Larry Carlton • The Warner Albums

 

Biography by Richard Skelly
A hugely successful guitarist and composer, Larry Carlton emerged from the Los Angeles studio scene of the late '60s, eventually becoming a popular contemporary jazz artist in his own right. Noted for his lithe technique, sweet-toned, blues-inflected sound, and distinctive use of volume pedals, Carlton first came to prominence as a member of crossover jazz and R&B outfit the Crusaders. From there, he developed into an in-demand session player, recording on up to 500 albums a year and appearing on over 100 gold albums. His studio credits from the '70s and early '80s include work with musicians and groups like Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Sammy Davis, Jr., Herb Alpert, Quincy Jones, Bobby Bland, Dolly Parton, Linda Ronstadt, and literally dozens of others. Although he recorded a number of LPs under his own name as early as 1968, he didn't land a major-label contract until 1978, when he signed with Warner Bros. and began a long stretch of releasing his own albums. Along the way he also expanded into film and television work, and picked up his first of four Grammy Awards for his work on the Hill Street Blues theme. With over 30 of his own albums and a regular touring schedule, Carlton remains a well-respected, highly sought-after performer.

A native of Torrance, California, Carlton began taking guitar lessons when he was six. His first professional gig was at a supper club in 1962. After hearing Joe Pass on the radio, he was inspired to play jazz and blues. Wes Montgomery and Barney Kessel became important influences soon after he discovered the jazz guitar stylings of Pass. B.B. King and other blues guitarists had an impact on Carlton's style as well. He honed his guitar-playing skills in the clubs and studios of greater Los Angeles while he attended a local junior college and Long Beach State College for a year until the Vietnam War ended. Carlton toured with the Fifth Dimension in 1968 and began doing studio sessions in 1970. His early session work included studio dates with pop musicians like Vikki Carr, Andy Williams, and the Partridge Family.

In 1971, he was asked to join the Crusaders shortly after they'd decided to drop the word "Jazz" from their name, and he remained with the group until 1976. In between tours with the Crusaders, he also did studio session work for hundreds of recordings in every genre. But it was while he with the Crusaders that he developed his signature, highly rhythmic, often bluesy style. Carlton delivered his self-titled debut for Warner Bros. in 1978, shortly after he was recognized for his groundbreaking guitar playing on Steely Dan's Royal Scam album. (Carlton contributed the memorable guitar solo on "Kid Charlemagne.'')

He released four more albums for Warner Bros., Strikes Twice (1980), Sleepwalk (1981), Eight Times Up (1982), and the Grammy-nominated Friends (1983), before parting ways with the label. Also during this period, he branched out into writing for TV and films, composing music for Against All Odds, Who's the Boss, and the theme for Hill Street Blues. The latter won a Grammy Award in 1981 for Best Pop Instrumental Performance. He continued studio session work and toured in between, emerging again in 1986 on MCA Records with an all-acoustic album, Discovery, which contained an instrumental remake of Michael McDonald's hit "Minute by Minute." The single won a Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance in 1987. Carlton's live album Last Nite, released in 1987, got him a Grammy nomination for Best Jazz Instrumental Performance.

While working on his next album for MCA, On Solid Ground, Carlton was the victim of random gun violence, and was shot in the throat by gun-wielding juveniles outside Room 335, his private studio near Burbank, California. The bullet shattered his vocal cords and caused significant nerve trauma, but through intensive therapy and a positive frame of mind, Carlton completed work on On Solid Ground in 1989. He formed Helping Innocent People (HIP), a nonprofit group to aid victims of random gun violence.

Despite the tragedy foisted on him in the late '80s after he was shot, with a long period of hospitalization and rehabilitation, Carlton continued his active recording and performing schedule over the next two decades, beginning with a number of albums during the '90s on the GRP label: 1992's Kid Gloves; 1993's Renegade Gentleman; 1995's Larry & Lee (with Lee Ritenour); and 1996's The Gift. Carlton also released the 1995 holiday collection Christmas at My House on MCA. And in 1997 he replaced Lee Ritenour in the popular contemporary jazz outfit Fourplay, first appearing on the group's 4 album in 1998.

The 2000s found Carlton as active as ever, recording live and in the studio as both leader and collaborator for a variety of labels. Two albums on Warner Bros. began the decade, Fingerprints -- including guest appearances by Michael McDonald, Vince Gill, Kirk Whalum, and Vinnie Colaiuta -- in 2000, and Deep Into It in 2001. A popular concert draw in Japan, Carlton could be heard as a collaborator on two live recordings from that island country during the decade, Live in Osaka (with Steve Lukather), issued in 2001 on the Favored Nations label, and Live in Tokyo (with Robben Ford) on 335 Records in 2007.

Meanwhile, his albums as a leader continued, with Sapphire Blue and Fire Wire released by Bluebird/RCA in 2004 and 2005, respectively, and The Jazz King -- with Carlton leading an all-star band performing music he composed on commission to celebrate the 80th birthday and ascension to the throne of Thailand’s King Bhumibol Adulyadej -- issued by Sony BMG in 2008. In 2009 Carlton appeared as guest guitarist on selected dates during Steely Dan's U.S. summer tour. Take Your Pick (with Tak Matsumoto) appeared in 2010.

In 2011, he paid homage to Philly soul pioneers Kenny Gamble and Leon Huff with Larry Carlton Plays the Sound of Philadelphia. Also that year, he played on vocalist Michele Pillar's holiday album I Hear Angels Calling. Four Hands & a Heart, Vol. 1 appeared in 2012, followed by the holiday-themed Four Hands & a Heart Christmas in 2014. Over the next several years, Carlton remained busy touring, and he recorded with Paul Brown, Fourplay, and the SWR Big Band. In 2018, he joined actor/comedian/musician Harry Shearer on the Derek Smalls album Smalls Change (Meditations Upon Ageing).
https://www.allmusic.com/artist/larry-carlton-mn0000102399

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Biografía de Richard Skelly
Larry Carlton, guitarrista y compositor de gran éxito, surgió de la escena de estudio de Los Ángeles a fines de los 60 y eventualmente se convirtió en un popular artista de jazz contemporáneo por derecho propio. Conocido por su técnica ágil, su sonido de tonos dulces, inflexiones de blues y su distintivo uso de pedales de volumen, Carlton saltó a la fama por primera vez como miembro del equipo crossover de jazz y R&B The Crusaders. A partir de ahí, se convirtió en un músico de sesión muy solicitado, grabando en hasta 500 álbumes al año y apareciendo en más de 100 álbumes de oro. Sus créditos de estudio de los años 70 y principios de los 80 incluyen trabajos con músicos y grupos como Steely Dan, Joni Mitchell, Michael Jackson, Sammy Davis, Jr., Herb Alpert, Quincy Jones, Bobby Bland, Dolly Parton, Linda Ronstadt y literalmente docenas de otros. Aunque grabó varios LP con su propio nombre ya en 1968, no consiguió un contrato con un sello importante hasta 1978, cuando firmó con Warner Bros. y comenzó un largo período de lanzamiento de sus propios álbumes. En el camino, también se expandió al cine y la televisión, y obtuvo el primero de sus cuatro premios Grammy por su trabajo en el tema Hill Street Blues. Con más de 30 de sus propios álbumes y un horario regular de giras, Carlton sigue siendo un artista respetado y muy solicitado.

Nacido en Torrance, California, Carlton comenzó a tomar lecciones de guitarra cuando tenía seis años. Su primer concierto profesional fue en un club nocturno en 1962. Después de escuchar a Joe Pass en la radio, se inspiró para tocar jazz y blues. Wes Montgomery y Barney Kessel se convirtieron en influencias importantes poco después de que descubriera los estilos de guitarra de jazz de Pass. BB King y otros guitarristas de blues también tuvieron un impacto en el estilo de Carlton. Perfeccionó sus habilidades para tocar la guitarra en los clubes y estudios del gran Los Ángeles mientras asistía a una universidad local y a Long Beach State College durante un año hasta que terminó la Guerra de Vietnam. Carlton realizó una gira con The Fifth Dimension en 1968 y comenzó a hacer sesiones de estudio en 1970. Sus primeros trabajos de sesión incluyeron citas de estudio con músicos pop como Vikki Carr, Andy Williams y the Partridge Family.

En 1971, se le pidió que se uniera a los Crusaders poco después de que decidieran eliminar la palabra "Jazz" de su nombre, y permaneció con el grupo hasta 1976. Entre giras con The Crusaders, también realizó sesiones de estudio para cientos de grabaciones en todos los géneros. Pero fue mientras estaba con The Crusaders cuando desarrolló su estilo característico, altamente rítmico, a menudo blues. Carlton hizo su debut homónimo para Warner Bros.en 1978, poco después de que fuera reconocido por su innovadora interpretación de la guitarra en el álbum Royal Scam de Steely Dan. (Carlton contribuyó con el memorable solo de guitarra en " Kid Charlemagne.'')

Lanzó cuatro álbumes más para Warner Bros., Strikes Twice (1980), Sleepwalk (1981), Eight Times Up (1982) y Friends (1983), nominada al Grammy, antes de separarse del sello. También durante este período, se diversificó escribiendo para televisión y películas, componiendo música para Against All Odds, Who's the Boss y el tema de Hill Street Blues. Este último ganó un Premio Grammy en 1981 a la Mejor Interpretación Instrumental Pop. Continuó trabajando en sesiones de estudio y realizó giras intermedias, emergiendo nuevamente en 1986 en MCA Records con un álbum totalmente acústico, Discovery, que contenía una nueva versión instrumental del éxito de Michael McDonald "Minute by Minute."El sencillo ganó un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop en 1987. El álbum en vivo de Carlton Last Nite, lanzado en 1987, le valió una nominación al Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental de Jazz.

Mientras trabajaba en su próximo álbum para MCA, On Solid Ground, Carlton fue víctima de violencia con armas de fuego al azar y recibió un disparo en la garganta por parte de jóvenes armados fuera de la habitación 335, su estudio privado cerca de Burbank, California. La bala destrozó sus cuerdas vocales y le causó un trauma nervioso significativo, pero a través de una terapia intensiva y un estado mental positivo, Carlton completó el trabajo en On Solid Ground en 1989. Formó Helping Innocent People( HIP), un grupo sin fines de lucro para ayudar a las víctimas de violencia armada aleatoria.

A pesar de la tragedia que se le impuso a fines de los 80 después de recibir un disparo, con un largo período de hospitalización y rehabilitación, Carlton continuó con su agenda activa de grabaciones y presentaciones durante las siguientes dos décadas, comenzando con varios álbumes durante los 90 en el sello GRP: Kid Gloves de 1992; Renegade Gentleman de 1993; Larry & Lee de 1995 (con Lee Ritenour); y The Gift de 1996. Carlton también lanzó la colección navideña de 1995 Christmas at My House en MCA. Y en 1997 reemplazó a Lee Ritenour en el popular grupo de jazz contemporáneo Fourplay, apareciendo por primera vez en el álbum 4 del grupo en 1998.

La década de 2000 encontró a Carlton tan activo como siempre, grabando en vivo y en el estudio como líder y colaborador de una variedad de sellos. Dos álbumes en Warner Bros. comenzaron la década, Fingerprints, incluidas las apariciones especiales de Michael McDonald, Vince Gill, Kirk Whalum y Vinnie Colaiuta, en 2000, y Deep Into It en 2001. Un concierto popular en Japón, Carlton se pudo escuchar como colaborador en dos grabaciones en vivo de ese país insular durante la década, Live in Osaka( con Steve Lukather), publicado en 2001 en el sello Favored Nations, y Live in Tokyo (con Robben Ford) en 335 Records en 2007.

Mientras tanto, sus álbumes como líder continuaron, con Sapphire Blue y Fire Wire lanzados por Bluebird/RCA en 2004 y 2005, respectivamente , y The Jazz King, con Carlton liderando una banda de estrellas interpretando música que compuso por encargo para celebrar el 80 cumpleaños y la ascensión al trono del rey Bhumibol Adulyadej de Tailandia, emitida por Sony BMG en 2008. En 2009, Carlton apareció como guitarrista invitado en fechas seleccionadas durante la gira de verano de Steely Dan en Estados Unidos. Take Your Pick (con Tak Matsumoto) apareció en 2010.

En 2011, rindió homenaje a los pioneros del soul de Filadelfia Kenny Gamble y Leon Huff con Larry Carlton Plays the Sound of Philadelphia. También ese año, tocó en el álbum navideño de la vocalista Michele Pillar, I Hear Angels Calling. Cuatro manos y un Corazón, Vol. 1 apareció en 2012, seguido de Four Hands & a Heart Christmas, con temática navideña, en 2014. Durante los siguientes años, Carlton permaneció ocupado de gira y grabó con Paul Brown, Fourplay y SWR Big Band. En el 2018, se unió al actor, comediante y músico Harry Shearer en el álbum de Derek Smalls, Smalls Change (Meditaciones sobre el envejecimiento).
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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Eumir Deodato • Love Island

  

 

Brazilian-born Eumir Deodato has racked up 16 platinum records to his credit as artist, arranger or producer with combined sales of well over 25 million records in the USA alone. His discography, including compilations and all his work as arranger, producer and keyboardist, surpasses 450 albums. He has also had the honor of performing with the St. Louis Symphony (which backed him on his superb Artistry album), the Cincinnati Symphony, the New York Philharmonic and the Orchestra di Musica Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. In addition, several artists over the years have covered his songs, including George Benson, Lee Ritenour, Sarah Vaughan and The Emotions to mention just a few.

And yet, in spite of all of his varied triumphs, honors and distinctions over the years, the multi-talented, multi-instrumentalist will probably forever be associated with one song - his innovative rendition of Richard Strauss' classical opus “Also Sprach Zarathustra” (or more commonly known as the theme to 2001: A Space Odyssey). That single compelling song, which first appeared on his 1973 debut album for CTI “Prelude,” sold at least five million copies and earned Deodato his first Grammy Award, instantly moved him to international stardom and setting a course for his remarkable ongoing career in music. Thirty years later, that same tune has found its way into the repertoire of the jam band Phish, a testament to Deodato's enduring influence.

Born in Rio de Janeiro, Brazil, from Italian and Portuguese origin, Eumir Deodato got his start by playing the accordion at age 12. Shortly thereafter, he started studying piano as well as orchestration, arranging and conducting. Strictly self-taught, he immersed himself in theory books while spending countless evenings sitting behind orchestras and carefully observing how each part was played. His first break came at age 17 when he arranged and conducted his first recording session for a 28-piece orchestra. It wasn't long before Deodato became one of the most active and respected arrangers and pianists in Rio's busy music scene, recording for such artists as Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina and Antonio Carlos Jobim.

In 1968, Deodato moved to New York and began working with Luiz Bonfa, the legendary composer of Black Orpheus, while also doing extensive studio work for Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle and many other Brazilian artists who were living in the Big Apple at the time. When writing the arrangements for Astrud Gilberto's “Beach Samba,” he became acquainted with producer Creed Taylor, who hired him to arrange for other CTI artists like Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond and Tom Jobim. His reputation in the fields of pop and black music was strengthened by his arrangement work for Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) and Aretha Franklin (Let Me In Your Life).

Following a performance at the Hollywood Bowl with the CTI All-Stars Band in 1972, Deodato started recording his record. His debut appearance as a leader, billed as 2001 Space Concert, was held at the Madison Square Garden in New York City in 1973.

After seven years of world-wide touring (including Australia, Japan, Canada, South America, Europe) and eight coast-to-coast tours of the States, Deodato decided to concentrate on studio work once again. Besides highly successful solo albums for the CTI, MCA, Warner And Atlantic labels, his work as a producer/arranger earned him several more laurels. One of his first productions was Kool & The Gang's #1 pop single Celebration. He followed that success with production or arranging work for Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion and Brenda K. Starr, for whom he produced the pop hit I Still Believe in 1987. Deodato also had three other multi-platinum albums for Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special and As One.

In the 90's, Deodato continued to be a vital force on the pop scene through his work with Icelandic singer Bjork. In addition to arranging her last three albums: 1995's Post, 1996's Telegram and 1997's Homogenic, Deodato produced a highly praised acoustic version of Bjork's “Isobel,” sub-titled Deodato Mix, which became a club scene favorite. He has also produced material for French singer Clementine (also touring Japan with her as a special guest in 1994), arranged and produced a top 10 single for Brazilian singer Gal Costa (1996) and has performed as guest conductor with Bjork both in Brazil (1996), and in the States at the Tibetan Freedom Concerts at Downing Stadium (1997). In 1998, Deodato arranged for Brazilian pop acts Titans (Vol. II, with sales over 500,000 copies) and Carlinhos Brown (Omelete Man) as well as for the latest album by pop-rock band Penelope Charmosa (released in 1999). He was also special guest on a project by Japanese pop star Akemi Kakihara, recorded in London during the summer of 1998. In 1999, he scored Bossa Nova, a Bruno Barreto film starring Amy Irving, and the following year produced the CD of that score for Verve Records. His most recent projects including production work for French rock singer Damien Saez, Brazilian-Japanese singer Lisa Ono and for jazz singer Ann Hampton Callaway.

Deodato has also worked on several movie scores, including The Onion Field, The Black Pearl, Ghostbusters II, White Nights, The Girl From Ipanema, The Adventurers (recorded with A.C. Jobim and the London Symphony Orchestra), The Gentle Rain, Target Risk, The Reporter, Beat Street, Body Rock and Bossa Nova. His recordings have also been widely used on major movies such as Being There and The Exorcist.

In November 2001, Deodato participated in a benefit concert in New York City where he played only 1 song (Also Sprach Zarathustra: 2001). The reaction was so fantastic he got encouraged to go back doing concerts. By 2002 he lined up a few selected presentations, starting with a concert at the Vienna Opera House, as part of the Vienna Summer Jazz Festival. That was followed by Villach (Austria), Pori (Finland), The Hague (North Sea Jazz Festival), and many others that followed, like Capetown (South Africa), Rome and Rimini (Italy), Amenia, NY (World Peace Organization), Antigua, Guatemala etc.

Meanwhile, in 2002 he worked with Milton Nascimento in Rio de Janeiro, which generated a Latin Grammy for the song Tristesse as best Brazilian song of the year, then miscellaneous work with different artists, including Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu and more recently, KD Lang for her record released in 2004.

In 2007 Brazilian Record company "Biscoito Fino", releases the “Deodato Trio in Rio” CD and DVD (end of month), filmed and recorded at the Sala Cecilia Meirelles in Rio last Summer, featuring Marcelo Mariano on Bass and Renato Massa on Drums. It also includes performances of some of the most memorable Antonio Carlos Jobim's songs and also comemorates his postumous anniversary. Verve has also released “Do It Again.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/eumir-deodato

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El brasileño Eumir Deodato tiene en su haber 16 discos de platino como artista, arreglista o productor, con unas ventas combinadas de más de 25 millones de discos sólo en Estados Unidos. Su discografía, incluyendo recopilaciones y todo su trabajo como arreglista, productor y teclista, supera los 450 álbumes. También ha tenido el honor de actuar con la St. Louis Symphony (que le respaldó en su magnífico álbum Artistry), la Cincinnati Symphony, la New York Philharmonic y la Orchestra di Musica Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. Además, varios artistas han versionado sus canciones a lo largo de los años, como George Benson, Lee Ritenour, Sarah Vaughan y The Emotions, por mencionar sólo algunos.

Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.

Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.

En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).

Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.

Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.

En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.

Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.

En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.

Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.

En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".

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Larry Carlton • Four Hands & A Heart Volume One

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Lee Ritenour & Larry Carlton • Larry & Lee

 

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Larry Carlton • Playing ⁄ Singing

 

Review
by Robert Taylor
This is Larry Carlton's second independent recording, which has finally been reissued on CD. The trademark 'Carlton' guitar sound is evident throughout, as is his toneless singing. The tracks here have a more earthy feel, as opposed to the over-produced stylings he would later employ; however, the overall results are disappointing. The guitar playing is certainly impressive (especially the distortion-filled "Free Way"), but there is simply not enough of it. Regardless, this is an interesting part of Carlton's beginnings and there are enough moments here that foreshadow his evolvement into one of the most distinctive voices in the history of electric guitar.
https://www.allmusic.com/album/playing-singing-mw0000613878

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Reseña
por Robert Taylor
Esta es la segunda grabación independiente de Larry Carlton, que finalmente ha sido reeditada en CD. El sonido de guitarra característico de Carlton es evidente en todo el disco, al igual que su forma de cantar sin ton ni son. Los temas aquí tienen una sensación más terrenal, en contraposición a los estilos sobreproducidos que emplearía más tarde; sin embargo, los resultados generales son decepcionantes. El toque de la guitarra es ciertamente impresionante (especialmente la distorsión de "Free Way"), pero no hay suficiente. No obstante, es una parte interesante de los comienzos de Carlton y hay suficientes momentos que presagian su evolución hacia una de las voces más distintivas de la historia de la guitarra eléctrica.
https://www.allmusic.com/album/playing-singing-mw0000613878

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Steely Dan • The Royal Scam.

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Steely Dan • Katy Lied

 

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Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Larry Carlton • Collection

 

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Tom Scott • Great Scott!

 

Review
by Scott Yanow
This was one of Tom Scott's strongest albums of his career. Although there are commercial elements to the music, Scott is heard throughout in prime form, and several of the numbers are quite memorable. Scott roars on tenor during his catchy "Lookin' Out for Number Seven," and plays lyrical flute on Joni Mitchell's "Woodstock," and digs into John Coltrane's "Dahomey Dance." Among the notable sidemen are guitarist Howard Roberts, keyboardist Mike Wofford and guitarist Larry Carlton. On this album (which unfortunately is long out of print), Tom Scott for once perfectly balances the artistic and commercial aspects of his music and comes out with a near-classic offering.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

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Reseña
por Scott Yanow
Este es uno de los discos más sólidos de la carrera de Tom Scott. Aunque hay elementos comerciales en la música, se escucha a Scott en plena forma, y varios de los números son bastante memorables. Scott ruge con el tenor en su pegadiza "Lookin' Out for Number Seven", toca la flauta lírica en "Woodstock" de Joni Mitchell y se adentra en "Dahomey Dance" de John Coltrane. Entre los músicos de acompañamiento destacan el guitarrista Howard Roberts, el teclista Mike Wofford y el guitarrista Larry Carlton. En este álbum (desgraciadamente descatalogado desde hace tiempo), Tom Scott logra por una vez un equilibrio perfecto entre los aspectos artísticos y comerciales de su música y presenta una obra casi clásica.
https://www.allmusic.com/album/great-scott-mw0001881450

VA • This Is...Cult Fiction Royale

 

Review by James Christopher Monger
This Is...Cult Fiction Royale collects 47 original television and film themes from the '60s and '70s like "Theme from Space 1999," "Theme from the Man from U.N.C.L.E.," "Theme from Dirty Harry" and "Theme from Get Carter." Much of it is from the source material (directly from the films and shows themselves), while others are from the original masters. Many of these tracks are available elsewhere, but there are enough obscurities to entice collectors of the genre.
https://www.allmusic.com/album/this-iscult-fiction-royale-mw0001272057

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Reseña de James Christopher Monger
This Is...Cult Fiction Royale recopila 47 temas originales de televisión y cine de los años 60 y 70 como "Theme from Space 1999", "Theme from the Man from U.N.C.L.E.", "Theme from Dirty Harry" y "Theme from Get Carter". Gran parte procede del material de origen (directamente de las propias películas y series), mientras que otras son de los masters originales. Muchos de estos temas están disponibles en otros lugares, pero hay suficientes oscuridades para atraer a los coleccionistas del género.
https://www.allmusic.com/album/this-iscult-fiction-royale-mw0001272057

Larry Carlton • With A Little Help From My Friends

 

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Larry Carlton • Four Hands & A Heart Christmas

 

 

Using the same technique and style from the Grammy nominated "Four Hands & A Heart Volume One" Larry Carlton creates a unique composition of classic Holiday songs that will put you in the Christmas spirit.

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Utilizando la misma técnica y estilo del disco nominado al Grammy "Four Hands & A Heart Volume One", Larry Carlton crea una composición única de canciones navideñas clásicas que te contagiarán el espíritu navideño.

 

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Colaborador / Contributor:  Mich58

 

Larry Carlton • At The Chestnut Cabaret

 

On August 30th, 1990, Larry Carlton performed at Chestnut Cabaret in Philadelphia, Pennsylvania. This performance was recorded from a live FM broadcast.


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Chet Atkins • Stay Tuned

 

T-Bone Walker • Very Rare

 

Biography:
Aaron Thibeaux Walker was born in Linden, Texas on Amy 28. 1910, his parents were both musicians and he was an only child. His nickname T-Bone came from a twist on his middle name, as his mother used to call him Tebow. He was raised in Dallas, exposed to music as a youngster by his stepfather, who taught him guitar, as well as ukulele, banjo, violin, mandolin, and piano. The house was a constant source of music and inspiration, and he played locally with his stepfather as street musicians. He spent a lot of time listening to the radio and records of blues artists like Leroy Carr and his guitarist Scrapper Blackwell, and would go see bluesman Lonnie Johnson live in the Dallas area. His major influence would be close family friend Blind Lemon Jefferson, who was always at the house. The young T-Bone was his protégé and would guide him around town for his gigs.

By the 1920’s he had become proficient enough as an all around performer that he was playing talent shows, carnivals, street parties, local dances, and with touring shows that rolled through town. He hooked up with several of these and one had blues singer Ida Cox on the bill. By age sixteen he was a professional, and was making a decent living playing music. In 1929 he won a talent show under the auspice of Cab Calloway, and joined his band briefly. This led to enough local recognition, for Columbia to record his “Trinity River Blues” and “Wichita Falls Blues” under the name of Oak Cliff T-Bone. This was a spin on his Dallas neighborhood at the time. He started a band named Lawson Brooks, playing all over the Dallas area, and also had a little pick up band with friend Charlie Christian. By 1933 he was touring non stop with various bands and revues, and moved to California in 1934. He would go on to state that he was hearing about and got into amplified guitar in California around 1935 which is in line with the development of the same. T-Bone developed a unique method of playing, in that he would hold the guitar slanting it away from him. While a member of the Les Hite Orchestra in 1939 he developed his long hornlike guitar style, and had become quite an accomplished vocalist. It was while with Les Hite that he would record “T-Bone Blues”, the song that would catapult him into a major star of the 1940’s and change the course of popular music.

T-Bone Walker performed full time during the early ‘40’s and with many bands, in 1942 he recorded “Mean Ole World” for Capitol, which could very well be the first modern blues record. This he followed with “Call It Stormy Monday”. This is his signature tune and has become a durable blues standard. He went on to record for Capitol in the 1946-47 period, in what would be known as West Coast Blues, which was a cooler more sophisticated sound than was coming out of Chicago, which was still based on the rural and folk blues idiom. T-Bone had refined the blues and given it a more harmonious jazz sensibility. These are available as “The Complete Capitol/Black and White Recordings” and are essential in the documentation of post war blues.

By 1950 T-Bone Walker started a five year recording contract with the Imperial label, which would further establish the modern blues, and solidified his reputation as the most prolific bluesman of his era. “The Complete Imperial Recordings 1950-1954” are a perfect showcase of his dominance of the material at hand. These sessions included jazz musicians, the level of performance is unrivaled, and is still referred to today as the primer on the way this music should be played.

As if that wasn’t enough, he was on a constant touring schedule, and was the most popular artist on the Rhythm and Blues circuit. He was a consummate showman and would put on a display of guitar gyrations and positions, and was the first guitar slinger. His stage antics would be imitated by many especially Chuck Berry.

It was in 1955 he went over to the Atlantic label and recorded for them for two years, going between LA and Chicago for the sessions. In the LA sides he was accompanied by Barney Kessel on guitar and his constant piano player Lloyd Glenn. The Chicago sessions are with some of Muddy Waters band members, and they didn’t really fit in with T-Bone’s style, as he was far more advanced musically. These are available as “T-Bone Blues”, and are lot of remakes of his earlier work.

T-Bone kept up his performing regimen throughout the ‘50’s and into the ‘60’s. By 1962 he was touring Europe as part of a Blues Festival and recorded with pianist Memphis Slim in Germany. He was back in Europe from ’64 to ’72 and was prominent in the Blues Revival of the late ‘60’s, so he was able to benefit from this new audience, but then again he was always in demand, and never had a problem with gigs.He performed and was recorded at the 1972 Montreaux Jazz festival. He played at the top clubs in the US and across Europe. There are also recordings for a variety of labels in this period, some are better than others. His work for the Black and Blue label in France is well recorded, but he was starting to slow down, and it was starting to show.He was awarded a Grammy in 1970 for his record “Good Feelin'”(Polydor). He did some final sessions around 1973 for Reprise called “Very Rare” with an all star lineup of musicians, which was in part a tribute album. He suffered in an automobile accident, and began bouts with illness in 1974 and was in and out of hospitals. He died of bronchial pneumonia on March 16, 1975.

T-Bone walker is a giant of the blues. His influence on guitar players as B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence “Gatemouth” Brown, Albert Collins, and then the whole generation that followed those, is his testament and legacy. He took the rural blues of Texas in the 1920’s amplified and electrified it, and nurtured it into a major musical genre. Along the way he further fused blues into jazz, and was a principal in the conception of rock and roll. He has been inducted into the Blues and also the Rock and Roll Halls of Fame. He is also in Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participated in and contributed to every development in American popular music in the last half of the twentieth century.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker

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Biografía:
Aaron Thibeaux Walker nació en Linden, Texas, el 28 de abril. 1910, sus padres eran ambos músicos y él era hijo único. Su apodo T-Bone proviene de un giro en su segundo nombre, ya que su madre lo llamaba Tebow. Fue criado en Dallas, expuesto a la música de joven por su padrastro, quien le enseñó guitarra, así como ukelele, banjo, violín, mandolina y piano. La casa era una fuente constante de música e inspiración, y tocaba localmente con su padrastro como músicos callejeros. Pasaba mucho tiempo escuchando la radio y los discos de artistas de blues como Leroy Carr y su guitarrista Scrapper Blackwell, e iba a ver al bluesman Lonnie Johnson en vivo en el área de Dallas. Su mayor influencia sería el amigo cercano de la familia, Blind Lemon Jefferson, que siempre estaba en la casa. El joven T-Bone era su protegido y lo guiaba por la ciudad en sus actuaciones.

En la década de 1920 se había convertido en un intérprete lo suficientemente competente como para tocar en espectáculos de talentos, carnavales, fiestas callejeras, bailes locales, y con espectáculos en gira que se desarrollaban por toda la ciudad. Se enganchó con varios de estos y uno de ellos tenía a la cantante de blues Ida Cox en el programa. A los dieciséis años ya era un profesional, y se ganaba la vida decentemente tocando música. En 1929 ganó un concurso de talentos bajo el auspicio de Cab Calloway, y se unió brevemente a su banda. Esto condujo a suficiente reconocimiento local, para que Columbia grabara su "Trinity River Blues" y "Wichita Falls Blues" bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone. Esto fue un giro en su vecindario de Dallas en ese momento. Empezó una banda llamada Lawson Brooks, que tocaba por todo el área de Dallas, y también tenía una pequeña banda con su amigo Charlie Christian. En 1933 estaba de gira sin parar con varias bandas y revistas, y se mudó a California en 1934. Continuaría con la declaración que estaba escuchando y se metió en la guitarra amplificada en California alrededor de 1935, lo que está en línea con el desarrollo de la misma. T-Bone desarrolló un método único de tocar, en el que sostenía la guitarra inclinándola lejos de él. Mientras era miembro de la Orquesta Les Hite en 1939 desarrolló su estilo de guitarra de trompa larga, y se había convertido en un vocalista bastante consumado. Fue mientras estaba con Les Hite que grabó "T-Bone Blues", la canción que lo catapultó a una estrella de los años 40 y cambió el curso de la música popular.

T-Bone Walker actuó a tiempo completo a principios de los 40 y con muchas bandas, en 1942 grabó "Mean Ole World" para Capitol, que bien podría ser el primer disco de blues moderno. A esto le siguió "Call It Stormy Monday". Esta es su melodía característica y se ha convertido en un estándar de blues duradero. Siguió grabando para Capitol en el período 1946-47, en lo que se conocería como West Coast Blues, que era un sonido más fresco y sofisticado que el que salía de Chicago, que todavía se basaba en el lenguaje del blues rural y folclórico. T-Bone había refinado el blues y le había dado una sensibilidad de jazz más armoniosa. Estas están disponibles como "The Complete Capitol/Black and White Recordings" y son esenciales en la documentación del blues de la posguerra.

En 1950 T-Bone Walker comenzó un contrato de grabación de cinco años con el sello Imperial, que establecería aún más el blues moderno, y solidificó su reputación como el bluesman más prolífico de su época. "The Complete Imperial Recordings 1950-1954" son una muestra perfecta de su dominio del material a mano. Estas sesiones incluían a músicos de jazz, el nivel de ejecución es inigualable, y aún hoy en día se le llama la introducción a la forma en que esta música debe ser tocada.

Como si eso no fuera suficiente, estaba en una constante agenda de giras, y era el artista más popular en el circuito de Rhythm and Blues. Era un consumado showman y ponía una muestra de giros y posiciones de guitarra, y fue el primer guitarrista. Sus payasadas en el escenario serían imitadas por muchos, especialmente por Chuck Berry.

Fue en 1955 cuando fue a la discográfica Atlantic y grabó para ellos durante dos años, yendo entre Los Ángeles y Chicago para las sesiones. En los lados de Los Ángeles le acompañaban Barney Kessel en la guitarra y su constante pianista Lloyd Glenn. Las sesiones de Chicago son con algunos de los miembros de la banda de Muddy Waters, y no encajaban con el estilo de T-Bone, ya que él estaba mucho más avanzado musicalmente. Estas están disponibles como "T-Bone Blues", y son un montón de remakes de su trabajo anterior.

T-Bone mantuvo su régimen de actuación a lo largo de los años 50 y 60. En 1962 estaba de gira por Europa como parte de un Festival de Blues y grabó con el pianista Memphis Slim en Alemania. Regresó a Europa del 64 al 72 y participó en el Blues Revival de finales de los años 60, por lo que pudo beneficiarse de este nuevo público, pero siempre fue muy solicitado y nunca tuvo problemas con los conciertos. Tocó en los principales clubes de los EE.UU. y en toda Europa. También hay grabaciones para una variedad de sellos en este período, algunas son mejores que otras. Su trabajo para el sello Black and Blue en Francia está bien grabado, pero estaba empezando a bajar el ritmo y se estaba empezando a notar. Fue galardonado con un Grammy en 1970 por su disco "Good Feelin'" (Polydor). Hizo algunas sesiones finales alrededor de 1973 para Reprise llamadas "Very Rare" con una alineación de estrellas de la música, que fue en parte un álbum tributo. Sufrió un accidente automovilístico, y empezó a tener brotes de enfermedad en 1974, entrando y saliendo de los hospitales. Murió de neumonía bronquial el 16 de marzo de 1975.

T-Bone Walker es un gigante del blues. Su influencia en guitarristas como B.B. King, Albert King, Freddie King, Chuck Berry, Clarence "Gatemouth" Brown, Albert Collins, y luego en toda la generación que los siguió, es su testamento y legado. Tomó el blues rural de Texas en los años 20, lo amplificó y electrificó, y lo nutrió para convertirlo en un género musical importante. A lo largo del camino fusionó aún más el blues con el jazz, y fue uno de los principales en la concepción del rock and roll. Fue introducido en el Blues y también en el Rock and Roll Halls of Fame. También está en el Downbeats Hall of Fame. T-Bone Walker participó y contribuyó a todos los desarrollos de la música popular americana en la última mitad del siglo XX.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/tbonewalker

Steve Lukather-Larry Carlton • No Substitution - Live in Osaka

 

 
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VA • Verve Jazzclub - Jazz For The Road

 

Ramsey Lewis, Jeff Golub, Roy Ayers, Wes Montgomery, Lee Ritenour, Kenny Burrell, Quincy Jones, eorge Benson, Larry Carlton ...

Larry Carlton & Robben Ford • Unplugged

 

 

The New Morning club in Paris presents the incredible – and long awaited – pairing of two guitar giants for their first Unplugged show. Imagine: Larry Carlton and Special Guest Robben Ford, two legendary guitarists… one stage unplugged… a guitar lover’s dream! This unique pairing of two all-time great guitar legends delivers an unforgettable evening of dueling guitar solos and an uncompromising evening of The Blues performed the way it was meant to be.
https://www.jazzmessengers.com/es/17303/larry-carlton/unplugged-the-paris-concert

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El club New Morning de París presenta la increíble -y largamente esperada- pareja de dos gigantes de la guitarra para su primer espectáculo Unplugged. Imagínatelo: Larry Carlton y su invitado especial Robben Ford, dos guitarristas legendarios... un escenario desenchufado... ¡el sueño de cualquier amante de la guitarra! Este emparejamiento único de dos grandes leyendas de la guitarra de todos los tiempos ofrece una velada inolvidable de duelos de solos de guitarra y una noche sin concesiones de Blues interpretado como debe ser.
https://www.jazzmessengers.com/es/17303/larry-carlton/unplugged-the-paris-concert

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Larry Carlton • Sleepwalk

 

 

Review
by Robert Taylor
Sleepwalk is slightly better than Strikes Twice thanks in part to the absence of Larry Carlton's toneless singing. "Last Nite" and "10:00 P.M." have become staples in Carlton's live set. The legendary Carlton feel is evident throughout this session, but "Blues Bird" stands as the high-water mark. "Sleepwalk" is played beautifully, almost preventing the listener from noticing the sap-heavy strings in the background. Carlton's faceless rhythm section does little to enhance the music (as is usually the case with his solo efforts), but his playing more than makes up for this. Despite sounding a bit dated, this is still worth exploring, especially for guitarists.
https://www.allmusic.com/album/sleepwalk-mw0000652918

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Reseña
por Robert Taylor
Sleepwalk es ligeramente mejor que Strikes Twice gracias, en parte, a la ausencia de la tonalidad de Larry Carlton al cantar. "Last Nite" y "10:00 P.M." se han convertido en elementos básicos del directo de Carlton. El legendario sentimiento de Carlton es evidente a lo largo de esta sesión, pero "Blues Bird" es el punto culminante. "Sleepwalk" se interpreta maravillosamente, casi impidiendo que el oyente se percate de las cuerdas de fondo. La sección rítmica sin rostro de Carlton hace poco para mejorar la música (como suele ser el caso de sus esfuerzos en solitario), pero su forma de tocar lo compensa con creces. A pesar de sonar un poco anticuado, sigue mereciendo la pena explorarlo, especialmente para los guitarristas.
https://www.allmusic.com/album/sleepwalk-mw0000652918

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Steve Lukather-Larry Carlton • Tokyo 1998 - The Alternative Broadcast

 

 

 

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