Showing posts with label Jo Jones. Show all posts
Showing posts with label Jo Jones. Show all posts

Saturday, October 3, 2026

Jo Jones • The Jo Jones Special

 



Review by Ron Wynn
This is a first-rate, swing-influenced set, later combined with a second album into the Essential Jo Jones package on Vogue.
https://www.allmusic.com/album/the-jo-jones-special-mw0000870241


This was the first album the man who plays like the wind did as a leader. On four of the numbers he fronted a septet with Nat Pierce on piano. Soloists Benny Green and Emmett Berry are excellent, but if one hornman especially excels here is tenor Lucky Thompson, one of the most unjustly neglected artists in jazz. On the two magnificently robust takes of Shoe Shine Boy, the guest pianist is Count Basie, thereby reuniting, for the first time in eight years, what was the greatest rhythm section in jazz. On Caravan, there were some changes on the line-up of the septet, but throughout all the sides, the uniting personality is Jo, a master of flowingly musical jazz drumming.
https://www.freshsoundrecords.com/jo-jones-albums/4972-the-jo-jones-special.html

///////


Reseña de Ron Wynn
Se trata de un conjunto de primera clase, con influencias del swing, que más tarde se combinó con un segundo álbum en el paquete Essential Jo Jones de Vogue.
https://www.allmusic.com/album/the-jo-jones-special-mw0000870241


Este fue el primer álbum que el hombre que toca como el viento hizo como líder. En cuatro de los temas, encabeza un septeto con Nat Pierce al piano. Los solistas Benny Green y Emmett Berry son excelentes, pero si hay un trompetista que sobresale especialmente aquí es el tenor Lucky Thompson, uno de los artistas más injustamente olvidados del jazz. En las dos magníficas y robustas tomas de Shoe Shine Boy, el pianista invitado es Count Basie, reuniendo así, por primera vez en ocho años, a la que fue la mejor sección rítmica del jazz. En Caravan, hubo algunos cambios en la formación del septeto, pero en todas las caras, la personalidad unificadora es Jo, un maestro de la batería de jazz fluidamente musical.
https://www.freshsoundrecords.com/jo-jones-albums/4972-the-jo-jones-special.html


Saturday, September 26, 2026

Jo Jones • Jo Jones Plus Two

 



Biography by Scott Yanow
Jo Jones shifted the timekeeping role of the drums from the bass drum to the hi-hat cymbal, greatly influencing all swing and bop drummers. Buddy Rich and Louie Bellson were just two musicians who learned from his light but forceful playing, as Jones swung the Count Basie Orchestra with just the right accents and sounds. After growing up in Alabama, Jones worked as a drummer and tap dancer with carnival shows. He joined Walter Page's Blue Devils in Oklahoma City in the late '20s. After a period with Lloyd Hunter's band in Nebraska, Jones moved to Kansas City in 1933, joining Count Basie's band the following year. He went with Basie to New York in 1936 and with Basie, Freddie Green, and Walter Page, he formed one of the great rhythm sections. Jones was with the Basie band (other than 1944-1946 when he was in the military) until 1948, and in later years, he participated in many reunions with Basie alumni. He was on some Jazz at the Philharmonic tours and recorded in the '50s with Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum, and Duke Ellington, among others; Jones appeared at the 1957 Newport Jazz Festival with both Basie and the Coleman Hawkins-Roy Eldridge Sextet. He led sessions for Vanguard (1955 and 1959) and Everest (1959-1960), a date for Jazz Odyssey on which he reminisced and played drum solos (1970), and mid-'70s sessions for Pablo and Denon. In later years he was known as "Papa" Jo Jones, and thought of as a wise if brutally frank elder statesman.
https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography

///////


Biografía de Scott Yanow
Jo Jones desplazó la función cronométrica de la batería del bombo al platillo hi-hat, influyendo enormemente en todos los bateristas de swing y bop. Buddy Rich y Louie Bellson fueron sólo dos de los músicos que aprendieron de su forma de tocar, ligera pero contundente, ya que Jones hacía vibrar a la orquesta de Count Basie con los acentos y sonidos justos. Tras crecer en Alabama, Jones trabajó como batería y bailarín de claqué en espectáculos de carnaval. Se unió a los Blue Devils de Walter Page en Oklahoma City a finales de los años veinte. Tras un periodo con la banda de Lloyd Hunter en Nebraska, Jones se trasladó a Kansas City en 1933, uniéndose a la banda de Count Basie al año siguiente. Se fue con Basie a Nueva York en 1936 y con Basie, Freddie Green y Walter Page formó una de las grandes secciones rítmicas. Jones estuvo con la banda de Basie (aparte de 1944-1946, cuando estuvo en el ejército) hasta 1948 y, en años posteriores, participó en muchas reuniones con antiguos alumnos de Basie. Participó en algunas giras de Jazz at the Philharmonic y grabó en los años 50 con Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum y Duke Ellington, entre otros; Jones apareció en el Festival de Jazz de Newport de 1957 tanto con Basie como con el sexteto Coleman Hawkins-Roy Eldridge. Dirigió sesiones para Vanguard (1955 y 1959) y Everest (1959-1960), una cita para Jazz Odyssey en la que recordó y tocó solos de batería (1970), y sesiones de mediados de los 70 para Pablo y Denon. En sus últimos años se le conocía como "Papa" Jo Jones, y se le consideraba un sabio aunque brutalmente franco anciano.
https://www.allmusic.com/artist/jo-jones-mn0000134722#biography


Wednesday, August 26, 2026

Coleman Hawkins • Bean Stalkin'

 



Review
by Scott Yanow
In contrast to Hawkins's sometimes sleepy studio albums from this era, his live performances were generally quite exciting. This set features the great tenor at two European concerts in 1960, performing three fairly heated numbers with a four-piece rhythm section, matching wits with trumpeter Roy Eldridge on "Crazy Rhythm" and leading two all-star jams with Eldridge, fellow tenor Don Byas and altoist Benny Carter. Some of the music is quite fiery, making this a recommended disc.
https://www.allmusic.com/album/bean-stalkin-mw0000202874

///////


Reseña
por Scott Yanow
En contraste con los álbumes de estudio a veces somnolientos de Hawkins de esta época, sus presentaciones en vivo fueron generalmente bastante emocionantes. Este set presenta al gran tenor en dos conciertos europeos en 1960, interpretando tres números bastante acalorados con una sección rítmica de cuatro piezas, combinando ingenio con el trompetista Roy Eldridge en "Crazy Rhythm" y liderando dos improvisaciones de estrellas con Eldridge, su compañero tenor Don Byas y el altoista Benny Carter. Parte de la música es bastante ardiente, lo que hace de este un disco recomendado.
https://www.allmusic.com/album/bean-stalkin-mw0000202874


Thursday, August 13, 2026

Jo Jones Sextet • Jo Jones Sextet

 



Jo Jones shifted the timekeeping role of the drums from the bass drum to the hi-hat cymbal, greatly influencing all swing and bop drummers. Buddy Rich and Louie Bellson were just two who learned from his light but forceful playing, as Jones swung the Count Basie Orchestra with just the right accents and sounds. After growing up in Alabama, Jones worked as a drummer and tap-dancer with carnival shows. He joined Walter Page's Blue Devils in Oklahoma City in the late '20s. After a period with Lloyd Hunter's band in Nebraska, Jones moved to Kansas City in 1933, joining Count Basie's band the following year. He went with Basie to New York in 1936 and with Count, Freddie Green and Walter Page he formed one of the great rhythm sections. Jones was with the Basie band (other than 1944-46 when he was in the military) until 1948 and in later years he participated in many reunions with Basie alumni. He was on some Jazz at the Philharmonic tours and recorded in the 1950s with Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum and Duke Ellington among others; Jones appeared at the 1957 Newport Jazz Festival with both Basie and the Coleman Hawkins-Roy Eldridge Sextet. Jo Jones led sessions for Vanguard (1955 and 1959) and Everest (1959-60), a date for Jazz Odyssey on which he reminisced and played drum solos (1970) and mid-'70s sessions for Pablo and Denon. In later years he was known as "Papa" Jo Jones and thought of as a wise if brutally frank elder statesman - Scott Yanow -All MUsic Guide

///////


Jo Jones desplazó la función cronométrica de la batería del bombo al platillo hi-hat, influyendo enormemente en todos los bateristas de swing y bop. Buddy Rich y Louie Bellson fueron sólo dos de los que aprendieron de su forma de tocar, ligera pero contundente, mientras Jones hacía vibrar a la orquesta de Count Basie con los acentos y sonidos justos. Tras crecer en Alabama, Jones trabajó como batería y bailarín de claqué en espectáculos de carnaval. Se unió a los Blue Devils de Walter Page en Oklahoma City a finales de los años veinte. Tras un periodo con la banda de Lloyd Hunter en Nebraska, Jones se trasladó a Kansas City en 1933, uniéndose a la banda de Count Basie al año siguiente. Se fue con Basie a Nueva York en 1936 y con Count, Freddie Green y Walter Page formó una de las grandes secciones rítmicas. Jones estuvo con la banda de Basie (aparte de 1944-46, cuando estuvo en el ejército) hasta 1948 y en años posteriores participó en muchas reuniones con antiguos alumnos de Basie. Participó en algunas giras de Jazz at the Philharmonic y grabó en la década de 1950 con Illinois Jacquet, Billie Holiday, Teddy Wilson, Lester Young, Art Tatum y Duke Ellington, entre otros; Jones apareció en el Festival de Jazz de Newport de 1957 tanto con Basie como con el sexteto Coleman Hawkins-Roy Eldridge. Jo Jones dirigió sesiones para Vanguard (1955 y 1959) y Everest (1959-60), una cita para Jazz Odyssey en la que recordó y tocó solos de batería (1970) y sesiones de mediados de los 70 para Pablo y Denon. En sus últimos años se le conocía como "Papa" Jo Jones y se le consideraba un sabio aunque brutalmente franco anciano - Scott Yanow -All MUsic Guide


Friday, June 19, 2026

Art Tatum Sextet • The Legendary 1955 Session

 



"Improbable as it may sound, the sextet was one of the largest groups that Art Tatum ever worked with; it may even be the largest for Tatum, who worked for most of his life with no accompaniment at all, towards the end showed a marked preference for a trio, but rarely ever appeared as one of six. The reasons are easy enough to surmise. Tatum, being a colossus, needed as much room as possible in which to operate, and the more other soloists there were to take solo time and to demand of Tatum the duties of an accompanist, the more Tatum must have felt like a thoroughbred on a light rein. For Tatum, when he worked with other musicians, would sometimes temper his genius with a little tact, for the sake of the cohesion of the performance as well as in deference to the egos of the other musicians involved. Now the listener never cared anything for all this.

Of the supporting musicians, the one with the longest list of battle honors was the founder of the vibes. Lionel Hampton, a musician who, having worked with both Armstrong and Tatum without exhibiting even a flicker of inhibition or loss of nerve, may therefore be said to have done and see everything there was to do and see. Harry Edison, who plays trumpet with Tatum, spent many years in the Basie band, where he perfected a personal manner which consists of paring down the content of every solo to the practical minimum. The rhythm players include Barney Kessel, who was one of the very first musicians to become associated with "Jazz at the Philharmonic", and the Granz recording labels. The drummer, Buddy Rich, is in his own way as remarkable a technical wizard as Tatum himself, although on the Tatum sides the demand for wizardry was limited. Instead Rich laid down a strong, solid beat, assisted by the bass playing of Red Callender." - Benny Green (From the original liner notes)

///////

"Por improbable que parezca, el sexteto fue uno de los grupos más grandes con los que Art Tatum trabajó; incluso puede ser el más grande para Tatum, quien trabajó la mayor parte de su vida sin ningún acompañamiento, hacia el final mostró una marcada preferencia por un trío, pero rara vez apareció como uno de los seis. Las razones son bastante fáciles de adivinar. Tatum, siendo un coloso, necesitaba la mayor cantidad de espacio posible para operar, y cuantos más solistas había para tomarse un tiempo en solitario y exigirle a Tatum los deberes de un acompañante, más Tatum debía haberse sentido como un pura sangre con riendas ligeras. Porque Tatum, cuando trabajaba con otros músicos, a veces templaba su genio con un poco de tacto, en aras de la cohesión de la interpretación, así como por deferencia a los egos de los otros músicos involucrados. Ahora bien, al oyente nunca le importó nada todo esto.

De los músicos de apoyo, el que tenía la lista más larga de honores de batalla era el fundador de the vibes. Lionel Hampton, un músico que, habiendo trabajado con Armstrong y Tatum sin exhibir ni siquiera un parpadeo de inhibición o pérdida de nervios, se puede decir que hizo y vio todo lo que había que hacer y ver. Harry Edison, que toca la trompeta con Tatum, pasó muchos años en la banda Basie, donde perfeccionó una manera personal que consiste en reducir el contenido de cada solo al mínimo práctico. Los músicos rítmicos incluyen a Barney Kessel, quien fue uno de los primeros músicos en asociarse con "Jazz at the Philharmonic", y los sellos discográficos Granz. El baterista, Buddy Rich, es a su manera un mago técnico tan notable como el propio Tatum, aunque en los lados de Tatum la demanda de magia era limitada. En cambio, Rich estableció un ritmo fuerte y sólido, asistido por el bajo de Red Callender."- Benny Green (De las notas originales)


Tracks:
01 - Verve Blues - 12:46
02 - What Is This Thing Called Love? - 7:40
03 - Plaid - 6:41
04 - Somebody Loves Me - 7:14
05 - September Song - 7:05
06 - Deep Purple - 8:02
07 - September Song (78rpm version) - 2:38
08 - What Is This Thing Called Love? (alternate version) - 7:51
09 - What Is This Thing Called Love? (trio version) - 7:03
10 - Trio Blues - 5:06
11 - September Song (trio version) - 3:19


Credits:
    Bass – Red Callender (tracks: 1 to 8, 10), Slam Stewart (tracks: 11)
    Drums – Buddy Rich (tracks: 1 to 9), Jo Jones (tracks: 10)
    Guitar – Barney Kessel (tracks: 1 to 8), Everett Barksdale (tracks: 11)
    Liner Notes – Charles Boldt
    Liner Notes [Original] – Benny Green (2)
    Piano – Art Tatum (tracks: 1 to 11)
    Trumpet – Harry Edison (tracks: 1 to 8)
    Vibraphone – Lionel Hampton (tracks: 1 to 9)

Tracks 1 to 8 Los Angeles, California, September 7, 1955
Bonus tracks
9 Los Angeles, California, August 1, 1955
10 Los Angeles, California, January 26, 1956
11 New York, December 20, 1952

Label:    Essential Jazz Classics – EJC55409
Country:    Europe
Released:    2007
Genre:    Jazz
Style:    Stride
https://www.discogs.com/release/22709951-Art-Tatum-Sextet-The-Legendary-1955-Session

 





This file is intended only for preview!
I ask you to delete the file from your hard drive or device after reading it.
thank for the original uploader






Wednesday, June 17, 2026

Tyree Glenn • At The Embers

 



Biography by Scott Yanow
Tyree Glenn, who had the unusual double of trombone and vibes, was an important asset at various times to both Duke Ellington and Louis Armstrong. Glenn started out working in territory bands in Virginia, then moved to the West Coast, playing with groups headed by Charlie Echols (1936) and Eddie Barefield. After playing with Ethel Waters and Benny Carter, he became a longtime member of the Cab Calloway Orchestra (1939-1946). Glenn visited Europe with Don Redman's big band (1946). During his association with Ellington (1947-1951), he was an effective wah-wah trombonist in the Tricky Sam Nanton tradition and Ellington's only vibraphonist, being well-featured on the "Liberian Suite." During the 1950s, Glenn worked in the studios, led his quartet at the Embers, and freelanced in swing and Dixieland settings. Other than some European dates in 1947, Glenn's only extensive opportunity to record was for Roulette (1957-1958 and 1961-1962). During 1965-1968, he toured the world with Louis Armstrong's All-Stars. After leaving Armstrong, Tyree Glenn led his own group during his last few years.
https://www.allmusic.com/artist/tyree-glenn-mn0000806249/biography


Review by Ken Dryden
This long-forgotten recording session is a rare opportunity to hear trombonist Tyree Glenn as a bandleader, though he is far better known for his work as a valuable sideman with Duke Ellington, Louis Armstrong, and Cab Calloway. The excellent supporting cast includes Hank Jones, trumpeter Harold "Shorty" Baker, guitarist Mary Osborne, bassist Tommy Potter, and drummer Jo Jones. Glenn's memorable muted solo on a snappy take of Mary Lou Williams' "Lonely Moments," Baker's haunting treatment of "What Will I Tell My Heart," and Hank Jones' unforgettable interpretation of the often banal "How High the Moon" are among the many highlights. Glenn switches to vibes for the happy riff tune "Sinbad the Sailor"; he also wrote the lush ballad "After the Rain" (not to be confused with the song of the same name later written by John Coltrane). Like many LPs of the era that imply a live nightclub recording, the lack of audience reaction and extraneous noise indicate that this is a studio session. Out of print for decades, this somewhat rare LP is well worth acquiring.

///////

Biografía de Scott Yanow
Tyree Glenn, que tenía el inusual doble de trombón y vibraciones, fue un activo importante en varios momentos tanto para Duke Ellington como para Louis Armstrong. Glenn comenzó trabajando en bandas de territorio en Virginia, luego se mudó a la costa oeste, tocando con grupos encabezados por Charlie Echols (1936) y Eddie Barefield. Después de tocar con Ethel Waters y Benny Carter, se convirtió en miembro de la Orquesta Cab Calloway (1939-1946). Glenn visitó Europa con la big band de Don Redman (1946). Durante su asociación con Ellington (1947-1951), fue un eficaz trombonista wah-wah en la tradición de Tricky Sam Nanton y el único vibrafonista de Ellington, siendo bien representado en la "Liberian Suite". Durante la década de 1950, Glenn trabajó en los estudios, dirigió su cuarteto en el Embers, y trabajó como freelance en escenarios de swing y Dixieland. Aparte de algunas fechas europeas en 1947, la única oportunidad que tuvo Glenn de grabar fue para Roulette  (1957-1958 y 1961-1962). Durante 1965-1968, recorrió el mundo con las All-Stars de Louis Armstrong. Después de dejar Armstrong, Tyree Glenn dirigió su propio grupo durante sus últimos años.
https://www.allmusic.com/artist/tyree-glenn-mn0000806249/biography


Reseña de Ken Dryden
Esta sesión de grabación tan olvidada es una oportunidad única para escuchar al trombonista Tyree Glenn como líder de banda, aunque es mucho más conocido por su trabajo como un valioso acompañante de Duke Ellington, Louis Armstrong y Cab Calloway. El excelente reparto incluye a Hank Jones, el trompetista Harold "Shorty" Baker, la guitarrista Mary Osborne, el bajista Tommy Potter y el baterista Jo Jones. El memorable y apagado solo de Glenn en una rápida toma de los "Momentos solitarios" de Mary Lou Williams, el inquietante tratamiento de Baker de "Qué le diré a mi corazón" y la inolvidable interpretación de Hank Jones de la a menudo banal "Cuán alta es la luna" son algunos de los muchos puntos destacados. Glenn cambia a las vibraciones para la alegre melodía de riff "Sinbad the Sailor"; también escribió la exuberante balada "After the Rain" (que no debe confundirse con la canción del mismo nombre escrita más tarde por John Coltrane). Como muchos LPs de la época que implican una grabación en vivo en un club nocturno, la falta de reacción de la audiencia y el ruido extraño indican que se trata de una sesión de estudio. Fuera de impresión durante décadas, este LP un tanto raro bien vale la pena adquirirlo.


Sunday, May 24, 2026

Lester Young • Jazz Giants '56

 



Even critics who feel (against the recorded evidence to the contrary) that little of tenor saxophonist Lester Young's postwar playing is at the level of his earlier performances make an exception for this session. Young was clearly inspired by the other musicians (trumpeter Roy Eldridge, trombonist Vic Dickenson, pianist Teddy Wilson, guitarist Freddie Green, bassist Gene Ramey, and drummer Jo Jones), who together made for a very potent band of swing all-stars. The five songs on this album and bonus track, include some memorable renditions of ballads and a fine version of "You Can Depend on Me," but it is the explosive joy of the fiery "Gigantic Blues" that takes honors. This set, a real gem, is highly recommended.

///////

Incluso los críticos que consideran (en contra de la evidencia registrada que indica lo contrario) que poco del saxofonista tenor Lester Young está al nivel de sus actuaciones anteriores, hacen una excepción en esta sesión. Young se inspiró claramente en los otros músicos (el trompetista Roy Eldridge, el trombonista Vic Dickenson, el pianista Teddy Wilson, el guitarrista Freddie Green, el bajista Gene Ramey, y el baterista Jo Jones), que juntos formaron una banda muy potente de estrellas del swing. Las cinco canciones de este álbum y el bonus track, incluyen algunas interpretaciones memorables de baladas y una fina versión de "You Can Depend on Me", pero es la alegría explosiva del ardiente "Gigantic Blues" la que se lleva los honores. Este conjunto, una verdadera joya, es muy recomendable.




Sunday, April 26, 2026

Tyree Glenn • At The London House In Chicago

 

 

Album Notes:
Tyree Glenn is one of those rare artists who manages to convey his own personality through his music. The very essence of his character is in his performances. He is by nature a warm, happy-go-lucky gregarious sort who would prefer to always leave you laughing. This is not to say that Tyree doesn’t have his serious moments, it’s just that by his very make-up he rarely comes upon such moments. This is the nature of the man, and this too is the nature of the artist. His music is smart, light, effervescent, often tongue in check—and always a delight to hear. This collection depicts Tyree’s successful stand at the famed London House in Chicago. For this purpose, Tyree has brought together some of the greatest musicians now playing. Together they mix some old and new favorites with a verve and bounce that belies the fact that some of these songs have been performed many times, by many artists. Tyree’s lightning fast arrangement on the vibes on “Avalon” or his slow, “two beat gut” raucous trombone rendition of “Lonsome Road” are just two examples of Tyree and the group’s sparkling originality with the songs in this set. Tyree Glenn is a personality worth meeting and the best way to meet and know him is to hear him. Whether live at the London House in Chicago, or at your house on the phonograph, Tyree Glenn is always fun and it’s always a pleasure to have him around...

///////


Notas del álbum:
Tyree Glenn es uno de esos raros artistas que consigue transmitir su propia personalidad a través de su música. La esencia misma de su carácter está en sus actuaciones. Es, por naturaleza, un tipo cálido, alegre y gregario que prefiere dejarte siempre riendo. Esto no quiere decir que Tyree no tenga sus momentos serios, sino que, por su propia naturaleza, rara vez se encuentra con esos momentos. Esta es la naturaleza del hombre, y esta también es la naturaleza del artista. Su música es inteligente, ligera, efervescente, a menudo con la lengua en ristre, y siempre es un placer escucharla. Esta colección recoge el exitoso stand de Tyree en la famosa London House de Chicago. Para ello, Tyree ha reunido a algunos de los más grandes músicos que están tocando en la actualidad. Juntos mezclan algunos favoritos antiguos y nuevos con un brío y rebote que desmiente el hecho de que algunas de estas canciones han sido interpretadas muchas veces, por muchos artistas. Los rápidos arreglos de Tyree con el vibráfono en "Avalon" o su lenta y estridente interpretación con el trombón de "Lonsome Road" son sólo dos ejemplos de la chispeante originalidad de Tyree y el grupo con las canciones de este conjunto. Tyree Glenn es una personalidad que merece la pena conocer y la mejor manera de conocerlo es escuchándolo. Ya sea en directo en el London House de Chicago, o en tu casa en el fonógrafo, Tyree Glenn siempre es divertido y siempre es un placer tenerlo cerca...


Saturday, April 11, 2026

Illinois Jacquet • Swing's The Thing

 



 Illinois Jacquet is considered to be one of the most influential tenor saxophonists in the history of jazz music. Born on October 31, 1922, in Broussard, Louisiana, Jean Baptiste Illinois Jacquet, at the age of 19 on the very first recording of his career, spawned an entirely new style and sound for the tenor saxophone. His classic solo on “Flying Home” recorded with the Lionel Hampton Band at Decca Records in New York City, on May 26, 1942, catapulted Jacquet to international fame and the solo became more famous than the song itself. All saxophonists learned to play Jacquet’s solo, every band recorded it, and people all over the world were humming this most famous solo in jazz history.

Two years later, on July 2, 1944, while improvising with Nat King Cole on piano and Les Paul on guitar for a benefit concert at the Philharmonic Auditorium in Los Angeles, California, Jacquet began to play a range of notes he had never played before. With an innovational use of harmonics in a creative impulse Jacquet discovered what would become a permanent expansion of the upper register on the tenor saxophone by two and one-half octaves. He then contrasted these stratospheric notes with sudden punctuations of sound from the lowest notes on the horn, and Jacquet thus gave birth to what was called the honking tenor that became the hallmark of rock and roll and greatly influenced rhythm and blues. In this less than three minute solo, later to be entitled “Philharmonic Blues, Part II”, Jacquet anticipated far into the future and encompassed the blue- print for several generations of saxophonists. This sensational explosive solo created the spark that helped to launch Jazz at the Philharmonic, the entity that took jazz out of night clubs and into concert halls around the world. In addition to knowing how to please the crowd with fiery excitement, Jacquet’s broad spectrum of musicianship allowed him also to carry his listeners into the depths of their being with his soulfully sensitive mastery of the ballad. He continued to be a star attraction with JATP until the final concert in 1957.

Illinois Jacquet grew up on stage, singing and dancing as a small child in front of his father’s territory band in Houston, Texas, the family having moved there from Louisiana before Jacquet was a year old. Formal musical training began in high school on drums and alto saxophone which he played with Milt Larkin’s legendary territory band. Graduation took him to the universities of the Lionel Hampton, Cab Calloway and Count Basie bands. After “Flying Home” with Hampton. he appeared in the film “Stormy Weather” with Calloway. For Basie, he recorded the hits “The King” and “Mutton Leg”; and with his own record-breaking small band he had hits on every major label. For both Aladdin and Apollo, who started in the recording business with Jacquet, he produced a string of hits that quickly elevated them to major record label status.

In the 60’s, Jacquet mastered the bassoon and recorded with it; he traveled and recorded as a trio with Milt Buckner and Jo Jones, and in the late 70’s he worked as a quintet with Slam Stewart on bass and Gray Sargent on guitar. An invitation to lecture to a jazz history class at Harvard University in 1982, led to Illinois Jacquet’s appointment as Kayden Artist-in-Residence in 1983 and 1984, bestowing upon him the honor of becoming the first jazz musician to serve a long-term residency at Harvard. His many subsequent master classes in the ensuing years have earned him the distinction of having visited Harvard more frequently than any other artist in any field.

His Harvard students gave Jacquet the inspiration to form his professional big band in 1983, which he maintained until his death, traveling and performing throughout the United States and Europe. He recorded grammy-award nominated “Jacquet’s Got It” with the band for Atlantic Records in 1987, and Jacquet and the band were the subject of Arthur Elgort’s award-winning documentary, “Texas Tenor, The Illinois Jacquet Story” released in 1991.

The Chestnut Room at The Tavern On The Green became the showcase for The Illinois Jacquet Big Band in the 1990’s attracting people from all over the world and from all walks of life to hear his music.

To commemorate Duke Ellington’s 100th birthday in 1999, Illinois was invited to perform as a featured soloist with the Lincoln Center Jazz Orchestra in the Great Performances documentary, “Swinging with the Duke.” In November 2000, Lincoln Center honored Jacquet by presenting him with its Award for Artistic Excellence, making him the fifth recipient of this distinguished award.

Jacquet celebrated his 80th birthday in 2002, with his Big Band’s performance at the Jazz Standard in New York City. On his 81st birthday, the spirit of Corcovado, which permeates the enchanted city of Rio de Janeiro, Brazil, stole Jacquet's heart. Captivated by the charm and beauty of the birthplace of one of his favorite composers, Antonio Carlos Jobim, and entranced by the enthusiastic adoration of his audience, Jacquet joyfully extended a scheduled one hour concert (Tim Music Festival) slot into two hours of inspired, rapturous music. Ecstatic dancers filled the aisles until the very last note.

On July 16, 2004, Jacquet gave his last live performance as he closed the Midsummer Night Swing Series at Lincoln Center for the sixteenth year. He and his big band had been the final night attraction for this annual series since its inception and this was Jacquet's favorite engagement. Every year he attracted thousands of people to swing to the sounds of his music, and every year Illinois was transported back to his beloved roots, back to a time when the dancers created the swing bands and the swing bands created the dancers.

The Juilliard School of Music awarded Illinois Jacquet an Honorary Doctorate of Music degree on May 21, 2004. As he told President Polisi, “This is the happiest day of my life.” The Illinois Jacquet Scholarship in Jazz Studies at The Juilliard School has been established to honor his memory.
https://musicians.allaboutjazz.com/illinoisjacquet

///////

Illinois Jacquet está considerado como uno de los saxofonistas tenor más influyentes en la historia del jazz. Nacido el 31 de octubre de 1922 en Broussard, Louisiana, Jean Baptiste Illinois Jacquet, a la edad de 19 años, en la primera grabación de su carrera, generó un estilo y un sonido completamente nuevos para el saxofón tenor. Su solo clásico en "Flying Home" grabado con la Lionel Hampton Band en Decca Records en la ciudad de Nueva York, el 26 de mayo de 1942, catapultó a Jacquet a la fama internacional y el solo se hizo más famoso que la canción misma. Todos los saxofonistas aprendieron a tocar el solo de Jacquet, cada banda lo grabó, y gente de todo el mundo tarareaba el solo más famoso de la historia del jazz.

Dos años más tarde, el 2 de julio de 1944, mientras improvisaba con Nat King Cole al piano y Les Paul a la guitarra para un concierto benéfico en el Auditorio Filarmónico de Los Ángeles, California, Jacquet comenzó a tocar una serie de notas que nunca antes había tocado. Con un uso innovador de los armónicos en un impulso creativo, Jacquet descubrió lo que se convertiría en una expansión permanente del registro superior del saxofón tenor en dos octavas y media. Luego contrastó estas notas estratosféricas con puntuaciones repentinas del sonido de las notas más bajas de la trompa, y así Jacquet dio a luz a lo que se llamó el tenor que se convirtió en el sello del rock and roll e influyó enormemente en el rhythm and roll y el blues. En este solo de menos de tres minutos, que más tarde se tituló "Philharmonic Blues, Part II", Jacquet se anticipó al futuro e incluyó el proyecto para varias generaciones de saxofonistas. Este sensacional y explosivo solo creó la chispa que ayudó a lanzar el Jazz en la Filarmónica, la entidad que sacó el jazz de los clubes nocturnos y lo llevó a las salas de conciertos de todo el mundo. Además de saber cómo complacer a la multitud con ardiente excitación, el amplio espectro musical de Jacquet le permitió también llevar a sus oyentes a las profundidades de su ser con su sensibilidad y maestría en la balada. Continuó siendo una atracción estrella de JATP hasta el concierto final en 1957.

Illinois Jacquet creció en el escenario, cantando y bailando como un niño pequeño frente a la banda del territorio de su padre en Houston, Texas, la familia se mudó allí desde Louisiana antes de que Jacquet cumpliera un año. La formación musical formal comenzó en la escuela secundaria con la batería y el saxofón alto que tocaba con la legendaria banda del territorio de Milt Larkin. La graduación lo llevó a las universidades de las bandas Lionel Hampton, Cab Calloway y Count Basie. Después de "Flying Home" con Hampton, apareció en la película "Stormy Weather" con Calloway. Para Basie, grabó los éxitos "The King" y "Mutton Leg"; y con su propia banda pequeña que rompe récords tuvo éxitos en todos los sellos importantes. Tanto para Aladino como para Apolo, que se inició en el negocio de la grabación con Jacquet, produjo una serie de éxitos que rápidamente los elevaron a la categoría de grandes sellos discográficos.

En los años 60, Jacquet domina el fagot y graba con él; viaja y graba como trío con Milt Buckner y Jo Jones, y a finales de los 70 trabaja como quinteto con Slam Stewart en el bajo y Gray Sargent en la guitarra. Una invitación a dar una conferencia en una clase de historia del jazz en la Universidad de Harvard en 1982, llevó al nombramiento de Illinois Jacquet como Artista Residente de Kayden en 1983 y 1984, otorgándole el honor de convertirse en el primer músico de jazz en hacer una residencia de larga duración en Harvard. Sus muchas clases magistrales posteriores en los años siguientes le han valido la distinción de haber visitado Harvard con más frecuencia que cualquier otro artista en cualquier campo.

Sus estudiantes de Harvard le dieron a Jacquet la inspiración para formar su big band profesional en 1983, la cual mantuvo hasta su muerte, viajando y tocando por todo Estados Unidos y Europa. Grabó nominado al premio Grammy "Jacquet's Got It" con la banda de Atlantic Records en 1987, y Jacquet y la banda fueron el tema del galardonado documental de Arthur Elgort, "Texas Tenor, The Illinois Jacquet Story", estrenado en 1991.

The Chestnut Room at The Tavern On The Green se convirtió en el escaparate de The Illinois Jacquet Big Band en la década de 1990, atrayendo a gente de todo el mundo y de todos los ámbitos de la vida para escuchar su música.

Para conmemorar el centenario del nacimiento de Duke Ellington en 1999, Illinois fue invitado a actuar como solista con la Lincoln Center Jazz Orchestra en el documental Great Performances, "Swinging with the Duke". En noviembre de 2000, el Lincoln Center honró a Jacquet entregándole el Premio a la Excelencia Artística, convirtiéndolo en el quinto receptor de este distinguido premio.

Jacquet celebró su 80 cumpleaños en 2002, con la actuación de su Big Band en el Jazz Standard de la ciudad de Nueva York. En su 81 cumpleaños, el espíritu de Corcovado, que impregna la encantadora ciudad de Río de Janeiro, Brasil, le robó el corazón a Jacquet. Cautivado por el encanto y la belleza del lugar de nacimiento de uno de sus compositores favoritos, Antonio Carlos Jobim, y fascinado por la entusiasta adoración de su público, Jacquet extendió alegremente un concierto programado de una hora (Tim Music Festival) a dos horas de música inspirada y apasionante. Los bailarines extáticos llenaron los pasillos hasta la última nota.

El 16 de julio de 2004, Jacquet dio su última presentación en vivo cuando cerró la Serie de Columpios Nocturnos de Verano en el Lincoln Center por decimosexto año. Él y su big band habían sido la última atracción nocturna de esta serie anual desde su inicio y este era el compromiso favorito de Jacquet. Cada año atrajo a miles de personas al swing con los sonidos de su música, y cada año Illinois fue transportado de vuelta a sus amadas raíces, a una época en la que los bailarines creaban las bandas de swing y las bandas de swing creaban a los bailarines.

La Juilliard School of Music otorgó a Illinois Jacquet un Doctorado Honorario en Música el 21 de mayo de 2004. Como le dijo al Presidente Polisi: "Este es el día más feliz de mi vida". La beca Illinois Jacquet Scholarship in Jazz Studies en The Juilliard School ha sido establecida para honrar su memoria.
https://musicians.allaboutjazz.com/illinoisjacquet
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


Friday, April 10, 2026

Art Tatum • The Genius of Keyboard

 



Review
by arwulf arwulf  
The Genius of Keyboard is the title of a smart little Art Tatum anthology released in 1998 by the Giants of Jazz label. Perhaps unusually for Giants of Jazz, all 15 tracks come from the same source and were recorded within a relatively short span of time (1954-1956). The Genius of Keyboard is really a cousin to The Best of the Pablo Group Masterpieces, which might tell you that everything on this disc was recorded under the supervision of producer Norman Granz, and that Tatum's gifted session mates include trumpeters Roy Eldridge and Harry "Sweets" Edison, saxophonists Benny Carter and Ben Webster, clarinetist Buddy DeFranco, vibraphonist Lionel Hampton and guitarist Barney Kessel. One of the two bassists on this collection is Red Callender, and three of the five drummers are Louie Bellson, Jo Jones and Buddy Rich. If you are wise or lucky enough to hear this great music, and then find yourself digging it deeply and feeling the need to obtain The Complete Pablo Group Masterpieces, do not doubt your instincts. Nor should you resist the inclination to experience the rest of the music recorded at these remarkable sessions near the end of Tatum's all-too-brief lifetime. This is what jazz is all about.
https://www.allmusic.com/album/the-genius-of-keyboard-mw0000236341

///////


Revisión
por arwulf arwulf  
The Genius of Keyboard es el título de una pequeña antología inteligente de Art Tatum lanzada en 1998 por el sello Giants of Jazz. Quizás inusualmente para los Gigantes del Jazz, las 15 pistas provienen de la misma fuente y se grabaron en un lapso de tiempo relativamente corto (1954-1956). El Genio del Teclado es realmente primo de las Mejores Obras Maestras del Grupo Pablo, lo que podría decirte que todo en este disco fue grabado bajo la supervisión del productor Norman Granz, y que los talentosos compañeros de sesión de Tatum incluyen a los trompetistas Roy Eldridge y Harry "Sweets" Edison, los saxofonistas Benny Carter y Ben Webster, el clarinetista Buddy DeFranco, el vibrafonista Lionel Hampton y el guitarrista Barney Kessel. Uno de los dos bajistas de esta colección es Red Callender, y tres de los cinco bateristas son Louie Bellson, Jo Jones y Buddy Rich. Si eres lo suficientemente sabio o afortunado como para escuchar esta gran música, y luego te encuentras cavando profundamente y sintiendo la necesidad de obtener las Obras Maestras Completas del Grupo Pablo, no dudes de tus instintos. Tampoco debes resistirte a la inclinación de experimentar el resto de la música grabada en estas notables sesiones cerca del final de la vida demasiado breve de Tatum. De esto se trata el jazz.
https://www.allmusic.com/album/the-genius-of-keyboard-mw0000236341


Sunday, February 15, 2026

Art Blakey & The Jazz Messengers • Drum Suite

 



Review by Steve Leggett
Recorded in 1956, Art Blakey's Drum Suite is a wonderful hybrid of African, Latin, and hard bop rhythms that prefigures the concept of Afro-beat by at least a decade, and the sheer energy, not to mention its very special and fresh-sounding intimacy, make it especially astounding. Even more amazing is that the three parts of the suite -- Blakey's "The Sacrifice," Ray Bryant's "Cubano Chant," and Oscar Pettiford's "Oscalypso" -- were recorded straight through live, and were only intended to be a pre-take run-through, but as is obvious here, Blakey and company nailed the whole thing right out of the box. The original LP was issued by Columbia with the drum suite on one side, and three tracks recorded by a 1956 version of the Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery, and Spanky DeBrest) for Blakey's first Columbia album, Hard Bop, on the other side. Groundbreaking for its time, and still sounding vital, powerful, and visionary, the Drum Suite album is somewhat of a lost masterpiece that deserves a fresh audience.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

///////


Reseña de Steve Leggett
Grabada en 1956, la Drum Suite de Art Blakey es un maravilloso híbrido de ritmos africanos, latinos y hard bop que prefigura el concepto de afro-beat por lo menos una década, y la pura energía, por no hablar de su intimidad tan especial y fresca, la hacen especialmente asombrosa. Más sorprendente aún es que las tres partes de la suite - "The Sacrifice" de Blakey, "Cubano Chant" de Ray Bryant y "Oscalypso" de Oscar Pettiford- se grabaron directamente en directo, y sólo pretendían ser un ensayo previo, pero como es obvio aquí, Blakey y compañía lo clavaron todo nada más sacarlo de la caja. El LP original fue emitido por Columbia con la suite de batería en una cara, y tres temas grabados por una versión de 1956 de los Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery y Spanky DeBrest) para el primer álbum de Columbia de Blakey, Hard Bop, en la otra cara. Innovador para su época, y todavía con un sonido vital, potente y visionario, el álbum Drum Suite es una especie de obra maestra perdida que merece un nuevo público.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522



Monday, August 25, 2025

Charles Mingus • Reincarnations

 



Further rare material from the Charles Mingus sessions for the Candid label in 1960 – work that initially gave the world his two famous albums for the company, both of which were easily some of the most revolutionary work he recorded up to that point in his career! The spirit of the tracks here is very similar – Mingus set free from the more confined modes of Columbia Records, and serving up long tracks that are filled with searing solos from a top-shelf array of young modernists – players who include Eric Dolphy on alto and flute, Jimmy Knepper on trombone, Ted Curson and Lonnie Hillyer on trumpets, Booker Ervin on tenor, and Tommy Flanagan on piano – sounding a lot more dynamic here than on his own recordings. The material here was all unissued at the time – and titles include "Melody From The Drums", "Vassarlean", "Body & Soul (take 2)", "Wrap Your Troubles In Dreams (take 4)", and "Reincarnation Of A Lovebird (first version – take 4)
https://www.dustygroove.com/item/193811/Charles-Mingus:Reincarnations

///////


Más material inédito de las sesiones de Charles Mingus para el sello Candid en 1960, un trabajo que inicialmente dio al mundo sus dos famosos álbumes para la compañía, ¡ambos fácilmente algunos de los trabajos más revolucionarios que había grabado hasta ese momento en su carrera! El espíritu de las pistas aquí es muy similar: Mingus se liberó de los modos más limitados de Columbia Records y nos ofrece largas pistas llenas de solos abrasadores de una selección de jóvenes modernistas de primer nivel, entre los que se encuentran Eric Dolphy al saxo alto y la flauta, Jimmy Knepper al trombón, Ted Curson y Lonnie Hillyer a la trompeta, Booker Ervin al saxo tenor y Tommy Flanagan al piano, que suenan mucho más dinámicos aquí que en sus propias grabaciones. El material aquí incluido no se había publicado en ese momento, y los títulos incluyen «Melody From The Drums», «Vassarlean», «Body & Soul (take 2)», «Wrap Your Troubles In Dreams (take 4)» y «Reincarnation Of A Lovebird (primera versión – take 4)».
https://www.dustygroove.com/item/193811/Charles-Mingus:Reincarnations


Sunday, April 27, 2025

Milt Buckner & Jo The Tiger Jones • Buck & Jo

 



In early 1973 Jo Jones cut a pair of what he coined experimental records. Released the following year under the transparent title The Drums and visibly inspired by earlier instruction-geared efforts by New Orleans doyen Baby Dodds, these platters featured Jones behind his kit explicating the pedagogy of his instrument and colorfully reminiscing on the stylistic trademarks of his many peers. The albums were a modest hit for French producer Hugues Panassie and valuable addition to Jones’ legacy as a living pioneer of swing-oriented percussion. Buck & Jo is both immediate precursor and corollary to that edifying project as it teams Jones with organist Milt Buckner in a marathon series of duets recorded between May of 1971 and February of 1974. Freed from strictly commercial concerns by a pleased-as-punch Panassie, the pair tackles a marathon program of fifty-two performances over four discrete sessions and generously sequenced discs.

Jones temporarily trades in his customary honorific of “Papa” (originally adopted to differentiate him from fellow sticks-slinger Philly Joe Jones) for the more exotic sobriquet “Tiger.” He and Buckner had been collaborators as early as 1969 in the organist’s trio. Absent other instruments and embroiled in frequently dense tune-driven dialogues that typically range from three to six-minutes there’s little to no space for either man to coast. The battery of techniques and tricks that Jones catalogs on his solo records get ample space for application and elaboration. From crisp, dime-stopping press rolls to crackling snare shots to all kinds of ride cymbal accents, his sticks produce a panoply of time-keeping effects. Buckner is similarly wide-ranging on his double row of keys and associated pedals. The sheer variety of sounds and synergistic textures is extraordinary, particularly considering the daunting amount of time and space the two were conscripted to fill.

The program skews predictably to standards, but the duo threads in a decent share of creative originals as well. “Madeleine’s Garden” is an early corker in that latter regard with Buckner generating waves off humming chords against Jones malleted syncopations in a mélange at once bluesy and toe-tappingly funky. Jones’ tumbling snare rolls and ride cymbal sprays take the lead on the brisk “I Found a New Chapeau” with Buckner supplying corpulent fills amidst snatches of vocal encouragement. “Jo’s Brushes” is similarly on spec, a two-minutes-and-change frolic for Jones’ whirring whisks set to some beautifully deployed Zamboni-worthy bombast by Buckner. Miraculously, only a handful of pieces receive repeat renderings, among them “Am I Blue?,” “Dinah,” and the obligatory “Organ Grinder’s Swing.” Nearly four hours of pre-bop organ cum drums might appear unequivocal overkill, but it’s frankly remarkable how easy almost all of it goes down.
Derek Taylor
https://dustedmagazine.tumblr.com/post/185362751911/milt-buckner-jo-the-tiger-jones-buck-jo

///////


A principios de 1973, Jo Jones grabó un par de discos que denominó experimentales. Publicados al año siguiente bajo el título transparente de The Drums y visiblemente inspirados en los esfuerzos anteriores de Baby Dodds, el decano de Nueva Orleans, estos discos mostraban a Jones detrás de su kit explicando la pedagogía de su instrumento y recordando coloridamente las marcas estilísticas de sus muchos compañeros. Los álbumes fueron un modesto éxito para el productor francés Hugues Panassie y una valiosa adición al legado de Jones como pionero vivo de la percusión orientada al swing. Buck & Jo es a la vez precursor inmediato y corolario de aquel edificante proyecto, ya que une a Jones con el organista Milt Buckner en una maratoniana serie de duetos grabados entre mayo de 1971 y febrero de 1974. Liberados de preocupaciones estrictamente comerciales por un Panassie encantado, la pareja aborda un programa maratoniano de cincuenta y dos interpretaciones a lo largo de cuatro sesiones discretas y discos generosamente secuenciados.

Jones cambia temporalmente su habitual apodo de «Papa» (adoptado originalmente para diferenciarse de su colega Philly Joe Jones) por el más exótico de «Tigre». Buckner y él ya habían colaborado en 1969 en el trío del organista. En ausencia de otros instrumentos y envueltos en diálogos a menudo densos que suelen durar entre tres y seis minutos, hay poco o ningún espacio para que ninguno de los dos se entretenga. La batería de técnicas y trucos que Jones cataloga en sus discos en solitario dispone de un amplio espacio para su aplicación y elaboración. Desde crujientes press rolls hasta chasquidos de caja, pasando por todo tipo de acentos de ride cymbal, sus baquetas producen una panoplia de efectos que marcan el tiempo. Buckner hace lo mismo con su doble fila de teclas y pedales asociados. La gran variedad de sonidos y texturas sinérgicas es extraordinaria, sobre todo teniendo en cuenta la desalentadora cantidad de tiempo y espacio que ambos tuvieron que ocupar.

El programa se inclina previsiblemente hacia los estándares, pero el dúo también incluye una buena dosis de originales creativos. «Madeleine's Garden» es una de las primeras piezas en este sentido, con Buckner generando ondas de acordes tarareados contra las síncopas malteadas de Jones en una mezcla a la vez blues y funky. Los redobles de Jones y las salpicaduras de los platillos llevan la voz cantante en la enérgica «I Found a New Chapeau», con Buckner aportando corpulentos rellenos entre fragmentos de aliento vocal. «Jo's Brushes» es similar en especificaciones, un jugueteo de dos minutos y pico para los zumbidos de Jones acompañados de un bombardeo digno de un Zamboni bellamente desplegado por Buckner. Milagrosamente, sólo un puñado de piezas se repiten, entre ellas «Am I Blue?», «Dinah» y la obligada «Organ Grinder's Swing». Casi cuatro horas de órgano y batería pre-bop podrían parecer un exceso inequívoco, pero es francamente sorprendente lo fácil que resulta casi todo.
Derek Taylor
https://dustedmagazine.tumblr.com/post/185362751911/milt-buckner-jo-the-tiger-jones-buck-jo


 




Saturday, March 15, 2025

Red Norvo Combo • Vibes A la Red



Review by Scott Yanow
This long out of print LP from the defunct Famous Door label was vibraphonist Red Norvo's first date as a leader in five years (since an Affinity session with the Newport All-Stars). Although largely neglected in the 1960s, Norvo was still in prime form as he shows on such numbers as "The One I Love," "Tea for Two," and "Runnin' Wild." He is heard either with a quartet, also including pianist Hank Jones, bassist Milt Hinton, and drummer Jo Jones, or a quintet with pianist Jimmie Rowles, bassist Gene Cherico, drummer Donald Bailey, and guitarist Lloyd Ellis. High quality swing from one of the great vibraphonists.
https://www.allmusic.com/album/vibes-a-la-red-mw0000693089



Red Norvo, (Kenneth Norville), American jazz musician and swing bandleader (born March 31, 1908, Beardstown, Ill.—died April 6, 1999, Santa Monica, Calif.), was a pioneer of mallet instruments in jazz, becoming the only great jazz xylophone player in the 1930s, when he led a popular dance band that featured his wife, the great jazz singer Mildred Bailey; the pair were billed as Mr. and Mrs. Swing. He then became one of the three great jazz players of vibes (also called vibraphone and, as Norvo insisted, vibraharp), creating a bubbling, staccato, melodic style first with swing bands and then with his innovative “chamber jazz” groups. As a youngster Norvo was introduced to jazz on Illinois River showboats. He played marimba and xylophone in dance bands and vaudeville during the 1920s, studied briefly at the University of Missouri and the University of Detroit, and played in Paul Whiteman’s orchestra before recording his innovative 1933 works “Dance of the Octopus” and “In a Mist,” with radical harmonies, rhythms, and instrumentation (xylophone, bass clarinet, guitar, bass). Bailey hits, notably “Rockin’ Chair,” were featured by Norvo’s swing band, which was also distinguished by Norvo’s xylophone soloing and Eddie Sauter’s adventurous arranging. After switching to vibes, Norvo was among the first bandleaders to record with bebop greats Charlie Parker and Dizzy Gillespie, in a 1945 session that included the near-classic “Congo Blues” and “Slam Slam Blues.” Norvo toured with the Benny Goodman and Woody Herman bands in the mid-1940s and spent the early ’50s with the singular Red Norvo Trio, which initially featured Tal Farlow on guitar, Charles Mingus on bass, and Norvo on vibes. The group played intricate yet light-textured jazz and enjoyed national nightclub success. Norvo went on to lead groups primarily in California and Las Vegas, Nev., and recurrently, for two decades, his combos accompanied Frank Sinatra, with whom he toured Australia in 1959. A rare artist who moved effortlessly from early jazz to swing to bop, Norvo continued performing until he suffered a stroke in the 1980s.
https://www.britannica.com/biography/Red-Norvo

///////

Reseña de Scott Yanow
Este largo LP agotado del difunto sello Famous Door fue la primera cita del vibrafonista Red Norvo como líder en cinco años (desde una sesión de Affinity con el Newport All-Stars). A pesar de haber sido descuidado en la década de 1960, Norvo seguía en plena forma, como lo demuestra en números como "The One I Love", "Tea for Two" y "Runnin' Wild". Se le escucha con un cuarteto, incluyendo también al pianista Hank Jones, al bajista Milt Hinton y al baterista Jo Jones, o con un quinteto con el pianista Jimmie Rowles, el bajista Gene Cherico, el baterista Donald Bailey y el guitarrista Lloyd Ellis. Columpio de alta calidad de uno de los grandes vibrafonistas.
https://www.allmusic.com/album/vibes-a-la-red-mw0000693089



Entre 1926 y 1927 estudió en la Universidad de Missouri pero apenas dos años después decidió volver a la música, ya con dedicación exclusiva. En 1929 trabajó en la emisora KSTP de Minneapolis y mas tarde en la NBC de Chicago en una formación dirigida por Victor Young. Tocó posteriormente en la orquesta de Paul Whiteman y allí conoció a Mildred Bailey entonces cantante de Whiteman con quien permaneció hasta 1932. Al año siguiente de dejar la orquesta, Norvo y Bailey se casaron y el 8 de abril de ese mismo año, el vibrafonista, grabó el primer disco a su nombre al frente de una formación en la que figuraban: Jimmy Dorsey, Fulton McGrath, Dick McDonough y Artie Bernstein.

De aquélla grabación primeriza solo queda como único documento sonoro el tema "Two Tickest to Georgia". En 1934 se trasladó a New York para colaborar con Hoagy Carmichael en unas grabaciones para el sello Victor y creo su primer septeto de jazz junto a músicos de la talla de Artie Shaw, Charlie Barnet o Teddy Wilson. A partir de esas grabaciones, Red Norvo comenzó una actividad frenética que le llevo a grabar, actuar y tocar con los mejores músicos del momento. Tras grabar para Decca y Vocalion, en 1935 presentó en New York un octeto en el "Hickory House" y posteriormente en el "Famous Door". Al año siguiente el octeto se convirtió casi en una bigband cuando firmó un contrato para tocar en el Hotel Commodore. Red Norvo y Mildred Bailey formaron por aquellos años una combinación musical perfecta y los contratos se sucedían uno tras otro.

En 1943 se pasó definitivamente del xilofón al vibráfono y pocos meses después ingresaría en la bigband de Benny Goodman aunque solo por muy poco tiempo. Tras dejar a Goodman se enroló en la de Woody Herman con quien estuvo todo el año 1946. Al año siguiente contrajo matrimonio con Eva Rogers tras divorciarse de Mildred Bailey, con quine mantuvo unas relaciones amistosas hasta la muerte de la cantante en 1951. En 1950 dio un cambio radical en su concepción musical y de liderar grandes formaciones, pasó a dirigir un excepcional trío junto a dos jóvenes músicos que por entonces empujaban fuerte por hacerse un hueco en la escena del jazz en New York: el guitarrista, Tal Farlow y el contrabajista, Charles Mingus. De aquélla magnifica experiencia que duró dos años (1950-1951) quedó grabado un disco para la Savoy memorable: "Move".

Ya instalado en el éxito y con una popularidad ganada a pulso, Red Norvo se trasladó a Europa en 1954 con un grupo denominado "Jazz Club USA". La experiencia de aquélla gira y el éxito obtenido le animó de nuevo a formar otra grabación para visitar Australia en 1956 y a su regreso abrió un club en Santa Mónica. En 1958 se fue nuevamente de gira pero ahora en la formación liderada por el clarinetista Benny Goodman. Aquélla fue su ultima experiencia en la carretera; salvo excepciones muy contadas, se limito a actuar en California y Las Vegas en el marco de algunos Night clubes, casinos y salas de fiestas. En la década de los sesenta  volvió a viajar a Europa junto al guitarrista, Jimmie Raynei. En los años setenta unas molestias en el oído le obligaron a abandonar casi definitivamente sus actividades musicales.

Red Norvo fue un extraordinario músico; refinado, habilidoso instrumentista; dúctil y versátil, supo adaptarse sin dificultad y con naturalidad a la transición que supuso la revolución del bebop y como muestra quedan unas grabaciones de 1945 para la Dial junto a Charlie Parker y Dizzy Gillespie.
http://apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=2763:red-norvo&catid=92&Itemid=259


Thursday, March 13, 2025

Glenn Hardman And His Hammond Five • Singles







Glenn Hardman contemporáneo a Milt Herth y Ethel Smith, época en la que el órgano Hammond se convirtió en un instrumento de atractivo relativamente popular, fue tal vez el que estuvo más cercano al jazz, grabando con miembros de de la banda de Count Basie o como en este caso con Lester Young y Jo Jones. 

///////

Glenn Hardman contemporary to Milt Herth and Ethel Smith, a time when the Hammond organ became a relatively popular appeal, was perhaps closest to jazz, recording with members of Count Basie's band or as in this case with Lester Young and Jo Jones.  





Saturday, February 22, 2025

Lee Konitz • Lee Konitz Meets Jimmy Giuffre

 



Review
by Scott Yanow  
This unusual two-CD set not only reissues the original LP of the same name but three other rare Verve LP's from the 1950's. Altoist Lee Konitz (on "An Image") is showcased during a set of adventurous Bill Russo arrangements for an orchestra and strings in 1958, pops up on half of Ralph Burns' underrated 1951 classic Free Forms (the most enjoyable of the four sets) and meets up with baritonist Jimmy Giuffre, whose arrangements for five saxes (including the great tenor Warne Marsh) and a trio led by pianist Bill Evans are sometimes equally influenced by classical music and bop. The least interesting date showcases Giuffre's clarinet with a string section on his five-part "Piece For Clarinet And String Orchestra" and the 16 brief movements of "Mobiles." Overall this third-stream two-fer contains music that is easier to respect and admire than to love although Lee Konitz fans will probably want to acquire the obscure performances.
https://www.allmusic.com/album/lee-konitz-meets-jimmy-giuffre-mw0000080454

///////


Reseña
por Scott Yanow  
Este inusual set de dos CDs no sólo reedita el LP original del mismo nombre sino otros tres raros LPs de Verve de los años 50. El contralto Lee Konitz (en "An Image") se exhibe durante un conjunto de arreglos aventureros de Bill Russo para orquesta y cuerdas en 1958, aparece en la mitad del clásico infravalorado de Ralph Burns de 1951 Free Forms (el más agradable de los cuatro conjuntos) y se reúne con el barítono Jimmy Giuffre, cuyos arreglos para cinco saxos (incluido el gran tenor Warne Marsh) y un trío dirigido por el pianista Bill Evans están a veces influidos a partes iguales por la música clásica y el bop. La fecha menos interesante muestra el clarinete de Giuffre con una sección de cuerda en su "Piece For Clarinet And String Orchestra" de cinco partes y los 16 breves movimientos de "Mobiles". En general, esta tercera entrega contiene música que es más fácil respetar y admirar que amar, aunque los fans de Lee Konitz probablemente querrán adquirir las oscuras interpretaciones.
https://www.allmusic.com/album/lee-konitz-meets-jimmy-giuffre-mw0000080454