada en lugares donde la vanguardia o lo que se llama ultramoderno podría tener problemas con el público. Usando este sistema, ha sobrevivido y continúa trabajando tanto como puede a su edad. Este octogenario tiene que espaciar sus apariciones para adaptarse a su salud y disponibilidad. Trabaja localmente en Nueva York, su ciudad natal, dos veces al año en el Village Vanguard y dos veces al año en el Birdland Club, así como en muchos festivales de jazz, conciertos y fiestas nocturnas en todo el país y en todo el mundo. Está muy orgulloso de su actual grupo que cuenta con la excelencia musical de Randy Johnston a la guitarra, Akiko Tsuruga al órgano, Fukushi Tainaka a la batería y Lou al saxo alto.

Lou recibió el Doctorado Honorario en Letras de la Universidad A&T de Carolina del Norte y se estableció una beca en su nombre que se otorga cada año al músico de jazz más talentoso de la Universidad A&T de Carolina del Norte. Fue admitido en el Salón de la Fama del Jazz Internacional y ha recibido innumerables otros honores y premios por sus destacadas contribuciones al jazz.

https://musicians.allaboutjazz.com/loudonaldson

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Lou Donaldson • Blue Breakbeats

 

 

Review by arwulf arwulf
Back in 1998, Blue Note came out with a series of little 35- to 45-minute "Breakbeats" samplers taken from the thick, rich catalogs of Bobbi Humphrey, Grant Green, Reuben Wilson, Lee Morgan, Donald Byrd, and Lou Donaldson. What you get on this particular volume are six very enjoyable examples of Lou Donaldson's best jazz-funk grooves harvested from the golden formative years of this well-loved style (1963-1970). The collective personnel is pretty wicked, and includes Blue Mitchell, Melvin Sparks, Grant Green, Charles Earland, and Idris Muhammad. As usual, the background for the music is way bigger and runs much deeper than many folks realize. Anyone who has gone back and assessed Donaldson's entire career knows that he was one of the few alto players who didn't switch to tenor in the shadow of Charlie Parker during the 1950s. Donaldson's chops were always as formidable as Bird's or Earl Bostic's, James Moody's or Cannonball Adderley's. His recorded legacy is a lot more diverse than you would imagine if all you went by were the funky tracks that have since been lucratively "legitimated" by the recording industry in response to the sampling habits of a whole generation of DJ mixologists. Not to complain -- it's very cool that Lou Donaldson's funk-jazz is getting reissued and is being enjoyed by people young enough to be his great-grandchildren. It's just that it would be awfully nice if more people were aware of the considerable stylistic range of his music. The root system of these "Breakbeats" exists in the amazing and to some extent overlooked records that Lou Donaldson made between 1952 and 1963. For maximum enjoyment and fulfillment, get some context for the funk and you'll enjoy it like never before. https://www.allmusic.com/album/blue-breakbeats-mw0000038952

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Reseña de arwulf arwulf
En 1998, Blue Note sacó una serie de pequeños samplers de «Breakbeats» de entre 35 y 45 minutos extraídos de los nutridos catálogos de Bobbi Humphrey, Grant Green, Reuben Wilson, Lee Morgan, Donald Byrd y Lou Donaldson. Lo que se obtiene en este volumen en particular son seis ejemplos muy agradables de los mejores ritmos jazz-funk de Lou Donaldson cosechados en los años dorados de formación de este estilo tan querido (1963-1970). El elenco de músicos es de lo mejor, e incluye a Blue Mitchell, Melvin Sparks, Grant Green, Charles Earland e Idris Muhammad. Como de costumbre, el trasfondo de la música es mucho más amplio y profundo de lo que muchos creen. Cualquiera que haya repasado la carrera de Donaldson sabe que fue uno de los pocos contraltos que no se pasó al tenor a la sombra de Charlie Parker en la década de 1950. Las habilidades de Donaldson siempre fueron tan formidables como las de Bird, Earl Bostic, James Moody o Cannonball Adderley. Su legado discográfico es mucho más diverso de lo que cabría imaginar si sólo nos guiáramos por los temas funky que desde entonces han sido lucrativamente «legitimados» por la industria discográfica en respuesta a los hábitos de muestreo de toda una generación de DJ mixólogos. No es por quejarme: está muy bien que se reedite el funk-jazz de Lou Donaldson y que lo disfruten personas lo bastante jóvenes como para ser sus bisnietos. Sólo que estaría muy bien que más gente fuera consciente del considerable abanico estilístico de su música. La raíz de estos «Breakbeats» se encuentra en los increíbles y hasta cierto punto olvidados discos que Lou Donaldson grabó entre 1952 y 1963. Para disfrutar y realizarse al máximo, conozca un poco el contexto del funk y lo disfrutará como nunca. https://www.allmusic.com/album/blue-breakbeats-mw0000038952

 

Charles Earland • Soul Story

Biography

Charles Earland came into his own at the tail end of the great 1960s wave of soul-jazz organists, gaining a large following and much airplay with a series of albums for the the Prestige label.

While heavily indebted to Jimmy Smith and Jimmy McGriff, Earland came armed with his own swinging, technically agile, light-textured sound on the keyboard and one of the best walking-bass pedal techniques in the business.

Though not an innovative player in his field, Earland burned with the best of them when he was on.

Earland actually started his musical experiences surreptitiously on his father's alto sax as a kid, and when he was in high school, he played baritone in a band that also featured fellow Philadelphians Pat Martino on guitar, Lew Tabackin on tenor, and yes, Frankie Avalon on trumpet.

After playing in the Temple University band, he toured as a tenor player with McGriff for three years, became infatuated with McGriff's organ playing, and started learning the Hammond B-3 at intermission breaks.

When McGriff let him go, Earland switched to the organ permanently, forming a trio with Martino and drummer Bobby Durham.

He made his first recordings for Choice in 1966, then joined Lou Donaldson for two years (1968-69) and two albums before being signed as a solo artist to Prestige.

Earland's first album for Prestige, 'Black Talk!', became a best-selling classic of the soul-jazz genre; a surprisingly effective cover of the Spiral Starecase's pop / rock hit 'More Today Than Yesterday' from that LP received saturation airplay on jazz radio in 1969.

He recorded eight more albums for Prestige, one of which featured a young unknown Philadelphian named Grover Washington, Jr, then switched to Muse before landing contracts with Mercury and Columbia.

By this time, the organ trio genre had gone into eclipse, and in the spirit of the times, Earland acquired some synthesizers and converted to pop/disco in collaboration with his wife, singer / songwriter Sheryl Kendrick.

There followed a succession of successful jazz / soul / funk albums including 'Odyssey' in 1976, featuring 'Intergalactic Love Song', 'The Great Pyramid', featuring 'Driftin' and perhaps his best remembered album from this period 'Revelation', featuring the Randy Muller (Brass Construction) produced 'Let The Music Play'.

He moved into the Eighties with 'Coming To You Live' featuring 'The Woman In You' and the title track.

There were further CBS outings with 'Street Themes' and 'Earland's Jam'.

In 1983 he released an odd twelve inch single entitled 'It's A Doggie Boogie, Baby', popular on the UK dancefloors.

Sheryl Kendrick's death from sickle-cell anaemia in 1985 left Earland desolate, and he stopped playing for a while, but a gig at the Chickrick House on Chicago's South Side in the late '80's brought him out of his grief and back to the Hammond B-3.

Two excellent albums in the old soul-jazz groove for Milestone followed, and the '90's found him returning to the Muse label.

Earland died of heart failure on December 11th, 1999, the morning after playing a gig in Kansas City, he was 58.

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Biografía

Charles Earland llegó a su apogeo al final de la gran ola de organistas de soul-jazz de los años sesenta, ganando un gran número de seguidores y mucha difusión con una serie de álbumes para el sello Prestige.

Mientras estaba muy endeudado con Jimmy Smith y Jimmy McGriff, Earland llegó armado con su propio sonido de swing, técnicamente ágil y de textura ligera en el teclado y una de las mejores técnicas de pedaleo de bajo en el negocio.

Aunque no era un jugador innovador en su campo, Earland se quemó con los mejores cuando estaba en el equipo.

Earland comenzó sus experiencias musicales subrepticiamente en el saxo alto de su padre cuando era niño, y cuando estaba en la escuela secundaria, tocó como barítono en una banda que también contaba con los compañeros de Filadelfia Pat Martino en la guitarra, Lew Tabackin en el tenor, y sí, Frankie Avalon en la trompeta.

Después de tocar en la banda de la Universidad de Temple, viajó como tenor con McGriff durante tres años, se enamoró del órgano de McGriff y comenzó a aprender el Hammond B-3 en los descansos.

Cuando McGriff lo dejó ir, Earland cambió al órgano permanentemente, formando un trío con Martino y el baterista Bobby Durham.

Hizo sus primeras grabaciones para Choice en 1966, luego se unió a Lou Donaldson durante dos años (1968-69) y dos álbumes antes de ser firmado como solista de Prestige.

El primer álbum de Earland para Prestige,'Black Talk', se convirtió en un clásico de gran éxito de ventas del género soul-jazz; una versión sorprendentemente efectiva del éxito pop/rock de Spiral Starecase'More Today Than Yesterday' de ese LP recibió un aire de saturación en la radio de jazz en 1969.

Grabó ocho álbumes más para Prestige, uno de los cuales incluía a un joven desconocido de Filadelfia llamado Grover Washington, Jr, y luego cambió a Muse antes de conseguir contratos con Mercury y Columbia.

Para entonces, el género del trío de órgano había entrado en eclipse, y en el espíritu de los tiempos, Earland adquirió algunos sintetizadores y se convirtió al pop/disco en colaboración con su esposa, la cantante y compositora Sheryl Kendrick.

Siguió una sucesión de exitosos álbumes de jazz, soul y funk, incluyendo'Odyssey' en 1976, con'Intergalactic Love Song','The Great Pyramid', con'Driftin' y quizás su álbum más recordado de este período 'Revelation', con Randy Muller (Brass Construction), producido por'Let The Music Play'.

Se mudó a los ochenta con'Coming To You Live' con'The Woman In You' y el tema que le da título.

Hubo más salidas de CBS con'Street Themes' y'Earland's Jam'.

En 1983 lanzó un extraño single de doce pulgadas titulado'It's A Doggie Boogie, Baby', popular en las pistas de baile del Reino Unido.

La muerte de Sheryl Kendrick por anemia drepanocítica en 1985 dejó a Earland desolado, y dejó de tocar por un tiempo, pero un concierto en la Chickrick House en el South Side de Chicago a finales de los 80 lo sacó de su dolor y lo llevó de vuelta al Hammond B-3.

Dos excelentes álbumes en el viejo ritmo de soul-jazz para Milestone le siguieron, y en los 90's lo encontraron regresando a la disquera Muse.

Earland murió de insuficiencia cardíaca el 11 de diciembre de 1999, la mañana después de tocar en Kansas City, tenía 58 años.