Jakob Bro And Joe Lovano • Once Around The Room A Tribute To Paul Motian

 

 
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Jakob Bro • Taking Turns

 

 

Danish guitarist Jakob Bro creates magical music, impossible to categorize or capture. His songs are best described as jewels revolving in mid-air, reflecting and refracting light — Downbeat
 
Jakob Bro, born in Denmark in 1978, switched from trumpet to guitar after discovering the music of Jimi Hendrix. He went on to study at Denmark’s Royal Academy of Music, Boston’s Berklee School and the New School in New York.
 
Bro first appeared on ECM as a member of Paul Motian’s Band and Tomasz Stanko’s Quintet, on 2006’s Garden of Eden and 2009’s Dark Eyes respectively, before making his label-leader-debut alongside bassist Thomas Morgan and the legendary Jon Christensen on drums with Gefion (2015). A second trio date followed a year later on Streams, this time with Joey Baron replacing Christensen on drums. The same group was captured live at the Jazz Standard, NY in 2017, released on Bay Of Rainbows a year later.
 
Jon Christensen and Thomas Morgan returned for 2018’s quartet recording Returnings, with Palle Mikkelborg joining in on trumpet. The Danish trumpeter would reappear several years later, accompanying Bro and percussionist Marilyn Mazur on the 2023 live recording Strands, captured at the Danish Concert Hall — „an exquisite performance,“ according to the Making A Scene.
 
Different accomplished projects were released in the meantime. Uma Elmo (2021), recorded at the Auditorio Stelio Molo in Lugano, presents the guitarist in deep trio conversations with trumpeter Arve Henriksen and Jorge Rossy on drums (BBC Music Magazine: „quintessential ECM: a small group of intensely talented individuals making rarefied music in the moment, captured by superb production values“), while Once More Around The Room (2022) celebrated the musical legacy of drum icon Paul Motian. On the album, Bro is joined by a cast of key improvisers, with Larry Grenadier, Thomas Morgan and Anders Christensen on bass, Joe Lovano on sax and Joey Baron and Jorge Rossy on drums. The Guardian called it „a variously raw and delicate balance of collective improvisation, quirky themes and haunting harmonies.“
 
Taking Turns, released in 2024, is another star-studded affair that was recorded in 2014. Joined by pianist Jason Moran, late great alto saxophonist Lee Konitz, Bill Frisell on guitar, Thomas Morgan on bass and Andrew Cyrille on drums, on the album Bro presents a lusciously harmonious set of tunes that depend on subtle collective improvisation.
 
Jakob: “Much of my music is constructed around melodies. My compositions are almost like a song. But within the frame I set up with a melody, a lot of things can happen. New layers of music are constantly added to the vocabulary, and when you play, you unconsciously get to a new place.”
https://ecmrecords.com/artists/jakob-bro/

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El guitarrista danés Jakob Bro crea música mágica, imposible de categorizar o capturar. Sus canciones se describen mejor como joyas que giran en el aire, reflejando y refractando la luz-Ritmo lento
 
Jakob Bro, nacido en Dinamarca en 1978, pasó de la trompeta a la guitarra tras descubrir la música de Jimi Hendrix. Luego estudió en la Real Academia de Música de Dinamarca, en la Berklee School de Boston y en la New School de Nueva York.
 
Bro apareció por primera vez en ECM como miembro de la banda de Paul Motian y del Quinteto de Tomasz Stanko, en Garden of Eden de 2006 y Dark Eyes de 2009, respectivamente, antes de debutar como líder de su sello junto al bajista Thomas Morgan y el legendario Jon Christensen a la batería con Gefion (2015). Un segundo trío siguió un año después en Streams, esta vez con Joey Baron reemplazando a Christensen en la batería. El mismo grupo fue capturado en vivo en Jazz Standard, NY en 2017, lanzado en Bay Of Rainbows un año después.
 
Jon Christensen y Thomas Morgan regresaron para la grabación del cuarteto Returnings de 2018, con Palle Mikkelborg uniéndose a la trompeta. El trompetista danés reaparecería varios años después, acompañando al hermano y percusionista Marilyn Mazur en la grabación en vivo de Strands de 2023, capturada en la Sala de Conciertos Danesa, "una actuación exquisita", según Making A Scene.
 
Mientras tanto, se lanzaron diferentes proyectos realizados. Uma Elmo (2021), grabado en el Auditorio Stelio Molo de Lugano, presenta al guitarrista en profundas conversaciones en trío con el trompetista Arve Henriksen y Jorge Rossy a la batería (BBC Music Magazine: "quintessential ECM: un pequeño grupo de personas intensamente talentosas que hacen música enrarecida en el momento, capturada por excelentes valores de producción"), mientras que Once More Around The Room (2022) celebró el legado musical del ícono de la batería Paul Motian. En el álbum, Bro se une a un elenco de improvisadores clave, con Larry Grenadier, Thomas Morgan y Anders Christensen al bajo, Joe Lovano al saxo y Joey Baron y Jorge Rossy a la batería. The Guardian lo llamó "un equilibrio diversamente crudo y delicado de improvisación colectiva, temas extravagantes y armonías inquietantes.“
 
Taking Turns, lanzado en 2024, es otro asunto repleto de estrellas que se grabó en 2014. Acompañado por el pianista Jason Moran, el difunto gran saxofonista alto Lee Konitz, Bill Frisell a la guitarra, Thomas Morgan al bajo y Andrew Cyrille a la batería, en el álbum Bro presenta un conjunto de melodías deliciosamente armoniosas que dependen de una sutil improvisación colectiva.
 
Jakob: "Gran parte de mi música está construida en torno a melodías. Mis composiciones son casi como una canción. Pero dentro del marco que configuré con una melodía, pueden suceder muchas cosas. Constantemente se agregan nuevas capas de música al vocabulario, y cuando tocas, inconscientemente llegas a un nuevo lugar.”
https://ecmrecords.com/artists/jakob-bro/

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Tomasz Stańko Quintet • Dark Eyes

 

 

Biography
Tomasz Stanko was 20 and a graduate of the Cracow Music Academy when he formed his first band, the Jazz Darings, with pianist Adam Makowicz in 1962. Inspired by early Ornette Coleman and the innovations of Coltrane, Miles Davis and George Russell, the group is often cited by music historians as the first European group to play free jazz, but for the trumpeter its importance was eclipsed by the invitation to join Krzystof Komeda's quintet the following year. Stanko has acknowledged that much of his subsequent musical direction and his own compositional style was influenced by Komeda. The lyricism, the feeling of playing only the essential, the approach to structure, to asymmetry, many harmonic details. Stanko toured for five years with Komeda, appeared on 11 albums with him, and also made contributions to all of the films scores that Komeda realized in Poland.

In 1970, Stanko joined Alex Schlippenbachi's Globe Unity Orchestra, which brought him into contact with all the key figures of the European jazz avant-garde, and also formed a quintet, with violinist Zbiegniew Seifert. The following year he collaborated with Krysztof Penderecki and Don Cherry. His most important work of the 1970s, however, may have been with Finnish drummer Edward Vesala. Their series of quartet albums, of which Balladyna was the first, set some new directions with explorations of the free ballad, graced by soulful, grainy trumpet, and Stanko also made important contributions to Vesalai's Together album, a massed gathering of Nordic/Baltic improvisers.

During the 1980s Stanko explored many approaches to improvisation. He travelled with Vesala to India and recorded trumpet solos in the Taj Mahal; again with Vesala, he hooked up with Chico Freeman and Howard Johnson in New York. He worked extensively with Cecil Taylor in large ensemble contexts, and led a number of groups of his own, such as COCX, which deployed post-Bitches Brew rock-rhythms, and Freelectronic, an ahead-of-its-time exploration of electro-acoustic options. Bluish, a trio recording with Arild Andersen and Jon Christensen preceded a return to ECM.

Since resuming his association with ECM with Matka Joanna in 1994 (his first album as a leader for the label in 20 years), Stanko has reached a new audience with his work. Two recordings with his international quartet with Bobo Stenson, Anders Jormin, and Tony Oxley, were followed by a highly successful tribute to film music composer and mentor Krzysztof Komeda in 1997. Stanko's Litania project became a popular fixture on the international festival circuit. In 1998, producer Manfred Eicher assembled a trans-idiomatic band around the trumpeter for From The Green Hill, a recording which pooled the talents of Dino Saluzzi, John Surman, Michelle Makarski, Anders Jormin and Jon Christensen. The Green Hill album won the coveted German Critics Prize (Deutscher Schallplattenpreis) as Album of the Year in 2000.

All of the above had been, as it were, events on the main stage. Concurrently, however, Stanko maintained a Polish quartet, which now became a priority for him. Pianist Marcin Wasilewski, bassist Slawomir Kurkiewicz and drummer Michal Miskiewicz were already working together as a (very) young trio when Stanko first heard them at the beginning of the 1990s, and in 1994 they began to work together, initially on theatre music, some of which was recorded for the Polish Govi label. They quickly developed into his band of choice for all Polish engagements, working with him on theatre and film music initially. Pianist, bassist and drummer have also built up a reputation as a unit in their own right, working under the name Simple Acoustic Trio. Soul of Things is the quartet's first record release.

Soul of Things is essential Stanko, the trumpeter playing with that dark, intense tone that is so immediately identifiable. The programme on this occasion is a balladesque suite, brimming over with Slavic lyricism, and simply titled Soul of Things, Variation 1-13. The music makes allusion, in passing, to themes Stanko has contributed to Polish film, and other pieces of his, including the classic Maldoror's War Song are also quoted, but as Stanko says, tongue only partly in cheek, "I've been playing the same song my whole life." Titles, in other words, are after the fact; what matters is the emotional depth, and this has been a constant through the different phases and forms that Stanko's music has taken over the years.

There is a "timeless" feel to Soul of Things that relates to Stanko's roots as a player; this forward-looking trumpet player is also looking back here. His all-inclusive music on this occasion seems to connect with early influences. While sounding unmistakably like himself he also triggers memories of his first heroes.

In the years since Stanko’s much-loved Soul of Things, both the trumpeter and his young band had continued to make their mark. Many miles of touring, on both sides of the Atlantic, had honed their already exceptional group understanding. Suspended Night builds upon the conceptual framework established by its predecessor" the bulk of the album is devoted to a series of Suspended Night - but the improvisational quotient is expanded, as all participants take more solo space, and more chances.

Stanko's music has changed dramatically in the last decade. He has managed to make his music more accessible without removing the grit and verve that has always been his trademark. And so it is with this his latest disc for ECM and the second with his regular working Polish band of Marcin Wasilewski, piano, Slawomir Kurkiewicz, bass and Michal Miskiewicz, drums. It's a strong group characterized by Wasilewski's ringing impressionistic style influenced by Bill Evans and even more than on Soul of Things, the group's last outing together, Kurkiewicz's carefully executed bass figure make his presence felt and anchor the strong melodies that Stanko provides. As before he does not give the tunes names and this is appropriate as the album has a consistency and unity that makes the individual songs feel part of a greater whole. Stanko may have mellowed but this album is a beauty.

Concurrently with Suspended Night, ECM issued an anthology of Stanko tracks as Volume XVII of its Rarum/Selected Recordings series, which provides a useful overview of the pre-Soul of Things years. In his liner note to the Rarum recording, Stanko talks of the unified nature of his compositions, from the beginning until now, and their range of expression: “From chaos to order, from fury to lyricism.” Lyricism has the upper hand in the pieces played by the Suspended Night ensemble, but the musicians understand the importance of creative tension, and Stanko’s darting phrasing always takes unexpected turns.

In 2004, the Stanko Quartet again spent most of the year on the road. Following a British tour in February, the group had a series of concerts in Germany, Austria and Switzerland in March and April. In May they toured Spain. In June they returned to the States (Stanko’s first-ever US tour in 2002 met with extremely positive reactions and sold-out shows). Italian concerts and festival appearances were scheduled for the summer, and in October/November the Quartet toured their Polish homeland.

In 2004 Stanko was honored by President of Poland with an Order of Polonia Restituta, ranked second amongst Polish civilian decorations. In the autumn 2004 Stanko appeared as a curator of two international jazz festivals in Poland: Signed by Stankoî in Warsaw and The Jazz Autumn in Bielsko Biala. Both festivals were enormously successful and entusiastically received by the audiences and trade media.

Spring 2005 brought the Tomasz Stanko Quartet to USA and Canada for its third North American tour. It started with four night at NYC's legendary Birdland and continued through 12 major cities on both coasts and most prestigious venues such as Washington DC's Blues Alley, Chicago's Hothouse, Seattle's Triple Door, LA's Jazz Bakery, and Oakland's Yoshi's. All those houses were sold out, many of them had presented Stanko before and invited him to come and play again.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/tomasz-stanko/

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Biografía
Tomasz Stanko tenía 20 años y se había licenciado en la Academia de Música de Cracovia cuando formó su primer grupo, los Jazz Darings, con el pianista Adam Makowicz en 1962. Inspirado por los primeros Ornette Coleman y las innovaciones de Coltrane, Miles Davis y George Russell, el grupo es citado a menudo por los historiadores de la música como el primer grupo europeo que tocó free jazz, pero para el trompetista su importancia quedó eclipsada por la invitación a unirse al quinteto de Krzystof Komeda al año siguiente. Stanko ha reconocido que gran parte de su posterior dirección musical y su propio estilo compositivo se vieron influidos por Komeda. El lirismo, la sensación de tocar sólo lo esencial, el enfoque de la estructura, de la asimetría, muchos detalles armónicos. Stanko estuvo de gira durante cinco años con Komeda, apareció en 11 álbumes con él y también hizo contribuciones a todas las partituras de películas que Komeda realizó en Polonia.

En 1970, Stanko se incorporó a la Globe Unity Orchestra de Alex Schlippenbachi, que le puso en contacto con todas las figuras clave de la vanguardia europea del jazz, y también formó un quinteto, con el violinista Zbiegniew Seifert. Al año siguiente colaboró con Krysztof Penderecki y Don Cherry. Sin embargo, su trabajo más importante de la década de 1970 puede que haya sido con el batería finlandés Edward Vesala. Su serie de álbumes para cuarteto, el primero de los cuales fue Balladyna, marcó nuevos rumbos con sus exploraciones de la balada libre, adornadas por una trompeta conmovedora y granulada, y Stanko también realizó importantes contribuciones al álbum Together de Vesalai, una reunión multitudinaria de improvisadores nórdicos/bálticos.

Durante la década de 1980, Stanko exploró numerosos enfoques de la improvisación. Viajó con Vesala a la India y grabó solos de trompeta en el Taj Mahal; de nuevo con Vesala, se relacionó con Chico Freeman y Howard Johnson en Nueva York. Trabajó extensamente con Cecil Taylor en grandes conjuntos, y dirigió varios grupos propios, como COCX, que desplegaba ritmos de rock post-Bitches Brew, y Freelectronic, una exploración adelantada a su tiempo de las opciones electroacústicas. Bluish, una grabación en trío con Arild Andersen y Jon Christensen, precedió a su regreso a ECM.

Desde que reanudó su asociación con ECM con Matka Joanna en 1994 (su primer álbum como líder para el sello en 20 años), Stanko ha llegado a un nuevo público con su trabajo. Dos grabaciones con su cuarteto internacional con Bobo Stenson, Anders Jormin y Tony Oxley, fueron seguidas por un homenaje de gran éxito al compositor de música de cine y mentor Krzysztof Komeda en 1997. El proyecto Litania de Stanko se hizo muy popular en el circuito internacional de festivales. En 1998, el productor Manfred Eicher reunió una banda transidiomática en torno al trompetista para From The Green Hill, una grabación que reunía los talentos de Dino Saluzzi, John Surman, Michelle Makarski, Anders Jormin y Jon Christensen. El álbum From The Green Hill ganó el codiciado Premio de la Crítica Alemana (Deutscher Schallplattenpreis) como Álbum del Año en 2000.

Todo lo anterior habían sido, por así decirlo, acontecimientos en el escenario principal. Al mismo tiempo, sin embargo, Stanko mantenía un cuarteto polaco, que ahora se convirtió en una prioridad para él. El pianista Marcin Wasilewski, el bajista Slawomir Kurkiewicz y el batería Michal Miskiewicz ya trabajaban juntos como trío (muy) joven cuando Stanko los escuchó por primera vez a principios de los 90, y en 1994 empezaron a trabajar juntos, al principio en música teatral, parte de la cual se grabó para el sello polaco Govi. Rápidamente se convirtieron en su banda de elección para todos los compromisos polacos, trabajando con él inicialmente en música de teatro y cine. El pianista, el bajista y el batería también se han labrado una reputación como grupo por derecho propio, trabajando bajo el nombre de Simple Acoustic Trio. Soul of Things es el primer disco del cuarteto.

Soul of Things es esencial Stanko, el trompetista toca con ese tono oscuro e intenso que es tan inmediatamente identificable. El programa en esta ocasión es una suite baladística, rebosante de lirismo eslavo, y titulada simplemente Soul of Things, Variation 1-13. La música hace alusión, de pasada, a la vida y la muerte. La música hace alusión, de pasada, a temas con los que Stanko ha contribuido al cine polaco, y también se citan otras piezas suyas, entre ellas el clásico Maldoror's War Song, pero como dice Stanko, con la lengua sólo parcialmente en la mejilla: "Llevo toda la vida tocando la misma canción". Los títulos, en otras palabras, son posteriores al hecho; lo que importa es la profundidad emocional, y ésta ha sido una constante a través de las diferentes fases y formas que ha adoptado la música de Stanko a lo largo de los años.

Soul of Things tiene un aire "atemporal" que se relaciona con las raíces de Stanko como intérprete; este trompetista con visión de futuro también mira hacia atrás. Su música integral en esta ocasión parece conectar con las primeras influencias. Aunque suena inconfundiblemente a sí mismo, también despierta recuerdos de sus primeros héroes.

En los años transcurridos desde el muy querido Soul of Things de Stanko, tanto el trompetista como su joven banda habían seguido dejando huella. Muchos kilómetros de gira, a ambos lados del Atlántico, habían perfeccionado su ya excepcional entendimiento de grupo. Suspended Night se basa en el marco conceptual establecido por su predecesor -la mayor parte del álbum está dedicada a una serie de Suspended Night-, pero el cociente de improvisación se amplía, ya que todos los participantes se toman más espacio en solitario y se arriesgan más.

La música de Stanko ha cambiado radicalmente en la última década. Ha conseguido hacer su música más accesible sin eliminar la garra y el brío que siempre le han caracterizado. Y así es con este su último disco para ECM y el segundo con su banda polaca habitual de Marcin Wasilewski, piano, Slawomir Kurkiewicz, bajo y Michal Miskiewicz, batería. Es un grupo fuerte caracterizado por el estilo impresionista de Wasilewski, influenciado por Bill Evans, e incluso más que en Soul of Things, el último trabajo del grupo juntos, la figura cuidadosamente ejecutada del bajo de Kurkiewicz hace sentir su presencia y ancla las fuertes melodías que Stanko proporciona. Como antes, no da nombres a las melodías, lo cual es apropiado, ya que el álbum tiene una coherencia y una unidad que hace que las canciones individuales parezcan parte de un todo mayor. Puede que Stanko se haya suavizado, pero este álbum es una belleza.

Al mismo tiempo que Suspended Night, ECM publicó una antología de temas de Stanko como volumen XVII de su serie Rarum/Selected Recordings, que ofrece una útil visión general de los años anteriores a Soul of Things. En su nota de presentación de la grabación de Rarum, Stanko habla de la naturaleza unificada de sus composiciones, desde el principio hasta ahora, y de su gama de expresión: "Del caos al orden, de la furia al lirismo". El lirismo tiene la sartén por el mango en las piezas interpretadas por el conjunto Suspended Night, pero los músicos comprenden la importancia de la tensión creativa, y el ágil fraseo de Stanko siempre da giros inesperados.

En 2004, el Cuarteto Stanko volvió a pasar la mayor parte del año de gira. Tras una gira británica en febrero, el grupo ofreció una serie de conciertos en Alemania, Austria y Suiza en marzo y abril. En mayo realizaron una gira por España. En junio volvieron a Estados Unidos (la primera gira de Stanko por este país, en 2002, tuvo reacciones muy positivas y agotó todas las entradas). En verano se programaron conciertos y festivales en Italia, y en octubre y noviembre el cuarteto realizó una gira por su Polonia natal.

En 2004, el Presidente de Polonia condecoró a Stanko con la Orden de Polonia Restituta, la segunda condecoración civil polaca. En otoño de 2004, Stanko actuó como comisario de dos festivales internacionales de jazz en Polonia: Signed by Stankoî en Varsovia y The Jazz Autumn en Bielsko Biala. Ambos festivales tuvieron un enorme éxito y fueron recibidos con entusiasmo por el público y los medios especializados.

La primavera de 2005 llevó al Cuarteto Tomasz Stanko a Estados Unidos y Canadá para su tercera gira norteamericana. Comenzó con cuatro noches en el legendario Birdland de Nueva York y continuó por 12 grandes ciudades de ambas costas y los locales más prestigiosos, como el Blues Alley de Washington DC, el Hothouse de Chicago, el Triple Door de Seattle, el Jazz Bakery de Los Ángeles y el Yoshi's de Oakland. En todos ellos se agotaron las entradas, muchos de los cuales ya habían presentado a Stanko con anterioridad y le habían invitado a volver a tocar.
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Jakob Bro • Time

 

Hearing music is a journey towards discovering the world anew. If anything, this is a philosophy that the young Danish guitarist Jakob Bro has taken to heart. Throughout a career that has seen him playing in a wide range of constellations, among them groups led by trumpeter Tomasz Stańko and the late drum legend Paul Motian, Bro has never lost his intuitive approach to making music. No matter who he is playing with, there is never a sense of redundancy; instead, music becomes a serious playground where anything can happen.

Of all the projects in which Bro is involved, his recordings as a leader hold a special place. In true democratic fashion, the guitarist seems to bring out the best in his fellow players. Thus, Balladeering, his magnum opus from 2009, brought out a seasoned beauty in the playing of masterful saxophonist Lee Konitz, whose fragile tone poems on that album surpass the altoist's endeavors on the high profile Live at Birdland (ECM, 2011).

Sensing there was special chemistry between them, Konitz and Bro team up once again on Time along with guitarist Bill Frisell, who also played on Balladeering, and bassist Thomas Morgan.

Together they create an intimate and abstract chamber music that never loses track of a beautiful melody with a folk-like simplicity. The opener "Nat" ("Night") is a case in point, with its nocturnal mood and breezy blowing from Konitz and a shimmering riverbed of chords from Bro and Frisell.

"Northern Blues" is a perfect description of the aesthetic of an album whose organic sound and blue melancholy still comes across as cathartic, with a childlike sense of the wonder of creation. Thus, no-one brings the attention to the bass' tactile quality of wood and steel like Morgan, as he plucks the strings with delicacy and strength.

Overall, there is unique sense of the power of space as the four musicians transform the fluid shapes of melodies and drum-less rhythms into a moving eulogy to time as the condition of all musical art—although, paradoxically, what remains in the end is a timeless work of art.
By Jakob Baekgaard
December 29, 2011
https://www.allaboutjazz.com/time-jakob-bro-loveland-records-review-by-jakob-baekgaard

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Escuchar música es un viaje hacia un nuevo descubrimiento del mundo. El joven guitarrista danés Jakob Bro se ha tomado esta filosofía muy en serio. A lo largo de una carrera en la que ha tocado en constelaciones muy diversas, entre ellas grupos liderados por el trompetista Tomasz Stańko y la leyenda de la batería Paul Motian, Bro nunca ha perdido su enfoque intuitivo de la música. No importa con quién esté tocando, nunca hay una sensación de redundancia; por el contrario, la música se convierte en un serio patio de recreo en el que puede pasar cualquier cosa.

De todos los proyectos en los que participa Bro, sus grabaciones como líder ocupan un lugar especial. Al más puro estilo democrático, el guitarrista parece sacar lo mejor de sus compañeros. Así, Balladeering, su obra magna de 2009, sacó a relucir una belleza curtida en la interpretación del magistral saxofonista Lee Konitz, cuyos frágiles poemas tonales en ese álbum superan los esfuerzos del contralto en el destacado Live at Birdland (ECM, 2011).

Intuyendo que había una química especial entre ellos, Konitz y Bro vuelven a formar equipo en Time junto al guitarrista Bill Frisell, que también tocó en Balladeering, y el bajista Thomas Morgan.

Juntos crean una música de cámara íntima y abstracta que nunca pierde de vista una bella melodía de sencillez folk. El primer tema, «Nat» («Noche»), es un buen ejemplo de ello, con su ambiente nocturno y el soplo de brisa de Konitz y un reluciente cauce de acordes de Bro y Frisell.

«Northern Blues» es una descripción perfecta de la estética de un álbum cuyo sonido orgánico y melancolía azul siguen resultando catárticos, con un sentido infantil de la maravilla de la creación. Así, nadie llama la atención sobre la calidad táctil de la madera y el acero del bajo como Morgan, al pulsar las cuerdas con delicadeza y fuerza.

En conjunto, hay una sensación única del poder del espacio cuando los cuatro músicos transforman las formas fluidas de las melodías y los ritmos sin batería en un conmovedor elogio del tiempo como condición de todo arte musical, aunque, paradójicamente, lo que queda al final es una obra de arte atemporal.
Por Jakob Baekgaard
29 de diciembre de 2011
https://www.allaboutjazz.com/time-jakob-bro-loveland-records-review-by-jakob-baekgaard

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Jakob Bro • Balladeering

 

Balladeering is a 2009 studio album by Danish jazz guitarist Jakob Bro.
Is the first part of a trilogy which includes Time (2011) and December Song (2013). The trilogy was nominated for the Nordic Council Music Prize 2014. The vinyl version of the album came with a DVD featuring the movie Weightless which documented the making of the album.
https://en.wikipedia.org/wiki/Balladeering_(album)

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Balladeering es un álbum de estudio de 2009 del guitarrista de jazz danés Jakob Bro.
Es la primera parte de una trilogía que incluye Time (2011) y December Song (2013). La trilogía fue nominada al Nordic Council Music Prize 2014. La versión en vinilo del álbum venía acompañada de un DVD con la película Weightless, que documentaba la realización del álbum.
https://en.wikipedia.org/wiki/Balladeering_(álbum)

Paul Motian Band • Garden of Eden

 

Review by Thom Jurek
Though recorded in 2004, the release of Garden of Eden marks the year in which drummer, composer, and bandleader Paul Motian turned 75. The Paul Motian Band is structured after his Electric Bebop Band from the 1990s. The group's unique approach to bebop is here -- particularly in the bookends of the set with Charles Mingus' "Pithecanthropus Erectus," and "Goodbye Pork Pie Hat," at the beginning, and Thelonious Monk's "Evidence" and Charlie Parker's "Cheryl," at its end -- the aesthetic focus has changed considerably to reflect Motian's own compositions. This band contains three guitarists -- Steve Cardenas, Ben Monder, and Jakob Bro -- and a pair of saxophonists -- Chris Cheek and Tony Malaby -- with bassist Jerome Harris accompanying Motian. Through the continuing wonder of stereo reproduction, Motian guides us to the place where we know who's playing what in which channel, left, right, and center. And the magic begins. With the exception of the opening cut, everything here is short -- between two and five minutes. Though the music comes off as relaxed, somewhat gauzy and breezy; it nevertheless carries the pressure to deliver its various secrets in brief moments rather than long, drawn-out solos and engagements between players. The readings of the Mingus tunes carry all the knottiness of the originals, albeit with relaxed and breezy tempos. "Goodbye Pork Pie Hat" is utterly moving as the three guitars all weave themselves around the saxophones and Motian and Harris keep steady, gently swinging time. On the leader's "Mesmer," the kaleidoscopic colors and tones that are possible with this kind of band are made self-evident. The simple nursery rhyme melody line -- like a less-urgent Ornette Coleman line -- asserts itself via a lone saxophonist, Motian, and Harris. The other horn enters, and they begin to engage and complement one another as the guitars enter the theme one at a time and wind, shimmer, and blur around the horns, ever-nuanced and elegant. Motian's drumming becomes more urgent and skittering, as does Harris' bass line, propelling movement against the repetition. In four-and-half minutes, the listener has been transported to another time and place. Other tracks here, like Jerome Kern's "Bill," written for the 1927 musical, Showboat, is made utterly pretty and wistful by the interplay between the saxophonists, who stagger each other in the lyric and chorus as guitars shadow them in various guises. The title track is the most speculative here, hinting at free improvisation as a skeletal melody asserts itself slowly and tersely. The tension created by Motian's around-the-beat drumming as the horns whisper their way through is quietly intense. Guitars nervously enter and fall away, adding minor-key shape and dimension to the proceedings. And though it threatens to explode at any moment, it merely swells and breathes cautiously yet purposely. The spirited yet laid-back swinging that takes place on "Cheryl," clocking in at just two minutes, brings the entire band full circle. It's irreverent yet accurate, it points to future looking, with empathic texture and dimension applied, to reading the music of jazz's past as a living composition as opposed to a staid, arid, reverence for history. Garden of Eden is more evidence -- like 2005's I Have the Room Above Her -- that Motian has been on a creative and compositional tear, and has been since the mid-'80s. This set is ambitious, full of humor, charm, warmth, and grace; it sings, whispers, talks, and at times it shouts; ultimately it offers listeners an intimate look at the complexity and beauty in the continually evolving soundworld of an artist who is a true musical giant.
https://www.allmusic.com/album/garden-of-eden-mw0000351867

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Reseña de Thom Jurek
Aunque grabado en 2004, el lanzamiento de Garden of Eden marca el año en que el baterista, compositor y líder de la banda Paul Motian cumplió 75 años. La Banda de Paul Motian está estructurada a partir de su Banda de Bebop Eléctrico de la década de 1990. El enfoque único del grupo hacia el bebop está aquí, particularmente en los sujetalibros del set con "Pithecanthropus Erectus" y "Goodbye Pork Pie Hat" de Charles Mingus al principio, y "Evidence" de Thelonious Monk y "Cheryl" de Charlie Parker al final, el enfoque estético ha cambiado considerablemente para reflejar las propias composiciones de Motian. Esta banda contiene tres guitarristas, Steve Cardenas, Ben Monder y Jakob Bro, y un par de saxofonistas, Chris Cheek y Tony Malaby, con el bajista Jerome Harris acompañando a Motian. A través de la maravilla continua de la reproducción estéreo, Motian nos guía al lugar donde sabemos quién está tocando qué en qué canal, izquierda, derecha y centro. Y comienza la magia. Con la excepción del corte de apertura, todo aquí es corto: entre dos y cinco minutos. Aunque la música parece relajada, algo vaporosa y alegre; sin embargo, conlleva la presión de revelar sus diversos secretos en breves momentos en lugar de solos largos y prolongados y enfrentamientos entre jugadores. Las lecturas de las melodías de Mingus tienen todo el nudo de los originales, aunque con tempos relajados y ventosos. "Goodbye Pork Pie Hat" se mueve por completo mientras las tres guitarras se entrelazan alrededor de los saxofones y Motian y Harris mantienen el ritmo constante y suave. En el "Hipnotizador" del líder, los colores y tonos caleidoscópicos que son posibles con este tipo de banda se hacen evidentes por sí mismos. La línea melódica simple de la canción infantil, como una línea menos urgente de Ornette Coleman , se afirma a través de un saxofonista solitario, Motian y Harris. Entra la otra trompa, y comienzan a engancharse y complementarse entre sí a medida que las guitarras entran en el tema una a la vez y se enrollan, brillan y se difuminan alrededor de las trompas, siempre matizadas y elegantes. La batería de Motian se vuelve más urgente y vacilante, al igual que la línea de bajo de Harris, impulsando el movimiento contra la repetición. En cuatro minutos y medio, el oyente ha sido transportado a otro tiempo y lugar. Otras pistas aquí, como "Bill" de Jerome Kern, escrita para el musical de 1927, Showboat, se vuelven completamente bonitas y melancólicas por la interacción entre los saxofonistas, que se tambalean entre sí en la letra y el coro mientras las guitarras los siguen de varias maneras. La canción principal es la más especulativa aquí, insinuando la improvisación libre a medida que una melodía esquelética se afirma lenta y concisamente. La tensión creada por el tamborileo de Motian mientras los cuernos susurran a su paso es silenciosamente intensa. Las guitarras entran y salen nerviosamente, agregando forma y dimensión de tonalidad menor a los procedimientos. Y aunque amenaza con explotar en cualquier momento, simplemente se hincha y respira con cautela, pero a propósito. El swing animado pero relajado que tiene lugar en "Cheryl", registrando solo dos minutos, cierra el círculo de toda la banda. Es irreverente pero precisa, apunta a una mirada hacia el futuro, con textura y dimensión empáticas aplicadas, a leer la música del pasado del jazz como una composición viva en lugar de una reverencia seria, árida y por la historia. Garden of Eden es más evidencia, como I Have the Room Above Her de 2005, de que Motian ha estado en una lágrima creativa y compositiva, y lo ha estado desde mediados de los 80. Este set es ambicioso, lleno de humor, encanto, calidez y gracia; canta, susurra, habla y, a veces, grita; en última instancia, ofrece a los oyentes una mirada íntima a la complejidad y belleza en el mundo sonoro en continua evolución de un artista que es un verdadero gigante musical.
https://www.allmusic.com/album/garden-of-eden-mw0000351867


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