Idrees Sulieman • Now Is the Time

 

 

Freddie Hubbard • The Body & The Soul

 

 

Review by Michael G. Nastos
At age 25, Freddie Hubbard made inroads into modern jazz most trumpeters could not imagine, much less come through with. As a soloist, one of Hubbard's crowning achievements in his early period was this recording on which he teamed with Wayne Shorter, marginally as a performer but prominent in the role of arranger/conductor for his first time ever. Utilizing a septet, 16-piece big band, and orchestra plus stings to play concise, tight tunes, Shorter provides the backdrop to employ Hubbard's bold toned trumpet and all of its devices in a full display of his powerful melodic talents. Yeoman Reggie Workman plays bass on all selections, with drummer Louis Hayes in the seven-piece combo, and great work from Philly Joe Jones in the larger bands. Interestingly enough, the three tracks with the smaller ensemble are the most interesting, due to the presence of Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton, and Shorter on the front line. "Clarence's Place" is a post-bop jewel with spiky brass accents and Dolphy's ribald and outre alto sax solo contrasting Shorter's relatively reserved tenor, "Dedicated to You" is a wisp of a tune, while "Body & Soul," an atypical choice for the opening selection, is a straight read of the classic ballad with a chart that sounds larger than the small horn section, and a wavering flute via Dolphy. The big band does an unusual soul-jazz treatment of the Brazilian number "Manha de Carnaval" flavored by Robert Northern's French horn, while "Aries" is a hard bop show stopper with two-note accents buoying Hubbard's great lyrical lines, and goes further into hard bop with "Thermo" as the horns demand attention with the trumpeter as an afterthought. The string section, ten pieces strong, joins the big band on the film noir type Duke Ellington piece "Chocolate Shake," the stock "I Got It Bad," and "Skylark," with its soft clarion intro bubbling underneath with the violins, violas, and cellos. The manner in which this recording is programmed is thoughtful in that it lends to the diversity of the project, but is seamless from track to track. Dan Morgenstern's hefty liner notes also explain the concept behind this ambitious project, one which did not compare to any of Hubbard's other recordings in his career. Therefore it stands alone as one of the most unique productions in his substantive discography, and a quite credible initial go-round for Shorter as an orchestrator.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

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Reseña de Michael G. Nastos
A la edad de 25 años, Freddie Hubbard hizo incursiones en el jazz moderno que la mayoría de los trompetistas no podían imaginar, y mucho menos llegar. Como solista, uno de los logros más importantes de Hubbard en su primera etapa fue esta grabación en la que se asoció con Wayne Shorter, marginalmente como intérprete pero prominente en el papel de arreglista/director de orquesta por primera vez. Utilizando un septeto, una big band de 16 piezas y una orquesta más stings para tocar melodías concisas y ajustadas, Shorter proporciona el telón de fondo para emplear la audaz trompeta de Hubbard y todos sus dispositivos en un despliegue completo de sus poderosos talentos melódicos. El músico Reggie Workman toca el bajo en todas las selecciones, con el baterista Louis Hayes en el combo de siete piezas, y un gran trabajo de Philly Joe Jones en las bandas más grandes. Curiosamente, los tres temas con el conjunto más pequeño son los más interesantes, debido a la presencia de Eric Dolphy, Curtis Fuller, Cedar Walton y Shorter en primera línea. "Clarence's Place" es una joya post-bop con acentos de metal puntiagudos y el solo de saxo alto de Dolphy, mordaz y extravagante, que contrasta con el tenor relativamente reservado de Shorter, "Dedicated to You" es una melodía muy ligera, mientras que "Body & Soul", una elección atípica para la selección de apertura, es una lectura directa de la balada clásica con un gráfico que suena más grande que la pequeña sección de vientos, y una flauta vacilante a través de Dolphy. La big band hace un tratamiento inusual de soul-jazz del número brasileño "Manha de Carnaval" con el sabor de la trompa de Robert Northern, mientras que "Aries" es un espectáculo de hard bop con acentos de dos notas que animan las grandes líneas líricas de Hubbard, y va más allá en el hard bop con "Thermo", ya que las trompas exigen atención con el trompetista como una idea de último momento. La sección de cuerdas, compuesta por diez piezas, se une a la big band en la pieza de Duke Ellington de tipo cine negro "Chocolate Shake", en la clásica "I Got It Bad" y en "Skylark", con su suave introducción de clarín burbujeando por debajo con los violines, las violas y los chelos. La forma en que se ha programado esta grabación está bien pensada, ya que contribuye a la diversidad del proyecto, pero es perfecta de una pista a otra. Las abundantes notas de Dan Morgenstern también explican el concepto que hay detrás de este ambicioso proyecto, que no se compara con ninguna de las otras grabaciones de Hubbard en su carrera. Por lo tanto, se trata de una de las producciones más singulares de su extensa discografía, y de una primera vuelta de tuerca bastante creíble para Shorter como orquestador.
https://www.allmusic.com/album/the-body-the-soul-mw0000612194

Philly Joe Jones • Drum Songs

 

Review
by Scott Yanow
Hard bop is spoken here on this straight ahead set. Drummer Philly Joe Jones is the leader but the main emphasis is on such soloists as trumpeter Blue Mitchell (heard in one of his last recordings), the tenors of Harold Land and Charles Bowen, pianist Cedar Walton and trombonist Slide Hampton who arranged the four full-band numbers. Hampton (who also contributed two originals) gets "I Wait for You" as his feature while Bowen is showcased on "High Fly." In addition, these versions of "Our Delight" and "Two Bass Hit" have their heated moments.
https://www.allmusic.com/album/drum-songs-mw0000659115

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Revisión
por Scott Yanow
Hard bop se habla aquí en este set directo. El baterista Philly Joe Jones es el líder, pero el énfasis principal está en solistas como el trompetista Blue Mitchell (escuchado en una de sus últimas grabaciones), los tenores de Harold Land y Charles Bowen, el pianista Cedar Walton y el trombonista Slide Hampton que arreglaron los cuatro números de banda completa. Hampton (quien también contribuyó con dos originales) obtiene "I Wait for You" como su característica, mientras que Bowen se muestra en " High Fly. Además, estas versiones de "Our Delight "y" Two Bass Hit " tienen sus momentos calientes.
https://www.allmusic.com/album/drum-songs-mw0000659115

Freddie Hubbard • Here To Stay

 

Album Review
This album has certainly had a sad history. It was left in the Blue note vaults for fourteen years. Then it was reissued in a double-vinyl set with Hub Cap, a coupling that doesn't reveal either session in the best light.Then a decade later, it finally was released as a single album. And that brings us to the present version, on which occasion the devout Bob Blumenthal seems to say in his liner notes (well, he hedges around the fact) that this is just fine, but he'd might rather listen to other Hubbard Blue Notes. That leaves the impression that perhaps Blue Note was right for keeping this in the vaults for so long.

Here's an attempt to redeem "Here to Stay," perhaps one of Hubbard's finest ever, and surely misunderstood as well as undervalued. The case for this album's value can be built simply. Forget the original track sequence. Begin with Hubbard's cover of "Body and Soul," a completely remarkable ballad performance marked for the maturity of the individual interpretation the young trumpeter (who was 24 years old in 1962) brings. Hubbard is thinking hard—harder than most trumpeters double his age have thought—about the lyrics, holding a lot of passion in reserve while maintaining a determined, probing tone. I think only the classic Coleman Hawkins' original recording outclasses Hubbard's reading.

While Hubbard recorded with drummer Philly Joe Jones on a number of sessions, I think their chemistry was never as intensely pitched as on this session, particularly on the opening "Philly Mignon," written by Hubbard for the fiery drummer. This is one of Philly Joe Jones' supreme moments in the studio, and this CD deserves top-drawer billing for that alone. If you listened to "Body and Soul" first, then skip to "Philly Mignon," where you'll drop the cliche of the young Hubbard as all brassy confidence with brio to the brim, and instead hear a mature musical intelligence at work that is as questioning and questing, as conflicted as Lee Morgan's.

Another indication of Hubbard's well-seasoned taste on this session is revealed in using two of Cal Massey's most memorable compositions, "Father and Son" and "Assunta." Listen to the solos by Hubbard and Shorter on "Assunta" and ask yourself if they haven't slipped to a new phase of their growth, apart from Blakey's band at this juncture, that's more darkly introspective.

I hope the album title is true of the recording's fate.
By Norman Weinstein
September 20, 2006
https://www.allaboutjazz.com/here-to-stay-freddie-hubbard-blue-note-records-review-by-norman-weinstein

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Reseña del álbum
Este álbum ha tenido ciertamente una triste historia. Estuvo en las bóvedas de Blue Note durante catorce años. Luego se reeditó en un doble vinilo con Hub Cap, un acoplamiento que no revela ninguna de las dos sesiones de la mejor manera.Luego, una década más tarde, finalmente fue lanzado como un solo álbum. Y eso nos lleva a la presente versión, en la que el devoto Bob Blumenthal parece decir en sus notas de presentación (bueno, lo evita) que está bien, pero que preferiría escuchar otras Blue Notes de Hubbard. Esto deja la impresión de que tal vez Blue Note hizo bien en mantener esto en las bóvedas durante tanto tiempo.

Aquí hay un intento de redimir "Here to Stay", tal vez uno de los mejores discos de Hubbard de todos los tiempos, y seguramente incomprendido además de infravalorado. El caso del valor de este álbum se puede construir de forma sencilla. Olvídese de la secuencia de pistas original. Comienza con la versión de Hubbard de "Body and Soul", una interpretación de balada completamente notable marcada por la madurez de la interpretación individual que aporta el joven trompetista (que tenía 24 años en 1962). Hubbard piensa mucho -más de lo que la mayoría de los trompetistas del doble de su edad han pensado- en la letra, reservando mucha pasión mientras mantiene un tono resuelto y probador. Creo que sólo la clásica grabación original de Coleman Hawkins supera la lectura de Hubbard.

Aunque Hubbard grabó con el baterista Philly Joe Jones en varias sesiones, creo que su química nunca fue tan intensa como en esta sesión, particularmente en la apertura "Philly Mignon", escrita por Hubbard para el fogoso baterista. Este es uno de los momentos supremos de Philly Joe Jones en el estudio, y este CD merece ser considerado de primera categoría sólo por eso. Si escuchas primero "Body and Soul", salta a "Philly Mignon", donde dejarás de lado el cliché del joven Hubbard como todo confianza descarada con brío hasta el borde, y en su lugar escucharás una inteligencia musical madura en el trabajo que es tan cuestionadora y buscadora, tan conflictiva como la de Lee Morgan.

Otro indicio del buen gusto de Hubbard en esta sesión se revela al utilizar dos de las composiciones más memorables de Cal Massey, "Father and Son" y "Assunta". Escuche los solos de Hubbard y Shorter en "Assunta" y pregúntese si no se han deslizado a una nueva fase de su crecimiento, aparte de la banda de Blakey en esta coyuntura, que es más oscuramente introspectiva.

Espero que el título del álbum sea fiel al destino de la grabación.
Por Norman Weinstein
20 de septiembre de 2006
https://www.allaboutjazz.com/here-to-stay-freddie-hubbard-blue-note-records-review-by-norman-weinstein

Clifford Jordan • Bearcat

 

 

Review by Scott Yanow
This CD is a straight reissue of the original Jazzland LP. Tenor saxophonist Clifford Jordan, who is joined by pianist Cedar Walton, bassist Teddy Smith and drummer J.C. Moses, is heard in his early prime and displays an original tone while playing in the hard bop style. He stretches out on five of his swinging and fairly advanced originals, "How Deep Is the Ocean," and Tom McIntosh's "Malice Towards None." It would be 1973 before Jordan had another opportunity to be showcased in a quartet format, making this formerly rare set one of his best all-around recordings.
https://www.allmusic.com/album/bearcat-mw0000312071

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Reseña de Scott Yanow
Este CD es una reedición directa del LP original de Jazzland. El saxofonista tenor Clifford Jordan, al que acompañan el pianista Cedar Walton, el bajista Teddy Smith y el baterista J.C. Moses, se escucha en su primera época y muestra un tono original mientras toca en el estilo hard bop. Se extiende en cinco de sus originales con swing y bastante avanzados, "How Deep Is the Ocean" y "Malice Towards None" de Tom McIntosh. Pasaría el año 1973 antes de que Jordan tuviera otra oportunidad de mostrarse en formato de cuarteto, lo que hace que este conjunto, antes raro, sea una de sus mejores grabaciones en general.
https://www.allmusic.com/album/bearcat-mw0000312071

Clifford Jordan • Glass Bead Games

 

Review by Ken Dryden
Clifford Jordan's two volumes of sessions under the title Glass Bead Games have long been heralded as some of the most important work of his career. These once rare recordings, previously issued as individual albums and as a two-LP set by Strata East, feature the late tenor saxophonist leading two separate quartets. The first, with pianist Stanley Cowell, bassist Bill Lee and drummer Billy Higgins, consists of seven powerful originals by the band. The portraits include Jordan's well-named "Powerful Paul Robeson" and Cowell's driving post-bop tribute "Cal Massey." But it is Lee's moving "John Coltrane" which opens with a solo chorus by its composer and includes a vocal chant by Jordan, Higgins and Lee, that leaves the most lasting impression, with influences from throughout several of Coltrane's landmark recordings made during the '60s. Lee's "Biskit," which follows his piece "Eddie Harris," sounds as if Harris himself could have written it. The second quartet has Cedar Walton taking over on piano and Sam Jones on bass. This session is not quite as adventurous but is every bit as enjoyable, with stimulating compositions by Walton, Cowell, Higgins and Jones. Jordan devours his drummer's "Alias Buster Henry" whole with his far-reaching solo. Jones' blues "One for Amos" was the only established piece recorded for the album, having received wide exposure during the previous decade; this updated arrangement ranks among its finest interpretations. Long out of print and fetching high prices at auctions, this Harvest Song reissue, which combines all issued tracks on one disc, returns a legendary release to print at a much more affordable price. Highly recommended!
https://www.allmusic.com/album/glass-bead-games-mw0001160179

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Reseña de Ken Dryden
Los dos volúmenes de sesiones de Clifford Jordan bajo el título Glass Bead Games han sido anunciados durante mucho tiempo como algunos de los trabajos más importantes de su carrera. Estas grabaciones, una vez raras, publicadas anteriormente como álbumes individuales y como un conjunto de dos LP por Strata East, presentan al saxofonista tenor tardío liderando dos cuartetos separados. El primero, con el pianista Stanley Cowell, el bajista Bill Lee y el baterista Billy Higgins, consta de siete poderosos originales de la banda. Los retratos incluyen al bien llamado "Poderoso Paul Robeson" de Jordan y el tributo post-bop de Cowell "Cal Massey."Pero es la conmovedora" John Coltrane " de Lee, que comienza con un coro solista de su compositor e incluye un canto vocal de Jordan, Higgins y Lee, lo que deja la impresión más duradera, con influencias de varias de las grabaciones históricas de Coltrane realizadas durante los años 60. "Biskit" de Lee, que sigue a su pieza "Eddie Harris", suena como si el propio Harris pudiera haberlo escrito. El segundo cuarteto cuenta con Cedar Walton al piano y Sam Jones al bajo. Esta sesión no es tan aventurera, pero es igual de agradable, con composiciones estimulantes de Walton, Cowell, Higgins y Jones. Jordan devora el" Alias Buster Henry " de su baterista con su solo de gran alcance. El blues de Jones "One for Amos" fue la única pieza establecida grabada para el álbum, habiendo recibido una amplia exposición durante la década anterior; este arreglo actualizado se encuentra entre sus mejores interpretaciones. Agotada durante mucho tiempo y con altos precios en las subastas, esta reedición de Harvest Song, que combina todas las pistas emitidas en un solo disco, devuelve un lanzamiento legendario para imprimir a un precio mucho más asequible. Muy recomendable!
https://www.allmusic.com/album/glass-bead-games-mw0001160179

Pat Martino • Strings!

 

http://www.patmartino.com/

 
Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Teddy Edwards • It's All Right!

 

Ray Brown • Something For Lester

 

Review by Scott Yanow (AllMusic):
This excellent trio session forms a sort of transition between bassist Ray Brown's work with the Oscar Peterson Trio and his own small-group sessions of the '80s and '90s. With pianist Cedar Walton and drummer Elvin Jones, Brown explores seven strong melodies (four standards, two by Walton, and the bassist's "Slippery") in typically swinging and bluish fashion.
https://www.allmusic.com/album/something-for-lester-mw0000206821

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Reseña de Scott Yanow (AllMusic) - Traducción:
Esta excelente sesión de trío forma una especie de transición entre el trabajo del bajista Ray Brown con el Oscar Peterson Trio y sus propias sesiones de grupos pequeños de los años 80 y 90. Con el pianista Cedar Walton y el baterista Elvin Jones, Brown explora siete melodías fuertes (cuatro estándares, dos de Walton, y "Slippery" del bajista) de manera típicamente swinging y con toques bluesy.
https://www.allmusic.com/album/something-for-lester-mw0000206821

Hank Mobley • Thinking Of Home [Limited Edition]

 

The great jazz critic Leonard Feather once described Hank Mobley as the middleweight champion of the tenor saxophone. Not a name that the novice jazz fan may recognize, Hank Mobley recorded over twenty LPs for Blue Note. Thinking of Home is his last title for Blue Note; released in 1970, this is a fitting farewell session. It features the powerful trumpet playing of Woody Shaw and the exciting pianist Cedar Walton. Hank Mobley's playing has a fire that ought to remind you of the Jazz Messengers, as it should since he was one of the original members of the group.

The opening number is a three part suite; this is significant because it is the only such piece Mobley ever recorded. "Justine," the second tune on the CD, starts off strong but loses some of its stream over the thirteen minute duration. The third number is "You Gotta Hit It," a hard bop cooker highlighting Mobley's playing and writing skills.

Thinking of Home should remind diehard jazz fans (and enlighten those newer to the genre) that Mobley was an innovative and stimulating tenor saxophonist who consistently swung. 
By Richton Guy Thomas
January 22, 2003 
https://www.allaboutjazz.com/thinking-of-home-hank-mobley-blue-note-records-review-by-richton-guy-thomas

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El gran crítico de jazz Leonard Feather describió una vez a Hank Mobley como el campeón de peso medio del saxofón tenor. Aunque puede que no sea un nombre reconocible para los aficionados novatos al jazz, Hank Mobley grabó más de veinte LP para Blue Note. Thinking of Home es su último título para Blue Note; publicado en 1970, es una sesión de despedida muy apropiada. Cuenta con la potente trompeta de Woody Shaw y el emocionante pianista Cedar Walton. La interpretación de Hank Mobley tiene un fuego que debería recordar a los Jazz Messengers, como es lógico, ya que fue uno de los miembros originales del grupo.

El tema inicial es una suite en tres partes, lo cual es significativo, ya que es la única pieza de este tipo que Mobley grabó jamás. «Justine», la segunda canción del CD, comienza con fuerza, pero pierde algo de impulso a lo largo de sus trece minutos de duración. El tercer tema es «You Gotta Hit It», un tema hard bop que destaca la habilidad interpretativa y compositiva de Mobley.

Thinking of Home debería recordar a los aficionados incondicionales al jazz (y dar a conocer a los más noveles en el género) que Mobley fue un saxofonista tenor innovador y estimulante que siempre swingueaba. 
Por Richton Guy Thomas.
22 de enero de 2003. 
https://www.allaboutjazz.com/thinking-of-home-hank-mobley-blue-note-records-review-by-richton-guy-thomas

Eddie Harris • The In Sound

 

Review by Scott Yanow
This is one of Eddie Harris' great records. The underrated but popular tenor saxophonist introduces his standard "Freedom Jazz Dance," plays one of the earlier versions of "The Shadow of Your Smile," romps on "Love for Sale" and "'S Wonderful," and also performs "Born to Be Blue" and his own "Cryin' Blues." Harris is heard in prime form in a quartet/quintet with pianist Cedar Walton, bassist Ron Carter, drummer Billy Higgins, and part-time trumpeter Ray Codrington. A gem. 
https://www.allmusic.com/album/the-in-sound-mw0000228182

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Reseña de Scott Yanow
Este es uno de los grandes discos de Eddie Harris. El infravalorado pero popular saxofonista tenor presenta su estándar «Freedom Jazz Dance», toca una de las primeras versiones de «The Shadow of Your Smile», se luce en «Love for Sale» y «“S Wonderful», y también interpreta «Born to Be Blue» y su propio «Cryin” Blues». Harris se encuentra en plena forma en un cuarteto/quinteto con el pianista Cedar Walton, el bajista Ron Carter, el baterista Billy Higgins y el trompetista a tiempo parcial Ray Codrington. Una joya. 
https://www.allmusic.com/album/the-in-sound-mw0000228182

    
 

Curtis Fuller • Soul Trombone

 

 

Jimmy Heath • The Quota

 

Review by Stephen Cook
Jimmy Heath's considerable talents are very evident on this fine hard bop title. His supple, Dexter Gordon-inspired tenor work shines throughout the album's seven tracks, which range from the challenging yet fleet originals "Funny Time" and "The Quota" to attractive covers like "When Sunny Gets Blue" and Milt Jackson's "Bells and Horns." Heath also mixes it up stylistically with elements of both East Coast jazz (Philly native, vigorous ensemble work) and West Coast jazz (spry, vaporous arrangements), showing his flexibility amidst the music's healthy, bi-coastal rivalry of the late-'50s and early-'60s California stars Art Pepper and Chet Baker would cover several Heath numbers on their excellent 1956 collaboration Playboys. The Quota also benefits from stellar solo contributions by trumpeter Freddie Hubbard, French horn player Julius Watkins, and pianist Cedar Walton; brothers Percy and Albert Heath handle the bass and drums chores admirably, and they make a family reunion of it. The Quota's strong material, tight arrangements, and thoughtful solos help make this Heath title one of the better hard bop releases available and a must for any jazz collection. https://www.allmusic.com/album/the-quota-mw0000177220

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Reseña de Stephen Cook
El considerable talento de Jimmy Heath queda patente en este excelente álbum de hard bop. Su flexible trabajo al saxo tenor, inspirado en Dexter Gordon, brilla a lo largo de las siete pistas del álbum, que van desde los desafiantes pero ágiles temas originales «Funny Time» y «The Quota» hasta atractivas versiones como «When Sunny Gets Blue» y «Bells and Horns» de Milt Jackson. Heath también mezcla estilos con elementos tanto del jazz de la costa este (vigoroso trabajo en conjunto, típico de Filadelfia) como del jazz de la costa oeste (arreglos ágiles y vaporosos), mostrando su flexibilidad en medio de la sana rivalidad entre ambas costas a finales de los años 50 y principios de los 60. Las estrellas californianas Art Pepper y Chet Baker versionarían varios temas de Heath en su excelente colaboración de 1956, Playboys. The Quota también se beneficia de las estelares contribuciones en solitario del trompetista Freddie Hubbard, el trompista Julius Watkins y el pianista Cedar Walton; los hermanos Percy y Albert Heath se encargan admirablemente del bajo y la batería, y lo convierten en una reunión familiar. El sólido material, los arreglos precisos y los solos meditados de The Quota contribuyen a que este título de Heath sea uno de los mejores lanzamientos de hard bop disponibles y una pieza imprescindible en cualquier colección de jazz. https://www.allmusic.com/album/the-quota-mw0000177220

Milt Jackson • Bags' Bag

 

Review by Scott Yanow
Vibraphonist Milt Jackson teams up with pianist Cedar Walton, bassist Ray Brown and (on six of the eight songs) either Billy Higgins or Frank Severino on drums. Together they play group originals and (on the two drumless pieces) a pair of standards. Although the material was largely new, the swinging style is timeless and Milt Jackson typically sounds in top form; has he ever made an indifferent recording? 
https://www.allmusic.com/album/bags-bag-mw0000196871

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Reseña de Scott Yanow
El vibrafonista Milt Jackson se une al pianista Cedar Walton, al bajista Ray Brown y (en seis de las ocho canciones) a Billy Higgins o Frank Severino a la batería. Juntos tocan temas originales del grupo y (en las dos piezas sin batería) un par de estándares. Aunque el material era en gran parte nuevo, el estilo swing es atemporal y Milt Jackson suena, como es habitual, en plena forma; ¿ha grabado alguna vez un disco mediocre? 
https://www.allmusic.com/album/bags-bag-mw0000196871

Billy Higgins • The Soldier

 

American jazz drummer Billy Higgins recorded his second album The Soldier in 1979. Featured on this album are Monty Waters on alto saxophone, Cedar Walton on the piano, Walter Brooker on bass and vocalist Roberta Davis. The track 'Peace' features guest performer Horace Silver and on 'Sonny Moon For Two', Higgins is accompanied by Sonny Rollins. Higgins mainly played free jazz and hard bop. He was one of the house drummers for Blue Note Records and played dozens of Blue Note albums of the 1960s. His drums were an important addition to many recordings such as Dexter Gordon's Go! and Herbie Hancock's Takin' Off. 

James Moody • 80 Years Young; Live At The Blue Note, March 26, 2005

 

It was an unforgettable week of music at the Blue Note in New York City, March 2005, celebrating the legendary saxophonist & flutist James Moody's 80th birthday. 80 Years Young documents the grand finale of that week, now released for the first time and in celebration of the 100th anniversary of his birth. The club was buzzing that night with jazz legends, sports figures, TV personalities, and alive with love, joy, and the heartbeat of a community united in reverence for a great American cultural icon. Supporting Moody were Jon Faddis, Randy Brecker, Paquito D'Rivera, and Slide Hampton, with David Hazeltine and Cedar Walton on piano, bassist Todd Coolman, and drummer Adam Nussbaum, with a brief introduction by jazz impresario George Wein. Featured in the set was "Moody's Mood for Love," over a half-century since it was a major hit for King Pleasure and Moody's signature tune over the decades. 80 Years Young is a powerful reminder of the lasting impact of his music and exudes the deep joyful connection he created with colleagues and audiences throughout his six-decade career.
https://originarts.com/recordings/recording.php?TitleID=82920

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Fue una semana inolvidable de música en el Blue Note de Nueva York, en marzo de 2005, para celebrar el 80.º cumpleaños del legendario saxofonista y flautista James Moody. 80 Years Young documenta la gran final de esa semana, ahora publicada por primera vez y en conmemoración del centenario de su nacimiento. Esa noche, el club estaba repleto de leyendas del jazz, figuras del deporte, personalidades de la televisión y rebosante de amor, alegría y el latido de una comunidad unida en reverencia por un gran icono cultural estadounidense. Acompañando a Moody estaban Jon Faddis, Randy Brecker, Paquito D'Rivera y Slide Hampton, con David Hazeltine y Cedar Walton al piano, el bajista Todd Coolman y el baterista Adam Nussbaum, con una breve introducción del empresario de jazz George Wein. En el repertorio destacó «Moody's Mood for Love», más de medio siglo después de que fuera un gran éxito para King Pleasure y la canción insignia de Moody durante décadas. 80 Years Young es un poderoso recordatorio del impacto duradero de su música y transmite la profunda y alegre conexión que creó con sus colegas y el público a lo largo de sus seis décadas de carrera.
https://originarts.com/recordings/recording.php?TitleID=82920

Ron Carter & Cedar Walton Duo • Heart & Soul

 

Review by Lee Bloom
Bassist Ron Carter and pianist Cedar Walton both became active on the New York jazz scene around 1960. Walton was soon to gain popularity working with Art Blakey's Jazz Messengers; meanwhile, Carter would become an important anchor in what is arguably Miles Davis' most influential ensemble. In 1981, Timeless Records documented the great rapport between these two giants of post-bop jazz. Heart & Soul is certainly not a loose "blowing session"; it's clear that the duo's repertoire had carefully developed during a year of gigging together in Manhattan. At the same time, the music never feels overarranged and stiff; there is always room for spontaneity. The piano and bass duo is a challenging setting, and there are relatively few successful recordings in the jazz literature. (Duke Ellington and Jimmy Blanton's historic 1940 session set the tone for years to come.) In the more common trio format, the drummer serves to reinforce the time feel and dynamic variation; Carter and Walton have eliminated the need for a third member by generating enough momentum and contrast through their almost telepathic interaction. It is this interplay which is the key to the recording's success, as Heart & Soul always feels like a true collaboration. Both players are quite capable of either carrying the lead or providing supportive accompaniment and they strike a real balance in their interpretations of four standards and four original tunes including John Lewis' "Django" and the1937 Rodgers & Hart classic, "My Funny Valentine." There's no need for Carter to solo over his minor key "Little Waltz" since his accompaniment is so varied. Walton's bluesy "Back to Bologna" is a medium-tempo swinger with unexpected rhythmic breaks. Recommended listening. 
https://www.allmusic.com/album/heart-soul-mw0000707499

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Reseña de Lee Bloom
El bajista Ron Carter y el pianista Cedar Walton comenzaron a destacar en la escena jazzística neoyorquina alrededor de 1960. Walton pronto ganó popularidad trabajando con Art Blakey's Jazz Messengers, mientras que Carter se convertiría en un pilar fundamental de lo que posiblemente sea el conjunto más influyente de Miles Davis. En 1981, Timeless Records documentó la gran compenetración entre estos dos gigantes del jazz post-bop. Heart & Soul no es en absoluto una «sesión improvisada» sin sentido; está claro que el repertorio del dúo se había desarrollado cuidadosamente durante un año de actuaciones conjuntas en Manhattan. Al mismo tiempo, la música nunca parece demasiado arreglada ni rígida; siempre hay espacio para la espontaneidad. El dúo de piano y bajo es una formación desafiante, y hay relativamente pocas grabaciones exitosas en la literatura jazzística. (La histórica sesión de Duke Ellington y Jimmy Blanton en 1940 marcó la pauta para los años venideros). En el formato más común del trío, el baterista sirve para reforzar el sentido del tiempo y la variación dinámica; Carter y Walton han eliminado la necesidad de un tercer miembro al generar suficiente impulso y contraste a través de su interacción casi telepática. Es esta interacción la clave del éxito de la grabación, ya que Heart & Soul siempre da la sensación de ser una verdadera colaboración. Ambos músicos son muy capaces de llevar la voz cantante o de proporcionar un acompañamiento de apoyo, y logran un equilibrio real en sus interpretaciones de cuatro estándares y cuatro temas originales, entre los que se incluyen «Django», de John Lewis, y el clásico de Rodgers & Hart de 1937, «My Funny Valentine». Carter no necesita hacer un solo en su «Little Waltz», en tono menor, ya que su acompañamiento es muy variado. El blues «Back to Bologna» de Walton es un tema swing de tempo medio con pausas rítmicas inesperadas. Recomendado. 
https://www.allmusic.com/album/heart-soul-mw0000707499

 

www.roncarterbass.com ...

Houston Person • Trust in Me

Review by Jim Todd

Houston Person is generally considered a soul-jazz specialist whose tenor playing can be counted on to elevate a standard organ combo or groove-based session into something memorable. This set, however, demonstrates Person's reach well beyond funk and blues grooves. The CD, combining the 1967 dates Chocomotive and Trust in Me, reveals a multi-faceted player who has grasped the lessons of tenor greats from Coleman Hawkins to Gene Ammons to Sonny Rollins. This explains why when Person sits down with a Johnny Hammond, Eddie Harris, or Charles Earland he has a whole lot more in his bag than blues licks and an assertive tone. Pianist Cedar Walton is a major presence on both sets, providing a powerful, personal approach that falls somewhere between Horace Silver's sublime earthiness and Thelonious Monk's knotty logic. Veteran hard boppers Bob Cranshaw and Paul Chambers share the bass spot. The drummers are lesser-knowns Lenny McBrowne and Frankie Jones. Drummer's drummer Alan Dawson is on the Chocomotive tracks in a rare but effective turn at the vibes. Space limitations mean that "Girl Talk" and "Up, Up and Away" from the original Chocomotive are not on the compilation. On the other hand, the bonus track, a brief outing on Sonny Rollins' "Airegin," serves as a prime example of Person's abilities in a probing, straight-ahead setting. A couple of tracks veer towards a blowsy lounge style, but even on "More" (a song that has not stood the test of time) Person -- with effective work from Walton, Dawson, and Cranshaw -- steers the performance to a swinging place that transcends the tune's inherent cheesiness.

https://www.allmusic.com/album/trust-in-me-mw0000012925

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Revisión por Jim Todd

Houston Person generalmente se considera un especialista de soul-jazz cuyo tenor puede considerarse para convertir un combo de órgano estándar o una sesión basada en groove en algo memorable. Este conjunto, sin embargo, demuestra el alcance de Person más allá de los ritmos de funk y blues. El CD, que combina las fechas de Chocomotive y Trust in Me en 1967, revela un jugador multifacético que ha aprendido las lecciones de los grandes tenores de Coleman Hawkins a Gene Ammons y Sonny Rollins. Esto explica por qué cuando Person se sienta con un Johnny Hammond, Eddie Harris o Charles Earland tiene mucho más en su bolso que blicks y un tono asertivo. El pianista Cedar Walton es una presencia importante en ambos conjuntos, proporcionando un enfoque personal y poderoso que se encuentra en algún lugar entre la terrenalidad sublime de Horace Silver y la lógica nudosa de Thelonious Monk. Los veteranos boppers duros Bob Cranshaw y Paul Chambers comparten el lugar del bajo. Los bateristas son menos conocidos, Lenny McBrowne y Frankie Jones. El baterista del baterista Alan Dawson está en las pistas de Chocomotive en un giro raro pero efectivo a la vibra. Las limitaciones de espacio significan que "Girl Talk" y "Up, Up and Away" del Chocomotive original no están en la compilación. Por otro lado, la pista adicional, una breve presentación en "Airegin" de Sonny Rollins, sirve como un excelente ejemplo de las habilidades de la persona en una configuración de sondaje y en línea recta. Un par de pistas se desvían hacia un estilo de salón, pero incluso en "Más" (una canción que no ha pasado la prueba del tiempo) Person - con trabajo efectivo de Walton, Dawson y Cranshaw - dirige el rendimiento a un swing Lugar que trasciende el carácter inherente de la melodía.

https://www.allmusic.com/album/trust-in-me-mw0000012925

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin