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As many of you may have noticed apart from the Ulozto problem the main Mega account has been suspended, therefore the blog will be temporarily down until we can restructure and normalise the blog. I appreciate all the support you have shown me. Thank you for your understanding.
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Como muchos habrán notado aparte del problema de Ulozto la cuenta principal Mega ha sido suspendida, por consiguiente el blog se verá disminuido temporalmente hasta poder reestructurar y normalizar el blog. Agradezco todas las muestras de apoyo que me han brindado. Gracias por comprender.
Wednesday, December 21, 2022
Carl Perkins • The Rockin’ Guitar Man - The Singles 1955-1962
Biography by Matt Collar
One of the quintessential rockabilly performers, Carl Perkins was a singer, guitarist, and songwriter whose humble sharecropping roots informed his twangy, boogie rhythm style and innovative blend of country and R&B. Along with Elvis Presley, Perkins helped define the early rockabilly sound and put Memphis' Sun Records on the map in the process with classic songs like "Blue Suede Shoes," "Matchbox," "Honey, Don't," and "Everybody's Trying to Be My Baby," all included on 1957's Dance Album. While he was slow to gain the pop culture status of some of his Million Dollar Quartet peers (including Presley, Johnny Cash, and Jerry Lee Lewis), he enjoyed extended revivals from the '60s onward, touring with Chuck Berry and influencing the work of countless artists like the Beatles, Brian Setzer, U2, and more. He also composed hits for other performers, including "Daddy Sang Bass" for Johnny Cash, "I Was So Wrong" for Patsy Cline, and "Let Me Tell You About Love" for the Judds. Prior to his death in 1998, Perkins was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame and the Rock & Roll Hall of Fame and saw his landmark 1955 recording of "Blue Suede Shoes" honored with a Grammy Hall of Fame Award.
Carl Lee Perkins was born in 1932 in Tipton, Tennessee to sharecroppers Buck and Louise Perkins (misspelled on his birth certificate as "Perkings"). Starting early in his childhood, he worked in the fields picking cotton and living in a shack with his parents, older brother Jay, and his younger brother Clayton. Gifted a second-hand guitar, he took lessons from a local Black sharecropper, learning firsthand the boogie rhythm that he would later build a career on. By his teens, Perkins was playing electric guitar, mixing R&B traditions with bluegrass and country techniques. He soon recruited his brothers Jay on vocals and rhythm guitar and Clayton on vocals and string bass. The Perkins Brothers Band quickly established itself as the hottest band in the get-hot-or-go-home cutthroat Jackson, Tennessee honky tonk circuit. It was here that Carl started composing his first songs with an eye toward the future. Watching the dancefloor at all times for a reaction, Perkins kept reshaping these loosely structured songs until he had a completed composition, which would then finally be put to paper. He was already sending demos to New York record companies, who kept rejecting him, sometimes explaining that this strange new hybrid of country and R&B fit no current commercial trend. But once Perkins heard Elvis on the radio, he not only knew what to call it, but knew that there was a record company person who finally understood it and was also willing to gamble on promoting it. That man was Sam Phillips and the record company was Sun Records, and that's exactly where Perkins headed in 1954 to get an audition.
It was here at his first Sun audition that the structure of the Perkins Brothers Band changed forever. Phillips didn't show the least bit of interest in Jay's Ernest Tubb-styled vocals but flipped over Carl's singing and guitar playing. A scant four months later, he had issued the first Carl Perkins record, "Movie Magg"/"Turn Around," both sides written by the artist. By his second session, he had added W.S. Holland -- a friend of Clayton's -- to the band playing drums, a relatively new innovation to country music at the time. Phillips was still channeling Perkins in a strictly hillbilly vein, feeling that two artists doing the same type of music (in this case, Elvis and rockabilly) would cancel each other out. But after selling Elvis' contract to RCA Victor in December, Perkins was encouraged to finally let his rocking soul come up for air at his next Sun session. And rock he did, with a double-whammy blast that proved to be his ticket to the bigs. The chance overhearing of a conversation at a dance one night between two teenagers, coupled with a song idea suggestion from labelmate Johnny Cash, inspired Perkins to approach Phillips with a new song he had written called "Blue Suede Shoes." After cutting two sides that Phillips planned on releasing as a single by the Perkins Brothers Band, Perkins laid down three takes each of "Blue Suede Shoes" and another rocker, "Honey Don't." A month later, Phillips decides to shelve the two country sides and go with the rockers as Perkins' next single. Three months later, "Blue Suede Shoes," a tune that borrowed stylistically from pop, country, and R&B music, sat at the top of all charts, the first record to accomplish such a feat while becoming Sun's first million-seller in the bargain.
Ready to cash in on a national basis, Perkins and the boys headed up to New York for the first time to appear on The Perry Como Show. While en route their car rammed the back of a poultry truck, putting Carl and his brother Jay in the hospital with a cracked skull and broken neck, respectively. While in traction, Perkins saw Presley performing his song on The Dorsey Brother Stage Show, his moment of fame and recognition snatched away from him. Perkins shrugged his shoulders and went back to the road and the Sun studios, trying to pick up where he left off.
The follow-ups to "Shoes" were, in many ways, superior to his initial hit, but each succeeding Sun single held diminishing sales, and it wasn't until the British Invasion and the subsequent rockabilly revival of the early '70s that the general public got to truly savor classics like "Boppin' the Blues," "Matchbox," "Everybody's Trying to Be My Baby," "Your True Love," "Dixie Fried," "Put Your Cat Clothes On," and "All Mama's Children." While labelmates Cash and Jerry Lee Lewis (who played piano on "Matchbox" during the legendary Million Dollar Quartet session) were scoring hit after hit, Perkins was becoming disillusioned with his fate, fueled by his increasing dependence on alcohol and the death of his brother Jay to cancer. He kept plugging along, and when Cash left Sun to go to Columbia in 1958, Perkins followed him over. The royalty rate was better, and Perkins had no shortage of great songs to record, but Columbia's Nashville watch-the-clock production methods killed the spontaneity that was the charm of the Sun records.
By the early '60s, after being dropped by Columbia and moving over to Decca with little success, Perkins was back playing the honky tonks and contemplating getting out of the business altogether. A call from a booking agent in 1964 offering a tour of England alongside Chuck Berry changed all of that. Temporarily swearing off the bottle, Perkins was greeted in Britain as a conquering hero, playing to sold-out audiences and being particularly lauded by a young beat group on the top of the charts named the Beatles. George Harrison had cut his musical teeth on Perkins' Sun recordings (as had most British guitarists) and the Fab Four ended up recording more tunes by him than any other artist except themselves. The British tour not only rejuvenated his outlook, but suddenly made him realize that he had gone -- through no maneuvering of his own -- from has-been to legend in a country he had never played in before. Upon his return to the States, he hooked up with old friend and former labelmate Cash and was a regular fixture of his road show for the next ten years, bringing his battle with alcohol to an end. He kept recording, releasing My Kind of Country in 1973 and covering classic rock & roll and country hits on 1978's Ol' Blue Suede's Back.
As the '80s dawned, Perkins found himself at the epicenter of the rockabilly revival, touring on his own with a new band consisting of his sons backing him (including future Rockabilly Hall of Famer Stan Perkins). In 1982, he collaborated with Paul McCartney on the song "Get It," included on Tug of War. He also joined with Stray Cats members Lee Rocker and Slim Jim Phantom for a re-recording of "Blue Suede Shoes" for the soundtrack to the comedy Porky's Revenge. 1985 proved a banner year for Perkins, who was featured in a live television special, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, recorded at London's Limehouse Studios and featuring guests including George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash, and Ringo Starr. He also made a cameo, alongside David Bowie, in director John Landis' film Into the Night. 1985 was also the year he was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame. Two years later, he was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame and, soon after, the Rockabilly Hall of Fame. In 1986, his original 1955 recording of "Blue Suede Shoes" was inducted into the Grammy Hall of Fame. That same year, he reunited with fellow rock & roll legends Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, and Roy Orbison for Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, a tribute to their early years at Sun Records. In 1989, he scored a number one country hit with the Judds on "Let Me Tell You About Love" and released his own album, Born to Rock.
In 1992, Perkins released Friends, Family, & Legends, a star-studded production featuring appearances by Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer, and others. He then collaborated with Duane Eddy and the Mavericks, contributing a version of "Matchbox" to the 1994 AIDS benefit album Red Hot + Country. Perkins' final album, Go Cat Go!, arrived in 1996 and featured guest spots from many performers who had drawn inspiration from him, including both George Harrison and Paul McCartney, Bono, John Fogerty, and Tom Petty, among others. After a long battle with throat cancer, Perkins died in early 1998 at the age of 65, his place in the history books assured.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
One of the quintessential rockabilly performers, Carl Perkins was a singer, guitarist, and songwriter whose humble sharecropping roots informed his twangy, boogie rhythm style and innovative blend of country and R&B. Along with Elvis Presley, Perkins helped define the early rockabilly sound and put Memphis' Sun Records on the map in the process with classic songs like "Blue Suede Shoes," "Matchbox," "Honey, Don't," and "Everybody's Trying to Be My Baby," all included on 1957's Dance Album. While he was slow to gain the pop culture status of some of his Million Dollar Quartet peers (including Presley, Johnny Cash, and Jerry Lee Lewis), he enjoyed extended revivals from the '60s onward, touring with Chuck Berry and influencing the work of countless artists like the Beatles, Brian Setzer, U2, and more. He also composed hits for other performers, including "Daddy Sang Bass" for Johnny Cash, "I Was So Wrong" for Patsy Cline, and "Let Me Tell You About Love" for the Judds. Prior to his death in 1998, Perkins was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame and the Rock & Roll Hall of Fame and saw his landmark 1955 recording of "Blue Suede Shoes" honored with a Grammy Hall of Fame Award.
Carl Lee Perkins was born in 1932 in Tipton, Tennessee to sharecroppers Buck and Louise Perkins (misspelled on his birth certificate as "Perkings"). Starting early in his childhood, he worked in the fields picking cotton and living in a shack with his parents, older brother Jay, and his younger brother Clayton. Gifted a second-hand guitar, he took lessons from a local Black sharecropper, learning firsthand the boogie rhythm that he would later build a career on. By his teens, Perkins was playing electric guitar, mixing R&B traditions with bluegrass and country techniques. He soon recruited his brothers Jay on vocals and rhythm guitar and Clayton on vocals and string bass. The Perkins Brothers Band quickly established itself as the hottest band in the get-hot-or-go-home cutthroat Jackson, Tennessee honky tonk circuit. It was here that Carl started composing his first songs with an eye toward the future. Watching the dancefloor at all times for a reaction, Perkins kept reshaping these loosely structured songs until he had a completed composition, which would then finally be put to paper. He was already sending demos to New York record companies, who kept rejecting him, sometimes explaining that this strange new hybrid of country and R&B fit no current commercial trend. But once Perkins heard Elvis on the radio, he not only knew what to call it, but knew that there was a record company person who finally understood it and was also willing to gamble on promoting it. That man was Sam Phillips and the record company was Sun Records, and that's exactly where Perkins headed in 1954 to get an audition.
It was here at his first Sun audition that the structure of the Perkins Brothers Band changed forever. Phillips didn't show the least bit of interest in Jay's Ernest Tubb-styled vocals but flipped over Carl's singing and guitar playing. A scant four months later, he had issued the first Carl Perkins record, "Movie Magg"/"Turn Around," both sides written by the artist. By his second session, he had added W.S. Holland -- a friend of Clayton's -- to the band playing drums, a relatively new innovation to country music at the time. Phillips was still channeling Perkins in a strictly hillbilly vein, feeling that two artists doing the same type of music (in this case, Elvis and rockabilly) would cancel each other out. But after selling Elvis' contract to RCA Victor in December, Perkins was encouraged to finally let his rocking soul come up for air at his next Sun session. And rock he did, with a double-whammy blast that proved to be his ticket to the bigs. The chance overhearing of a conversation at a dance one night between two teenagers, coupled with a song idea suggestion from labelmate Johnny Cash, inspired Perkins to approach Phillips with a new song he had written called "Blue Suede Shoes." After cutting two sides that Phillips planned on releasing as a single by the Perkins Brothers Band, Perkins laid down three takes each of "Blue Suede Shoes" and another rocker, "Honey Don't." A month later, Phillips decides to shelve the two country sides and go with the rockers as Perkins' next single. Three months later, "Blue Suede Shoes," a tune that borrowed stylistically from pop, country, and R&B music, sat at the top of all charts, the first record to accomplish such a feat while becoming Sun's first million-seller in the bargain.
Ready to cash in on a national basis, Perkins and the boys headed up to New York for the first time to appear on The Perry Como Show. While en route their car rammed the back of a poultry truck, putting Carl and his brother Jay in the hospital with a cracked skull and broken neck, respectively. While in traction, Perkins saw Presley performing his song on The Dorsey Brother Stage Show, his moment of fame and recognition snatched away from him. Perkins shrugged his shoulders and went back to the road and the Sun studios, trying to pick up where he left off.
The follow-ups to "Shoes" were, in many ways, superior to his initial hit, but each succeeding Sun single held diminishing sales, and it wasn't until the British Invasion and the subsequent rockabilly revival of the early '70s that the general public got to truly savor classics like "Boppin' the Blues," "Matchbox," "Everybody's Trying to Be My Baby," "Your True Love," "Dixie Fried," "Put Your Cat Clothes On," and "All Mama's Children." While labelmates Cash and Jerry Lee Lewis (who played piano on "Matchbox" during the legendary Million Dollar Quartet session) were scoring hit after hit, Perkins was becoming disillusioned with his fate, fueled by his increasing dependence on alcohol and the death of his brother Jay to cancer. He kept plugging along, and when Cash left Sun to go to Columbia in 1958, Perkins followed him over. The royalty rate was better, and Perkins had no shortage of great songs to record, but Columbia's Nashville watch-the-clock production methods killed the spontaneity that was the charm of the Sun records.
By the early '60s, after being dropped by Columbia and moving over to Decca with little success, Perkins was back playing the honky tonks and contemplating getting out of the business altogether. A call from a booking agent in 1964 offering a tour of England alongside Chuck Berry changed all of that. Temporarily swearing off the bottle, Perkins was greeted in Britain as a conquering hero, playing to sold-out audiences and being particularly lauded by a young beat group on the top of the charts named the Beatles. George Harrison had cut his musical teeth on Perkins' Sun recordings (as had most British guitarists) and the Fab Four ended up recording more tunes by him than any other artist except themselves. The British tour not only rejuvenated his outlook, but suddenly made him realize that he had gone -- through no maneuvering of his own -- from has-been to legend in a country he had never played in before. Upon his return to the States, he hooked up with old friend and former labelmate Cash and was a regular fixture of his road show for the next ten years, bringing his battle with alcohol to an end. He kept recording, releasing My Kind of Country in 1973 and covering classic rock & roll and country hits on 1978's Ol' Blue Suede's Back.
As the '80s dawned, Perkins found himself at the epicenter of the rockabilly revival, touring on his own with a new band consisting of his sons backing him (including future Rockabilly Hall of Famer Stan Perkins). In 1982, he collaborated with Paul McCartney on the song "Get It," included on Tug of War. He also joined with Stray Cats members Lee Rocker and Slim Jim Phantom for a re-recording of "Blue Suede Shoes" for the soundtrack to the comedy Porky's Revenge. 1985 proved a banner year for Perkins, who was featured in a live television special, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, recorded at London's Limehouse Studios and featuring guests including George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash, and Ringo Starr. He also made a cameo, alongside David Bowie, in director John Landis' film Into the Night. 1985 was also the year he was inducted into the Nashville Songwriters Hall of Fame. Two years later, he was inducted into the Rock & Roll Hall of Fame and, soon after, the Rockabilly Hall of Fame. In 1986, his original 1955 recording of "Blue Suede Shoes" was inducted into the Grammy Hall of Fame. That same year, he reunited with fellow rock & roll legends Johnny Cash, Jerry Lee Lewis, and Roy Orbison for Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, a tribute to their early years at Sun Records. In 1989, he scored a number one country hit with the Judds on "Let Me Tell You About Love" and released his own album, Born to Rock.
In 1992, Perkins released Friends, Family, & Legends, a star-studded production featuring appearances by Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer, and others. He then collaborated with Duane Eddy and the Mavericks, contributing a version of "Matchbox" to the 1994 AIDS benefit album Red Hot + Country. Perkins' final album, Go Cat Go!, arrived in 1996 and featured guest spots from many performers who had drawn inspiration from him, including both George Harrison and Paul McCartney, Bono, John Fogerty, and Tom Petty, among others. After a long battle with throat cancer, Perkins died in early 1998 at the age of 65, his place in the history books assured.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
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Biografía de Matt Collar
Carl Perkins, uno de los intérpretes de rockabilly por excelencia, era cantante, guitarrista y compositor cuyas humildes raíces aparceras informaron su estilo vibrante y rítmico boogie y su innovadora combinación de country y R&B. Junto con Elvis Presley, Perkins ayudó a definir el sonido rockabilly temprano y puso a Sun Records de Memphis en el mapa en el proceso con canciones clásicas como "Blue Suede Shoes", "Matchbox", "Honey, Don't" y "Everybody's Trying to Be My Baby", todas incluidas en el Álbum Dance de 1957. Si bien tardó en ganar el estatus de cultura pop de algunos de sus compañeros de Cuarteto de Un Millón de Dólares (incluidos Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis), disfrutó de avivamientos extendidos desde los años 60 en adelante, haciendo giras con Chuck Berry e influyendo en el trabajo de innumerables artistas como los Beatles, Brian Setzer, U2 y más. También compuso éxitos para otros artistas, incluidos "Daddy Sang Bass" para Johnny Cash, "I Was So Wrong " para Patsy Cline y" Let Me Tell You About Love " para the Judds. Antes de su muerte en 1998, Perkins fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville y en el Salón de la Fama del Rock & Roll y vio su histórica grabación de 1955 de "Blue Suede Shoes" honrada con un premio Grammy Hall of Fame.
Carl Lee Perkins nació en 1932 en Tipton, Tennessee, de los aparceros Buck y Louise Perkins (mal escrito en su certificado de nacimiento como "Perkings"). Comenzando temprano en su infancia, trabajó en los campos recogiendo algodón y viviendo en una choza con sus padres, su hermano mayor Jay y su hermano menor Clayton. Dotado con una guitarra de segunda mano, tomó lecciones de un aparcero negro local, aprendiendo de primera mano el ritmo boogie con el que más tarde construiría una carrera. En su adolescencia, Perkins tocaba la guitarra eléctrica, mezclando tradiciones de R & B con bluegrass y técnicas country. Pronto reclutó a sus hermanos Jay en la voz y la guitarra rítmica y a Clayton en la voz y el bajo de cuerda. The Perkins Brothers Band se estableció rápidamente como la banda más candente en el despiadado circuito honky tonk de Jackson, Tennessee. Fue aquí donde Carl comenzó a componer sus primeras canciones con la vista puesta en el futuro. Observando la pista de baile en todo momento en busca de una reacción, Perkins siguió remodelando estas canciones vagamente estructuradas hasta que tuvo una composición completa, que finalmente se pondría en papel. Ya estaba enviando demos a las compañías discográficas de Nueva York, que seguían rechazándolo, a veces explicando que este extraño nuevo híbrido de country y R&B no encajaba con ninguna tendencia comercial actual. Pero una vez que Perkins escuchó a Elvis en la radio, no solo supo cómo llamarlo, sino que supo que había una persona de la compañía discográfica que finalmente lo entendió y también estaba dispuesta a apostar por promocionarlo. Ese hombre era Sam Phillips y la compañía discográfica era Sun Records, y ahí es exactamente a donde se dirigió Perkins en 1954 para conseguir una audición.
Fue aquí, en su primera audición para Sun, donde la estructura de la Perkins Brothers Band cambió para siempre. Phillips no mostró el más mínimo interés en la voz al estilo Ernest Tubb de Jay, pero le dio la vuelta al canto y la guitarra de Carl. Apenas cuatro meses después, había publicado el primer disco de Carl Perkins, "Movie Magg"/"Turn Around", ambas caras escritas por el artista. Para su segunda sesión, había agregado a W. S. Holland, un amigo de Clayton, a la banda tocando la batería, una innovación relativamente nueva para la música country en ese momento. Phillips todavía estaba canalizando a Perkins en una vena estrictamente hillbilly, sintiendo que dos artistas que hacían el mismo tipo de música (en este caso, Elvis y rockabilly) se cancelarían mutuamente. Pero después de vender el contrato de Elvis a RCA Victor en diciembre, Perkins se animó a finalmente dejar que su alma rockera saliera al aire en su próxima sesión de Sun. Y rock lo hizo, con una explosión de doble golpe que resultó ser su boleto a los grandes. La casualidad de escuchar una conversación en un baile una noche entre dos adolescentes, junto con una sugerencia de una idea de canción de su compañero de sello Johnny Cash, inspiró a Perkins a acercarse a Phillips con una nueva canción que había escrito llamada "Blue Suede Shoes". Después de cortar dos lados que Phillips planeaba lanzar como sencillo de The Perkins Brothers Band, Perkins grabó tres tomas cada una de "Blue Suede Shoes" y otra rockera, "Honey Don't". Un mes después, Phillips decide dejar de lado los dos lados country e ir con the rockers como el próximo sencillo de Perkins . Tres meses después, "Blue Suede Shoes", una canción que tomaba prestado estilísticamente de la música pop, country y R&B, se ubicó en la cima de todas las listas, el primer disco en lograr tal hazaña y se convirtió en el primer millón de ventas de Sun en el negocio.
Listos para sacar provecho a nivel nacional, Perkins y los muchachos se dirigieron a Nueva York por primera vez para aparecer en The Perry Como Show. Mientras se dirigían, su automóvil embistió la parte trasera de un camión avícola, lo que llevó a Carl y su hermano Jay al hospital con el cráneo partido y el cuello roto, respectivamente. Mientras estaba en traction, Perkins vio a Presley interpretar su canción en el espectáculo teatral Dorsey Brother, su momento de fama y reconocimiento le fue arrebatado. Perkins se encogió de hombros y regresó a la carretera y a los estudios Sun, tratando de continuar donde lo dejó.
Los seguimientos de "Shoes" fueron, en muchos sentidos, superiores a su éxito inicial, pero cada sencillo sucesivo de Sun mantuvo ventas decrecientes, y no fue hasta la Invasión británica y el posterior resurgimiento del rockabilly de principios de los 70 que el público en general pudo saborear verdaderamente clásicos como "Boppin 'the Blues", "Matchbox", "Everybody's Trying to Be My Baby", "Your True Love", "Dixie Fried", "Put Your Cat Clothes On" y "All Mama's Children"."Mientras sus compañeros de sello Cash y Jerry Lee Lewis (que tocaron el piano en "Matchbox" durante la legendaria sesión del Cuarteto Million Dollar) anotaban éxito tras éxito, Perkins se estaba desilusionando con su destino, impulsado por su creciente dependencia del alcohol y la muerte de su hermano Jay a causa del cáncer. Siguió conectándose, y cuando Cash dejó Sun para irse a Columbia en 1958, Perkins lo siguió. La tasa de regalías era mejor, y a Perkins no le faltaban grandes canciones para grabar, pero los métodos de producción de relojería de Nashville de Columbia acabaron con la espontaneidad que era el encanto de The Sun Records.
A principios de los 60, después de que Columbia lo abandonara y se mudara a Decca con poco éxito, Perkins volvió a tocar honky tonks y contemplaba dejar el negocio por completo. Una llamada de un agente de reservas en 1964 ofreciendo una gira por Inglaterra junto a Chuck Berry cambió todo eso. Renunciando temporalmente a la botella, Perkins fue recibido en Gran Bretaña como un héroe conquistador, tocando para audiencias agotadas y siendo particularmente elogiado por un joven grupo beat en lo más alto de las listas llamado The Beatles. George Harrison se había hecho un hueco musical en las grabaciones de Sun de Perkins (al igual que la mayoría de los guitarristas británicos) y los Fab Four terminaron grabando más canciones suyas que cualquier otro artista, excepto ellos mismos. La gira británica no solo rejuveneció su perspectiva, sino que de repente le hizo darse cuenta de que había pasado, sin maniobras propias, de haber sido una leyenda en un país en el que nunca antes había tocado. A su regreso a los Estados Unidos, se conectó con un viejo amigo y excompañero de sello Cash y fue un elemento habitual de su gira durante los siguientes diez años, poniendo fin a su batalla con el alcohol. Siguió grabando, lanzando My Kind of Country en 1973 y versionando éxitos clásicos de rock & roll y country en Ol ' Blue Suede de 1978.
Al amanecer de los 80, Perkins se encontró en el epicentro del renacimiento del rockabilly, de gira solo con una nueva banda formada por sus hijos que lo respaldaban (incluido el futuro miembro del Salón de la Fama del Rockabilly, Stan Perkins). En 1982, colaboró con Paul McCartney en la canción "Get It", incluida en Tug of War. También se unió a los miembros de Stray Cats Lee Rocker y Slim Jim Phantom para una regrabación de "Blue Suede Shoes" para la banda sonora de la comedia Porky's Revenge. 1985 resultó ser un año excepcional para Perkins, quien apareció en un especial de televisión en vivo, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, grabado en los Limehouse Studios de Londres y con invitados como George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash y Ringo Starr. También hizo un cameo, junto a David Bowie,en la película Into the Night del director John Landis. 1985 también fue el año en que fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville. Dos años más tarde, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y, poco después, en el Salón de la Fama del Rockabilly. En 1986, su grabación original de 1955 de "Blue Suede Shoes" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. Ese mismo año, se reunió con sus compañeros leyendas del rock & roll Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison para Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, un tributo a sus primeros años en Sun Records. En 1989, obtuvo un éxito country número uno con The Judds en "Let Me Tell You About Love" y lanzó su propio álbum, Born to Rock.
En 1992, Perkins lanzó Friends, Family, & Legends, una producción repleta de estrellas con apariciones de Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer y otros. Luego colaboró con Duane Eddy y The Mavericks, contribuyendo con una versión de "Matchbox" al álbum benéfico contra el SIDA de 1994 Red Hot + Country. El último álbum de Perkins, Go Cat Go!, llegó en 1996 y contó con anuncios invitados de muchos artistas que se habían inspirado en él, incluidos George Harrison y Paul McCartney, Bono, John Fogerty y Tom Petty, entre otros. Después de una larga batalla contra el cáncer de garganta, Perkins murió a principios de 1998 a la edad de 65 años, su lugar en los libros de historia asegurado.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
Carl Perkins, uno de los intérpretes de rockabilly por excelencia, era cantante, guitarrista y compositor cuyas humildes raíces aparceras informaron su estilo vibrante y rítmico boogie y su innovadora combinación de country y R&B. Junto con Elvis Presley, Perkins ayudó a definir el sonido rockabilly temprano y puso a Sun Records de Memphis en el mapa en el proceso con canciones clásicas como "Blue Suede Shoes", "Matchbox", "Honey, Don't" y "Everybody's Trying to Be My Baby", todas incluidas en el Álbum Dance de 1957. Si bien tardó en ganar el estatus de cultura pop de algunos de sus compañeros de Cuarteto de Un Millón de Dólares (incluidos Presley, Johnny Cash y Jerry Lee Lewis), disfrutó de avivamientos extendidos desde los años 60 en adelante, haciendo giras con Chuck Berry e influyendo en el trabajo de innumerables artistas como los Beatles, Brian Setzer, U2 y más. También compuso éxitos para otros artistas, incluidos "Daddy Sang Bass" para Johnny Cash, "I Was So Wrong " para Patsy Cline y" Let Me Tell You About Love " para the Judds. Antes de su muerte en 1998, Perkins fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville y en el Salón de la Fama del Rock & Roll y vio su histórica grabación de 1955 de "Blue Suede Shoes" honrada con un premio Grammy Hall of Fame.
Carl Lee Perkins nació en 1932 en Tipton, Tennessee, de los aparceros Buck y Louise Perkins (mal escrito en su certificado de nacimiento como "Perkings"). Comenzando temprano en su infancia, trabajó en los campos recogiendo algodón y viviendo en una choza con sus padres, su hermano mayor Jay y su hermano menor Clayton. Dotado con una guitarra de segunda mano, tomó lecciones de un aparcero negro local, aprendiendo de primera mano el ritmo boogie con el que más tarde construiría una carrera. En su adolescencia, Perkins tocaba la guitarra eléctrica, mezclando tradiciones de R & B con bluegrass y técnicas country. Pronto reclutó a sus hermanos Jay en la voz y la guitarra rítmica y a Clayton en la voz y el bajo de cuerda. The Perkins Brothers Band se estableció rápidamente como la banda más candente en el despiadado circuito honky tonk de Jackson, Tennessee. Fue aquí donde Carl comenzó a componer sus primeras canciones con la vista puesta en el futuro. Observando la pista de baile en todo momento en busca de una reacción, Perkins siguió remodelando estas canciones vagamente estructuradas hasta que tuvo una composición completa, que finalmente se pondría en papel. Ya estaba enviando demos a las compañías discográficas de Nueva York, que seguían rechazándolo, a veces explicando que este extraño nuevo híbrido de country y R&B no encajaba con ninguna tendencia comercial actual. Pero una vez que Perkins escuchó a Elvis en la radio, no solo supo cómo llamarlo, sino que supo que había una persona de la compañía discográfica que finalmente lo entendió y también estaba dispuesta a apostar por promocionarlo. Ese hombre era Sam Phillips y la compañía discográfica era Sun Records, y ahí es exactamente a donde se dirigió Perkins en 1954 para conseguir una audición.
Fue aquí, en su primera audición para Sun, donde la estructura de la Perkins Brothers Band cambió para siempre. Phillips no mostró el más mínimo interés en la voz al estilo Ernest Tubb de Jay, pero le dio la vuelta al canto y la guitarra de Carl. Apenas cuatro meses después, había publicado el primer disco de Carl Perkins, "Movie Magg"/"Turn Around", ambas caras escritas por el artista. Para su segunda sesión, había agregado a W. S. Holland, un amigo de Clayton, a la banda tocando la batería, una innovación relativamente nueva para la música country en ese momento. Phillips todavía estaba canalizando a Perkins en una vena estrictamente hillbilly, sintiendo que dos artistas que hacían el mismo tipo de música (en este caso, Elvis y rockabilly) se cancelarían mutuamente. Pero después de vender el contrato de Elvis a RCA Victor en diciembre, Perkins se animó a finalmente dejar que su alma rockera saliera al aire en su próxima sesión de Sun. Y rock lo hizo, con una explosión de doble golpe que resultó ser su boleto a los grandes. La casualidad de escuchar una conversación en un baile una noche entre dos adolescentes, junto con una sugerencia de una idea de canción de su compañero de sello Johnny Cash, inspiró a Perkins a acercarse a Phillips con una nueva canción que había escrito llamada "Blue Suede Shoes". Después de cortar dos lados que Phillips planeaba lanzar como sencillo de The Perkins Brothers Band, Perkins grabó tres tomas cada una de "Blue Suede Shoes" y otra rockera, "Honey Don't". Un mes después, Phillips decide dejar de lado los dos lados country e ir con the rockers como el próximo sencillo de Perkins . Tres meses después, "Blue Suede Shoes", una canción que tomaba prestado estilísticamente de la música pop, country y R&B, se ubicó en la cima de todas las listas, el primer disco en lograr tal hazaña y se convirtió en el primer millón de ventas de Sun en el negocio.
Listos para sacar provecho a nivel nacional, Perkins y los muchachos se dirigieron a Nueva York por primera vez para aparecer en The Perry Como Show. Mientras se dirigían, su automóvil embistió la parte trasera de un camión avícola, lo que llevó a Carl y su hermano Jay al hospital con el cráneo partido y el cuello roto, respectivamente. Mientras estaba en traction, Perkins vio a Presley interpretar su canción en el espectáculo teatral Dorsey Brother, su momento de fama y reconocimiento le fue arrebatado. Perkins se encogió de hombros y regresó a la carretera y a los estudios Sun, tratando de continuar donde lo dejó.
Los seguimientos de "Shoes" fueron, en muchos sentidos, superiores a su éxito inicial, pero cada sencillo sucesivo de Sun mantuvo ventas decrecientes, y no fue hasta la Invasión británica y el posterior resurgimiento del rockabilly de principios de los 70 que el público en general pudo saborear verdaderamente clásicos como "Boppin 'the Blues", "Matchbox", "Everybody's Trying to Be My Baby", "Your True Love", "Dixie Fried", "Put Your Cat Clothes On" y "All Mama's Children"."Mientras sus compañeros de sello Cash y Jerry Lee Lewis (que tocaron el piano en "Matchbox" durante la legendaria sesión del Cuarteto Million Dollar) anotaban éxito tras éxito, Perkins se estaba desilusionando con su destino, impulsado por su creciente dependencia del alcohol y la muerte de su hermano Jay a causa del cáncer. Siguió conectándose, y cuando Cash dejó Sun para irse a Columbia en 1958, Perkins lo siguió. La tasa de regalías era mejor, y a Perkins no le faltaban grandes canciones para grabar, pero los métodos de producción de relojería de Nashville de Columbia acabaron con la espontaneidad que era el encanto de The Sun Records.
A principios de los 60, después de que Columbia lo abandonara y se mudara a Decca con poco éxito, Perkins volvió a tocar honky tonks y contemplaba dejar el negocio por completo. Una llamada de un agente de reservas en 1964 ofreciendo una gira por Inglaterra junto a Chuck Berry cambió todo eso. Renunciando temporalmente a la botella, Perkins fue recibido en Gran Bretaña como un héroe conquistador, tocando para audiencias agotadas y siendo particularmente elogiado por un joven grupo beat en lo más alto de las listas llamado The Beatles. George Harrison se había hecho un hueco musical en las grabaciones de Sun de Perkins (al igual que la mayoría de los guitarristas británicos) y los Fab Four terminaron grabando más canciones suyas que cualquier otro artista, excepto ellos mismos. La gira británica no solo rejuveneció su perspectiva, sino que de repente le hizo darse cuenta de que había pasado, sin maniobras propias, de haber sido una leyenda en un país en el que nunca antes había tocado. A su regreso a los Estados Unidos, se conectó con un viejo amigo y excompañero de sello Cash y fue un elemento habitual de su gira durante los siguientes diez años, poniendo fin a su batalla con el alcohol. Siguió grabando, lanzando My Kind of Country en 1973 y versionando éxitos clásicos de rock & roll y country en Ol ' Blue Suede de 1978.
Al amanecer de los 80, Perkins se encontró en el epicentro del renacimiento del rockabilly, de gira solo con una nueva banda formada por sus hijos que lo respaldaban (incluido el futuro miembro del Salón de la Fama del Rockabilly, Stan Perkins). En 1982, colaboró con Paul McCartney en la canción "Get It", incluida en Tug of War. También se unió a los miembros de Stray Cats Lee Rocker y Slim Jim Phantom para una regrabación de "Blue Suede Shoes" para la banda sonora de la comedia Porky's Revenge. 1985 resultó ser un año excepcional para Perkins, quien apareció en un especial de televisión en vivo, Blue Suede Shoes: A Rockabilly Session, grabado en los Limehouse Studios de Londres y con invitados como George Harrison, Eric Clapton, Dave Edmunds, Rosanne Cash y Ringo Starr. También hizo un cameo, junto a David Bowie,en la película Into the Night del director John Landis. 1985 también fue el año en que fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville. Dos años más tarde, fue incluido en el Salón de la Fama del Rock & Roll y, poco después, en el Salón de la Fama del Rockabilly. En 1986, su grabación original de 1955 de "Blue Suede Shoes" fue incluida en el Salón de la Fama de los Grammy. Ese mismo año, se reunió con sus compañeros leyendas del rock & roll Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Roy Orbison para Class of '55: Memphis Rock & Roll Homecoming, un tributo a sus primeros años en Sun Records. En 1989, obtuvo un éxito country número uno con The Judds en "Let Me Tell You About Love" y lanzó su propio álbum, Born to Rock.
En 1992, Perkins lanzó Friends, Family, & Legends, una producción repleta de estrellas con apariciones de Chet Atkins, Travis Tritt, Joan Jett, Charlie Daniels, Paul Shaffer y otros. Luego colaboró con Duane Eddy y The Mavericks, contribuyendo con una versión de "Matchbox" al álbum benéfico contra el SIDA de 1994 Red Hot + Country. El último álbum de Perkins, Go Cat Go!, llegó en 1996 y contó con anuncios invitados de muchos artistas que se habían inspirado en él, incluidos George Harrison y Paul McCartney, Bono, John Fogerty y Tom Petty, entre otros. Después de una larga batalla contra el cáncer de garganta, Perkins murió a principios de 1998 a la edad de 65 años, su lugar en los libros de historia asegurado.
https://www.allmusic.com/artist/carl-perkins-mn0000792953#biography
Canadian Jazz Quartet • Just Friends
The Canadian Jazz Quartet plays mainstream jazz with a swinging and graceful treatment of standards and original material. Well known in the Toronto jazz scene, in the clubs, festivals and on the concert stage the CJQ has produced a high standard of excellence in jazz for more than a decade.
"If I'm lying on a beach, I'm reading, dozing, or pondering, and the laid-back Canadian Jazz Quartet: Just Friends – an album of recognizable jazz and show tunes such as "Embraceable You," "Time After Time" and "Joy Spring" – is good accompaniment for all. The combination of guest flautist (Bill McBirnie) and vibes (Frank Wright) gives buoyancy to the traditional small combo, rounded out by bassist Duncan Hopkins, guitarist Gary Benson and drummer Don Vickery. The band of vets ... ably cover swing, ballads, blues and bossa nova on this disc"
Ashante Infantry
Toronto Star
https://www.cornerstonerecordsinc.com/pages/cat133.html
///////
El Canadian Jazz Quartet interpreta jazz convencional con un tratamiento swing y elegante de estándares y material original. Muy conocido en la escena del jazz de Toronto, en los clubes, festivales y en el escenario de conciertos, el CJQ ha producido un alto nivel de excelencia en el jazz durante más de una década.
"Si estoy tumbado en una playa, estoy leyendo, dormitando o reflexionando, y el relajado Canadian Jazz Quartet: Just Friends -un álbum de reconocibles temas de jazz y espectáculo como "Embraceable You", "Time After Time" y "Joy Spring"- es un buen acompañamiento para todos. La combinación del flautista invitado (Bill McBirnie) y el vibráfono (Frank Wright) da dinamismo al pequeño combo tradicional, completado por el bajista Duncan Hopkins, el guitarrista Gary Benson y el batería Don Vickery. La banda de veteranos ... cubre hábilmente el swing, las baladas, el blues y la bossa nova en este disco".
Ashante Infantry
Toronto Star
https://www.cornerstonerecordsinc.com/pages/cat133.html
website ...
Eumir Deodato • Prelude
Brazilian-born
Eumir Deodato has racked up 16 platinum records to his credit as
artist, arranger or producer with combined sales of well over 25 million
records in the USA alone. His discography, including compilations and
all his work as arranger, producer and keyboardist, surpasses 450
albums. He has also had the honor of performing with the St. Louis
Symphony (which backed him on his superb Artistry album), the Cincinnati
Symphony, the New York Philharmonic and the Orchestra di Musica Leggera
dell'Unione Musicisti di Roma. In addition, several artists over the
years have covered his songs, including George Benson, Lee Ritenour,
Sarah Vaughan and The Emotions to mention just a few.
And yet, in
spite of all of his varied triumphs, honors and distinctions over the
years, the multi-talented, multi-instrumentalist will probably forever
be associated with one song - his innovative rendition of Richard
Strauss' classical opus “Also Sprach Zarathustra” (or more commonly
known as the theme to 2001: A Space Odyssey). That single compelling
song, which first appeared on his 1973 debut album for CTI “Prelude,”
sold at least five million copies and earned Deodato his first Grammy
Award, instantly moved him to international stardom and setting a course
for his remarkable ongoing career in music. Thirty years later, that
same tune has found its way into the repertoire of the jam band Phish, a
testament to Deodato's enduring influence.
Born in Rio de
Janeiro, Brazil, from Italian and Portuguese origin, Eumir Deodato got
his start by playing the accordion at age 12. Shortly thereafter, he
started studying piano as well as orchestration, arranging and
conducting. Strictly self-taught, he immersed himself in theory books
while spending countless evenings sitting behind orchestras and
carefully observing how each part was played. His first break came at
age 17 when he arranged and conducted his first recording session for a
28-piece orchestra. It wasn't long before Deodato became one of the most
active and respected arrangers and pianists in Rio's busy music scene,
recording for such artists as Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis
Regina and Antonio Carlos Jobim.
In 1968, Deodato moved to New
York and began working with Luiz Bonfa, the legendary composer of Black
Orpheus, while also doing extensive studio work for Astrud Gilberto,
Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle and many other
Brazilian artists who were living in the Big Apple at the time. When
writing the arrangements for Astrud Gilberto's “Beach Samba,” he became
acquainted with producer Creed Taylor, who hired him to arrange for
other CTI artists like Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George
Benson, Paul Desmond and Tom Jobim. His reputation in the fields of pop
and black music was strengthened by his arrangement work for Frank
Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter
Two, Quiet Fire) and Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Following
a performance at the Hollywood Bowl with the CTI All-Stars Band in
1972, Deodato started recording his record. His debut appearance as a
leader, billed as 2001 Space Concert, was held at the Madison Square
Garden in New York City in 1973.
After seven years of world-wide
touring (including Australia, Japan, Canada, South America, Europe) and
eight coast-to-coast tours of the States, Deodato decided to concentrate
on studio work once again. Besides highly successful solo albums for
the CTI, MCA, Warner And Atlantic labels, his work as a
producer/arranger earned him several more laurels. One of his first
productions was Kool & The Gang's #1 pop single Celebration. He
followed that success with production or arranging work for Earth, Wind
& Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast
Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison,
Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion and Brenda K. Starr,
for whom he produced the pop hit I Still Believe in 1987. Deodato also
had three other multi-platinum albums for Kool & The Gang's Ladies'
Night, Something Special and As One.
In the 90's, Deodato
continued to be a vital force on the pop scene through his work with
Icelandic singer Bjork. In addition to arranging her last three albums:
1995's Post, 1996's Telegram and 1997's Homogenic, Deodato produced a
highly praised acoustic version of Bjork's “Isobel,” sub-titled Deodato
Mix, which became a club scene favorite. He has also produced material
for French singer Clementine (also touring Japan with her as a special
guest in 1994), arranged and produced a top 10 single for Brazilian
singer Gal Costa (1996) and has performed as guest conductor with Bjork
both in Brazil (1996), and in the States at the Tibetan Freedom Concerts
at Downing Stadium (1997). In 1998, Deodato arranged for Brazilian pop
acts Titans (Vol. II, with sales over 500,000 copies) and Carlinhos
Brown (Omelete Man) as well as for the latest album by pop-rock band
Penelope Charmosa (released in 1999). He was also special guest on a
project by Japanese pop star Akemi Kakihara, recorded in London during
the summer of 1998. In 1999, he scored Bossa Nova, a Bruno Barreto film
starring Amy Irving, and the following year produced the CD of that
score for Verve Records. His most recent projects including production
work for French rock singer Damien Saez, Brazilian-Japanese singer Lisa
Ono and for jazz singer Ann Hampton Callaway.
Deodato has also
worked on several movie scores, including The Onion Field, The Black
Pearl, Ghostbusters II, White Nights, The Girl From Ipanema, The
Adventurers (recorded with A.C. Jobim and the London Symphony
Orchestra), The Gentle Rain, Target Risk, The Reporter, Beat Street,
Body Rock and Bossa Nova. His recordings have also been widely used on
major movies such as Being There and The Exorcist.
In November
2001, Deodato participated in a benefit concert in New York City where
he played only 1 song (Also Sprach Zarathustra: 2001). The reaction was
so fantastic he got encouraged to go back doing concerts. By 2002 he
lined up a few selected presentations, starting with a concert at the
Vienna Opera House, as part of the Vienna Summer Jazz Festival. That was
followed by Villach (Austria), Pori (Finland), The Hague (North Sea
Jazz Festival), and many others that followed, like Capetown (South
Africa), Rome and Rimini (Italy), Amenia, NY (World Peace Organization),
Antigua, Guatemala etc.
Meanwhile, in 2002 he worked with Milton
Nascimento in Rio de Janeiro, which generated a Latin Grammy for the
song Tristesse as best Brazilian song of the year, then miscellaneous
work with different artists, including Barbara Mendes, Ana Carolina,
Fernanda Abreu and more recently, KD Lang for her record released in
2004.
In 2007 Brazilian Record company "Biscoito Fino", releases
the “Deodato Trio in Rio” CD and DVD (end of month), filmed and recorded
at the Sala Cecilia Meirelles in Rio last Summer, featuring Marcelo
Mariano on Bass and Renato Massa on Drums. It also includes performances
of some of the most memorable Antonio Carlos Jobim's songs and also
comemorates his postumous anniversary. Verve has also released “Do It
Again.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/eumir-deodato
///////
El
brasileño Eumir Deodato tiene en su haber 16 discos de platino como
artista, arreglista o productor, con unas ventas combinadas de más de 25
millones de discos sólo en Estados Unidos. Su discografía, incluyendo
recopilaciones y todo su trabajo como arreglista, productor y teclista,
supera los 450 álbumes. También ha tenido el honor de actuar con la St.
Louis Symphony (que le respaldó en su magnífico álbum Artistry), la
Cincinnati Symphony, la New York Philharmonic y la Orchestra di Musica
Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. Además, varios artistas han
versionado sus canciones a lo largo de los años, como George Benson, Lee
Ritenour, Sarah Vaughan y The Emotions, por mencionar sólo algunos.
Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.
Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.
En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.
Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.
En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.
Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.
En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.
Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.
En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".
Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.
Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.
En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).
Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.
Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.
En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.
Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.
En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.
Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.
En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".
Gary Versace • Time Frame
Biography:
Since
basing himself in New York City in June of 2002, jazz organist,
pianist, and accordionist Gary Versace has quickly become one of the
busiest and most versatile musicians on the scene, often featured in
bands led by musicians such as John Scofield, John Abercrombie, Maria
Schneider, Matt Wilson, Lee Konitz, Eliot Zigmund, Scott Wendholt, Joe
Magnarelli, Danny Gottlieb, Seamus Blake, John Hollenbeck, Andy LaVerne,
Adam Nussbaum, Brad Shepik, Ingrid Jensen, Tim Ries and many others.
Versace
was voted a "rising star" on the Hammond organ in the last three
Downbeat critics polls, and was the subject of a feature article in the
July 2004 issue of Keyboard magazine.
Versace has been a featured
soloist on several critically acclaimed recordings of recent years:
accordionist on Maria Schneider's Grammy-winning recordings "Concert in
the Garden" and "Sky Blue" and as the pianist on John Hollenbeck's
Grammy-nominated large ensemble recording, "A Blessing."
Over the
past five years, Versace has appeared as a leader for the Criss Cross
and SteepleChase labels, and as a sideman on over 50 recordings with
artists on various labels including Palmetto, ACT, Omnitone, Songlines,
Pirouet, High Note, Justin Time, ArtistShare, Fresh Sound, Kind of Blue,
and many others.
As a pianist, Versace performed in a two-piano
recital with Marian McPartland, and in April of 1999 appeared on her
acclaimed National Public Radio program, "Piano Jazz." McPartland has
called him "...endlessly inventive...(Versace) really has an
extraordinary talent."
Gary Versace has a masters degree in music
performance from the Eastman School of Music, and spent eight years as a
tenured associate professor in the jazz studies department at the
University of Oregon. He remains active as a clinician and guest soloist
both nationally and around the world.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gary-versace
///////
Biografía:
Desde
que se instaló en la ciudad de Nueva York en junio de 2002, el
organista, pianista y acordeonista de jazz Gary Versace se ha convertido
rápidamente en uno de los músicos más activos y versátiles de la
escena, apareciendo a menudo en bandas lideradas por músicos como John
Scofield, John Abercrombie, Maria Schneider, Matt Wilson, Lee Konitz,
Eliot Zigmund, Scott Wendholt, Joe Magnarelli, Danny Gottlieb, Seamus
Blake, John Hollenbeck, Andy LaVerne, Adam Nussbaum, Brad Shepik, Ingrid
Jensen, Tim Ries y muchos otros.
Versace fue votado como
"estrella emergente" del órgano Hammond en las tres últimas encuestas de
los críticos de Downbeat, y fue objeto de un artículo en el número de
julio de 2004 de la revista Keyboard.
Versace ha sido solista en
varias grabaciones aclamadas por la crítica en los últimos años:
acordeonista en las grabaciones de Maria Schneider ganadoras del Grammy
"Concert in the Garden" y "Sky Blue" y como pianista en la grabación de
John Hollenbeck nominada al Grammy para un gran conjunto, "A Blessing".
En
los últimos cinco años, Versace ha aparecido como líder para los sellos
Criss Cross y SteepleChase, y como acompañante en más de 50 grabaciones
con artistas de varios sellos, como Palmetto, ACT, Omnitone, Songlines,
Pirouet, High Note, Justin Time, ArtistShare, Fresh Sound, Kind of Blue
y muchos otros.
Como pianista, Versace actuó en un recital a dos
pianos con Marian McPartland, y en abril de 1999 apareció en su
aclamado programa de la National Public Radio, "Piano Jazz". McPartland
lo ha calificado de "...infinitamente inventivo...(Versace) tiene
realmente un talento extraordinario".
Gary Versace tiene un
máster en interpretación musical por la Eastman School of Music, y pasó
ocho años como profesor asociado titular en el departamento de estudios
de jazz de la Universidad de Oregón. Sigue activo como clínico y solista
invitado tanto a nivel nacional como en todo el mundo.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/gary-versace
Al Cohn • Nonpareil
Biography
An excellent tenor saxophonist and a superior arranger/composer, Al Cohn
was greatly admired by his fellow musicians. Early gigs included
associations with Joe Marsala (1943), Georgie Auld, Boyd Raeburn (1946),
Alvino Rey, and Buddy Rich (1947). But it was when he replaced Herbie
Steward as one of the "Four Brothers" with Woody Herman's Second Herd
(1948-1949) that Cohn began to make a strong impression. He was actually
overshadowed by Stan Getz and Zoot Sims during this period but, unlike
the other two tenors, he also contributed arrangements, including "The
Goof and I." He was with Artie Shaw's short-lived bop orchestra (1949),
and then spent the 1950s quite busy as a recording artist (making his
first dates as a leader in 1950), arranger for both jazz and non-jazz
settings, and a performer. Starting in 1956, and continuing on an
irregular basis for decades, Cohn co-led a quintet with Zoot Sims. The
two tenors were so complementary that it was often difficult to tell
them apart. Al Cohn continued in this fashion in the 1960s (although
playing less), in the 1970s he recorded many gems for Xanadu, and during
his last few years, when his tone became darker and more distinctive,
Cohn largely gave up writing to concentrate on playing. He made many
excellent bop-based records throughout his career for such labels as
Prestige, Victor, Xanadu, and Concord; his son Joe Cohn is a talented
cool-toned guitarist.
///////
Biografía
Un excelente saxofonista tenor y un arreglista/compositor superior, Al
Cohn fue muy admirado por sus compañeros músicos. Las primeras
actuaciones incluyeron asociaciones con Joe Marsala (1943), Georgie
Auld, Boyd Raeburn (1946), Alvino Rey y Buddy Rich (1947). Pero fue
cuando reemplazó a Herbie Steward como uno de los "Cuatro Hermanos" por
Woody Herman's Second Herd (1948-1949) que Cohn comenzó a causar una
fuerte impresión. En realidad fue eclipsado por Stan Getz y Zoot Sims
durante este período pero, a diferencia de los otros dos tenores,
también contribuyó con arreglos, incluyendo "The Goof and I." Estuvo con
la breve orquesta de bop de Artie Shaw (1949), y luego pasó la década
de 1950 bastante ocupado como artista de grabación (haciendo sus
primeras citas como líder en 1950), arreglista para escenarios de jazz y
no-jazz, y como intérprete. Comenzando en 1956, y continuando de forma
irregular durante décadas, Cohn co-lideró un quinteto con Zoot Sims. Los
dos tenores eran tan complementarios que a menudo era difícil
distinguirlos. Al Cohn continuó de esta manera en la década de 1960
(aunque tocando menos), en la década de 1970 grabó muchas joyas para
Xanadu, y durante sus últimos años, cuando su tono se volvió más oscuro y
distintivo, Cohn dejó de escribir para concentrarse en tocar. Hizo
muchos discos excelentes basados en el bop a lo largo de su carrera para
sellos como Prestige, Victor, Xanadu y Concord; su hijo Joe Cohn es un
talentoso guitarrista de tonos fríos.
Laurel Canyon: The Inside Story of Rock-and-Roll's Legendary Neighborhood
In the late sixties and early seventies, an impromptu collection
of musicians colonized a eucalyptus-scented canyon deep in the Hollywood
Hills of Los Angeles and melded folk, rock, and savvy American pop into
a sound that conquered the world as thoroughly as the songs of the
Beatles and the Rolling Stones had before them. Thirty years later, the
music made in Laurel Canyon continues to pour from radios, iPods, and
concert stages around the world. During the canyon's golden era, the
musicians who lived and worked there scored dozens of landmark hits,
from "California Dreamin'" to "Suite: Judy Blue Eyes" to "It's Too
Late," selling tens of millions of records and resetting the thermostat
of pop culture.
In Laurel Canyon,
veteran journalist Michael Walker tells the inside story of this
unprecedented gathering of some of the baby boomer's leading musical
lights―including Joni Mitchell; Jim Morrison; Crosby, Stills, and Nash;
John Mayall; the Mamas and the Papas; Carole King; the Eagles; and Frank
Zappa, to name just a few―who turned Los Angeles into the music capital
of the world and forever changed the way popular music is recorded,
marketed, and consumed.
Tuesday, December 20, 2022
Willie Dixon • Little Red Rooster
Artist Biography
Willie Dixon was a prolific blues songwriter with more than 500
compositions to his credit. Born and raised in Mississippi, he rode the
rails to Chicago during the Great Depression and became the primary
blues songwriter and producer for Chess Records. Dixon's songs literally
created the so-called “Chicago blues sound” and were recorded by such
blues artists as Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor,
and many others.
Willie Dixon was born on July 1, 1915, in Vicksburg, Mississippi.
Vicksburg was a lively town located on the Mississippi River midway
between New Orleans and Memphis. As a youth, Dixon heard a variety of
blues, dixieland, and ragtime musicians performing on the streets, at
picnics and other community functions, and in the clubs near his home
where he would listen to them from the sidewalk.
Dixon grew up in an integrated neighborhood on the northern edge of
Vicksburg, where his mother ran a small restaurant. The family of seven
children lived behind the restaurant, and next to the restaurant was
Curley's Barrelhouse. Listening from the street, Dixon, then about eight
years old, heard bluesmen Little Brother Montgomery and Charley Patton
perform there along with a variety of ragtime and dixieland piano
players.
Dixon was only twelve when he first landed in jail and was sent to a
county farm for stealing some fixtures from an old torn-down house. He
recalled, “That's when I really learned about the blues. I had heard 'em
with the music and took 'em to be an enjoyable thing but after I heard
these guys down there moaning and groaning these really down-to-earth
blues, I began to inquire about 'em.... I really began to find out what
the blues meant to black people, how it gave them consolation to be able
to think these things over and sing them to themselves or let other
people know what they had in mind and how they resented various things
in life.”
About a year later Dixon was caught by the local authorities near
Clarksdale, Mississippi, and arrested for hoboing. He was given thirty
days at the Harvey Allen County Farm, located near the infamous Parchman
Farm prison. At the Allen Farm, Dixon saw many prisoners being
mistreated and beatenDixon himself was mistreated at the county farm,
receiving a blow to his head that he said made him deaf for about four
years. He managed to escape, though, and walked to Memphis, where he
hopped a freight into Chicago. He stayed there briefly at his sister's
house, then went to New York for a short time before returning to
Vicksburg.
When Dixon arrived in Chicago in 1936, he started training to be a
boxer. He was in excellent physical condition from the heavy work he had
been doing down south, and he was a big man as well. In 1937 he won the
Illinois Golden Gloves in the novice heavyweight category. Throughout
the late 1930s, Dixon was singing in Chicago with various gospel groups,
some of which performed on the radio. Dixon had received good training
in vocal harmony from Theo Phelps back in Vicksburg, where he sang bass
with the Union Jubilee Singers. Around the same time, Leonard “Baby Doo”
Caston gave Dixon his first musical instrument--a makeshift bass made
out of an oil can and one string. Dixon, Caston, and some other
musicians formed a group called the Five Breezes. They played around
Chicago and in 1939 made a record that marked Dixon's first appearance
on vinyl.
In 1946 Dixon and Caston formed the Big Three Trio, named after the
wartime “Big Three” of U.S. president Franklin Roosevelt, British prime
minister Winston Churchill, and Soviet political leader Joseph Stalin.
The group was modeled after other popular black vocal groups of the
time, such as the Mills Brothers and the Ink Spots. Dixon by this time
was singing and playing a regular upright bass. While Chicago blues
musicians like Muddy Waters and Little Walter were playing to all-black
audiences in small clubs, the Big Three Trio played large show clubs
with capacities of three to five thousand.
In 1951 after several years of successful touring and recording, the Big
Three Trio disbanded. Many of Dixon's compositions were never recorded
by the trio, but these songs turned up later in the repertoire of the
blues artists Dixon worked with in the 1950s.
Leonard and Phil Chess began recording the blues in the late 1940s, and
by 1950 the Chess brothers were releasing blues records on the label
bearing their name. Over the next decade, Chess became what many
consider to be the most important blues label in the world, releasing
material by such blues giants as Muddy Waters and Howlin' Wolf and
rhythm and blues artists like Bo Diddley and Chuck Berry. Many of the
blues songs recorded at Chess were written, arranged, and produced by
Willie Dixon.
Dixon was first used on recording sessions by the Chess brothers in the
late 1940s, as his schedule allowed. After the Big Three Trio disbanded,
Dixon became a full-time employee of Chess. He performed a variety of
duties, including producing, arranging, leading the studio band, and
playing bass.
Dixon's first big break as a songwriter came when Muddy Waters recorded
his “Hoochie Coochie Man” in 1954. Waters was one of Chess's most
popular artists and the song became Waters's biggest hit, reaching
Number Three on the rhythm and blues charts, Dixon became the label's
top songwriter. Chess also released Waters's recordings of Dixon's “I
Just Wanna Make Love to You” and “I'm Ready” in 1954, and they both
became Top Ten R & B hits.
In 1955 Dixon charted his first Number One hit when Little Walter
recorded “My Babe,” a song that became a blues classic.One of Dixon's
most widely recorded songs, “My Babe” has been performed and recorded by
artists as varied as the Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson,
the Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike and Tina Turner, and blues
artists John Lee Hooker, Bo Diddley, and Lightnin' Hopkins.
Dixon supplied Chess blues recording artists with songs for three years,
from 1954 through 1956. At the end of 1956, however, he left the label
over disputes regarding royalties and contracts. He continued to play on
recording sessions at Chess, though, most notably providing bass on all
of Chuck Berry's sessions starting with the recording of “Maybelline”
in 1955.
In 1957 Dixon joined the small independent Cobra Records, where he
recorded such bluesmen as Otis Rush, Buddy Guy, and Magic Sam, creating
what became known as the “West Side Sound.” It was a blues style that
fused the Delta influence of classic Chicago blues with single-string
lead guitar lines la B. B. King. The West Side gave birth to a less
traditional, more modern blues sound and the emphasis placed on the
guitar as a lead instrument ultimately proved to be a vastly influential
force on the British blues crew in their formative stages.”
Gradually learning more about the music business, Dixon formed his own
publishing company, Ghana Music, in 1957 and registered it with
Broadcast Music Incorporated (BMI) to protect his copyright interest in
his own songs. His “I Can't Quit You Baby” was a Top Ten rhythm and
blues hit for Otis Rush, but Cobra Records soon faced financial
difficulties. By 1959 Dixon was back at Chess as a full-time employee.
The late 1950s were a difficult time for bluesmen in Chicago, even as
blues music was gaining popularity in other parts of the United States.
In 1959 Dixon teamed up with an old friend, pianist Memphis Slim, to
perform at the Newport Folk Festival in Newport, Rhode Island. They
continued to play together at coffee houses and folk clubs throughout
the country and eventually became key players in a folk and blues
revival among young white audiences that achieved its height in the
1960s.
Dixon began internationalizing the blues when he went to England with
Memphis Slim in 1960. Dixon performed as part of the First American Folk
Blues Festival that toured Europe in 1962. Organized by German blues
fans Horst Lippmann and Fritz Rau, the festival also included Memphis
Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry and Brownie McGhee,
and other blues musicians.
The American Folk Blues Festival ran from 1962 through 1971 and helped
the blues reach an audience of young Europeans. American blues musicians
soon found they could make more money playing in Europe than in
Chicago. They played in concert halls and were reportedly treated like
royalty. Dixon played on the tour for three years, then became the
Chicago contact for booking blues musicians for the tour.
Toward the end of the 1960s soul music eclipsed the blues in black
record sales. Chess Records' last major hit was Koko Taylor's 1966
recording of Willie Dixon's “Wang Dang Doodle.” Many prominent bluesmen
had died, including Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter,
and J.B. Lenoir. Chess Records was sold in 1969 and Dixon recorded his
last session for the label in 1970.
The many cover versions of his songs by the rock bands of the 1960s
enhanced Dixon's reputation as a certified blues legend. He revived his
career as a performer by forming the Chicago Blues All-Stars in 1969.
The group's original lineup included Johnny Shines on guitar and vocals,
Sunnyland Slim on piano, Walter “Shakey” Horton on harmonica, Clifton
James on drums, and Dixon on bass and vocals.
Throughout the 1970s Dixon continued to write new songs, record other
artists, and release his own performances on his own Yambo label. Two
albums, “Catalyst,” in 1973 and “What's Happened to My Blues?” in 1977,
received Grammy nominations. His busy performing schedule kept him on
the road in the United States and abroad for six months out of the year
until 1977, when his diabetes worsened and caused him to be
hospitalized. He lost a foot from the disease but, after a period of
recuperation, continued performing into the next decade.
Dixon resumed touring and regrouped the Chicago Blues All-Stars in the
early 1980s. A 1983 live recording from the Montreux Jazz Festival in
Switzerland resulted in another Grammy nomination. In the 1980s, Dixon
established the Blues Heaven Foundation, a nonprofit organization
providing scholarship awards and musical instruments to poorly funded
schools. Blues Heaven also offers assistance to indigent blues musicians
and helps them secure the rights to their songs. Ever active in
protecting his own copyrights, Dixon himself reached an out-of-court
settlement in 1987 over the similarity of Led Zeppelin's 1969 hit “Whole
Lotta Love” to his own “You Need Love.”
Dixon's final two albums were well received, with the 1988 album “Hidden
Charms” winning a Grammy Award for best traditional blues recording. In
1989 he recorded the soundtrack for the film “Ginger Ale Afternoon,”
which also was nominated for a Grammy.
When Dixon died in 1992 at the age of 76, the music world lost one of
its foremost blues composers and performers. From his musical roots in
the Mississippi Delta and Chicago, Dixon created a body of work that
reflected the changing times in which he lived.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon
///////
Biografía del artista
Willie Dixon fue un prolífico compositor de blues con más de 500
composiciones en su haber. Nacido y criado en Mississippi, viajó en tren
a Chicago durante la Gran Depresión y se convirtió en el principal
compositor y productor de blues de Chess Records. Las canciones de Dixon
crearon literalmente el llamado "Chicago blues sound" y fueron grabadas
por artistas del blues como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley,
Koko Taylor y muchos otros.
Willie Dixon nació el 1 de julio de 1915 en Vicksburg, Mississippi.
Vicksburg era una ciudad animada situada en el río Mississippi, a medio
camino entre Nueva Orleans y Memphis. De joven, Dixon escuchó una
variedad de músicos de blues, dixieland y ragtime tocando en las calles,
en picnics y otros eventos comunitarios, y en los clubes cercanos a su
casa donde los escuchaba desde la acera.
Dixon creció en un barrio integrado en el borde norte de Vicksburg,
donde su madre tenía un pequeño restaurante. La familia de siete niños
vivía detrás del restaurante, y al lado del restaurante estaba Curley's
Barrelhouse. Escuchando desde la calle, Dixon, que entonces tenía unos
ocho años, escuchó a los bluesmen Little Brother Montgomery y Charley
Patton tocar allí junto con una variedad de pianistas de ragtime y
dixieland.
Dixon tenía sólo doce años cuando aterrizó en la cárcel por primera vez y
fue enviado a una granja del condado por robar algunos artefactos de
una vieja casa derribada. Recordó: "Fue entonces cuando realmente
aprendí sobre el blues. Los había escuchado con la música y los había
tomado como algo agradable, pero después de escuchar a estos chicos
quejándose y gimiendo con los pies en la tierra, empecé a preguntarles
sobre ellos...... Realmente empecé a descubrir lo que significaba el
blues para la gente negra, cómo les daba consuelo poder reflexionar
sobre estas cosas y cantarlas para sí mismos o dejar que otras personas
supieran lo que tenían en mente y cómo les molestaban varias cosas en la
vida".
Aproximadamente un año después, Dixon fue capturado por las autoridades
locales cerca de Clarksdale, Mississippi, y arrestado por vagabundear.
Le dieron treinta días en la Granja del Condado de Harvey Allen, ubicada
cerca de la infame prisión de la Granja Parchman. En la granja Allen,
Dixon vio a muchos prisioneros siendo maltratados y golpeados. El mismo
Dixon fue maltratado en la granja del condado, recibiendo un golpe en la
cabeza que, según él, lo dejó sordo durante unos cuatro años. Logró
escapar, sin embargo, y caminó hasta Memphis, donde se embarcó en un
tren de carga hacia Chicago. Permaneció allí brevemente en casa de su
hermana, luego se fue a Nueva York por un corto tiempo antes de regresar
a Vicksburg.
Cuando Dixon llegó a Chicago en 1936, comenzó a entrenar para ser
boxeador. Estaba en excelente condición física por el duro trabajo que
había estado haciendo en el sur, y también era un hombre grande. En 1937
ganó los Guantes de Oro de Illinois en la categoría de peso pesado para
principiantes. A lo largo de la década de 1930, Dixon estuvo cantando
en Chicago con varios grupos de gospel, algunos de los cuales actuaron
en la radio. Dixon había recibido un buen entrenamiento en armonía vocal
de Theo Phelps en Vicksburg, donde cantó el bajo con los Union Jubilee
Singers. Más o menos al mismo tiempo, Leonard "Baby Doo" Caston le dio a
Dixon su primer instrumento musical, un bajo improvisado hecho de una
lata de aceite y una cuerda. Dixon, Caston, y algunos otros músicos
formaron un grupo llamado las Cinco Brisas. Tocaron en Chicago y en 1939
grabaron un disco que marcó la primera aparición de Dixon en vinilo.
En 1946 Dixon y Caston formaron el Trío de los Tres Grandes, que lleva
el nombre de los Tres Grandes del presidente estadounidense Franklin
Roosevelt, del primer ministro británico Winston Churchill y del líder
político soviético Joseph Stalin. El grupo se inspiró en otros grupos
vocales negros populares de la época, como los Mills Brothers y los Ink
Spots. Dixon en ese momento estaba cantando y tocando un bajo erguido
regular. Mientras los músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y
Little Walter tocaban en clubes pequeños para todo el público negro, el
Big Three Trio tocaba en clubes de espectáculos grandes con capacidades
de tres a cinco mil personas.
En 1951, después de varios años de exitosas giras y grabaciones, el Big
Three Trio se disolvió. Muchas de las composiciones de Dixon nunca
fueron grabadas por el trío, pero estas canciones aparecieron más tarde
en el repertorio de los artistas de blues con los que Dixon trabajó en
la década de 1950.
Leonard y Phil Chess comenzaron a grabar el blues a finales de los años
40, y en 1950 los Chess Brothers lanzaron discos de blues en el sello
que lleva su nombre. Durante la siguiente década, Chess se convirtió en
lo que muchos consideran el sello de blues más importante del mundo,
publicando material de gigantes del blues como Muddy Waters y Howlin'
Wolf y artistas del rhythm and blues como Bo Diddley y Chuck Berry.
Muchas de las canciones de blues grabadas en Chess fueron escritas,
arregladas y producidas por Willie Dixon.
Dixon fue usado por primera vez en sesiones de grabación por los
hermanos Chess a finales de los años 40, según lo permitía su horario.
Después de la disolución del Big Three Trio, Dixon se convirtió en un
empleado de tiempo completo de Chess. Realizó una variedad de tareas,
incluyendo la producción, arreglos, dirección de la banda del estudio y
tocar el bajo.
La primera gran oportunidad de Dixon como compositor llegó cuando Muddy
Waters grabó su "Hoochie Coochie Man" en 1954. Waters fue uno de los
artistas más populares del ajedrez y la canción se convirtió en el mayor
éxito de Waters, alcanzando el número tres en las listas de éxitos del
rhythm and blues, Dixon se convirtió en el mejor compositor de la
discográfica. Chess también lanzó las grabaciones de Waters de "I Just
Wanna Make Love to You" y "I'm Ready" de Dixon en 1954, y ambos se
convirtieron en éxitos de Top Ten R & B.
En 1955 Dixon trazó su primer éxito número uno cuando Little Walter
grabó "My Babe", una canción que se convirtió en un clásico del blues.
Una de las canciones más grabadas de Dixon, "My Babe", ha sido
interpretada y grabada por artistas tan variados como Everly Brothers,
Elvis Presley, Ricky Nelson, Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike y
Tina Turner, y los artistas de blues John Lee Hooker, Bo Diddley, y
Lightnin' Hopkins.
Dixon proveyó a los artistas de blues de ajedrez con canciones durante
tres años, desde 1954 hasta 1956. A finales de 1956, sin embargo, dejó
la etiqueta por disputas sobre regalías y contratos. Sin embargo,
continuó tocando en sesiones de grabación en Chess, sobre todo
proporcionando bajo en todas las sesiones de Chuck Berry, comenzando con
la grabación de "Maybelline" en 1955.
En 1957 Dixon se unió al pequeño sello independiente Cobra Records,
donde grabó bluesmen como Otis Rush, Buddy Guy y Magic Sam, creando lo
que se conoció como el "West Side Sound". Era un estilo de blues que
fusionaba la influencia del Delta del blues clásico de Chicago con las
líneas de guitarra principal de una sola cuerda de la B. B. King. El
West Side dio lugar a un sonido blues menos tradicional y más moderno, y
el énfasis puesto en la guitarra como instrumento principal resultó
ser, en última instancia, una fuerza muy influyente en el equipo de
blues británico en sus etapas de formación".
Gradualmente aprendiendo más sobre el negocio de la música, Dixon formó
su propia compañía editorial, Ghana Music, en 1957 y la registró en
Broadcast Music Incorporated (BMI) para proteger los derechos de autor
de sus propias canciones. Su "I Can't Quit You Baby" fue un éxito en el
Top Ten del rhythm and blues de Otis Rush, pero Cobra Records pronto se
enfrentó a dificultades financieras. En 1959 Dixon volvió a Chess como
empleado a tiempo completo. Los últimos años de la década de 1950 fueron
una época difícil para los bluesistas en Chicago, a pesar de que la
música blues estaba ganando popularidad en otras partes de los Estados
Unidos. En 1959 Dixon se asoció con un viejo amigo, el pianista Memphis
Slim, para actuar en el Newport Folk Festival en Newport, Rhode Island.
Continuaron tocando juntos en cafés y clubes folclóricos de todo el país
y, con el tiempo, se convirtieron en protagonistas de un renacimiento
del folclore y el blues entre el público joven blanco que alcanzó su
apogeo en la década de 1960.
Dixon comenzó a internacionalizar el blues cuando fue a Inglaterra con
Memphis Slim en 1960. Dixon actuó como parte del Primer Festival de Folk
Blues Americano que recorrió Europa en 1962. Organizado por los fans
del blues alemán Horst Lippmann y Fritz Rau, el festival también incluyó
a Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry y Brownie
McGhee, y otros músicos de blues.
El American Folk Blues Festival se llevó a cabo de 1962 a 1971 y ayudó a
que el blues llegara a una audiencia de jóvenes europeos. Los músicos
de blues estadounidenses pronto descubrieron que podían ganar más dinero
tocando en Europa que en Chicago. Tocaban en salas de conciertos y,
según se informa, eran tratados como si fueran de la realeza. Dixon tocó
en la gira durante tres años, y luego se convirtió en el contacto de
Chicago para contratar músicos de blues para la gira.
Hacia finales de la década de 1960, la música soul eclipsó al blues en
las ventas de discos negros. El último gran éxito de Chess Records fue
la grabación de Koko Taylor en 1966 de "Wang Dang Doodle" de Willie
Dixon. Muchos destacados bluesmen habían muerto, incluyendo a Elmore
James, Sonny Boy Williamson, Little Walter y J.B. Lenoir. Chess Records
se vendió en 1969 y Dixon grabó su última sesión para el sello en 1970.
Las muchas versiones de sus canciones de las bandas de rock de los años
60 mejoraron la reputación de Dixon como una leyenda del blues
certificada. Revivió su carrera como intérprete formando las Chicago
Blues All-Stars en 1969. La formación original del grupo incluía a
Johnny Shines en guitarra y voz, Sunnyland Slim en piano, Walter
"Shakey" Horton en armónica, Clifton James en batería y Dixon en bajo y
voz.
A lo largo de la década de 1970, Dixon continuó escribiendo nuevas
canciones, grabando a otros artistas y lanzando sus propias actuaciones
en su propio sello Yambo. Dos álbumes, "Catalyst", en 1973, y "What's
Happened to My Blues", en 1977, recibieron nominaciones a los Grammy. Su
apretada agenda de presentaciones lo mantuvo en la carretera en los
Estados Unidos y en el extranjero durante seis meses del año hasta 1977,
cuando su diabetes empeoró y lo hospitalizó. Perdió un pie de la
enfermedad pero, después de un período de recuperación, siguió actuando
en la siguiente década.
Dixon reanudó sus giras y reagrupó a las Chicago Blues All-Stars a
principios de la década de 1980. Una grabación en vivo de 1983 del
Festival de Jazz de Montreux en Suiza resultó en otra nominación a los
Grammy. En la década de 1980, Dixon estableció la Blues Heaven
Foundation, una organización sin fines de lucro que ofrece becas e
instrumentos musicales a escuelas con pocos fondos. Blues Heaven también
ofrece asistencia a músicos de blues indigentes y les ayuda a asegurar
los derechos de sus canciones. Siempre activo en la protección de sus
propios derechos de autor, el propio Dixon llegó a un acuerdo
extrajudicial en 1987 por la similitud del éxito de Led Zeppelin en 1969
"Whole Lotta Love" con su propio "You Need Love".
Los dos últimos álbumes de Dixon fueron bien recibidos, con el álbum de
1988 "Hidden Charms" ganando un premio Grammy a la mejor grabación de
blues tradicional. En 1989 grabó la banda sonora de la película "Ginger
Ale Afternoon", que también fue nominada a un Grammy.
Cuando Dixon murió en 1992 a la edad de 76 años, el mundo de la música
perdió a uno de sus principales compositores e intérpretes de blues.
Desde sus raíces musicales en el delta del Mississippi y Chicago, Dixon
creó un cuerpo de trabajo que reflejaba los tiempos cambiantes en los
que vivió.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Mich Music #15
en este episodio ... / in this episode ...
Dean Fraser & Ernie Ranglin, David Reinhardt Trio & Guests, Tchavolo Schmitt, Jon Delaney Trio, The Django Reinhardt Festival.
Chris Columbo Quintette • Jazz Re-Discovering Old Favorites
Joseph Christoffer Columbus Morris, better known as Crazy Chris Columbo, was an American jazz drummer, born June 17, 1902 in Greenville, North Carolina, USA, died August 20, 2002 in New Jersey, USA. Prior to a stroke which partially paralyzed him in 1993, Columbo was the oldest working musician in Atlantic City.
Columbo got his first professional gig playing with Fletcher Henderson in 1921. Between the 1920s and the 1960s, he played at most of the city's nightclubs, and lead the Club Harlem orchestra for 34 years until 1978, when the club shut its doors. Thereafter, Columbo's band went on to perform at practically every Atlantic City casino hotel. At the time of his stroke, he was playing regularly at the Showboat.
Columbo has worked, recorded, and toured with such luminaries as Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Louis Jordan, Louis Armstrong and Ella Fitzgerald.
Columbo was the father of drummer Sonny Payne.
https://www.discogs.com/artist/833448-Chris-Columbo
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Joseph Christoffer Columbus Morris, más conocido como Crazy Chris Columbo, fue un batería de jazz estadounidense, nacido el 17 de junio de 1902 en Greenville, Carolina del Norte, EE.UU., fallecido el 20 de agosto de 2002 en Nueva Jersey, EE.UU.. Antes de sufrir un derrame cerebral que le paralizó parcialmente en 1993, Columbo era el músico en activo más veterano de Atlantic City.
Columbo consiguió su primera actuación profesional tocando con Fletcher Henderson en 1921. Entre los años 20 y los 60, tocó en la mayoría de los clubes nocturnos de la ciudad y dirigió la orquesta del Club Harlem durante 34 años, hasta 1978, cuando el club cerró sus puertas. A partir de entonces, la banda de Columbo pasó a actuar en prácticamente todos los hoteles casino de Atlantic City. En el momento de su apoplejía, tocaba regularmente en el Showboat.
Columbo trabajó, grabó y realizó giras con figuras de la talla de Duke Ellington, Dizzy Gillespie, Louis Jordan, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald.
Columbo era el padre del batería Sonny Payne.
https://www.discogs.com/artist/833448-Chris-Columbo
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