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Tuesday, November 10, 2026

Bucky Pizzarelli, John Bunch & Jay Leonhart • Manhattan Swing- A Visit With The Duke

 

 



Review by Ken Dryden
The guitar/piano/bass trio of Bucky Pizzarelli, John Bunch, and Jay Leonhart, who have also recorded together under the group name of New York Swing, have a grand time with this collection of favorites from the Duke Ellington songbook. The interplay between them as well as their solos are never less than first rate, especially on an unusually brisk take of "I'm Beginning to See the Light," a foot-tapping "Don't Get Around Much Anymore" that has the flavor of western swing, and a bluesy "All Too Soon." But the trio really come into their own on the slow ballads, with a romantic "Passion Flower" and a shimmering "Isfahan." Jay Leonhart's liner notes are entertaining anecdotes, even if the time frame given for his one opportunity to sit in with Ellington is off by at least 15 years.
https://www.allmusic.com/album/manhattan-swing-a-visit-with-the-duke-mw0000004237

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Reseña de Ken Dryden
El trío de guitarra, piano y bajo de Bucky Pizzarelli, John Bunch y Jay Leonhart, que también han grabado juntos bajo el nombre de New York Swing, se divierten con esta colección de canciones favoritas del cancionero de Duke Ellington. La interacción entre ellos, así como sus solos, nunca es menos que de primera, especialmente en una inusualmente rápida toma de "I'm Beginning to See the Light", un "Don't Get Around Much Anymore" que tiene el sabor del swing del oeste, y un "All Too Soon" bluesero. Pero el trío realmente se destaca en las baladas lentas, con un romántico "Passion Flower" y un brillante "Isfahan". Las notas de Jay Leonhart son anécdotas entretenidas, incluso si el tiempo que se le da para su única oportunidad de estar con Ellington es de al menos 15 años.
https://www.allmusic.com/album/manhattan-swing-a-visit-with-the-duke-mw0000004237




Wednesday, November 4, 2026

Gabor Szabo • Gypsy '66

 



Review by Scott Yanow
Guitarist Gabor Szabo's debut as a leader (after an important stint with the Chico Hamilton Quintet) is surprisingly successful. The reason this LP is a bit of a surprise is that the repertoire (in addition to two originals apiece by the leader and Gary McFarland) has a few unlikely songs by the Beatles ("Yesterday" and "If I Fell") and Burt Bacharach (including "Walk On By"). Usually jazz adaptations of rock songs in the 1960s are lightweight, but Szabo's original sound, the unusual instrumentation (two or three guitars, Sadao Watanabe on flute, Gary McFarland on marimba, bass, drums and percussion) and McFarland's clever arrangements uplift the music. The playing time at 35 minutes is a bit brief, but the performances are better than expected.

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Revisión por Scott Yanow
El debut del guitarrista Gabor Szabo como líder (después de una importante etapa con el Quinteto Chico Hamilton) es sorprendentemente exitoso. La razón por la que este LP es una sorpresa es que el repertorio (además de dos originales cada uno por el líder y Gary McFarland) tiene algunas canciones poco probables de los Beatles ("Yesterday" y "If I Fell") y Burt Bacharach (incluyendo "Walk On By"). Por lo general, las adaptaciones de jazz de las canciones de rock en la década de 1960 son ligeras, pero el sonido original de Szabo, la inusual instrumentación (dos o tres guitarras, Sadao Watanabe en flauta, Gary McFarland en marimba, bajo, batería y percusión) y los arreglos inteligentes de McFarland elevan la música. El tiempo de juego a los 35 minutos es un poco breve, pero las actuaciones son mejores de lo esperado.
 
 
 
 


Sunday, November 1, 2026

Manual de Guitarra • Ralph Denyer en Español



Es una guía completa para aprender a tocar la guitarra desde los acordes más sencillos a las improvisaciones más avanzadas, con un método de enseñanza exclusivo que combina las instrucciones paso a paso con las fotografías explicativas realizadas para este libro, y un diccionario de acordes que incluye más de 800 posiciones fáciles de aprender y un texto claro y conciso.


Friday, October 30, 2026

Jimmy Raney • Momentum [link OK]

 



This 1974 LP marked a comeback for Jimmy Raney, following his long layoff from the music business in order to make a full recovery from alcoholism. Accompanied by bassist Richard Davis and drummer Alan Dawson, the guitarist is in terrific form as he explores several standards, a bossa nova-flavored "Nobody Else but Me," and a driving take of "Just Friends." He composed the other two works heard on the date. His piece, "'Momentum," is a reworking of an earlier original he called "Motion," both of which are obviously based upon the chord changes to "You Stepped Out of a Dream." "We'll Be Together" is an original ballad (set to words he wrote earlier, according to liner-note writer Ira Gitler), though it sounds as if it was partially inspired by "Autumn in New York"; it also features a strong solo by Davis. Originally released on MPS and reissued by Pausa, this record has been unavailable for quite some time, but it can be found with a diligent search. ~ Ken Dryden, All Music Guide

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Este LP de 1974 marcó el regreso de Jimmy Raney, tras su largo despido del negocio de la música para recuperarse del alcoholismo. Acompañado por el bajista Richard Davis y el baterista Alan Dawson, el guitarrista se encuentra en excelente forma mientras explora varios estándares, un "Nobody Else but Me" con sabor a bossa nova, y una toma de conducción de "Just Friends". Compuso las otras dos obras que se oyeron en la cita. Su pieza, "'Momentum", es una reelaboración de un original anterior que llamó "Motion", ambas basadas obviamente en los cambios de acordes de "You Stepped Out of a Dream". "We'll Be Together" es una balada original (ajustada a las palabras que escribió antes, según el escritor de notas de línea Ira Gitler), aunque suena como si estuviera parcialmente inspirada en "Otoño en Nueva York"; también presenta un fuerte solo de Davis. Originalmente publicado en MPS y reeditado por Pausa, este disco no ha estado disponible durante bastante tiempo, pero se puede encontrar con una búsqueda diligente. ~ Ken Dryden, All Music Guide ~




Raney Legacy ...



Tuesday, October 20, 2026

Jack Wilkins • Windows

 



Biography:
Guitarist Jack Wilkins has been a part of the international jazz scene for more than four decades. His flawless technique and imaginative chordal approach have inspired collaborations with Chet Baker, Sarah Vaughan, Bob Brookmeyer, Buddy Rich and many others.

A native of Brooklyn, Jack began playing guitar at age ten.His mentors included Django Reinhardt, Charlie Christian, Wes Montgomery, Joe Pass, Bill Evans, Clifford Brown, Freddie Hubbard and Johnny Smith

Windows, his first album as a leader (Mainstream, 1973,) also available in transcription published by Hal Leonard Corporation, has been critically acclaimed as a dazzling, seminal guitar trio work.

Later recordings, Merge, Mexico, Call Him Reckless, Alien Army, Keep in Touch,Heading North, Bluesin', and his latest cd Reunion, feature the Brecker Brothers,Al Foster, Phil Woods, Kenny Drew, Jr., and many others. Project G7, a two CD set tribute to Wes Montgomery, features peerless chordal creativity by Wilkins.

In recent years, Wilkins has played at many festivals and played with jazz greats including Stanley Turrentine, Jimmy Heath, The Mingus Epitaph, 5 Guitars play Mingus (primary arranger) and bassist Eddie Gomez.

A consummate accompanist, Wilkins has played and recorded with renowned singers, Mel Torme, Ray Charles, Morgana King, Sarah Vaughan, Tony Bennett, Manhattan Transfer, Nancy Marano and Jay Clayton. Wilkins was awarded an NEA grant in recognition of his work and contribution to the guitar. He has been widely and prominently profiled and featured in such publications as Guitar Player, Just Jazz Guitar, Downbeat, 20th Century Guitar and Leonard Feather's Jazz Encyclopedia. Recently Wilkins was invited to the Smithsonian Institution to be part of the Blue Guitars exhibit, and appeared on the P.S.I. first live jazz internet concert. He was also featured as part of the J.V.C. festival tributes to Johnny Smith, Tal Farlow and Herb Ellis and Barney Kessel.

Wilkins lives in Manhattan. He teaches at The New School, N.Y.U., Long Island University, and Manhattan School of Music. He was recently invited to judge the Monk Institute Guitar Competitions in Washington. He also conducts seminars and guitar clinics, both in New York and abroad.

His Latest CD's, “Reunion”, the DVD, “The Benedetto Players in Concert”, “The Benedetto Players and Guild Jazzmasters,, and the CD Christmas Jazz Guitar, are all currently available.

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Biografía:
El guitarrista Jack Wilkins ha formado parte de la escena internacional del jazz durante más de cuatro décadas. Su impecable técnica y su imaginativo enfoque de los acordes han inspirado colaboraciones con Chet Baker, Sarah Vaughan, Bob Brookmeyer, Buddy Rich y muchos otros.

Nacido en Brooklyn, Jack comenzó a tocar la guitarra a los diez años, y entre sus mentores se encontraban Django Reinhardt, Charlie Christian, Wes Montgomery, Joe Pass, Bill Evans, Clifford Brown, Freddie Hubbard y Johnny Smith.

Windows, su primer álbum como líder (Mainstream, 1973), también disponible en transcripción publicada por Hal Leonard Corporation, ha sido aclamado por la crítica como una deslumbrante y seminal obra de trío de guitarras.

Grabaciones posteriores, Merge, Mexico, Call Him Reckless, Alien Army, Keep in Touch,Heading North, Bluesin', y su último cd Reunion, presentan a los Brecker Brothers,Al Foster, Phil Woods, Kenny Drew, Jr. y muchos otros. El Proyecto G7, un conjunto de dos CDs en homenaje a Wes Montgomery, presenta la inigualable creatividad armónica de Wilkins.

En los últimos años, Wilkins ha tocado en muchos festivales y ha colaborado con grandes del jazz como Stanley Turrentine, Jimmy Heath, The Mingus Epitaph, 5 Guitars Play Mingus (arreglista principal) y el bajista Eddie Gomez.

Un consumado acompañante, Wilkins ha tocado y grabado con cantantes de renombre, Mel Torme, Ray Charles, Morgana King, Sarah Vaughan, Tony Bennett, Manhattan Transfer, Nancy Marano y Jay Clayton. Wilkins recibió una beca NEA en reconocimiento a su trabajo y contribución a la guitarra. Ha sido ampliamente perfilado y destacado en publicaciones como Guitar Player, Just Jazz Guitar, Downbeat, 20th Century Guitar y Leonard Feather's Jazz Encyclopedia. Recientemente Wilkins fue invitado al Smithsonian Institution para formar parte de la exposición Blue Guitars, y apareció en el primer concierto de jazz en vivo por Internet de P.S.I. También participó en el festival J.V.C. que rinde homenaje a Johnny Smith, Tal Farlow y Herb Ellis y Barney Kessel.

Wilkins vive en Manhattan. Enseña en The New School, N.Y.U., la Universidad de Long Island y la Escuela de Música de Manhattan. Recientemente fue invitado a ser juez en los concursos de guitarra del Instituto Monk en Washington. También dirige seminarios y clínicas de guitarra, tanto en Nueva York como en el extranjero.

Sus últimos CD, "Reunion", el DVD, "The Benedetto Players in Concert", "The Benedetto Players and Guild Jazzmasters", y el CD Christmas Jazz Guitar, están disponibles actualmente.


Monday, September 28, 2026

Al Gafa • Leblon Beach

 



Alexander "Al" Gafa (born April 9, 1941, New York City) is an American jazz guitarist.
Gafa worked extensively as a session musician for recordings in the mid and late 1960s in New York. In jazz he worked in that decade with Kai Winding, Michel Legrand, Sam Donahue, Duke Pearson, and Carmen McRae. He worked with McRae until 1971, then played in the 1970s with Dizzy Gillespie, Mike Longo, and Yusef Lateef. Gafa put together his own small groups in the decade; his sidemen included Kenny Barron, Ben Brown, Al Foster, Steve LaSpina, Andy LaVerne, Dave Shapiro, and Richard Wyands. He worked with Johnny Hartman from 1978 to 1982 and in the early 1980s with Susannah McCorkle and Joe Albany, Sammy Davis Jr., Sylvia Syms, Morgana King, Shirley Horn.
https://en.wikipedia.org/wiki/Al_Gafa

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Alexander "Al" Gafa (nacido el 9 de abril de 1941 en Nueva York) es un guitarrista de jazz estadounidense.
Gafa trabajó mucho como músico de sesión para grabaciones a mediados y finales de los años 60 en Nueva York. En el ámbito del jazz, trabajó en esa década con Kai Winding, Michel Legrand, Sam Donahue, Duke Pearson y Carmen McRae. Trabajó con McRae hasta 1971, y luego tocó en los años 70 con Dizzy Gillespie, Mike Longo y Yusef Lateef. Gafa formó sus propios grupos pequeños en esa década; entre sus acompañantes estaban Kenny Barron, Ben Brown, Al Foster, Steve LaSpina, Andy LaVerne, Dave Shapiro y Richard Wyands. Trabajó con Johnny Hartman de 1978 a 1982 y a principios de los años 80 con Susannah McCorkle y Joe Albany, Sammy Davis Jr, Sylvia Syms, Morgana King, Shirley Horn.
https://en.wikipedia.org/wiki/Al_Gafa


Sunday, September 6, 2026

Lloyd Ellis • The Fastest Guitar

 



Bio:
Lloyd Hastings Ellis was a native of Pensacola, Florida. He started his musical career in the 1930s, continued even during his service in the U.S. Navy. His guitar playing style was admired by fans and musicians alike. As a youngster, he was fascinated by the music by Django Reinhardt that he discovered on the 78rpm records.

He played with a variety of groups during his career's journey.

In the late 1930s, Lloyd had a trio that was entertaining audiences in Mobile, Alabama. Another musician in that trio went on to some acclaim later in his career also - Tiny Moore. He also went on to play for Bob Wills and the Texas Playboys.

During World War II, he played with George Liberace's band, "Music Under The Stars". That band entertained over 500,000 troops in the Pacific. After the war was over, he settled down in Los Angeles for a while and became active in studio and club work.

In 1947, he appears in Jimmie Davis' movie, "Louisiana" as part of the Sunshine Serenaders. One can see him playing his distinctive jazz guitar in a country music setting in the movie, complete with a cigarette dangling from his lips as his fingers did their magic on the guitar.

He also apparently did some songwriting while he was with Jimmie Davis. He is listed as co-writer on the tune, "You Won't Be Satisfied This Way." Jimmie recorded the tune on Decca 46066. The song was also recorded by legendary Bluegrass singer, Bill Monroe.

Deciding it was time to try a different scene, Lloyd moved to Las Vegas, Nevada and hooked up with the Red Norvo Trio that also included Monk Montgomery at the Tropican Hotel on the famed Strip for about three years. After leaving the trio, he found work as a member of various hotel house bands and backed such artists as Liza Minnelli, Ann-Margaret, Barbara McNair, Eydie Gorme, Mitzi Gaynor, Vic Damone, Steve Lawrence, Robert Goulet, Page Cavanaugh, Roger Williams, PHil Harris,, Don Rickles and Shecky Green.

He found time to record for the Capitol, Decca, Mercury, RCA, Carlton and Trey record labels. In 1955, Country and Western Jamboree magazine commented on one his Mercury releases, "Annie Laurie" b/w "Waltzing Guitars": "...This is an unusual version of the old favorite, Annie Laurie, with double guitars. The other is Ellis' own tune."

In doing our research, one site documenting some of the old musical eras notes Lloyd's connection to a group called The Four Deals that was based in Phoenix, Arizona. The group got attention by winning first place in a talent contest held by West Coast radio personality Peter Potter. That was enough for Capitol Records to sign the group. The members of the group were lead singer Lloyd Ellis, Benny Wilson, Glenn Brewton, and Travis Anderson. The song that got the contract was called "It's Too Late Now" (written by Lloyd Ellis) which is one side of their Capitol release (No. 1313). The other side is "There Ain't No Bears In The Forest".

In 1960, he recorded the album "So Tall, So Cool, So There" for the Trey record label (TLP 902).

in 1963, he recorded with Bill Cyrils as part of his quartet that did an album for a private label, Fairmont (LP 3830) called "Anytime..Anyplace" and included a line at the bottom, "Insured by Lloyds of Ellis". That group included Bill Cyrils on vibes, Lloyd Ellis on guitar and arrangements, Dan Shannon on the bass and Jimmy Kaye playing drums. It still shows up on eBay.

Around 1974, he was a member of Pete Fountain's Jazz Group where they played at the Hilton HOtel in New Orleans. During the fourteen years with Pete's group, they played at such venues as the National Music Camp in Interlochen, Michigan; Heinz Hall in Pittsburgh, Pennsylvania; Chautaugua Institute in Chautagua, New York; Saratoga, New York and the Blossom Music Center in Cleveland, Ohio.

In the mid-1980s, the group did a command performance at the White House for President Ronald Reagan when he hosted the President of Brazil. The band also played for Pope John Paul II during his visit to New Orleans.

Guitar Player magazine featured Lloyd in an article in their April 1989 issue. While we don't have a copy of that article, it is worth noting a quote from another stellar guitar player, B. B. King, about Lloyd's artistry. "Lloyd Ellis is something else, man. The things he does are unbelievable. Lloyd, Red Norvo and Monk Montgomery had a drumless trio, but Lloyd's rhythm playing was so full that you'd swear you heard a drummer in there, too."

The Mercury record label thought he country music audiences might be interested in his music in the 1965. They released an album (Mercury Wing MGW 12298) entitled, "Tommy Jackson and Lloyd Ellis: Guitar and Fiddle, Country Style". However sadly, the album does not feature them playing together, but rather, devotes one side to each of the two artists.

When Lloyd did finally 'retire' from Pete Fountain's group and moved back home to Pensacola, he noted, "I didn't retire, I just retired from Pete Fountain."

Lloyd did a couple of shows for PBS featuring the Lloyd Ellis Quartet. He also did some local PBS work in Pensacola for the Pensacola Jazz Society.

In Pensacola, audiences could often hear him at such venues as Phineas Phogg's and Marty's and other venues in the Seville Quarter of Pensacola.

Around 1994, cancer had begun to take its toll on Lloyd. At the same time, Lloyd found he had many friends that rallied to support him during those last months of his life. On a Sunday in March of 1994, a benefit was held at Phineas Phogg's to help defray some of the medical expenses Lloyd incurred. The benefit started at 2:30pm and lasted until some late hour in the morning. Friends such as Don Gumpert's Dixieland Saints, Holly Foy, Crosscurrent, Dave Shelander, the Bourbon Street Six, Ray Parker, Joe Occhipinti and many other Southeast musicians were to appear. The benefit was requesting a minimum donation of $5, but the author of the news article, Bill Campbell suggested that the donation should be at least $20. He noted, "Lloyd has given so much to us. Let's say "thanks".

A few weeks later, Jelly Rolls Jazz Club in downtown Fort Walton Beach, Florida hosted a jam session for Lloyd as well that started at 2:30pm. Don Gumpert noted in the April 1994 article that the March benefit was a "huge success" and they were expecting that over 25 musicians were to appear in Fort Walton Beach.

Lloyd succumbed to cancer on May 4, 1994. He left behind his wife, Frances Ellis and eight daughters and four sons.

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Bio:
Lloyd Hastings Ellis era un nativo de Pensacola, Florida. Empezó su carrera musical en los años 30, continuó incluso durante su servicio en la Marina de los Estados Unidos. Su estilo de tocar la guitarra era admirado tanto por los fans como por los músicos. De joven, le fascinaba la música de Django Reinhardt que descubrió en los discos de 78rpm.

Tocó con una variedad de grupos durante el viaje de su carrera.

A finales de los años 30, Lloyd tenía un trío que entretenía al público en Mobile, Alabama. Otro músico de ese trío fue aclamado más tarde en su carrera también - Tiny Moore. También tocó para Bob Wills y los Texas Playboys.

Durante la Segunda Guerra Mundial, tocó con la banda de George Liberace, "Music Under The Stars". Esa banda entretuvo a más de 500.000 soldados en el Pacífico. Una vez finalizada la guerra, se estableció en Los Ángeles por un tiempo y se dedicó a trabajar en estudios y clubes.

En 1947, aparece en la película de Jimmie Davis, "Louisiana", como parte de los Sunshine Serenaders. Se le puede ver tocando su distintiva guitarra de jazz en un escenario de música country en la película, con un cigarrillo colgando de sus labios mientras sus dedos hacían su magia en la guitarra.

Aparentemente también escribió algunas canciones mientras estaba con Jimmie Davis. Aparece como co-escritor en la canción "You Won't Be Satisffied This Way". Jimmie grabó la canción en Decca 46066. La canción también fue grabada por el legendario cantante de Bluegrass, Bill Monroe. 

Decidiendo que era el momento de probar una escena diferente, Lloyd se mudó a Las Vegas, Nevada y se enganchó con el Trío Red Norvo que también incluía a Monk Montgomery en el Hotel Tropican en el famoso Strip durante unos tres años. Después de dejar el trío, encontró trabajo como miembro de varias bandas de hoteles y apoyó a artistas como Liza Minnelli, Ann-Margaret, Barbara McNair, Eydie Gorme, Mitzi Gaynor, Vic Damone, Steve Lawrence, Robert Goulet, Page Cavanaugh, Roger Williams, PHil Harris, Don Rickles y Shecky Green.

Encontró tiempo para grabar para los sellos discográficos Capitol, Decca, Mercury, RCA, Carlton y Trey. En 1955, la revista Country and Western Jamboree comentó uno de sus lanzamientos de Mercury, "Annie Laurie" b/n "Waltzing Guitars": "...Esta es una inusual versión de la vieja favorita, Annie Laurie, con guitarras dobles. La otra es la propia melodía de Ellis".

Al hacer nuestra investigación, un sitio que documenta algunas de las viejas eras musicales señala la conexión de Lloyd con un grupo llamado The Four Deals que tenía su base en Phoenix, Arizona. El grupo llamó la atención al ganar el primer lugar en un concurso de talentos de la personalidad de la radio de la costa oeste Peter Potter. Eso fue suficiente para que Capitol Records firmara el grupo. Los miembros del grupo eran el cantante principal Lloyd Ellis, Benny Wilson, Glenn Brewton y Travis Anderson. La canción que obtuvo el contrato se llamó "It's Too Late Now" (escrita por Lloyd Ellis) que es una parte de su lanzamiento en Capitol (No. 1313). El otro lado es "There Ain't No Bears In The Forest".

En 1960, grabó el álbum "So Tall, So Cool, So There" para el sello discográfico Trey (TLP 902).

En 1963, grabó con Bill Cyrils como parte de su cuarteto que hizo un álbum para un sello privado, Fairmont (LP 3830) llamado "Anytime..Anyplace" e incluyó una línea en la parte inferior, "Insuficiente para Lloyds of Ellis". Ese grupo incluía a Bill Cyrils en el vibráfono, Lloyd Ellis en la guitarra y los arreglos, Dan Shannon en el bajo y Jimmy Kaye en la batería. Todavía aparece en eBay.

Alrededor de 1974, fue miembro del Grupo de Jazz de Pete Fountain donde tocaron en el Hilton HOtel de Nueva Orleans. Durante los catorce años con el grupo de Pete, tocaron en lugares como el National Music Camp en Interlochen, Michigan; Heinz Hall en Pittsburgh, Pennsylvania; Chautaugua Institute en Chautagua, Nueva York; Saratoga, Nueva York y el Blossom Music Center en Cleveland, Ohio.

A mediados de la década de 1980, el grupo hizo una actuación de comando en la Casa Blanca para el Presidente Ronald Reagan cuando recibió al Presidente de Brasil. La banda también tocó para el Papa Juan Pablo II durante su visita a Nueva Orleans.

La revista Guitar Player publicó un artículo de Lloyd en su número de abril de 1989. Aunque no tenemos una copia de ese artículo, vale la pena señalar una cita de otro guitarrista estelar, B. B. King, sobre el arte de Lloyd. "Lloyd Ellis es algo más, hombre. Las cosas que hace son increíbles. Lloyd, Red Norvo y Monk Montgomery tenían un trío sin tambor, pero el ritmo de Lloyd era tan lleno que jurarías que también escuchaste un baterista allí."

El sello discográfico Mercury pensó que el público de música country podría estar interesado en su música en 1965. Lanzaron un álbum (Mercury Wing MGW 12298) titulado, "Tommy Jackson y Lloyd Ellis: Guitarra y Violín, Estilo Country". Sin embargo, lamentablemente, el álbum no los presenta tocando juntos, sino que dedica un lado a cada uno de los dos artistas.

Cuando Lloyd finalmente se 'retiró' del grupo de Pete Fountain y se mudó a Pensacola, señaló, "No me retiré, sólo me retiré de Pete Fountain".

Lloyd hizo un par de shows para la PBS con el Cuarteto de Lloyd Ellis. También hizo algunos trabajos locales en Pensacola para la Pensacola Jazz Society.

En Pensacola, el público podía escucharlo a menudo en lugares como Phineas Phogg's y Marty's y otros lugares en el barrio sevillano de Pensacola.

Alrededor de 1994, el cáncer había comenzado a afectar a Lloyd. Al mismo tiempo, Lloyd descubrió que tenía muchos amigos que se unieron para apoyarlo durante esos últimos meses de su vida. Un domingo de marzo de 1994, se celebró un acto benéfico en Phineas Phogg's para ayudar a sufragar algunos de los gastos médicos en los que Lloyd incurrió. El beneficio comenzó a las 2:30 pm y duró hasta una hora de la mañana. Amigos como los Dixieland Saints de Don Gumpert, Holly Foy, Crosscurrent, Dave Shelander, los Bourbon Street Six, Ray Parker, Joe Occhipinti y muchos otros músicos del sudeste iban a aparecer. La beneficencia pedía una donación mínima de 5 dólares, pero el autor del artículo, Bill Campbell, sugirió que la donación fuera de al menos 20 dólares. Señaló: "Lloyd nos ha dado tanto. Digamos "gracias".

Unas semanas más tarde, el Jelly Rolls Jazz Club en el centro de Fort Walton Beach, Florida, organizó una jam session para Lloyd también que comenzó a las 2:30 pm. Don Gumpert señaló en el artículo de abril de 1994 que el acto benéfico de marzo fue un "gran éxito" y esperaban que más de 25 músicos se presentaran en Fort Walton Beach.
Lloyd sucumbió al cáncer el 4 de mayo de 1994. Dejó atrás a su esposa, Frances Ellis, ocho hijas y cuatro hijos.


Thursday, September 3, 2026

Sandy Bull • Re-Inventions Best Of The Vanguard Years

  



Review
by Michael Gallucci
Sandy Bull's technical skills have always been correlated with his vision. As a guitarist, he could often slip into repetitive drags of both time and space, but as a musical theorist, those crawls into other dimensions were often fascinating excursions that were years ahead of their time. Re-Inventions: Best of the Vanguard Years gathers eight songs from three of the four albums Bull recorded for Vanguard for a decade beginning in 1963. It's Bull's most productive and exciting period, and this splendidly assembled compilation serves it well. His mastery of the acoustic and electric guitar, bass, banjo, and oud is prominently on display here. And on his most sublime track, the 21-minute "Blend," Bull constructs a psychedelic folk song that meanders through several glorious fields before slamming into an open crevice for a rejoicing journey home. It's a straight take, with no overdubs or edits, and it's Bull -- with drummer Billy Higgins -- at his most poetic and timeless.
https://www.allmusic.com/album/re-inventions-best-of-the-vanguard-years-mw0000048895

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Reseña
por Michael Gallucci
Las habilidades técnicas de Sandy Bull siempre han sido correlativas a su visión. Como guitarrista, a menudo podía caer en repetidos arrastres de tiempo y espacio, pero como teórico musical, esos arrastres a otras dimensiones eran a menudo excursiones fascinantes que se adelantaron a su tiempo. Re-Inventions: Best of the Vanguard Years reúne ocho canciones de tres de los cuatro álbumes que Bull grabó para Vanguard durante una década a partir de 1963. Es el periodo más productivo y excitante de Bull, y esta compilación espléndidamente ensamblada le sirve. Su dominio de la guitarra acústica y eléctrica, el bajo, el banjo y el oud es una muestra destacada. Y en su tema más sublime, "Blend", de 21 minutos de duración, Bull construye una canción folclórica psicodélica que serpentea a través de varios campos gloriosos antes de entrar de golpe en una grieta abierta para un regocijante viaje a casa. Es una toma directa, sin sobregrabaciones ni ediciones, y es Bull -con el baterista Billy Higgins- en su momento más poético y atemporal.
https://www.allmusic.com/album/re-inventions-best-of-the-vanguard-years-mw0000048895


Friday, August 28, 2026

Howard Roberts • Jaunty-Jolly ! - Guilty !!



Biography by Scott Yanow
Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.
https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

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Biografía de Scott Yanow
Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.
https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography


Wednesday, August 26, 2026

Billy Butler • This is Billy Butler


 
Biography by Ron Wynn
A tasty soul-jazz and blues guitarist, Billy Butler adroitly mixed a Charlie Christian approach with '50s R&B grooves and backbeats. He coaxed a warm, fat tone from his hollow-bodied electric guitar, and provided deceptively simple solos and fills that became staples of the R&B guitar vocabulary. Bill Doggett's "Honky Tonk," featuring Butler, is perhaps the prototype R&B guitar instrumental. "Ram-Bunk-Shush" and "Big Boy" are other highlights of his tenure with Doggett. He began playing with doo wop/R&B group the Harlemaires in the late '40s, then led combos until 1952, when he joined Doc Bagby's trio. Butler co-wrote "Honky Tonk" while playing with Doggett from 1954 to 1961. He also recorded with King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith, and David "Fathead" Newman in the '60s. Butler worked in Broadway pit bands beginning in the late '60s, but found time for recording sessions with Houston Person and Norris Turney in the late '60s and '70s. He led his own band and recorded for Prestige in the late '60s and early '70s. Butler also recorded with Al Casey and Jackie Williams. He toured Europe frequently in the '70s and '80s, doing sessions there and in America.
https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography

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Biografía de Ron Wynn
Un sabroso guitarrista de soul-jazz y blues, Billy Butler mezcló hábilmente un enfoque de Charlie Christian con ritmos de R&B de los años 50. Consiguió un tono cálido y gordo de su guitarra eléctrica de cuerpo hueco, y proporcionó solos y rellenos engañosamente simples que se convirtieron en elementos básicos del vocabulario de la guitarra R&B. "Honky Tonk" de Bill Doggett, con Butler, es quizás el prototipo de instrumento de guitarra R&B. "Ram-Bunk-Shush" y "Big Boy" son otros aspectos destacados de su trabajo con Doggett. Empezó a tocar con el grupo de doo wop/R&B los Harlemaires a finales de los 40, luego dirigió combos hasta 1952, cuando se unió al trío de Doc Bagby. Butler co-escribió "Honky Tonk" mientras tocaba con Doggett de 1954 a 1961. También grabó con King Curtis, Dinah Washington, Panama Francis, Johnny Hodges, Jimmy Smith y David "Fathead" Newman en los años 60. Butler trabajó en las bandas de Broadway a finales de los 60, pero encontró tiempo para grabar sesiones con Houston Person y Norris Turney a finales de los 60 y 70. Dirigió su propia banda y grabó para Prestige a finales de los 60 y principios de los 70. Butler también grabó con Al Casey y Jackie Williams. Hizo frecuentes giras por Europa en los 70 y 80, haciendo sesiones allí y en América.
https://www.allmusic.com/artist/billy-butler-mn0000070150/biography


Jack Wilkins • Bluesin



Review
Jack Wilkinsí new CD Bluesin' (String Jazz) marks the first time he has recorded as a leader in the always-popular "organ trio" format. After giving it a listen, my first question was, "What took him so long?!" This is a perfect fit.

Recorded in guitarist Andy MacKenzieís studio in Sale, England last year, Wilkins and producer Chris Burden enlisted Manchester based Hammond man Steve Wood and another local, drummer Tony Lawson for the session, Jack penned four of the albumís seven tunes, and it is partially his distinctive, somewhat quirky compositions which set this trio apart from the rest of the organ guitar pack.

"Vista" moves in and out of modal territory, finding contrast in both light and dark themes. Wood and Lawson establish and insistent, yet subtle symbiosis which gives Jack unfailing support for his extemporizations. "Awakened Sound" is a strong ballad statement which has Jack spacing its lyrical phrases with incredibly swift fills. Woodís organ solo is romantic and steamy.

They give the blues a twist with the recurrent dissonance of "No Smokin'," and Lawsonís "in the pocket" drumming belies the trackís emission-free title. "Mr. M.C.," another bluesy original, is also the discís no-holds-barred bebop flag waver, with Jack spitting out funky, horn-inspired phrases as only he can.

The non-Wilkinsí material includes a Latin-tinged "All or Nothing at All" and an inspired reading of that favored or organists and guitarists alike, "Old Folks."

For a change of pace, Jack picks up the electric nylon string for a run at Cole Porterís "I Concentrate on You." With Woodís organ purring faintly in the background, the tune is an unusual, but highly effective study in textures, allowing both players to advance and recede in the mix. The nylon stringed instrument inspires the guitarist to alter his approach, finding a voice somewhere between Django and Rio. Again, Lawsonís no-frills approach to the drum set fits the bill perfectly.

If you dig this disc (as I'm sure you will) there is some added good news. Enough material was recorded at this session for a second CD to be released within the next year!

- Jim Fisch, 20th Century Guitar Magazine

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 Revisión
El nuevo CD Bluesin' (String Jazz) de Jack Wilkinsí es la primera vez que graba como líder en el siempre popular formato de "trío de órgano". Después de escucharla, mi primera pregunta fue: "¿Por qué tardó tanto?" Esto encaja perfectamente.

Grabado en el estudio del guitarrista Andy MacKenzie en Sale, Inglaterra, el año pasado, Wilkins y el productor Chris Burden contrataron a Steve Wood, un hombre de Hammond basado en Manchester, y a otro baterista local, Tony Lawson, para la sesión, Jack escribió cuatro de los siete temas del álbum, y son en parte sus distintivas y un tanto extravagantes composiciones las que distinguen a este trío del resto del paquete de guitarra para órgano.

"Vista" se mueve dentro y fuera del territorio modal, encontrando contraste tanto en temas claros como oscuros. Wood y Lawson establecen una simbiosis insistente pero sutil que le da a Jack un apoyo infalible para sus improvisaciones. El "Sonido Despierto" es una fuerte balada que tiene a Jack espaciando sus frases líricas con rellenos increíblemente rápidos. El solo de órgano de Wood es romántico y lleno de vapor.

Le dan un giro al blues con la disonancia recurrente de "No Smokin'", y la batería de Lawson "en el bolsillo" desmiente el título de libre de emisiones del tema. "Mr. M.C.", otro bluesy original, es también el disco de la bandera del bebop sin límites, con Jack escupiendo frases funky, inspiradas en el cuerno como sólo él puede.

El material que no es de Wilkinsí incluye un "todo o nada" teñido de latín y una lectura inspirada de ese favorito o de los organistas y guitarristas por igual, "Old Folks".

Para un cambio de ritmo, Jack coge la cuerda eléctrica de nylon para una carrera en "I Concentrate on You" de Cole Porter. Con el órgano de Wood ronroneando débilmente en el fondo, la melodía es un estudio inusual, pero altamente efectivo en texturas, permitiendo que ambos músicos avancen y retrocedan en la mezcla. El instrumento de cuerdas de nylon inspira al guitarrista a alterar su enfoque, encontrando una voz en algún lugar entre Django y Rio. Una vez más, el enfoque sin adornos de Lawson sobre la batería se ajusta perfectamente al proyecto de ley.

Si te gusta este disco (como estoy seguro que harás) hay algunas buenas noticias añadidas. En esta sesión se grabó suficiente material para un segundo CD que se publicará el próximo año.

- Jim Fisch, 20th Century Guitar Magazine




Sunday, August 23, 2026

Boogaloo Joe Jones • Legends of Acid Jazz - Vol. 2



Review by Richie Unterberger
A CD reissue that combines Jones' fifth and sixth Prestige LPs, Noway! (1970) and What It Is (1971), onto one disc. Grover Washington, Jr. (tenor sax) and Bernard Purdie (drums) are the key accompanists on both sessions. Noway! is a set of pretty funky early-1970s soul-jazz, though the covers of fairly straight pop numbers ("Georgia on My Mind," the Jackson 5's "I'll Be There") are kind of undistinguished. Better are the originals "No Way" and "Holdin' Back" (by Jones) and "Sunshine Alley" (by organist Butch Cornell), which have a more convincing groove. "No Way" is the toughest, with funk guitar lines betraying some influence from James Brown; "Holdin' Back" sounds a bit like a jazzy instrumental treatment of the kind of songs Marvin Gaye used to record in his early Motown days. Using the same personnel, Jones offers more good-natured funk-soul-jazz on What It Is. After getting a couple of contemporary pop covers (of Bill Withers' "Ain't No Sunshine" and Carole King's "I Feel the Earth Move") out of the way, it's mostly Jones originals. On his slower moments, as in "Fadin'" and Sonny Thompson's "Let Them Talk," he shows the influence of straight jazz players such as Wes Montgomery; "What It Is" and "Inside Job" are more cut-to-the-chase funk riffs. Jones has his cult following, but as soul-jazz goes, this is kind of run-of-the-mill: good for background, but not captivating foreground listening.
 
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Reseña de Richie Unterberger
Una reedición en CD que combina el quinto y sexto LP de Jones, Noway! (1970) y What It Is (1971), en un solo disco. Grover Washington, Jr. (saxo tenor) y Bernard Purdie (batería) son los acompañantes clave en ambas sesiones. ¡De ninguna manera! es un conjunto de soul-jazz bastante funky de principios de la década de 1970, aunque las versiones de números pop bastante sencillos ("Georgia on My Mind", "I'll Be There" de los Jackson 5) son algo poco distinguidas. Mejores son los originales "No Way" y "Holdin 'Back" (de Jones) y "Sunshine Alley" (del organista Butch Cornell), que tienen un ritmo más convincente. "No Way" es el más duro, con líneas de guitarra funk que traicionan alguna influencia de James Brown; "Holdin 'Back" suena un poco como un tratamiento instrumental de jazz del tipo de canciones que Marvin Gaye solía grabar en sus primeros días en Motown. Utilizando el mismo personal, Jones ofrece más funk-soul-jazz afable en What It Is. Después de sacar un par de versiones de pop contemporáneo (de "Ain't No Sunshine" de Bill Withers y "I Feel the Earth Move" de Carole King), la mayoría son originales de Jones. En sus momentos más lentos, como en "Fadin '" y "Let Them Talk" de Sonny Thompson, muestra la influencia de músicos de jazz heterosexuales como Wes Montgomery; "What It Is" e "Inside Job" son riffs funk más sencillos. Jones tiene seguidores de culto, pero en lo que respecta al soul-jazz, esto es algo común y corriente: bueno para el fondo, pero no para cautivar la escucha en primer plano.


Friday, August 21, 2026

Paco De Lucia • La Búsqueda (Edición Deluxe)

 



44 canciones de la discografía de Paco de Lucía ordenadas cronológicamente para mostrar su evolución como guitarrista. Todos los audios han sido remasterizados desde las cintas originales. Incluye como bonus track una versión inédita de “Entre dos aguas” grabada en directo en el Casino de Montreux en 1978 e interpretada por Paco y Pepe De Lucía.
https://www.deflamenco.com/tienda/producto/dvds-de-flamenco/la-busqueda-paco-de-lucia-2cd-dvd.html

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44 songs from Paco de Lucía's discography arranged chronologically to show his evolution as a guitarist. All the audios have been remastered from the original tapes. It includes as a bonus track an unreleased version of "Entre dos aguas" recorded live at the Casino de Montreux in 1978 and performed by Paco and Pepe De Lucía.
https://www.deflamenco.com/tienda/producto/dvds-de-flamenco/la-busqueda-paco-de-lucia-2cd-dvd.html

 

pacodelucia.org ...


Sunday, August 2, 2026

Boogaloo Joe Jones • The Minbender & My Fire






Artist Biography by Richie Unterberger
Not to be confused with Philly Joe Jones, guitarist Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones recorded several albums in a soul-jazz vein for Prestige in the late '60s and early '70s. In addition to leading his own group for recording purposes, Jones also played with Wild Bill Davis, Houston Person, and Willis Jackson. His own dates are solid, if unexceptional groove jazz, leaving plenty of space for the saxes and organ, as well as his own bop/R&B hybrid style. Rusty Bryant, Charles Earland, and ace soul and jazz session drummer Bernard Purdie are among the sidemen also featured on Boogaloo's albums.
https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography
Artist Biography by   Douglas Payne
In the short decade (1966-78) he recorded and performed, guitarist Ivan "Boogaloo Joe" Jones was never really given his due as an exciting, rapid-fire R&B plecterist. His sound and style clearly derived from the blues. But it was a solid understanding of rock that Jones brought to his style of jazz. The result, outlined on a handful of albums for Prestige, was a healthy mix of finger-licking funk, sweet-natured soul and infectious blues.
Born Ivan Joseph Jones on November 1, 1940, Boogaloo Joe Jones learned the guitar himself on a three-string instrument that he received as a gift from his father in 1956. He was influenced most by Tal Farlow and Billy Butler, but gravitated toward the R&B juke-joint jazz Butler was popularizing with organist Bill Doggett's popular group. Jones has lived in South New Jersey most of his life and mostly worked in and around the Atlantic City area with chitlin-circuit heroes like Wild Bill Davis, Willis Jackson and Charlie Ventura.
"Right On Brother"He made his solo debut as "Joe Jones" on Prestige Records in 1967, but earned the name "Boogaloo Joe" following a 1969 record of that title. The demeaning name was meant to distinguish him from the other Jo(e) Jones in music: Papa Jo, Philly Joe, and the Joe of the Fluxus movement. But as much as the moniker suited his style it probably straightjacketed his jazz career too. Later, he'd turn to billing himself as Ivan "Boogaloo Joe" Jones.
While jazz went through some drastic changes during the dozen years of his recording career, Jones’ sound and style stayed remarkably consistent. His twangy tone coupled catchy chordal vamps with astonishing rapid-fire single-note playing. He could handle familiar pop covers ("Light My Fire," "Have You Never Been Mellow") and ballads. But he really excelled in the jazz-funk groove and proved himself a first-rate blues player.
"My Fire!"None of his albums are groundbreaking or marked by individual achievements. But every Joe Jones record contains reliably interesting covers (blues like "St. James Infirmary" and "Trouble In Mind" are the best) and percolating originals that aptly illustrate the guitarist's fretboard talents: "Right Now," "Ivan The Terrible," "Boogaloo Joe," "6:30 Blues," "Poppin," "Hoochie Coo Chickie," "Black Whip," "Confusion" and "Sweetback." These are the songs that today's club crowd discovered and celebrate as the cornerstone of "acid jazz."
Ivan Jones recorded with Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern and, most notably, Willis Jackson. Jones, who never won the notice of critics or great support from fans during his career, is finding new life on CD -- thanks to the apt and rapt attention of the acid-jazz crowd. Today, the retired guitarist is believed to reside in his hometown of Vineland, New Jersey.
http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm

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Biografía del artista por Richie Unterberger
No confundir con Philly Joe Jones, el guitarrista Ivan Joseph "Boogaloo Joe" Jones grabó varios álbumes en una vena de soul-jazz para Prestige a finales de los'60 y principios de los'70. Además de dirigir su propio grupo con fines de grabación, Jones también tocó con Wild Bill Davis, Houston Person y Willis Jackson. Sus propias fechas son sólidas, aunque no excepcionales, y dejan mucho espacio para los saxos y el órgano, así como su propio estilo híbrido de bop/R&B. Rusty Bryant, Charles Earland, y el baterista de soul y jazz Bernard Purdie son algunos de los sidemen que también aparecen en los álbumes de Boogaloo.
https://www.allmusic.com/artist/boogaloo-joe-jones-mn0000113250/biography
Biografía del artista por Douglas Payne
En la corta década (1966-78) grabó y tocó, el guitarrista Ivan "Boogaloo Joe" Jones nunca fue realmente reconocido como un apasionante y rápido plecterista de R&B. Su sonido y estilo derivan claramente del blues. Pero fue una sólida comprensión del rock lo que Jones aportó a su estilo de jazz. El resultado, esbozado en un puñado de álbumes para Prestige, fue una saludable mezcla de funk para chuparse los dedos, soul dulce y blues contagioso.
Nacido Ivan Joseph Jones el 1 de noviembre de 1940, Boogaloo Joe Jones aprendió la guitarra él mismo en un instrumento de tres cuerdas que recibió como regalo de su padre en 1956. Fue influenciado por Tal Farlow y Billy Butler, pero se inclinó por el jazz R&B juke-joint Butler se estaba popularizando con el grupo popular del organista Bill Doggett. Jones ha vivido en el sur de Nueva Jersey la mayor parte de su vida y ha trabajado principalmente en el área de Atlantic City y sus alrededores con héroes del circuito de chitlin como Wild Bill Davis, Willis Jackson y Charlie Ventura.
"Right On Brother" debutó en solitario como "Joe Jones" en Prestige Records en 1967, pero se ganó el nombre de "Boogaloo Joe" tras un disco de 1969 con ese título. El nombre degradante tenía la intención de distinguirlo del otro Jo(e) Jones en la música: Papa Jo, Philly Joe, y el Joe del movimiento Fluxus. Pero por mucho que el apodo se adaptara a su estilo, probablemente también enderezó su carrera de jazz. Más tarde, se convertiría en Ivan "Boogaloo Joe" Jones.
Mientras que el jazz pasó por algunos cambios drásticos durante los doce años de su carrera discográfica, el sonido y el estilo de Jones se mantuvieron notablemente consistentes. Su tono twangy unía a pegadizos vampiros cordales con una asombrosa y rápida interpretación de una sola nota. Podía manejar las conocidas portadas pop ("Light My Fire", "Have You Never Been Mellow") y baladas. Pero realmente sobresalió en el groove del jazz-funk y demostró ser un bluesista de primera clase.
"¡Mi fuego!" Ninguno de sus álbumes es innovador o está marcado por logros individuales. Pero todos los discos de Joe Jones contienen portadas fiables e interesantes (blues como "St. James Infirmary" y "Trouble In Mind" son los mejores) y originales percolantes que ilustran a la perfección los talentos del guitarrista en el diapasón: "Ahora mismo", "Ivan el Terrible", "Boogaloo Joe", "6:30 Blues", "Poppin", "Hoochie Coo Chickie", "Black Whip", "Confusión" y "Sweetback". Estas son las canciones que la gente del club de hoy descubrió y celebra como la piedra angular del "acid jazz".
Ivan Jones grabó con Groove Holmes, Houston Person, Rusty Bryant, Harold Mabern y, sobre todo, Willis Jackson. Jones, que nunca se ganó la atención de los críticos o el gran apoyo de los fans durante su carrera, está encontrando una nueva vida en el CD - gracias a la atención apta y cautivada de la multitud del acid jazz. Hoy en día, se cree que el guitarrista jubilado reside en su ciudad natal de Vineland, Nueva Jersey.
http://www.dougpayne.com/bjj_bio.htm
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


 

Monday, July 27, 2026

Howard Roberts • Mr. Roberts Plays Guitar



Biography by Scott Yanow
Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.

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Biografía de Scott Yanow
Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.
https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography
 
 

Thursday, July 23, 2026

Emily Remler • Fall, Dakota Bar & Grill, St.Paul, Minnesota

 






 

www.emilyremler.nl ...

 

Thursday, July 16, 2026

René Thomas • Remembering René Thomas