Jeremy Monteiro • Homecoming

 

Jeremy Monteiro (born 20 June 1960, Singapore) is a jazz pianist, singer, composer and music educator. He has performed and won critical acclaim in many parts of the world; in Singapore, he has been dubbed "Singapore's King of Swing" by the local press. He was awarded the Cultural Medallion in 2002.
https://www.discogs.com/artist/2267880-Jeremy-Monteiro


Review by All about Jazz.com
Jeremy Monteiro has recorded around twenty albums in two decades, yet surprisingly this is the pianist’s first offering of entirely original compositions in fourteen years. They confirm, however, what anyone who has seen him in concert already knows: firstly, that he writes sensitive, well-crafted tunes, and secondly, that as a pianist he is at the top of the tree.

Ably supported by his regular trio members, Syracuse, New York drummer Shawn Kelley and Melbourne bassist Belinda Moody, and augmented by the muscular tones of sax legend Ernie Watts, Monteiro leads the way through a wonderfully rich and varied set. The first two tracks feature Greg Fishman, who plays a jaunty tenor on the striding “Jazzybelle’s Shuffle and flute on the Latin “Samba Apassionata. The latter track is dedicated to the late Edmond Branson, Jr., a leading drummer on the Singapore scene.

The tempo remains upbeat on “The Bubala Dance, where Watts adds his fireworks to the proceedings. This is the first of two songs co-written by Monteiro and Watts, who first collaborated almost twenty years ago, and the affinity between them is apparent. The other Monteiro/Watts number, “Remember, is a soulful, meditative piece reminiscent of Wayne Shorter’s “Infant Eyes. Belinda Moody, an original voice, shines through on a short yet tasteful bass solo.

One of the highlights is “Inner Voice, in which both Monteiro and Ernie Watts solo elegantly and powerfully. It is a fine study in the art of tension and release. The title track, “Homecoming, highlights the talents of drummer Shawn Kelley and soprano player Ernie Watts. This jubilant calypso is very much in the mould of Sonny Rollins’ “St. Thomas and no less enjoyable.

Monteiro succeeds in mixing up the pace and mood of the songs, and one of his strengths as a leader lies in the space he allows his partners. On “Lorna’s Kitchen,” co-written by bassist Eldee Young, each member of the trio takes his turn in the spotlight, racing along together at a rattling pace. The album closes with Monteiro and Moody’s glorious, understated “Blues For Ray, dedicated to the late Ray Charles. The playing on this blues piece is almost respectful, with Monteiro and Moody soloing in beautifully restrained manner over Ron Feuer’s Hammond C3 Organ. A burst of gospel-style piano at the end concludes a fine tribute to the great man.

Some may have thought that when Claude Nobbs invited Jeremy Monteiro to play Montreux in 1988, the Singaporean pianist had had his day in the sun. On the evidence of this delightful album, maybe his day in the sun is yet to come.

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Jeremy Monteiro (Singapur, 20 de junio de 1960) es pianista de jazz, cantante, compositor y educador musical. Ha actuado y ganado elogios de la crítica en muchas partes del mundo; en Singapur, la prensa local lo ha apodado "El Rey del Swing de Singapur". Fue galardonado con el Medallón Cultural en 2002.
https://www.discogs.com/artist/2267880-Jeremy-Monteiro


Reseña de All about Jazz.com
Jeremy Monteiro ha grabado alrededor de veinte álbumes en dos décadas, pero sorprendentemente esta es la primera oferta del pianista de composiciones completamente originales en catorce años. Confirman, sin embargo, lo que ya sabe cualquiera que lo haya visto en concierto: en primer lugar, que escribe melodías sensibles y bien elaboradas, y en segundo lugar, que como pianista está en la cima del árbol.

Hábilmente apoyado por sus miembros habituales del trío, Syracuse, el baterista de Nueva York Shawn Kelley y la bajista de Melbourne Belinda Moody, y aumentado por los tonos musculosos de la leyenda del saxo Ernie Watts, Monteiro lidera el camino a través de un set maravillosamente rico y variado. Las dos primeras pistas presentan a Greg Fishman, quien toca un tenor alegre en la zancada "Jazzybelle's Shuffle and flute on the Latin" Samba Apassionata. La última pista está dedicada al difunto Edmond Branson, Jr., un baterista líder en la escena de Singapur.

El ritmo sigue siendo optimista en " The Bubala Dance, donde Watts agrega sus fuegos artificiales a los procedimientos. Esta es la primera de dos canciones coescritas por Monteiro y Watts, quienes colaboraron por primera vez hace casi veinte años, y la afinidad entre ellos es evidente. El otro número de Monteiro / Watts, " Remember, es una pieza conmovedora y meditativa que recuerda a "Infant Eyes" de Wayne Shorter. Belinda Moody, una voz original, brilla en un solo de bajo corto pero de buen gusto.

Uno de los aspectos más destacados es "Inner Voice", en la que tanto Monteiro como Ernie Watts hacen solos de manera elegante y poderosa. Es un buen estudio en el arte de la tensión y la liberación. La canción principal, " Homecoming, destaca el talento del baterista Shawn Kelley y del soprano Ernie Watts. Este jubiloso calipso está muy en el molde de "Santo Tomás" de Sonny Rollins y no es menos agradable.

Monteiro logra mezclar el ritmo y el estado de ánimo de las canciones, y uno de sus puntos fuertes como líder radica en el espacio que permite a sus socios. En "Lorna's Kitchen", coescrita por el bajista Eldee Young, cada miembro del trío toma su turno en el centro de atención, corriendo juntos a un ritmo trepidante. El álbum cierra con Monteiro y Moody's glorious, understated "Blues For Ray, dedicado al difunto Ray Charles. La interpretación de esta pieza de blues es casi respetuosa, con Monteiro y Moody solos de una manera bellamente contenida sobre el órgano Hammond C3 de Ron Feuer. Una ráfaga de piano de estilo gospel al final concluye un excelente homenaje al gran hombre.

Algunos pueden haber pensado que cuando Claude Nobbs invitó a Jeremy Monteiro a tocar Montreux en 1988, el pianista singapurense había tenido su día al sol. Según la evidencia de este delicioso álbum, tal vez su día al sol aún esté por llegar.


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Bobby Hutcherson • Montara

 

Review from AllMusic (by Thom Jurek):
With the possible exception of Grover Washington's Feels So Good, no other album captured the spirit of jazz in 1975 like Bobby Hutcherson's Montara. Recorded in his hometown of L.A., Montara is the very sound of groove jazz coming out of fusion, and Latin jazz's tough salsa rhythms coming home to roost in something more warm and effluvial that would meet the populace where it was changing and mellowing out rather than making it sit up and take notice. That said, Montara is, like the Washington record, a masterpiece of the genre even though it isn't celebrated in the same way. Featuring a stellar cast of musicians -- among them Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash, and Chuck Domanico -- Montara is a portrait of Hutcherson's complex gift of subtlety and virtuosity. Whether it's the funky Weather Report dance of "Camel Rise," with Nash's electric piano and the horns weaving around one another in a soulful samba melody, the sweet soulful groove of the title track, where Hutcherson's solo lilts to the point of actually singing, the killer Cuban salsa of "La Malanga," done in complete minor-key frenzy (all the while without losing the easy, slippery grace of soul-jazz), the shimmering echoplexed electric piano and vibes interplay on "Love Song," or the steaming, burning gasoline orgy of Hutcherson's read of Santana's "Oye Como Va," with a killer flute line by Watts winding its way through a knotty bassline and multi-part percussion, the effect is the same: blissed-out moving and grooving for a summer day. Hutcherson's chameleon-like ability to shape-shift is truly remarkable as a sideman and especially as a leader. He never overplays, his charts are tight, and he always creates a band vibe. Almost all of his solo recordings reflect the strengths of the ensemble rather than his strengths as a soloist. Montara is one of the great feel-good jazz albums of the 1970s, one of the great Latin jazz albums of the 1970s, and one of the great groove jazz records. Seek it out without hesitation.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

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Reseña de AllMusic (por Thom Jurek):
Con la posible excepción de Feels So Good de Grover Washington, ningún otro álbum capturó el espíritu del jazz en 1975 como el Montara de Bobby Hutcherson. Grabado en su ciudad natal de Los Ángeles, Montara es el sonido mismo del groove jazz saliendo de la fusión, y los duros ritmos de salsa del jazz latino volviendo a casa para anidar en algo más cálido y efluente que se encontraría con el público donde se estaba transformando y relajando, en lugar de obligarlo a prestar atención. Dicho esto, Montara es, como el disco de Washington, una obra maestra del género aunque no sea celebrada de la misma manera. Con un elenco estelar de músicos — entre ellos Willie Bobo, Blue Mitchell, Bobby Matos, Ernie Watts, Harvey Mason, Plas Johnson, Fred Jackson, Larry Nash y Chuck Domanico — Montara es un retrato del complejo don de sutileza y virtuosismo de Hutcherson. Ya sea la danza funky al estilo Weather Report de "Camel Rise", con el piano eléctrico de Nash y los vientos entretejidos en una melodía de samba llena de alma, el dulce y anímico groove del tema titular, donde el solo de Hutcherson se inclina hasta el punto de realmente cantar, la asesina salsa cubana de "La Malanga", ejecutada en una frenética tonalidad menor (sin perder en ningún momento la gracia fácil y resbaladiza del soul-jazz), el interplay reluciente de piano eléctrico con echoplex y vibráfono en "Love Song", o la orgia de gasolina ardiente y humeante de la lectura de Hutcherson de "Oye Como Va" de Santana, con una línea de flauta asesina de Watts serpenteando a través de una línea de bajo intrincada y percusión de múltiples partes, el efecto es el mismo: un éxtasis de movimiento y groove para un día de verano. La capacidad camaleónica de Hutcherson para transformarse es verdaderamente notable tanto como sideman como especialmente como líder. Nunca toca de más, sus arreglos son ajustados y siempre crea un ambiente de banda. Casi todas sus grabaciones en solitario reflejan las fortalezas del ensemble más que las suyas como solista. Montara es uno de los grandes discos de jazz de buen rollo de los años 70, uno de los grandes discos de jazz latino de los años 70, y uno de los grandes discos de groove jazz. Búscalo sin vacilar.
https://www.allmusic.com/album/montara-mw0000036961

Donald Byrd • And 125th Street, N.Y.C

 

Charlie Haden Quartet West • Haunted Heart

 

Review from AllMusic (by Ron Wynn)
Charlie Haden loves film as much as music, combining both loves on the critically acclaimed Haunted Heart. Haden led his tremendous group Quartet West through 12 numbers, several, like Cole Porter's Every Time We Say Goodbye, and Alan Broadbent's Lady In The Lake, Arthur Schwartz and Howard Dietz's Haunted Heart, and even the short introduction, with film ties andor links. Haden transferred vocals on some numbers from Jeri Southern, Billie Holiday and Jo Stafford into the mix without disrupting or disturbing the group framework. Quartet West has emerged as a premier small combo, and Haden nicely paid tribute to the past without being held hostage to it.
httpswww.allmusic.comalbumhaunted-heart-mw0000083338

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Reseña de AllMusic (por Ron Wynn)
Charlie Haden ama el cine tanto como la música, combinando ambos amores en el aclamado por la crítica Haunted Heart. Haden dirigió a su tremendo grupo Quartet West a través de 12 números, varios, como Every Time We Say Goodbye de Cole Porter y Lady In The Lake de Alan Broadbent, Haunted Heart de Arthur Schwartz y Howard Dietz, e incluso la breve introducción, con vínculos yo lazos cinematográficos. Haden transfirió vocales en algunos números de Jeri Southern, Billie Holiday y Jo Stafford a la mezcla sin interrumpir o perturbar el marco del grupo. Quartet West ha emergido como un combo pequeño de primer nivel, y Haden rindió un buen homenaje al pasado sin ser rehén de él.
httpswww.allmusic.comalbumhaunted-heart-mw0000083338

Lee Ritenour • Stolen Moments

 

leeritenour.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin 

Lee Ritenour • Collection

 

leeritenour.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin 

  

Lee Ritenour • Gentle Thoughts

 

 

leeritenour.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin 

  

Charlie Haden • The Best Of Quartet West

 

ecmrecords.com/artists/charlie-haden ...

Wah Wah Watson • Elementary

 

Biography
by Ron Wynn
Another prolific session guitarist well respected by musicians but generally unknown to the listening public, Melvin Ragin, aka Wah Wah Watson, played on countless sessions. Born in Richmond, Virginia in December 1950, Ragin/Watson moved to Detroit and became a member of the Motown label's legendary studio band known as the Funk Brothers. He played with and/or contributed material to the recordings of the Temptations, the Jackson 5, the Supremes, the Four Tops, and Gladys Knight & the Pips, as well as Michael Jackson, Pharoah Sanders, Donald Byrd, Herbie Hancock, Billy Preston, and Evelyn King, among many others. He died in Santa Monica, California in October 2018 at the age of 67.
https://www.allmusic.com/artist/wah-wah-watson-mn0000225971/biography

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Biografía
por Ron Wynn
Melvin Ragin, alias Wah Wah Watson, otro prolífico guitarrista de sesión muy respetado por los músicos pero generalmente desconocido para el público, tocó en innumerables sesiones. Nacido en Richmond, Virginia, en diciembre de 1950, Ragin/Watson se trasladó a Detroit y se convirtió en miembro de la legendaria banda de estudio del sello Motown, conocida como los Funk Brothers. Tocó y/o contribuyó con material a las grabaciones de los Temptations, los Jackson 5, las Supremes, los Four Tops y Gladys Knight & the Pips, así como de Michael Jackson, Pharoah Sanders, Donald Byrd, Herbie Hancock, Billy Preston y Evelyn King, entre muchos otros. Falleció en Santa Mónica, California, en octubre de 2018 a los 67 años.
https://www.allmusic.com/artist/wah-wah-watson-mn0000225971/biography

Gene Ammons • Free Again

 

 

Artist Biography
Gene Ammons, who had a huge and immediately recognizable tone on tenor, was a very flexible player who could play bebop with the best (always battling his friend Sonny Stitt to a tie) yet was an influence on the R&B world. Some of his ballad renditions became hits and, despite two unfortunate interruptions in his career, Ammons remained a popular attraction for 25 years.

Son of the great boogie-woogie pianist Albert Ammons, Gene Ammons (who was nicknamed "Jug") left Chicago at age 18 to work with King Kolax's band. He originally came to fame as a key soloist with Billy Eckstine's orchestra during 1944-1947, trading off with Dexter Gordon on the famous Eckstine record Blowing the Blues Away. Other than a notable stint with Woody Herman's Third Herd in 1949 and an attempt at co-leading a two tenor group in the early '50s with Sonny Stitt, Ammons worked as a single throughout his career, recording frequently (most notably for Prestige) in settings ranging from quartets and organ combos to all-star jam sessions. Drug problems kept him in prison during much of 1958-1960 and, due to a particularly stiff sentence, 1962-1969. When Ammons returned to the scene in 1969, he opened up his style a bit, including some of the emotional cries of the avant-garde while utilizing funky rhythm sections, but he was still able to battle Sonny Stitt on his own terms. Ironically the last song that he ever recorded (just a short time before he was diagnosed with terminal cancer) was "Goodbye."

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Biografía del artista
Gene Ammons, que tenía un tono enorme e inmediatamente reconocible en el tenor, era un jugador muy flexible que podía tocar el bebop con los mejores (siempre luchando contra su amigo Sonny Stitt con un empate) y, sin embargo, era una influencia en el mundo del R&B. Algunas de sus interpretaciones de baladas se convirtieron en éxitos y, a pesar de dos desafortunadas interrupciones en su carrera, Ammons siguió siendo una atracción popular durante 25 años.

Hijo del gran pianista de boogie-woogie Albert Ammons, Gene Ammons (apodado "Jug") dejó Chicago a los 18 años para trabajar con la banda de King Kolax. Originalmente llegó a la fama como solista clave con la orquesta de Billy Eckstine durante 1944-1947, intercambiando con Dexter Gordon en el famoso disco de Eckstine Blowing the Blues Away. Aparte de una notable temporada con Woody Herman's Third Herd en 1949 y un intento de co-liderar un grupo de dos tenor a principios de los'50 con Sonny Stitt, Ammons trabajó como single a lo largo de su carrera, grabando frecuentemente (más notablemente para Prestige) en escenarios que iban desde cuartetos y combos de órgano hasta jam sessions de estrellas. Los problemas de drogas lo mantuvieron en prisión durante gran parte de 1958-1960 y, debido a una sentencia particularmente dura, de 1962-1969. Cuando Ammons regresó a la escena en 1969, abrió un poco su estilo, incluyendo algunos de los gritos emocionales de la vanguardia mientras utilizaba secciones rítmicas funky, pero aún así fue capaz de luchar contra Sonny Stitt en sus propios términos. Irónicamente, la última canción que grabó (poco antes de que le diagnosticaran un cáncer terminal) fue "Goodbye".

 

Joe Sample • The Hunter

 

Review
by William Ruhlmann
Joe Sample returns to the smooth jazz style of his popular albums Rainbow Seeker, Carmel, and Voices in the Rain on 1983's The Hunter. The keyboardist fills up a studio with like-minded session musicians including trumpeter Tom Browne, horn players Chuck Findley, Jerry Hey, and Ernie Watts, guitarists Dean Parks, David Spinozza, and Phil Upchurch, bassists Abraham Laboriel and Marcus Miller, percussionist Paulinho Da Costa, and drummer Steve Gadd, and sets them loose on some rhythmic tracks with a rock/R&B feel. The beat is paramount, a constant augmented by funky, popping basslines, with guitar solos and horn charts overlaid. And, weaving in and out is Sample, on either acoustic or electric piano, finding room to solo extensively. The solos are more of the rock variety than what a conventional jazz fan would recognize, since they are anchored to the relentless beats. But Sample is one of the more accomplished players in smooth jazz, and his sidemen are able to support him and, when given the chance, match him in their playing.
https://www.allmusic.com/album/the-hunter-mw0000196125

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Reseña
por William Ruhlmann
Joe Sample vuelve al estilo de jazz suave de sus populares álbumes Rainbow Seeker, Carmel y Voices in the Rain en The Hunter de 1983. El teclista llena un estudio con músicos de sesión afines, como el trompetista Tom Browne, los trompetistas Chuck Findley, Jerry Hey y Ernie Watts, los guitarristas Dean Parks, David Spinozza y Phil Upchurch, los bajistas Abraham Laboriel y Marcus Miller, el percusionista Paulinho Da Costa y el baterista Steve Gadd, y los suelta en algunos temas rítmicos con un toque de rock/R&B. El ritmo es primordial, una constante aumentada por líneas de bajo funky y pop, con solos de guitarra y gráficos de trompeta superpuestos. Y Sample entra y sale, tanto en el piano acústico como en el eléctrico, encontrando espacio para un amplio solo. Los solos son más bien de tipo rockero que lo que reconocería un aficionado al jazz convencional, ya que están anclados a los implacables ritmos. Pero Sample es uno de los intérpretes más consumados del smooth jazz, y sus acompañantes son capaces de apoyarle y, cuando se les da la oportunidad, igualarle en su forma de tocar.
https://www.allmusic.com/album/the-hunter-mw0000196125


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Ernie Watts-Richard ''Groove'' Holmes • Come Together

 

Gabor Szabo • Faces

Hungarian born jazz guitarist Gabor Szabo arrived in America in the late 1950s, having fled the anti-communist uprising in his homeland. By the early 1960s, he had begun to establish himself as one of jazz's rising stars, joining drummer Chico Hamilton's group in 1960. He left Hamilton in 1965 and briefly played in a group co-led with tenor saxophonist Charles Lloyd before going out on his own as a solo artist. Between 1965 and 1977, he recorded a string of solo albums for the Impulse, Blue Thumb, Skye, CTI and Mercury labels. Faces, recorded for Mercury in 1977, is very much a jazz-fusion album. Produced by trombonist and ex-Crusader Wayne Henderson, the rhythm section was drawn from the soul-jazz-funk band Pleasure with whom Henderson was working at the Fantasy label. The music is built on irresistible, earthy funk grooves that allow Szabo plenty of space to spin long, elegant guitar lines and meticulously constructed solos, both of which were his trademarks. Largely overlooked on its original release, Faces is now revealed as a minor classic within the jazz-fusion genre.

 

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El guitarrista de jazz de origen húngaro Gabor Szabo llegó a América a finales de los 50, tras haber huido del levantamiento anticomunista en su tierra natal. A principios de los años 60, empezó a establecerse como una de las estrellas en ascenso del jazz, uniéndose al grupo del baterista Chico Hamilton en 1960. Dejó a Hamilton en 1965 y tocó brevemente en un grupo codirigido con el saxofonista tenor Charles Lloyd antes de salir por su cuenta como solista. Entre 1965 y 1977, grabó una serie de álbumes en solitario para los sellos Impulse, Blue Thumb, Skye, CTI y Mercury. Faces, grabado para Mercury en 1977, es un álbum de fusión de jazz. Producido por el trombonista y ex-cruzador Wayne Henderson, la sección rítmica fue tomada de la banda de soul-jazz-funk Pleasure con la que Henderson trabajaba en el sello Fantasy. La música está construida sobre irresistibles y terrenales surcos de funk que permiten a Szabo mucho espacio para girar largas y elegantes líneas de guitarra y solos meticulosamente construidos, ambos de los cuales eran su marca registrada. En gran medida pasado por alto en su lanzamiento original, Faces se revela ahora como un clásico menor dentro del género de jazz-fusión.

 

 

Ernie Watts-Pete Christlieb-Rickey Woodard • The Tenor Trio

 

Review by Scott Yanow
Tenors Ernie Watts, Pete Christlieb and Rickey Woodard are matched up for what is essentially a well-organized boppish jam session. With pianist Gerry Wiggins, bassist Chuck Berghofer and drummer Frank Capp offering fine support, the saxophonists perform 11 songs together, all of which are taken at least at a medium tempo. The repertoire is fairly typical for a jam of this nature, with such songs as "Blues Up and Down," "Groovin' High," Dexter Gordon's "Fried Bananas," and "Little Pony" being given spirited treatment. Watts takes the most intense solos, Christlieb swings up a storm, and Woodard (if a little overshadowed) also fares well. The inclusion of a ballad medley and maybe an individual feature or two might have givem the date more variety, but the results are quite fun.
https://www.allmusic.com/album/tenor-trio-mw0000026215

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Reseña de Scott Yanow
Los tenores Ernie Watts, Pete Christlieb y Rickey Woodard se emparejan para lo que es esencialmente una jam session boppish bien organizada. Con el pianista Gerry Wiggins, el bajista Chuck Berghofer y el baterista Frank Capp ofreciendo un buen apoyo, los saxofonistas interpretan juntos 11 canciones, todas ellas tomadas al menos a un tempo medio. El repertorio es bastante típico para una jam de esta naturaleza, con canciones como "Blues Up and Down", "Groovin' High", "Fried Bananas" de Dexter Gordon y "Little Pony", que reciben un tratamiento enérgico. Watts hace los solos más intensos, Christlieb se balancea como una tormenta, y Woodard (aunque un poco eclipsado) también lo hace bien. La inclusión de un popurrí de baladas y tal vez uno o dos solos individuales podría haber dado más variedad a la cita, pero el resultado es bastante divertido.
https://www.allmusic.com/album/tenor-trio-mw0000026215


 

Ernie Watts • Home Light

 

Biography by Scott Yanow
Because he was involved in many commercial recording projects from the mid-'70s through the early '80s and on an occasional basis ever since, some observers wrote Ernie Watts off prematurely as a pop/R&B tenorman. Actually, Watts' main hero has always been John Coltrane, and his later work reveals him to be an intense and masterful jazz improviser who has developed his own sheets-of-sound approach along with a distinctive and soulful sound. After attending Berklee, he had an important stint with Buddy Rich's big band (1966-1968) before moving to Los Angeles. Watts worked in the big bands of Oliver Nelson and Gerald Wilson, recorded with Jean-Luc Ponty in 1969, and became a staff musician for NBC, performing with the Tonight Show Band on a regular basis. His own records of the 1970s and early '80s were generally pop-ish (1982's Chariots of Fire was a big seller), and Watts played frequently with Lee Ritenour and Stanley Clarke, in addition to recording with Cannonball Adderley (one of his idols) in 1972. However, Ernie Watts' work became much more interesting from a jazz standpoint starting in the mid-'80s when he joined Charlie Haden's Quartet West and started recording no-nonsense quartet dates for JVC. Ernie Watts has developed into one of the most powerful of tenormen with complete control over his horn and the ability to bring intensity and passion (plus taste) to any musical situation.
https://www.allmusic.com/artist/ernie-watts-mn0000204591#biography

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Biografía de Scott Yanow
Debido a que estuvo involucrado en muchos proyectos de grabación comercial desde mediados de los 70 hasta principios de los 80 y de manera ocasional desde entonces, algunos observadores descartaron prematuramente a Ernie Watts como un tenor pop/R&B. En realidad, el héroe principal de Watts siempre ha sido John Coltrane, y su trabajo posterior lo revela como un improvisador de jazz intenso y magistral que ha desarrollado su propio enfoque de hojas de sonido junto con un sonido distintivo y conmovedor. Tras asistir a Berklee, tuvo un paso importante por la big band de Buddy Rich (1966-1968) antes de trasladarse a Los Ángeles. Watts trabajó en las grandes bandas de Oliver Nelson y Gerald Wilson, grabó con Jean-Luc Ponty en 1969 y se convirtió en músico de plantilla de NBC, actuando con Tonight Show Band de forma regular. Sus propios discos de los años 1970 y principios de los 80 eran generalmente pop (Chariots of Fire de 1982 fue un gran éxito de ventas), y Watts tocaba frecuentemente con Lee Ritenour y Stanley Clarke, además de grabar con Cannonball Adderley (uno de sus ídolos). en 1972. Sin embargo, el trabajo de Ernie Watts se volvió mucho más interesante desde el punto de vista del jazz a partir de mediados de los 80, cuando se unió al Quartet West de Charlie Haden y comenzó a grabar fechas sensatas de cuarteto para JVC. Ernie Watts se ha convertido en uno de los tenormen más poderosos, con control total sobre su trompeta y la capacidad de aportar intensidad y pasión (además de gusto) a cualquier situación musical.
https://www.allmusic.com/artist/ernie-watts-mn0000204591#biography

www.erniewatts.com ...

Ernie Watts • Planet Love

Biography by Scott Yanow
Because he was involved in many commercial recording projects from the mid-'70s through the early '80s and on an occasional basis ever since, some observers wrote Ernie Watts off prematurely as a pop/R&B tenorman. Actually, Watts' main hero has always been John Coltrane, and his later work reveals him to be an intense and masterful jazz improviser who has developed his own sheets-of-sound approach along with a distinctive and soulful sound. After attending Berklee, he had an important stint with Buddy Rich's big band (1966-1968) before moving to Los Angeles. Watts worked in the big bands of Oliver Nelson and Gerald Wilson, recorded with Jean-Luc Ponty in 1969, and became a staff musician for NBC, performing with the Tonight Show Band on a regular basis. His own records of the 1970s and early '80s were generally pop-ish (1982's Chariots of Fire was a big seller), and Watts played frequently with Lee Ritenour and Stanley Clarke, in addition to recording with Cannonball Adderley (one of his idols) in 1972. However, Ernie Watts' work became much more interesting from a jazz standpoint starting in the mid-'80s when he joined Charlie Haden's Quartet West and started recording no-nonsense quartet dates for JVC. Ernie Watts has developed into one of the most powerful of tenormen with complete control over his horn and the ability to bring intensity and passion (plus taste) to any musical situation.
https://www.allmusic.com/artist/ernie-watts-mn0000204591#biography

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Biografía de Scott Yanow
Debido a que participó en muchos proyectos de grabación comercial desde mediados de los 70 hasta principios de los 80 y de forma ocasional desde entonces, algunos observadores tacharon prematuramente a Ernie Watts de tenor de pop/R&B. En realidad, el principal héroe de Watts siempre ha sido John Coltrane. En realidad, el principal héroe de Watts siempre ha sido John Coltrane, y su trabajo posterior le revela como un intenso y magistral improvisador de jazz que ha desarrollado su propio enfoque de hojas de sonido junto con un sonido distintivo y conmovedor. Tras estudiar en Berklee, pasó una importante temporada en la big band de Buddy Rich (1966-1968) antes de trasladarse a Los Ángeles. Watts trabajó en las big bands de Oliver Nelson y Gerald Wilson, grabó con Jean-Luc Ponty en 1969 y se convirtió en músico de plantilla de la NBC, actuando regularmente con la Tonight Show Band. Sus propios discos de los años setenta y principios de los ochenta eran generalmente pop (Chariots of Fire, de 1982, fue un éxito de ventas), y Watts tocaba frecuentemente con Lee Ritenour y Stanley Clarke, además de grabar con Cannonball Adderley (uno de sus ídolos) en 1972. Sin embargo, el trabajo de Ernie Watts se hizo mucho más interesante desde el punto de vista del jazz a partir de mediados de los 80, cuando se unió al Charlie Haden's Quartet West y empezó a grabar fechas de cuarteto sin ton ni son para JVC. Ernie Watts se ha convertido en uno de los tenormen más poderosos, con un control absoluto de su trompa y la capacidad de aportar intensidad y pasión (además de buen gusto) a cualquier situación musical.
https://www.allmusic.com/artist/ernie-watts-mn0000204591#biography

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Ernie Watts • The Long Road Home

 

Biography by Scott Yanow
Because he was involved in many commercial recording projects from the mid-'70s through the early '80s and on an occasional basis ever since, some observers wrote Ernie Watts off prematurely as a pop/R&B tenorman. Actually, Watts' main hero has always been John Coltrane, and his later work reveals him to be an intense and masterful jazz improviser who has developed his own sheets-of-sound approach along with a distinctive and soulful sound. After attending Berklee, he had an important stint with Buddy Rich's big band (1966-1968) before moving to Los Angeles. Watts worked in the big bands of Oliver Nelson and Gerald Wilson, recorded with Jean-Luc Ponty in 1969, and became a staff musician for NBC, performing with the Tonight Show Band on a regular basis. His own records of the 1970s and early '80s were generally pop-ish (1982's Chariots of Fire was a big seller), and Watts played frequently with Lee Ritenour and Stanley Clarke, in addition to recording with Cannonball Adderley (one of his idols) in 1972. However, Ernie Watts' work became much more interesting from a jazz standpoint starting in the mid-'80s when he joined Charlie Haden's Quartet West and started recording no-nonsense quartet dates for JVC. Ernie Watts has developed into one of the most powerful of tenormen with complete control over his horn and the ability to bring intensity and passion (plus taste) to any musical situation.
https://www.allmusic.com/artist/ernie-watts-mn0000204591#biography

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Biografía de Scott Yanow
Debido a que participó en muchos proyectos de grabación comercial desde mediados de los 70 hasta principios de los 80 y de forma ocasional desde entonces, algunos observadores tacharon prematuramente a Ernie Watts de tenor de pop/R&B. En realidad, el principal héroe de Watts siempre ha sido John Coltrane. En realidad, el principal héroe de Watts siempre ha sido John Coltrane, y su trabajo posterior le revela como un intenso y magistral improvisador de jazz que ha desarrollado su propio enfoque de hojas de sonido junto con un sonido distintivo y conmovedor. Tras estudiar en Berklee, pasó una importante temporada en la big band de Buddy Rich (1966-1968) antes de trasladarse a Los Ángeles. Watts trabajó en las big bands de Oliver Nelson y Gerald Wilson, grabó con Jean-Luc Ponty en 1969 y se convirtió en músico de plantilla de la NBC, actuando regularmente con la Tonight Show Band. Sus propios discos de los años setenta y principios de los ochenta eran generalmente pop (Chariots of Fire, de 1982, fue un éxito de ventas), y Watts tocaba frecuentemente con Lee Ritenour y Stanley Clarke, además de grabar con Cannonball Adderley (uno de sus ídolos) en 1972. Sin embargo, el trabajo de Ernie Watts se hizo mucho más interesante desde el punto de vista del jazz a partir de mediados de los 80, cuando se unió al Charlie Haden's Quartet West y empezó a grabar fechas de cuarteto sin ton ni son para JVC. Ernie Watts se ha convertido en uno de los tenormen más poderosos, con un control absoluto de su trompa y la capacidad de aportar intensidad y pasión (además de buen gusto) a cualquier situación musical.
https://www.allmusic.com/artist/ernie-watts-mn0000204591#biography

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Stanley Clarke-Randy Brecker-Frank Morgan-Ernie Watts-Eric Gale-McCoy Tyner-Roger Kellaway-Peter Erskine • Implosions