Sunday, March 31, 2024

Jim Hall • Jazz Guitar



Review by Ken Dryden
Jim Hall's debut as a leader has a somewhat tortured history. The original LP had ten tracks, though producer Richard Bock edited six of them for a later pressing and also inexplicably overdubbed Larry Bunker's drums (he wasn't originally present) on a third pressing. Over time the complete versions of the six edited tunes were lost or discarded, and the master of "This Is New" suffered the same fate. By the time of this 1988 reissue, none of the missing material could be located, although "Too Close for Comfort" and a longer alternate take of "Things Ain't What They Used to Be," both of which had been issued on separate Pacific Jazz anthologies but not on the original LP or subsequent reissues, were added to the CD, which has long since lapsed from print as well. The music deserved a better fate. Jim Hall grew into one of the most respected guitarists in jazz, and his original concept was damaged by Bock's senseless tinkering, since it was the solos of bassist Red Mitchell and pianist Carl Perkins (whose discography is already limited enough due to his premature death) that shortened or removed by the original producer. Nevertheless, what remains is still a valuable introduction to the long, successful career of Jim Hall. The music sticks to familiar standards from the swing era and is often low key, much like the man himself. A waltzing "Thanks for the Memory" is a fine example of Hall's lyricism, while other unedited songs, like the lively "9:20 Special," gives us a glimpse of what the overall album sound might have been like.

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Revisión por Ken Dryden
El debut de Jim Hall como líder tiene una historia un tanto torturada. El LP original tenía diez pistas, aunque el productor Richard Bock editó seis de ellas para una edición posterior y también la batería de Larry Bunker inexplicablemente doblada (no estaba presente originalmente) en una tercera edición. Con el tiempo, las versiones completas de las seis melodías editadas se perdieron o se descartaron, y el maestro de "This Is New" sufrió el mismo destino. En el momento de esta reedición de 1988, no se pudo localizar ninguno de los materiales faltantes, aunque "Too Close for Comfort" y una versión alternativa más larga de "Cosas que no eran lo que solían ser", ambas de las cuales se publicaron por separado. Las antologías de Pacific Jazz, pero no en el LP original o en las reediciones posteriores, se agregaron al CD, que desde hace mucho tiempo también ha caducado. La música merecía un mejor destino. Jim Hall se convirtió en uno de los guitarristas más respetados en el jazz, y su concepto original fue dañado por los retoques sin sentido de Bock, ya que eran los solos del bajista Red Mitchell y el pianista Carl Perkins (cuya discografía ya es lo suficientemente limitada debido a su muerte prematura) que acortado o eliminado por el productor original. Sin embargo, lo que queda es una introducción valiosa a la larga y exitosa carrera de Jim Hall. La música se adhiere a los estándares familiares de la era del swing y es a menudo de bajo perfil, al igual que el hombre mismo. Un valioso "Gracias por la memoria" es un buen ejemplo del lirismo de Hall, mientras que otras canciones inéditas, como el animado "9:20 Especial", nos dan una idea de cómo podría haber sido el sonido general del álbum.
https://www.allmusic.com/album/jazz-guitar-mw0000651636


Charlie Rouse • Yeah!

 



Review by Steve Leggett
Tenor saxophonist Charlie Rouse is best known for his work with Thelonious Monk, playing with the enigmatic pianist and composer during Monk's Columbia years from 1959 until 1970. Rouse's sound with Monk was so fluid and smooth that's it's easy to forget how many eccentric, jagged turns he had to navigate night after night, and that Rouse did it with quiet, steady grace is a testament both to his sax playing and to the space Monk built into his puzzle box compositions. Rouse headed up few sessions on his own as a bandleader, but as this calm, workmanlike set, recorded in 1960 and originally released in 1961 on Epic Records, clearly shows, he could rise to the occasion. Working with a rhythm section of Dave Bailey on drums, Peck Morrison on bass, and Billy Gardner on piano (this was actually Gardner's debut in a recording studio), Rouse's sax lines seem to float effortlessly over the top of things, feeling less urgent and angular than his work with Monk. Highlights include the opener, "You Don't Know What Love Is," the Gardner composition "Billy's Blues," and the pretty ballad, "(There Is No) Greater Love," that closes things out. It's all very pleasant, falling to the easy side of the hard bop spectrum with very few rough edges or surprises. Rouse arguably was at his best as a solid supporting player, but this session has its moments, and it shows a more romantic, gliding side to Rouse than was usually on display with Monk. Everything here on this Japanese reissue was included in Epic's Unsung Hero release, which also added three additional tracks, making it a marginally better purchase than this one.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845


Biography by Scott Yanow
Possessor of a distinctive tone and a fluid bop-oriented style, Charlie Rouse was in Thelonious Monk's Quartet for over a decade (1959-1970) and, although somewhat taken for granted, was an important ingredient in Monk's music. Rouse was always a modern player and he worked with Billy Eckstine's orchestra (1944) and the first Dizzy Gillespie big band (1945), making his recording debut with Tadd Dameron in 1947. Rouse popped up in a lot of important groups including Duke Ellington's Orchestra (1949-1950), Count Basie's octet (1950), on sessions with Clifford Brown in 1953, and with Oscar Pettiford's sextet (1955). He co-led the Jazz Modes with Julius Watkins (1956-1959), and then joined Monk for a decade of extensive touring and recordings. In the 1970s he recorded a few albums as a leader, and in 1979 he became a member of Sphere. Charlie Rouse's unique sound began to finally get some recognition during the 1980s. He participated on Carmen McRae's classic Carmen Sings Monk album and his last recording was at a Monk tribute concert.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

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Reseña de Steve Leggett
El saxofonista tenor Charlie Rouse es más conocido por su trabajo con Thelonious Monk, tocando con el enigmático pianista y compositor durante los años de Monk en Columbia desde 1959 hasta 1970. El sonido de Rouse con Monk era tan fluido y suave que es fácil olvidar cuántas vueltas excéntricas y dentadas tenía que dar noche tras noche, y que Rouse lo hizo con una gracia tranquila y constante es un testamento tanto de su forma de tocar el saxo como del espacio que Monk construyó en sus composiciones de caja de puzzles. Rouse dirigió algunas sesiones por su cuenta como director de orquesta, pero como muestra este tranquilo y trabajador set, grabado en 1960 y originalmente lanzado en 1961 en Epic Records, pudo estar a la altura de las circunstancias. Trabajando con una sección rítmica de Dave Bailey en la batería, Peck Morrison en el bajo y Billy Gardner en el piano (este fue en realidad el debut de Gardner en un estudio de grabación), las líneas de saxo de Rouse parecen flotar sin esfuerzo sobre la cima de las cosas, sintiéndose menos urgente y angular que su trabajo con Monk. Lo más destacado es el comienzo, "You Don't Know What Love Is", la composición de Gardner "Billy's Blues", y la bonita balada, "(There Is No) Greater Love", que cierra las cosas. Todo es muy agradable, cayendo en el lado fácil del espectro del hard bop con muy pocas asperezas o sorpresas. Rouse posiblemente estaba en su mejor momento como un sólido jugador de apoyo, pero esta sesión tiene sus momentos, y muestra un lado más romántico y deslizante de Rouse de lo que normalmente se mostraba con Monk. Todo en esta reedición japonesa se incluyó en el lanzamiento de Unsung Hero de Epic, que también añadió tres temas adicionales, lo que lo convierte en una compra marginalmente mejor que ésta.
https://www.allmusic.com/album/yeah%21-mw0000539845


Biografía de Scott Yanow
Poseedor de un tono distintivo y un estilo fluido orientado al bop, Charlie Rouse estuvo en el Cuarteto de Thelonious Monk durante más de una década (1959-1970) y, aunque un tanto dado por sentado, fue un ingrediente importante en la música de Monk. Rouse siempre fue un músico moderno y trabajó con la orquesta de Billy Eckstine (1944) y la primera gran banda de Dizzy Gillespie (1945), haciendo su debut discográfico con Tadd Dameron en 1947. Rouse apareció en muchos grupos importantes, incluyendo la Orquesta de Duke Ellington (1949-1950), el octeto de Count Basie (1950), en sesiones con Clifford Brown en 1953, y con el sexteto de Oscar Pettiford (1955). Co-dirigió los Modos de Jazz con Julius Watkins (1956-1959), y luego se unió a Monk durante una década de extensas giras y grabaciones. En la década de 1970 grabó unos cuantos álbumes como líder, y en 1979 se convirtió en miembro de Sphere. El sonido único de Charlie Rouse comenzó a ser finalmente reconocido durante los años 80. Participó en el álbum clásico de Carmen McRae, Carmen Sings Monk, y su última grabación fue en un concierto tributo a Monk.
https://www.allmusic.com/artist/charlie-rouse-mn0000176387/biography

 

 

Sonny Stitt • Shangri-La

 


Review by Richie Unterberger
On this trio date Stitt is supported by Don Patterson on organ and Billy James on drums. Shangri-La doesn't particularly stand out from other, similar albums he made at the time with organ, but it's a respectable set with both uptempo swingers and ballads. Even in 1964, a moratorium should have been declared on versions of the too-often-covered "Misty," which is here. Far more surprising, and edifying, is a rare vocal with a humorous and not entirely serious delivery by Stitt himself on "Mama Don't Allow." The album is available in its entirety on Prestige's Low Flame CD, which combines Shangri-La and Stitt's 1962 album Low Flame (which also features Patterson and Billy James, along with guitarist Paul Weeden) on the same disc.
https://www.allmusic.com/album/shangri-la-mw0000872759

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Reseña de Richie Unterberger
En este trío, Stitt cuenta con el apoyo de Don Patterson al órgano y Billy James a la batería. Shangri-La no destaca especialmente de otros álbumes similares que hizo en aquella época con órgano, pero es un conjunto respetable con swingers y baladas. Incluso en 1964, se debería haber declarado una moratoria sobre las versiones de "Misty", que está aquí. Mucho más sorprendente, y edificante, es una rara vocal con una entrega humorística y no del todo seria del propio Stitt en "Mama Don't Allow". El álbum está disponible en su totalidad en el CD Low Flame de Prestige, que combina Shangri-La y el álbum Low Flame de Stitt de 1962 (en el que también aparecen Patterson y Billy James, junto con el guitarrista Paul Weeden) en el mismo disco.
https://www.allmusic.com/album/shangri-la-mw0000872759


www.sonnystitt.com ...
 


The Chet Baker Quintet • Comin' On With The Chet Baker Quintet

 

 

Biography by Matt Collar
An icon of West Coast cool jazz, Chet Baker rose to fame in '50s with his lyrical trumpet lines and spare, romantic singing. After being handpicked for a West Coast tour with Charlie Parker, he burst onto the scene as a member of Gerry Mulligan's pianoless quartet, whose recording of "My Funny Valentine" made him a star even beyond his cult jazz audience. Signed to Pacific Jazz, he released a series of popular albums beginning with 1954's Chet Baker Sings, which featured his definitive vocal take of "My Funny Valentine;" from then on his signature song. By the end of the decade, he had topped both the Downbeat and Metronome Magazine reader's polls, famously beating out two of the era's most renowned trumpeters Miles Davis and Clifford Brown. He was also named DownBeat top jazz vocalist in 1954. At the height of his success, drug addiction and numerous incarcerations dimmed his spotlight and found him living and working a peripatetic lifestyle in Europe for much of the '60s and '70s. He also suffered the loss of his teeth, which hampered his playing until he worked his way back to health and launched a comeback with 1974's She Was Too Good To Me. He was also the subject of fashion photographer and filmmaker Bruce Weber's Oscar-nominated 1988 documentary Let's Get Lost, which helped renew interest in his work. Tragically, he died that same year after falling out of a second story window of his Amsterdam hotel. Baker recorded prolifically during the last few decades of his life, leading to a wave of posthumously released albums, including My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert, which captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big Band and Radio Orchestra Hannover. In 2001, in recognition of the album's lasting influence, Chet Baker Sings was inducted into the Grammy Hall of Fame. Ethan Hawke portrayed Baker in the 2015 film Born to Be Blue, and yet more archival recordings surfaced with 2023's Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland.

Born in 1929 in Yale, Oklahoma, Baker's early years were marked by a rural, dustbowl upbringing. His father, Chesney Henry Baker,Sr., was a guitarist who was forced to turn to other work during the Depression; his mother, Vera (Moser) Baker, worked in a perfumery. The family moved from Oklahoma to Glendale, CA, in 1940. As a child, Baker sang at amateur competitions and in a church choir. Before his adolescence, his father brought home a trombone for him, then replaced it with a trumpet when the larger instrument proved too much for him. He had his first formal training in music in junior high and later at Glendale High School, but would play largely by ear for the rest of his life. In 1946, when he was only 16 years old, he dropped out of high school and his parents signed papers allowing him to enlist in the army; he was sent to Berlin, Germany, where he played in the 298th Army Band. After his discharge in 1948, he enrolled at El Camino College in Los Angeles, where he studied theory and harmony while playing in jazz clubs, but he quit college in the middle of his second year. He re-enlisted in the army in 1950 and became a member of the Sixth Army Band at the Presidio in San Francisco. But he also began sitting in at clubs in the city and he finally obtained a second discharge to become a professional jazz musician.

Baker initially played in Vido Musso's band, then with Stan Getz. (The first recording featuring Baker is a performance of "Out of Nowhere" that comes from a tape of a jam session made on March 24, 1952, and was released on the Fresh Sound Records LP Live at the Trade Winds.) His break came quickly, when, in the spring of 1952, he was chosen at an audition to play a series of West Coast dates with Charlie Parker, making his debut with the famed saxophonist at the Tiffany Club in Los Angeles on May 29, 1952. That summer, he began playing in the Gerry Mulligan Quartet, a group featuring only baritone sax, trumpet, bass, and drums -- no piano -- that attracted attention during an engagement at the Haig nightclub and through recordings on the newly formed Pacific Jazz Records (later known as World Pacific Records), beginning with the 10" LP Gerry Mulligan Quartet, which featured Baker's famous rendition of "My Funny Valentine."

The Gerry Mulligan Quartet lasted for less than a year, folding when its leader went to jail on a drug charge in June 1953. Baker went solo, forming his own quartet, which initially featured Russ Freeman on piano, Red Mitchell on bass, and Bobby White on drums, and making his first recording as leader for Pacific Jazz on July 24, 1953. Baker was hailed by fans and critics and he won a number of polls in the next few years. In 1954, Pacific Jazz released Chet Baker Sings, an album that increased his popularity beyond his core jazz audience; he would continue to sing for the rest of his career. Acknowledging his chiseled good looks, nearby Hollywood came calling and he made his acting debut in the film Hell's Horizon, released in the fall of 1955. But he declined an offer of a studio contract and toured Europe from September 1955 to April 1956. When he returned to the U.S., he formed a quintet that featured saxophonist Phil Urso and pianist Bobby Timmons. Contrary to his reputation for relaxed, laid-back playing, Baker turned to more of a bop style with this group, which recorded the album Chet Baker & Crew for Pacific Jazz in July 1956.

Baker toured the U.S. in February 1957 with the Birdland All-Stars and took a group to Europe later that year. He returned to Europe to stay in 1959, settling in Italy, where he acted in the film Urlatori Alla Sbarra. Hollywood, meanwhile, had not entirely given up on him, at least as a source of inspiration, and in 1960, a fictionalized film biography of his life, All the Fine Young Cannibals, appeared with Robert Wagner in the starring role of Chad Bixby.

Baker had become addicted to heroin in the 1950s and had been incarcerated briefly on several occasions, but his drug habit only began to interfere with his career significantly in the 1960s. He was arrested in Italy in the summer of 1960 and spent almost a year and a half in jail. He celebrated his release by recording Chet Is Back! for RCA in February 1962. (It has since been reissued as The Italian Sessions and as Somewhere Over the Rainbow.) Later in the year, he was arrested in West Germany and expelled to Switzerland, then France, later moving to England in August 1962 to appear as himself in the film The Stolen Hours, which was released in 1963. He was deported from England to France because of a drug offense in March 1963. He lived in Paris and performed there and in Spain over the next year, but after being arrested again in West Germany, he was deported back to the U.S. He returned to America after five years in Europe on March 3, 1964, and played primarily in New York and Los Angeles during the mid-'60s, having switched temporarily from trumpet to flügelhorn. In the summer of 1966, he suffered a severe beating in San Francisco that was related to his drug addiction. The incident is usually misdated and frequently exaggerated in accounts of his life, often due to his own unreliable testimony. It is said, for example, that all his teeth were knocked out, which is not the case, though one tooth was broken and the general deterioration of his teeth led to his being fitted with dentures in the late '60s, forcing him to retrain his embouchure. The beating was not the cause of the decline in his career during this period, but it is emblematic of that decline. By the end of the '60s, he was recording and performing only infrequently and he stopped playing completely in the early '70s.

Regaining some control over his life by taking methadone to control his heroin addiction (though he remained an addict), Baker eventually mounted a comeback that culminated in a prominent New York club engagement in November 1973 and a reunion concert with Gerry Mulligan at Carnegie Hall in November 1974 that was recorded and released by Epic Records. Also that year, he again marked his comeback with the excellent studio album She Was Too Good To Me, which featured altoist Paul Desmond. By the mid-'70s, Baker was able to return to Europe and he spent the rest of his life performing there primarily, with occasional trips to Japan and periods back in the U.S., though he had no permanent residence. Other notable albums released during this period are 1977's Once Upon a Summertime, 1977's Don Sebesky-produced You Can't Go Home Again (which found him surrounded by luminaries, including Desmond, Michael Brecker, Ron Carter, and Tony Williams, among others), and 1980's Chet Baker/Wolfgang Lackerschmid (a gorgeously atmospheric collaboration with the German vibraphonist).

By the '80s, he started to attract the attention of rock musicians, with whom he occasionally performed, for example adding trumpet to Elvis Costello's recording of his anti-Falklands War song "Shipbuilding" in 1983. In 1987, photographer and filmmaker Bruce Weber undertook a documentary film about Baker. The following year, Baker died in a fall from a hotel window in Amsterdam. Weber's film, Let's Get Lost, premiered in September 1988 to critical acclaim and earned an Academy Award nomination.

Baker recorded often throughout the latter-half of his life and consequently there has been a steady stream of posthumously released albums. My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert arrived soon after his passing and captured one of his final concerts in Germany with the NDR Big Band and Radio Orchestra Hannover. His work has also been collected in several superb boxsets, including Mosaic's The Complete Pacific Jazz Studio Recordings Of The Chet Baker Quartet Wi… and Chet Baker: the Pacific Jazz Years, as well as The Complete Pacific Jazz Recordings Of The Gerry Mulligan Quartet With …. In 1997, Baker's unfinished autobiography was published under the title As Though I Had Wings: The Lost Memoir and the book was optioned by Miramax for a film adaptation, though never produced. A semi-fictional biopic starring Ethan Hawke as Baker, Born To Be Blue, arrived in 2015, though none of the trumpeter's actual recordings were featured in the film. In 2023, a long out-of-print collection of archival recordings, Blue Room: The 1979 Vara Studio Sessions in Holland, appeared featuring Baker with both pianist Frans Elsen's trio, as well as his own touring ensemble, including pianist Phil Markowitz, bassist Jean-Louis Rassinfosse, and drummer Charles Rice.
https://www.allmusic.com/artist/chet-baker-mn0000094210#biography

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Biografía de Matt Collar
Un ícono del cool jazz de la Costa Oeste, Chet Baker saltó a la fama en los años 50 con sus líricas líneas de trompeta y su canto romántico y sobrio. Después de ser elegido cuidadosamente para una gira por la Costa Oeste con Charlie Parker, irrumpió en escena como miembro del cuarteto sin piano de Gerry Mulligan, cuya grabación de "My Funny Valentine" lo convirtió en una estrella incluso más allá de su audiencia de jazz de culto. Firmado con Pacific Jazz, lanzó una serie de álbumes populares que comenzaron con Chet Baker Sings de 1954, que incluía su versión vocal definitiva de "My Funny Valentine"; a partir de entonces, su canción insignia. A finales de la década, había encabezado las encuestas de lectores de Downbeat y Metronome Magazine, superando a dos de los trompetistas más reconocidos de la época, Miles Davis y Clifford Brown. También fue nombrado vocalista de jazz DownBeat top en 1954. En el apogeo de su éxito, la adicción a las drogas y numerosos encarcelamientos atenuaron su atención y lo encontraron viviendo y trabajando en un estilo de vida itinerante en Europa durante gran parte de los años 60 y 70. También sufrió la pérdida de sus dientes, lo que obstaculizó su forma de tocar hasta que recuperó la salud y lanzó su regreso con She Was Too Good To Me de 1974. También fue objeto del documental Let's Get Lost, nominado al Oscar en 1988 por el fotógrafo de moda y cineasta Bruce Weber, que ayudó a renovar el interés en su trabajo. Trágicamente, murió ese mismo año después de caerse por la ventana del segundo piso de su hotel en Ámsterdam. Baker grabó prolíficamente durante las últimas décadas de su vida, lo que llevó a una ola de álbumes lanzados póstumamente, incluidos My Favorite Songs, Vol. 1-2: The Last Great Concert, que capturó uno de sus últimos conciertos en Alemania con la NDR Big Band y la Radio Orchestra Hannover. En 2001, en reconocimiento a la influencia duradera del álbum, Chet Baker Sings fue incluido en el Salón de la Fama de los Grammy. Ethan Hawke interpretó a Baker en la película Born to Be Blue de 2015, y aún surgieron más grabaciones de archivo con Blue Room: The Vara Studio Sessions de 2023 en Holanda.

Nacido en 1929 en Yale, Oklahoma, los primeros años de Baker estuvieron marcados por una educación rural y en un dustbowl. Su padre, Chesney Henry Baker, Sr., era un guitarrista que se vio obligado a dedicarse a otros trabajos durante la Depresión; su madre, Vera (Moser) Baker, trabajaba en una perfumería. La familia se mudó de Oklahoma a Glendale, California, en 1940. De niña, Baker cantaba en concursos de aficionados y en el coro de una iglesia. Antes de su adolescencia, su padre le trajo a casa un trombón y luego lo reemplazó con una trompeta cuando el instrumento más grande resultó demasiado para él. Tuvo su primera formación formal en música en la escuela secundaria y más tarde en la Escuela Secundaria Glendale, pero tocaría principalmente de oído por el resto de su vida. En 1946, cuando tenía solo 16 años, abandonó la escuela secundaria y sus padres firmaron documentos que le permitían alistarse en el ejército; fue enviado a Berlín, Alemania, donde tocó en la 298ª Banda del Ejército. Después de su baja en 1948, se matriculó en El Camino College de Los Ángeles, donde estudió teoría y armonía mientras tocaba en clubes de jazz, pero abandonó la universidad a mediados de su segundo año. Se volvió a alistar en el ejército en 1950 y se convirtió en miembro de la Sexta Banda del Ejército en el Presidio de San Francisco. Pero también comenzó a frecuentar clubes de la ciudad y finalmente obtuvo una segunda licencia para convertirse en músico profesional de jazz.

Baker tocó inicialmente en la banda de Vido Musso, luego con Stan Getz. (La primera grabación con Baker es una interpretación de "Out of Nowhere" que proviene de una cinta de una sesión improvisada realizada el 24 de marzo de 1952 y fue lanzada en el LP de Fresh Sound Records Live at the Trade Winds.) Su oportunidad llegó rápidamente, cuando, en la primavera de 1952, fue elegido en una audición para tocar en una serie de fechas en la Costa Oeste con Charlie Parker, debutando con el famoso saxofonista en el Tiffany Club de Los Ángeles el 29 de mayo de 1952. Ese verano, comenzó a tocar en el Cuarteto Gerry Mulligan, un grupo que presentaba solo saxo barítono, trompeta, bajo y batería, sin piano, que llamó la atención durante un compromiso en el club nocturno Haig y a través de grabaciones en el recién formado Pacific Jazz Records (más tarde conocido como World Pacific Records), comenzando con el LP de 10" Gerry Mulligan Quartet, que incluía la famosa interpretación de Baker de "My Funny Valentine."

El Cuarteto Gerry Mulligan duró menos de un año, retirándose cuando su líder fue a la cárcel acusado de drogas en junio de 1953. Baker se fue en solitario, formando su propio cuarteto, que inicialmente contó con Russ Freeman al piano, Red Mitchell al bajo y Bobby White a la batería, y realizó su primera grabación como líder de Pacific Jazz el 24 de julio de 1953. Baker fue aclamado por fanáticos y críticos y ganó varias encuestas en los años siguientes. En 1954, Pacific Jazz lanzó Chet Baker Sings, un álbum que aumentó su popularidad más allá de su audiencia principal de jazz; continuaría cantando por el resto de su carrera. Reconociendo su buena apariencia cincelada, el cercano Hollywood llamó e hizo su debut como actor en la película Hell's Horizon, estrenada en el otoño de 1955. Pero rechazó una oferta de contrato de estudio y realizó una gira por Europa desde septiembre de 1955 hasta abril de 1956. Cuando regresó a los Estados Unidos, formó un quinteto que incluía al saxofonista Phil Urso y al pianista Bobby Timmons. Contrariamente a su reputación de tocar relajado y relajado, Baker recurrió a un estilo más bop con este grupo, que grabó el álbum Chet Baker & Crew para Pacific Jazz en julio de 1956.

Baker realizó una gira por los Estados Unidos en febrero de 1957 con Birdland All-Stars y llevó a un grupo a Europa ese mismo año. Regresó a Europa para quedarse en 1959, estableciéndose en Italia, donde actuó en la película Urlatori Alla Sbarra. Hollywood, mientras tanto, no había renunciado por completo a él, al menos como fuente de inspiración, y en 1960, apareció una biografía cinematográfica ficticia de su vida, All the Fine Young Cannibals, con Robert Wagner en el papel protagónico de Chad Bixby.

Baker se había vuelto adicto a la heroína en la década de 1950 y había estado encarcelado brevemente en varias ocasiones, pero su adicción a las drogas solo comenzó a interferir significativamente en su carrera en la década de 1960. Fue arrestado en Italia en el verano de 1960 y pasó casi un año y medio en la cárcel. ¡Celebró su liberación grabando Chet Is Back! para RCA en febrero de 1962. (Desde entonces se ha reeditado como The Italian Sessions y Somewhere Over the Rainbow.) Más tarde ese año, fue arrestado en Alemania Occidental y expulsado a Suiza, luego a Francia, y luego se mudó a Inglaterra en agosto de 1962 para aparecer como él mismo en la película The Stolen Hours, que se estrenó en 1963. Fue deportado de Inglaterra a Francia por un delito de drogas en marzo de 1963. Vivió en París y actuó allí y en España durante el año siguiente, pero después de ser arrestado nuevamente en Alemania Occidental, fue deportado de regreso a los EE. UU. Regresó a Estados Unidos después de cinco años en Europa el 3 de marzo de 1964, y tocó principalmente en Nueva York y Los Ángeles a mediados de los 60, habiendo cambiado temporalmente de trompeta a flügelhorn. En el verano de 1966, sufrió una severa golpiza en San Francisco relacionada con su adicción a las drogas. El incidente suele estar mal fechado y con frecuencia exagerado en los relatos de su vida, a menudo debido a su propio testimonio poco confiable. Se dice, por ejemplo, que todos sus dientes fueron arrancados, lo cual no es el caso, aunque un diente se rompió y el deterioro general de sus dientes llevó a que se le colocaran dentaduras postizas a fines de los 60, lo que lo obligó a volver a entrenar su embocadura. La paliza no fue la causa del declive de su carrera durante este período, pero es emblemática de ese declive. A finales de los 60, estaba grabando y actuando con poca frecuencia y dejó de tocar por completo a principios de los 70.

Recuperando cierto control sobre su vida tomando metadona para controlar su adicción a la heroína (aunque seguía siendo un adicto), Baker finalmente montó un regreso que culminó con un destacado compromiso en un club de Nueva York en noviembre de 1973 y un concierto de reunión con Gerry Mulligan en el Carnegie Hall en noviembre de 1974 que fue grabado y lanzado por Epic Records. También ese año, volvió a marcar su regreso con el excelente álbum de estudio She Was Too Good To Me, que contó con el altoista Paul Desmond. A mediados de los 70, Baker pudo regresar a Europa y pasó el resto de su vida actuando allí principalmente, con viajes ocasionales a Japón y períodos de regreso en los EE.UU., aunque no tenía residencia permanente. Otros álbumes notables lanzados durante este período son Once Upon a Summertime de 1977, You Can't Go Home Again, producido por Don Sebesky en 1977 (que lo encontró rodeado de luminarias, incluidos Desmond, Michael Brecker, Ron Carter y Tony Williams, entre otros) y Chet Baker/Wolfgang Lackerschmid de 1980 (una colaboración maravillosamente atmosférica con el vibrafonista alemán).

Para los años 80, comenzó a atraer la atención de los músicos de rock, con quienes tocaba ocasionalmente, por ejemplo, agregando trompeta a la grabación de Elvis Costello de su canción contra la Guerra de las Malvinas "Shipbuilding" en 1983. En 1987, el fotógrafo y cineasta Bruce Weber realizó un documental sobre Baker. Al año siguiente, Baker murió al caerse de la ventana de un hotel en Ámsterdam. La película de Weber, Let's Get Lost, se estrenó en septiembre de 1988 con gran éxito de crítica y obtuvo una nominación al Premio de la Academia.


The Al Casey Quartet • The Al Casey Quartet



 Artist Biography
Renowned for his long collaboration with Fats Waller, Al Casey towers alongside the finest acoustic guitarists of the swing era, boasting a subtly powerful presence that flourished in intimate musical contexts. Born September 15, 1915, in Louisville, KY, Casey was a child prodigy who first adopted the violin, briefly moving to the ukulele before zeroing in on the guitar, which he studied at New York City's DeWitt Clinton High School. He joined Waller while in his mid-teens, recommended to the legendary pianist by his uncles, who met Waller while on tour with their gospel group the Southern Singers. Waller insisted Casey remain in school and earn his diploma before he could join the group full-time, but the guitarist was a fixture of recording sessions from the early '30s onward, and even joined Waller on tour during extended holiday breaks. Casey remained with the group until Waller's 1943 death, appearing on more than 200 classic swing sides; the famous blues number "Buck Jumpin'" took shape after Casey appeared late to a gig, prompting Waller to single him out on-stage and invite him to play a solo. The result was so electrifying that it was later captured in the studio.

Casey also recorded with trumpeter Louis Armstrong, singer Billie Holiday, vibist Lionel Hampton, and pianist Teddy Wilson, even joining the latter's short-lived big band in 1939. After Waller's passing, he played with pianist Clarence Profit's trio before assembling his own trio, which headlined New York's Onyx Club for close to a year before moving to the Down Beat. Around this time Casey moved to the electric guitar, and in both 1944 and 1945 he was named the instrument's top player in Esquire magazine's annual jazz poll; he spent much of the decade to follow as a gun-for-hire, capped off by a four-year collaboration with R&B saxophonist King Curtis initiated in 1957. Casey briefly retired from music in 1961, working in a Xerox copy shop before returning to performing, recording sessions in support of singer Helen Humes and pianist Jay McShann. After another extended period of retirement, he resurfaced in 1981 with the Harlem Jazz and Blues Band, which remained his primary vehicle for the next two decades; in 1994, he also cut his first headlining date, signing to the Jazzpoint label for A Tribute to "Fats". After a long battle with colon cancer, Casey died on September 11, 2005, just days short of his 90th birthday.
by Jason Ankeny
https://www.allmusic.com/artist/al-casey-mn0000240632/biography

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 Biografía del artista
Reconocido por su larga colaboración con Fats Waller, Al Casey se alza junto a los mejores guitarristas acústicos de la era del swing, presumiendo de una presencia sutilmente poderosa que floreció en contextos musicales íntimos. Nacido el 15 de septiembre de 1915 en Louisville, KY, Casey fue un niño prodigio que primero adoptó el violín, pasando brevemente al ukelele antes de concentrarse en la guitarra, que estudió en la escuela secundaria DeWitt Clinton de la ciudad de Nueva York. Se unió a Waller cuando era un adolescente, recomendado al legendario pianista por sus tíos, que lo conocieron durante una gira con su grupo de gospel Southern Singers. Waller insistió en que Casey permaneciera en la escuela y obtuviera su diploma antes de poder unirse al grupo a tiempo completo, pero el guitarrista era un fijo en las sesiones de grabación desde principios de los años 30 en adelante, e incluso se unió a Waller en las giras durante las largas vacaciones. Casey permaneció con el grupo hasta la muerte de Waller en 1943, apareciendo en más de 200 swing side clásicos; el famoso número de blues "Buck Jumpin'" tomó forma después de que Casey apareciera tarde en un concierto, lo que hizo que Waller lo escogiera en el escenario y lo invitara a tocar un solo. El resultado fue tan electrizante que fue capturado más tarde en el estudio.

Casey también grabó con el trompetista Louis Armstrong, la cantante Billie Holiday, el vibrafonista Lionel Hampton, y el pianista Teddy Wilson, incluso se unió a la efímera big band de este último en 1939. Tras el fallecimiento de Waller, tocó con el trío del pianista Clarence Profit antes de formar su propio trío, que encabezó el Onyx Club de Nueva York durante casi un año antes de pasar al Down Beat. Por esta época Casey se pasó a la guitarra eléctrica, y tanto en 1944 como en 1945 fue nombrado el mejor intérprete del instrumento en la encuesta anual de jazz de la revista Esquire; pasó la mayor parte de la década siguiente como un pistolero a sueldo, rematada por una colaboración de cuatro años con el saxofonista de R&B King Curtis iniciada en 1957. Casey se retiró brevemente de la música en 1961, trabajando en una copistería de Xerox antes de volver a actuar, grabando sesiones de apoyo a la cantante Helen Humes y al pianista Jay McShann. Tras otro largo período de retiro, volvió a aparecer en 1981 con la Harlem Jazz and Blues Band, que siguió siendo su principal vehículo durante los dos decenios siguientes; en 1994, también cortó su primera cita con los titulares, firmando con el sello Jazzpoint para A Tribute to "Fats". Después de una larga batalla contra el cáncer de colon, Casey murió el 11 de septiembre de 2005, a pocos días de cumplir 90 años.
por Jason Ankeny
https://www.allmusic.com/artist/al-casey-mn0000240632/biography...


Many thanks to Chris


Larry Young • Contrasts

 



Review
by Scott Yanow
For this interesting set, organist Larry Young (the first musician on his instrument to really move beyond Jimmy Smith's soul-jazz into the avant-garde) mostly utilized lesser-known musicians from the Newark, NJ, area: Tyrone Washington and Herbert Morgan on tenors, flugelhornist Hank White, guitarist Eddie Wright, drummer Eddie Gladden, and Stacey Edwards on congas. "Major Affair" is an organ-drums duet and Larry's wife Althea Young does a haunting version of "Wild Is the Wind," while the other four selections use all of the horns. The adventurous music is sometimes quite intense but also grooves in its own eccentric way, offering listeners a very fresh sound on organ.
https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116

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Reseña
por Scott Yanow
Para este interesante set, el organista Larry Young (el primer músico de su instrumento que realmente pasó del soul-jazz de Jimmy Smith a la vanguardia) utilizó sobre todo a músicos menos conocidos de la zona de Newark, NJ: Tyrone Washington y Herbert Morgan a los tenores, el fliscornista Hank White, el guitarrista Eddie Wright, el batería Eddie Gladden y Stacey Edwards a las congas. "Major Affair" es un dúo de órgano y batería, y la esposa de Larry, Althea Young, hace una inquietante versión de "Wild Is the Wind", mientras que en las otras cuatro selecciones intervienen todas las trompas. La música aventurera es a veces bastante intensa, pero también se mueve a su manera excéntrica, ofreciendo a los oyentes un sonido de órgano muy fresco.
https://www.allmusic.com/album/contrasts-mw0000928116


Duke Pearson • Tender Feelin's





Saturday, March 30, 2024

VA • Harmonica Blues

 

 

Sonny Terry, Buddy Guy, Junior Wells, Big Walter Horton, Lazy Lester, James Cotton, Billy Boy Arnold, Louisiana Red, Scott Henderson, Taj Mahal …



Art Blakey & The Jazz Messengers • Ugetsu

 



Ugetsu, a 1963 live set from the original Birdland, finds Art Blakey & His Jazz Messengers at the peak of their powers with one of their strongest lineups. The group primarily recorded sessions for Alfred Lion's Blue Note label, but this Riverside date is as strong as any of their previous outings. Having acquired the services of trombonist Curtis Fuller in 1961, the Messengers' front line was its most robust ever, with Wayne Shorter and Freddie Hubbard consistently turning in some of their best performances. Rounding out the rhythm section with Blakey are the equally powerful Reggie Workman and Cedar Walton. The Messengers' set list finds the majority of tunes written by musical director Wayne Shorter, as well as a few choice numbers from Curtis Fuller and Cedar Walton's title cut. The group is spurred on by a very receptive crowd, tempos and solos are spirited for the most part, and Blakey seems exceptionally energetic despite not performing a single extended solo himself. His between-song banter is equally entertaining. Overall, the group is precise, expressive, and swinging hard, delivering its message from the grandest platform of the time.
https://www.jazzmessengers.com/es/61428/art-blakey/ugetsu

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Ugetsu, una grabación en directo de 1963 en el Birdland original, muestra a Art Blakey & His Jazz Messengers en la cima de su carrera con una de sus formaciones más sólidas. El grupo grabó principalmente sesiones para el sello Blue Note de Alfred Lion, pero esta fecha de Riverside es tan sólida como cualquiera de sus grabaciones anteriores. Habiendo adquirido los servicios del trombonista Curtis Fuller en 1961, la primera línea de los Messengers era la más robusta de su historia, con Wayne Shorter y Freddie Hubbard realizando constantemente algunas de sus mejores actuaciones. Completan la sección rítmica con Blakey los igualmente poderosos Reggie Workman y Cedar Walton. El repertorio de The Messengers contiene la mayoría de temas escritos por el director musical Wayne Shorter, así como algunos de Curtis Fuller y Cedar Walton. El grupo está animado por un público muy receptivo, los tempos y los solos son enérgicos en su mayor parte, y Blakey parece excepcionalmente enérgico a pesar de no interpretar ni un solo extenso. Sus bromas entre canciones son igualmente entretenidas. En general, el grupo es preciso, expresivo y se mueve con fuerza, transmitiendo su mensaje desde la plataforma más grandiosa de la época.
https://www.jazzmessengers.com/es/61428/art-blakey/ugetsu


artblakey.com ...


Arnett Cobb & Guy Lafitte • Tenor Abrupt

 



Review by Al Campbell
As part of The Definitive Black & Blue Sessions series, tenor saxophonist Arnett Cobb is spotlighted on ten digitally remastered tracks, recorded live in France on March 16 and 29, 1980. Cobb recorded several records for Black & Blue, but this straight-ahead live session is special. Paired up with tenor associate Guy Lafitte, Roland Hanna on piano, Jimmy Woode on bass, and Eddie Locke on drums, Cobb is still in excellent form even though this was recorded late in his career. Among the previously unreleased tracks are "Oue Reste-T-Il de Nos Amours," "Make Someone Happy," "The Nearness of You," and "Blues in Deauville."
https://www.allmusic.com/album/the-definitive-black-blue-sessions-tenor-abrupt-mw0000032296

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Reseña de Al Campbell
Como parte de la serie The Definitive Black & Blue Sessions, el saxofonista tenor Arnett Cobb es el centro de atención en diez temas remasterizados digitalmente, grabados en directo en Francia los días 16 y 29 de marzo de 1980. Cobb grabó varios discos para Black & Blue, pero esta sesión en directo es especial. Acompañado por el tenor Guy Lafitte, Roland Hanna al piano, Jimmy Woode al bajo y Eddie Locke a la batería, Cobb sigue en excelente forma a pesar de que se grabó en una etapa tardía de su carrera. Entre los temas inéditos se encuentran "Oue Reste-T-Il de Nos Amours", "Make Someone Happy", "The Nearness of You" y "Blues in Deauville".
https://www.allmusic.com/album/the-definitive-black-blue-sessions-tenor-abrupt-mw0000032296


Hank Jones • Quartet-Quintet


 



Artist Biography by Ron Wynn
The oldest of the Jones brothers, Hank Jones has been a supreme accompanist and underrated soloist. He's among the most accomplished sight readers in jazz, and his flexibility and sensitive style have kept him extremely busy cutting sessions and working in various groups and styles ranging from swing to bebop. He's worked with vocalists, played in big bands and done many solo, trio, and combo dates.

Born in 1918 in Vicksburg, Mississippi, Jones moved with his family to the Detroit area while still a child, and studied piano early, listening carefully to Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines, and Fats Waller. He began playing in the midwest at age 13, and worked in territory bands. Jones met Lucky Thompson in one of these groups, and Thompson invited him to New York in 1944 to work with Hot Lips Page at the Onyx Club. Jones worked for a while with John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk, and Billy Eckstine, then began touring in 1947. He worked with Jazz at the Philharmonic, then accompanied Ella Fitzgerald from 1948 to 1953. Jones also cut many sessions for Norman Granz's labels in the late '40s and early '50s, many with Charlie Parker. He worked and recorded in the '50s with Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson, and Cannonball Adderley before joining CBS' staff in 1959. He worked on such programs as The Ed Sullivan Show and stayed with CBS until they disbanded the staff in 1976. He recorded several sessions with Savoy in the mid- and late '50s, playing with Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall, and Kenny Clarke, among others. He also recorded solo and quartet dates for Epic. His quartet with Osie Johnson, Barry Galbraith, and Milt Hinton became one of New York's busiest during the early '60s, sometimes doing three dates a day. They cut albums for Capitol and ABC in 1958, though Galbraith missed the ABC sessions. Jones continued recording at Capitol, Argo, and Impulse in the early '60s, at times working with his brother Elvin. He made a host of recordings in the '70s. There were solo dates for Trio and Galaxy, and trio sessions for Interface and Concord, among others in the '70s. There were duo dates with Flanagan for Verve and Galaxy in the late '70s. Jones served as pianist and conductor for the Broadway musical Ain't Misbehavin in the late '70s. He also played in the Great Jazz Trio, originally with Ron Carter and Tony Williams. (Buster Williams replaced Carter on the trio's first recording date.) Jones continued with the trio into the '80s, though Eddie Gomez and Al Foster later became his mates, and Jimmy Cobb replaced Foster in 1982. The trio also backed Art Farmer, Benny Golson, and Nancy Wilson. Jones was the resident pianist at the Cafe Ziegfeld in the early '80s, and toured Japan with George Duvivier and Sonny Stitt. He kept his recording blitz going into the digital era. In 1989, he was named a National Endowment for the Arts Jazz Master. In 2004, he was awarded as an ASCAP Jazz Living Legend; five years later, he received a National Medal of Arts; and in 2009, Jones earned a Lifetime Achievement award at the Grammys. One year later, he died in the Bronx while in hospice, just a few weeks after returning from performance dates in Japan.
https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn
El mayor de los hermanos Jones, Hank Jones, ha sido un acompañante supremo y un solista subestimado. Es uno de los más destacados lectores de jazz, y su flexibilidad y estilo sensible le han mantenido extremadamente ocupado cortando sesiones y trabajando en varios grupos y estilos que van desde el swing hasta el bebop. Ha trabajado con vocalistas, tocado en grandes bandas y ha hecho muchos solos, tríos y citas combinadas.

Nacido en 1918 en Vicksburg, Mississippi, Jones se mudó con su familia al área de Detroit cuando aún era un niño, y estudió piano temprano, escuchando cuidadosamente a Art Tatum, Teddy Wilson, Earl Hines y Fats Waller. Comenzó a tocar en el medio oeste a la edad de 13 años, y trabajó en bandas de territorio. Jones conoció a Lucky Thompson en uno de estos grupos, y Thompson lo invitó a Nueva York en 1944 para trabajar con Hot Lips Page en el Onyx Club. Jones trabajó durante un tiempo con John Kirby, Howard McGhee, Coleman Hawkins, Andy Kirk y Billy Eckstine, y luego comenzó a hacer giras en 1947. Trabajó con Jazz en la Filarmónica, luego acompañó a Ella Fitzgerald de 1948 a 1953. Jones también cortó muchas sesiones para los sellos de Norman Granz a finales de los'40 y principios de los'50, muchos con Charlie Parker. Trabajó y grabó en los años 50 con Artie Shaw, Benny Goodman, Lester Young, Milt Jackson y Cannonball Adderley antes de unirse al personal de CBS en 1959. Trabajó en programas como The Ed Sullivan Show y se quedó con CBS hasta que se disolvió el personal en 1976. Grabó varias sesiones con Savoy a mediados y finales de los años 50, tocando con Donald Byrd, Herbie Mann, Wendell Marshall y Kenny Clarke, entre otros. También grabó fechas como solista y cuarteto para Epic. Su cuarteto con Osie Johnson, Barry Galbraith y Milt Hinton se convirtió en uno de los más ocupados de Nueva York a principios de los años 60, a veces con tres citas al día. Recortaron álbumes para Capitol y ABC en 1958, aunque Galbraith se perdió las sesiones de ABC. Jones continuó grabando en Capitol, Argo e Impulse a principios de los 60, a veces trabajando con su hermano Elvin. Hizo un montón de grabaciones en los años 70. Hubo fechas en solitario para el Trío y la Galaxia, y sesiones de trío para Interface y Concord, entre otros en los años 70. Hubo citas a dúo con Flanagan para Verve y Galaxy a finales de los 70. Jones fue pianista y director del musical de Broadway Ain't Misbehavin a finales de los años 70. También tocó en el Great Jazz Trio, originalmente con Ron Carter y Tony Williams. (Buster Williams reemplazó a Carter en la primera fecha de grabación del trío.) Jones continuó con el trío en los años 80, aunque Eddie Gómez y Al Foster más tarde se convirtieron en sus amigos, y Jimmy Cobb reemplazó a Foster en 1982. El trío también apoyó a Art Farmer, Benny Golson y Nancy Wilson. Jones fue el pianista residente en el Café Ziegfeld a principios de los 80, y estuvo de gira por Japón con George Duvivier y Sonny Stitt. Siguió grabando y entrando en la era digital. En 1989, fue nombrado National Endowment for the Arts Jazz Master. En 2004, fue galardonado como ASCAP Jazz Living Legend; cinco años más tarde, recibió una Medalla Nacional de las Artes; y en 2009, Jones ganó un premio Lifetime Achievement en los Grammys. Un año más tarde, murió en el Bronx mientras estaba en el hospicio, sólo unas semanas después de regresar de sus presentaciones en Japón.
https://www.allmusic.com/artist/hank-jones-mn0000558339/biography



Larry Coryell-Victor Bailey-Lenny White • Traffic

 



Chesky Records is pleased to announce the September 26 release of Traffic, CBW’s highly anticipated follow-up to their 2005 debut, Electric. The power trio/supergroup features the godfather of fusion guitar Larry Coryell, former Weather Report bassist Victor Bailey and veteran Return to Forever drummer Lenny White.

Traffic continues the CBW tradition of blending virtuosic original compositions with immaculately conceived interpretations of jazz and classic rock standards. Original songs on Traffic include go-for-the-throat throwdowns like “Judith Loves Jazz,” “Door #3” and “Overruled,” while covers of Thelonious Monk’s “Misterioso” and Jimi Hendrix’s “Manic Depression” are also featured.

Though Coryell & Co. have been acclaimed for their raw, in-your-face sound, they also know how to apply finesse when necessary. Traffic even finds CBW unplugging for gentle acoustic respites like “Jake’s Lullaby” and “Joyce’s Favorite.” “It’s not only a detour from the rest of the program, but I think it’s a needed one in the first decade of the 21st century,” Coryell says of the featured acoustic numbers. “I just don’t think we can go all the way through with loud rockin’ stuff, so we offer a few detours on this record.”

Other sonic highlights include a rare documented instance of Coryell playing slide on “Misterioso” and Bailey’s two-handed tapping technique on several tracks throughout the album. Recorded in St. Peter’s Episcopal Church in New York, Traffic uncompromisingly captures the immediacy of uncompressed live music in a sonically rich environment; CBW just let the tape roll and channeled the spirit of the moment. “Monk told me one thing that I will never forget,” Coryell recalls.” He said, ‘Wrong is right, baby!’ And on this record, we all took his advice. We all made mistakes with authority and it sounds good.”

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Chesky Records se complace en anunciar el lanzamiento el 26 de septiembre de Traffic, el muy esperado seguimiento de CBW de su debut en 2005, Electric. El poderoso trío / supergrupo presenta al padrino de la guitarra fusión Larry Coryell, al ex bajista de Weather Report Victor Bailey y al veterano baterista de Return to Forever, Lenny White.

Traffic continúa la tradición de CBW de mezclar composiciones originales virtuosas con interpretaciones impecablemente concebidas de estándares de jazz y rock clásico. Las canciones originales de Traffic incluyen versiones descaradas como "Judith Loves Jazz", " Door #3 "y " Overruled", mientras que también se incluyen versiones de "Misterioso" de Thelonious Monk y "Manic Depression" de Jimi Hendrix.

Aunque Coryell & Co. han sido aclamados por su sonido crudo y directo a la cara, también saben cómo aplicar delicadeza cuando es necesario. Traffic incluso encuentra CBW desconectándose para suaves respiros acústicos como "Jake's Lullaby" y " Joyce's Favorite."No es solo un desvío del resto del programa, sino que creo que es necesario en la primera década del siglo XXI", dice Coryell sobre los números acústicos presentados. "Simplemente no creo que podamos llegar hasta el final con cosas ruidosas de rock, así que ofrecemos algunos desvíos en este disco.”

Otros aspectos destacados de sonic incluyen una rara instancia documentada de Coryell tocando slide en "Misterioso" y la técnica de tapping a dos manos de Bailey en varias pistas a lo largo del álbum. Grabado en la Iglesia Episcopal de San Pedro en Nueva York, Traffic captura sin concesiones la inmediatez de la música en vivo sin comprimir en un entorno sonoramente rico; CBW simplemente dejó rodar la cinta y canalizó el espíritu del momento. "Monk me dijo una cosa que nunca olvidaré", recuerda Coryell."Él dijo:' ¡Lo incorrecto es correcto, bebé! Y en este disco, todos seguimos su consejo. Todos cometemos errores con autoridad y suena bien.”


https://larrycoryell.net/

facebook.com/LennyWhiteOfficial ...


Herbie Hancock • Jazz To Funk

 



Review by Jonathan Widran
Fans of the legendary jazz innovator and spirited '60s jazz (and that era's soundtrack music) are the best market for this two-CD hodgepodge of rare recordings either composed by or featuring some typically exciting performances by Herbie Hancock. If you can get through the first few minutes of the noodling warm-up atonalities on the disc one opener, "Maulana," you'll experience the swinging fun of four tracks with African titles from a 1969 session that was originally released as the LP Kawaida by drummer Albert "Tootie" Heath. Hancock may have been designated as a sideman originally, but his colorful, grooving piano tones (which indeed roll in the spirit of "Cantaloupe Island") truly stand out among the horns of Don Cherry and Jimmy Heath. Disc two is a batch of sizzling outtakes from the soundtrack session for the film Blow Up (do you remember?) featuring Hancock jamming with fellow future legends Jack DeJohnette, Ron Carter, Freddie Hubbard, Joe Henderson, and Phil Woods. The strutting, percussive bounce of "Jammin' with Herbie" defines the overall vibe of the sessions, although there are sweet softer moments on the following track, "Herbie's Blues." The last three tracks, while not as artistically satisfying, are worthwhile because they were Hancock compositions for the film that were eventually scrapped. He doesn't play on them, but the vibe -- which is admittedly dated but totally takes the listener back to that time -- melds all the jazz, pop, Brazilian, and surf guitar clichés the era's soundtracks were famous for. Overall, this is a curious collection, but one every Hancock fan will want to have.
https://www.allmusic.com/album/jazz-to-funk-mw0000555210

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Reseña de Jonathan Widran
Los fans del legendario innovador del jazz y del enérgico jazz de los 60 (y de la música de las bandas sonoras de esa época) son el mejor mercado para este batiburrillo de dos CD de grabaciones raras compuestas por Herbie Hancock o que incluyen algunas de sus típicas y emocionantes interpretaciones. Si puede superar los primeros minutos de las atonalidades de calentamiento del primer disco, "Maulana", experimentará la diversión de cuatro temas con títulos africanos de una sesión de 1969 que fue publicada originalmente como el LP Kawaida por el batería Albert "Tootie" Heath. Puede que Hancock haya sido designado originalmente como músico de acompañamiento, pero sus tonos de piano llenos de color y groove (que de hecho ruedan en el espíritu de "Cantaloupe Island") realmente destacan entre las trompas de Don Cherry y Jimmy Heath. El segundo disco es un lote de fragmentos de la sesión de la banda sonora de la película Blow Up (¿te acuerdas?) en la que Hancock improvisa con otras futuras leyendas como Jack DeJohnette, Ron Carter, Freddie Hubbard, Joe Henderson y Phil Woods. La percusión de "Jammin' with Herbie" define el ambiente general de las sesiones, aunque hay dulces momentos más suaves en el siguiente tema, "Herbie's Blues". Los tres últimos temas, aunque no tan satisfactorios artísticamente, merecen la pena porque fueron composiciones de Hancock para la película que finalmente se descartaron. Hancock no toca en ellas, pero el ambiente -que es ciertamente anticuado pero transporta totalmente al oyente a aquella época- combina todos los clichés de jazz, pop, guitarra brasileña y surf por los que eran famosas las bandas sonoras de la época. En conjunto, se trata de una colección curiosa, pero que todo fan de Hancock querrá tener.
https://www.allmusic.com/album/jazz-to-funk-mw0000555210

 

 www.herbiehancock.com ...



Phil Woods with Red Garland • Sugan

 



Review by Scott Yanow
Sugan, from Fantasy's Original Jazz Classics series, is essentially a bebop jam session. The quintet (altoist Phil Woods, trumpeter Ray Copeland, pianist Red Garland, bassist Teddy Kotick, and drummer Nick Stabulas) performs three Charlie Parker compositions and three originals by Woods, but the melodies are quickly discarded in favor of heated solos. Woods and the greatly underrated Copeland work together very well, and Garland is a major asset both as a soloist and as an accompanist to the horns. This little-known date is quite enjoyable.
https://www.allmusic.com/album/sugan-mw0000121706

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Crítica de Scott Yanow
Sugan, de la serie Original Jazz Classics de Fantasy, es esencialmente una jam session de bebop. El quinteto (el contralto Phil Woods, el trompetista Ray Copeland, el pianista Red Garland, el bajista Teddy Kotick y el batería Nick Stabulas) interpreta tres composiciones de Charlie Parker y tres originales de Woods, pero las melodías se descartan rápidamente en favor de acalorados solos. Woods y el muy infravalorado Copeland trabajan muy bien juntos, y Garland es una baza importante como solista y como acompañante de las trompas. Esta fecha poco conocida es bastante agradable.
https://www.allmusic.com/album/sugan-mw0000121706


 


Helmut Thiede y Su Conjunto. Vol. 2 [EP]


La única información disponible es la de la contraportada.

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The only information available is the back cover.




A History of Roman Art

 


A History of Roman Art provides a wide-ranging survey of the subject from the founding of Rome to the rule of Rome's first Christian emperor, Constantine. Incorporating the most up-to-date information available on the topic, this new textbook explores the creation, use, and meaning of art in the Roman world.

  • Extensively illustrated with 375 color photographs and line drawings
  • Broadly defines Roman art to include the various cultures that contributed to the Roman system
  • Focuses throughout on the overarching themes of Rome's cultural inclusiveness and art's important role in promoting Roman values
  • Discusses a wide range of Roman painting, mosaic, sculpture, and decorative arts, as well as architecture and associated sculptures within the cultural contexts they were created and developed
  • Offers helpful and instructive pedagogical features for students, such as timelines; key terms defined in margins; a glossary; sidebars with key lessons and explanatory material on artistic technique, stories, and ancient authors; textboxes on art and literature, art from the provinces, and important scholarly perspectives; and primary sources in translation
  • A book companion website is available at www.wiley.com/go/romanart with the following resources: PowerPoint slides, glossary, and timeline


Friday, March 29, 2024

Jimmy McGriff • Avenida McGriff

 


Biography by Steve Huey
One of the all-time giants of the Hammond B-3, Jimmy McGriff sometimes gets lost amid all the great soul-jazz organists from his hometown of Philadelphia. He was almost certainly the bluesiest of the major soul-jazz pioneers, and indeed, he often insisted that he was more of a blues musician than a jazz artist; nonetheless, he remained eclectic enough to blur the lines of classification. His sound -- deep, down-to-earth grooves drenched in blues and gospel feeling -- made him quite popular with R&B audiences, even more so than some of his peers; what was more, he was able to condense those charms into concise, funky, jukebox-ready singles that often did surprisingly well on the R&B charts. His rearrangement of Ray Charles' "I Got a Woman" was a Top Five R&B hit in 1962, and further hits like "All About My Girl," "Kiko," and "The Worm" followed over the course of the '60s. McGriff spent much of the '70s trying to keep pace with the fusion movement, switching to various electric keyboards and adopting an increasingly smooth, polished style. As the '80s dawned, McGriff gave up trying to sound contemporary and returned to his classic organ-trio sound; as luck would have it, vintage soul-jazz soon came back into vogue with a devoted cult of fans and critics, and McGriff was able to recover his creative vitality and take his place as one of the genre's elder statesmen.

James Harrell McGriff, Jr. was born April 3, 1936, in Philadelphia. His mother and father both played the piano, and he counted saxophonist Benny Golson and soul singer Harold Melvin among his cousins. First getting involved in music through his family's church, he received his first instrument, a drum set, at age eight; by his teen years, he had taken up acoustic bass and alto sax, and also learned vibes, piano, and drums by the time he finished high school. Bass remained his primary instrument for a while, although he was inspired to try his hand at the Hammond organ after seeing Richard "Groove" Holmes at a club in Camden, NJ. However, McGriff was drafted into the military after high school, and served in the Korean War as a military policeman. Upon returning to the United States, he decided to make law enforcement a career, and after completing the necessary training, he worked on the Philadelphia police force for two and a half years. Still, he never lost interest in music, and around 1955 he augmented his day job by working as a bass player behind vocalists like Carmen McRae and, most frequently, Big Maybelle, who had a regular gig at the local Pep's Showboat club.

With the Hammond organ rising in popularity around Philadelphia, jobs for bass players were scarce, and McGriff contacted Groove Holmes about learning the organ, this time in earnest. He bought his own Hammond B-3 in 1956, and spent the next six months practicing as hard as he could, either at Holmes' house or at Archie Shepp's house (where he stored the instrument). Skipping more and more work time to play gigs, he finally quit the police force, and enrolled at the local Combe College to study music. He later moved on to the prestigious Juilliard School of Music in New York, and also studied privately with Milt Buckner, Jimmy Smith, and Sonny Gatewood. McGriff's first recording was the single "Foxy Due," cut for the small White Marsh label in 1958; it featured a young saxophonist named Charles Earland, who subsequently learned the organ from McGriff and, like his mentor, went on to become one of the instrument's quintessential performers.

McGriff was performing in a small club in Trenton, NJ in 1962 when a talent scout from the small Jell label heard him and offered him a chance to record. McGriff's instrumental soul-jazz rearrangement of Ray Charles' classic "I've Got a Woman" was released as a single, and sold well enough for Juggy Murray's New York-based Sue label to pick it up for wider release. With better distribution and promotion behind it, "I've Got a Woman" hit the national charts and became a bona fide hit, climbing into the Top Five on the R&B charts and the Top 20 over on the pop side. Sue issued McGriff's debut album, naturally also titled I've Got a Woman, in 1963; it too was a hit, nearly making the pop Top 20, and it spun off two more charting singles in the McGriff originals "All About My Girl" (number 12 R&B, Top 50 pop) and "M.G. Blues." Sue released several more McGriff albums over the next two years, including the live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (which produced the chart single "Kiko"), the holiday hit Christmas With McGriff (actually his highest-charting album at number 15 pop), the charting Topkapi (a collection of soundtrack themes with orchestral backing), and another chart hit, Blues for Mister Jimmy, which proved to be his last on Sue.

In 1966, McGriff moved over to the Solid State label, where he hooked up with producer Sonny Lester, who would helm most of his records through the '70s. He debuted with Jimmy McGriff and the Big Band, which found him fronting an all-star swing orchestra featuring many Count Basie alumni (it was later reissued as A Tribute to Count Basie). McGriff recorded prolifically for Solid State over the remainder of the decade, including albums like A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967), and I've Got a New Woman (1968; mostly a look back at his Sue material). Most notably, though, McGriff scored another hit single with "The Worm," which made the R&B Top 30 and sent the LP of the same name rocketing into the R&B Top Ten in early 1969. In addition to his Solid State recordings, McGriff cut several albums for Blue Note over 1969-1971, most notably Electric Funk, an early foray into jazz-funk fusion that teamed him with arranger/electric pianist Horace Ott; a similar outing that featured pop/rock and R&B covers, Soul Sugar, was released on Capitol during the same period. Additionally, McGriff toured as part of Buddy Rich's band during the late '60s, and again from 1971-1972.

McGriff made Groove Merchant his primary label in 1971, and although he briefly quit the business in 1972 to start a horse farm in Connecticut, the lure of music proved too powerful to overcome. Early in the decade, he alternated between funky electric outings (usually with covers of contemporary rock and R&B hits) and more traditional, small-group organ-jazz settings. Notable albums included 1973's Giants of the Organ Come Together, a summit with mentor and longtime friend Groove Holmes; a duo album with bluesman Junior Parker; 1976's Mean Machine, a slicker jazz-funk LP that returned him to the R&B album chart's Top 50; and the 1977 follow-up Red Beans, which also sold respectably.

After 1977's Tailgunner (on LRC), McGriff's recorded output tailed off over the next few years. He resurfaced on the Milestone label in 1983, debuting with Countdown, a return to his classic, bluesy soul-jazz style that started to bring him back into the jazz spotlight. A series of strong albums followed during the '80s, including 1984's Skywalk, 1985's State of the Art, 1986's acclaimed The Starting Five, and 1988's Blue to the 'Bone (a near-Top Ten hit on the jazz LP charts); he also recorded a one-off session for Headfirst in 1990, You Ought to Think About Me, that made the jazz Top Ten. Additionally, McGriff co-led a group with saxophonist Hank Crawford during the late '80s, which released several albums, including 1990's popular On the Blue Side (number three on the jazz charts). He also returned to his roots in the church by playing on gospel singer Tramaine Hawkins' 1990 live album. McGriff and Crawford moved over to Telarc for a pair of albums over 1994-1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. As soul-jazz returned to cult popularity in both America and the U.K., McGriff found himself playing higher-profile gigs and venues on both sides of the Atlantic. He returned to Milestone and resumed his solo career in 1996 with The Dream Team, which featured saxman David "Fathead" Newman and drummer Bernard "Pretty" Purdie, both of whom would become familiar faces on McGriff recordings in the years to come. Follow-ups included solid records like 1998's Straight Up, 2000's McGriff's House Party, 2001's Feelin' It, and 2002's McGriff Avenue, which looked back on some of his '60s hits.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-mcgriff-mn0000076658#biography

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Biografía de Steve Huey
Jimmy McGriff, uno de los gigantes de todos los tiempos del Hammond B-3, a veces se pierde entre todos los grandes organistas de soul-jazz de su ciudad natal de Filadelfia. Era casi con certeza el más blues de los principales pioneros del soul-jazz y, de hecho, a menudo insistía en que era más un músico de blues que un artista de jazz; sin embargo, se mantuvo lo suficientemente ecléctico como para difuminar las líneas de clasificación. Su sonido, ritmos profundos y realistas empapados de blues y sentimiento gospel, lo hizo bastante popular entre el público de R & B, incluso más que algunos de sus compañeros.; lo que es más, fue capaz de condensar esos encantos en sencillos concisos, funky y listos para tocadiscos que a menudo le fueron sorprendentemente bien en las listas de R&B. Su reorganización de "I Got a Woman" de Ray Charles fue un éxito entre los cinco primeros de R&B en 1962, y otros éxitos como "All About My Girl", "Kiko" y "The Worm" siguieron a lo largo de los años 60. McGriff pasó gran parte de los 70 tratando de seguir el ritmo del movimiento de fusión, cambiando a varios teclados eléctricos y adoptando un estilo cada vez más suave y pulido. Al amanecer de los 80, McGriff dejó de intentar sonar contemporáneo y volvió a su sonido clásico de trío de órgano; por suerte, el soul-jazz vintage pronto volvió a ponerse de moda con un culto devoto de fanáticos y críticos, y McGriff pudo recuperar su vitalidad creativa y ocupar su lugar como uno de los estadistas más veteranos del género.

James Harrell McGriff, Jr. nació el 3 de abril de 1936 en Filadelfia. Su madre y su padre tocaban el piano, y contaba con el saxofonista Benny Golson y el cantante de soul Harold Melvin entre sus primos. Primero se involucró en la música a través de la iglesia de su familia, recibió su primer instrumento, una batería, a los ocho años; en su adolescencia, había tomado el bajo acústico y el saxo alto, y también aprendió vibras, piano y batería cuando terminó la escuela secundaria. El bajo siguió siendo su instrumento principal durante un tiempo, aunque se inspiró para probar suerte con el órgano Hammond después de ver a Richard "Groove" Holmes en un club de Camden, Nueva Jersey. Sin embargo, McGriff fue reclutado en el ejército después de la secundaria y sirvió en la Guerra de Corea como policía militar. Al regresar a los Estados Unidos, decidió hacer de la aplicación de la ley una carrera y, después de completar la capacitación necesaria, trabajó en la fuerza policial de Filadelfia durante dos años y medio. Aún así, nunca perdió el interés por la música, y alrededor de 1955 aumentó su trabajo diario trabajando como bajista detrás de vocalistas como Carmen McRae y, con mayor frecuencia, Big Maybelle, quien tenía un concierto regular en el club local Pep's Showboat.

Con el órgano Hammond ganando popularidad en Filadelfia, los trabajos para bajistas eran escasos, y McGriff contactó a Groove Holmes para aprender el órgano, esta vez en serio. Compró su propio Hammond B-3 en 1956 y pasó los siguientes seis meses practicando tan duro como pudo, ya sea en la casa de Holmes o en la casa de Archie Shepp(donde guardaba el instrumento). Saltándose más y más tiempo de trabajo para tocar, finalmente renunció a la fuerza policial y se inscribió en el Combe College local para estudiar música. Más tarde se trasladó a la prestigiosa Juilliard School of Music de Nueva York, y también estudió en privado con Milt Buckner, Jimmy Smith y Sonny Gatewood. La primera grabación de McGriff fue el sencillo "Foxy Due", grabado para el pequeño sello White Marsh en 1958; presentaba a un joven saxofonista llamado Charles Earland, quien posteriormente aprendió el órgano de McGriff y, como su mentor, se convirtió en uno de los intérpretes por excelencia del instrumento.

McGriff estaba actuando en un pequeño club en Trenton, Nueva Jersey, en 1962, cuando un cazatalentos del pequeño sello Jell lo escuchó y le ofreció la oportunidad de grabar. La reorganización instrumental de soul-jazz de McGriff del clásico de Ray Charles "I've Got a Woman" se lanzó como sencillo y se vendió lo suficientemente bien como para que el sello Sue de Juggy Murray, con sede en Nueva York, lo recogiera para un lanzamiento más amplio. Con una mejor distribución y promoción detrás ,"I've Got a Woman" llegó a las listas nacionales y se convirtió en un éxito de buena fe, subiendo al Top Cinco en las listas de R&B y al Top 20 en el lado pop. Sue publicó el álbum debut de McGriff, naturalmente también titulado I've Got a Woman, en 1963; también fue un éxito, casi llegando al Top 20 del pop, y generó dos sencillos más en las listas de éxitos de McGriff originals "All About My Girl" (número 12 de R & B, Top 50 pop) y " M. G. Blues."Sue lanzó varios álbumes más de McGriff durante los siguientes dos años, incluidos live At the Apollo, Jimmy McGriff at the Organ (que produjo el sencillo "Kiko"), el éxito navideño Christmas With McGriff (en realidad, su álbum más alto en las listas en el número 15 pop), Topkapi (una colección de temas de la banda sonora con respaldo orquestal) y otro éxito en las listas, Blues for Mister Jimmy, que resultó ser el último con Sue.

En 1966, McGriff se mudó al sello Solid State, donde se conectó con el productor Sonny Lester, quien dirigiría la mayoría de sus discos durante los años 70. Debutó con Jimmy McGriff y la Big Band,que lo encontró al frente de una orquesta de swing de estrellas con muchos alumnos de Count Basie (más tarde se reeditó como tributo a Count Basie). McGriff grabó prolíficamente para Solid State durante el resto de la década, incluidos álbumes como A Bag Full of Soul (1966), A Bag Full of Blues (1967) y I've Got a New Woman (1968; principalmente una mirada retrospectiva a su material de Sue). Sin embargo, lo más notable es que McGriff obtuvo otro sencillo exitoso con "The Worm", que llegó al Top 30 de R&B y envió al LP del mismo nombre al Top Ten de R&B a principios de 1969. Además de sus grabaciones de Solid State, McGriff grabó varios álbumes para Blue Note entre 1969 y 1971, sobre todo Electric Funk, una incursión temprana en la fusión jazz-funk que lo unió con el arreglista/pianista eléctrico Horace Ott; una salida similar que incluía versiones de pop/rock y R&B, Soul Sugar, fue lanzada en Capitol durante el mismo período. Además, McGriff realizó una gira como parte de la banda de Buddy Rich a fines de los 60, y nuevamente entre 1971 y 1972.

McGriff convirtió a Groove Merchant en su sello principal en 1971, y aunque abandonó brevemente el negocio en 1972 para iniciar una granja de caballos en Connecticut, el atractivo de la música resultó demasiado poderoso para superarlo. A principios de la década, alternó entre salidas eléctricas funky (generalmente con versiones de éxitos de rock contemporáneo y R&B) y escenarios de jazz de órgano más tradicionales y de grupos pequeños. Álbumes notables incluyeron Giants of the Organ Come Together de 1973, a summit con su mentor y viejo amigo Groove Holmes; un álbum a dúo con el bluesman Junior Parker; Mean Machine de 1976, un LP de jazz-funk más pulido que lo devolvió al Top 50 de la lista de álbumes de R&B; y el seguimiento de 1977 Red Beans, que también se vendió respetablemente.

Después de Tailgunner de 1977 (en LRC), la producción grabada de McGriff disminuyó en los años siguientes. Resurgió en el sello Milestone en 1983, debutando con Countdown, un regreso a su estilo clásico de blues soul-jazz que comenzó a llevarlo de regreso al centro de atención del jazz. Una serie de álbumes fuertes siguieron durante los años 80, incluidos Skywalk de 1984, State of the Art de 1985, el aclamado The Starting Five de 1986 y Blue to the 'Bone de 1988 (un éxito cercano al Top Ten en las listas de LP de jazz); también grabó una sesión única para Headfirst en 1990, You Ought to Think About Me, que llegó al Top Ten del jazz. Además, McGriff codirigió un grupo con el saxofonista Hank Crawford a fines de los 80, que lanzó varios álbumes, incluido popular On the Blue Side de 1990 (número tres en las listas de jazz). También regresó a sus raíces en la iglesia tocando en el álbum en vivo de la cantante de gospel Tramaine Hawkins en 1990. McGriff y Crawford se mudaron a Telarc para un par de álbumes entre 1994 y 1995, Right Turn on Blue and Blues Groove. A medida que el soul-jazz volvió a la popularidad de culto tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, McGriff se encontró tocando en conciertos y lugares de alto perfil a ambos lados del Atlántico. Regresó a Milestone y reanudó su carrera en solitario en 1996 con Dream Team, que contó con el saxofonista David "Fathead" Newman y el baterista Bernard "Pretty" Purdie, quienes se convertirían en caras conocidas en McGriff recordings en los años venideros. Los seguimientos incluyeron discos sólidos como Straight Up de 1998, Mcgriff's House Party de 2000, Feelin' It de 2001 y McGriff Avenue de 2002, que recordaba algunos de sus éxitos de los 60.
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