Herbie Hancock • The Essential

 

Biography by Richard S. Ginell
Herbie Hancock will always be one of the most revered and controversial figures in jazz, just as his employer/mentor Miles Davis was when he was alive. Unlike Miles, who pressed ahead relentlessly and never looked back until near the very end, Hancock has cut a zigzagging forward path, shuttling between almost every development in electronic and acoustic jazz and R&B over the last third of the 20th century and into the 21st. Though grounded in Bill Evans and able to absorb blues, funk, gospel, and even modern classical influences, Hancock's piano and keyboard voices are entirely his own, with their own urbane harmonic and complex, earthy rhythmic signatures -- and young pianists cop his licks constantly. Having studied engineering and professing to love gadgets and buttons, Hancock was perfectly suited for the electronic age; he was one of the earliest champions of the Rhodes electric piano and Hohner clavinet, and would field an ever-growing collection of synthesizers and computers on his electric dates. Yet his love for the grand piano never waned, and despite his peripatetic activities all over the musical map, his piano style continued to evolve into tougher, ever more complex forms. He is as much at home trading riffs with a smoking funk band as he is communing with a world-class post-bop rhythm section -- and that drives purists on both sides of the fence up the wall.

Having taken up the piano at age seven, Hancock quickly became known as a prodigy, soloing in the first movement of a Mozart piano concerto with the Chicago Symphony at the age of 11. After studies at Grinnell College, Hancock was invited by Donald Byrd in 1961 to join his group in New York City, and before long, Blue Note offered him a solo contract. His debut album, Takin' Off, took off after Mongo Santamaria covered one of the album's songs, "Watermelon Man." In May 1963, Miles Davis asked him to join his band in time for the Seven Steps to Heaven sessions, and he remained with him for five years, greatly influencing Davis' evolving direction, loosening up his own style, and, upon Davis' suggestion, converting to the Rhodes electric piano. During that time, Hancock's solo career blossomed on Blue Note, as he poured forth increasingly sophisticated compositions like "Maiden Voyage," "Cantaloupe Island," "Goodbye to Childhood," and the exquisite "Speak Like a Child." He also played on many East Coast recording sessions for producer Creed Taylor and provided a groundbreaking score to Michelangelo Antonioni's film Blow-Up, which gradually led to further movie assignments.

Having left the Davis band in 1968, Hancock recorded an elegant funk album, Fat Albert Rotunda, and in 1969 formed a sextet that evolved into one of the most exciting, forward-looking jazz-rock groups of the era. By then deeply immersed in electronics, Hancock added Patrick Gleeson's synthesizer to his Echoplexed, fuzz-wah-pedaled electric piano and clavinet, and the recordings became spacier and more complex rhythmically and structurally, creating their own corner of the avant-garde. By 1970, all of the musicians used both English and African names (Herbie's was Mwandishi). Alas, Hancock had to break up the band in 1973 when it ran out of money, and having studied Buddhism, he concluded that his ultimate goal should be to make his audiences happy.

The next step, then, was a terrific funk group whose first album, Head Hunters, with its Sly Stone-influenced hit single, "Chameleon," became the biggest-selling jazz LP up to that time. Handling all of the synthesizers himself, Hancock's heavily rhythmic comping often became part of the rhythm section, leavened by interludes of the old urbane harmonies. Hancock recorded several electric albums of mostly superior quality in the '70s, followed by a turn into disco around the decade's end. In the meantime, Hancock refused to abandon acoustic jazz. After a one-shot reunion of the 1965 Miles Davis Quintet (Hancock, Ron Carter, Tony Williams, Wayne Shorter, and Freddie Hubbard sitting in for Miles) at New York's 1976 Newport Jazz Festival, they went on tour the following year as V.S.O.P. The near-universal acclaim of the reunions proved that Hancock was still a whale of a pianist; that Miles' loose mid-'60s post-bop direction was far from spent; and that the time for a neo-traditional revival was near, finally bearing fruit in the '80s with Wynton Marsalis and his ilk. V.S.O.P. continued to hold sporadic reunions through 1992, though the death of the indispensable Williams in 1997 cast much doubt as to whether these gatherings would continue.

Hancock continued his chameleonic ways in the '80s: scoring an MTV hit in 1983 with the scratch-driven, electro-influenced single "Rockit" (accompanied by a striking video); launching an exciting partnership with Gambian kora virtuoso Foday Musa Suso that culminated in the swinging 1986 live album Jazz Africa; doing film scores, and playing festivals and tours with the Marsalis brothers, George Benson, Michael Brecker, and many others. After his 1988 techno-pop album, Perfect Machine, Hancock left Columbia (his label since 1973), signed a contract with Qwest that came to virtually nothing (save for A Tribute to Miles in 1992), and finally made a deal with Polygram in 1994 to record jazz for Verve and release pop albums on Mercury.

Well into a youthful middle age, Hancock's curiosity, versatility, and capacity for growth showed no signs of fading, and in 1998 he issued Gershwin's World. His curiosity with the fusion of electronic music and jazz continued with 2001's Future 2 Future, but he also continued to explore the future of straight-ahead contemporary jazz with 2005's Possibilities. An intriguing album of jazz treatments of Joni Mitchell compositions called River: The Joni Letters was released in 2007 and won a Grammy for Album of the Year in 2008. Two years later, Hancock released his The Imagine Project album, recorded in seven countries with a host of collaborators including Dave Matthews, Juanes, and Wayne Shorter. He was also named Creative Chair for the New Los Angeles Philharmonic. In 2013, he was the recipient of a Kennedy Center Honors award, acknowledged for his contribution to American performing arts. An expanded tenth anniversary edition of River: The Joni Letters was released in 2017, and he continues to perform regularly.
https://www.allmusic.com/artist/herbie-hancock-mn0000957296#biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Herbie Hancock siempre será una de las figuras más veneradas y controvertidas del jazz, tal como lo fue su empleador/mentor Miles Davis cuando estaba vivo. A diferencia de Miles, que siguió adelante sin descanso y nunca miró hacia atrás hasta casi el final, Hancock ha abierto un camino zigzagueante hacia adelante, viajando entre casi todos los desarrollos en jazz electrónico y acústico y R&B durante el último tercio del siglo XX y hasta el XXI. Aunque basado en Bill Evans y capaz de absorber blues, funk, gospel e incluso influencias clásicas modernas, las voces de piano y teclado de Hancock son completamente suyas, con sus propias armónicas urbanas y complejas, firmas rítmicas terrenales constantly y los jóvenes pianistas copean sus lamidas constantemente. Habiendo estudiado ingeniería y profesando amar los artilugios y los botones, Hancock se adaptaba perfectamente a la era electrónica; fue uno de los primeros campeones del piano eléctrico Rhodes y el clavinete Hohner, y presentaría una colección cada vez mayor de sintetizadores y computadoras en sus citas eléctricas. Sin embargo, su amor por el piano de cola nunca disminuyó y, a pesar de sus actividades itinerantes por todo el mapa musical, su estilo pianístico continuó evolucionando hacia formas más duras y complejas. Se siente tan cómodo intercambiando riffs con una banda de funk humeante como comunicándose con una sección rítmica post-bop de clase mundial, y eso impulsa a los puristas a ambos lados de la valla por la pared.

Habiendo comenzado a tocar el piano a los siete años, Hancock rápidamente se hizo conocido como un prodigio, tocando el primer movimiento de un concierto para piano de Mozart con la Sinfónica de Chicago a los 11 años. Después de estudiar en el Grinnell College, Donald Byrd invitó a Hancock en 1961 a unirse a su grupo en la ciudad de Nueva York y, en poco tiempo, Blue Note le ofreció un contrato en solitario. Su álbum debut, Takin ' Off, despegó después de que Mongo Santamaría hiciera una versión de una de las canciones del álbum, "Watermelon Man."En mayo de 1963, Miles Davis le pidió que se uniera a su banda a tiempo para las sesiones de Seven Steps to Heaven, y permaneció con él durante cinco años, influyendo enormemente en la dirección evolutiva de Davis, aflojando su propio estilo y, por sugerencia de Davis, convirtiéndose al piano eléctrico Rhodes. Durante ese tiempo, la carrera en solitario de Hancock floreció con una nota Azul, ya que vertió composiciones cada vez más sofisticadas como "Maiden Voyage", "Cantaloupe Island", "Goodbye to Childhood" y la exquisita "Speak Like a Child"."También tocó en muchas sesiones de grabación de la Costa Este para el productor Creed Taylor y proporcionó una partitura innovadora para la película Blow-Up de Michelangelo Antonioni, que gradualmente condujo a nuevas asignaciones cinematográficas.

Habiendo dejado la Davis Band en 1968, Hancock grabó un elegante álbum de funk, Fat Albert Rotunda, y en 1969 formó un sexteto que se convirtió en uno de los grupos de jazz-rock más emocionantes y progresistas de la época. Para entonces, profundamente inmerso en la electrónica, Hancock agregó el sintetizador de Patrick Gleeson a su piano y clavinete eléctricos ecoplexados y de pedal fuzz-wah, y las grabaciones se volvieron más espaciosas y complejas rítmica y estructuralmente, creando su propio rincón de la vanguardia. Para 1970, todos los músicos usaban nombres ingleses y africanos(el de Herbie era Mwandishi). Lamentablemente, Hancock tuvo que disolver la banda en 1973 cuando se quedó sin dinero, y habiendo estudiado budismo, concluyó que su objetivo final debería ser hacer feliz a su público.

El siguiente paso, entonces, fue un excelente grupo de funk cuyo primer álbum, Head Hunters, con su sencillo influenciado por Sly Stone, "Chameleon", se convirtió en el LP de jazz más vendido hasta ese momento. Manejando él mismo todos los sintetizadores, la composición fuertemente rítmica de Hancock a menudo se convertía en parte de la sección rítmica, fermentada por interludios de las viejas armonías urbanas. Hancock grabó varios álbumes eléctricos de calidad superior en su mayoría en los años 70, seguidos de un giro hacia la música disco a fines de la década. Mientras tanto, Hancock se negó a abandonar el jazz acústico. Después de una reunión única del Quinteto de Miles Davis de 1965 (Hancock, Ron Carter, Tony Williams, Wayne Shorter y Freddie Hubbard acompañando a Miles) en el Festival de Jazz de Newport de Nueva York de 1976, se fueron de gira al año siguiente como V. S. O. P. La aclamación casi universal de las reuniones demostró que Hancock todavía era un gran pianista; que la dirección relajada posterior a la bop de mediados de los 60 de Miles estaba lejos de agotarse; y que el tiempo para un renacimiento neotradicional estaba llegando a su fin.near, finalmente dando frutos en los años 80 con Wynton Marsalis y los de su clase. V. S. O. P. continuó celebrando reuniones esporádicas hasta 1992, aunque la muerte de la indispensable Williams en 1997 arrojó muchas dudas sobre si estas reuniones continuarían.

Hancock continuó con sus caminos camaleónicos en los años 80: obtuvo un éxito en MTV en 1983 con el sencillo "Rockit", impulsado por scratch e influenciado por la electrónica (acompañado de un sorprendente video); lanzó una emocionante asociación con el virtuoso de la kora gambiana Foday Musa Suso que culminó en el álbum en vivo Jazz Africa de 1986; haciendo bandas sonoras de películas y tocando en festivales y giras con los hermanos Marsalis, George Benson, Michael Brecker y muchos otros. Después de su álbum tecno-pop de 1988, Perfect Machine, Hancock dejó Columbia (su sello desde 1973), firmó un contrato con Qwest que quedó prácticamente en nada (salvo por un tributo a Miles en 1992) y finalmente llegó a un acuerdo con Polygram en 1994 para grabar jazz para Verve y lanzar álbumes de pop en Mercury.

Hasta bien entrada la mediana edad juvenil, la curiosidad, versatilidad y capacidad de crecimiento de Hancock no mostraron signos de desvanecerse, y en 1998 publicó Gershwin's World. Su curiosidad por la fusión de música electrónica y jazz continuó con Future 2 Future de 2001, pero también continuó explorando el futuro del jazz contemporáneo directo con Possibilities de 2005. Un álbum intrigante de tratamientos de jazz de las composiciones de Joni Mitchell llamado River: The Joni Letters fue lanzado en 2007 y ganó un Grammy por Álbum del Año en 2008. Dos años más tarde, Hancock lanzó su álbum The Imagine Project, grabado en siete países con una gran cantidad de colaboradores, incluidos Dave Matthews, Juanes y Wayne Shorter. También fue nombrado Presidente Creativo de la Nueva Filarmónica de Los Ángeles. En 2013, recibió un premio Kennedy Center Honors, reconocido por su contribución a las artes escénicas estadounidenses. Una edición ampliada del décimo aniversario de River: The Joni Letters se lanzó en 2017, y continúa actuando con regularidad.
https://www.allmusic.com/artist/herbie-hancock-mn0000957296#biography

 

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Paul Desmond • Bridge Over Troubled Water

 

 

Review from AllMusic (by Richard S. Ginell): Simon and Garfunkel's Bridge Over Troubled Water was the hottest album in the land in 1970, and Paul Simon's tunes from that and their earlier albums unexpectedly find a congenial advocate in Paul Desmond. Against the odds as determined by bopsters, Desmond finds something beautiful, wistful, and/or sly to say in each of these ten tunes, backed by Herbie Hancock's Rhodes electric piano and a set of ravishing, occasionally overstated (as in "America") orchestrations by Don Sebesky. "The 59th Street Bridge Song" is given a jaunty, carefree rendition, adapting quite well to a jazz treatment (after all, Desmond's old teammate in the Brubeck quartet Joe Morello played drums on S&G's original record) and Desmond even does some cascading overdubs on his solo part. "Cecilia" is a fast samba, Desmond cleverly works his old "Sacre Blues" into the solo on "El Condor Pasa," and the title track has a breathtakingly pretty fadeout. Hancock's solos often reflect where he was personally at in 1970, with ideas transferred from his progressive electric Sextet. This is a Creed Taylor production in all but name; the sound, track editing, and production values are right in line with the A&M CTI line, but Sebesky is listed as producer, Taylor having recently severed his ties with A&M to form his own label. https://www.allmusic.com/album/bridge-over-troubled-water-mw0000467371

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Reseña de AllMusic (por Richard S. Ginell): Bridge Over Troubled Water de Simon & Garfunkel era el álbum más popular del momento en 1970, y los temas de Paul Simon de ese álbum y de los anteriores encuentran inesperadamente un congenial defensor en Paul Desmond. Contra todo pronóstico según lo determinado por los boppers, Desmond encuentra algo hermoso, melancólico y/o astuto que decir en cada uno de estos diez temas, respaldado por el piano eléctrico Rhodes de Herbie Hancock y un conjunto de orquestaciones arrebatadoras, ocasionalmente exageradas (como en "America") de Don Sebesky. "The 59th Street Bridge Song" recibe una interpretación animada y despreocupada, adaptándose bastante bien a un tratamiento de jazz (después de todo, el antiguo compañero de Desmond en el cuarteto de Brubeck, Joe Morello, tocó la batería en el disco original de S&G) y Desmond incluso hace algunas superposiciones en cascada en su parte de solo. "Cecilia" es una samba rápida, Desmond trabaja hábilmente su antiguo "Sacre Blues" en el solo de "El Condor Pasa," y el tema titular tiene un fade out de una belleza sobrecogedora. Los solos de Hancock frecuentemente reflejan dónde estaba él personalmente en 1970, con ideas transferidas desde su progresivo Sexteto eléctrico. Esta es una producción de Creed Taylor en todo menos en el nombre; el sonido, la edición de pistas y los valores de producción están en línea con la línea A&M CTI, pero Sebesky figura como productor, habiendo Taylor cortado recientemente sus lazos con A&M para formar su propio sello. https://www.allmusic.com/album/bridge-over-troubled-water-mw0000467371 

 

Grant Green • Feelin' The Spirit

From the original liner notes: "Green has made no attempt here to recreate the five spirituals he plays in anything resembling their original context, nor has he tried to duplicate their often pallid manifestation on the concert stage. He has approached them with affection, but as music to be played in his style. The result is a fascinating combination: the techniques of modern jazz, blues, and gospel, all applied to the spiritual." - Joe Goldberg

Review by Steve Huey
Broadening his musical palette, Grant Green detoured into a number of "theme" sessions in 1962 -- the light Latin jazz of The Latin Bit; the country & western standards of Goin' West; and the best of the bunch, the old-time gospel album Feelin' the Spirit. For Feelin' the Spirit, Green takes five traditional, public-domain African-American spirituals (plus the CD bonus track "Deep River") and gives them convincing jazz treatments in a quartet-plus-tambourine setting. Green's light touch and clear tone match very well with the reverent material, and pianist Herbie Hancock is tremendous in support, serving the needs of the music and nailing the bright gospel style perfectly. Similarly, Green's playing never gets too complicated or loses sight of the melodies, yet he never runs short of ideas -- which goes to show that Feelin' the Spirit is indeed a labor of love. Opening with a jaunty "Just a Closer Walk With Thee," Green and Hancock work up an impassioned gospel fervor on "Go Down Moses," which is loaded with soulful, bluesy tradeoffs. Yet overall, the mood is fairly reflective, with Green's interpretations of "Joshua Fit de Battle ob Jericho," "Nobody Knows the Trouble I've Seen," and "Sometimes I Feel Like a Motherless Child" pointing up the suffering and sorrow behind these standards -- with the implication that suffering still continued into 1962. That's not to say Feelin' the Spirit is a depressing album, though; it's simply infused with the spirit of the blues, which is part of the reason these songs translate so surprisingly well despite their harmonic simplicity. Green, Hancock, bassist Butch Warren, and drummer Billy Higgins keep the grooves flowing throughout, making Feelin' the Spirit a rousingly successful experiment.
 

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De las notas originales del disco: "Green no ha intentado aquí recrear los cinco espirituales que interpreta en nada que se parezca a su contexto original, ni ha tratado de duplicar su manifestación, a menudo pálida, en el escenario del concierto. Los ha abordado con afecto, pero como música para ser interpretada a su estilo. El resultado es una combinación fascinante: las técnicas del jazz moderno, el blues y el gospel, todo ello aplicado a los espirituales." - Joe Goldberg

Reseña de Steve Huey

Ampliando su paleta musical, Grant Green se desvió hacia una serie de sesiones "temáticas" en 1962: el jazz latino ligero de The Latin Bit; los estándares de country & western de Goin' West; y el mejor del grupo, el álbum de gospel antiguo Feelin' the Spirit. En Feelin' the Spirit, Green toma cinco espirituales afroamericanos tradicionales de dominio público (más el tema extra del CD "Deep River") y les da un tratamiento jazzístico convincente en un entorno de cuarteto más pandereta. El toque ligero y el tono claro de Green encajan muy bien con el material reverente, y el pianista Herbie Hancock es tremendo como apoyo, sirviendo a las necesidades de la música y clavando el brillante estilo gospel perfectamente. Del mismo modo, la forma de tocar de Green nunca se complica demasiado ni pierde de vista las melodías, pero nunca se queda sin ideas, lo que demuestra que Feelin' the Spirit es realmente un trabajo de amor. Abriendo con un alegre "Just a Closer Walk With Thee", Green y Hancock trabajan con un apasionado fervor gospel en "Go Down Moses", que está cargado de soul y blues. Sin embargo, en general, el estado de ánimo es bastante reflexivo, con las interpretaciones de Green de "Joshua Fit de Battle ob Jericho", "Nobody Knows the Trouble I've Seen" y "Sometimes I Feel Like a Motherless Child", que señalan el sufrimiento y la pena que hay detrás de estos estándares, con la implicación de que el sufrimiento aún continuaba en 1962. Esto no quiere decir que Feelin' the Spirit sea un álbum deprimente, sino que simplemente está impregnado del espíritu del blues, que es parte de la razón por la que estas canciones se traducen tan sorprendentemente bien a pesar de su simplicidad armónica. Green, Hancock, el bajista Butch Warren y el batería Billy Higgins mantienen el ritmo en todo momento, lo que hace de Feelin' the Spirit un experimento muy exitoso.

www.bluenote.com/artist/grant-green ...

Jackie McLean • Vertigo

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

VA • Jazzin' the 60's

 

Jimmy Smith, Jackie McLean, Kenny Drew, Stanley Turrentine, Freddie Redd, Lou Donaldson, Kenny Burrell, Wayne Shorter, Blue Mitchell, Herbie Hancock, Lee Morgan, Duke Pearson, McCoy Tyner ...

 

 

 

 

Herbie Hancock • Jazz To Funk

 

 

Review by Jonathan Widran
Fans of the legendary jazz innovator and spirited '60s jazz (and that era's soundtrack music) are the best market for this two-CD hodgepodge of rare recordings either composed by or featuring some typically exciting performances by Herbie Hancock. If you can get through the first few minutes of the noodling warm-up atonalities on the disc one opener, "Maulana," you'll experience the swinging fun of four tracks with African titles from a 1969 session that was originally released as the LP Kawaida by drummer Albert "Tootie" Heath. Hancock may have been designated as a sideman originally, but his colorful, grooving piano tones (which indeed roll in the spirit of "Cantaloupe Island") truly stand out among the horns of Don Cherry and Jimmy Heath. Disc two is a batch of sizzling outtakes from the soundtrack session for the film Blow Up (do you remember?) featuring Hancock jamming with fellow future legends Jack DeJohnette, Ron Carter, Freddie Hubbard, Joe Henderson, and Phil Woods. The strutting, percussive bounce of "Jammin' with Herbie" defines the overall vibe of the sessions, although there are sweet softer moments on the following track, "Herbie's Blues." The last three tracks, while not as artistically satisfying, are worthwhile because they were Hancock compositions for the film that were eventually scrapped. He doesn't play on them, but the vibe -- which is admittedly dated but totally takes the listener back to that time -- melds all the jazz, pop, Brazilian, and surf guitar clichés the era's soundtracks were famous for. Overall, this is a curious collection, but one every Hancock fan will want to have.
https://www.allmusic.com/album/jazz-to-funk-mw0000555210

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Reseña de Jonathan Widran
Los fans del legendario innovador del jazz y del enérgico jazz de los 60 (y de la música de las bandas sonoras de esa época) son el mejor mercado para este batiburrillo de dos CD de grabaciones raras compuestas por Herbie Hancock o que incluyen algunas de sus típicas y emocionantes interpretaciones. Si puede superar los primeros minutos de las atonalidades de calentamiento del primer disco, "Maulana", experimentará la diversión de cuatro temas con títulos africanos de una sesión de 1969 que fue publicada originalmente como el LP Kawaida por el batería Albert "Tootie" Heath. Puede que Hancock haya sido designado originalmente como músico de acompañamiento, pero sus tonos de piano llenos de color y groove (que de hecho ruedan en el espíritu de "Cantaloupe Island") realmente destacan entre las trompas de Don Cherry y Jimmy Heath. El segundo disco es un lote de fragmentos de la sesión de la banda sonora de la película Blow Up (¿te acuerdas?) en la que Hancock improvisa con otras futuras leyendas como Jack DeJohnette, Ron Carter, Freddie Hubbard, Joe Henderson y Phil Woods. La percusión de "Jammin' with Herbie" define el ambiente general de las sesiones, aunque hay dulces momentos más suaves en el siguiente tema, "Herbie's Blues". Los tres últimos temas, aunque no tan satisfactorios artísticamente, merecen la pena porque fueron composiciones de Hancock para la película que finalmente se descartaron. Hancock no toca en ellas, pero el ambiente -que es ciertamente anticuado pero transporta totalmente al oyente a aquella época- combina todos los clichés de jazz, pop, guitarra brasileña y surf por los que eran famosas las bandas sonoras de la época. En conjunto, se trata de una colección curiosa, pero que todo fan de Hancock querrá tener.
https://www.allmusic.com/album/jazz-to-funk-mw0000555210

 

 www.herbiehancock.com ...

VA • Jazz Piano Classics

 

Thelonious Monk, Bill Evans, Herbie Hancock, Oscar Peterson, McCoy Tyner, Red Garland, Horace Silver, George Shearing, Joe Zawinul, Ramsey Lewis, Sonny Clark, Andrew Hill, Cecil Taylor, Bobby Timmons, Michel Petrucciani …

 

 

Wayne Shorter • Adam's Apple

 

Review
by Stacia Proefrock  
With the possible exception of its song, "Footprints," which would become a jazz standard, Adam's Apple received quite a bit less attention upon its release than some of the preceding albums in Wayne Shorter's catalog. That is a shame because it really does rank with the best of his output from this incredibly fertile period. From the first moments when Shorter's sax soars out in the eponymous opening track, with its warmth and roundness and power, it is hard not to like this album. It might not be turning as sharp of a corner stylistically as some of his earlier works, like Speak No Evil, but its impact is only dulled by the fact that Shorter has already arrived at the peak of his powers. Taken in isolation, this is one of the great works of mid-'60s jazz, but when Shorter has already achieved a unique performance style, compositional excellence, and a perfectly balanced relationship with his sidemen, it is hard to be impressed by the fact that he manages to continue to do these things album after album. But Shorter does shine here, while allowing strong players like Herbie Hancock to also have their place in the sun. Especially hypnotic are two very different songs, the ballad "Teru" and Shorter's tribute to John Coltrane, "Chief Crazy Horse," both of which also allow Hancock a chance to show what he could do.
https://www.allmusic.com/album/adams-apple-mw0000192508

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Reseña
por Stacia Proefrock  
Con la posible excepción de su canción, "Footprints", que se convertiría en un estándar de jazz, Adam's Apple recibió bastante menos atención en su lanzamiento que algunos de los álbumes precedentes del catálogo de Wayne Shorter. Es una pena, porque realmente se encuentra entre lo mejor de su producción de este período increíblemente fértil. Desde los primeros momentos en que el saxo de Shorter se eleva en el tema de apertura homónimo, con su calidez, redondez y potencia, es difícil que no te guste este álbum. Puede que no dé un giro tan brusco desde el punto de vista estilístico como algunos de sus primeros trabajos, como Speak No Evil, pero su impacto sólo se ve empañado por el hecho de que Shorter ya ha llegado a la cima de sus poderes. Tomado de forma aislada, es una de las grandes obras del jazz de mediados de los 60, pero cuando Shorter ya ha logrado un estilo de interpretación único, una excelencia compositiva y una relación perfectamente equilibrada con sus acompañantes, es difícil impresionarse por el hecho de que consiga seguir haciendo estas cosas álbum tras álbum. Pero Shorter brilla aquí, al tiempo que permite que jugadores fuertes como Herbie Hancock tengan también su lugar bajo el sol. Especialmente hipnóticas son dos canciones muy diferentes, la balada "Teru" y el homenaje de Shorter a John Coltrane, "Chief Crazy Horse", que también permiten a Hancock mostrar lo que puede hacer.
https://www.allmusic.com/album/adams-apple-mw0000192508


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Herbie Hancock ‎‎• Fat Albert Rotunda

 

 

Review by Richard S. Ginell  
Centered around some soundtrack music that Herbie Hancock wrote for Bill Cosby's Fat Albert cartoon show, Fat Albert Rotunda was Hancock's first full-fledged venture into jazz-funk -- and his last until Head Hunters -- making it a prophetic release. At the same time, it was far different in sound from his later funk ventures, concentrating on a romping, late-'60s-vintage R&B-oriented sound. with frequent horn riffs and great rhythmic comping and complex solos from Hancock's Fender Rhodes electric piano. The syllables of the titles alone -- "Wiggle Waggle," "Fat Mama," "Oh! Oh! Here He Comes" -- have a rhythm and feeling that tell you exactly how this music saunters and swaggers along -- just like the jolly cartoon character. But there is more to this record than fatback funk. There is the haunting, harmonically sophisticated "Tell Me a Bedtime Story" (which ought to become a jazz standard), and the similarly relaxed "Jessica." The sextet on hand is a star-studded bunch, with Joe Henderson in funky and free moods on tenor sax, Johnny Coles on trumpet, Garnett Brown on trombone, Buster Williams on bass, and Albert "Tootie" Heath on drums. Only Williams would remain for Hancock's 1977 electric V.S.O.P.: The Quintet album to come. In addition, trumpeter Joe Newman, saxophonist Joe Farrell, guitarist Eric Gale, and drummer Bernard Purdie make guest appearances on two tracks.
https://www.allmusic.com/album/release/fat-albert-rotunda-mr0003615111

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Reseña de Richard S. Ginell  
Centrada en la música de la banda sonora que Herbie Hancock escribió para el programa de dibujos animados Fat Albert de Bill Cosby, Fat Albert Rotunda fue la primera aventura de Hancock en el jazz-funk, y la última hasta Head Hunters, convirtiéndolo en un lanzamiento profético. Al mismo tiempo, su sonido era muy diferente al de sus posteriores aventuras en el funk, concentrándose en un sonido de retozo, orientado al R&B de finales de los 60, con frecuentes riffs de trompeta y gran compás y complejos solos del piano eléctrico Fender Rhodes de Hancock. Las sílabas de los títulos, "Wiggle Waggle", "Fat Mama", "Oh! Oh! Here He Comes", tienen un ritmo y sentimiento que te dice exactamente cómo esta música se mueve y se pavonea, como el alegre personaje de los dibujos animados. Pero hay más en este disco que el funk del gordo. Está el inquietante y armónicamente sofisticado "Tell Me a Bedtime Story" (que debería convertirse en un estándar del jazz), y la igualmente relajada "Jessica". El sexteto que tenemos a mano es un grupo lleno de estrellas, con Joe Henderson en el saxo tenor, Johnny Coles en la trompeta, Garnett Brown en el trombón, Buster Williams en el bajo, y Albert "Tootie" Heath en la batería. Sólo Williams permanecería para el V.S.O.P. eléctrico de Hancock de 1977: El álbum del Quinteto que vendría. Además, el trompetista Joe Newman, el saxofonista Joe Farrell, el guitarrista Eric Gale y el baterista Bernard Purdie hacen apariciones como invitados en dos temas.
https://www.allmusic.com/album/release/fat-albert-rotunda-mr0003615111

 

 www.herbiehancock.com ...

 

VA • American Jazz Fusion

 

Herbie Hancock,  Wayne Shorter,  Blue Mitchell,  Chick Corea,  Jack DeJohnette,  Pat Metheny,  Roy Haynes,  Roy Hargrove,  Christian McBride,  Return To Forever,  Stanley Clarke,  George Duke,  Larry Goldings …

Stanley Clarke • Hideaway

 

Review by Richard S. Ginell
Perhaps aware of some creeping staleness in his records, Clarke brought in a lot of help and sailed in the general direction of the wave on Hideaway -- but with only slightly improved results. George Howard, Angela Bofill, Herbie Hancock, Stewart Copeland (with whom Clarke would soon form Animal Logic), the newly emerged Stanley Jordan, and bass colleague Alphonso Johnson are some of the more recognizable names on board, and Clarke mans all of the instruments himself on the drum computer-driven "When It's Cold Outside." Some points of note: Stevie Wonder's "Overjoyed" gets a lush treatment augmented by Jordan's spidery guitar and Clare Fischer's string chart; "Old Friends" features the core of the School Days band and sounds fresher than its companions while allowing for some electronic updating of the style. But rarely are the guests challenged to their capabilities in this polished, often relaxed collection of synth-textured tracks, for the material remains mostly routine.
https://www.allmusic.com/album/hideaway-mw0000196240

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Reseña de Richard S. Ginell
Quizás consciente de que sus discos se estaban quedando estancados, Clarke trajo mucha ayuda y navegó en la dirección general de la ola en Hideaway, pero con resultados sólo ligeramente mejorados. George Howard, Angela Bofill, Herbie Hancock, Stewart Copeland (con quien Clarke pronto formaría Animal Logic), el recién aparecido Stanley Jordan, y su colega bajista Alphonso Johnson son algunos de los nombres más reconocibles a bordo, y Clarke toca todos los instrumentos él mismo en "When It's Cold Outside". Algunos puntos a destacar: "Overjoyed" de Stevie Wonder recibe un tratamiento exuberante aumentado por la guitarra de araña de Jordan y el gráfico de cuerdas de Clare Fischer; "Old Friends" cuenta con el núcleo de la banda School Days y suena más fresca que sus compañeras al tiempo que permite una cierta actualización electrónica del estilo. Pero rara vez se pone a prueba la capacidad de los invitados en esta pulida y a menudo relajada colección de temas con textura de sintetizador, ya que el material sigue siendo en su mayor parte rutinario.
https://www.allmusic.com/album/hideaway-mw0000196240


https://stanleyclarke.com ...

Eddie Henderson • Realization

 

 

Biography by Matt Collar
Balancing a career in psychiatry with his love of forward-thinking post-bop and fusion, trumpeter Eddie Henderson has cut a distinctive path in modern jazz. Mentored by Miles Davis in his teens, Henderson emerged as an original member of Herbie Hancock's Mwandishi band in the 1970s, appearing on the landmark jazz-funk album Sextant. From there, he embarked on a solo career, issuing several of his own cross-pollinated funk and disco-infused albums for Capricorn, Blue Note, and Capitol Records. These albums, and especially his breakthrough U.K. hit "Prance On" from 1978's Mahal, were influential touchstones for later hip-hop, electronic, and acid jazz musicians. A licensed psychiatrist with a degree from Howard University, Henderson often split his time playing jazz and working in medicine. From the late '80s onward, he has remained a vital presence on the New York City jazz scene, releasing a bevy of well-regarded acoustic jazz albums like 2010's For All We Know and working as a member of the hard bop supergroup the Cookers. He made his Smoke Sessions debut with 2018's Be Cool and joined fellow Hancock band veteran Mike Clark for 2023's Kosen Rufu.

Born Edward Jackson Henderson in New York City in 1940, Henderson grew up in a family steeped in the jazz tradition. His mother was a professional dancer at the Cotton Club, while his father was a member of the legendary Charioteers vocal group. Encouraged to play music, he first picked up the trumpet around age nine, and famously received an early lesson from Louis Armstrong, whom his mother knew from her days in Harlem. During his teens, Henderson moved to San Francisco with his family, where he continued to progress as a musician. A driven, highly disciplined student while in high school, he balanced his music practice, with studying, playing sports, and participating in competitive figure skating. It was during these years that he first met his longtime idol Miles Davis, who stayed at his parent's house when playing in the Bay Area. From the late '50s on, Davis was a heavy influence on the trumpeter's approach to jazz. It was also through Davis that Henderson first met future boss and bandmate Herbie Hancock.

After a stint in the Air Force, Henderson enrolled for medical school, earning his undergraduate degree at the University of California, and later finishing his medical studies at Howard University where he graduated in 1968. During his time at Howard, he would often spend the weekends driving from Washington, D.C. to New York to study with Freddie Hubbard and Lee Morgan. After earning his M.D., he then returned to the Bay Area where he served out a psychiatric residency and played jazz in his off-hours. While there, he was asked to join Herbie Hancock's innovative funk and fusion-based Mwandishi ensemble for a week-long run of shows in San Francisco. This led to a full-time appointment, and from 1970 to 1973, Henderson toured and recorded with the group, appearing on the influential 1973 album Sextant.

As a leader, Henderson debuted with two well-regarded albums on the independent Capricorn Records label, 1973's Realization and Inside Out. Produced by Skip Drinkwater, whom Henderson met via his work with guitarist Norman Connors, these albums essentially featured the Mwandishi band with Hancock on electric keyboards, Bennie Maupin on reeds, Patrick Gleeson on synthesizers, Buster Williams on bass, and Billy Hart on drums. There were also contributions from drummers Lenny White and Eric Gravatt, as well as future-Headhunters percussionist Bill Summers. Both albums showcased a funky, avant-garde, electric fusion style similar to Henderson's previous work with Hancock. More Drinkwater-produced albums followed on Blue Note, including the psychedelia-dipped Sunburst with George Duke and 1976's Heritage, which featured a young Patrice Rushen on keyboards, sax, and flute.

Around this time, Henderson signed with Capitol Records and released three albums beginning with 1977's Drinkwater-produced Comin' Through. These productions built upon his previous efforts, but found him moving in even more of a cross-over direction with a less spacy, more dance-oriented approach to jazz-funk. In 1978, he scored a U.K. hit with the disco-infused "Prance On," off Mahal. His Capitol era culminated in 1979's equally disco- and soul-leaning Runnin' to Your Love. Although somewhat dismissed as "commercial" in the decades following the fusion era of jazz, Henderson's electric recordings enjoyed great popularity with hip-hop and electronic musicians, and are often cited (along with Miles Davis' and Herbie Hancock's work) as influential on the development of trip-hop and acid jazz.

Moving to New York full-time in 1985, Henderson's solo recordings slowed somewhat as he worked increasingly as a physician. Nonetheless, he stayed active, appearing on albums with Billy Hart, Leon Thomas, Gary Bartz, and others. With 1989's Phantoms, he returned to regular recording with a series of albums that found him embracing an acoustic hard bop sound. He presence continued to grow throughout the '90s with harmonically nuanced, hard-swinging albums like 1994's Inspiration, 1995's Dark Shadows, and 1999's Reemergence. These albums still found Henderson indebted to Davis, but displaying his own brand aggressive, post-bop lyricism. It was an approach that only deepened as he entered his sixties, delivering such albums as 2004's Time and Spaces, 2006's Precious Moment, and 2010's For All We Know.

Along with his own work in the 2000s, Henderson also played with the Mingus Big Band, Benny Golson, and others. He worked regularly with Billy Harper, eventually joining the saxophonist in the all-star ensemble the Cookers alongside longtime associates drummer Billy Hart, pianist George Cables, and bassist Cecil McBee, as well as trumpeter David Weiss and saxophonist Donald Harrison. A regular at New York's Smoke nightclub, Henderson has released several albums for their in-house label, starting with 2015's Collective Portrait. That same year, he celebrated his work with Hancock on 2016's Infinite Spirit: Revisiting Music of the Mwandishi Band. In 2018, he delivered his second Smoke Sessions date with Be Cool, featuring Cookers bandmate Harrison, pianist Kenny Barron, bassist Essiet Essiet, and drummer Mike Clark. A second Smoke Sessions date, Shuffle and Deal, arrived two years later. In 2023, he reunited with longtime-associate and fellow Herbie Hancock band alum drummer Mike Clark for Kosen Rufu.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-henderson-mn0000169948#biography

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Biografía de Matt Collar
Equilibrando una carrera en psiquiatría con su amor por el post-bop y la fusión con visión de futuro, el trompetista Eddie Henderson ha abierto un camino distintivo en el jazz moderno. Asesorado por Miles Davis en su adolescencia, Henderson surgió como miembro original de la banda Mwandishi de Herbie Hancock en la década de 1970, apareciendo en el histórico álbum de jazz-funk Sextant. A partir de ahí, se embarcó en una carrera en solitario, publicando varios de sus propios álbumes de funk e infusión disco de polinización cruzada para Capricorn, Blue Note y Capitol Records. Estos álbumes, y especialmente su gran avance en el Reino Unido. el éxito" Prance On " de Mahal de 1978, fueron piedras de toque influyentes para los músicos posteriores de hip-hop, electrónica y acid jazz. Henderson, psiquiatra licenciado con un título de la Universidad de Howard, a menudo dividía su tiempo tocando jazz y trabajando en medicina. Desde finales de los 80 en adelante, ha seguido siendo una presencia vital en la escena del jazz de la ciudad de Nueva York, lanzando un grupo de álbumes de jazz acústico bien considerados como For All We Know de 2010 y trabajando como miembro del supergrupo hard bop the Cookers. Hizo su debut en Smoke Sessions con Be Cool del 2018 y se unió al veterano Mike Clark de Hancock Band para Kosen Rufu del 2023.

Nacido como Edward Jackson Henderson en la ciudad de Nueva York en 1940, Henderson creció en una familia impregnada de la tradición del jazz. Su madre era bailarina profesional en el Cotton Club, mientras que su padre era miembro del legendario grupo vocal Charioteers. Animado a tocar música, tomó la trompeta por primera vez alrededor de los nueve años, y recibió una famosa lección temprana de Louis Armstrong, a quien su madre conocía de sus días en Harlem. Durante su adolescencia, Henderson se mudó a San Francisco con su familia, donde continuó progresando como músico. Un estudiante motivado y altamente disciplinado mientras estaba en la escuela secundaria, equilibró su práctica musical con el estudio, la práctica de deportes y la participación en patinaje artístico competitivo. Fue durante estos años que conoció a su ídolo de toda la vida, Miles Davis, quien se quedaba en la casa de sus padres cuando tocaba en el Área de la Bahía. Desde finales de los 50, Davis ejerció una gran influencia en el enfoque del trompetista hacia el jazz. También fue a través de Davis que Henderson conoció al futuro jefe y compañero de banda Herbie Hancock.

Después de un período en la Fuerza Aérea, Henderson se inscribió en la escuela de medicina, obtuvo su título universitario en la Universidad de California y luego terminó sus estudios de medicina en la Universidad de Howard, donde se graduó en 1968. Durante su tiempo en Howard, a menudo pasaba los fines de semana conduciendo desde Washington, DC a Nueva York para estudiar con Freddie Hubbard y Lee Morgan. Después de obtener su doctorado, regresó al Área de la Bahía, donde realizó una residencia psiquiátrica y tocó jazz en sus horas libres. Mientras estuvo allí, se le pidió que se uniera al innovador conjunto Mwandishi de funk y fusión de Herbie Hancock para una serie de espectáculos de una semana en San Francisco. Esto llevó a una cita a tiempo completo, y de 1970 a 1973, Henderson estuvo de gira y grabó con el grupo, apareciendo en el influyente álbum Sextant de 1973.

Como líder, Henderson debutó con dos álbumes bien considerados en el sello independiente Capricorn Records, Realization de 1973 e Inside Out. Producido por Skip Drinkwater, a quien Henderson conoció a través de su trabajo con el guitarrista Norman Connors, estos álbumes presentaban esencialmente a Mwandishi band con Hancock en los teclados eléctricos, Bennie Maupin en las cañas, Patrick Gleeson en los sintetizadores, Buster Williams en el bajo y Billy Hart en la batería. También hubo contribuciones de los bateristas Lenny White y Eric Gravatt, así como del percusionista Bill Summers, futuro cazatalentos. Ambos álbumes mostraron un estilo funky, vanguardista y de fusión eléctrica similar al trabajo anterior de Henderson con Hancock. Más álbumes producidos por Drinkwater siguieron en Blue Note, incluido Sunburst con psicodelia con George Duke y Heritage de 1976, que contó con un joven Patrice Rushen en teclados, saxo y flauta.

Por esta época, Henderson firmó con Capitol Records y lanzó tres álbumes comenzando con Comin' Through, producido por Drinkwater en 1977. Estas producciones se basaron en sus esfuerzos anteriores, pero lo encontraron moviéndose en una dirección aún más cruzada con un enfoque menos espacioso y más orientado a la danza del jazz-funk. En 1978, obtuvo un éxito en el Reino Unido con la canción con infusión de disco "Prance On", de Mahal. Su era en el Capitolio culminó en Runnin' to Your Love, de 1979, igualmente disco y soul. Aunque un poco descartadas como "comerciales" en las décadas posteriores a la era de la fusión del jazz,las grabaciones eléctricas de Henderson gozaron de gran popularidad entre los músicos de hip-hop y electrónica, y a menudo se citan (junto con el trabajo de Miles Davis y Herbie Hancock) como influyentes en el desarrollo de trip-hop y acid jazz.

Al mudarse a Nueva York a tiempo completo en 1985, las grabaciones en solitario de Henderson se ralentizaron un poco a medida que trabajaba cada vez más como médico. Sin embargo, se mantuvo activo, apareciendo en álbumes con Billy Hart, Leon Thomas, Gary Bartz y otros. Con Phantoms de 1989, volvió a grabar regularmente con una serie de álbumes que lo encontraron adoptando un sonido acústico hard bop. Su presencia continuó creciendo a lo largo de los 90 con álbumes armónicamente matizados y oscilantes como Inspiration de 1994, Dark Shadows de 1995 y Reemergence de 1999. Estos álbumes aún encontraban a Henderson en deuda con Davis, pero mostrando su propio lirismo agresivo y post-bop. Fue un enfoque que solo se profundizó a medida que ingresaba a los sesenta, entregando álbumes como Time and Spaces de 2004, Precious Moment de 2006 y For All We Know de 2010.

Junto con su propio trabajo en la década de 2000, Henderson también tocó con Mingus Big Band, Benny Golson y otros. Trabajó regularmente con Billy Harper, y finalmente se unió al saxofonista en el conjunto de estrellas The Cookers junto al baterista Billy Hart, el pianista George Cables y el bajista Cecil McBee, así como al trompetista David Weiss y al saxofonista Donald Harrison. Habitual del club nocturno Smoke de Nueva York, Henderson ha lanzado varios álbumes para su sello interno, comenzando con Collective Portrait de 2015. Ese mismo año, celebró su trabajo con Hancock en Infinite Spirit: Revisiting Music of the Mwandishi Band del 2016. En el 2018, ofreció su segunda cita de Smoke Sessions con Be Cool, con Harrison, compañero de banda de Cookers, el pianista Kenny Barron, el bajista Essiet Essiet y el baterista Mike Clark. Una segunda cita de Smoke Sessions, Shuffle and Deal, llegó dos años después. En el 2023, se reunió con Mike Clark, antiguo asociado y compañero baterista de Herbie Hancock Band, para Kosen Rufu.
https://www.allmusic.com/artist/eddie-henderson-mn0000169948#biography

www.oberlin.edu/eddie-henderson

VA • The Very Best Of Jazz Funk

 

 

Eumir Deodato, Randy Brecker, Earl Klugh, Ramsey Lewis, Donald Byrd, Herbie Hancock, Benny Golson, Weather Report, Eric Gale, Lonnie Liston Smith, Larry Carlton …

  

Wayne Shorter • The All Seeing Eye

 

Review
by Scott Yanow
With such titles as "The All Seeing Eye," "Genesis," "Chaos," "Face of the Deep," and "Mephistopheles," it is clear from the start that the music on this LP is not basic bop and blues. Wayne Shorter (who composed four of the five originals) picked an all-star cast (trumpeter Freddie Hubbard, altoist James Spaulding, trombonist Grachan Moncur III, pianist Herbie Hancock, bassist Ron Carter, and drummer Joe Chambers, along with brother Alan Shorter on flügelhorn for the final song) to perform and interpret the dramatic selections, and their brand of controlled freedom has plenty of subtle surprises. This is stimulating music that still sounds fresh.
https://www.allmusic.com/album/the-all-seeing-eye-mw0000097755

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Reseña
por Scott Yanow
Con títulos como "The All Seeing Eye", "Genesis", "Chaos", "Face of the Deep" y "Mephistopheles", queda claro desde el principio que la música de este LP no es bop y blues básico. Wayne Shorter (que compuso cuatro de los cinco originales) eligió a un elenco de estrellas (el trompetista Freddie Hubbard, el contralto James Spaulding, el trombonista Grachan Moncur III, el pianista Herbie Hancock, el bajista Ron Carter y el batería Joe Chambers, junto con su hermano Alan Shorter al flügelhorn en la última canción) para interpretar las dramáticas selecciones, y su estilo de libertad controlada tiene muchas sorpresas sutiles. Es música estimulante que sigue sonando fresca.
https://www.allmusic.com/album/the-all-seeing-eye-mw0000097755

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Eric Dolphy • The Illinois Concert

 

Review by Ken Dryden
The 1999 discovery of a previously unknown 1963 concert by Eric Dolphy makes it one of the finds of the decade. Taped for broadcast at the University of Illinois at Champaign, it was mentioned in an Eric Dolphy Internet chat room and eventually relayed to producer Michael Cuscuna. The sound is very good, except for overly prominent drums throughout the concert and an under-miked flute on "South Street Exit." Dolphy's playing is consistently rewarding, including a lengthy workout of "Softly, As in a Morning Sunrise," a miniature of "Something Sweet, Something Tender," and his always superb solo feature of "God Bless the Child." He switches to alto sax for an adventurous new work, "Iron Man" (which he would record a few months later for Douglas International), also inserting a hilarious quote of "Comin' Through the Rye." A 23-year-old Herbie Hancock on piano, Eddie Locke on bass, and drummer J. C. Moses make up the solid rhythm section. The last two tracks, "Red Planet" and Dolphy's "G.W.," add the support of the University of Illinois Brass Ensemble, which included a young Cecil Bridgewater on trumpet. Highly recommended!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

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Reseña de Ken Dryden
El descubrimiento en 1999 de un concierto de Eric Dolphy en 1963 previamente desconocido lo convierte en uno de los hallazgos de la década. Grabado para su transmisión en la Universidad de Illinois en Champaign, fue mencionado en una sala de chat de Eric Dolphy en Internet y finalmente transmitido al productor Michael Cuscuna. El sonido es muy bueno, excepto por los tambores excesivamente prominentes durante todo el concierto y una flauta con micrófono bajo en " South Street Exit."La interpretación de Dolphy es consistentemente gratificante, incluido un largo entrenamiento de 'Suavemente, Como en un Amanecer Matutino', una miniatura de 'Algo Dulce, Algo Tierno' y su siempre excelente característica en solitario de 'Dios Bendiga al Niño'."Cambia al saxo alto por un nuevo trabajo aventurero," Iron Man "(que grabaría unos meses después para Douglas International), insertando también una cita hilarante de "Comin' Through the Rye."Un Herbie Hancock de 23 años al piano, Eddie Locke al bajo y el baterista J.C. Moses componen la sólida sección rítmica. Las dos últimas pistas," Red Planet " y "G. W." de Dolphy, cuentan con el apoyo del Conjunto de Metales de la Universidad de Illinois, que incluía a un joven Cecil Bridgewater a la trompeta. Muy recomendable!-
https://www.allmusic.com/album/the-illinois-concert-mw0000669489

Herbie Hancock • Takin' Off

 

Review by Steve Huey
Herbie Hancock's debut as a leader, Takin' Off, revealed a composer and pianist able to balance sophistication and accessibility, somewhat in the vein of Blue Note's prototype hard bopper Horace Silver. Yet while Hancock could be just as funky and blues-rooted as Silver, their overall styles diverged in several ways: Hancock was lighter and more cerebral, a bit more adventurous in his harmonies, and more apt to break his solos out of a groove (instead of using them to create one). So even if, in retrospect, Takin' Off is among Hancock's most conventional albums, it shows a young stylist already strikingly mature for his age, and one who can interpret established forms with spirit and imagination. Case in point: the simple, catchy "Watermelon Man," which became a Hancock signature tune and a jazz standard in the wake of a hit cover by Latin jazz star Mongo Santamaria. Hancock's original version is classic Blue Note hard bop: spare, funky piano riffing and tight, focused solo statements. The other compositions are memorable and well-constructed too (if not quite hit material); all have their moments, but particular highlights include the ruminative ballad "Alone and I," the minor-key "The Maze" (which features a little bit of free improvisation in the rhythm section), and the bluesy "Empty Pockets." The backing group includes then up-and-coming trumpeter Freddie Hubbard, tenor saxophonist Dexter Gordon, bassist Butch Warren, and drummer Billy Higgins. All in all, Takin' Off is an exceptional first effort, laying the groundwork for Hancock to begin pushing the boundaries of hard bop on his next several records.
https://www.allmusic.com/album/takin-off-mw0000191931
https://www.herbiehancock.com/biography-full-page/

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Reseña de Steve Huey
El debut de Herbie Hancock como líder, Takin ' Off, reveló a un compositor y pianista capaz de equilibrar sofisticación y accesibilidad, algo en la línea del prototipo de hard bopper de Blue Note, Horace Silver. Sin embargo, aunque Hancock podía ser tan funky y con raíces en el blues como Silver, sus estilos generales divergían de varias maneras: Hancock era más ligero y cerebral, un poco más aventurero en sus armonías y más propenso a romper sus solos con un ritmo (en lugar de usarlos para crear uno). Entonces, incluso si, en retrospectiva, Takin ' Off se encuentra entre los álbumes más convencionales de Hancock, muestra a un joven estilista ya sorprendentemente maduro para su edad, y uno que puede interpretar las formas establecidas con espíritu e imaginación. Caso en cuestión: el simple y pegadizo "Watermelon Man", que se convirtió en una melodía característica de Hancock y un estándar de jazz a raíz de una exitosa versión de la estrella del jazz latino Mongo Santamaría. La versión original de Hancock es el clásico hard bop de Blue Note: riffs de piano sueltos y funky y declaraciones solistas ajustadas y enfocadas. Las otras composiciones también son memorables y están bien construidas( si no son un material muy exitoso); todos tienen sus momentos, pero los aspectos más destacados incluyen la balada rumiosa "Alone and I", la tonalidad menor "The Maze" (que presenta un poco de improvisación libre en la sección rítmica) y el blues " Empty Pockets."El grupo de apoyo incluye al entonces prometedor trompetista Freddie Hubbard, el saxofonista tenor Dexter Gordon, el bajista Butch Warren y el baterista Billy Higgins. Con todo, Takin ' Off es un primer esfuerzo excepcional, sentando las bases para que Hancock comience a superar los límites del hard bop en sus próximos discos.
https://www.allmusic.com/album/takin-off-mw0000191931
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Herbie Hancock • Empyrean Isles

  

Review by Stephen Thomas Erlewine
My Point of View and Inventions and Dimensions found Herbie Hancock exploring the fringes of hard bop, working with a big band and a Latin-flavored percussion section, respectively. On Empyrean Isles, he returns to hard bop, but the results are anything but conventional. Working with cornetist Freddie Hubbard, bassist Ron Carter, and drummer Tony Williams -- a trio just as young and adventurous as he was -- Hancock pushes at the borders of hard bop, finding a brilliantly evocative balance between traditional bop, soul-injected grooves, and experimental, post-modal jazz. Hancock's four original concepts are loosely based on the myths of the Empyrean Isles, and they are designed to push the limits of the band and of hard bop. Even "Cantaloupe Island," well-known for its funky piano riff, takes chances and doesn't just ride the groove. "The Egg," with its minimal melody and extended solo improvisations, is the riskiest number on the record, but it works because each musician spins inventive, challenging solos that defy convention. In comparison, "One Finger Snap" and "Oliloqui Valley" adhere to hard bop conventions, but each song finds the quartet vigorously searching for new sonic territory with convincing fire. That passion informs all of Empyrean Isles, a record that officially established Hancock as a major artist in his own right.

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
My Point of View e Inventions and Dimensions encontraron a Herbie Hancock explorando los márgenes del hard bop, trabajando con una big band y una sección de percusión con sabor latino, respectivamente. En Empyrean Isles, vuelve al hard bop, pero los resultados son todo menos convencionales. Trabajando con el cornetista Freddie Hubbard, el bajista Ron Carter y el baterista Tony Williams -un trío tan joven y aventurero como él- Hancock empuja las fronteras del hard bop, encontrando un equilibrio brillantemente evocador entre el bop tradicional, los grooves inyectados de alma y el jazz experimental y post-modal. Los cuatro conceptos originales de Hancock se basan libremente en los mitos de las Islas Empíricas, y están diseñados para superar los límites de la banda y del hard bop. Incluso "Cantaloupe Island", conocida por su funky riff de piano, se arriesga y no se limita a seguir el ritmo. "The Egg", con su melodía mínima y sus extensas improvisaciones en solitario, es el número más arriesgado del disco, pero funciona porque cada músico hace solos inventivos y desafiantes que desafían las convenciones. En comparación, "One Finger Snap" y "Oliloqui Valley" se adhieren a las convenciones del hard bop, pero en cada canción el cuarteto busca vigorosamente nuevos territorios sonoros con un fuego convincente. Esa pasión es la base de Empyrean Isles, un disco que ha consolidado oficialmente a Hancock como un artista importante por derecho propio.

 

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Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

www.bluenote.com/lee-morgan ...

Wayne Shorter • The Classic Blue Note Recordings

 

Review from AllMusic:
While this isn't the only Wayne Shorter Blue Note collection, it is the best. The Best of Wayne Shorter, which was released in 1998 within a series of other Blue Note best-ofs that were coming out at the time, is adequate, but with only one disc it's hard to cover any ground with a guy who's recorded around a dozen top-notch records as a leader for Blue Note, and then appeared on scores of others — and that's where this collection wins. The second disc consists of appearances he made alongside such greats as Art Blakey, Lee Morgan, and Freddie Hubbard. Perhaps a Blue Note Wayne Shorter box set is in order? At any rate, "Speak No Evil," "Footprints," "Witch Hunt," and "Nefertiti" prove to highlight Wayne Shorter's astounding career and in turn show off jazz composition in general — as Shorter stands as one of the genre's best songwriters. Recommended as a springboard into the full-length discs these tracks are culled from, The Classic Blue Note Recordings of Wayne Shorter hits the mark.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

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Reseña de AllMusic:
Si bien esta no es la única compilación de Blue Note de Wayne Shorter, sí es la mejor. The Best of Wayne Shorter, publicada en 1998 dentro de una serie de recopilaciones de Blue Note que salían por entonces, es adecuada, pero con un solo disco es difícil cubrir el terreno de un artista que grabó alrededor de una docena de discos de primera categoría como líder para Blue Note, y apareció en decenas más — y ahí es donde esta colección gana. El segundo disco consiste en sus apariciones junto a grandes como Art Blakey, Lee Morgan y Freddie Hubbard. ¿Quizás un box set de Wayne Shorter para Blue Note sea lo que se necesita? En cualquier caso, "Speak No Evil", "Footprints", "Witch Hunt" y "Nefertiti" destacan la asombrosa carrera de Wayne Shorter y a su vez exhiben la composición en el jazz en general — ya que Shorter es uno de los mejores compositores del género. Recomendada como trampolín hacia los discos completos de los que se toman estos temas, The Classic Blue Note Recordings da en el blanco.
https://www.allmusic.com/album/the-classic-blue-note-recordings-mw0000662588

wayneshorter.com ...

VA • The Jazz Hits