egroj world: August 2021

NOTICE / AVISO

 


As many of you may have noticed apart from the Ulozto problem the main Mega account has been suspended, therefore the blog will be temporarily down until we can restructure and normalise the blog. I appreciate all the support you have shown me. Thank you for your understanding.

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Como muchos habrán notado aparte del problema de Ulozto la cuenta principal Mega ha sido suspendida, por consiguiente el blog se verá disminuido temporalmente hasta poder reestructurar y normalizar el blog. Agradezco todas las muestras de apoyo que me han brindado. Gracias por comprender.



Tuesday, August 31, 2021

Johnny Griffin & Eddie Lockjaw Davis • In Copenhagen

 



JOHNNY GRIFFIN & EDDIE "LOCKJAW" DAVIS«««« Johnny Griffin, Eddie ‘Lockjaw’ Davis (tenor sax), Harry Pickens (piano), Curtis Lundy (bass), Kenny Washington (drums) All of the tracks on this CD were recorded live by Danish Radio at the Montmartre Club in Copenhagen on July 10 1984. There were many teams with two tenors: Gene Ammons and Sonny Stitt, Ben Webster and Red Holloway, Dexter Gordon and Wardell Gray, "but I don’t believe any two-tenor unit stayed together so long and travelled the country as much as Johnny Griffin and I did" Eddie Davis told Stanley Dance. There was a marked contrast between the approaches of the two men. Davis, self-taught, modelled himself on Ben Webster at the outset, especially when playing ballads, and many have observed a Charlie-Parker like rhythmic quality in Griffin’s playing, particularly at faster tempos. In tandem they made an unbeatable team. On these tracks they are backed by Harry Pickens

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JOHNNY GRIFFIN & EDDIE "LOCKJAW" DAVIS"""" Johnny Griffin, Eddie 'Lockjaw' Davis (saxo tenor), Harry Pickens (piano), Curtis Lundy (bajo), Kenny Washington (batería) Todos los temas de este CD fueron grabados en directo por la Radio Danesa en el Club Montmartre de Copenhague el 10 de julio de 1984. Hubo muchos equipos con dos tenores: Gene Ammons y Sonny Stitt, Ben Webster y Red Holloway, Dexter Gordon y Wardell Gray, "pero no creo que ninguna unidad de dos tenores haya permanecido junta tanto tiempo y haya recorrido el país tanto como Johnny Griffin y yo", dijo Eddie Davis a Stanley Dance. Había un marcado contraste entre los enfoques de los dos hombres. Davis, autodidacta, tomó como modelo a Ben Webster al principio, especialmente cuando tocaba baladas, y muchos han observado una calidad rítmica similar a la de Charlie-Parker en la forma de tocar de Griffin, especialmente a tempos más rápidos. En tándem formaban un equipo imbatible. En estos temas están respaldados por Harry Pickens

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Duke Ellington and His Orchestra • Duke Ellington At the Cotton Club

 



Did Duke Ellington make the Cotton Club famous or was it the other way around? The answer may lie somewhere in between, but few will dispute the fact that both club and bandleader became synonymous with Harlem, an area above Manhattan’s 110th Street where culture thrived and the music was hot. Impressed by the lights and energy of Harlem, Duke likened it to "Arabian nights" when he first arrived there from Washington, D.C. in 1922. That was also the year in which the Cotton Club opened for business at 644 Lenox Avenue, but although theirs was a marriage made in heaven, the two symbols of the Harlem Renaissance Era did not unite until 1927. The Ellington orchestra’s first run at the Cotton Club lasted into 1932, by which time Duke’s fame had spread far beyond Harlem and across the oceans. He rose to become one of America’s most distinguished and influential composers and the club became legendary. These two CDs capture the atmosphere and enduring musical sophistication of nine Cotton Club radio transmissions and include an April 29, 1938 broadcast of the band’s appearance at Stockholm’s Konserthuset. The latter was also a celebration of Duke’s birthday, of which there were many more to come. The second CD has a brief but engaging 1933 newsreel clip that shows Harlem’s Lenox Avenue and looks into the club for a glimpse of Ellington, the orchestra, and some of the famous Cotton Club dancing beauties. Nostalgia? Yes, but so much more.
Stuart Nicholson, Jazzwise UK
https://www.storyvillerecords.com/products/duke-ellington-at-the-cotton-club-1038415

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¿Duke Ellington hizo famoso al Cotton Club o fue al revés? La respuesta puede estar en algún punto intermedio, pero pocos discutirán el hecho de que tanto el club como el director de orquesta se convirtieron en sinónimos de Harlem, una zona por encima de la calle 110 de Manhattan en la que la cultura prosperaba y la música estaba de moda. Impresionado por las luces y la energía de Harlem, Duke lo comparó con las "noches árabes" cuando llegó allí por primera vez desde Washington D.C. en 1922. Ese fue también el año en que el Cotton Club abrió sus puertas en el 644 de Lenox Avenue, pero aunque el suyo fue un matrimonio hecho en el cielo, los dos símbolos de la era del Renacimiento de Harlem no se unieron hasta 1927. La primera actuación de la orquesta de Ellington en el Cotton Club duró hasta 1932, momento en el que la fama de Duke se había extendido más allá de Harlem y al otro lado del océano. Se convirtió en uno de los compositores más distinguidos e influyentes de Estados Unidos y el club se hizo legendario. Estos dos CDs capturan la atmósfera y la perdurable sofisticación musical de nueve transmisiones radiofónicas del Cotton Club e incluyen una emisión del 29 de abril de 1938 de la actuación del grupo en el Konserthuset de Estocolmo. Esta última fue también una celebración del cumpleaños de Duke, de los cuales hubo muchos más por venir. El segundo CD contiene un breve pero atractivo clip de un noticiario de 1933 que muestra la avenida Lenox de Harlem y mira al interior del club para ver a Ellington, la orquesta y algunas de las famosas bellezas del Cotton Club. ¿Nostalgia? Sí, pero mucho más.
Stuart Nicholson, Jazzwise UK
https://www.storyvillerecords.com/products/duke-ellington-at-the-cotton-club-1038415


Eddie Baxter • Organ - Sounds Incredible



Fritz Schulz-Reichel [aka Crazy Otto]‎ • Not So Crazy Otto



Fritz Schulz-Reichel (July 4, 1912 - February 4, 1990) was a German jazz and pop pianist.
Schulz-Reichel's father was a classical musician, and he began playing piano at the age of six. He developed an unusual technique where he played the melody of a tune with the left hand and the rhythm with the right hand.
While he trained to be a concert pianist, he chose a career in pop music, playing light jazz and pop tunes. He invented a device called the Tipsy Wire Box, which could be attached to a piano to make it sound like an out-of-tune barrelhouse upright. (Another interpretation is that "Tipsy Wire Box" was a slang expression for the piano itself, which was merely "detuned"; that is, one of the three strings that make up each note of the main section of the piano is slightly flatted, giving the piano the characteristic sound.)
In 1953 he adopted the moniker Schräger Otto (Crazy Otto), and recorded for Deutsche Grammophon. His tunes became hits in Germany, France, England, and America; his albums were released on Decca and MGM in the U.S. and Polydor which were distributed by Philips Electrical Industries Pty. Limited in Australia. He is still heard in Australia on Golden Days Radio 95.7FM a community radio station broadcasting from studios in Melbourne. They also stream their sound via the internet on www.goldendaysradio.com.
In 1955, American musician Johnny Maddox made a medley of his songs, entitled "The Crazy Otto Medley"; this went to #2 on the U.S. charts, and in the U.S. both Reichel and Maddox were subsequently known as "Crazy Otto", to some confusion.
Schulz-Reichel continued to perform live and on film, and remained a popular jazz favorite in Germany for many years.
 
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Fritz Schulz-Reichel (4 de julio de 1912 - 4 de febrero de 1990) fue un pianista alemán de jazz y pop.
El padre de Schulz-Reichel era músico clásico y él empezó a tocar el piano a los seis años. Desarrolló una técnica inusual en la que tocaba la melodía de una melodía con la mano izquierda y el ritmo con la derecha.
Aunque se formó para ser concertista, eligió una carrera en la música pop, tocando temas ligeros de jazz y pop. Inventó un dispositivo llamado Tipsy Wire Box, que se podía acoplar a un piano para que sonara como un piano vertical desafinado. (Otra interpretación es que "Tipsy Wire Box" era una expresión del argot para referirse al propio piano, que estaba simplemente "desafinado"; es decir, una de las tres cuerdas que componen cada nota de la sección principal del piano está ligeramente bateada, lo que da al piano su sonido característico).
En 1953 adoptó el apodo de Schräger Otto (Otto el Loco), y grabó para Deutsche Grammophon. Sus temas se convirtieron en éxitos en Alemania, Francia, Inglaterra y Estados Unidos; sus álbumes se publicaron en Decca y MGM en Estados Unidos y en Polydor, que fueron distribuidos por Philips Electrical Industries Pty. Limited en Australia. Todavía se le escucha en Australia en Golden Days Radio 95.7FM, una emisora comunitaria que emite desde los estudios de Melbourne. También transmiten su sonido por Internet en www.goldendaysradio.com.
En 1955, el músico estadounidense Johnny Maddox hizo un popurrí de sus canciones, titulado "The Crazy Otto Medley"; este llegó al número 2 de las listas de éxitos de Estados Unidos, y en ese país tanto Reichel como Maddox fueron conocidos posteriormente como "Crazy Otto", para cierta confusión.
Schulz-Reichel siguió actuando en directo y en películas, y siguió siendo un favorito del jazz en Alemania durante muchos años.


Lightnin' Hopkins • Lightnin' Hopkins



Review by Thom Owens
Originally released as The Roots of Lightnin' Hopkins, Smithsonian/Folkways' Lightnin' Hopkins was recorded in 1959. Upon its initial release, it was a pivotal part of the blues revival and helped re-spark interest in Hopkins. Before it was recorded, the bluesman had disappeared from sight; after a great deal of searching, Sam Charters found Hopkins in a rented one-room apartment in Houston. Persuading Lightnin' with a bottle of gin, Charters convinced Hopkins to record ten songs in that room, using only one microphone. The resulting record was one of the greatest albums in Hopkins' catalog, a skeletal record that is absolutely naked in its loneliness and haunting in its despair. These unvarnished performances arguably capture the essence of Lightnin' Hopkins better than any of his other recordings, and it is certainly one of the landmarks of the late-'50s/early-'60s blues revival.
 
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Reseña de Thom Owens
Publicado originalmente con el nombre de The Roots of Lightnin' Hopkins, Lightnin' Hopkins de Smithsonian/Folkways fue grabado en 1959. Cuando se publicó por primera vez, fue una parte fundamental del renacimiento del blues y ayudó a reavivar el interés por Hopkins. Antes de que se grabara, el bluesman había desaparecido de la vista; después de una gran búsqueda, Sam Charters encontró a Hopkins en un apartamento alquilado de una habitación en Houston. Persuadiendo a Lightnin' con una botella de ginebra, Charters convenció a Hopkins para que grabara diez canciones en esa habitación, utilizando sólo un micrófono. El disco resultante fue uno de los mejores álbumes del catálogo de Hopkins, un disco esquelético, absolutamente desnudo en su soledad e inquietante en su desesperación. Estas interpretaciones sin tapujos capturan posiblemente la esencia de Lightnin' Hopkins mejor que cualquiera de sus otras grabaciones, y es sin duda uno de los hitos del renacimiento del blues de finales de los 50 y principios de los 60.


Billy Vaughn • The Girl from Ipanema



Stephane Wrembel • Barbes Brooklyn



French acoustic gypsy music inspired by the greatest guitarist of all times: Django Reinhardt. We also blend many world music sounds into it.



Ethel Smith • Organ Extravaganza



Antes que Jimmy Smith, Dr. Lonnie Smith y Johnny 'Hammond' Smith, una dama introducía el órgano como instrumento principal: Ethel Smith, la primer “Smith” del organo.
 
Biografía del artista por Jason Ankeny
Ethel Smith, reconocida como la "primera dama del órgano Hammond", es recordada sobre todo por su grabación del tradicional "Tico-Tico" argentino, del que se vendieron cerca de dos millones de copias a mediados de los años 40. Nacida como Ethel Goldsmith en Pittsburgh el 22 de noviembre de 1910, estudió música y lingüística en Carnegie Tech y, al graduarse, aceptó un trabajo como pianista en un teatro local; cuando un espectáculo de Schubert que pasaba por la Ciudad de Hierro invitó a Smith a unirse a su compañía, pronto se embarcó en una gira de 28 semanas por los Estados Unidos, llegando finalmente a California. Allí le pidieron que tocara el órgano eléctrico Hammond en un estudio de Hollywood. Prácticamente de la noche a la mañana pareció dominar el instrumento, y en 1940 la contrataron para una actuación en el Hotel St. Regis de Nueva York, Smith recibió una llamada de los estudios Hammond: los propietarios del famoso Club Copacabana de Río de Janeiro buscaban una organista para un concierto de 26 semanas. En total, permaneció en Brasil cerca de un año, sumergiéndose en la cultura y las tradiciones musicales locales.
Mientras paseaba por uno de los barrios más sórdidos de Río, Smith se topó con un grupo de baile local que interpretaba una canción que no había oído nunca; intrigada, los músicos le explicaron que se trataba de una canción tradicional argentina, aunque se desconocía su nombre y su compositor. La canción fue bautizada como "Tico-Tico" y la incorporó a su actuación, convirtiéndose rápidamente en una de las favoritas del público. El ataque japonés a Pearl Harbor precipitó el regreso de Smith a Estados Unidos y al St. Regis, donde una noche se le acercó George Washington Hill, el director de la American Tobacco Company. Hill había visto el espectáculo de Smith en el Copacabana y la invitó a participar en el éxito radiofónico Your Hit Parade; ella aceptó y se convirtió en una de las artistas mejor pagadas del programa. En 1944, grabó "Tico-Tico", que se convertiría en uno de los éxitos más vendidos de la década; ese mismo año, Smith también hizo su debut en el cine, apareciendo junto a Esther Williams en Bathing Beauty. Entre sus posteriores apariciones en el cine se encuentran Los escándalos de George White, de 1945, y Cuban Pete, de 1946, protagonizada por Desi Arnaz.
Con sus brillantes y coloridos vestidos, sus omnipresentes sombreros y sus característicos zapatos de tacón, Smith se convirtió en una figura glamurosa, y en 1945 fue noticia al casarse con el actor Ralph Bellamy, que entonces actuaba en Broadway en State of the Union. La pareja se separó dos años después, y Smith se dedicó de nuevo a su carrera de intérprete, llegando a ser casi tan hábil con la guitarra como con el Hammond. Aunque nunca repitió el éxito masivo de "Tico-Tico", realizó numerosas giras durante los años 50 y 60, y también continuó su carrera de actriz, apareciendo en una serie de papeles no musicales en pequeñas obras fuera de Broadway. En 1969, Smith también tuvo una breve actuación en una versión musical de Tom Jones. Pero con la llegada de una nueva década se retiró de las giras y se instaló en Palm Beach, Florida, donde siguió actuando en actos benéficos y sociales locales hasta bien entrada la década. Smith murió a los 85 años el 10 de mayo de 1996.
https://www.allmusic.com/artist/ethel-smith-mn0000174578/biography

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Before Jimmy Smith, Dr. Lonnie Smith and Johnny 'Hammond' Smith, a lady introduced the organ as the main instrument: Ethel Smith, the first "Smith" of the organ.

Artist Biography by Jason Ankeny
The widely acknowledged "First Lady of the Hammond Organ," Ethel Smith remains best remembered for her recording of the Argentine traditional "Tico-Tico," which sold close to two million copies during the mid-'40s. Born Ethel Goldsmith in Pittsburgh on November 22, 1910, she studied music and linguistics at Carnegie Tech, and upon graduation accepted a job playing piano with a local theater; when a Schubert show passing through the Iron City invited Smith to join their troupe, she soon embarked on a 28-week U.S. tour, eventually landing in California. There she was first asked to play the Hammond electric organ on a Hollywood studio lot -- virtually overnight she seemed to master the instrument, and in 1940 she was tapped for a headlining gig at New York's St. Regis Hotel. While at the St. Regis, Smith received a call from Hammond Studios: the owners of Rio de Janeiro's famed Copacabana Club were looking for a female organist to headline a 26-week engagement. In all she remained in Brazil for about a year, immersing herself in the local musical culture and traditions.
While strolling through one of Rio's seedier districts, Smith stumbled on a local dancehall combo performing a song she'd never heard before; intrigued, the musicians explained the song was a traditional Argentine favorite, although its name and composer were unknown. Dubbing the tune "Tico-Tico," she incorporated it into her act, and it quickly became a crowd favorite. The Japanese attack on Pearl Harbor hastened Smith's return to the U.S. and the St. Regis, where one evening she was approached by George Washington Hill, the head of the American Tobacco Company. Hill had caught Smith's show at the Copacabana and now invited her to join the radio blockbuster Your Hit Parade -- she accepted, becoming one of the show's highest-paid performers. In 1944, she recorded "Tico-Tico," which would go on to rank among the best-selling hits of the decade; that same year, Smith also made her film debut, appearing opposite Esther Williams in Bathing Beauty. Subsequent film appearances include 1945's George White's Scandals and 1946's Cuban Pete, which starred Desi Arnaz.
With her bright, colorful dresses, omnipresent hats, and trademark high-heels, Smith cut a glamorous figure indeed, and in 1945 she made headlines by marrying actor Ralph Bellamy, then appearing on Broadway in State of the Union. The couple split two years later, and Smith rededicated herself to her performing career, becoming almost as proficient on guitar as she was on the Hammond. Although she never repeated the massive success of "Tico-Tico," she toured extensively during the 1950s and 1960s, and also continued her acting career, appearing in a series of non-musical roles in small off-Broadway plays. In 1969, Smith also enjoyed a brief run in a musical version of Tom Jones. But with the arrival of a new decade she retired from touring and settled in Palm Beach, FL, where she continued performing at local benefits and social engagements well into her eighties. Smith died at the age of 85 on May 10, 1996.
https://www.allmusic.com/artist/ethel-smith-mn0000174578/biography

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Tom Stormy Trio • Respect For The 50's






Chris Joss • The Man With A Suitcase





Duke: a life of Duke Ellington

 


Edward Kennedy “Duke” Ellington was the greatest jazz composer of the twentieth century—and an impenetrably enigmatic personality whom no one, not even his closest friends, claimed to understand. The grandson of a slave, he dropped out of high school to become one of the world’s most famous musicians, a showman of incomparable suavity who was as comfortable in Carnegie Hall as in the nightclubs where he honed his style. He wrote some fifteen hundred compositions, many of which, like “Mood Indigo” and “Sophisticated Lady,” remain beloved standards, and he sought inspiration in an endless string of transient lovers, concealing his inner self behind a smiling mask of flowery language and ironic charm.
 
As the biographer of Louis Armstrong, Terry Teachout is uniquely qualified to tell the story of the public and private lives of Duke Ellington. Duke peels away countless layers of Ellington’s evasion and public deception to tell the unvarnished truth about the creative genius who inspired Miles Davis to say, “All the musicians should get together one certain day and get down on their knees and thank Duke.”

 

Codex Seraphinianus - Luigi Serafini - pdf



Si bien es un libro bastante loco e ilegible, las ilustraciones lo valen. La Wiki dice al respecto:
El Codex Seraphinianus es un libro escrito e ilustrado por Luigi Serafini nacido en Roma el 4 de agosto de 1949. Comenzó su carrera como arquitecto, pero es famoso alrededor del mundo por sus propuestas artísticas un poco fuera de lo normal. Además del codex, también es autor de la "Pulcinellopedia Piccola".
Durante treinta meses transcurridos entre 1976 y 1978, el arquitecto italiano Luigi Serafini dio forma al Codex Seraphinianus, un libro ilustrado de casi 400 páginas sobre un mundo inventado, escrito en la lengua y el alfabeto de dicho mundo. Es una extraña enciclopedia escrita en un lenguaje inventado e indescifrable sobre temas tan variopintos como botánica, zoología, máquinas, razas, deportes y costumbres de un mundo imaginario que parece salido de una pintura de El Bosco, Escher, Dalí o Magritte.
Serafini opera en varios ambientes: ha trabajado en escultura, cerámica, composición, teatro, etc., y además tuvo una breve incursión en el diseño industrial ligado al cine -trabajó en ciertos diseños para la película de Federico Fellini, "La voce della luna", con Roberto Benigni y Paolo Villaggio. Además de ser escritor para varias revistas italianas.
El idioma del codex es 100% inventado, pero algunos criptógrafos y especialistas señalan que puede que tenga algún significado. Esto, es por el hecho de que el codex contiene en 2 de sus folios algunas frases incoherentes en francés e inglés:
"...orgiaque girl emerged and guessed, the first day on the dam of Balbeo... " " still " " sculptor... to remember... here still " " here... wounded eyes " in bulk then: " to cross, aillor, it is, you, impassioned, USA, well, to believe, I, belief, by..."
Ellas están en el capítulo "Writing", el cual es uno de los más interesantes del libro.
También es preciso señalar el hecho de que parece levemente basado en el cuento de Borges, "Tlön, Uqbar, Orbis Tertius".
Luigi Serafini, sin embargo, se niega a señalar qué trato de decir, al menos eso estipula su testamento, en el cual indica que el libro será explicado después de su muerte.
Secciones:
Zoología: Una sección en la que se muestran las distintas especies de este mundo, resaltando criaturas con forma de ala y cuerpo de engranaje. Y una tabla de medidas biológicas.
Botánica: En esta parte del codex se muestran bizarras especies, como árboles con forma de silla y fumarolas que se transforman en flores.
Teología (aunque parece más un estudio exhaustivo de razas): muestra desde seres formados con desechos biológicos, hasta humanos vistiendo trajes hechos con señales de tránsito. Cabe señalar el desarrollo bastante más adelantado en cuanto a dibujo con respecto a otras secciones.
Costumbres (también incluye deportes y geografía): en esta parte se encuentran algunos folios impresionantes que muestran ubicaciones inverosímiles, aunados a algunos paisajes basados en lugares conocidos -como el Gran Cañón de Colorado, y las Cataratas del Niágara-.
Física: Aquí el libro parece entrar a un mundo donde rige la física de los cuadros de Escher o Dalí. Vemos arcoiris líquidos, la antigravedad, y un diagrama complejo de lo que se entiende es la antimateria.
Este libro es, al final de cuentas, un objeto de estudio indispensable tanto para criptólogos como para diseñadores, por el conjunto tan inusual de temas y la manera como el autor los retrata.
Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Codex_Seraphinianus

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While it is a pretty crazy and illegible book, the illustrations are worth it. The Wiki says about it:
Codex Seraphinianus, originally published in 1981, is an illustrated encyclopedia of an imaginary world, created by the Italian artist, architect, and industrial designer Luigi Serafini during thirty months, from 1976 to 1978. The book is approximately 360 pages long (depending on edition), and written in a cipher alphabet in a constructed language.
Originally published in Italy, the book has since been released in several countries.

Contents:
1 Description
2 Writing system
3 Contents
4 Editions
5 Reception
6 See also
7 References
8 External links

Description:
The book is an encyclopedia in manuscript with copious hand-drawn, colored-pencil illustrations of bizarre and fantastical flora, fauna, anatomies, fashions, and foods. It has been compared to the still undeciphered Voynich manuscript, the story "Tlön, Uqbar, Orbis Tertius" by Jorge Luis Borges, and the artwork of M. C. Escher and Hieronymus Bosch.
The illustrations are often surreal parodies of things in the real world: bleeding fruit; a plant that grows into roughly the shape of a chair and is subsequently made into one; a copulating couple that metamorphoses into an alligator; etc. Others depict odd, apparently senseless machines, often with a delicate appearance, kept together by tiny filaments. There are also illustrations readily recognizable as maps or human faces. On the other hand, especially in the "physics" chapter, many images look almost completely abstract. Practically all figures are brightly coloured and rich in detail.

Writing system
The writing system (possibly a false writing system) appears modeled on ordinary Western-style writing systems (left-to-right writing in rows; an alphabet with uppercase and lowercase letters, some of which double as numerals). Some letters appear only at the beginning or at the end of words, a feature shared with Semitic writing systems. The curvilinear letters of the alphabet are rope- or thread-like, displaying loops and even knots, and are somewhat reminiscent of letters of the Sinhalese alphabet.
The language of the book has defied complete analysis by linguists for decades. The number system used for numbering the pages, however, has been cracked (apparently independently) by Allan C. Wechsler and Bulgarian linguist Ivan Derzhanski, among others. It is a variation of base 21.
In a talk at the Oxford University Society of Bibliophiles held on 11 May 2009, Serafini stated that there is no meaning hidden behind the script of the Codex, which is asemic; that his own experience in writing it was closely similar to automatic writing; and that what he wanted his alphabet to convey to the reader is the sensation that children feel in front of books they cannot yet understand, although they see that the writing does make sense for adults.

Contents
The book is divided into eleven chapters, partitioned into two sections. The first section appears to describe the natural world, dealing with flora, fauna, and physics. The second deals with the humanities, the various aspects of human life: clothing, history, cuisine, architecture and so on. Each chapter seems to treat a general encyclopedic topic. The topics of each separate chapter are as follows:
The first chapter describes many types of flora: strange flowers, trees that uproot themselves and migrate, etc.
The second chapter is devoted to the fauna of this world, depicting many animals that are surreal variations of the horse, hippopotamus, rhinoceros, birds, etc.
The third chapter deals with what seems to be a separate kingdom of odd bipedal creatures.
The fourth chapter deals with something that seems to be physics and chemistry, and is by far the most abstract and enigmatic.
The fifth chapter deals with bizarre machines and vehicles.
The sixth chapter explores the general humanities: biology, sexuality, various aboriginal peoples, and even shows examples of plant life and tools (such as pens and wrenches) grafted directly into the human body.
The seventh chapter is historical. It shows many people (some only vaguely human) of unknown significance, giving their times of birth and death. It also depicts many scenes of historical (and possibly religious) significance. Also included are examples of burial and funereal customs.
The eighth chapter depicts the history of the Codex's alien writing system.
The ninth chapter deals with food, dining practices, and clothing.
The tenth chapter describes bizarre games (including playing cards and board games) and athletic sports.
The eleventh chapter is devoted entirely to architecture.
After the last chapter there is a table of contents or an index, followed by something that resembles an afterword, except the writing there seems sloppy and rushed.
There are a few lines of text written in French on two plates in the sixth chapter. It is a quote from Marcel Proust's "A la recherche du temps perdu: Albertine disparue" (In Search of Lost Time: Albertine Gone). The words scattered on the floor of the picture are from the same book.








Ian Anderson • Homo Erraticus

 

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
Two years after Thick as a Brick 2, an explicit 2012 sequel to the 1972 prog classic, Ian Anderson embarked on another ambitious journey, this time assembling a concept record called Homo Erraticus. A loose -- very loose -- album based on a "dusty, unpublished manuscript, written by local amateur historian Ernest T. Parritt (1873-1928)," Homo Erraticus is an old-fashioned prog record: it has narrative heft and ideas tied to the '70s, where jazz, classical, folk, orchestral pop, and rock all commingled in a thick, murky soup. Divorced from Tull, Anderson favors fruitiness -- he likes ripe melodies and baroque arrangements that showcase either his flute or the dexterity of his band -- and if the music by and large isn't as forceful as Aqualung, partially due to the absence of muscular musicians, it nevertheless demonstrates a clear-eyed conception that is in the same lineage. Yes, the production on Homo Erraticus is too precise -- there's too much air, there's too much room to roam, decisions that diminish the impact of the music -- but the contours of the compositions deliberately and delicately recall classic Tull, so Homo Erraticus winds up satisfying: it's as close to '70s prog as is possible in 2014.
https://www.allmusic.com/album/homo-erraticus-mw0002625345

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Dos años después de Thick as a Brick 2, una explícita secuela de 2012 del clásico prog de 1972, Ian Anderson se embarcó en otro ambicioso viaje, esta vez montando un disco conceptual llamado Homo Erraticus. Un álbum suelto -muy suelto- basado en un "manuscrito polvoriento e inédito, escrito por el historiador aficionado local Ernest T. Parritt (1873-1928)", Homo Erraticus es un disco prog a la vieja usanza: tiene peso narrativo e ideas ligadas a los años 70, donde el jazz, la música clásica, el folk, el pop orquestal y el rock se mezclaban en una sopa espesa y turbia. Divorciado de Tull, Anderson se inclina por lo fructífero -le gustan las melodías maduras y los arreglos barrocos que ponen de manifiesto su flauta o la destreza de su banda- y si la música, en general, no es tan contundente como Aqualung, en parte debido a la ausencia de músicos musculosos, demuestra, no obstante, una concepción lúcida que está en la misma línea. Sí, la producción de Homo Erraticus es demasiado precisa -- hay demasiado aire, hay demasiado espacio para vagar, decisiones que disminuyen el impacto de la música -- pero los contornos de las composiciones recuerdan deliberada y delicadamente a los Tull clásicos, por lo que Homo Erraticus acaba siendo satisfactorio: es lo más cercano al prog de los 70 que es posible en 2014.
https://www.allmusic.com/album/homo-erraticus-mw0002625345


Monday, August 30, 2021

Jerry Weldon • Well-Done!

 



The high-water mark of Well-Done! is Jerry Weldon's rousing, up-tempo cover of "Filthy McNasty." Barking out four bars of Horace Silver's angular, no-nonsense line, Weldon sounds as if he can bulldoze anything that gets in his way. The tenor saxophonist's single-mindedness is exhilarating. Subsequent to the entrance of Hammond B-3 organist Kyle Koehler's pumping bass line and drummer Jason Brown's sturdy beat, he takes fifteen smart, frenetic choruses, pushing and pulling phrases into shape so as to make each chorus stand on it own.

The rest of the disc shines in a somewhat less ecstatic fashion. Weldon takes his time enunciating most of Tadd Dameron's "On A Misty Night," before executing exuberant bop runs on the bridge. Staying connected to Koehler and Brown rather than simply plowing over them, his solo contains long sweeping lines, blues declarations and a number of economical, down-to-earth passages. An improvisation during his low-key original, "To Marie," is nicely paced, lyrical and expansive. Early on he pauses, lets a few beats go by and then finishes a thought. Weldon eases into the melody of the seldom played "Mona Lisa," waxing wistful for a time, gradually becoming more animated, yet never completely abandoning the ballad feel.

Koehler, the composer of two of the disc's eight tracks, stimulates Weldon with a variety of comping maneuvers and is a versatile, spirited improviser. Building to a few brief climaxes over several choruses, his "State of the Union" solo is remarkably free of clutter and cliche. Koehler doesn't dwell on one thought for too long, and makes a somewhat conventional vocabulary sound fresh and engaging. A strong sense of the music's basic pulse informs everything he plays throughout "The Easy Out," a funky, Latin-tinged tune. Combining intelligent design and intense rhythmic thrust, even during the densest of passages he purposely moves forward without becoming obtuse or too forceful.
David A. Orthmann BY DAVID A. ORTHMANN
September 29, 2008
https://www.allaboutjazz.com/well-done-jerry-weldon-dex-jazz-review-by-david-a-orthmann.php

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El punto álgido de Well-Done! es la emocionante versión de Jerry Weldon de "Filthy McNasty". Ladrando cuatro compases de la línea angulosa y sin tonterías de Horace Silver, Weldon suena como si pudiera arrasar con cualquier cosa que se interponga en su camino. La determinación del saxofonista tenor es estimulante. Tras la entrada del organista Hammond B-3 Kyle Koehler con su línea de bajo y el robusto ritmo del baterista Jason Brown, se lanza a quince estribillos inteligentes y frenéticos, empujando y tirando de las frases para que cada estribillo se sostenga por sí mismo.

El resto del disco brilla de una manera algo menos extática. Weldon se toma su tiempo para enunciar la mayor parte de "On A Misty Night" de Tadd Dameron, antes de ejecutar exuberantes ejecuciones bop en el puente. Manteniendo la conexión con Koehler y Brown, en lugar de simplemente arrollarlos, su solo contiene largas líneas de barrido, declaraciones de blues y una serie de pasajes económicos y realistas. Una improvisación durante su original de bajo perfil, "To Marie", tiene un ritmo agradable, lírico y expansivo. Al principio hace una pausa, deja que pasen algunos tiempos y luego termina una idea. Weldon se adentra en la melodía de la rara vez interpretada "Mona Lisa", que se torna melancólica durante un tiempo, y poco a poco se vuelve más animada, aunque nunca abandona por completo la sensación de balada.

Koehler, el compositor de dos de los ocho temas del disco, estimula a Weldon con una variedad de maniobras de composición y es un improvisador versátil y animado. Su solo de "State of the Union", que llega a unos breves clímax a lo largo de varios estribillos, está notablemente libre de desorden y clichés. Koehler no se detiene en un pensamiento durante demasiado tiempo, y hace que un vocabulario algo convencional suene fresco y atractivo. Un fuerte sentido del pulso básico de la música informa de todo lo que toca a lo largo de "The Easy Out", una melodía funky con tintes latinos. Combinando un diseño inteligente y un intenso empuje rítmico, incluso durante los pasajes más densos avanza a propósito sin volverse obtuso o demasiado contundente.
David A. Orthmann POR DAVID A. ORTHMANN
29 de septiembre de 2008
https://www.allaboutjazz.com/well-done-jerry-weldon-dex-jazz-review-by-david-a-orthmann.php


jerryweldon.net ...


Jaki Byard • Blues for Smoke

 



Review by Scott Yanow
Pianist Jaki Byard's first recording as a leader was not released domestically until this 1988 CD. That fact seems strange for Byard is absolutely brilliant on the solo piano set. Many of his selections (all nine tunes are his originals) look both backwards to pre-bop styles and ahead to the avant-garde including such numbers as "Pete and Thomas (Tribute to the Ticklers)," "Spanish Tinge No. 1," and "One, Two, Five." The most remarkable selection is "Jaki's Blues Next" which has Byard alternating between James P. Johnson-type stride and free form à la Cecil Taylor; at its conclusion he plays both styles at the same time. A highly recommended outing from a very underrated pianist.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-smoke-mw0000091532

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Reseña de Scott Yanow
La primera grabación del pianista Jaki Byard como líder no se publicó en el mercado nacional hasta este CD de 1988. Este hecho parece extraño ya que Byard es absolutamente brillante en el set de piano solo. Muchas de sus selecciones (las nueve melodías son originales) miran tanto hacia atrás, a los estilos pre-bop, como hacia adelante, a la vanguardia, incluyendo números como "Pete and Thomas (Tribute to the Ticklers)", "Spanish Tinge No. 1" y "One, Two, Five". La selección más notable es "Jaki's Blues Next", en la que Byard alterna entre el ritmo de James P. Johnson y la forma libre de Cecil Taylor; al final, toca ambos estilos al mismo tiempo. Una salida muy recomendable de un pianista muy infravalorado.
https://www.allmusic.com/album/blues-for-smoke-mw0000091532


Charlie Byrd ‎• The Great Byrd


 

Wild Bill Davis • At The Organ



Big Joe Williams • Hand Me Down My Old Walking Stick



The Sonics • Introducing the Sonics



 Review by Cub Koda
This is a limited-edition, 180-gram premium vinyl audiophile pressing of the group's final album for Jerry Dennon's Jerden label. In addition to the band's two original hits (recorded and originally issued on the Etiquette label), there are 13 sides that were cut at the band's last session in 1966. All of the material on here is the same as on Jerden's compact disc version of the same material (issued as Maintaining My Cool), save for the exclusion of a lame version of "Hanky Panky," mercifully replaced here with Gerry Roslie's original "Love Lights." This makes a more than interesting comparison for audiophiles when compared to Jerden's CD version of this, minus the track swap. This also features the original album cover art of the band captured in a blue duo-tone in their matching gaucho outfits. Hardcore fans of the band and completists will want both versions of this.


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Traducción Automática:
Reseña por Cub Koda
Se trata de una edición limitada de audio de vinilo premium de 180 gramos que presiona el álbum final del grupo para el sello Jerden de Jerry Dennon. Además de los dos éxitos originales de la banda (grabados y originalmente emitidos en la etiqueta Etiqueta), hay 13 lados que se cortaron en la última sesión de la banda en 1966. Todo el material aquí es el mismo que en la versión de disco compacto de Jerden. el mismo material (publicado como Maintaining My Cool), excepto por la exclusión de una versión coja de "Hanky Panky", misericordiosamente reemplazado aquí con "Love Lights" originales de Gerry Roslie. Esto hace una comparación más que interesante para los audiófilos en comparación con la versión de CD de Jerden, menos el intercambio de pistas. Esto también presenta la portada del álbum original de la banda capturada en un tono azul en sus trajes gauchos a juego. Los fanáticos incondicionales de la banda y los completistas querrán ambas versiones de esto.


Bach and Handel

 


This book tells about the life and Bach and Handel. George Frederick Handel German — English composer of the Baroque era, famous for his operas, oratorios and concerts.
Handel was born in Germany in one year with Johann Sebastian Bach and Domenico Scarlatti.
Having received a musical education and experience in Italy, he then moved to London, later became a British citizen.
Among his most famous works are "Messiah", "Music on water" and "music for the Royal fireworks".Apparently, the family moved händel in the Saxon town in the early seventeenth century. The composer's grandfather, Valentine Handel, was a coppersmith from Breslau; in Halle he married the daughter of a master coppersmith Samuel Bijlenga. His son, Georg was a court Barber—surgeon who served the court of Brandenburg and Saxony, and an honorary citizen of Halle. When was born George Frederick, the first child of George by his second marriage, he was 63 years old.
The mother of Georg Friedrich Dorothea grew up in a family of a priest. When her brother, sister and father died from the plague, to the end she remained near them, and refused to leave them. George and Dorothea were married in 1683 in the electorate of Brandenburg. Handel's parents were very religious and were typical representatives of the bourgeois society of the late seventeenth century.

 

The Glory of Byzantium Art & Culture of the Middle Byzantine Era AD 843-1261 - MMA



The Glory of Byzantium Art & Culture of the Middle Byzantine Era AD 843-1261
Metropolitan Museum of Art / 1997


Sunday, August 29, 2021

George Freeman • Man & Woman

 





B.B. King • Reflections



Review by William Ruhlmann
B.B. King was 77 years old when Reflections was released, which perhaps entitled him to reflect back on the song standards the album contained. Despite advancing age, King had already been unusually busy on the recording front for a septuagenarian, turning out the gold-selling duets album Deuces Wild in 1997, Blues on the Bayou in 1998, Let the Good Times Roll: The Music of Louis Jordan in 1999, the double-platinum Riding With the King with Eric Clapton and Makin' Love Is Good for You in 2000, and the seasonal recording A Christmas Celebration of Hope in 2002. For Reflections, he again worked with Simon Climie, who produced Riding With the King, and collaborated with a session band including such notables as Joe Sample, Nathan East, and Doyle Bramhall II. The songs ranged from pop evergreens like "I'll String Along With You" and "For Sentimental Reasons" to blues favorites such as Lonnie Johnson's "Tomorrow Night," with oddities like "Always on My Mind" thrown in and even a couple of remakes of the earlier King songs "Word of Honor" and "Neighborhood Affair." The arrangements, which included horn and string parts, left room for King's distinctive blues guitar work, but really supported his always expressive voice. The result was a confident, easygoing album that stylistically could have been made in 1953 as easily as 2003. Blues purists and aficionados of blues guitar would find it only partially satisfying, but it reflected the breadth of musical taste of an artist who always played the blues but never restricted himself only to blues music or blues fans. https://www.allmusic.com/album/reflections-mw0000032998
 
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Reseña de William Ruhlmann
B.B. King tenía 77 años cuando se publicó Reflections, lo que quizás le daba derecho a reflexionar sobre los estándares de las canciones que contenía el álbum. A pesar de su avanzada edad, King ya había estado inusualmente ocupado en el frente de las grabaciones para un septuagenario, produciendo el álbum de duetos Deuces Wild, que vendió oro en 1997, Blues on the Bayou en 1998, Let the Good Times Roll: The Music of Louis Jordan en 1999, el doble platino Riding With the King con Eric Clapton y Makin' Love Is Good for You en 2000, y la grabación de temporada A Christmas Celebration of Hope en 2002. Para Reflections, volvió a trabajar con Simon Climie, que produjo Riding With the King, y colaboró con una banda de sesión que incluía a personas notables como Joe Sample, Nathan East y Doyle Bramhall II. Las canciones iban desde los clásicos del pop, como "I'll String Along With You" y "For Sentimental Reasons", hasta los favoritos del blues, como "Tomorrow Night" de Lonnie Johnson, con rarezas como "Always on My Mind" e incluso un par de versiones de las primeras canciones de King, "Word of Honor" y "Neighborhood Affair". Los arreglos, que incluían partes de cuerno y cuerda, dejaban espacio para el distintivo trabajo de guitarra de blues de King, pero realmente apoyaban su siempre expresiva voz. El resultado fue un álbum seguro y desenfadado que, estilísticamente, podría haberse hecho en 1953 con la misma facilidad que en 2003. Los puristas del blues y los aficionados a la guitarra de blues lo encontrarán sólo parcialmente satisfactorio, pero refleja la amplitud del gusto musical de un artista que siempre tocó el blues pero nunca se limitó sólo a la música de blues o a los aficionados al blues. https://www.allmusic.com/album/reflections-mw0000032998


www.bbking.com ...



Saturday, August 28, 2021

VA • Night Comes Downː 60 British Mod, R&B, Freakbeat, And Swinging London Nuggets

 


There's much, much more to 60s British music than just the invasion groups as Night Comes Down demonstrates. If you're a fan of the era, this box most certainly belongs in your collection. Recommended.
Night Comes Down: 60s British Mod, R&B, Freakbeat & Swinging London Nuggets.


Andrew Hill • Black Fire

 



Art Farmer & Benny Golson Jazztet • Here And Now-Another Git Together

 



Artie Shaw • The Best Of

 



Al Cohn & Zoot Sims • Easy As Pie-Live At The Left Bank

 



Sam Butera • The Big Horn

 



Alan Freed • Rock And Roll Dance Party

 


Art Pepper • Smack Up

 



Rodney Green Quartet feat. Warren Wolf • Live at Jazzhus Montmartre

 



New live recording from the legendary Jazzhus Montmartre in the heart of Copenhagen. This time with Rodney Green Quartet and Warren Wolf on vibraphone.

The recordings on this release are chosen from three terrific evenings at Montmartre in February 2016. Christian Brorsen, Music Director at Montmartre 2011-2016, says: “Dexter Gordon said it himself when he returned to the United States after 14 years in Copenhagen: “I miss the American drummers.” If you have been lucky enough to experience one of them live, you know why. Among the masterful drummers who have visited Montmartre in the course of time, we find the likes of Art Blakey, Art Taylor, Ed Thigpen and Billy Higgins. Rodney Green belongs to a new generation of great drummers. Brought up by elite musicians such as Mulgrew Miller and Charlie Haden, he knows something about the nature of jazz and what it takes to perform on a level so few others are capable of. Rodney’s got it all: good taste, a dazzling technique, and a formidable beat”.

For Rodney Green, the music always comes first. It all looks so simple when he’s sitting there, behind the drum set. There’s no showing off, but it always sounds incredibly good, so there’s a good reason why he is so much in demand. Simplicity and authenticity also underpinned these three terrific evenings at Montmartre, where he was asked to put together a quartet of musicians who, like himself, are capable of being present in the moment, doing away with long rehearsals. “As far as I’m concerned, real jazz musicians must be able to meet and play without discussions or long rehearsals, and just let their instruments speak,” says Green.

And that is how these sessions unfolded at Montmartre, to the delight of an enthusiastic audience who couldn’t get enough of this ardent quartet of musicians that, besides Rodney Green, comprised Danish pianist Jacob Christoffersen and American bassist David Wong. Together the three laid a hard-swinging foundation for Warren Wolf´, also from the U.S. and possibly the greatest vibraphone virtuoso ever.
https://www.storyvillerecords.com/products/live-at-montmatre-1018457

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Nueva grabación en directo desde el legendario Jazzhus Montmartre en el corazón de Copenhague. Esta vez con Rodney Green Quartet y Warren Wolf en el vibráfono.

Las grabaciones de este lanzamiento han sido seleccionadas de tres estupendas veladas en Montmartre en febrero de 2016. Christian Brorsen, director musical de Montmartre entre 2011 y 2016, afirma: "El propio Dexter Gordon lo dijo cuando regresó a Estados Unidos tras 14 años en Copenhague: "Echo de menos a los bateristas americanos". Si has tenido la suerte de vivir uno de ellos en directo, sabrás por qué. Entre los maestros de la batería que han visitado Montmartre a lo largo del tiempo, se encuentran figuras como Art Blakey, Art Taylor, Ed Thigpen y Billy Higgins. Rodney Green pertenece a una nueva generación de grandes bateristas. Criado por músicos de élite como Mulgrew Miller y Charlie Haden, sabe algo de la naturaleza del jazz y de lo que se necesita para rendir a un nivel del que muy pocos son capaces. Rodney lo tiene todo: buen gusto, una técnica deslumbrante y un ritmo formidable".

Para Rodney Green, la música siempre es lo primero. Todo parece tan sencillo cuando está sentado ahí, detrás de la batería. No hace ningún alarde, pero siempre suena increíblemente bien, así que hay una buena razón para que sea tan solicitado". La sencillez y la autenticidad son también la base de estas tres magníficas veladas en Montmartre, en las que se le pidió que reuniera a un cuarteto de músicos que, como él, son capaces de estar presentes en el momento, prescindiendo de los largos ensayos. "Para mí, los verdaderos músicos de jazz deben ser capaces de reunirse y tocar sin discusiones ni largos ensayos, y dejar que sus instrumentos hablen", dice Green.

Y así es como se desarrollaron estas sesiones en Montmartre, para deleite de un público entusiasta que no se cansaba de este ardiente cuarteto de músicos que, además de Rodney Green, incluía al pianista danés Jacob Christoffersen y al bajista estadounidense David Wong. Juntos, los tres sentaron las bases para Warren Wolf', también estadounidense y posiblemente el mayor virtuoso del vibráfono de todos los tiempos.
https://www.storyvillerecords.com/products/live-at-montmatre-1018457


rodneygreenjazz.com ...



Herbie Mann • Do The Bossa Nova & Latin Fever



Professor Longhair • New Orleans Piano

 



Review by Bill Dahl
All 16 of Professor Longhair's Atlantic sides from 1949 and 1953 (including a handful of alternate takes) are here on one glorious disc. Longhair's work for the label was famously marvelous -- this version of "Mardi Gras in New Orleans" reeks of revelry in the streets of the French Quarter, "She Walks Right In" and "Walk Your Blues Away" ride a bedrock boogie, and "In the Night" bounces atop a parade-beat shuffle groove and hard-charging saxes.
https://www.allmusic.com/album/new-orleans-piano-mw0000198829

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Reseña de Bill Dahl
Los 16 temas de Professor Longhair para Atlantic de 1949 y 1953 (incluyendo un puñado de tomas alternativas) están aquí en un disco glorioso. El trabajo de Longhair para la discográfica fue famoso por su maravilla: esta versión de "Mardi Gras in New Orleans" apesta a juerga en las calles del Barrio Francés, "She Walks Right In" y "Walk Your Blues Away" se mueven en un boogie de fondo, y "In the Night" rebota sobre un ritmo de desfile y saxos de gran carga.
https://www.allmusic.com/album/new-orleans-piano-mw0000198829


Hampton Hawes Quartet • Something Special

 



Review by Scott Yanow
This 1994 CD released for the first time a live set (recorded at Half Moon Bay, California) performed less than a year before pianist Hampton Hawes' death. Hawes, in a quartet with guitarist Denny Diaz, bassist Leroy Vinnegar and drummer Al Williams, dominates the music and displays his ability to uplift a couple of pop tunes ("Sunny" and "Fly Me to the Moon"). He also swings creatively through a blues, "St. Thomas" and a pair of his originals. This excellent music gives no hints of Hawes' upcoming demise.
https://www.allmusic.com/album/something-special-mw0000177186

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Reseña de Scott Yanow
Este CD de 1994 publica por primera vez un conjunto en vivo (grabado en Half Moon Bay, California) realizado menos de un año antes de la muerte del pianista Hampton Hawes. Hawes, en un cuarteto con el guitarrista Denny Diaz, el bajista Leroy Vinnegar y el baterista Al Williams, domina la música y muestra su habilidad para elevar un par de melodías pop ("Sunny" y "Fly Me to the Moon"). También se balancea creativamente a través de un blues, "St. Thomas" y un par de sus originales. Esta excelente música no deja entrever el próximo fallecimiento de Hawes.
https://www.allmusic.com/album/something-special-mw0000177186


Stray Cats • The Best Of The Stray Cats, Ultimate Selection

 



 
 


Glenn Miller • In The Digital Mood



Review by Bruce Eder:
This CD may be scoffed at by serious jazz listeners, and even by big-band devotees wary of modern "ghost band" performances, but the fact is that it sold over 100,000 pieces when it first appeared in 1983, and its CD version was among the very earliest compact discs ever released commercially in the United States (indeed, so early that the actual CDs had to be imported from Japan). The second-ever release by GRP Records, it put the label on the map, and it also stood as testimony to how good those original arrangements of the Glenn Miller Orchestra were. So how is it as music? At worst entertaining, and at best revealing, and also at times a little frustrating -- on the plus side, even heard in 2007, twenty-four years after the fact, the sound here is damned impressive; you can safely rank this release as one of the very earliest, if not the very first audiophile CDs to be released. The fact that it features 18 top-flight musicians under the baton of Larry O'Brien, then the leader of the touring Glenn Miller Orchestra, only makes it more impressive. What's more, with the quality of the playing, one will be able to make out minuscule elements of the original arrangements that were long obscured on the classic late-'30s/early-'40s Glenn Miller sides. Musicians with an appreciation of these arrangements will probably love this recording, and casual fans should embrace it heartily: these boys swing in 1983 about as well as their predecessors from 41 years earlier did. And the vocal numbers are no exception -- in contrast to Columbia Records' mid-'60s efforts to revive the Miller orchestra as a recording unit (which failed not just because of the timing of the project but also the uneven quality of the resulting albums), numbers like "Pennsylvania 6-5000" and "(I've Got a Gal In) Kalamazoo" are as hot here as there were four decades before. And the singers include Mel Tormé and Julius LaRosa (doing a solo) in their ranks. Still, it's the instrumentals that make up the bulk of this album, and on that level it's similarly unimpeachable, at least most of the way through -- "Tuxedo Junction" (which includes Dave Grusin sitting in on piano) is so close to the original that it's easy to forget who you're listening to and when they put this track down; and serious listeners should probably hold out for the "Gold Disc" edition or the Japanese version of this CD, which contain a bonus track, "At Last," featuring a trombone solo by Urbie Green that is worth the price of the CD by itself. Now, all of that said, there are a couple of quibbles: the absence of the cowbell on "In the Mood," and the "clever" notion on "Pennsylvania 6-5000" of ending the number with -- well, you can guess. This is still one cool, swinging release and, with its virtuoso musicianship, offers many of the same appealing qualities as the original Miller recordings.
 
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Reseña de Bruce Eder:
Este CD puede ser objeto de burla por parte de los oyentes de jazz serios, e incluso por parte de los devotos de las big bands que desconfían de las modernas actuaciones de "bandas fantasma", pero el hecho es que se vendieron más de 100.000 unidades cuando apareció por primera vez en 1983, y su versión en CD fue uno de los primeros discos compactos que se publicaron comercialmente en los Estados Unidos (de hecho, tan pronto que los CDs reales tuvieron que ser importados de Japón). Fue el segundo lanzamiento de la historia de GRP Records y puso al sello en el mapa, además de ser un testimonio de lo buenos que eran esos arreglos originales de la Glenn Miller Orchestra. ¿Cómo es la música? En el peor de los casos es entretenido y en el mejor es revelador, y a veces también un poco frustrante. En el lado positivo, incluso escuchado en 2007, veinticuatro años después del hecho, el sonido aquí es condenadamente impresionante; se puede clasificar con seguridad este lanzamiento como uno de los primeros, si no el primer CD audiófilo que se publicó. El hecho de que cuente con 18 músicos de primera línea bajo la dirección de Larry O'Brien, entonces líder de la Glenn Miller Orchestra en gira, no hace sino aumentar su impacto. Es más, con la calidad de la interpretación, uno podrá distinguir minúsculos elementos de los arreglos originales que durante mucho tiempo quedaron ocultos en los clásicos lados de Glenn Miller de finales de los años 30 y principios de los 40. Los músicos que aprecian estos arreglos probablemente adorarán esta grabación, y los aficionados ocasionales deberían aceptarla de buen grado: estos chicos se mueven en 1983 tan bien como lo hicieron sus predecesores de 41 años antes. Y los números vocales no son una excepción - en contraste con los esfuerzos de Columbia Records de mediados de los 60 para revivir la orquesta Miller como una unidad de grabación (que fracasó no sólo por el momento del proyecto, sino también por la calidad desigual de los álbumes resultantes), números como "Pennsylvania 6-5000" y "(I've Got a Gal In) Kalamazoo" son tan calientes aquí como lo fueron cuatro décadas antes. Y los cantantes incluyen a Mel Tormé y Julius LaRosa (haciendo un solo) en sus filas. Sin embargo, son los temas instrumentales los que conforman la mayor parte de este álbum, y en ese nivel es igualmente irreprochable, al menos la mayor parte del camino -- "Tuxedo Junction" (que incluye a Dave Grusin sentado en el piano) es tan cercano al original que es fácil olvidar a quién estás escuchando y cuándo pusieron esta pista; y los oyentes serios deberían esperar a la edición "Gold Disc" o a la versión japonesa de este CD, que contienen un tema extra, "At Last", con un solo de trombón de Urbie Green que vale el precio del CD por sí solo. Ahora bien, dicho esto, hay un par de objeciones: la ausencia del cencerro en "In the Mood", y la "inteligente" noción en "Pennsylvania 6-5000" de terminar el número con... bueno, puedes adivinar. Sin embargo, este disco es genial y ofrece, con su virtuosa música, muchas de las mismas cualidades atractivas que las grabaciones originales de Miller.