Big Bad Voodoo Daddy • The Best Of

Biography by Stephen Thomas Erlewine
California's Big Bad Voodoo Daddy are an old-school swing-and-jump blues outfit who first came to prominence in the '90s as one of the main progenitors of the neo-swing revival. Along with similarly-inclined neo-swing acts like Squirrel Nut Zippers and the Cherry Poppin' Daddies, Big Bad Voodoo Daddy helped to revive big-band music and popularize swing dancing for the MTV generation and beyond. As with many of their neo-swing contemporaries, BBVD concentrated on the swinging days of the '40s and '50s, borrowing some of the Rat Pack lingo in addition to the zoot suits that cloaked each bandmate. Though heavily associated with the '90s swing movement, the band has thrived on touring and continued to mature, deepening their jazz influences.

Formed by lead singer/guitarist Scotty Morris and drummer Kurt Sodergren in Los Angeles in 1989, the group built up a following with regular gigs on the local lounge circuit, playing to Gen-Xers enamored with the kitschy charm of the cocktail nation. This burgeoning lounge scene was captured in the hit 1996 indie comedy film Swingers, which featured a song by Big Bad Voodoo Daddy on the soundtrack as well as an onscreen cameo by the band. By the end of 1997, the band had self-released two albums -- Big Bad Voodoo Daddy and What'chu Want for Christmas -- which were local hits and led to a major-label contract with Capitol Records.

In February 1998, Capitol released the group's major-label debut, Americana Deluxe (also known as Big Bad Voodoo Daddy, although the album was different from the band's self-released debut). This Beautiful Life followed one year later. By the time the band came together for a follow-up, Big Bad Voodoo Daddy had sold over three million albums, performed at Super Bowl XXXIII with Stevie Wonder and Gloria Estefan, and had their music used in over 60 film and TV trailers. The swing revival had considerably died down, however, thus returning Big Bad Voodoo Daddy to their original status as an underground band.

The group's fifth album, Save My Soul, appeared in 2003, five years after their Interscope debut. Inspired by the New Orleans Jazz & Heritage Festival, Save My Soul found the band expanding its sound to include elements of the Big Easy's jazz, swamp funk, and Cajun traditions. A live CD/DVD and holiday-themed album appeared in 2004. In 2009, Big Bad Voodoo Daddy released How Big Can You Get?: The Music of Cab Calloway, which found the band digging even deeper into a hardcore jazz and swing sound. The band stuck with the more swing- and jazz-oriented approach after signing with the Savoy Jazz label and releasing Rattle Them Bones in 2012. Their third collection of Christmas music, It Feels Like Christmas Time, appeared in the fall of 2013.

Over the next several years, Big Bad Voodoo Daddy stayed busy touring and making regular appearances at festivals around the world. In 2017, they celebrated their 25th anniversary in the music business with the release of their 11th studio album Louie Louie Louie. An homage to Louis Armstrong, Louis Prima, and Louis Jordan, the album featured reworkings of many the three jazz and blues legends' most well-known tunes.
https://www.allmusic.com/artist/big-bad-voodoo-daddy-mn0000053221#biography

 

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Biografía de Stephen Thomas Erlewine
Los californianos Big Bad Voodoo Daddy son un grupo de blues swing-and-jump de la vieja escuela que saltó a la fama en los años 90 como uno de los principales progenitores del renacimiento del neo-swing. Junto con otros grupos de tendencias similares como Squirrel Nut Zippers y Cherry Poppin' Daddies, Big Bad Voodoo Daddy ayudaron a revivir la música de big band y a popularizar el baile swing entre la generación de la MTV y más allá. Al igual que muchos de sus contemporáneos del neo-swing, BBVD se centró en los días de swing de los años 40 y 50, tomando prestada parte de la jerga del Rat Pack, además de los trajes de zoot que vestían a cada uno de sus compañeros de banda. Aunque fuertemente asociada al movimiento swing de los 90, la banda ha prosperado con las giras y ha seguido madurando, profundizando en sus influencias jazzísticas.

Formado por el cantante y guitarrista Scotty Morris y el batería Kurt Sodergren en Los Ángeles en 1989, el grupo se hizo con un gran número de seguidores gracias a sus actuaciones regulares en el circuito local de salones, donde tocaban para la generación del X, enamorada del encanto kitsch del país de los cócteles. Esta floreciente escena lounge quedó reflejada en la exitosa película de comedia indie Swingers (1996), que incluía una canción de Big Bad Voodoo Daddy en la banda sonora, así como un cameo del grupo en la pantalla. A finales de 1997, el grupo había autoeditado dos álbumes, Big Bad Voodoo Daddy y What'chu Want for Christmas, que fueron éxitos locales y le valieron un contrato con Capitol Records.

En febrero de 1998, Capitol publicó el debut del grupo en un gran sello, Americana Deluxe (también conocido como Big Bad Voodoo Daddy, aunque el álbum era diferente del debut autoeditado de la banda). This Beautiful Life le siguió un año después. Cuando el grupo se reunió para la continuación, Big Bad Voodoo Daddy ya había vendido más de tres millones de discos, había actuado en la Super Bowl XXXIII con Stevie Wonder y Gloria Estefan, y su música se había utilizado en más de 60 tráilers de cine y televisión. Sin embargo, el renacimiento del swing se había apagado considerablemente, lo que devolvió a Big Bad Voodoo Daddy a su estatus original de banda underground.

El quinto álbum del grupo, Save My Soul, apareció en 2003, cinco años después de su debut en Interscope. Inspirado en el New Orleans Jazz & Heritage Festival, Save My Soul amplió el sonido del grupo para incluir elementos del jazz, el swamp funk y las tradiciones cajún de la Big Easy. En 2004 publicaron un CD/DVD en directo y un álbum navideño. En 2009, Big Bad Voodoo Daddy publicó How Big Can You Get? The Music of Cab Calloway, en el que la banda se adentraba aún más en el jazz más duro y el swing. La banda siguió con el enfoque más orientado al swing y al jazz después de firmar con el sello Savoy Jazz y publicar Rattle Them Bones en 2012. Su tercera colección de música navideña, It Feels Like Christmas Time, apareció en otoño de 2013.

Durante los años siguientes, Big Bad Voodoo Daddy se mantuvo ocupado con giras y apariciones regulares en festivales de todo el mundo. En 2017, celebraron su 25 aniversario en el negocio de la música con el lanzamiento de su undécimo álbum de estudio Louie Louie Louie. El álbum, un homenaje a Louis Armstrong, Louis Prima y Louis Jordan, incluye versiones de muchos de los temas más conocidos de estas tres leyendas del jazz y el blues.
https://www.allmusic.com/artist/big-bad-voodoo-daddy-mn0000053221#biography

www.bbvd.com ...

Stephane Grappelli • Live At Corby Festival Hall

 

Stephane Grappelli recorded frequently during the last three decades of his life and previously unissued recordings like this 1975 concert at Corby Festival Hall have continued to turn up. On this occasion the violinist is accompanied by lead guitarist Diz Disley, rhythm guitarist Ike Isaacs and bassist David Moses. The set is fairly typical, concentrating on standards from the 1920s through the 1940s, starting with a chugging but brisk take of "I Can't Believe That You're in Love With Me." The marvelous duet by Grappelli and Disley of "Smoke Gets in Your Eyes," Grappelli's inventive treatment of "(Back Home Again In) Indiana" and the crowd-pleasing "Sweet Georgia Brown" are among the highlights. It is simply amazing that Stephane Grappelli never seemed to go on autopilot as he played a song for the hundredth (or possibly thousandth) time; this CD is a valuable addition to his already vast discography.

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Stephane Grappelli grabó con frecuencia durante las últimas tres décadas de su vida y las grabaciones inéditas como este concierto de 1975 en el Corby Festival Hall continúan apareciendo. En esta ocasión, el violinista está acompañado por el guitarrista principal Diz Disley, el guitarrista rítmico Ike Isaacs y el bajista David Moses. El conjunto es bastante típico, y se concentra en los estándares desde la década de 1920 hasta la década de 1940, comenzando con una versión arrogante pero enérgica de "No puedo creer que estés enamorado de mí". El maravilloso dúo de Grappelli y Disley de "Smoke Gets in Your Eyes", el tratamiento inventivo de Grappelli de "(Back Home Again in Indiana)" y la "Sweet Georgia Brown" que complacen a la multitud están entre los más destacados. Es simplemente asombroso que Stephane Grappelli nunca haya aparecido con el piloto automático mientras tocaba una canción por centésima (o posiblemente milésima) vez; Este CD es una valiosa adición a su ya extensa discografía.

Gerry Mulligan & Johnny Hodges • Gerry Meets Hodges

 

Review by Ken Dryden

Gerry Mulligan's 1959 studio date with Johnny Hodges is one of the most satisfying sessions of his various meetings with different saxophonists for Verve, yet it was inexplicably the last to be made available on CD. With a hand-picked rhythm section consisting of pianist Claude Williamson, bassist Buddy Clark, and drummer Mel Lewis, and three originals contributed by each of the two leaders, everything gels nicely, though several tracks took more than three takes (in spite of liner note writer Nat Hentoff's assertions) to reach their final form. Mulligan contributed the gorgeous ballad "What's the Rush" (where he sat back to enjoy Hodges' solo and never plays his own horn), the easygoing swinger "Bunny," and the brisk cooker "18 Carrots (For Rabbit)," the latter which its composer would revisit with his Concert Jazz Band. The veteran alto saxophonist contributed the low-key ballad "Shady Side," the sassy blues "Back Beat" (later re-recorded by Hodges during a still unreleased 1960 studio meeting with Ben Webster), and "What It's All About," another potent blues. Throughout the date, the two saxophonists blend beautifully and complement one another's efforts, even though this was their only opportunity to record together in the studio. Sadly, no alternate takes or unissued numbers (at least two of which exist) have been added to this long anticipated reissue.

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Revisión por Ken Dryden

La cita en el estudio de Gerry Mulligan en 1959 con Johnny Hodges es una de las sesiones más satisfactorias de sus varias reuniones con diferentes saxofonistas para Verve, aunque fue inexplicablemente la última en estar disponible en CD. Con una sección de ritmo cuidadosamente seleccionada que consiste en el pianista Claude Williamson, el bajista Buddy Clark y el baterista Mel Lewis, y tres originales aportados por cada uno de los dos líderes, todo encaja bien, aunque varias pistas tomaron más de tres tomas (a pesar de la línea tome nota de las afirmaciones del escritor Nat Hentoff) para llegar a su forma final. Mulligan contribuyó con la magnífica balada "What's the Rush" (donde se sentó para disfrutar el solo de Hodges y nunca toca su propia trompa), el sencillo "Bunny" y la cocina enérgica "18 Zanahorias (Para Conejo)", esta última que su compositor volvería a ver con su banda de jazz de concierto. El veterano saxofonista alto contribuyó con la balada de bajo perfil "Shady Side", el sassy blues "Back Beat" (que luego fue regrabada por Hodges durante una inédita reunión de estudio de 1960 con Ben Webster), y "What Is All About", otra azules potentes A lo largo de la fecha, los dos saxofonistas se combinan a la perfección y se complementan entre sí, aunque esta fue su única oportunidad de grabar juntos en el estudio. Lamentablemente, no se han agregado tomas alternativas o números no emitidos (al menos dos de los cuales existen) a esta reedición tan esperada.

 

Joel Paterson • Go Lightnin'

 

 

Chicago-based roots guitarist/vocalist Joel Paterson plays jazz, blues, country, and swing music with his own group as well as such other Chi-town artists as the Four Charms, Nick Willet, and the Barclay 3. He released his debut acoustic country blues album, Down at the Depot, on Ventrella Records in 2002.

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El guitarrista/vocalista de raíces de Chicago Joel Paterson toca jazz, blues, country y swing con su propio grupo, así como con otros artistas de Chi-town como los Four Charms, Nick Willet y los Barclay 3. Lanzó su primer álbum de country blues acústico, Down at the Depot, en Ventrella Records en 2002. 

 

www.joelpaterson.com ...

Russell Malone • Heartstrings

 

Biography
by Matt Collar
An adept jazz guitarist with a clean attack and fluid, lyrical style, Russell Malone often plays in a swinging, straight-ahead style, weaving in elements of blues, gospel, and R&B. Born in Albany, Georgia in 1963, Malone first began playing guitar around age four on a toy instrument, quickly graduating to the real thing. Largely self-taught, he initially drew inspiration listening to the recordings of gospel and blues artists including the Dixie Hummingbirds and B.B. King. However, after seeing George Benson perform with Benny Goodman on a television show, Malone was hooked on jazz and began intently studying albums by legendary guitarists like Charlie Christian and Wes Montgomery.

By his twenties, Malone was an accomplished performer, and in 1988 he joined organist Jimmy Smith's band. Soon after, he also became a member of Harry Connick, Jr.'s big band, appearing on Connick's 1991 effort Blue Light, Red Light. With his growing reputation as a sideman, Malone next caught the attention of pianist/vocalist Diana Krall, with whom he would work throughout much of the '90s and 2000s. Also during this period, Malone appeared with a bevy of name artists including Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford, Ray Brown, and others.

As a solo artist, Malone made his debut with 1992's Russell Malone, followed a year later by Black Butterfly. In 1999, he released Sweet Georgia Peach, which featured a guest appearance from pianist Kenny Barron. Malone kicked off the 2000s with several albums on Verve, including 2000's Look Who's Here and 2001's orchestral jazz-themed Heartstrings. He then moved to Maxjazz for 2004's Playground, featuring a guest appearance from saxophonist Gary Bartz, followed by 2010's Triple Play.

Over the next several years, Malone appeared on albums by Wynton Marsalis, Christian McBride, and Ron Carter, as well as Krall bandmate bassist Ben Wolfe. He returned to solo work in 2015 with the eclectic small-group album Love Looks Good on You, followed a year later by All About Melody, both on HighNote. In 2017, he delivered his third HighNote album, Time for the Dancers, featuring his quartet with pianist Rick Germanson, bassist Luke Sellick, and drummer Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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Biografía
por Matt Collar
Adepto guitarrista de jazz con un ataque limpio y un estilo fluido y lírico, Russell Malone toca a menudo con un estilo swing y directo, entrelazando elementos de blues, gospel y R&B. Nacido en Albany, Georgia, en 1963, Malone empezó a tocar la guitarra a los cuatro años con un instrumento de juguete, y pronto pasó a tocar la guitarra de verdad. De formación autodidacta, al principio se inspiró en las grabaciones de artistas de gospel y blues como los Dixie Hummingbirds y B.B. King. Sin embargo, tras ver a George Benson tocar con Benny Goodman en un programa de televisión, Malone se enganchó al jazz y empezó a estudiar atentamente discos de guitarristas legendarios como Charlie Christian y Wes Montgomery.

A los veinte años, Malone ya era un consumado intérprete, y en 1988 se unió a la banda del organista Jimmy Smith. Poco después, se convirtió en miembro de la big band de Harry Connick, Jr. y apareció en el álbum de Connick de 1991 Blue Light, Red Light. Con su creciente reputación como músico de acompañamiento, Malone llamó la atención de la pianista y vocalista Diana Krall, con quien trabajó durante gran parte de los años 90 y 2000. También durante este periodo, Malone actuó con un grupo de artistas de renombre como Branford Marsalis, Benny Green, Terell Stafford y Ray Brown, entre otros.

Como solista, Malone debutó con Russell Malone en 1992, seguido un año después por Black Butterfly. En 1999 publicó Sweet Georgia Peach, que contó con la participación del pianista Kenny Barron. Malone inició la década de 2000 con varios álbumes en Verve, entre ellos Look Who's Here, de 2000, y Heartstrings, de 2001, de temática jazz orquestal. Luego pasó a Maxjazz para Playground (2004), con la participación del saxofonista Gary Bartz, y Triple Play (2010).

En los años siguientes, Malone apareció en álbumes de Wynton Marsalis, Christian McBride y Ron Carter, así como del bajista Ben Wolfe, compañero de banda de Krall. Volvió a trabajar en solitario en 2015 con el ecléctico álbum para pequeños grupos Love Looks Good on You, seguido un año después por All About Melody, ambos en HighNote. En 2017, publicó su tercer álbum en HighNote, Time for the Dancers, en el que presenta a su cuarteto con el pianista Rick Germanson, el bajista Luke Sellick y el batería Willie Jones III.
https://www.allmusic.com/artist/russell-malone-mn0000808613/biography

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VA • Rhythm and Blues Big Bands - Jazz that Rocks

Cab Calloway, Count Basie, Lionel Hampton, Louis Jordan, Wynonie Harris, Erskine Hawkins, Eddie Vinson, Buddy Johnson ...

 

Kai Winding • All We Ever Wanted

 

Trombonist Kai Christen Winding (pronounced ki-win-ding) was one of the founding fathers of be-bop music and truly one of the finest-ever jazz trombonists.

As a sideman to bop’s reigning kings “ Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Tadd Dameron “ he was more a bridesmaid than a bride. Winding recorded too infrequently as a leader during this period and none of his compositions ever really caught on. Indeed, he was adept at putting a defining stamp on others’ compositions “ a trait he picked up while outlining the artistry of Stan Kenton’s sound during the mid 1940s.

Kai was born on May 18, 1922, in Aarhaus, Denmark. He came to the United States with his family in 1934. In 1940, he made his professional debut as trombonist with Shorty Allen’s band. He played with the bands of Sonny Dunham and Alvino Rey before joining the U.S. Coast Guard during World War II. After becoming a civilian in 1945, he worked with Benny Goodman’s highly popular band and moved onto Stan Kenton’s orchestra, where he helped defined the brassy Kenton sound and, quickly became a featured soloist. Thereafter, he hooked himself up with a number of emerging stars of be-bop, the “new jazz,” and recorded prolifically “ most notably, as part of one of the nonets featured on the historic “The Birth of the Cool” (Capitol/1949).

Winding recorded and performed prolifically during the 1950s, as a leader and “ with distinction “ behind a number of significant and popular soloists such as Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Still, the trombone was considered an unusual instrument to lead a combo. So it was with prescient oddity that in 1954, producer Ozzie Cadena proposed the marriage of two trombones “ Winding’s quick-witted mellifluousness with fellow trombonist J.J. Johnson’s hard-edged angularity. The two leaders clicked together musically right away (check out Savoy “Jay& Kai”) and, surprisingly, became a hugely popular club attraction and critical favorite. Jay and Kai - or “Kai and Jay” or “J.J. & K” or “J & K” or any other of a number of other combinations - was born.

The duo recorded eight highly popular “ and consistently artistic “ albums over the next two years for the Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige and Columbia labels. It was during this period that Kai's great compositional skill was finally recognized with such memorable tunes as “Don't Argue,” “Wind Bag,” “That's How I Feel About You,” “Gong Rock,” “Jeanne” and “Caribe.”

At this point, Kai Winding was a well-known “ and bankable “ entity. In addition to continuing session work and well-paid gigs, Winding recorded several “concept” oriented albums for Columbia where he embarked on his own remarkable - and successful - concept of a four-trombone front line.

Producer Creed Taylor, who has always recognized a sale-able sound (and produced the duo’s fourth album on Bethlehem from 1955, K + JJ), kept close tabs on Kai Winding. The producer brought the trombonist in for the delightful 1958 album, “The Axidentals “ with the Kai Winding Trombones” (ABC Paramount) and reunited with him when the producer helmed the inception of Impulse Records “ for the Kai and J.J. reunion (The Great Kai & J.J. “ with the catalog number “A-1”) and the marvelous solo record “The Incredible Trombones of Kai Winding.”

When Creed Taylor accepted a lucrative offer from MGM to head the jazz division of their record label, Verve, Kai Winding was invited too. Winding recorded a dozen albums and 4 non-LP 45-rpm records with Creed Taylor during his stay at the label (1961-67). The music Winding made during this time is well worth hearing and, surprisingly, uncharacteristic of his recordings before or after.

This is the period that my discography is most concerned with “ and when the be-bop legend recorded what I consider some of his most interesting material. There’s no doubt that Verve Records provided Kai Winding with the most popularity he’d known during his entire career and, in some odd and sometimes wonderful coincidences, provided the great trombone player, composer and arranger with the most notable music of his career.

Kai Winding's first Verve record was the wondrous, Latin-esque “Kai Olé”(1961). Still firmly rooted in bebop, Winding goes a bit further South of the Border than he did on his Columbia records, where he simply added a conga or a bongo to spice up the mix. Winding quickly followed with 1962's “Suspense Times in Jazz,” (1962), a collection of “crime jazz” (lots of Henry Mancini covers!), arranged by either Winding or the great Oliver Nelson.

Next came “Solo,” (1963), one of the first of Kai Winding's many 1963 recordings and a landmark in the trombonist's career. While not exactly true to its title, since it was a trombone-with-rhythm-section date, “Solo” did represent Winding's first solo recording where he was the only horn player! The record also featured several titles that celebrated Winding's role as the musical director of New York's Playboy Club - a position the musician maintained throughout the 1960s. “Solo” is, perhaps, Kai Winding's best jazz record on Verve, and maybe one of his least known for the label.

The next record, “Soul Surfin” (1963) changed all the rules. Quite unexpectedly, Kai Winding's cover of Riz Orolani's “More (Theme From Mondo Cane)” became a top ten hit in 1963 - spawning innumerable covers from the bachelor-pad crowd. The album, a collection of somewhat interesting surf tunes featured Winding and guitarist Kenny Burrell behind the oddly-annoying ondioline (played, without credit, by the legendary Jean Jacques Perrey!). After the single's unbelievable success, the album was renamed “More.”

Next up was the rather strange album titled “Kai Winding” (1963). The record was also known by the title”The Lonely One” due to the release of the one 45 from the album. This one, which features some pretty rockin' tunes, notably Claus Ogerman's hip “Get Lost,” certainly features Winding. But the trombonist barely solos and hardly ever takes a lead line. This writer guesses that the album was intended to be a feature for Garry (or “Gary,” or “Gerry”) Sherman, the arranger of many of the album's tunes. But the success of “More” encouraged Verve to issue the record (or a bunch of recordings that included Kai Winding) under the trombonist's name.

“Mondo Cane #2” (1963-64) next featured Winding covering Nino Oliviero's sequel (and not as good as the oriiginal) theme to Winding's top ten hit. Covering several Ogerman tunes here (notably “Python”) and a few originals (the best, which is “ Simian Theme”), Winding seems barely present on this record. Jean Jacques Perrey is again said to have played the ondioline (credited to Winding!), which dominates the sound and solos of the record. This is not the record for those that admire hearing Winding's magical trombone sound. When the hits didn't follow, Creed Taylor moved Kai Winding away from the surfing (and, thankfully, the ondioline) gimmick to other gimmick-y pastures. “Modern Country” (1964) followed, matching Kai's trombone and arrangements with the Anita Kerr Singers and a Nashville rhythm section. Somehow, the concept (which Taylor would explore again with Hubert Laws for CTI) yielded some exceptionally notable performances. Check out “Busted,” “Wolverton Mountain” and “Dang Me.”

Getting back to basics, Taylor and Winding thereafter conceived “Rainy Day” (1965) and The In Instrumentals” (1965), both which - much in the style of the time - attempt to place Kai Winding's sound into more contemporary arenas.

Things started gelling again when the pair conceived Kai Winding's excellent “More Brass” (1966), a not-so-veiled reference to both the trombonist's biggest hit and his best asset. The record yielded several credible performances of contemporary pop - highlighted especially by the delicate harpsichord styling of Hank Jones - that still had that sound of the past (and a marvelous re-arrangement of Winding's hit, “More”).

But perhaps the “hippest” Kai Winding ever got for Verve was on his next record, 1966's”Dirty Dog.” Featuring his patented four-trombone line-up with Carl Fontana, Urbie Green and Bill Watrous, Winding surrounded himself well with two-handed genius and funk overlord Herbie Hancock, bassist Bob Cranshaw, drummer Grady Tate and guitarist Al Gafa (under the pseudonym “Buzzy Bavarian,” to hide, perhaps an unusually rock-ish quality he lays down here). Winding traverses fast takes of the Hancock hits “Cantaloupe Island” and “Blind Man, Blind Man” and Gafa's surprisingly funky title track.

Winding's finest work with producer Creed Taylor, however, remains their last collaboration for Verve. “Penny Lane & Time” (1967) is an incredible accomplishment of pure pop finesse (shocking, given the number of Beatles covers here) and magical jazz arrangement (courtesy of Kai Winding himself). Winding pairs his mellifluous trombone with a four-part flute choir (featuring Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion and Jerome Richardson). The result, probably inspired by Winding's former partner, arranger Claus Ogerman, is truly ethereal. Winding ended his 12-album run at Verve much the way he began it: with great artistic beauty.

Shortly thereafter, Creed Taylor left Verve Records to form his own CTI Records label. Winding recorded yet another album - that remains unreleased - for the MGM label (with Taylor, most likely) before Taylor reunited Winding with J.J. Johnson. The pair collaborated on three high-profile reunion projects at A&M/CTI during the late 1960s. Winding also did session work at the time for such A&M/CTI recordings as Paul Desmond's “Summertime,” and Quincy Jones's “Walking in Space.”

By the early 1970s, Kai Winding toured extensively with The Giants Of Jazz, featuring such old comrades as Dizzy Gillespie and Sonny Stitt and legendary masters Thelonius Monk and Art Blakey. He was also caught on a series of records which captured the 1972 Newport in New York Festival, reuniting with such early cohorts as Billy Eckstein, Flip Phillips and Zoot Sims.

Winding eventually chose to play when he felt like it, settling in Spain with his third wife, Ezshwan. Records during these years were sparse and on very small labels: two for the Glendale label and two for Lionel Hampton's Who's Who In Jazz label. Winding still performed on a regular basis, pairing up with the great Curtis Fuller in 1979 for two excellent “Giant Bones” recordings. Finally, Winding recorded an incredible “Trombone Summit” for the German MPS label (1980), heading a bone quartet featuring Albert Mangelsdorff, Bill Watrous and Jiggs Whigham - even reuniting one last time with J.J. Johnson for “All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82” (1982).

Unfortunately, after a long and artistically fulfilling career, Kai Winding succumbed to a brain tumor in a New York hospital on May 6, 1983, just shy of his 61st birthday. One of his sons, Jai, has kept Kai Winding's musical legacy alive as a respected - and busy! - session keyboard player for a wide variety of artists including George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent and many, many others.

Kai Winding's bop legacy has been kept alive in a variety of worthwhile reissues and countless compilations. However, one hopes that eventually major labels will concede to acknowledge the considerable contribution Kai Winding made during the 1960s as part of Verve Records.

Source: Doug Payne

https://musicians.allaboutjazz.com/kaiwinding

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El trombonista Kai Christen Winding fue uno de los padres fundadores de la música be-bop y uno de los mejores trombonistas de jazz de todos los tiempos.

Como acompañante de los reyes del bop, Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron, fue más una dama de honor que una novia. Winding grabó muy pocas veces como líder durante este período y ninguna de sus composiciones llegó a ser realmente popular. De hecho, era adepto a poner un sello definitorio en las composiciones de los demás, un rasgo que recogió mientras esbozaba el arte del sonido de Stan Kenton a mediados de los años 40.

Kai nació el 18 de mayo de 1922, en Aarhaus, Dinamarca. Llegó a los Estados Unidos con su familia en 1934. En 1940, hizo su debut profesional como trombonista con la banda de Shorty Allen. Tocó con las bandas de Sonny Dunham y Alvino Rey antes de unirse a la Guardia Costera de los Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Después de convertirse en civil en 1945, trabajó con la banda de Benny Goodman, que era muy popular, y pasó a la orquesta de Stan Kenton, donde ayudó a definir el sonido broncínea de Kenton y, rápidamente, se convirtió en un solista destacado. A partir de entonces, se relacionó con varias estrellas emergentes del be-bop, el "nuevo jazz", y grabó prolíficamente, "sobre todo, como parte de uno de los noneto que apareció en el histórico "The Birth of the Cool" (Capitol/1949).

Winding grabó y tocó prolíficamente durante el decenio de 1950, como líder y "con distinción" detrás de varios solistas importantes y populares como Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Aún así, el trombón era considerado un instrumento inusual para dirigir un combo. Así que fue con una clarividente rareza que en 1954, el productor Ozzie Cadena propuso el matrimonio de dos trombones " La melifluidad de Winding con la angularidad del trombonista J.J. Johnson. Los dos líderes se unieron musicalmente de inmediato (vean el Savoy "Jay& Kai") y, sorprendentemente, se convirtieron en una atracción muy popular del club y en el favorito de la crítica. Jay y Kai - o "Kai y Jay" o "J.J. & K" o "J & K" o cualquier otra de una serie de otras combinaciones - nació.

El dúo grabó ocho álbumes muy populares y consistentemente artísticos en los dos años siguientes para los sellos Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige y Columbia. Fue durante este período que la gran habilidad compositiva de Kai fue finalmente reconocida con temas tan memorables como "Don't Argue", "Wind Bag", "That's How I Feel About You", "Gong Rock", "Jeanne" y "Caribe".

En ese momento, Kai Winding era una entidad muy conocida y financiable. Además de seguir trabajando en sesiones y en conciertos bien pagados, Winding grabó varios álbumes orientados al "concepto" para Columbia, donde se embarcó en su propio concepto notable - y exitoso - de una línea de frente de cuatro trombones.

El productor Creed Taylor, que siempre ha reconocido un sonido vendible (y produjo el cuarto álbum del dúo en Belén a partir de 1955, K + JJ), mantuvo una estrecha relación con Kai Winding. El productor trajo al trombonista para el encantador álbum de 1958, "The Axidentals " with the Kai Winding Trombones" (ABC Paramount) y se reunió con él cuando el productor dirigió la creación de Impulse Records " para la reunión de Kai y J.J. (The Great Kai & J.J. " con el número de catálogo "A-1") y el maravilloso disco en solitario "The Incredible Trombones of Kai Winding".

Cuando Creed Taylor aceptó una lucrativa oferta de MGM para dirigir la división de jazz de su sello discográfico, Verve, Kai Winding también fue invitado. Winding grabó una docena de álbumes y 4 discos no LP de 45 rpm con Creed Taylor durante su estancia en la discográfica (1961-67). La música que Winding hizo durante este tiempo es digna de ser escuchada y, sorprendentemente, poco característica de sus grabaciones antes o después.

Este es el período que más me preocupa en mi discografía " y cuando la leyenda del be-bop grabó lo que considero uno de sus materiales más interesantes. No hay duda de que Verve Records proporcionó a Kai Winding la mayor popularidad que había conocido durante toda su carrera y, en algunas extrañas y a veces maravillosas coincidencias, proporcionó al gran trombonista, compositor y arreglista la música más notable de su carrera.

El primer disco de Verve de Kai Winding fue el maravilloso y latino "Kai Olé" (1961). Todavía firmemente arraigado en el bebop, Winding va un poco más al sur de la frontera que en sus discos de Columbia, donde simplemente añadió una conga o un bongó para darle sabor a la mezcla. A Winding le siguió rápidamente el "Suspense Times in Jazz" (1962), una colección de "crime jazz" (¡muchas portadas de Henry Mancini!), arreglada por Winding o por el gran Oliver Nelson.

Luego vino "Solo" (1963), una de las primeras grabaciones de Kai Winding en 1963 y un hito en la carrera del trombonista. Aunque no es exactamente fiel a su título, ya que era una fecha de trombón con sección rítmica, "Solo" representó la primera grabación en solitario de Winding en la que él era el único trompetista. El disco también incluía varios títulos que celebraban el papel de Winding como director musical del Playboy Club de Nueva York, una posición que el músico mantuvo durante los años 60. "Solo" es, quizás, el mejor disco de jazz de Kai Winding en Verve, y quizás uno de los menos conocidos por el sello.

El siguiente disco, "Soul Surfin" (1963) cambió todas las reglas. De forma bastante inesperada, la versión de Kai Winding de "More (Theme From Mondo Cane)" de Riz Orolani se convirtió en un éxito entre los diez primeros en 1963, generando innumerables versiones de los solteros. El álbum, una colección de temas de surf un tanto interesantes, presentaba a Winding y al guitarrista Kenny Burrell detrás de la extrañamente molesta ondolina (¡interpretada, sin crédito, por el legendario Jean Jacques Perrey!). Después del increíble éxito del single, el álbum fue rebautizado como "More".

El siguiente fue el extraño álbum titulado "Kai Winding" (1963). El disco también era conocido por el título de "The Lonely One" debido al lanzamiento del uno 45 del álbum. Este, que contiene algunas canciones muy rockeras, en particular la cadera de Claus Ogerman "Get Lost", ciertamente contiene "Winding". Pero el trombonista apenas hace solos y casi nunca toma una línea principal. Este escritor adivina que el álbum estaba destinado a ser un reportaje para Garry (o "Gary" o "Gerry") Sherman, el arreglista de muchas de las canciones del álbum. Pero el éxito de "More" animó a Verve a publicar el disco (o un montón de grabaciones que incluían a Kai Winding) bajo el nombre del trombonista.

"Mondo Cane #2" (1963-64) fue el siguiente tema de Winding que cubría la secuela de Nino Oliviero (y no tan bueno como el original) del top diez de Winding. Cubriendo varias melodías ogermanas aquí (notablemente "Python") y unos pocos originales (el mejor, que es "Tema de Simio"), Winding parece apenas presente en este disco. Se dice que Jean Jacques Perrey ha tocado la ondiolina (acreditada a Winding!), que domina el sonido y los solos del disco. Este no es un disco para aquellos que admiran el sonido mágico del trombón de Winding. Cuando los éxitos no siguieron, Creed Taylor alejó a Kai Winding del truco del surf (y, afortunadamente, de la ondiolina) a otros pastos de trucos. Siguió "Modern Country" (1964), que combinaba el trombón y los arreglos de Kai con los cantantes de Anita Kerr y una sección rítmica de Nashville. De alguna manera, el concepto (que Taylor volvería a explorar con Hubert Laws para CTI) dio lugar a algunas actuaciones excepcionalmente notables. Echa un vistazo a "Busted", "Wolverton Mountain" y "Dang Me".

Volviendo a lo básico, Taylor y Winding concibieron posteriormente "Rainy Day" (1965) y "The In Instrumentals" (1965), ambas cosas que -muy al estilo de la época- intentan situar el sonido de Kai Winding en ámbitos más contemporáneos.

Las cosas comenzaron a ponerse de nuevo en marcha cuando la pareja concibió el excelente "More Brass" (1966) de Kai Winding, una referencia no muy revelada tanto al mayor éxito del trombonista como a su mejor activo. El disco produjo varias interpretaciones creíbles de pop contemporáneo, destacadas especialmente por el delicado estilo de clavicémbalo de Hank Jones, que todavía tenía ese sonido del pasado (y una maravillosa reorganización del éxito de Winding, "More").

Pero quizás el Kai Winding más "hippie" que jamás haya conseguido para Verve fue en su siguiente disco, "Dirty Dog" de 1966. Presentando su patentado conjunto de cuatro trombones con Carl Fontana, Urbie Green y Bill Watrous, Winding se rodeó de un genio de las dos manos y del señor del funk Herbie Hancock, del bajista Bob Cranshaw, del baterista Grady Tate y del guitarrista Al Gafa (bajo el seudónimo de "Buzzy Bavarian", para ocultar, tal vez, una cualidad inusualmente rockera que él pone aquí). Sinuosas y rápidas tomas de los éxitos de Hancock "Cantaloupe Island" y "Blind Man, Blind Man" y el sorprendente y funky tema del título de Gafa.

Sin embargo, el mejor trabajo de Winding con el productor Creed Taylor sigue siendo su última colaboración para Verve. "Penny Lane & Time" (1967) es un increíble logro de pura finura pop (impactante, dado el número de covers de los Beatles que hay aquí) y un mágico arreglo de jazz (cortesía del propio Kai Winding). Winding combina su melifluo trombón con un coro de flautas a cuatro voces (con Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion y Jerome Richardson). El resultado, probablemente inspirado por el antiguo socio de Winding, el arreglista Claus Ogerman, es verdaderamente etéreo. Winding terminó su carrera de 12 álbumes en Verve de la misma manera que la comenzó: con gran belleza artística.

Poco después, Creed Taylor dejó Verve Records para formar su propio sello CTI Records. Winding grabó otro álbum -que sigue sin publicarse- para el sello MGM (con Taylor, probablemente) antes de que Taylor reuniera a Winding con J.J. Johnson. El par colaboró en tres proyectos de reunión de alto perfil en A&M/CTI a finales de los 60. Winding también hizo trabajos de sesión en esa época para grabaciones de A&M/CTI como "Summertime" de Paul Desmond, y "Walking in Space" de Quincy Jones.

A principios de los 70, Kai Winding realizó una extensa gira con The Giants Of Jazz, presentando a viejos camaradas como Dizzy Gillespie y Sonny Stitt y a los legendarios maestros Thelonius Monk y Art Blakey. También fue capturado en una serie de discos que capturaron el Festival de Newport en Nueva York de 1972, reuniéndose con cohortes tan tempranas como Billy Eckstein, Flip Phillips y Zoot Sims.

Winding eligió finalmente tocar cuando le apetecía, estableciéndose en España con su tercera esposa, Ezshwan. Los discos durante estos años fueron escasos y en sellos muy pequeños: dos para el sello Glendale y dos para el sello Who's Who In Jazz de Lionel Hampton. Winding seguía tocando regularmente, formando pareja con el gran Curtis Fuller en 1979 para dos excelentes grabaciones de "Giant Bones". Finalmente, Winding grabó un increíble "Trombone Summit" para el sello alemán MPS (1980), encabezando un cuarteto de huesos con Albert Mangelsdorff, Bill Watrous y Jiggs Whigham - incluso se reunió por última vez con J.J. Johnson para el "All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82" (1982).

Desafortunadamente, después de una larga y artística carrera, Kai Winding sucumbió a un tumor cerebral en un hospital de Nueva York el 6 de mayo de 1983, justo antes de cumplir 61 años. Uno de sus hijos, Jai, ha mantenido vivo el legado musical de Kai Winding como un respetado - ¡y ocupado! - teclista de sesión para una gran variedad de artistas, incluyendo a George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent y muchos, muchos otros.

El legado del bop de Kai Winding se ha mantenido vivo en una variedad de reediciones valiosas e innumerables compilaciones. Sin embargo, se espera que con el tiempo los principales sellos discográficos reconozcan la considerable contribución que Kai Winding hizo durante los años 60 como parte de Verve Records.

Fuente: Doug Payne
https://musicians.allaboutjazz.com/kaiwinding

Swing to Bopː An Oral History of the Transition in Jazz in the 1940s

This indispensable book brings us face to face with some of the most memorable figures in jazz history and charts the rise and development of bop in the late 1930s and '40s. Ira Gitler interviewed more than 50 leading jazz figures, over a 10-year period, to preserve for posterity their recollections of the transition in jazz from the big band era to the modern jazz period. The musicians interviewed, including both the acclaimed and the unrecorded, tell in their own words how this renegade music emerged, why it was a turning point in American jazz, and how it influenced their own lives and work. Placing jazz in historical context, Gitler demonstrates how the mood of the nation in its post-Depression years, racial attitudes of the time, and World War II combined to shape the jazz of today.


About the Author
Ira Gitler's writing has helped illuminate the jazz scene from 1951, when he wrote the first of countless album and CD annotations. He was the New York editor of Downbeat in the 1960s and continues to contribute to that publication, as well as to JazzTimes and Internet publications. His credits as a producer include recordings and concerts, and he teaches jazz history at the Manhattan School of Music. His books include the highly acclaimed Jazz Masters of the '40s and Swing to Bop, the latter written while he was a Guggenheim fellow. He lives in New York City.

 

 

 

Ira Gitler (Author) 

Bud Freeman • The Compleat Bud Freeman

 

Review
by Scott Yanow
Bud Freeman's only recording as a leader from 1967-73 and first American release since 1963 is an excellent effort recorded while he was a member of the World's Greatest Jazz Band. Backed by the WGJB's rhythm section (pianist Ralph Sutton, bassist Bob Haggart and drummer Gus Johnson), Freeman is in top form on six wonderful quartet numbers (including "Dinah," "You Took Advantage of Me" and "What Is There to Say"), plus six other numbers (highlighted by "Out of My Road, Mr. Toad," "That D Minor Thing" and "Just One of Those Things") on which Bob Wilber (on tenor and soprano) makes the group a quintet.
https://www.allmusic.com/album/the-compleat-bud-freeman-mw0000437094

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Revisar
por Scott Yanow
La única grabación de Bud Freeman como líder entre 1967 y 1973 y el primer lanzamiento estadounidense desde 1963 es un excelente esfuerzo grabado mientras era miembro de la World's Greatest Jazz Band. Respaldado por la sección rítmica de WGJB (el pianista Ralph Sutton, el bajista Bob Haggart y el baterista Gus Johnson), Freeman está en plena forma en seis maravillosos números de cuarteto (incluidos "Dinah", "You Took Advantage of Me" y "What Is There to Say "), más otros seis temas (destacados por "Out of My Road, Mr. Toad", "That D Minor Thing" y "Just One of That Things") en los que Bob Wilber (en tenor y soprano) convierte al grupo en un quinteto.
https://www.allmusic.com/album/the-compleat-bud-freeman-mw0000437094

Uli Fiedler Trio • Frizzante

Ben Webster • Ben Webster plays Duke Ellington

 

 

Tuba Skinny • Magnolia Stroll

 

 

Formed in in 2009, Tuba Skinny has steadily evolved from a loose collection of street musicians into a solid ensemble dedicated to bringing the traditional New Orleans sound to audiences around the world. Drawing on a wide range of musical influences—from spirituals to Depression-era blues, from ragtime to traditional jazz—their sound evokes the rich musical heritage of their New Orleans home. The band has gained a loyal following through their distinctive sound, their commitment to reviving long-lost songs, and their barnstorming live performances.

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Fundada en 2009, Tuba Skinny ha evolucionado constantemente de una colección suelta de músicos callejeros a un sólido conjunto dedicado a llevar el sonido tradicional de Nueva Orleans a audiencias de todo el mundo. Basándose en una amplia gama de influencias musicales -desde espirituales hasta blues de la época de la Depresión, desde ragtime hasta jazz tradicional-, su sonido evoca la rica herencia musical de su hogar en Nueva Orleáns. La banda ha ganado un seguimiento leal a través de su sonido distintivo, su compromiso de revivir canciones perdidas hace mucho tiempo, y sus actuaciones en vivo.

 

tubaskinny.com ...

Milt Buckner • Masterpieces

 

VA • Django 100 - Centenaire Django Reinhardt (1910-2010)

 

Colaborador / Contributor:  Mich58
 

Accordi Disaccordi • Decanter

 

Accordi Disaccordi is a very active Italian project both on the national and international scenes.
The band, a trio formed in 2012, is composed by the two founders Alessandro Di Virgilio and Dario Berlucchi on guitars and Elia Lasorsa on doublebass. They’re based on a gipsy jazz repertoire, presenting typical national and international classics from the best 1930s’ music in a modern vein.

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Accordi Disaccordi es un proyecto italiano muy activo tanto a nivel nacional como internacional.
La banda, un trío formado en 2012, está compuesta por los dos fundadores Alessandro Di Virgilio y Darío Berlucchi a las guitarras y Elia Lasorsa al contrabajo. Se basan en un repertorio de jazz gitano, presentando clásicos típicos nacionales e internacionales de la mejor música de los años 30 en un estilo moderno.

http://www.accordidisaccordi.com/it/

Stephane Grappelli • Live At The Blue Note

Live at the Blue Note album for sale by Stephane Grappelli was released Mar 26, 1996.

... Q (8/96, p.145) - 4 Stars - Excellent - "...the only jazz fiddler you can ever think of swung like a bastard. Beyond jaunty, his `Night And Day' is a marvel of disciplined aesthetics."...

... Down Beat (5/96, p.46) - 4 Stars - Very Good - "...Grappelli's attack has not only remained rock sure and steady. It has remained deeply rooted and resistant to adulteration and influence....the rhythmic power is irresistible....Like all the best early swing, it exists outside the reach of fashion of a bubble of eternal validity..."

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El álbum "Live at the Blue Note" de Stephane Grappelli fue lanzado el 26 de marzo de 1996.

... Q (8/96, p.145) - 4 Estrellas - Excelente - "...el único violinista de jazz que se puede pensar que se balancea como un bastardo. Más allá de lo alegre, su `Night And Day' es una maravilla de estética disciplinada"...

... Down Beat (5/96, p.46) - 4 Estrellas - Muy bien - "...el ataque de Grappelli no sólo ha permanecido rockero seguro y constante. Ha permanecido profundamente arraigado y resistente a la adulteración e influencia....el poder rítmico es irresistible....Como todo el mejor swing temprano, existe fuera del alcance de la moda de una burbuja de validez eterna..."

Scott Hamilton • Ballads for Audiophiles

Saxophonist Scott Hamiton, pianist Paolo Birro, bassist Aldo Zunino and Alfred Kramer, drums, combine on an audiophile ballads program that includes such timeless favorites as "Moon River," "The Shadow Of Your Smile," "All or Nothing At All", "This Is All I Ask", "The Gypsy" and more.

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El saxofonista Scott Hamiton, el pianista Paolo Birro, el bajista Aldo Zunino y Alfred Kramer, batería, se combinan en un programa de baladas audiófilas que incluye favoritos eternos como "Moon River", "La sombra de tu sonrisa", "Todo o nada", "Esto es todo lo que pido", "El gitano" y más. 

 

www.scotthamiltonsax.com ...

 

Eddie Safranski & His Orchestra • Rhythm And Romance

Biography:

Eddie Safranski was best known for his gig as the bass anchor of the most popular of Stan Kenton's big bands (1945-1948). The owner of a solid, clear, precisely articulated tone and a sure command of the swing and bop idioms, Safranski was also lucky enough to have been the beneficiary of terrific recording quality from Kenton's engineers at Capitol Records; his bass registered far more cleanly and powerfully than many of those who recorded for rival companies. Having studied violin as a child, Safranski took up the double bass in high school, playing with Hal McIntyre from 1941 to 1945, and Miff Mole in 1945, before joining Kenton. His success with Stan Kenton enabled him to make some records as a leader for Savoy and Atlantic; after leaving Kenton, he worked with Charlie Barnet's bop big band in 1948-1949, and moved to New York to seek work in radio and television studios. While there, he also played with Benny Goodman in 1951-1952, and caught on as a staff musician with NBC. From the late '60s until his death, he ran workshops and master classes for a double bass manufacturer, and played swing and bop with various combos in the Los Angeles area. Among his many Kenton records, some of the best examples of Safranski can be savored on "Artistry in Bolero," "Painted Rhythm," "Concerto to End All Concertos," and a showcase written for him by Pete Rugolo, "Safranski (Artistry in Bass)."

by Richard S. Ginell

https://www.allmusic.com/artist/eddie-safranski-mn0000145543/biography

Biografía:

Eddie Safranski era más conocido por su actuación como el ancla de bajo de la más popular de las grandes bandas de Stan Kenton (1945-1948). Propietario de un tono sólido, claro y articulado con precisión y un dominio seguro de los modismos del swing y el bop, Safranski también tuvo la suerte de haber sido el beneficiario de una excelente calidad de grabación por parte de los ingenieros de Kenton en Capitol Records; su bajo se registró de forma mucho más limpia y potente que muchos de los que grabaron para empresas rivales. Habiendo estudiado violín de niño, Safranski se dedicó al contrabajo en la escuela secundaria, tocando con Hal McIntyre de 1941 a 1945, y con Miff Mole en 1945, antes de unirse a Kenton. Su éxito con Stan Kenton le permitió hacer algunos discos como líder para Savoy y Atlantic; después de dejar Kenton, trabajó con la gran banda de bop de Charlie Barnet en 1948-1949, y se mudó a Nueva York para buscar trabajo en estudios de radio y televisión. Mientras estaba allí, también tocó con Benny Goodman en 1951-1952, y se puso al día como músico de plantilla en la NBC. Desde finales de los 60 hasta su muerte, dirigió talleres y clases magistrales para un fabricante de contrabajo, y tocó swing y bop con varios combos en el área de Los Ángeles. Entre sus muchos discos de Kenton, algunos de los mejores ejemplos de Safranski se pueden saborear en "Artistry in Bolero", "Painted Rhythm", "Concerto to End All Concertos" y una muestra escrita para él por Pete Rugolo, "Safranski (Artistry in Bass)".

por Richard S. Ginell

https://www.allmusic.com/artist/eddie-safranski-mn0000145543/biography

 

 

 

Hadda Brooks • Swingin' The Boogie

Pianista y compositora, llamada la Reina del Boogie, toca como pocos el Boogie Woogie, siendo altamente recomendable para los que gustan del género.

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Pianist and composer, called the Queen of Boogie, plays like few Boogie Woogie, being highly recommended for those who like the genre.

Shoji Suzuki & His Rhythm Aces • The Rhythm Aces Recital At Yamaha Hall, Tokyo

 

Japanese jazz clarinettist and band leader nicknamed the "Benny Goodman of Japan".
(August 16, 1932 – September 10, 1995)
https://www.discogs.com/artist/3167382-Shoji-Suzuki-2