Willie Pooch • Willie Pooch's Funk-N-Blues

From gospel roots and playing baseball in the Tupelo, Mississippi cotton fields with his childhood ‘playmate’ Elvis Presley, to living and playing the blues with the likes of Hound Dog Taylor, Elmore James, Luther Allison, Magic Sam and Muddy Waters, Willie Pooch’s life story is a fascinating one.

Willie Pooch is the real deal – at times you’ll hear the influences of blues’ greats and then you’ll remember that this is Willie Pooch – who may very well be the next blues great.

This, his first solo recording, aligns him with rising superstar, …organ marvel…*, producer, and funk-from-the-soul-master, Tony Monaco on a set that will blow you away!

While doing traditional blues proud, these ain’t no ordinary blues, these ‘here’ are funk-n-blues; Willie Pooch’s Funk-n-Blues.

///////

Desde las raíces del gospel y jugar al béisbol en los campos de algodón de Tupelo, Mississippi, con su "compañero de juegos" de la infancia, Elvis Presley, hasta vivir y tocar el blues con gente como Hound Dog Taylor, Elmore James, Luther Allison, Magic Sam y Muddy Waters, la historia de la vida de Willie Pooch es fascinante.

Willie Pooch es el verdadero, a veces escuchas las influencias de los grandes del blues y luego recuerdas que este es Willie Pooch, quien bien puede ser el próximo gran blues.

Esta, su primera grabación en solitario, lo alinea con la superestrella en ascenso, ...la maravilla del órgano...*, el productor, y el maestro del funk desde el alma, Tony Monaco en un set que te dejará boquiabierto!

Mientras se enorgullece del blues tradicional, este no es un blues ordinario, estos "aquí" son funk-n-blues; Funk-n-Blues de Willie Pooch.

Elmore James • Shake Your Money Maker The Best Of The Fire Sessions

Elmore James (27 de enero, 1918 – 24 de mayo de 1963) fue un guitarrista de blues estadounidense, considerado el padre de la bottleneck guitar o slide guitar.

Comenzó su carrera musical en Misisipi junto al armonicista Rice Miller (más conocido como Sonny Boy Williamson), con el que permaneció varios años hasta que consiguió su primer contrato de grabación en 1951. Fue entonces cuando se trasladó a Chicago, donde inició su andadura en solitario acompañado del grupo "The Broomdusters". Falleció el 24 de mayo de 1963 de un ataque al corazón.

Su estilo sin trabas y apasionado se distinguía por el sonido característico del slide blues, que puede apreciarse en canciones como "Dust my broom", "I Believe" o "It hurts me too". El sonido de James ha influenciado a músicos de blues y rock como Jeremy Spencer de Fleetwood Mac, Brian Jones de The Rolling Stones, Alan Wilson de Canned Heat, Stevie Ray Vaughan, Michael Bloomfield, Duane Allman o John Mayall. Es nombrado por los Beatles en la canción For You Blue del disco Let It Be.

Autor de una considerable cantidad de clásicos del blues, muchas de esa piezas fueron posteriormente versionadas por grandes del rock y del blues. “Dust my broom” fue grabado por Fleetwood Mac, “Bleeding Heart” por Jimi Hendrix, “Rollin´n´tumblin” por Canned Heat y Eric Clapton entre otros.

///////

Elmore James was an American blues slide guitarist and singer who recorded from 1951 until 1963. As with most blues artists of his era, James' recordings were issued as two-song record singles in the then-standard ten-inch 78 rpm and seven-inch 45 rpm formats. James recorded for several record companies, beginning with Trumpet Records in 1951. From 1952 to 1956, he recorded for the Bihari brothers, who issued singles on their Meteor, Flair, and Modern labels. From 1959 to 1963, he recorded for Fire Records. Along the way, James also recorded some songs which appeared on Chess Records and Chief Records, and as a sideman.

After his death in 1963, Elmore James' former companies began re-issuing a number of his singles on subsidiaries and leasing them out to other companies. These various labels also began releasing numerous compilation albums, often with significant overlap in song selection. With the advent of compact discs, this trend continued. However, some box sets have appeared that collect most or all of James' recordings for a particular label or time period.

Jimmy Dawkins-Big Voice Odom • Jimmy Dawkins-Big Voice Odom

 

 

James Henry Dawkins
American blues guitarist and singer.
Owner of Leric Records
Born : October 24, 1936 in Tchula, Mississippi.
Died : April 10, 2013 in Chicago, Illinois.
He is generally considered a part of the "West Side Sound" of Chicago blues.
https://www.discogs.com/artist/328142-Jimmy-Dawkins


Andrew Odom
American blues singer. Nickname: "Big Voice". Known and nicknamed for the similarity of his vocal style to that of Bobby Bland and B.B. King. Worked with: Earl Hooker, Steve Miller, Jimmy Dawkins, Magic Slim and others.
Born: December 15, 1936 in Denham Springs, Louisiana.
Died: December 23, 1991 in Chicago, Illinois.
https://www.discogs.com/artist/1313379-Andrew-Odom

///////

James Henry Dawkins
Guitarrista y cantante de blues estadounidense.
Propietario de Leric Records
Nació : el 24 de octubre de 1936 en Tchula, Mississippi.
Falleció : el 10 de abril de 2013 en Chicago, Illinois.
Generalmente se le considera parte del "West Side Sound" del blues de Chicago.
https://www.discogs.com/artist/328142-Jimmy-Dawkins


Andrew Odom
Cantante de blues estadounidense. Apodo: "Big Voice". Conocido y apodado así por la similitud de su estilo vocal con el de Bobby Bland y B.B. King. Trabajó con: Earl Hooker, Steve Miller, Jimmy Dawkins, Magic Slim y otros.
Nació: el 15 de diciembre de 1936 en Denham Springs, Luisiana.
Murió: el 23 de diciembre de 1991 en Chicago, Illinois.
https://www.discogs.com/artist/1313379-Andrew-Odom

Alabama Red • Windy City Blues

 

 

Alabama Red is the professional nickname of a quite unknown blues musician, named Curtis Ray. Alabama Red was born in 1927 in Panola, Alabama and learned to sing and to play guitar and piano in different local churches he used to go when he was a kid. Like so many other black men, he travelled and settled in Chicago during the forties and soon he formed his own band, playing regularly both in churches and around city blues clubs. In fact, he was not a lucky man, because he never had the chance to go to the recording studios. In the eighties Alabama Red gave a cassette with some of his music to Hannes Folterbauer, Wolf Records owner, to be published on a record. Now and after so many years, we can finally listen to his music in this impressing album. The overflowing rolling strength and passion of the thirteen songs, is really amazing. Alabama Red is on vocals, piano and guitar, Jimmy Johnson guitar, possibly Alan Batts organ and Howard Scott guitar and completely unknown harmonica, bass, drums and sax players. A great Chicago blues album that perfectly shows the music you could listen in that city during the eighties. Unfortunately "Windy City Blues" is the only album of this bluesman who died in 2006.
https://www.parsifal.be/product/cd/alabama-red-windy-city-blues/

///////

Alabama Red es el nombre profesional de un músico de blues poco conocido y que, en realidad, se llama Curtis Ray. Alabama Red nació en 1927 en Panola, Alabama y aprendió a cantar y a tocar la guitarra y el piano en las diferentes iglesias locales que frecuentó cuando era un chaval. Como tantos otros hombres negros, emigró a Chicago durante los años cuarenta, formando muy pronto sus propia banda y tocando tanto en iglesias como en los clubs de blues de la ciudad. De hecho, nunca tuvo demasiada suerte en lo que a grabar discos se refiere. En los años ochenta Alabama Red entregó un casette a Hannes Folterbauer, propietario de Wolf Records, para que lo editara en disco. Ahora, después de muchos años, tenemos la oportunidad de escucharlas en éste cd sobrecogedor. La fuerza y la pasión desbordantes que se desatan en cada uno de los trece temas que aquí se recogen, son verdaderamente arrolladoras. Alabama Red voz, piano y guitarra, Jimmy Johnson guitarra, posiblemente Alan Batts órgano y Howard Scott guitarra y completamente desconocidos el armónica, bajo, batería y saxo. Un gran disco de blues de Chicago representativo de lo que se hacía en aquella ciudad durante los años ochenta. Desgraciadamente “Windy City Blues” es el único álbum que existe de éste bluesman fallecido en 2006.
https://www.parsifal.be/product/cd/alabama-red-windy-city-blues/

 

Clarence ''Gatemouth'' Brown • Cold Storage

 

 

A true musician's musician, Clarence Gatemouth Brown mastered the guitar, fiddle, drums, viola, harmonica, piano, mandolin and bass. Gatemouth's smooth blend of Texas style swing with Jazz, Country and Cajun music has altered the definition of the Blues. His versatility singles him out as an architect of modern Blues sounds. Although primarily known as a rhythm & blues artist, Brown's music truly defied any simple description. Influenced by big bands and horn players, his work on the guitar and fiddle exhibited the music he grew up hearing along the Gulf Coast.

Brown was born in Vinton, Louisiana, and raised not far from the Gulf Coast in Orange, Texas. He learned guitar and fiddle from his father who played and sang the tunes of the region, including French traditional songs and even German polkas. He reminds us that: “Everybody played music in those days.”

He began working professionally as a drummer during World War II. After a stint in the U.S. Army, Gatemouth made his debut as a guitarist in 1947 by simply walking on stage at Don Robey’s famed Peacock Club in Houston and picking up an electric Gibson guitar that an ailing T-Bone Walker had put down mid-show. Gate so wowed the audience, playing his own “Gatemouth Boogie,” that within a few minutes he had been showered with $600 in tips - a large haul in those cash-strapped days.

Robey soon had Brown fronting a 23-piece orchestra on a tour across the South and Southwest. The manager then formed Peacock Records, the first successful post- war, black-owned record label, to take Gate’s sound to a national audience. Dozens of hits soon followed, including “Okie Dokie Stomp,” “Boogie Rambler,” and “Dirty Work at the Crossroads.” But he became frustrated by the limitations of the blues and began carving a new career by recording albums that featured jazz and country songs mixed in with the blues numbers.

After splitting with Robey, Brown moved to Nashville, where he hosted a television show and began adding country music to his repertoire, even recording with Roy Clark and appearing on Hee Haw. Heavy touring in the 1970s established new audiences in Europe, East Africa, and the Soviet Union, where Gate toured as a musical ambassador for the U.S. State Department. He recorded in his hometown of Bogalusa with Professor Longhair, for the 1974 Barclay session “Rock n’ Roll Gumbo.”

In recent years, he cut a string of four-star albums for such record labels as Rounder, Alligator, Verve, and Blue Thumb. For his last album, “Back to Bogalusa” (Blue Thumb 2001), the 77-year-old presents nearly an hour’s worth of music spread over 13 tracks. While Gate explored the sounds of the Lone Star State on his last release, the appropriately titled “American Music, Texas Style,” (1999) with “Back to Bogalusa,” he takes us back across the state line to his beloved Louisiana.

In September 2004, Brown announced he had been diagnosed with cancer. After consulting oncologists, he decided against undergoing treatment. He also suffered from emphysema and heart disease. By the end of the year, Brown's condition had worsened considerably, forcing him to travel with an oxygen tank. On Jan. 8, he surprised many of his friends and associates by joining Gregg Allman and Susan Tedeschi at Atlanta's Variety Playhouse for not one, but two, shows.

In April 2005, a defiant Brown announced that he would perform at the New Orleans Jazz and Heritage Festival. Despite continued doubts that he had the stamina to even attend the outdoor festival, Brown managed to get through a brief musical set. Some close to Brown were convinced that he would have been happy to die as he lived -- performing on stage.

Clarence Gatemouth Brown died in Sept. 2005, in Texas.

During his career, Brown scored six Grammy nominations, winning the best traditional blues recording prize for his 1982 album, “Alright Again.” He won eight W.C. Handy Blues Awards and was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame. He's also a recipient of the Rhythm & Blues Foundation's prestigious Pioneer Award.

///////

Un verdadero músico, Clarence Gatemouth Brown domina la guitarra, el violín, la batería, la viola, la armónica, el piano, la mandolina y el bajo. La suave mezcla de Gatemouth de swing al estilo Texas con música Jazz, Country y Cajun ha alterado la definición del Blues. Su versatilidad lo distingue como arquitecto de los sonidos del Blues moderno. Aunque principalmente conocido como un artista de rhythm & blues, la música de Brown realmente desafió cualquier descripción simple. Influenciado por grandes bandas y trompetistas, su trabajo con la guitarra y el violín exhibió la música que escuchaba a lo largo de la costa del Golfo.

Brown nació en Vinton, Louisiana, y creció cerca de la costa del Golfo en Orange, Texas. Aprendió guitarra y violín de su padre que tocaba y cantaba las melodías de la región, incluyendo canciones tradicionales francesas e incluso polcas alemanas. Nos lo recuerda: "Todo el mundo tocaba música en aquellos días."

Comenzó a trabajar profesionalmente como baterista durante la Segunda Guerra Mundial. Después de una temporada en el Ejército de los Estados Unidos, Gatemouth hizo su debut como guitarrista en 1947 simplemente caminando sobre el escenario en el famoso Peacock Club de Don Robey en Houston y recogiendo una guitarra eléctrica Gibson que un enfermo T-Bone Walker había puesto a mitad del show. Gate sorprendió tanto al público, tocando su propio "Gatemouth Boogie", que en pocos minutos había sido bañado con $600 en propinas - un gran botín en esos días de poco dinero.

Robey pronto tuvo a Brown al frente de una orquesta de 23 músicos en una gira por el sur y el suroeste. El gerente formó entonces Peacock Records, el primer sello discográfico de propiedad de negros que tuvo éxito después de la guerra, para llevar el sonido de Gate a una audiencia nacional. Pronto le siguieron docenas de éxitos, incluyendo "Okie Dokie Stomp", "Boogie Rambler" y "Dirty Work at the Crossroads". Pero se frustró por las limitaciones del blues y comenzó a forjar una nueva carrera grabando álbumes que incluían canciones de jazz y country mezcladas con números de blues.

Después de separarse de Robey, Brown se mudó a Nashville, donde fue anfitrión de un programa de televisión y comenzó a añadir música country a su repertorio, incluso grabando con Roy Clark y apareciendo en Hee Haw. Las intensas giras de los años setenta establecieron nuevas audiencias en Europa, África Oriental y la Unión Soviética, donde Gate actuó como embajador musical del Departamento de Estado de Estados Unidos. Grabó en su ciudad natal de Bogalusa con el profesor Pelo Largo, para la sesión de Barclay de 1974 "Rock n' Roll Gumbo".

En los últimos años, cortó una serie de álbumes de cuatro estrellas para sellos discográficos como Rounder, Alligator, Verve y Blue Thumb. Para su último álbum, "Back to Bogalusa" (Blue Thumb 2001), este hombre de 77 años presenta casi una hora de música repartida en 13 temas. Mientras Gate exploraba los sonidos del Estado de la Estrella Solitaria en su último lanzamiento, el apropiadamente titulado "American Music, Texas Style," (1999) con "Back to Bogalusa," nos lleva de vuelta a través de la línea estatal hasta su amada Louisiana.

En septiembre de 2004, Brown anunció que le habían diagnosticado cáncer. Después de consultar a los oncólogos, decidió no someterse a tratamiento. También sufría de enfisema y enfermedades del corazón. Al final del año, la condición de Brown había empeorado considerablemente, lo que lo obligó a viajar con un tanque de oxígeno. El 8 de enero, sorprendió a muchos de sus amigos y asociados al unirse a Gregg Allman y Susan Tedeschi en Atlanta's Variety Playhouse para no uno, sino dos, shows.

En abril de 2005, un desafiante Brown anunció que actuaría en el Festival de Jazz y Patrimonio de Nueva Orleáns. A pesar de las continuas dudas de que tenía la resistencia necesaria para asistir al festival al aire libre, Brown consiguió superar un breve set musical. Algunos cercanos a Brown estaban convencidos de que habría estado feliz de morir mientras vivía, actuando en el escenario.

Clarence Gatemouth Brown murió en septiembre de 2005, en Texas.

Durante su carrera, Brown obtuvo seis nominaciones a los Grammy, ganando el premio a la mejor grabación de blues tradicional por su álbum de 1982, "Allright Again". Ganó ocho W.C. Handy Blues Awards y fue admitido en el Salón de la Fama de la Blues Foundation. También ha recibido el prestigioso premio Pioneer Award de la Rhythm & Blues Foundation.

Billy Boy Arnold • Sinner's Prayer

  

Biography by Bill Dahl
Talk about a comeback. After too many years away from the studio, Chicago harpist Billy Boy Arnold returned to action in a big way with two fine albums for Alligator: 1993's Back Where I Belong and 1995's Eldorado Cadillac. Retaining his youthful demeanor despite more than four decades of blues experience, Arnold's wailing harp and sturdy vocals remained in top-flight shape following the lengthy recording layoff.

Born in Chicago rather than in Mississippi (as many of his musical forefathers were), young Arnold gravitated right to the source in 1948. He summoned up the courage to knock on the front door of his idol, harmonica great John Lee "Sonny Boy" Williamson, who resided nearby. Sonny Boy kindly gave the lad a couple of harp lessons, but their relationship was quickly severed when Williamson was tragically murdered. Still in his teens, Arnold cut his debut 78 for the extremely obscure Cool logo in 1952. "Hello Stranger" went nowhere but gave him his nickname when its label unexpectedly read "Billy Boy Arnold."

Arnold made an auspicious connection when he joined forces with Bo Diddley and played on the shave-and-a-haircut beat specialist's two-sided 1955 debut smash "Bo Diddley"/"I'm a Man" for Checker. That led, in a roundabout way, to Billy Boy's signing with rival Vee-Jay Records (the harpist mistakenly believed Leonard Chess didn't like him). Arnold's "I Wish You Would," utilizing that familiar Bo Diddley beat, sold well and inspired a later famous cover by the Yardbirds. That renowned British blues-rock group also took a liking to another Arnold classic on Vee-Jay, "I Ain't Got You." Other Vee-Jay standouts by Arnold included "Prisoner's Plea" and "Rockinitis," but by 1958, his tenure at the label was over.

Other than an excellent Samuel Charters-produced 1963 album for Prestige, More Blues on the South Side, Arnold's profile diminished over the years in his hometown (though European audiences enjoyed him regularly) and he first ended up driving a bus in his hometown of Chicago, then working as a parole officer for the state of Illinois. Fortunately, that changed: Back Where I Belong restored this Chicago harp master to prominence, and Eldorado Cadillac drove him into the winner's circle a second time. After a six year lull between recordings, 2001's Boogie 'n' Shuffle on Stony Plain found Arnold still in fine form, backed by Duke Robillard and his band on a set of rough and ready blues. https://www.allmusic.com/artist/billy-boy-arnold-mn0000085021#biography

///////

Biografía de Bill Dahl
Habla de un regreso. Después de demasiados años alejado del estudio, el arpista de Chicago Billy Boy Arnold regresó a la acción a lo grande con dos excelentes álbumes para Alligator: Back Where I Belong de 1993 y Eldorado Cadillac de 1995. Conservando su comportamiento juvenil a pesar de más de cuatro décadas de experiencia en el blues, el arpa de lamentos y la voz robusta de Arnold se mantuvieron en plena forma después del largo despido de la grabación.

Nacido en Chicago en lugar de Mississippi (como lo fueron muchos de sus antepasados musicales), el joven Arnold gravitaba directamente hacia la fuente en 1948. Reunió el coraje para llamar a la puerta de entrada de su ídolo, el gran armónico John Lee "Sonny Boy" Williamson, que residía cerca. Sonny Boy amablemente le dio al muchacho un par de lecciones de arpa, pero su relación se rompió rápidamente cuando Williamson fue trágicamente asesinado. Aún en su adolescencia, Arnold hizo su debut 78 para el extremadamente oscuro logo Cool en 1952. "Hello Stranger "no llegó a ninguna parte, pero le dio su apodo cuando su etiqueta decía inesperadamente" Billy Boy Arnold."

Arnold hizo una conexión auspiciosa cuando unió fuerzas con Bo Diddley y tocó en el éxito debut de dos caras de 1955 de The shave-and-a-hair beat specialist "Bo Diddley"/"I'm a Man" para Checker. Eso llevó, de manera indirecta, a que Billy Boy firmara con su rival Vee-Jay Records (el arpista creía erróneamente que Leonard Chess no le gustaba). "I Wish You Would" de Arnold, utilizando ese ritmo familiar de Bo Diddley, se vendió bien e inspiró una versión famosa posterior de The Yardbirds. A ese renombrado grupo británico de blues-rock también le gustó otro clásico de Arnold en Vee-Jay, "I Ain't Got You. Otros destacados de Vee-Jay de Arnold incluyeron "Prisoner's Plea" y "Rockinitis", pero para 1958, su mandato en el sello había terminado .

Aparte de un excelente álbum de 1963 producido por Samuel Charters para Prestige, More Blues on the South Side, el perfil de Arnold disminuyó a lo largo de los años en su ciudad natal (aunque el público europeo lo disfrutaba regularmente) y primero terminó conduciendo un autobús en su ciudad natal de Chicago, luego trabajando como oficial de libertad condicional para el estado de Illinois. Afortunadamente, eso cambió: Back Where I Belong restauró la prominencia de este maestro del arpa de Chicago, y Eldorado Cadillac lo llevó al círculo de ganadores por segunda vez. Después de una pausa de seis años entre grabaciones, Boogie ' n ' Shuffle de 2001 en Stony Plain encontró a Arnold todavía en buena forma, respaldado por Duke Robillard y su banda en un set de blues rudo y listo. https://www.allmusic.com/artist/billy-boy-arnold-mn0000085021#biography

Magic Sam • Live At The Avant Garde

  

Review
by Mark Deming  
The Avant Garde was a coffeehouse in Milwaukee, Wisconsin that played host to a variety of rock, blues, and folk performers in the '60s, and Windy City guitar wizard Magic Sam (aka Sam Maghett) rolled in to play a few sets in June 1968. A local kid with an interest in recording named Jim Charne showed up with a reel-to-reel machine and a couple of microphones, and he captured Magic Sam's show on tape; 45 years later, those tapes have finally been made public on the album Live at the Avant Garde, and given the relatively small amount of material that's surfaced on the late blues legend (who succumbed to a heart attack when he was just 32), this set is a very welcome find. Live at the Avant Garde has a decidedly different feel than Magic Sam Live, which preserved radio broadcasts from 1963 and 1964 and a 1969 appearance at the Ann Arbor Blues Festival; while those recordings blazed with intensity, this captures Magic Sam and his band in more laid-back form, playing a small, booze-free venue rather than a rowdy bar or a festival audience in the thousands. Magic Sam may be in a more relaxed temper here, but his guitar work is absolutely on point; Sam's agile, incisive lead work, his dazzling string bends, and his fiery solos in which he fires off notes with the precision of a machine gun are all on display, confirming Sam's status as one of the most exciting and underrated players on the Chicago blues scene at the end of the '60s. Here, Sam is backed by Big Mojo Elem on bass and Bob Richey on drums, and if the rhythm section mostly stays out of the way, they give the tunes a rock-solid foundation and leave plenty of room for Sam to strut his stuff. Also, while the material on Magic Sam Live suffers from rather dodgy recording quality, for an amateur audience tape recorded in 1968, Live at the Avant Garde sounds remarkably good, with the instruments sounding clean and rich and Sam's voice suffering just a touch of distortion from the PA system. Magic Sam never broke through to real stardom, but he made a big impression during his short time in the spotlight, and Live at the Avant Garde shows he never dogged it, not even on a coffeehouse gig in Wisconsin, hardly a show where a blues legend would be expected to pull out all the stops.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-avant-garde-mw0002587159

///////

Reseña
por Mark Deming  
El Avant Garde era un café de Milwaukee, Wisconsin, que acogió a una gran variedad de artistas de rock, blues y folk en los años 60, y el mago de la guitarra Magic Sam (también conocido como Sam Maghett) se presentó para tocar un par de veces en junio de 1968. Un chico local interesado en la grabación llamado Jim Charne se presentó con una grabadora de carrete y un par de micrófonos, y grabó el concierto de Magic Sam en cinta; 45 años después, esas cintas se han hecho públicas en el álbum Live at the Avant Garde, y dada la cantidad relativamente pequeña de material que ha salido a la luz sobre la leyenda del blues (que sucumbió a un ataque al corazón cuando sólo tenía 32 años), este disco es un hallazgo muy bienvenido. Live at the Avant Garde tiene un aire decididamente distinto al de Magic Sam Live, que conservaba emisiones radiofónicas de 1963 y 1964 y una aparición en 1969 en el Ann Arbor Blues Festival; mientras que aquellas grabaciones rebosaban intensidad, ésta capta a Magic Sam y su banda en una forma más relajada, tocando en un local pequeño y sin alcohol en lugar de en un bar ruidoso o ante miles de personas en un festival. Magic Sam puede estar en un estado de ánimo más relajado aquí, pero su trabajo a la guitarra está absolutamente en su punto; el ágil e incisivo trabajo de Sam, sus deslumbrantes bends de cuerdas, y sus ardientes solos en los que dispara notas con la precisión de una ametralladora están todos en exhibición, confirmando el estatus de Sam como uno de los músicos más excitantes e infravalorados de la escena del blues de Chicago a finales de los 60. Aquí, Sam está respaldado por Big Mojo Elem al bajo y Bob Richey a la batería, y si la sección rítmica se mantiene casi siempre fuera del camino, dan a las melodías una base sólida como una roca y dejan mucho espacio para que Sam se pavonee. Además, mientras que el material de Magic Sam Live adolece de una calidad de grabación bastante deficiente, para ser una cinta de público aficionado grabada en 1968, Live at the Avant Garde suena extraordinariamente bien, con los instrumentos sonando limpios y ricos y la voz de Sam sufriendo sólo un toque de distorsión por el sistema de megafonía. Magic Sam nunca alcanzó el estrellato, pero causó una gran impresión durante su breve estancia en el candelero, y Live at the Avant Garde demuestra que nunca se rindió, ni siquiera en un concierto en un café de Wisconsin, un espectáculo en el que no se espera que una leyenda del blues se esfuerce al máximo.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-avant-garde-mw0002587159

Shakey Jake Harris • The Key Won't Fit

 

Born James D. Harris, 12 April 1921, Earle, Arkansas, USA, d. 2 March 1990, Pine Bluff, Arkansas, USA. A professional gambler when not playing harmonica (his nickname was derived from the crapshooters' call "Shake 'em, Jake", Harris began playing in Chicago blues bands during the late 40s. His 1958 single "Call Me If You Need Me"/"Roll Your Moneymaker", recorded for the Artistic subsidiary of Cobra Records, featured guitar work by his nephew Magic Sam. During the 60s he recorded two albums that did not do him justice, as club recordings with Sam make evident. His encouragement of younger musicians brought about the recording debut of, among others, Luther Allison, with whom Jake recorded his best album after moving to Los Angeles. In later years, occasional recordings appeared, including some on his own label, and Harris ran a blues club for a while, but was dogged by poor health and isolated by neighborhood gang violence.

Excellent album on the small Murray Brothers label from 1983. Backing from Rod Piazza, Jr. Watson and Hollywood Fats among others.

///////

Traducción Automática:

Nacido James D. Harris, 12 de abril de 1921, Earle, Arkansas, EE. UU., D. 2 de marzo de 1990, Pine Bluff, Arkansas, EE. UU. Un jugador profesional cuando no tocaba la armónica (su apodo se derivó de la llamada "Shake 'em, Jake" de los crapshooters, Harris comenzó a tocar en las bandas de blues de Chicago a finales de los años 40. Su single de 1958 "Call Me If You Need Me" / " Roll Your Moneymaker ", grabado para la filial Artística de Cobra Records, contó con el trabajo de guitarra de su sobrino Magic Sam. Durante los años 60 grabó dos álbumes que no le hacían justicia, como lo demuestran las grabaciones del club con Sam. Su aliento a los músicos más jóvenes provocó el debut en la grabación de, entre otros, Luther Allison, con quien Jake grabó su mejor álbum después de mudarse a Los Ángeles. En años posteriores aparecieron grabaciones ocasionales, incluidas algunas de su propio sello, y Harris dirigió un club de blues por un tiempo , pero fue perseguido por la mala salud y aislado por la violencia de pandillas del barrio.
Excelente álbum en el pequeño sello Murray Brothers de 1983. Con el respaldo de Rod Piazza, Jr. Watson y Hollywood Fats entre otros. 

Jimmy Dawkins • Born In Poverty

 

 

 

Biography by Bill Dahl
Chicago guitarist Jimmy Dawkins would have preferred to leave his longtime nickname "Fast Fingers" behind. It was always something of a stylistic misnomer anyway; Dawkins' West Side-styled guitar slashed and surged, but seldom burned with incendiary speed. Dawkins' blues were generally of the brooding, introspective variety -- he didn't engage in flashy pyrotechnics or outrageous showmanship.

It took a long time for Dawkins to progress from West Side fixture to nationally known recording artist. He rode a Greyhound bus out of Mississippi in 1955, dressing warmly to ward off the Windy City's infamous chill factor. Only trouble was, he arrived on a sweltering July day! Harpist Billy Boy Arnold offered the newcomer encouragement, and he eventually carved out a niche on the competitive West Side scene (his peers included Magic Sam and Luther Allison).

Sam introduced Dawkins to Delmark Records boss Bob Koester. Fast Fingers, Dawkins' 1969 debut LP for Delmark -- which remained his best album -- was a taut, uncompromising piece of work that won the Grand Prix du Disque de Jazz from the Hot Club of France in 1971 as the year's top album. Andrew "Big Voice" Odom shared the singing and Otis Rush the second guitar duties on Dawkins' 1971 encore, All for Business. But after his Delmark LP Blisterstring, Dawkins' subsequent recordings lacked intensity until 1991's oddly titled Kant Sheck Dees Bluze for Chicago's Earwig Records. After that, Dawkins waxed discs for Ichiban and Fedora, and continued to tour extensively until health problems slowed him down. Jimmy Dawkins passed away April 10, 2013.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-dawkins-mn0000352524#biography

///////

Biografía de Bill Dahl
El guitarrista de Chicago Jimmy Dawkins habría preferido dejar atrás su apodo de "dedos rápidos". De todos modos, siempre fue una denominación errónea desde el punto de vista estilístico; la guitarra de Dawkins, al estilo del West Side, cortaba y arremetía, pero rara vez ardía con una velocidad incendiaria. El blues de Dawkins solía ser melancólico e introspectivo, sin pirotecnias llamativas ni espectáculos escandalosos.

Dawkins tardó mucho tiempo en pasar de ser un fijo del West Side a un artista de fama nacional. Salió de Mississippi en 1955 en un autobús Greyhound, bien abrigado para protegerse del frío de la Ciudad del Viento. El único problema fue que llegó en un sofocante día de julio. El arpista Billy Boy Arnold animó al recién llegado, que acabó haciéndose un hueco en la competitiva escena del West Side (entre sus colegas se encontraban Magic Sam y Luther Allison).

Sam presentó a Dawkins al jefe de Delmark Records, Bob Koester. Fast Fingers, el primer LP de Dawkins para Delmark en 1969 -que sigue siendo su mejor álbum- fue una obra tensa y sin concesiones que ganó el Grand Prix du Disque de Jazz del Hot Club de Francia en 1971 como mejor álbum del año. Andrew "Big Voice" Odom compartió la voz y Otis Rush la segunda guitarra en el bis de Dawkins de 1971, All for Business. Pero después de su LP Blisterstring de Delmark, las siguientes grabaciones de Dawkins carecieron de intensidad hasta el extraño título de 1991, Kant Sheck Dees Bluze, para Earwig Records de Chicago. Después de eso, Dawkins grabó discos para Ichiban y Fedora, y continuó realizando numerosas giras hasta que los problemas de salud le ralentizaron. Jimmy Dawkins falleció el 10 de abril de 2013.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-dawkins-mn0000352524#biography

Jimmy Reed • Wailin' the Blues

 

Jimmy Reed • Found Love

 

Knock-Out Greg & Blue Weather • Blues Disease

En Suecia también se hace blues y esta banda está a la altura de sus similares del otro lado del atlántico, los Knock-Out Greg & Blue Weather son blues de Chicago, mezclado con elementos de swing, jazz y jump-blues

 //////////

Sweden also makes blues and this band is on par with their counterparts on the other side of the Atlantic, the Knock-Out Greg & Blue Weather are Chicago blues, mixed with elements of swing, jazz and jump-blues.

 

 

facebook.com ...

Muddy Waters-Howlin' Wolf • Muddy & The Wolf

 

 

Sugar Ray & The Bluetones • Blues from Sibculo

 

Review from Blues Blast Magazine:
It has been a long gap since 2020's Too Far From The Bar so it is wonderful to have a new album from one of the great blues combos. Sugar Ray Norcia and drummer Neil Gouvin have been playing together since school days and bassist Michael 'Mudcat' Ward has been in the band for many years but this is the first Bluetones album for experienced guitarist Rusty Zinn. Recorded over three relaxed days at a small studio in Sibculo, Netherlands, the album demonstrates the sheer ease with which these guys play together. The material is half originals and half covers, blending the band's signature sound of Chicago blues with elements of cajun, rockabilly and even cowboy music!
Ray's harp leads the way on his 'No More Chances', the whole band in perfect sync as Rusty adds a stinging solo. The loping style of Jimmy Reed can be heard on 'High And Lonesome' (though Ray's harp is far more muscular than Reed's) before Rusty demonstrates his mastery of T-Bone Walker's style on 'Mean Old World', the longest cut on the album and one of the best. 'Blind Date' is a song that the band has recorded before (on 2016's Seeing Is Believing); the version here is longer and really rattles along with lots of harp from the start, the rhythm section underpinning everything, Rusty adding nice arpeggios behind Ray's vocal: "I never forget a face, but with you I'll make an exception"! "Bloodstains On The Wall" is a 1953 obscurity originally recorded by Frank 'Honeyboy' Patt, describing a murder scene, given a suitably menacing tone by the Bluetones.
Rusty provides two numbers: "Dream Girl" is a little different to the rest of the album, rockabilly with cajun accents and sung by Rusty in a lighter vocal style, Ray's harp sounding almost like an accordion to match the song; in contrast "Rusty Nail" is a powerful, chugging instrumental credited to Rusty and Neil whose drumming propels the tune. Little Junior Parker released "I'm Holding On" in 1959 and it suits the Bluetones well, with Ray's commanding vocal and Rusty's fluid solo; "You Got Me Wrong" is an obscure Billy Boy Arnold 'B'-side, classic Chicago blues. The album closes with a second instrumental, "Wait And Watch", this time written by Ray and Mudcat, a wistful tune which will recall those scenes in Westerns when the cowboy takes out his harmonica at the night time fireside.
Like every album they make, this one delivers great blues with no filler, making it one to find and treasure.
https://www.bluesblastmagazine.com/sugar-ray-the-bluetones-blues-from-sibculo-album-review/

///////

Reseña de Blues Blast Magazine:
Ha pasado mucho tiempo desde Too Far From The Bar (2020), por lo que es maravilloso tener un nuevo álbum de uno de los grandes combos del blues. Sugar Ray Norcia y el baterista Neil Gouvin llevan tocando juntos desde los días de escuela y el bajista Michael 'Mudcat' Ward lleva muchos años en la banda, pero este es el primer álbum de los Bluetones para el experimentado guitarrista Rusty Zinn. Grabado durante tres relajados días en un pequeño estudio en Sibculo, Países Bajos, el álbum demuestra la facilidad con la que estos chicos tocan juntos. El material es mitad originales y mitad versiones, mezclando el sonido característico de la banda de blues de Chicago con elementos de cajun, rockabilly e incluso música de cowboys.
La armónica de Ray lidera el camino en su 'No More Chances', con toda la banda en perfecta sincronía mientras Rusty agrega un solo punzante. El estilo acompasado de Jimmy Reed se puede escuchar en 'High And Lonesome' (aunque la armónica de Ray es mucho más musculosa que la de Reed) antes de que Rusty demuestre su dominio del estilo de T-Bone Walker en 'Mean Old World', el corte más largo del álbum y uno de los mejores. 'Blind Date' es una canción que la banda ha grabado antes (en Seeing Is Believing de 2016); la versión aquí es más larga y realmente avanza con mucha armónica desde el principio, la sección rítmica sustentando todo, Rusty agregando bonitos arpegios detrás de la voz de Ray: "I never forget a face, but with you I'll make an exception"! "Bloodstains On The Wall" es una pieza oscura de 1953 grabada originalmente por Frank 'Honeyboy' Patt, que describe una escena de asesinato, a la que los Bluetones dan un tono adecuadamente amenazador.
Rusty aporta dos números: "Dream Girl" es un poco diferente al resto del álbum, rockabilly con acentos cajun y cantado por Rusty con un estilo vocal más ligero, la armónica de Ray sonando casi como un acordeón para complementar la canción; en contraste, "Rusty Nail" es un instrumental poderoso y traqueteante acreditado a Rusty y Neil cuya batería impulsa el tema. Little Junior Parker lanzó "I'm Holding On" en 1959 y le sienta bien a los Bluetones, con la voz imponente de Ray y el fluido solo de Rusty; "You Got Me Wrong" es una cara B oscura de Billy Boy Arnold, blues clásico de Chicago. El álbum cierra con un segundo instrumental, "Wait And Watch", esta vez escrito por Ray y Mudcat, una melodía melancólica que recordará esas escenas de westerns cuando el vaquero saca su armónica junto a la hoguera nocturna.
Como cada álbum que hacen, este entrega gran blues sin relleno, convirtiéndolo en uno para encontrar y atesorar.
https://www.bluesblastmagazine.com/sugar-ray-the-bluetones-blues-from-sibculo-album-review/

VA • Delmark Records 70th Anniversary Blues Anthology

 

 

Featuring 10 of the finest tracks from the Delmark blues music vaults. Seventy years on, Delmark is the oldest independent jazz and blues record label in the world, boasting a catalog bulging with over twelve thousand recordings by a virtual who's who of jazz and blues.  

///////

Con 10 de las mejores pistas de las bóvedas de música blues de Delmark. Setenta años después, Delmark es el sello discográfico independiente de jazz y blues más antiguo del mundo, con un catálogo abultado con más de doce mil grabaciones de un quién es quién virtual de jazz y blues.


delmark.com ...

B.B. King • Great Moments With B.B. King

 

 

Biography

Born on a plantation in Itta Bena, Mississippi in 1925, Riley B. King would start from very humble beginnings. His family moved around the area, and the young Riley experienced early a life of constant motion. As a youngster he was a farm laborer, but drawn to music, he took up the guitar; he played on street corners, and would sometimes play in as many as four towns a night. In 1946, he hitchhiked to Memphis, to pursue his music career. Memphis was a large musical community where every style of music could be found, a good place for a young man who wanted to play the blues. Riley stayed with his cousin Bukka White, a celebrated bluesman in his own right, who was able to show him first hand the guitar foundations of the blues.

Playing an acoustic set of rural blues, he kicked around a lot of the clubs in Memphis, getting a break in 1948 when he performed on Sonny Boy Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to steady engagements at the 16th St. Grill in West Memphis, and later to a ten-minute spot on black Memphis radio station WDIA. “King's Spot,” became so popular, it was expanded and became the “Sepia Swing Club.” Becoming a popular local disc jockey, Riley needed a professional sounding name. He was the Beale Street Blues Boy then Blues Boy King, and eventually B.B. King. This led to the studio recording of “Miss Martha King” for the local Bullet label, which didn’t cause much of a stir, but it did stimulate B.B. to pursue a recording contract.

He recorded a couple of singles for Bullet, and then signed with Modern’s RPM where he did “Three O’Clock Blues”, in 1951. This song proved to be a major hit, and he quickly followed that with “Please Love Me”, “You Upset Me Baby”, “Every Day”, (which would become his theme song), “Ten Long Years”, and “Sweet Little Angel”. These are available as “The RPM Hits 1951-1957” (Ace). These recordings rose to the tops of the R&B charts, and he went on the road to promote the songs, thus starting his life of incessant touring. This is how he developed his unique and signature style, every night, playing the blues. By 1955 he had a full time band, and hit the road, where he’s been ever since.

Riding the wave of popularity generated by the RPM records, he churned out a string of hits for their subsidiary Kent label, and stayed with them throughout the ‘50’s. This is the period where he made a name for himself, both in the record charts, and promoting the records by playing live. But by 1961, he had decided to change labels, looking to get a better deal than he was getting at RPM/Kent. He signed with ABC/Paramount records, which had just scored big by signing Ray Charles from Atlantic, they were aware of a bigger market, knew how to market B.B.’s music and were willing to pay for it. B.B. King received a $25,000 signing bonus. The overall environ was much more professional, and though they brought in first class arrangers and musicians, they pretty much gave B.B. a free reign, or so he thought.

There was in this period of the early ‘60’s a change of direction that took away from the blues essence he was known for and the record sales were not what everyone expected. Then producer/arranger Johnny Pate had the idea of recording B.B. on his home turf, a black nightspot, with his own band. The result was “Live at the Regal”, released in January 1965. It blew everyone away, and changed contemporary guitar forever. This album is responsible for the acceptance and adherence of a whole new generation, mostly white, to the blues. The guitar players alone who were influenced by it is staggering, and includes every blues and rock player from then on. It reestablished the way to play electric blues and made B.B. King “King of the Blues”!!

B.B. King has one of the world's most identifiable guitar styles, and his guitar Lucille is probably the most famous. Lucille is a Custom Shop Gibson ES-355. His first guitar back in his early days in Mississippi was a Stella acoustic. He borrowed from Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, of course T-Bone Walker and others, integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left hand vibrato, both of which have become indispensable components of guitar vocabulary. Drawing heavily from the sweet single string T-bone style patterns, he plays with a short stinging attack, often in a cluster pattern. Starting with a five note signature, he follows with delicate phrases, sliding into notes, and allowing space for them to build. He listened a lot to jazz horn players, and it is portrayed in his use of dynamics, tension and tone, he is the undisputed master of an economical method of expression.

By 1968, B.B. was playing at the Newport Folk Festival and at Bill Graham's Fillmore West on bills with the hottest rock artists of the day, all which were huge fans. The Rolling Stones chose him to open their ’69 tour, thus gaining even broader exposure. He was able to capitalize on the Blues Revival at the time, but then again he was always around, and perennially on the road. In 1969 he was the premier act on the new ABC label Bluesway where he came out with “The Thrill is Gone”, which is his signature tune, and is his biggest hit to date. This opened up new venues and he was soon playing Las Vegas, in the same clubs where Sinatra played. By 1970 he was on the Tonight Show, and on the Ed Sullivan Show, the blues makes it to prime time America.

The 1970’s saw B.B.King sitting on top of the world, so then he decided to go back to his blues roots and did two excellent albums “Live at the Cook County Jail”, and “Completely Well/Live in Cook County Jail”. These showcase what he does best, playing in front of a live audience. Both for the ABC/MCA label where he continued to record for years to come.

He would go on to record many commercially successful albums, and of course stayed on the road performing around the world, known as the Ambassador of the Blues, as certainly no one has played the blues in so many places. MCA released a four cd box set “B.B.King, King of the Blues”, as a compilation of his recording history up to 1991. B.B. was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984,the Rock and Roll Hall of Fame in 1987, and the Songwriters Hall of Fame in 1990.He received a Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received honorary doctorates from several colleges as Yale University in 1977; Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990 and Mississippi Valley State University in 2002. In 1992, he received the National Award of Distinction from the University of Mississippi. There is also a star on the Hollywood Walk of Fame, and Presidential Medal of Honor.

In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and in 1994, a second club was launched in Los Angeles. A third club in New York City's Times Square opened in June 2000 and two clubs opened in Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom “On the Road with B.B. King: An Interactive Autobiography”, and his book “Blues All Around Me” (Avon Books) was published. “The Arrival of B.B. King” (Doubleday) by Charles Sawyer, a biography was published in 1980. Between 1951 and 1985 he listed an amazing 75 entries in Billboard’s R&B charts. There are multiple Grammy’s (over 15 last count) sitting on his shelf at home, and a wall full of Gold and Platinum Records representing millions in album sales. “Deuces Wild”, an all-star collection of duets, released in 1997, returned B.B. to the limelight. His 1998 album, “Blues on the Bayou”, was well received, and his annual B.B. King Blues Festival Tour is a top attraction. The1999 release of “Let the Good Times Roll—The Music of Louis Jordan” was a musical tribute to one of his heroes. B.B. teamed up with Eric Clapton on the multi-platinum release of “Riding with the King”, (Reprise 2000) which was Clapton’s tribute to him, an excellent record, a master and his pupil so many years later, so many roads traveled both still playing the blues.On the occasion of his 80th birthday in 2005, he recorded a star- studded duets album “80”(Geffen) as a testament to his will as an enduring musician.

B.B. King has released another gem of a album. “One Kind Favor” on Geffen Records.Recorded at The Village Recorder in Los Angeles, CA “OneKind Favor” is meant to sound like an album recorded in the50s. To get this sound producer T-Bone Burnett and King replicated the kind of blues band King had back in the day.Studio conditions of the time were reproduced. The result is a vintage sounding album filled with the songs that influenced King in his early days as an artist. Highly Recommended!

B.B. King was the most fortunate and unusual of bluesmen; a success on his own terms, and in his own time. He was the best known, most recognized bluesman on the planet. He stayed true to himself and his music, and made it on that.

B.B. King passed on May 15, 2015.

///////

Biografía

Nacido en una plantación en Itta Bena, Mississippi, en 1925, Riley B. King comenzaría desde un principio muy humilde. Su familia se trasladó por la zona, y el joven Riley experimentó a temprana edad una vida de constante movimiento. De joven era obrero agrícola, pero atraído por la música, tomó la guitarra; tocaba en las esquinas de las calles, y a veces tocaba en hasta cuatro pueblos por noche. En 1946, hizo autostop a Memphis, para continuar su carrera musical. Memphis era una gran comunidad musical donde se podían encontrar todos los estilos de música, un buen lugar para un joven que quería tocar blues. Riley se quedó con su primo Bukka White, un famoso bluesista por derecho propio, que pudo mostrarle de primera mano los fundamentos de la guitarra del blues.

Tocando un conjunto acústico de blues rural, dio una patada a muchos de los clubes de Memphis, consiguiendo un descanso en 1948 cuando actuó en el programa de radio de Sonny Boy Williamson en KWEM fuera de Memphis Oeste. Esto condujo a compromisos constantes en el 16th St. Grill en West Memphis, y más tarde a un anuncio de diez minutos en la estación de radio negra de Memphis WDIA. "King's Spot", se hizo tan popular, que se expandió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Convirtiéndose en un popular disc-jockey local, Riley necesitaba un nombre que sonara profesional. Era el Beale Street Blues Boy, luego el Blues Boy King, y finalmente el B.B. King. Esto llevó a la grabación en estudio de "Miss Martha King" para el sello local Bullet, que no causó mucho revuelo, pero sí estimuló a B.B. a buscar un contrato de grabación.

Grabó un par de sencillos para Bullet, y luego firmó con Modern's RPM donde hizo "Three O'Clock Blues", en 1951. Esta canción resultó ser un gran éxito, y rápidamente la siguió con "Please Love Me", "You Upset Me Meter Baby", "Every Day", (que se convertiría en su tema principal), "Ten Long Years", y "Sweet Little Angel". Están disponibles como "The RPM Hits 1951-1957" (Ace). Estas grabaciones llegaron a lo más alto de las listas de éxitos del R&B, y se puso en camino para promocionar las canciones, iniciando así su vida de incesante gira. Así fue como desarrolló su estilo único y característico, cada noche, tocando el blues. Para 1955 tenía una banda de tiempo completo, y se fue de viaje, donde ha estado desde entonces.

Aprovechando la ola de popularidad generada por los discos RPM, produjo una serie de éxitos para su subsidiaria Kent, y permaneció con ellos a lo largo de los años 50. Este es el período en el que se hizo un nombre, tanto en las listas de éxitos como en la promoción de los discos tocando en vivo. Pero para 1961, había decidido cambiar de discográfica, buscando conseguir un mejor precio que el que obtenía en RPM/Kent. Firmó con ABC/Paramount Records, que acababa de obtener una gran puntuación con Ray Charles de Atlantic, conocían un mercado más grande, sabían cómo comercializar la música de B.B. y estaban dispuestos a pagar por ella. B.B. King recibió un bono de 25.000 dólares por la firma. El ambiente en general era mucho más profesional, y aunque trajeron arreglistas y músicos de primera clase, le dieron a B.B. un reinado libre, o eso pensó.

Hubo en este período de principios de los'60 un cambio de dirección que le quitó la esencia del blues por el que era conocido y las ventas de discos no fueron lo que todo el mundo esperaba. Entonces el productor y arreglista Johnny Pate tuvo la idea de grabar a B.B. en su territorio natal, un local nocturno negro, con su propia banda. El resultado fue "Live at the Regal", publicado en enero de 1965. Voló por los aires a todo el mundo y cambió la guitarra contemporánea para siempre. Este álbum es responsable de la aceptación y adhesión de toda una nueva generación, en su mayoría blanca, al blues. Los guitarristas que fueron influenciados por ella son asombrosos, e incluye a todos los guitarristas de blues y rock a partir de entonces. Restableció la forma de tocar blues eléctrico e hizo que B.B. King "King of the Blues"!

B.B. King tiene uno de los estilos de guitarra más conocidos del mundo, y su guitarra Lucille es probablemente la más famosa. Lucille es una tienda personalizada Gibson ES-355. Su primera guitarra en sus primeros días en Mississippi fue una Stella acústica. Tomó prestado de Django Reinhardt, Charlie Christian, Lonnie Johnson, por supuesto T-Bone Walker y otros, integrando sus precisas y complejas curvas de cuerdas vocales y su vibrato de la mano izquierda, que se han convertido en componentes indispensables del vocabulario de la guitarra. Basándose en gran medida en los dulces patrones en forma de T-bone de una sola cuerda, juega con un ataque corto y punzante, a menudo en forma de racimo. Comenzando con una firma de cinco notas, sigue con frases delicadas, deslizándose en notas y dejando espacio para que se construyan. Escuchó mucho a los trompetistas de jazz, y se refleja en su uso de la dinámica, la tensión y el tono, es el maestro indiscutible de un método económico de expresión.

En 1968, B.B. tocaba en el Festival Folklórico de Newport y en Fillmore West de Bill Graham con los artistas de rock más populares del momento, todos los cuales eran grandes fans. Los Rolling Stones lo eligieron para abrir su gira del'69, ganando así una exposición aún más amplia. Fue capaz de sacar provecho del avivamiento del Blues en ese momento, pero luego siempre estaba alrededor, y perennemente en la carretera. En 1969 fue el primer acto del nuevo sello ABC Bluesway, donde salió con "The Thrill is Gone", que es su tema característico, y es su mayor éxito hasta la fecha. Esto abrió nuevos lugares y pronto tocó en Las Vegas, en los mismos clubes donde tocaba Sinatra. Para 1970 estaba en el Tonight Show, y en el Ed Sullivan Show, el blues llega al horario de máxima audiencia en Estados Unidos.

La década de 1970 vio a B.B.King sentado en la cima del mundo, así que decidió volver a sus raíces blues e hizo dos excelentes álbumes "Live at the Cook County Jail", y "Completely Well/Live in Cook County Jail". Éstas muestran lo que él hace mejor, tocando frente a un público en vivo. Tanto para el sello ABC/MCA donde continuó grabando en los próximos años.

Siguió grabando muchos discos de éxito comercial y, por supuesto, se quedó de gira por todo el mundo, conocido como el Embajador de los Blues, ya que ciertamente nadie ha tocado el blues en tantos lugares. MCA lanzó un set de cuatro cd's "B.B.King, King of the Blues", como una compilación de su historia discográfica hasta 1991. B.B. fue admitido en el Salón de la Fama de la Fundación Blues en 1984, en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1987, y en el Salón de la Fama de los Compositores de Canciones en 1990, recibió un premio Grammy en 1987, y ha recibido doctorados honoris causa de varias universidades como la Universidad de Yale en 1977, el Colegio de Música de Berklee en 1982, el Colegio de Música de Rhodes en Memphis en 1990 y la Universidad Estatal del Valle de Mississippi en 2002. En 1992, recibió el Premio Nacional de Distinción de la Universidad de Mississippi. También hay una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y una Medalla Presidencial de Honor.

En 1991, B.B. King's Blues Club abrió sus puertas en Beale Street en Memphis, y en 1994, se fundó un segundo club en Los Ángeles. Un tercer club en el Times Square de la ciudad de Nueva York abrió en junio de 2000 y dos clubes abrieron en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-Rom "On the Road with B.B. King: Una autobiografía interactiva", y su libro "Blues All Around Me" (Avon Books). "The Arrival of B.B. King" (Doubleday) de Charles Sawyer, se publicó una biografía en 1980. Entre 1951 y 1985 enumeró una sorprendente lista de 75 entradas en las listas de R&B de Billboard. Hay varios Grammy's (más de 15 en el último recuento) sentados en su estantería de casa, y una pared llena de discos de oro y platino que representan millones en ventas de álbumes. "Deuces Wild", una colección de dúos de estrellas, lanzada en 1997, volvió a poner a B.B. en el candelero. Su álbum de 1998, "Blues on the Bayou", fue bien recibido, y su gira anual B.B. King Blues Festival Tour es una de las principales atracciones. El lanzamiento en 1999 de "Let the Good Times Roll-The Music of Louis Jordan" fue un tributo musical a uno de sus héroes. B.B. se unió a Eric Clapton en el lanzamiento multi-platino de "Riding with the King", (Reprise 2000) que fue el tributo de Clapton a él, un excelente disco, un maestro y su alumno tantos años más tarde, tantos caminos recorridos por ambos aún tocando el blues, y con motivo de su 80 cumpleaños en 2005 grabó un álbum de dúos "80" (Geffen) como testimonio de su voluntad como músico perdurable.

B.B. King ha lanzado otra joya de un álbum. "Grabado en The Village Recorder en Los Angeles, CA "OneKind Favor" tiene la intención de sonar como un álbum grabado en la década de 1950. Para conseguir este sonido, el productor T-Bone Burnett y King replicaron el tipo de banda de blues que King tenía en su día, reproduciendo las condiciones del estudio de la época. El resultado es un álbum de sonido vintage lleno de las canciones que influenciaron a King en sus primeros días como artista. Altamente Recomendado!

B.B. King fue el más afortunado e inusual de los bluesmen; un éxito en sus propios términos, y en su propio tiempo. Era el bluesista más conocido y reconocido del planeta. Se mantuvo fiel a sí mismo y a su música, y lo hizo con ella.

B.B. King falleció el 15 de mayo de 2015.

 

 

www.bbking.com ... 

 

Beverly Guitar Watkins • Back in Business

Beverly "Guitar" Watkins (nacida en 1940, en Atlanta, Georgia) es una guitarrista americana de blues. Sandra Pointer-Jones escribe: "Beverly Watkins es un experta en la guitarra pirotécnica, su manera de tocar la guitarra se ha convertido en cuentos alegóricos dentro de la comunidad blues". George Varga, escuchando de su CD debut, señaló que "canta y toca con aplomo y entusiasmo suficiente como para que los músicos no tengan en cuenta la edad que tiene y se empleen con toda su energía”.

Cuando tenía aproximadamente 12 años, su familia se mudó a Commerce, Georgia. Comenzó a tocar música en el colegio, y luego en la escuela secundaria tocaba el bajo en una banda llamada Billy West Stone and the Down Beats. Aproximadamente en 1959, su primer año de escuela secundaria, fue presentada a Piano Red, que tenía un programa de radio diario en la WAOK, y posteriormente se unió a Piano Red and the Houserockers, con quienes actuó en varias ciudades del área de Atlanta y a continuación, en clubes de Atlanta como el salón Magnolia y el Casino, antes de comenzar la gira por el sureste, principalmente en las universidades. Con el tiempo, el grupo cambió su nombre por Piano Red and the Houserockers y entonces comenzó a viajar a nivel nacional.

El grupo tuvo dos singles de gran éxito: "Dr. Feelgood" y " Right String But The Wrong Yo-Yo ". Después de la grabación "Dr. Feelgood", el grupo fue conocido también como Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, y Dr. Feelgood, The Interns and The Nurse. En el grupo también estaba Roy Lee Johnson (autor de "Mr. Moonlight", más tarde grabada por The Beatles).

Después de la desintegración de la banda, aproximadamente el 1965, Watkins tocó con Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, y luego con Redding and the Houserockers hasta finales de 1980. Posteriormente se fue a Atlanta, deambulando en el Underground Atlanta.

Watkins, no sólo tiene una carrera musical larga y continua, sino que también ha trabajado con artistas como James Brown, BB King y Ray Charles, y ha sido bien conocida dentro de la comunidad de blues durante muchos años. Sin embargo, al igual que le ocurrió a muchos artistas de música con raíces, tanto blancos como negros, le resultó difícil ser reconocida en la radio y alcanzó renombre al final de su carrera, después de que la llegada de Internet hiciera posible que los músicos que no están respaldados por los principales sellos discográficos lleguen a ser escuchados por un público más amplio. Así que Watkins fue re-descubierta por Music Maker Relief Foundation, de Tim Duffy, quien la incluyó en sus shows, y en 1998 fue parte del Tour de la Banda AllStars "Women of the Blues 'Hot Mamas'" junto a Koko Taylor y Rory Block. Su Cd debut de 1999 Back in Business, la devolvió a la escena musical y obtuvo una nominación al premio WC Handy en 2000.

Watkins ha estado actuando a nivel internacional (por ejemplo, el escenario principal en el Festival de blues de Ottawa en 2004) y también en su ciudad natal de Atlanta. Quedó un tiempo apartada de los escenarios por una cirugía en 2005, de la que se recuperó. Realizó una actuación en el “2008 Cognac Blue Festival”.

 

Nota: Beverly falleció 1 de octubre de 2019 (edad 80 años), en Atlanta, Georgia, Estados Unidos. 

Beverly "Guitar" Watkins (born c. 1939, Atlanta, Georgia) is an American black female blues guitarist. Sandra Pointer-Jones writes, "Beverly Watkins is a pyrotechnic guitar maven whose searing, ballistic attacks on the guitar have become allegorical tales within the blues community." George Varga, reviewing her debut CD, observed that Watkins “sings and plays with enough poise and verve to make musicians half her age or younger consider alternative means of employment.”

When Watkins was approximately 12 years old, her family moved to Commerce, Georgia. She began playing music as a schoolchild, and then in high-school played bass for a band called Billy West Stone and the Down Beats. In approximately 1959, her junior year of high school, she was introduced to Piano Red, who had a daily radio show on WAOK, and she subsequently joined Piano Red and the Meter-tones, who played in a number of towns in the Atlanta area, and then Atlanta clubs such as the Magnolia Ballroom and the Casino, before starting to tour throughout the southeast, primarily at colleges. About the time the group renamed itself Piano Red and the Houserockers, they started touring nationally.

The group had two successful singles: "Dr. Feelgood" and "Right String But The Wrong Yo-Yo". After recording "Dr. Feelgood" the group was known variously as Piano Red & The Interns, Dr. Feelgood & The Interns, and Dr. Feelgood, The Interns, and The Nurse. The group also included Roy Lee Johnson (composer of "Mr. Moonlight", later recorded by The Beatles).

After the breakup of the band in approximately 1965, Watkins played with Eddie Tigner and the Ink Spots, Joseph Smith and the Fendales, and then with Leroy Redding and the Houserockers until the late 1980s. Subsequently she has been based in Atlanta, a well-known fixture at the Underground Atlanta.

Watkins, who not only had a long and continuous musical career, but worked with artists like James Brown, B.B. King and Ray Charles, was well known for years within the blues community. However, like many roots musicians, she found it difficult to crack the airwaves and would achieve recognition much later in her career, after the advent of the Internet made it possible for musicians not backed by major labels to be heard by a wider audience. She was re-discovered by Music Maker Relief Foundation founder Tim Duffy, who started booking her in package shows, and in 1998, with Koko Taylor and Rory Block, was part of the all-star Women of the Blues “Hot Mamas” tour. Her 1999 CD debut, Back in Business, earned a W. C. Handy Award nomination in 2000.

Watkins was playing internationally (for example, the Main Stage at the Ottawa Blues Fest in 2004) as well as in her hometown Atlanta until temporarily sidelined by surgery in 2005, but is recovered and taking bookings. She performed a set at the 2008 Cognac Blue Festival.

 

Note: Beverly passed away on October 1, 2019 (at age 80), in Atlanta, Georgia, United States.

 

Albert Collins • Frostbite

 

 

A.C. Reed • I'm In The Wrong Business

 

Biography
A.C. Reed was the blues world's ultimate triple-threat. His soulfully elegant tenor sax playing supported artists like Albert Collins, the Rolling Stones, Buddy Guy and Eric Clapton. As a singer, A.C.'s gritty, straight-from-the-heart vocals were showcased on a variety of small label singles, as well as on his acclaimed four albums. As a gifted songwriter with a penchant for wryly humorous lyrics, his tunes were recorded by such artists as Magic Slim, Charlie Musselwhite and Eddie Shaw.

Born Aaron Corthen in Wardell, Missouri in 1926, A.C. was immediately attracted to music. "I've been around music all my life," he said. "I had one brother who made himself a bass out of a wash tub, and another brother who played the piano."

For A.C., though, neither bass nor piano would do. He had his heart set on playing the saxophone. Realizing that rural southeast Missouri offered limited opportunities, A.C. arrived in Chicago in 1942 at age 16. He quickly found work at a steel mill, and bought a saxophone at a pawnshop with his first paycheck.

A.C.'s first interest was in big band jazz. He studied at the Chicago Conservatory of Music for a couple of years, where he emulated his musical hero, tenorman Gene Ammons. While continuing to work at the mill during the daytime, A.C. began gigging on weekends with blues groups. At the same time he found a musical mentor in J.T. Brown, Elmore James' tenor saxophonist. It was Brown who personally showed him the differences between playing jazz and the blues. "The first thing he taught me," A.C. recalled, "was to play less notes, play simpler and try to tell a story with my solos."

After the end of World War II, A.C. found a steady gig with Willie Mabon, who snatched up the young tenorman as soon as he was old enough to work in Chicago's South Side nightclubs. Next was a stint with legendary guitarist Earl Hooker, followed by four years of touring the Southwest with bandleader Dennis Binder's Rhythm & Blues All Stars, playing exclusively for white audiences. "We were what they called rock 'n' roll," recalled A.C. "We were all playing the same thing--Little Richard, Fats Domino. They called it 'R&B' back then, but when Elvis Presley came along singing black music, they decided to call it 'rock 'n' roll."

By the early '60s, A.C. was back in Chicago, where he cut several singles as a leader for Age Records, backed by his old pal Hooker. He went on to cut singles for labels like Nike, USA and Cool throughout the '60s, while doing session work with Hooker, Muddy Waters, Ricky Allen and Lillian Offitt.

In 1967, at the start of the late '60s blues explosion, A.C. hooked up with guitar great Buddy Guy and blues harp giant Junior Wells. For ten years he backed Buddy and Junior, playing to a new audience of young, white blues fans all over the U.S. While working with Guy and Wells, A.C. also toured with the Rolling Stones and performed in Africa and Japan. He also appeared on a number of Guy and Wells' albums on the Vanguard, Delmark and Atco labels. Following his long association with Buddy and Junior, A.C. took some time off from the road to play local dates in Chicago. His retirement from the road was short-lived, however, as he joined Son Seals for a European tour in 1978. Next came a five-year gig with Albert Collins, appearing on five of the late Master of the Telecaster's Alligator albums. While playing with Collins' bands, the Icebreakers, A.C.'s gruff vocals were showcased on several tunes each night. His own “Jealous Man” was one of the highlights of Collins' Grammy-nominated Alligator album, Live In Japan. In 1980, A.C. contributed four songs to another Grammy-nominated Alligator album, Living Chicago Blues, Vol. 3. Three of those tunes appear as added bonus tracks on his Alligator release, I'm In The Wrong Business!

Take These Blues And Shove 'Em, his long-awaited debut album, was finally released in 1982 on the Ice Cube label. Featuring such tongue-in-cheek observations of the musician's lot as “I Am Fed Up With This Music” and the title track, the album received unanimous praise. “I Am Fed Up With This Music” even received a Blues Music Award nomination for "Blues Single Of The Year."

With A.C.'s Alligator release, I'm In The Wrong Business!, he put it all together, resulting in a winning combination of top-notch material and inspired playing and singing that put him firmly in the musical spotlight. The album featured guest appearances by long-time A.C. Reed fans such as the late Stevie Ray Vaughan and Bonnie Raitt, as well as by members of his Chicago-based touring band, the Spark Plugs.

Following his Alligator release, A.C. and the Spark Plugs hit the road and became a fixture on the national blues club and festival scene, establishing him as one of the premier “old school” artists of Chicago blues and a flamboyant entertainer. Albums on Delmark and Black & Blue followed. A.C. continued to perform and tour through 2003. He died of cancer on February 24, 2004.
https://www.alligator.com/artists/AC-Reed/

///////

Biografía
A.C. Reed fue la triple amenaza definitiva del mundo del blues. Su elegante y conmovedora forma de tocar el saxo tenor sirvió de apoyo a artistas como Albert Collins, los Rolling Stones, Buddy Guy y Eric Clapton. Como cantante, A.C. mostró su valentía y su voz directa al corazón en una serie de sencillos de pequeños sellos, así como en sus aclamados cuatro álbumes. Como talentoso compositor con una inclinación por las letras de humor irónico, sus canciones fueron grabadas por artistas como Magic Slim, Charlie Musselwhite y Eddie Shaw.

Nacido como Aaron Corthen en Wardell, Missouri, en 1926, A.C. se sintió inmediatamente atraído por la música. "He estado rodeado de música toda mi vida", dijo. "Tenía un hermano que se hizo un bajo con una bañera, y otro que tocaba el piano".

Sin embargo, a A.C. no le valía ni el bajo ni el piano. Su deseo era tocar el saxofón. Al darse cuenta de que el sureste rural de Missouri ofrecía pocas oportunidades, A.C. llegó a Chicago en 1942 a la edad de 16 años. Rápidamente encontró trabajo en una acería y compró un saxofón en una casa de empeños con su primer sueldo.

El primer interés de A.C. fue el jazz de las grandes bandas. Estudió en el Conservatorio de Música de Chicago durante un par de años, donde emuló a su héroe musical, el tenor Gene Ammons. Mientras seguía trabajando en la fábrica durante el día, A.C. comenzó a actuar los fines de semana con grupos de blues. Al mismo tiempo, encontró un mentor musical en J.T. Brown, el saxofonista tenor de Elmore James. Fue Brown quien le mostró personalmente las diferencias entre tocar jazz y blues. "Lo primero que me enseñó", recuerda A.C., "fue a tocar menos notas, a tocar de forma más sencilla y a intentar contar una historia con mis solos".

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, A.C. encontró un trabajo estable con Willie Mabon, que se hizo con el joven tenor en cuanto tuvo la edad suficiente para trabajar en los clubes nocturnos del sur de Chicago. A continuación, trabajó con el legendario guitarrista Earl Hooker, seguido de cuatro años de gira por el suroeste con el grupo Rhythm & Blues All Stars del director Dennis Binder, tocando exclusivamente para el público blanco. "Éramos lo que ellos llamaban rock 'n' roll", recuerda A.C. "Todos tocábamos lo mismo: Little Richard, Fats Domino. Entonces lo llamaban 'R&B', pero cuando llegó Elvis Presley cantando música negra, decidieron llamarlo 'rock 'n' roll'".

A principios de los 60, A.C. estaba de vuelta en Chicago, donde grabó varios singles como líder para Age Records, respaldado por su viejo amigo Hooker. Siguió grabando singles para sellos como Nike, USA y Cool a lo largo de los años 60, mientras hacía trabajos de sesión con Hooker, Muddy Waters, Ricky Allen y Lillian Offitt.

En 1967, al comienzo de la explosión del blues de finales de los 60, A.C. se unió al gran guitarrista Buddy Guy y al gigante del arpa del blues Junior Wells. Durante diez años acompañó a Buddy y a Junior, tocando para un nuevo público de jóvenes blancos aficionados al blues en todo Estados Unidos. Mientras trabajaba con Guy y Wells, A.C. también hizo una gira con los Rolling Stones y actuó en África y Japón. También apareció en varios álbumes de Guy y Wells en los sellos Vanguard, Delmark y Atco. Tras su larga asociación con Buddy y Junior, A.C. se tomó un tiempo libre para tocar en Chicago. Sin embargo, su retiro de la carretera duró poco, ya que se unió a Son Seals para una gira europea en 1978. A continuación, trabajó durante cinco años con Albert Collins, apareciendo en cinco de los álbumes de Alligator del difunto Maestro de la Telecaster. Mientras tocaba con la banda de Collins, los Icebreakers, la voz ronca de A.C. se exhibía en varios temas cada noche. Su propia "Jealous Man" fue uno de los temas más destacados del álbum de Alligator nominado al Grammy, Live In Japan. ¡En 1980, A.C. contribuyó con cuatro canciones a otro álbum de Alligator nominado al Grammy, Living Chicago Blues, Vol. 3. Tres de esas canciones aparecen como temas adicionales en su lanzamiento de Alligator, I'm In The Wrong Business!

Take These Blues And Shove 'Em, su esperado álbum de debut, se publicó finalmente en 1982 con el sello Ice Cube. Con observaciones irónicas sobre la situación del músico como "I Am Fed Up With This Music" y la canción que da título al álbum, éste recibió elogios unánimes. "I Am Fed Up With This Music" incluso recibió una nominación al Blues Music Award como "Blues Single Of The Year".

Con el lanzamiento de Alligator, I'm In The Wrong Business, A.C. lo puso todo junto, dando como resultado una combinación ganadora de material de primera categoría y una forma de tocar y cantar inspirada que lo puso firmemente en el centro de atención musical. El álbum contó con apariciones de invitados de antiguos fans de A.C. Reed, como el difunto Stevie Ray Vaughan y Bonnie Raitt, así como de miembros de su banda de gira en Chicago, los Spark Plugs.

Tras su lanzamiento en Alligator, A.C. and the Spark Plugs se lanzó a la carretera y se convirtió en un fijo de la escena nacional de clubes y festivales de blues, estableciéndose como uno de los principales artistas de la "vieja escuela" del blues de Chicago y un extravagante animador. Le siguieron álbumes en Delmark y Black & Blue. A.C. siguió actuando y haciendo giras hasta 2003. Murió de cáncer el 24 de febrero de 2004.
https://www.alligator.com/artists/AC-Reed/