Al Caiola-Ralph Marterie • Acapulco 1922 and The Lonely Bull

 

 

Bert Weedon • Guitar Gold

 

Bert Weedon

Herbert Maurice William 'Bert' Weedon, OBE was an English guitarist whose style of playing was popular and influential during the 1950s and 1960s. He was the first British guitarist to have a hit record in the UK Singles Chart, in 1959, and his best-selling tutorial guides, Play in a Day, were a major influence on many leading British musicians, such as Eric Clapton, Brian May and Paul McCartney. He was awarded an OBE in 2001 for his "services to music".

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Bert Weedon

Herbert Maurice William 'Bert' Weedon, OBE era un guitarrista inglés cuyo estilo de tocar era popular e influyente durante los años 50 y 60. Fue el primer guitarrista británico en tener un disco de éxito en la lista de singles del Reino Unido, en 1959, y sus guías tutoriales de mayor venta, Play in a Day, fueron una gran influencia para muchos de los principales músicos británicos, como Eric Clapton, Brian May y Paul McCartney. Fue galardonado con una Orden del Imperio Británico en 2001 por sus "servicios a la música".

VA • Art Of 12 String Guitar

Billy Strange,Joe Maphis,Howard Roberts, and others

Martin Cilia • Espresso Martino

  

martincilia.com ...

Brian Setzer Orchestra • Best Of The Big Band

 

 

Biography by Stephen Thomas Erlewine
Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and styles back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice: first as the leader of the Stray Cats, the trio who brought rockabilly back into the charts during the '80s, and then as a figure who helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s, which is when rockabilly was born, but it was also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, such as Louis Prima and Big Joe Turner. While the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had. Though Setzer's first solo effort, 1986's The Knife Feels Like Justice, was a heartland rock album, his big step forward came with 1994's The Brian Setzer Orchestra, where his rockabilly/swing fusion first took hold, and with 1998's The Dirty Boogie, he took that sound to the pop charts. His work with the Orchestra and the occasional holiday-themed release dominated his solo career, but he took detours back to rockabilly, most notably on 2005's Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records and 2021's Gotta Have the Rumble. 2023's The Devil Always Collects was recorded with a trio.

While the heroes of rockabilly's golden era -- Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis, and Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard, but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter was also a bandmate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.

Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," the record was a hit; its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."

Success came to the Stray Cats, but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats' fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Another reunion with the Stray Cats followed, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; they then returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final album recorded with their original producer, Dave Edmunds.

This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200, and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal releases in his discography) to swinging covers of classical compositions (2007's Wolfgang's Big Night Out), most issued on SurfDog Records. 2004's The Ultimate Collection: Recorded Live was a solid document of this period; a two-album set, the first disc featured a show in Montreal from one of the Setzer Orchestra's early tours, while the second preserved a show in Japan after the band's commercial breakthrough, previously issued on its own in 2001 as Jumpin' East of Java: Live in Japan.

At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Another holiday album, Rockin' Rudolph, showed up in time for the Christmas season of 2015. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November 2017. In 2020, The Ultimate Collection: Recorded Live set from 2004 got a vinyl reissue in the form of two double-LP sets, with The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 featuring the Montreal concert and The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 2 containing the Japanese show. In 2021, Setzer issued his first solo outing in seven years, the rollicking, yet reflective Gotta Have the Rumble.

He returned to the studio with co-producer Julian Raymond, mixing engineer Chris Lord-Alge, and a cast of sidemen; he emerged with The Devil Always Collects. Released in September 2023, it showcased originals and covers, evidenced by lead single "Girl on the Billboard," a mid-'60s trucker's anthem closely associated with Del Reeves. Following its release, Setzer undertook the Rockabilly Riot Tour with an international trio that included bassist Australian bassist Chris D’Rozario and drummer Juan Laurios from Mexico City.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Cada década tiene su propia locura retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y estilos clásicos. Brian Setzer interpretó este truco no solo una vez, sino dos veces: primero como líder de The Stray Cats, el trío que devolvió el rockabilly a las listas de éxitos durante los años 80, y luego como una figura que ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los 90 con la Orquesta de Brian Setzer. Ambos sonidos se basaron en los años 50, que es cuando nació el rockabilly, pero también fue el apogeo del tipo de jump blues que amaba Setzer, como Louis Prima y Big Joe Turner. Mientras que The Stray Cats eran puristas, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, como solista, Setzer terminó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo oscilante. Con este sonido de salto, cultivó seguidores leales, que consistían en no pocos discípulos de los últimos días, que se extendieron hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la carrera exitosa y de larga duración que muchos de sus ídolos nunca tuvieron. Aunque el primer esfuerzo en solitario de Setzer, The Knife Feels Like Justice de 1986, fue un álbum de rock del corazón, su gran paso adelante llegó con The Brian Setzer Orchestra de 1994, donde su fusión de rockabilly/swing se afianzó por primera vez, y con The Dirty Boogie de 1998, llevó ese sonido a las listas de éxitos. Su trabajo con la Orquesta y el lanzamiento ocasional de temas navideños dominaron su carrera en solitario, pero volvió al rockabilly, sobre todo en Rockabilly Riot, Vol. 1: Un tributo a Sun Records y Gotta Have the Rumble de 2021. The Devil Always Collects de 2023 fue grabado con un trío.

Mientras que los héroes de la era dorada del rockabilly, Eddie Cochran, Gene Vincent, Elvis y Carl Perkins, ocupan un lugar destacado en la obra de Setzer, cuando era niño y crecía en Long Island, inicialmente se enamoró del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el bombardino y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que lo llevó por el camino del rockabilly. Cogiendo una guitarra, formó The Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, este último también fue compañero de banda de Brian en the Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su enamoramiento por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que se convirtieron en Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom ingresaron a la formación a fines de 1979.

Sintiendo que Estados Unidos no estaba listo para su rock & roll, The Stray Cats partieron hacia Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. En unos pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds, quien casualmente apareció en la película de 1973 That'll be the Day, tocando en una banda llamada Stray Cats, y los tomó bajo su protección, produciendo su debut homónimo de 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", el disco fue un éxito; a su secuela de 1982, Gonna Ball, no le fue tan bien, pero los aspectos más destacados de los dos LP fueron seleccionados para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos antes mencionados, que recibieron una gran difusión en MTV, Built for Speed convirtió a The Stray Cats en estrellas en los EE. UU., allanando el camino para Rant n Rave with the Stray Cats de 1983, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17 "y uno menor en la forma de" I Won't Stand in Your Way."

El éxito llegó a The Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como acompañante de una variedad de rockeros, sobre todo tocando en la banda de viejos de Robert Plant, The Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás casualmente, Setzer regresó al redil de Stray Cats ese año para Rock Therapy, una reunión que tampoco logró impulsar las ventas. El siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Siguió otra reunión con The Stray Cats, que duró tres álbumes durante cuatro años. ¡Primero fue Blast Off de 1989!, que apoyaron con una gira como teloneros de Stevie Ray Vaughan, pero el récord no superó los 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Sin desanimarse, se unieron a Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster!, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para Choo Choo Hot Fish de 1992, un último álbum grabado con su productor original, Dave Edmunds.

Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Orquesta de Brian Setzer, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut homónimo apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, alcanzando el puesto 158; luego, la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco no llegó a las listas, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un gran éxito gracias a una versión exitosa de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima."El sencillo alcanzó su punto máximo en 23 y el récord llegó hasta nueve en el Billboard 200, y si Setzer nunca volvió a escalar esas alturas the ¡el seguimiento de 2000, Vavoom!, llegó a 62 -- sin embargo, encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big band oscilantes en el nuevo milenio, que van desde una serie de álbumes navideños (hay al menos cinco lanzamientos estacionales en su discografía) hasta versiones oscilantes de composiciones clásicas (Wolfgang's Big Night Out de 2007), la mayoría publicados en SurfDog Records. The Ultimate Collection: Recorded Live de 2004 fue un documento sólido de este período; un set de dos álbumes, el primer disco presentó un espectáculo en Montreal de una de las primeras giras de la Orquesta Setzer, mientras que el segundo conservó un espectáculo en Japón después del gran avance comercial de la banda, publicado previamente por su cuenta en 2001 como Jumpin' East of Java: Live in Japan.

A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con Nitro Burnin' Funny Daddy, de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: ¡Un tributo a Sun Records en 2005, y que se extiende a Rockabilly Riot de 2014! Todo Original. Otro álbum navideño, Rockin ' Rudolph, apareció a tiempo para la temporada navideña de 2015. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Orquesta Brian Setzer con el lanzamiento de 25 Live!, una tienda de discos de edición limitada El Día 45 de "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock", en noviembre de 2017. En 2020, The Ultimate Collection: Set grabado en vivo de 2004 recibió una reedición en vinilo en forma de dos sets de doble LP, con The Ultimate Collection Recorded Live, Vol. 1 presentando el concierto de Montreal y The Ultimate Collection Grabado en Vivo, Vol. 2 que contiene el espectáculo japonés. En 2021, Setzer emitió su primera salida en solitario en siete años, el alegre, pero reflexivo Gotta Have the Rumble.

Regresó al estudio con el coproductor Julian Raymond, el ingeniero de mezcla Chris Lord-Alge y un elenco de acompañantes; surgió con The Devil Always Collects. Lanzado en septiembre de 2023, mostró originales y versiones, evidenciado por el sencillo principal "Girl on the Billboard", un himno de camioneros de mediados de los 60 estrechamente asociado con Del Reeves. Tras su lanzamiento, Setzer emprendió la gira Rockabilly Riot con un trío internacional que incluía al bajista australiano Chris D'Rozario y al baterista Juan Laurios de la Ciudad de México.
https://www.allmusic.com/artist/brian-setzer-mn0000519637#biography

 

 

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Herb Ellis-Jimmy Giuffre • Herb Ellis Meets Jimmy Giuffre

 

Jack Wilkins • Windows

 

Biography:

Guitarist Jack Wilkins has been a part of the international jazz scene for more than four decades. His flawless technique and imaginative chordal approach have inspired collaborations with Chet Baker, Sarah Vaughan, Bob Brookmeyer, Buddy Rich and many others.

A native of Brooklyn, Jack began playing guitar at age ten.His mentors included Django Reinhardt, Charlie Christian, Wes Montgomery, Joe Pass, Bill Evans, Clifford Brown, Freddie Hubbard and Johnny Smith

Windows, his first album as a leader (Mainstream, 1973,) also available in transcription published by Hal Leonard Corporation, has been critically acclaimed as a dazzling, seminal guitar trio work.

Later recordings, Merge, Mexico, Call Him Reckless, Alien Army, Keep in Touch,Heading North, Bluesin', and his latest cd Reunion, feature the Brecker Brothers,Al Foster, Phil Woods, Kenny Drew, Jr., and many others. Project G7, a two CD set tribute to Wes Montgomery, features peerless chordal creativity by Wilkins.

In recent years, Wilkins has played at many festivals and played with jazz greats including Stanley Turrentine, Jimmy Heath, The Mingus Epitaph, 5 Guitars play Mingus (primary arranger) and bassist Eddie Gomez.

A consummate accompanist, Wilkins has played and recorded with renowned singers, Mel Torme, Ray Charles, Morgana King, Sarah Vaughan, Tony Bennett, Manhattan Transfer, Nancy Marano and Jay Clayton. Wilkins was awarded an NEA grant in recognition of his work and contribution to the guitar. He has been widely and prominently profiled and featured in such publications as Guitar Player, Just Jazz Guitar, Downbeat, 20th Century Guitar and Leonard Feather's Jazz Encyclopedia. Recently Wilkins was invited to the Smithsonian Institution to be part of the Blue Guitars exhibit, and appeared on the P.S.I. first live jazz internet concert. He was also featured as part of the J.V.C. festival tributes to Johnny Smith, Tal Farlow and Herb Ellis and Barney Kessel.

Wilkins lives in Manhattan. He teaches at The New School, N.Y.U., Long Island University, and Manhattan School of Music. He was recently invited to judge the Monk Institute Guitar Competitions in Washington. He also conducts seminars and guitar clinics, both in New York and abroad.

His Latest CD's, “Reunion”, the DVD, “The Benedetto Players in Concert”, “The Benedetto Players and Guild Jazzmasters,, and the CD Christmas Jazz Guitar, are all currently available.

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Biografía:

El guitarrista Jack Wilkins ha formado parte de la escena internacional del jazz durante más de cuatro décadas. Su impecable técnica y su imaginativo enfoque de los acordes han inspirado colaboraciones con Chet Baker, Sarah Vaughan, Bob Brookmeyer, Buddy Rich y muchos otros.

Nacido en Brooklyn, Jack comenzó a tocar la guitarra a los diez años, y entre sus mentores se encontraban Django Reinhardt, Charlie Christian, Wes Montgomery, Joe Pass, Bill Evans, Clifford Brown, Freddie Hubbard y Johnny Smith.

Windows, su primer álbum como líder (Mainstream, 1973), también disponible en transcripción publicada por Hal Leonard Corporation, ha sido aclamado por la crítica como una deslumbrante y seminal obra de trío de guitarras.

Grabaciones posteriores, Merge, Mexico, Call Him Reckless, Alien Army, Keep in Touch,Heading North, Bluesin', y su último cd Reunion, presentan a los Brecker Brothers,Al Foster, Phil Woods, Kenny Drew, Jr. y muchos otros. El Proyecto G7, un conjunto de dos CDs en homenaje a Wes Montgomery, presenta la inigualable creatividad armónica de Wilkins.

En los últimos años, Wilkins ha tocado en muchos festivales y ha colaborado con grandes del jazz como Stanley Turrentine, Jimmy Heath, The Mingus Epitaph, 5 Guitars Play Mingus (arreglista principal) y el bajista Eddie Gomez.

Un consumado acompañante, Wilkins ha tocado y grabado con cantantes de renombre, Mel Torme, Ray Charles, Morgana King, Sarah Vaughan, Tony Bennett, Manhattan Transfer, Nancy Marano y Jay Clayton. Wilkins recibió una beca NEA en reconocimiento a su trabajo y contribución a la guitarra. Ha sido ampliamente perfilado y destacado en publicaciones como Guitar Player, Just Jazz Guitar, Downbeat, 20th Century Guitar y Leonard Feather's Jazz Encyclopedia. Recientemente Wilkins fue invitado al Smithsonian Institution para formar parte de la exposición Blue Guitars, y apareció en el primer concierto de jazz en vivo por Internet de P.S.I. También participó en el festival J.V.C. que rinde homenaje a Johnny Smith, Tal Farlow y Herb Ellis y Barney Kessel.

Wilkins vive en Manhattan. Enseña en The New School, N.Y.U., la Universidad de Long Island y la Escuela de Música de Manhattan. Recientemente fue invitado a ser juez en los concursos de guitarra del Instituto Monk en Washington. También dirige seminarios y clínicas de guitarra, tanto en Nueva York como en el extranjero.

Sus últimos CD, "Reunion", el DVD, "The Benedetto Players in Concert", "The Benedetto Players and Guild Jazzmasters", y el CD Christmas Jazz Guitar, están disponibles actualmente.

John Abercrombie • Cat 'n' Mouse

 

 

Review by AllMusic
Aided by an all-star band, John Abercombie makes it clear on CAT 'N' MOUSE exactly why he continues to be regarded as one of jazz's most creative and progressive guitarists. He's possessed not only of fearsome chops, but a finely honed textural sensibility that enables him to move from the slinky lines and feathery tones of the opening cut "A Nice Idea" to the forward-looking experimentalism of "Convolution" and post-bop firestorm of "Stop and Go" without missing a beat. Yoemanlike work is done as well by violinist Mark Feldman, whose purity of tone is matched only by his ceaseless originality and succinct phrasing. On the album's numerous contemplative tunes, it's a pleasure to hear Abercombie and Feldman's lines cris-crossing, creating spontaneous tone poems that bear beauty and invention in equal measure.
https://www.allmusic.com/album/cat-n-mouse-mw0000218573

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Reseña de AllMusic
Ayudado por una banda de estrellas, John Abercombie deja claro en CAT 'N' MOUSE exactamente por qué sigue siendo considerado como uno de los guitarristas más creativos y progresivos del jazz. No sólo posee una técnica temible, sino también una sensibilidad textural muy afinada que le permite pasar de las líneas suaves y los tonos plumosos del primer corte, "A Nice Idea", al experimentalismo con visión de futuro de "Convolution" y a la tormenta post-bop de "Stop and Go" sin perder el ritmo. El violinista Mark Feldman, cuya pureza de tono sólo se ve igualada por su incesante originalidad y su fraseo sucinto, también realiza un gran trabajo. En las numerosas melodías contemplativas del álbum, es un placer escuchar cómo las líneas de Abercombie y Feldman se entrecruzan, creando poemas tonales espontáneos que contienen belleza e invención a partes iguales.
https://www.allmusic.com/album/cat-n-mouse-mw0000218573

www.ecmrecords.com/john-abercrombie ...
www.johnabercrombiejazzfund.org ...
www.abercrombiefilm.com ...

Jon Delaney • I'll See You in My Dreams

 

An album born of innumerable gigs played by the rhythm section of Melbourne band La Mauvaise Réputation, this record brings together guitarist Jon Delaney's latest original compositions and some solo guitar performances in a new trio format. The recording is a tribute to the close friendship of three musicians through decades, hundreds of performances, sound checks, set breaks, car trips and, occasionally, rehearsals.

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Álbum nacido de innumerables actuaciones de la sección rítmica del grupo de Melbourne La Mauvaise Réputation, este disco reúne las últimas composiciones originales del guitarrista Jon Delaney y algunas interpretaciones de guitarra solista en un nuevo formato de trío. La grabación es un homenaje a la estrecha amistad de tres músicos a lo largo de décadas, cientos de actuaciones, pruebas de sonido, descansos en el set, viajes en coche y, ocasionalmente, ensayos.



https://jondelaney.com/

George Benson - Earl Klugh • Collaboration

  

Review
by Richard S. Ginell
George Benson rebels against the machine and comes out with an all-instrumental album, his first in 11 years and also his first full teaming with onetime protégé, acoustic guitarist Earl Klugh. Klugh sounds much more mature and forthcoming here than he did as a teenager in Benson's CTI days. Yet Benson still blows him away with his effortless swing, endless invention (within the constraints of the carefully controlled arrangements, however) and totally assured placement of the notes. "Mimosa" has some especially fluid work by Benson, with Klugh serving as an effective foil. The backing is mostly an electronic wash, though underpinned by solid funk support from former Benson bandmembers Harvey Mason and Paulinho Da Costa. The biggest hang-up are the so-so tunes, which both guitarists gratefully transcend whenever they solo. While Collaboration disappointed many guitar fans back in 1987 who were hoping for a more energetic session, time has underlined and strengthened its musical virtues.
https://www.allmusic.com/album/collaboration-mw0000191509

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Reseña
por Richard S. Ginell
George Benson se rebela contra la máquina y sale con un álbum totalmente instrumental, su primero en 11 años y también su primer equipo completo con su antiguo protegido, el guitarrista acústico Earl Klugh. Klugh suena aquí mucho más maduro y comunicativo que cuando era un adolescente en los días de CTI de Benson. Sin embargo, Benson sigue dejándole boquiabierto con su swing sin esfuerzo, su invención sin fin (dentro de las limitaciones de los arreglos cuidadosamente controlados, sin embargo) y la colocación totalmente segura de las notas. "Mimosa" tiene un trabajo especialmente fluido por parte de Benson, con Klugh sirviendo como un papel eficaz. El acompañamiento es principalmente un lavado electrónico, aunque apuntalado por el sólido apoyo funk de los antiguos miembros de la banda de Benson, Harvey Mason y Paulinho Da Costa. El mayor inconveniente son las melodías, que ambos guitarristas superan con gratitud cada vez que tocan en solitario. Aunque Collaboration decepcionó a muchos fans de la guitarra en 1987 que esperaban una sesión más enérgica, el tiempo ha subrayado y reforzado sus virtudes musicales.
https://www.allmusic.com/album/collaboration-mw0000191509

Paco de Lucía • Sólo quiero caminar

 

 

Biography
by Craig Harris
The role of the flamenco guitar evolved considerably through the playing of Paco de Lucia (born Francisco Sanchez Gomez). The son of flamenco guitarist Antonio Sanchez and the brother of a flamenco guitarist, Ramón de Algeciras, and flamenco singer, Pepe de Lucia, Paco de Lucia extended the former accompaniment-only tradition of flamenco guitar to include deeply personal melodic statements and modern instrumentation. His collaborations included ten albums with flamenco vocalist El Camaron de la Isla and work with American pianist Chick Corea and the Guitar Trio, featuring guitarists John McLaughlin, Larry Coryell, and Al DiMeola. His recordings with his sextet, which included his brothers Ramón and Pepe, include such groundbreaking masterpieces as La Fabulosa Guitarra de Paco de Lucia, Fantasia Flamenca, Fuente y Caudal, Almoraima, and Zyryab. Yet, de Lucia did not completely forsake traditional flamenco. His 1980 album, Interpreta a Manuel de Falla, paid homage to the classical composer and flamenco enthusiast, while his 1987 album, Siroco, marked a return to pure flamenco. "I have never lost the roots in my music," de Lucia said during a late-'90s interview, "because I would lose myself. What I have tried to do is have a hand holding onto tradition and the other scratching, digging in other places, trying to find new things I can bring into flamenco."

Born in Algeciras, a small city in southernmost Spain's Cadiz province, de Lucia was bred to be a world-class musician. He trained with his father and brother from the age of five. Mastering the art of flamenco guitar by his 11th birthday, he made his public performance debut on Radio Algeciras in 1958. A year later, he received a special award at the Festival Concurso International Flamenco de Jerez de la Frontera. Heralded as a child prodigy, de Lucia was invited to join the flamenco troupe led by dancer José Greco at the age of 16. He remained with the group for three years. A turning point in de Lucia's musical development came while on tour with Greco's troupe in North America. Meeting Sabicas, the first flamenco guitarist to tour the world, he was instructed to pursue his own style of playing. Although he remained tied to traditional flamenco on his first two solo albums -- La Fabulosa Guitarra de Paco de Lucia in 1967 and Fantasia Flamenca in 1969 -- and recorded ten albums accompanying flamenco vocalist de la Isla, de Lucia continued to seek a personal approach. The renowned guitarist died suddenly and unexpectedly of a heart attack in Mexico in February 2014; he was 66 years old. The city of Algeciras, de Lucia's birthplace, declared two days of official mourning.
https://www.allmusic.com/artist/paco-de-luc%C3%ADa-mn0000082639/biography

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Biografía
por Craig Harris
El papel de la guitarra flamenca evolucionó considerablemente gracias al toque de Paco de Lucía (nacido Francisco Sánchez Gómez). Hijo del guitarrista flamenco Antonio Sánchez y hermano de un guitarrista flamenco, Ramón de Algeciras, y de un cantaor flamenco, Pepe de Lucía, Paco de Lucía amplió la antigua tradición de la guitarra flamenca de sólo acompañamiento para incluir declaraciones melódicas profundamente personales e instrumentación moderna. Sus colaboraciones incluyen diez álbumes con el cantaor flamenco El Camarón de la Isla y trabajos con el pianista estadounidense Chick Corea y el Guitar Trio, en el que participan los guitarristas John McLaughlin, Larry Coryell y Al DiMeola. Sus grabaciones con su sexteto, que incluía a sus hermanos Ramón y Pepe, incluyen obras maestras revolucionarias como La Fabulosa Guitarra de Paco de Lucía, Fantasía Flamenca, Fuente y Caudal, Almoraima y Zyryab. Sin embargo, de Lucía no abandonó por completo el flamenco tradicional. Su álbum de 1980, Interpreta a Manuel de Falla, rindió homenaje al compositor clásico y entusiasta del flamenco, mientras que su álbum de 1987, Siroco, supuso una vuelta al flamenco puro. "Nunca he perdido las raíces en mi música", dijo de Lucía durante una entrevista a finales de los 90, "porque me perdería a mí mismo. Lo que he intentado es tener una mano agarrada a la tradición y la otra rascando, escarbando en otros sitios, intentando encontrar cosas nuevas que pueda aportar al flamenco."

Nacido en Algeciras, una pequeña ciudad de la provincia de Cádiz, en el extremo sur de España, de Lucía fue criado para ser un músico de talla mundial. Se formó con su padre y su hermano desde los cinco años. Cuando cumplió 11 años, ya dominaba el arte de la guitarra flamenca y debutó en público en Radio Algeciras en 1958. Un año más tarde, recibe un premio especial en el Festival Concurso Internacional Flamenco de Jerez de la Frontera. Considerado un niño prodigio, a los 16 años ingresa en el cuadro flamenco del bailaor José Greco. Permaneció con el grupo durante tres años. Un punto de inflexión en el desarrollo musical de de Lucía se produjo durante una gira con la compañía de Greco por Norteamérica. Al conocer a Sabicas, el primer guitarrista flamenco que recorrió el mundo, recibió instrucciones para seguir su propio estilo de tocar. Aunque siguió ligado al flamenco tradicional en sus dos primeros discos en solitario -La Fabulosa Guitarra de Paco de Lucía en 1967 y Fantasía Flamenca en 1969- y grabó diez discos acompañando al cantaor flamenco de la Isla, de Lucía siguió buscando un enfoque personal. El célebre guitarrista falleció repentina e inesperadamente de un infarto en México en febrero de 2014; tenía 66 años. La ciudad de Algeciras, lugar de nacimiento de de Lucía, declaró dos días de luto oficial.
https://www.allmusic.com/artist/paco-de-luc%C3%ADa-mn0000082639/biography


www.pacodelucia.org ...

Accordi Disaccordi • Bouncing Vibes

Accordi Disaccordi is a very active Italian project both on the national and international scenes.

The band, a trio formed in 2012, is composed by the two founders Alessandro Di Virgilio and Dario Berlucchi on guitars and Elia Lasorsa on doublebass. They’re based on a gipsy jazz repertoire, presenting typical national and international classics from the best 1930s’ music in a modern vein.   

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Accordi Disaccordi es un proyecto italiano muy activo tanto a nivel nacional como internacional.
La banda, un trío formado en 2012, está compuesta por los dos fundadores Alessandro Di Virgilio y Darío Berlucchi a las guitarras y Elia Lasorsa al contrabajo. Se basan en un repertorio de jazz gitano, presentando clásicos típicos nacionales e internacionales de la mejor música de los años 30 en un estilo moderno.    

 

 

 

 

www.accordidisaccordi.com ...

Al Caiola • Solid Gold Guitar

 

 

Mickey Baker • Guitar

Biography by Richie Unterberger

Of all the guitarists who helped transform rhythm & blues into rock & roll, Mickey Baker was one of the very most important, ranking almost on the level of Chuck Berry and Bo Diddley. The reason he wasn't nearly as well known as those legends is that a great deal of his work wasn't issued under his own name, but as a backing guitarist for many R&B and rock & roll musicians. Baker originally aspired to be a jazz musician, but turned to calypso, mambo, and then R&B, where the most work could be found.

In the early and mid-'50s, he did countless sessions for Atlantic, King, RCA, Decca, and OKeh, playing on such classics as the Drifters' "Money Honey" and "Such a Night," Joe Turner's "Shake, Rattle & Roll," Ruth Brown's "Mama, He Treats Your Daughter Mean," and Big Maybelle's "Whole Lot of Shakin' Going On." He also released a few singles under his own name, and made a Latin jazz-tinged solo album, Guitar Mambo.

Baker's best work, though, was recorded as half of the duo Mickey & Sylvia. Their hit "Love Is Strange," as well as several other unknown but nearly equally strong tracks, featured Baker's keening, bluesy guitar riffs, which were gutsier and more piercing than most anything else around in the late '50s. Mickey & Sylvia split in the late '50s (though they recorded off and on until the middle of the next decade), and Baker recorded his best solo album, the all-instrumental The Wildest Guitar. In 1961, he took the male spoken part (usually assumed to be Ike Turner) on Ike & Tina Turner's first hit, "It's Gonna Work Out Fine." Shortly afterwards he moved to France, making a few hard-to-find solo records and working with a lot of French pop and rock performers, including Ronnie Bird, the best '60s French rock singer. He recorded only sporadically after the mid-'60s. Mickey Baker died at his home in Montastruc-la-Conseillère, France on November 27, 2012, at the age of 87. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

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Compilado de este extraordinario guitarrista, que se reparte entre interpretaciones propias y como acompañante.

Biografía de Richie Unterberger

De todos los guitarristas que ayudaron a transformar el rhythm & blues en rock & roll, Mickey Baker fue uno de los más importantes, situándose casi al nivel de Chuck Berry y Bo Diddley. La razón por la que no era tan conocido como esas leyendas es que gran parte de su trabajo no se publicó con su propio nombre, sino como guitarrista de apoyo para muchos músicos de R&B y rock & roll. Baker originalmente aspiraba a ser un músico de jazz, pero se dedicó al calypso, al mambo y luego al R&B, donde se encontraba la mayor parte de su trabajo.

A principios y mediados de los 50, hizo innumerables sesiones para Atlantic, King, RCA, Decca y OKeh, tocando en clásicos como "Money Honey" y "Such a Night" de los Drifters, "Shake, Rattle & Roll" de Joe Turner, "Mama, He Treats Your Daughter Mean" de Ruth Brown y "Whole Lot of Shakin' Going On" de Big Maybelle. También lanzó algunos sencillos bajo su propio nombre, e hizo un álbum en solitario con un toque de jazz latino, Guitar Mambo.

El mejor trabajo de Baker, sin embargo, fue grabado como la mitad del dúo Mickey & Sylvia. Su éxito "Love Is Strange", así como varios otros temas desconocidos pero casi igual de fuertes, presentaban los agudos riffs de guitarra de Baker, que eran más audaces y penetrantes que cualquier otra cosa de finales de los 50. Mickey & Sylvia se separaron a finales de los 50 (aunque grabaron de vez en cuando hasta mediados de la siguiente década), y Baker grabó su mejor álbum en solitario, el todo-instrumental The Wildest Guitar. En 1961, tomó la parte masculina hablada (normalmente asumida como Ike Turner) en el primer éxito de Ike & Tina Turner, "It's Gonna Work Out Fine". Poco después se mudó a Francia, haciendo algunos discos en solitario difíciles de encontrar y trabajando con muchos artistas franceses de pop y rock, incluyendo a Ronnie Bird, el mejor cantante de rock francés de los 60. Sólo grabó esporádicamente después de mediados de los 60. Mickey Baker murió en su casa de Montastruc-la-Conseillère, Francia, el 27 de noviembre de 2012, a la edad de 87 años. http://www.allmusic.com/artist/mickey-baker-mn0000476054/biography

Al Di Meola • Acoustic Anthology

  

Review
by Michael G. Nastos
Although die-hard fans might not agree, others may contend that Al di Meola's acoustic guitar work is superior to his electric repertoire. You could cite a heightened sensitivity, an emphasis toward his classical and flamenco influences, and in many instances a calming of his pyrotechnics, allowing one to hear his voice more clearly. The acoustic tracks from his first two solo releases for Columbia Records are here, as well as his collaborations with John McLaughlin and Paco de Lucia and the extended string-enhanced Chick Corea composition "Isfahan." He does play fast, but with more earthiness. This is a worthwhile collection for those being introduced to di Meola, as well as those who are weary of his speed-demon flashiness, which is often a detriment to his obvious musicality.
https://www.allmusic.com/album/acoustic-anthology-mw0000645992

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Reseña
por Michael G. Nastos
Aunque los fans más acérrimos no estén de acuerdo, otros pueden afirmar que el trabajo de Al di Meola con la guitarra acústica es superior a su repertorio eléctrico. Se podría citar una mayor sensibilidad, un énfasis hacia sus influencias clásicas y flamencas y, en muchos casos, un apaciguamiento de su pirotecnia, lo que permite escuchar su voz con mayor claridad. Los temas acústicos de sus dos primeros lanzamientos en solitario para Columbia Records están aquí, así como sus colaboraciones con John McLaughlin y Paco de Lucía y la composición ampliada con cuerdas de Chick Corea "Isfahan". Toca rápido, pero con más terrenalidad. Esta es una colección que vale la pena para aquellos que se están introduciendo en di Meola, así como para aquellos que están cansados de su velocidad-demonio, que a menudo es un detrimento de su evidente musicalidad.
https://www.allmusic.com/album/acoustic-anthology-mw0000645992

aldimeola.com ...

 

Egberto Gismonti with Jan Garbarek • Sol Do Meio Dia

 

Review
by Stephen Cook
After his 1976 debut on ECM, the stunning Danca Das Cabecas with percussionist Naná Vasconcelos, Gismonti returned the following year with this impressive combo outing. Actually, the album consists of a mix of solo pieces and cuts with various partners, in both duo and trio formats. He penned all the material and shines throughout. The guest do the same, with special mention going to guitarist Ralph Towner, percussionist Colin Walcott, tenor saxophonist Jan Garbarek, and Vasconcelos. Highly recommended.
D:\JORGE\Varios\Varios\Música\Egberto Gismonti with Jan Garbarek • Sol Do Meio Dia

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Revisión
por Stephen Cook
Después de su debut en 1976 en ECM, el impresionante Danca Das Cabecas con la percusionista Naná Vasconcelos, Gismonti volvió al año siguiente con este impresionante combo. En realidad, el álbum consiste en una mezcla de piezas en solitario y cortes con varios compañeros, tanto en formato de dúo como de trío. Él es el autor de todo el material y brilla en todo momento. Los invitados hacen lo mismo, con mención especial para el guitarrista Ralph Towner, el percusionista Colin Walcott, el saxofonista tenor Jan Garbarek y Vasconcelos. Muy recomendable.
D:\NJORGE\NVarios\NMúsica\NEgberto Gismonti con Jan Garbarek - Sol Do Meio Dia

Kurt Rosenwinkel • Heartcore

 

 

Product Description
Since the initial release in 2003, Kurt Rosenwinkel’s Heartcore has been lauded by casual listeners and musicians alike for its forward-thinking vision and conception and seamless integration of electronic elements with acoustic jazz interplay. The album features Kurt Rosenwinkel on guitar, voice, and synthesizer, Mark Turner on saxophone, Jeff Ballard on drums, Ethan Iverson on piano, and was produced by Q-Tip of A Tribe Called Quest. Much has changed since the early 2000’s- all of the musicians involved with Heartcore have since risen to the forefront of the global contemporary music scene, and the album itself has gained the status of a ‘cult classic’ in many circles. Music technology has changed and advanced as well, and the possibilities of digital home studio production are nearly endless. Rosenwinkel has moved on from Universal Music to create his own label, the aptly-titled Heartcore Records, where he continues to push the boundaries of his art.

Now, Rosenwinkel and Heartcore Records release an updated version of Heartcore, making use of today’s advanced music technology. This new version of Heartcore is released as a top quality Double Vinyl LP in limited production including exclusive bonus material. In addition, Kurt Rosenwinkel arranged his brilliant composition “Love in the Modern World” for a live chamber orchestra.
https://shop.heartcore-records.com/product/heartcore-2lp-reissue

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Descripción del Producto
Desde su lanzamiento inicial en 2003, el Heartcore de Kurt Rosenwinkel ha sido elogiado por oyentes ocasionales y músicos por igual por su visión y concepción progresistas y su perfecta integración de elementos electrónicos con la interacción acústica del jazz. El álbum presenta a Kurt Rosenwinkel en guitarra, voz y sintetizador, Mark Turner en saxofón, Jeff Ballard en batería, Ethan Iverson en piano, y fue producido por Q-Tip de A Tribe Called Quest. Mucho ha cambiado desde principios de la década de 2000: todos los músicos involucrados con Heartcore se han puesto a la vanguardia de la escena musical contemporánea mundial, y el álbum en sí mismo se ha ganado el estatus de un 'clásico de culto' en muchos círculos. La tecnología musical también ha cambiado y avanzado, y las posibilidades de la producción digital en estudios domésticos son casi infinitas. Rosenwinkel ha dejado Universal Music para crear su propio sello, Heartcore Records, acertadamente titulado, donde continúa empujando los límites de su arte.

Ahora, Rosenwinkel y Heartcore Records lanzan una versión actualizada de Heartcore, haciendo uso de la tecnología musical avanzada de hoy en día. Esta nueva versión de Heartcore se lanza como un LP Doble de Vinilo de alta calidad en producción limitada que incluye material extra exclusivo. Además, Kurt Rosenwinkel arregló su brillante composición "Love in the Modern World" para una orquesta de cámara en vivo.
https://shop.heartcore-records.com/product/heartcore-2lp-reissue


kurtrosenwinkel.com ...

Al Caiola • The Best of Al Caiola

 

 

Calvin Keys • Blue Keys

 

Review
by Thom Jurek  
Since releasing Shaw-Neeq, his seminal 1971 Black Jazz debut album while still a member of Ray Charles' band, guitarist Calvin Keys has recorded only sporadically. In 1975 he issued an extremely worthy Black Jazz follow-up titled Proceed with Caution!, but joined Ahmad Jamal's group and didn't record as a leader until the mid-'80s. He signed with the venerable indie Wide Hive in 2000, issuing the crucial acid jazz classic Detours into Unconscious Rhythms. Blue Keys marks only his fourth outing for the label.

This nine-track set is performed by a star-studded cast that includes Gary Bartz on alto sax, Steve Turre on trombone and shells, Babatunde Lea on percussion, bassists Henry Franklin and Scott Brown, saxophonist Doug Rowan, drummers Thomas McRee and Mike Hughes, pianist/keyboardist Mike Rinta, organist Mike Blankenship, and pianist/producer Gregory Howe.

Set opener "Peregrine's Dive" juxtaposes jaunty post-bop, Latin rhythms, and elegant funk. Introduced by a minor modal piano, a sprightly jazzy guitar run, and Bartz's moaning alto, Turre's trombone enters atop a shuffling, breaking drum kit and double bass. Bartz solos first, weaving sumptuous lines around the band before Turre enters, pushing the crew with a rhythmic approach. Keys adds expansive vamps in direct interplay with trombone and drums. His solo weds complex, rhythmic chord voicings and fluid, edgy single-note runs. The jam ultimately swirls together, moving frenetically yet steadily. It's almost danceable. "CK 22" is introduced by a fingerpopping bass riff before keys and trombone decompress them with open modal circularity; playing both trombone and conch shells, Turre offers harmonic support while Keys delivers a deep blue solo. Speaking of blues, "At Arrival" showcases Keys' canny playing, atop a walking double bass, congas, and drums, while "Making Rain" is a funkier look at jazz-blues à la Phil Upchurch and T-Bone Walker. "Six to Seven" explores dub reggae, post-bop, blues, and funk. Keys' five-note theme is buoyed by brass and reeds atop bumping congas, taut basslines, and percussive syncopation. His guitar winds complex scales yet never abandons the groove. A much edgier blues appears in the title track. Initially, Keys revisits his journey with the Charles band, melding leads, chords, and vamps with a piano accent and swinging Chicago-style horns. Closer "BK 18" is the genuine jazz-funk article. A horn section vamp is urged by the drum kit to set up a frame for Keys, who makes use of Bob Marley's Get Up, Stand Up" in the lyric riff. Rhythmically inventive, Keys solos directly at them before letting the horn section exercise a lyric, harmonic motif that hovers between Fela Kuti and James Brown. The middle-eight breaks the jam open as horns, breaking drums, hypnotic bass, and a meandering keyboard line flow around and through his playing. Following Keys serpentine, cut-to-the-bone solo, the tune concludes with spacy dubwise effects and brassy authority. Though recorded eight years later, Blue Keys picks up where Electric Keys left off yet is more musically advanced and groove-centric. This is powerful stuff.
https://www.allmusic.com/album/blue-keys-mw0003740672

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Reseña
por Thom Jurek
Desde que lanzó Shaw-Neeq, su álbum debut seminal de Black Jazz de 1971 cuando aún era miembro de la banda de Ray Charles, el guitarrista Calvin Keys ha grabado solo esporádicamente. En 1975 publicó una muy valiosa continuación de Black Jazz titulada Proceed with Caution!, pero se unió al grupo de Ahmad Jamal y no grabó como líder hasta mediados de los 80. Firmó con el venerable indie Wide Hive en 2000, publicando el crucial clásico del acid jazz Detours into Unconsciente Rhythms. Blue Keys marca solo su cuarta salida para el sello.

Este conjunto de nueve pistas está interpretado por un elenco repleto de estrellas que incluye a Gary Bartz en saxo alto, Steve Turre en trombón y conchas, Babatunde Lea en percusión, los bajistas Henry Franklin y Scott Brown, el saxofonista Doug Rowan, los bateristas Thomas McRee y Mike Hughes. , el pianista y teclista Mike Rinta, el organista Mike Blankenship y el pianista y productor Gregory Howe.

El tema de apertura "Peregrine's Dive" yuxtapone alegre post-bop, ritmos latinos y elegante funk. Introducido por un piano modal menor, una ejecución de guitarra vivaz y jazzística y el gemido alto de Bartz, el trombón de Turre entra encima de una batería y un contrabajo que se arrastran y rompen. Bartz hace solos primero, tejiendo líneas suntuosas alrededor de la banda antes de que entre Turre, empujando al equipo con un enfoque rítmico. Keys agrega vampiros expansivos en interacción directa con trombón y batería. Su solo combina voces de acordes complejas y rítmicas y ejecuciones fluidas y vanguardistas de una sola nota. El atasco finalmente se arremolina, moviéndose frenéticamente pero de manera constante. Es casi bailable. "CK 22" es introducido por un riff de bajo antes de que las teclas y el trombón los descompriman con una circularidad modal abierta; Tocando tanto el trombón como las caracolas, Turre ofrece apoyo armónico mientras que Keys ofrece un solo azul profundo. Hablando de blues, "At Arrival" muestra la interpretación astuta de Keys, sobre un contrabajo ambulante, congas y batería, mientras que "Making Rain" es una mirada más funk al jazz-blues a lo Phil Upchurch y T-Bone Walker. "Six to Seven" explora el dub reggae, el post-bop, el blues y el funk. El tema de cinco notas de Keys está animado por metales y lengüetas encima de congas, líneas de bajo tensas y síncopas de percusión. Su guitarra toca escalas complejas pero nunca abandona el ritmo. Un blues mucho más afilado aparece en la canción principal. Inicialmente, Keys vuelve a visitar su viaje con la banda de Charles, fusionando solos, acordes y vampiros con un acento de piano y trompetas al estilo de Chicago. Closer "BK 18" es el artículo genuino del jazz-funk. El kit de batería insta a un vampiro de la sección de vientos a preparar un marco para Keys, quien hace uso de Get Up, Stand Up" de Bob Marley en el riff de la letra. Con inventiva rítmica, Keys toca solos directamente sobre ellos antes de dejar que la sección de vientos ejerza un motivo lírico y armónico que se cierne entre Fela Kuti y James Brown. El medio ocho rompe el atasco mientras trompetas, tambores que rompen, bajo hipnótico y una línea de teclado serpenteante fluyen alrededor y a través de su interpretación. Siguiendo a Keys serpentina, corte a- el solo de hueso, la melodía concluye con efectos dubwise espaciosos y autoridad estridente. Aunque se grabó ocho años después, Blue Keys continúa donde lo dejó Electric Keys, pero es musicalmente más avanzado y centrado en el ritmo. Este es un material poderoso.
https://www.allmusic.com/album/blue-keys-mw0003740672


www.calvinkeysjazz.com ...

Al Caiola • Return of the Seven