Victor Feldman • Merry Olde Soul

 

Victor Feldman was born in Edgware, Middlesex in 1934.

He caused a sensation as a musical prodigy when he was “discovered” at age 7. His family were all musical and his father founded the Feldman Swing Club in London in 1942 to showcase his talented son. His first professional appearance was playing drums at No 1 Rhythm Club as a member of the Feldman Trio with brothers Robert on clarinet and Monty on piano accordion. In 1944 he was featured at a concert with Glenn Miller's AAAF band, featured inevitably as “Kid Krupa”. Carlo Krahmer encouraged Feldman to play the vibes which he did first in the Ralph Sharon Sextet and later in the Roy Fox band. He worked in India in 1952 and 1953 in a band led by pianist Eddie Carroll. His vibraphone and conga drum playing were notable, but it was as a pianist that he became best known.

Before leaving the U.K. in 1955 to work in the U.S., Feldman recorded with Ronnie Scott's orchestra and quintet from 1954 to 1955, which also featured other important British jazz musicians such as Phil Seamen and Hank Shaw, among others. It was Scott who recommended that Feldman emigrate to the U.S., which he did in 1957. Once there, his first steady work was with the Woody Herman Herd. From there he went on to join Buddy DeFranco. He recorded with many different jazz artists, including Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley and Miles Davis, most notably on Davis' 1963 album Seven Steps to Heaven, the title tune being his own composition. The 5-CD Shelly Manne Black Hawk set, originally released on LP in September, 1959, is a good representation of Feldman's unmistakable driving “comping” behind the soloists, helping to define the session as a valuable hard bop genre element.

In 1957 Feldman settled in Los Angeles permanently and then specialized in lucrative session work for the US film and recording industry. He also branched out to work a variety of musicians outside of jazz, working with artists such as Frank Zappa in 1967, Steely Dan in the 1970s and Tom Waits and Joe Walsh in the 1980s. Feldman died at age 53, a year after the death of his wife, to whom he was completely devoted.

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Victor Feldman nació en Edgware, Middlesex en 1934.

Causó sensación como prodigio musical cuando fue "descubierto" a los 7 años. Su familia era toda musical y su padre fundó el Feldman Swing Club en Londres en 1942 para mostrar a su talentoso hijo. Su primera aparición profesional fue tocando la batería en el No 1 Rhythm Club como miembro del Feldman Trio con los hermanos Robert en el clarinete y Monty en el acordeón de piano. En 1944 fue presentado en un concierto con la banda AAAF de Glenn Miller, inevitablemente como "Kid Krupa". Carlo Krahmer animó a Feldman a tocar las vibraciones que hizo primero en el Sexteto de Ralph Sharon y luego en la banda de Roy Fox. Trabajó en la India en 1952 y 1953 en una banda dirigida por el pianista Eddie Carroll. Su vibráfono y su conga eran notables, pero fue como pianista que se hizo más conocido.

Antes de dejar el Reino Unido en 1955 para trabajar en los Estados Unidos, Feldman grabó con la orquesta y el quinteto de Ronnie Scott de 1954 a 1955, en el que también participaron otros importantes músicos británicos de jazz como Phil Seamen y Hank Shaw, entre otros. Fue Scott quien recomendó que Feldman emigrara a los Estados Unidos, lo cual hizo en 1957. Una vez allí, su primer trabajo estable fue con el Woody Herman Herd. A partir de ahí se unió a Buddy DeFranco. Grabó con muchos artistas de jazz diferentes, incluyendo a Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley y Miles Davis, más notablemente en el álbum de 1963 de Davis Seven Steps to Heaven, cuya melodía titular es su propia composición. El set de 5 CD Shelly Manne Black Hawk, originalmente publicado en LP en septiembre de 1959, es una buena representación del inconfundible "comping" de Feldman detrás de los solistas, ayudando a definir la sesión como un valioso elemento del género hard bop.

En 1957 Feldman se estableció permanentemente en Los Ángeles y luego se especializó en lucrativas sesiones de trabajo para la industria cinematográfica y discográfica de los Estados Unidos. También se dedicó a trabajar con una variedad de músicos fuera del jazz, trabajando con artistas como Frank Zappa en 1967, Steely Dan en la década de 1970 y Tom Waits y Joe Walsh en la década de 1980. Feldman murió a la edad de 53 años, un año después de la muerte de su esposa, a quien estaba completamente dedicado.

Joe Pass • One For My Baby

 

Review by Ken Dryden
Virtuoso guitarist Joe Pass didn't need sidemen on any recording, but when he used them, he chose wisely. Tenor saxophonist Plas Johnson, keyboardist Gerald Wiggins and drummer Tootle Heath had not recorded with Pass previously, but along with bassist Andy Simpkins, they achieve a perfect first-take sound on each track. The title cut features Pass with Johnson's bluesy sax and a soft organ and brushed background. Two Pass originals are lengthy blues vehicles with plenty of solo space for all. "I Remember You" is an unlikely choice that developed from Wiggins' jamming in the studio; the ballad is a relaxing detour from the blues that dominate the album. Joe Pass was without peer on guitar the last 20 years of his life; his playing here won't disappoint.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022

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Reseña de Ken Dryden
El virtuoso guitarrista Joe Pass no necesitaba sidemen en ninguna grabación, pero cuando los usaba, elegía sabiamente. El saxofonista tenor Plas Johnson, el teclista Gerald Wiggins y el batería Tootle Heath no habían grabado con Pass anteriormente, pero junto con el bajista Andy Simpkins, logran un perfecto sonido de primera toma en cada pista. El corte del título presenta a Pass con el saxo blues de Johnson y un órgano suave y un fondo cepillado. Los dos originales de Pass son largos vehículos de blues con mucho espacio para todos los solos. "I Remember You" es una elección improbable que se desarrolló a partir de la improvisación de Wiggins en el estudio; la balada es un desvío relajante del blues que domina el álbum. Joe Pass estuvo sin par en la guitarra los últimos 20 años de su vida; su actuación aquí no le decepcionará.
https://www.allmusic.com/album/one-for-my-baby-mw0000205022

 

 

 

 

Melvin Rhyne • Organ-izing

 

Melvin Rhyne was born in Indianapolis in 1936 and started playing the piano shortly thereafter. At 19 years old, Rhyne started playing piano with then-unknown tenor saxophonist Rahsaan Roland Kirk but quickly switched over to the instrument that would make him famous: the Hammond B3 organ. Rhyne's piano skills translated to the organ fluently and before long he was backing famous blues players like B.B. King and T-Bone Walker. In 1959 when he was asked to join fellow Indianapolis musician Wes Montgomery's newly formed trio.

Rhyne then moved to Wisconsin and largely kept to himself for the next two decades. In 1991, however, Rhyne returned to the jazz scene, playing on Herb Ellis' album Roll Call, Brian Lynch's At the Main Event, and his own comeback The Legend. Rhyne continued to be prolific in the years to come, releasing eight more solo albums on the Criss Cross jazz label.

In 2008 Rhyne teamed up with fellow Indianapolis jazz musician Rob Dixon to form the Dixon-Rhyne Project, a boundary-pushing jazz quartet that also includes Chicago guitarist Fareed Haque and drummer Kenny Phelps. The quartet released the album Reinvention in 2008 on Indianapolis jazz label Owl Studios. Rhyne's later career trio included drummer Kenny Washington and guitarist Peter Bernstein in the same organ, guitar, drum formation of the original Wes Montgomery Trio.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/melvin-rhyne/

Note: Melvin Rhyne passed away on March 5, 2013, Indianapolis, Indiana, United States.

 

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Melvin Rhyne nació en Indianápolis en 1936 y comenzó a tocar el piano poco después. A los 19 años, Rhyne comenzó a tocar el piano con el entonces desconocido saxofonista tenor Rahsaan Roland Kirk, pero rápidamente cambió al instrumento que lo haría famoso: el órgano Hammond B3. Las habilidades de Rhyne con el piano se tradujeron al órgano con fluidez y, en poco tiempo, estaba respaldando a famosos músicos de blues como BB King y T-Bone Walker. En 1959, cuando se le pidió que se uniera al trío recién formado del músico de Indianápolis Wes Montgomery.

Rhyne luego se mudó a Wisconsin y se mantuvo en gran medida solo durante las siguientes dos décadas. En 1991, sin embargo, Rhyne regresó a la escena del jazz, tocando en el álbum Roll Call de Herb Ellis, en At the Main Event de Brian Lynch y en su propio regreso The Legend. Rhyne continuó siendo prolífica en los años siguientes, lanzando ocho álbumes más en solitario con el sello Criss Cross jazz.

En 2008, Rhyne se asoció con su colega músico de jazz de Indianápolis Rob Dixon para formar The Dixon-Rhyne Project, un cuarteto de jazz que traspasa fronteras y que también incluye al guitarrista de Chicago Fareed Haque y al baterista Kenny Phelps. El cuarteto lanzó el álbum Reinvención en 2008 en el sello de jazz de Indianápolis Owl Studios. El trío posterior de Rhyne incluyó al baterista Kenny Washington y al guitarrista Peter Bernstein en la misma formación de órgano, guitarra y batería del Trío original de Wes Montgomery.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/melvin-rhyne/

Nota: Melvin Rhyne falleció el 5 de marzo de 2013, Indianápolis, Indiana, Estados Unidos.

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Anita O'Day • Anita O'Day & The Three Sounds

Born Anita Belle Colton in Chicago, Illinois on October 18, 1919, O’Day got her start as a teen. She eventually changed her name to O’Day and in the late 1930’s began singing in a jazz club called the Off-Beat, a popular hangout for musicians like band leader and drummer Gene Krupa. In 1941 she joined Krupa’s band, and a few weeks later Krupa hired trumpeter Roy Eldridge. O’Day and Eldridge had great chemistry on stage and their duet Let Me Off Uptown became a million-dollar-seller, boosting the popularity of the Krupa band. Also that year, “Down Beat” magazine named O’Day “New Star of the Year” and, in 1942, she was selected as one of the top five big band singers.

After her stint with, Krupa, O’Day joined Stan Kenton's band. She left the band after a year and returned to Krupa. Singer Jackie Cain remembers the first time she saw O’Day with the Krupa band. “I was really impressed,” she recalls, “She (O’Day) sang with a jazz feel, and that was kind of fresh and new at the time.” Later, O’Day joined Stan Kenton’s band with whom she cut an album that featured the hit tune And Her Tears Flowed Like Wine.

In the late’40s, O’Day struck out on her own. She teamed up with drummer John Poole, with whom she played for the next 32 years. Her album Anita, which she recorded on producer Norman Granz’s new Verve label, elevated her career to new heights. She began performing in festivals and concerts with such illustrious musicians as Louis Armstrong, Dinah Washington, Georg Shearing and Thelonious Monk. O’Day also appeared in the documentary filmed at the Newport Jazz Festival in 1958 called Jazz on a Summer Day, which made her an international star.

Throughout the ‘60s Anita continued to tour and record while addicted to heroin and in 1969 she nearly died from an overdose. O’Day eventually beat her addiction and returned to work. In 1981 she published her autobiography High Times, Hard Times which, among other things, talked candidly about her drug addiction.

O'Day died in her sleep early November 23, 2006 at a convalescent hospital in Los Angeles, California, where she was recovering from a bout with pneumonia.

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Nacida Anita Belle Colton en Chicago, Illinois, el 18 de octubre de 1919, O'Day comenzó como una adolescente. Con el tiempo cambió su nombre por el de O'Day y a finales de los años 30 empezó a cantar en un club de jazz llamado Off-Beat, un lugar de reunión popular para músicos como el líder de la banda y el baterista Gene Krupa. En 1941 se unió a la banda de Krupa, y unas semanas después Krupa contrató al trompetista Roy Eldridge. O'Day y Eldridge tenían una gran química en el escenario y su dúo Let Me Off Uptown se convirtió en un vendedor de millones de dólares, impulsando la popularidad de la banda de Krupa. También ese año, la revista "Down Beat" nombró a O'Day "Nueva Estrella del Año" y, en 1942, fue seleccionada como una de las cinco mejores cantantes de grandes bandas.

Después de su paso por Krupa, O'Day se unió a la banda de Stan Kenton. Dejó la banda después de un año y regresó a Krupa. La cantante Jackie Cain recuerda la primera vez que vio a O'Day con la banda de Krupa. "Me impresionó mucho", recuerda, "Ella (O'Day) cantaba con un toque de jazz, y eso era algo fresco y nuevo en ese momento". Más tarde, O'Day se unió a la banda de Stan Kenton, con la que grabó un álbum que incluía la exitosa canción And Her Tears Flowed Like Wine.

A finales de los 40, O'Day se puso en marcha por su cuenta. Se unió al baterista John Poole, con quien tocó durante los siguientes 32 años. Su álbum Anita, que grabó con el nuevo sello Verve del productor Norman Granz, elevó su carrera a nuevas alturas. Empezó a actuar en festivales y conciertos con músicos tan ilustres como Louis Armstrong, Dinah Washington, Georg Shearing y Thelonious Monk. O'Day también apareció en el documental filmado en el Festival de Jazz de Newport en 1958 llamado Jazz on a Summer Day, que la convirtió en una estrella internacional.

A lo largo de los años 60, Anita continuó haciendo giras y grabando mientras era adicta a la heroína y en 1969 estuvo a punto de morir de una sobredosis. O'Day finalmente venció su adicción y regresó al trabajo. En 1981 publicó su autobiografía High Times, Hard Times que, entre otras cosas, hablaba con franqueza de su adicción a las drogas.

O'Day murió mientras dormía, el 23 de noviembre de 2006, en un hospital de convalecencia de Los Ángeles, California, donde se estaba recuperando de un ataque de neumonía.

The Three Sounds • Blue Genes

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that The Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- The Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

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Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que The Three Sounds mantuvo una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, The Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

 

 

 

The Three Sounds • Here We Come

The Three Sounds • Today's Sounds

Review by Ken Dryden 

This Limelight LP was the first by the Three Sounds following the departure of longtime drummer Bill Dowdy and the arrival of Kalil Mahdi. The new member stays pretty much in the background behind pianist and leader Gene Harris and bassist Andy Simpkins, barely making his presence felt. The group's brief sojourn onto the label marked a turn to a more rock and pop influence in their repertoire, as is evident in many of the poor choices for this live recording, made at the London House in Chicago in early 1966. In spite of the presence of time-tested standards like "Gee Baby, Ain't I Good to You" and "Old Folks," as well as strong jazz compositions by Sacha Distel ("The Good Life") and Ray Brown ("A.M. Blues") current hits by Petula Clark ("Downtown") and Charlie Rich ("Mohair Sam," which sounds as if it is played on a battered upright piano) hardly proved to be viable jazz vehicles. Even the pianist's two originals are a bit disappointing. Most fans will likely prefer the Three Sounds' earlier Blue Note releases or Harris' many outstanding quartet recordings during his long association with Concord during the final decades of his life over this long-out-of-print record.

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Reseña de Ken Dryden 

Este LP Limelight fue el primero de los Tres Sonidos tras la salida del batería Bill Dowdy y la llegada de Kalil Mahdi. El nuevo miembro se mantiene en un segundo plano detrás del pianista y líder Gene Harris y el bajista Andy Simpkins, apenas haciendo sentir su presencia. La breve estancia del grupo en el sello marcó un giro hacia una influencia más rock y pop en su repertorio, como es evidente en muchas de las malas elecciones para esta grabación en vivo, hecha en la London House de Chicago a principios de 1966. A pesar de la presencia de estándares tan probados como "Gee Baby, Ain't I Good to You" y "Old Folks", así como de fuertes composiciones de jazz de Sacha Distel ("The Good Life") y Ray Brown ("A.M. Blues"), los éxitos actuales de Petula Clark ("Downtown") y Charlie Rich ("Mohair Sam", que suena como si se tocara en un piano vertical maltrecho) difícilmente resultaron ser vehículos de jazz viables. Incluso los dos originales del pianista son un poco decepcionantes. La mayoría de los fans probablemente preferirán los primeros lanzamientos de Blue Note de Three Sounds o las muchas grabaciones de cuarteto de Harris durante su larga asociación con Concord durante las últimas décadas de su vida, en lugar de este disco que ya está agotado.

The Three Sounds • Elegant Soul

 Artist Biography by Stephen Thomas Erlewine

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that the Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- the Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

Gene Harris was at the center of the Three Sounds throughout its entire existence. A native of Benton Harbor, MI, he began playing piano as a child, performing in public at the age of six. He soon became distracted by boxing and sports, but he continued to perform music, occasionally in a trio with drummer Bill Dowdy. After they graduated from high school in 1951, both Harris and Dowdy joined the Army and were assigned to different units. However, both men were discharged in 1954, and after they left the Army, they began pursuing different musical careers. Harris played with a variety of bands throughout the South and Midwest, while Dowdy moved to Chicago and played with a number of blues and jazz bands. Two years later, both musicians happened to settle in South Bend, IN and decided to form a band called the Four Sounds with bassist Andrew Simpkins and a tenor saxophonist. After running through a number of tenor saxophonists unsuccessfully, the three musicians decided to jettison the horn from their group and become the Three Sounds. For the next two years, the group played regularly at Midwest venues, particularly in Ohio. They played as a trio, and they also supported such soloists as Lester Young and Sonny Stitt. During this time, Horace Silver became a fan of the group and recommended them to Alfred Lion, the head of Blue Note. Despite the good word, the group remained unsigned. They toured with Stitt and relocated to Washington, D.C., where they worked as a trio and as a rhythm section for touring soloists; during this time, they played with such musicians as Miles Davis and Kenny Burrell. In the fall of 1958, they moved to New York to work with Stitt. Shortly after the move, they signed to Blue Note, in addition to supporting Nat Adderley on a Riverside session.

The Three Sounds cut their first album for Blue Note in September of 1958. That record, Introducing the Three Sounds, became an unexpected success among record buyers, and the group's live performances earned fans like Horace Silver, Sonny Stitt, Miles Davis, and Cannonball Adderley, even if critics tended to dismiss the group. In particular, a Down Beat reviewer panned the album, but that didn't stop the public from buying the record, which soon became one of the most popular jazz records of its year. Blue Note had the band re-enter the studio in February of 1959 to cut their second album, Bottoms Up. It was the third of a total of 17 sessions at Rudy Van Gelder's studio (Introducing had taken two sessions to complete). At one point, Harris estimated that the group has released 35 albums worth of material, with many left in the vaults. During their first stint at Blue Note, they released the following, in addition to Introducing and Bottoms Up: Good Deal, Feelin' Good, Moods, Here We Come, It Just Got to Be, Hey There!, Out of This World, and Black Orchid. The Three Sounds also supported such Blue Note artists as Stanley Turrentine and Lou Donaldson on several recording dates.

The Three Sounds continued successfully on Blue Note until 1962, when they switched labels shortly after recording Black Orchid. They cut one album, Blue Genes, for Verve, then moved to Mercury, where they made three records between December 1962 and 1964. Later in 1964, the trio signed to Limelight, where they made three records. In October of 1966, the group returned to Blue Note and recorded Vibrations. Shortly after the sessions, drummer Bill Dowdy left the group and was replaced by Donald Bailey, who made his first recorded appearance with the group on 1967's Live at the Lighthouse. That album was followed in 1968 by Coldwater Flat, an album that found the trio augmenting their sound with a string section. By the time the group returned to the studio in September 1968 to cut Elegant Soul, Bailey was replaced by Carl Burnette. Elegant Soul continued the pattern of smooth, string-heavy productions, as did 1969's Soul Symphony. By the time the group made Soul Symphony, bassist Andrew Simpkins had left the trio and was replaced by Henry Franklin.

Soul Symphony, for most intents and purposes, was the last record the Three Sounds made. They continued to perform live, and one of those concerts is documented on Live at the It Club, a 1970 date which was released in 1995. Later in 1970, Monk Montgomery replaced Franklin, but this version of the Three Sounds never recorded. Instead, Harris embarked on a solo career in 1971, releasing Gene Harris & the Three Sounds, which also featured Burnette and electric bassist Luther Hughes, along with a number of session men. From that point on, Harris concentrated on his solo career, recording for Blue Note over the next six years. Once his contract expired, Harris retired to Boise, ID, where he worked as a musical director at a hotel. Eventually, he returned to music after bassist Ray Brown convinced the pianist to play on an album for Pablo. Harris resumed his solo career in 1985, signing with Concord Jazz. His new albums, combined with CD reissues of classic Three Sounds dates, prompted a positive critical re-evaluation of his music, and he maintained a strong reputation into the late '90s.

https://www.allmusic.com/artist/the-3-sounds-mn0000478633/biography

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 Biografía del artista por Stephen Thomas Erlewine

Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que los Three Sounds mantuvieron una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, los Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

Gene Harris estuvo en el centro de los Tres Sonidos durante toda su existencia. Nacido en Benton Harbor, Michigan, empezó a tocar el piano de niño, actuando en público a los seis años. Pronto se distrajo con el boxeo y los deportes, pero continuó tocando música, ocasionalmente en un trío con el baterista Bill Dowdy. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1951, tanto Harris como Dowdy se unieron al ejército y fueron asignados a diferentes unidades. Sin embargo, ambos fueron dados de baja en 1954, y después de dejar el Ejército, comenzaron a seguir carreras musicales diferentes. Harris tocó con una variedad de bandas en todo el sur y el medio oeste, mientras que Dowdy se mudó a Chicago y tocó con varias bandas de blues y jazz. Dos años más tarde, ambos músicos se establecieron en South Bend, IN y decidieron formar una banda llamada Four Sounds con el bajista Andrew Simpkins y un saxofonista tenor. Después de pasar por varios saxofonistas tenores sin éxito, los tres músicos decidieron deshacerse de la trompa de su grupo y convertirse en los Tres Sonidos. Durante los dos años siguientes, el grupo tocó regularmente en lugares del Medio Oeste, particularmente en Ohio. Tocaron como trío, y también apoyaron a solistas como Lester Young y Sonny Stitt. Durante este tiempo, Horace Silver se hizo fan del grupo y los recomendó a Alfred Lion, el jefe de Blue Note. A pesar de la buena noticia, el grupo permaneció sin firmar. Hicieron una gira con Stitt y se trasladaron a Washington, D.C., donde trabajaron como trío y como sección rítmica para solistas de gira; durante este tiempo, tocaron con músicos como Miles Davis y Kenny Burrell. En el otoño de 1958, se mudaron a Nueva York para trabajar con Stitt. Poco después del traslado, firmaron con Blue Note, además de apoyar a Nat Adderley en una sesión de Riverside.

Los Three Sounds grabaron su primer álbum para Blue Note en septiembre de 1958. Ese disco, Introducing the Three Sounds, se convirtió en un éxito inesperado entre los compradores de discos, y las actuaciones en vivo del grupo ganaron fans como Horace Silver, Sonny Stitt, Miles Davis, y Cannonball Adderley, aunque los críticos tendían a descartar al grupo. En particular, un crítico de Down Beat analizó el álbum, pero eso no impidió que el público comprara el disco, que pronto se convirtió en uno de los discos de jazz más populares de su año. Blue Note hizo que la banda volviera al estudio en febrero de 1959 para grabar su segundo álbum, Bottoms Up. Fue el tercero de un total de 17 sesiones en el estudio de Rudy Van Gelder (Introducing había tardado dos sesiones en completarse). En un momento dado, Harris estimó que el grupo había lanzado 35 álbumes con material, y que muchos quedaban en las bóvedas. Durante su primera temporada en Blue Note, lanzaron los siguientes, además de Introducing y Bottoms Up: Good Deal, Feelin' Good, Moods, Here We Come, It Just Got to Be, Hey There!, Out of This World, y Black Orchid. The Three Sounds también apoyó a artistas de Blue Note como Stanley Turrentine y Lou Donaldson en varias fechas de grabación.

Los Tres Sonidos continuaron con éxito en Blue Note hasta 1962, cuando cambiaron de etiqueta poco después de grabar Orquídea Negra. Grabaron un álbum, Blue Genes, para Verve, y luego se trasladaron a Mercury, donde grabaron tres discos entre diciembre de 1962 y 1964. Más tarde, en 1964, el trío firmó con Limelight, donde grabaron tres discos. En octubre de 1966, el grupo volvió a Blue Note y grabó Vibrations. Poco después de las sesiones, el baterista Bill Dowdy dejó el grupo y fue reemplazado por Donald Bailey, quien hizo su primera aparición discográfica con el grupo en 1967 en Live at the Lighthouse. A ese álbum le siguió en 1968 Coldwater Flat, un álbum que encontró al trío aumentando su sonido con una sección de cuerdas. Cuando el grupo volvió al estudio en septiembre de 1968 para grabar Elegant Soul, Bailey fue reemplazado por Carl Burnette. Elegant Soul continuó el patrón de producciones suaves y con cuerdas, como lo hizo la Sinfonía Soul de 1969. Para cuando el grupo hizo la Sinfonía Soul, el bajista Andrew Simpkins había dejado el trío y fue reemplazado por Henry Franklin.

La Sinfonía del Alma, para la mayoría de los intentos y propósitos, fue el último disco que hicieron los Tres Sonidos. Continuaron tocando en vivo, y uno de esos conciertos está documentado en Live at the It Club, una fecha de 1970 que fue lanzada en 1995. Más tarde en 1970, Monk Montgomery reemplazó a Franklin, pero esta versión de los Tres Sonidos nunca se grabó. En su lugar, Harris se embarcó en una carrera en solitario en 1971, lanzando Gene Harris & the Three Sounds, que también contó con Burnette y el bajista eléctrico Luther Hughes, junto con varios hombres de sesión. A partir de entonces, Harris se concentró en su carrera en solitario, grabando para Blue Note durante los siguientes seis años. Una vez que su contrato expiró, Harris se retiró a Boise, ID, donde trabajó como director musical en un hotel. Finalmente, volvió a la música después de que el bajista Ray Brown convenciera al pianista de que tocara en un álbum para Pablo. Harris reanudó su carrera en solitario en 1985, firmando con Concord Jazz. Sus nuevos álbumes, combinados con reediciones de CD de fechas clásicas de Three Sounds, provocaron una positiva reevaluación crítica de su música, y mantuvo una sólida reputación a finales de los 90.

https://www.allmusic.com/artist/the-3-sounds-mn0000478633/biography

 

 

 

Jimmy Smith • Sum Serious Blues

Review by Scott Yanow
Organist Jimmy Smith performs a spirited set of blues-based material (only "You've Changed" is a change of pace) with a dozen of his Los Angeles-based friends including trumpeter Oscar Brashear, the underrated tenor Herman Riley (who is best among the supporting cast), guitarist Philip Upchurch and singers Marlena Shaw and Bernard Ighner who have two vocals apiece. Nothing that surprising occurs other than Smith's surprisingly effective vocal on "Hurry Change, If You're Comin'," but the swinging music, which was arranged by Johnny Pate, should please Jimmy Smith's fans.

 

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Reseña de Scott Yanow
El organista Jimmy Smith interpreta un animado conjunto de material basado en el blues (sólo "You've Changed" es un cambio de ritmo) con una docena de sus amigos de Los Ángeles, incluyendo al trompetista Oscar Brashear, el infravalorado tenor Herman Riley (que es el mejor entre el reparto secundario), el guitarrista Philip Upchurch y los cantantes Marlena Shaw y Bernard Ighner que tienen dos voces cada uno. No hay nada tan sorprendente como la voz sorprendentemente efectiva de Smith en "Hurry Change, If You're Comin'", pero la música swing, que fue arreglada por Johnny Pate, debería complacer a los fans de Jimmy Smith.

The Three Sounds • Out of this world

Review by Stephen Thomas Erlewine

Out of This World relies less on originals than before, concentrating on standards which sound startlingly fresh. It's the loose, flexible groove that's the key. Simpkins and Dowdy keep things on track, while Gene Harris plays -- he can be nimble, he can pound, but he keeps the music flowing at a nice, easy pace. He has a good sense of the groove, and he stays within the groove even as he plays a lot of notes; it's truly an individual style. Despite the R&B-flavored arrangements on "Girl of My Dreams" and the swinging, gospel-inflected "Sanctified Sue," Out of This World is a particularly light and breezy record from the Three Sounds. They're just as comfortable stretching out with the groove as they are with keeping things short, simple, and concise -- either way, it's thoroughly enjoyable music. But no matter how easy the group is to enjoy, they have true style, as Harris' bluesy flourishes and the rhythm section's supple support illustrate. It's hard to sound this light and easy, and the Three Sounds pull it off with grace.

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Traducción Automática:

Revisión por Stephen Thomas Erlewine
Out of This World se basa menos en los originales que antes, concentrándose en estándares que suenan sorprendentemente nuevos. Es la ranura flexible y suelta que es la clave. Simpkins y Dowdy mantienen las cosas en el buen camino, mientras que Gene Harris toca: puede ser ágil, puede golpear, pero mantiene la música fluyendo a un ritmo agradable y fácil. Tiene un buen sentido del ritmo, y se mantiene dentro del ritmo incluso cuando toca muchas notas; Es verdaderamente un estilo individual. A pesar de los arreglos con sabor a R & B en "Girl of My Dreams" y de la "Sueña Santificada" oscilante e inflexionable, "Out of This World" es un disco particularmente ligero y ventoso de Three Sounds. Son tan cómodos estirándose con el ritmo como lo son manteniendo las cosas cortas, simples y concisas; en cualquier caso, es una música muy agradable. Pero no importa lo fácil que sea disfrutar el grupo, tienen un estilo verdadero, como lo demuestran los blues de Harris y el apoyo flexible de la sección de ritmo. Es difícil hacer este sonido ligero y fácil, y los Tres Sonidos lo logran con gracia.

George Shearing Trio & Stephane Grappelli • The Reunion

 

 

Review by Ron Wynn
A wonderful duo release from '76 with pianist George Shearing collaborating with violinist Stephane Grappelli. Shearing's sessions are usually more introspective and light than upbeat and hot, but Grappelli's soaring, exuberant violin solos seem to put a charge into Shearing, who responds with some of his hottest playing in many years.
https://www.allmusic.com/album/the-reunion-mw0000649727

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Reseña de Ron Wynn
Un maravilloso lanzamiento a dúo del ' 76 con el pianista George Shearing colaborando con el violinista Stephane Grappelli. Las sesiones de Shearing suelen ser más introspectivas y ligeras que optimistas y calientes, pero los exuberantes solos de violín de Grappelli parecen ponerle una carga a Shearing, quien responde con algunas de sus mejores interpretaciones en muchos años.
https://www.allmusic.com/album/the-reunion-mw0000649727

Jack Wilson • Song For My Daughter

 

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
On Song for My Daughter, his third record for Blue Note, Jack Wilson "changed with the times," to paraphrase one of the record's songs. Like many of his peers on the label, Wilson pursued a pop direction as the '60s drew to a close, which meant he covered pop hits like "Scarborough Fair/Canticle" and "Stormy," and that he recorded the album with a large band augmented by a string section. It is a testament to Wilson's strengths as a pianist that he doesn't get lost in this heavy-handed setting and manages to contribute some typically graceful moments, including the lovely title song. Nevertheless, the song selection is a little uneven, and there isn't much room for the band to improvise, which makes the album of marginal interest to serious jazz listeners. Audience that aren't quite so concerned such matters will find this an engaging pop-jazz album. Although the production has dated somewhat, it remains a pleasant artifact of its time, and fans of that sound should search for it.
https://www.allmusic.com/album/song-for-my-daughter-mw0000914146

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
En Song for My Daughter, su tercer disco para Blue Note, Jack Wilson "cambió con los tiempos", parafraseando una de las canciones del disco. Como muchos de sus colegas de la discográfica, Wilson se orientó hacia el pop a medida que los años 60 se acercaban a su fin, lo que le llevó a versionar éxitos del pop como "Scarborough Fair/Canticle" y "Stormy", y a grabar el álbum con una gran banda aumentada por una sección de cuerda. Es una prueba de la fuerza de Wilson como pianista que no se pierda en esta pesada configuración y consiga contribuir con algunos momentos típicamente elegantes, incluida la encantadora canción que da título al disco. Sin embargo, la selección de canciones es un poco desigual, y no hay mucho espacio para que la banda improvise, lo que hace que el álbum tenga un interés marginal para los oyentes de jazz serios. El público que no esté tan preocupado por estas cuestiones encontrará en este álbum un atractivo pop-jazz. Aunque la producción ha quedado algo anticuada, sigue siendo un agradable artefacto de su época, y los fans de ese sonido deberían buscarlo.
https://www.allmusic.com/album/song-for-my-daughter-mw0000914146

Monty Alexander • In Tokyo

Review by Scott Yanow

A straightforward outing with his trio (which also includes bassist Andy Simpkins and drummer Frank Gant), this excellent studio set features pianist Monty Alexander displaying his bop chops and creativity in a straightahead setting. Highlights include "Broadway," Oscar Pettiford's "Tricotism" and "Never Let Me Go."

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Traducción Automática:

Revisión por Scott Yanow

Una excelente presentación con su trío (que también incluye al bajista Andy Simpkins y al baterista Frank Gant), este excelente set de estudio presenta al pianista Monty Alexander mostrando sus habilidades y creatividad en un ambiente de cabeza recta. Los aspectos más destacados incluyen "Broadway", "Tricotismo" de Oscar Pettiford y "Nunca me dejes ir".

www.montyalexander.com ...

Freddie Hubbard • Back to Birdland

 

Review
by Scott Yanow
This well-recorded outing (which has been reissued on CD by Drive Archive) was trumpeter Freddie Hubbard's first worthwhile studio recording (with the exception of Super Blue) since the mid-'70s. Essentially a bebop date, Hubbard is teamed with a sextet comprised of altoist Richie Cole, trombonist Ashley Alexander, pianist George Cables, bassist Andy Simpkins and drummer John Dentz; altoist Med Flory sits in on "Byrdlike." Hubbard shows on such standards as "Shaw Nuff," "Star Eyes" and "Lover Man" that he could still play straightahead jazz with the best of them, Alexander is featured on "Stella by Starlight" and Cole is also in excellent form.
https://www.allmusic.com/album/back-to-birdland-mw0000188196


Biography
by Scott Yanow
One of the great jazz trumpeters of all time, Freddie Hubbard formed his sound out of the Clifford Brown/Lee Morgan tradition, and by the early '70s was immediately distinctive and the pacesetter in jazz. However, a string of blatantly commercial albums later in the decade damaged his reputation and, just when Hubbard, in the early '90s (with the deaths of Dizzy Gillespie and Miles Davis), seemed perfectly suited for the role of veteran master, his chops started causing him serious troubles.

Born and raised in Indianapolis, Hubbard played early on with Wes and Monk Montgomery. He moved to New York in 1958, roomed with Eric Dolphy (with whom he recorded in 1960), and was in the groups of Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton, and J.J. Johnson, before touring Europe with Quincy Jones (1960-1961). He recorded with John Coltrane, participated in Ornette Coleman's Free Jazz (1960), was on Oliver Nelson's classic Blues and the Abstract Truth album (highlighted by "Stolen Moments"), and started recording as a leader for Blue Note that same year. Hubbard gained fame playing with Art Blakey's Jazz Messengers (1961-1964) next to Wayne Shorter and Curtis Fuller. He recorded Ascension with Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) with Eric Dolphy, and Maiden Voyage with Herbie Hancock, and, after a period with Max Roach (1965-1966), he led his own quintet, which at the time usually featured altoist James Spaulding. A blazing trumpeter with a beautiful tone on flügelhorn, Hubbard fared well in freer settings but was always essentially a hard bop stylist.

In 1970, Freddie Hubbard recorded two of his finest albums (Red Clay and Straight Life) for CTI. The follow-up, First Light (1971), was actually his most popular date, featuring Don Sebesky arrangements. But after the glory of the CTI years (during which producer Creed Taylor did an expert job of balancing the artistic with the accessible), Hubbard made the mistake of signing with Columbia and recording one dud after another; Windjammer (1976) and Splash (a slightly later effort for Fantasy) are low points. However, in 1977, he toured with Herbie Hancock's acoustic V.S.O.P. Quintet and, in the 1980s, on recordings for Pablo, Blue Note, and Atlantic, he showed that he could reach his former heights (even if much of the jazz world had given up on him). But by the late '80s, Hubbard's "personal problems" and increasing unreliability (not showing up for gigs) started to really hurt him, and a few years later his once mighty technique started to seriously falter. In late 2008, Hubbard suffered a heart attack that left him hospitalized until his death at age 70 on December 29 of that year.Freddie Hubbard's fans can still certainly enjoy his many recordings for Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo, and his first Music Masters sets.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

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Reseña
por Scott Yanow
Esta salida bien grabada (que ha sido reeditada en CD por Drive Archive) fue la primera grabación de estudio que merece la pena del trompetista Freddie Hubbard (con la excepción de Super Blue) desde mediados de los años 70. Esencialmente una fecha de bebop, Hubbard se une a un sexteto compuesto por el contralto Richie Cole, el trombonista Ashley Alexander, el pianista George Cables, el bajista Andy Simpkins y el baterista John Dentz; el contralto Med Flory se sienta en "Byrdlike". Hubbard demuestra en estándares como "Shaw Nuff", "Star Eyes" y "Lover Man" que todavía puede tocar jazz directo con los mejores, Alexander aparece en "Stella by Starlight" y Cole también está en excelente forma.
https://www.allmusic.com/album/back-to-birdland-mw0000188196


Biografía
por Scott Yanow
Uno de los grandes trompetistas de jazz de todos los tiempos, Freddie Hubbard formó su sonido a partir de la tradición de Clifford Brown/Lee Morgan, y a principios de los años 70 era inmediatamente distintivo y el líder del jazz. Sin embargo, una serie de álbumes descaradamente comerciales a finales de la década dañaron su reputación y, justo cuando Hubbard, a principios de los 90 (con la muerte de Dizzy Gillespie y Miles Davis), parecía perfectamente apto para el papel de maestro veterano, sus chuletas empezaron a causarle serios problemas.

Nacido y criado en Indianápolis, Hubbard tocó en sus inicios con Wes y Monk Montgomery. Se trasladó a Nueva York en 1958, compartió habitación con Eric Dolphy (con quien grabó en 1960), y estuvo en los grupos de Philly Joe Jones (1958-1959), Sonny Rollins, Slide Hampton y J.J. Johnson, antes de hacer una gira por Europa con Quincy Jones (1960-1961). Grabó con John Coltrane, participó en el Free Jazz de Ornette Coleman (1960), estuvo en el clásico álbum Blues and the Abstract Truth de Oliver Nelson (en el que destaca "Stolen Moments") y empezó a grabar como líder para Blue Note ese mismo año. Hubbard ganó fama tocando con los Jazz Messengers de Art Blakey (1961-1964) junto a Wayne Shorter y Curtis Fuller. Grabó Ascension con Coltrane (1965), Out to Lunch (1964) con Eric Dolphy, y Maiden Voyage con Herbie Hancock, y, tras un periodo con Max Roach (1965-1966), dirigió su propio quinteto, que en aquella época solía contar con el contralto James Spaulding. Hubbard, un trompetista ardiente con un hermoso tono en el flügelhorn, se desenvolvió bien en entornos más libres, pero siempre fue esencialmente un estilista del hard bop.

En 1970, Freddie Hubbard grabó dos de sus mejores álbumes (Red Clay y Straight Life) para CTI. La continuación, First Light (1971), fue en realidad su fecha más popular, con arreglos de Don Sebesky. Pero después de la gloria de los años de CTI (durante los cuales el productor Creed Taylor hizo un trabajo experto para equilibrar lo artístico con lo accesible), Hubbard cometió el error de firmar con Columbia y grabar un fracaso tras otro; Windjammer (1976) y Splash (un esfuerzo ligeramente posterior para Fantasy) son puntos bajos. Sin embargo, en 1977, realizó una gira con el quinteto acústico V.S.O.P. de Herbie Hancock y, en la década de 1980, en grabaciones para Pablo, Blue Note y Atlantic, demostró que podía alcanzar sus antiguas cotas (aunque gran parte del mundo del jazz se había rendido ante él). Pero a finales de los 80, los "problemas personales" de Hubbard y su creciente falta de fiabilidad (no presentarse a los conciertos) empezaron a perjudicarle de verdad, y unos años más tarde su otrora poderosa técnica empezó a flaquear seriamente. A finales de 2008, Hubbard sufrió un ataque al corazón que lo dejó hospitalizado hasta su muerte, a los 70 años, el 29 de diciembre de ese año.Los fans de Freddie Hubbard pueden seguir disfrutando, sin duda, de sus numerosas grabaciones para Blue Note, Impulse, Atlantic, CTI, Pablo y sus primeros sets de Music Masters.
https://www.allmusic.com/artist/freddie-hubbard-mn0000798326/biography

The Three Sounds • Black Orchid + Bonus

 

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that The Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- The Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

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Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que The Three Sounds mantuvo una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, The Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

 

 

The Three Sounds • Some Like It Modern

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that The Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- The Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

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Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que The Three Sounds mantuvo una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, The Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.

 

Jimmy Smith • Sum Serious Blues

Review by Scott Yanow
Organist Jimmy Smith performs a spirited set of blues-based material (only "You've Changed" is a change of pace) with a dozen of his Los Angeles-based friends including trumpeter Oscar Brashear, the underrated tenor Herman Riley (who is best among the supporting cast), guitarist Philip Upchurch and singers Marlena Shaw and Bernard Ighner who have two vocals apiece. Nothing that surprising occurs other than Smith's surprisingly effective vocal on "Hurry Change, If You're Comin'," but the swinging music, which was arranged by Johnny Pate, should please Jimmy Smith's fans.

 

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Reseña de Scott Yanow
El organista Jimmy Smith interpreta un animado conjunto de material basado en el blues (sólo "You've Changed" es un cambio de ritmo) con una docena de sus amigos de Los Ángeles, incluyendo al trompetista Oscar Brashear, el infravalorado tenor Herman Riley (que es el mejor entre el reparto secundario), el guitarrista Philip Upchurch y los cantantes Marlena Shaw y Bernard Ighner que tienen dos voces cada uno. No hay nada tan sorprendente como la voz sorprendentemente efectiva de Smith en "Hurry Change, If You're Comin'", pero la música swing, que fue arreglada por Johnny Pate, debería complacer a los fans de Jimmy Smith.

 

 

The Three Sounds • Live at the Lighthouse

 

by Stephen Thomas Erlewine
 Shortly after the Vibrations sessions, the Three Sounds had their first major personnel shakeup when William Dowdy left the group. Donald Bailey replaced the drummer, and the group played a number of live dates over the course of 1967. During that summer, their concerts at the famed Los Angeles venue the Lighthouse were recorded and released as Live at the Lighthouse. The selection of nine Three Sounds staples gives the group a chance to stretch out and prove that they could survive without Dowdy. Not only do they prove that they can carry on without him, they flourish. The music on Live at the Lighthouse is hotter than some of their studio recordings, pulsating with energy and good feelings, demonstrating that they had worked out any of the problems that hampered Vibrations. It's their finest set since Black Orchid.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-lighthouse-mw0000059229

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por Stephen Thomas Erlewine
 Poco después de las sesiones de Vibrations, los Three Sounds tuvieron su primera gran reorganización de personal cuando William Dowdy abandonó el grupo. Donald Bailey sustituyó al batería y el grupo tocó varias veces en directo a lo largo de 1967. Durante ese verano, sus conciertos en el famoso local de Los Ángeles Lighthouse se grabaron y publicaron como Live at the Lighthouse. La selección de nueve temas básicos de Three Sounds da al grupo la oportunidad de estirarse y demostrar que pueden sobrevivir sin Dowdy. No sólo demuestran que pueden seguir sin él, sino que florecen. La música de Live at the Lighthouse es más ardiente que algunas de sus grabaciones de estudio, palpitante de energía y buenos sentimientos, demostrando que han resuelto todos los problemas que obstaculizaron Vibrations. Es su mejor álbum desde Black Orchid.
https://www.allmusic.com/album/live-at-the-lighthouse-mw0000059229

 

The Three Sounds & The Oliver Nelson Orchestra • Coldwater Flat

 

Review
by Stephen Thomas Erlewine
Live at the Lighthouse captured the Three Sounds at their jazziest, but Coldwater Flat, the first studio session pianist Gene Harris and bassist Andrew Simpkins recorded with new drummer Donald Bailey, takes a different path. For this date, the group decided to emphasize its pop side, recording the record with the lush Oliver Nelson Orchestra and choosing to cover such pop hits as "The Look of Love" and "Last Train to Clarksville." The closing number, "Star Trek," is actually an original by Harris, unrelated to the TV show. One of the primary attractions of the Three Sounds' sound was its simplicity and their ability to find so much variation within the trio format. That magic is somewhat lost with the orchestra, which tends to overwhelm the trio. More than anything, that is what prevents Coldwater Flat from ranking among the group's finest efforts, but the glossy production has its appealing moments as well, and the record does function well as pleasant background music, even if it veers too close to easy listening to be true jazz.
https://www.allmusic.com/album/coldwater-flat-mw0000874259

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Reseña
por Stephen Thomas Erlewine
Live at the Lighthouse capturó a los Three Sounds en su momento más jazzístico, pero Coldwater Flat, la primera sesión de estudio que el pianista Gene Harris y el bajista Andrew Simpkins grabaron con el nuevo batería Donald Bailey, toma un camino diferente. Para esta fecha, el grupo decidió enfatizar su lado pop, grabando el disco con la exuberante Oliver Nelson Orchestra y eligiendo versionar éxitos pop como "The Look of Love" y "Last Train to Clarksville." El número final, "Star Trek", es en realidad un original de Harris, sin relación con la serie de televisión. Uno de los principales atractivos del sonido de los Three Sounds era su sencillez y su capacidad para encontrar tantas variaciones dentro del formato de trío. Esa magia se pierde un poco con la orquesta, que tiende a abrumar al trío. Más que nada, eso es lo que impide que Coldwater Flat figure entre los mejores trabajos del grupo, pero la lustrosa producción también tiene sus momentos atractivos, y el disco funciona bien como agradable música de fondo, aunque se acerque demasiado a la escucha fácil para ser verdadero jazz.
https://www.allmusic.com/album/coldwater-flat-mw0000874259

The Three Sounds • Hey There

The Three Sounds were one of the most popular artists on Blue Note Records during the late '50s and '60s, thanks to their nimble, swinging, blues-inflected mainstream jazz. Since their records sounded interchangeable and their warm, friendly jazz was instantly accessible, many critics dismissed the group at the time as lounge-jazz, but in the '90s, critical consensus agreed that the group's leader, pianist Gene Harris, was an accomplished, unique stylist whose very ease of playing disguised his technical skill. Similarly, his colleagues, bassist Andrew Simpkins and drummer Bill Dowdy, were a deft, capable rhythm section that kept the group in an appealing, bluesy groove. That groove was so appealing that The Three Sounds maintained a large fan following into the late '60s. During the group's prime period -- from their 1958 debut for Blue Note to the departure of Dowdy in 1967 -- The Three Sounds cut an enormous number of records. Many records hit the shelves, while others stayed in the vaults, to be issued at a later date. Through it all, the trio's sound remained essentially the same, with no real dip in quality until the group began to splinter in the late '60s.

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Los Three Sounds fueron uno de los artistas más populares de Blue Note Records a finales de los años 50 y 60, gracias a su ágil, swinging, blues-influenciado por el jazz convencional. Como sus discos sonaban intercambiables y su jazz cálido y amigable era accesible al instante, muchos críticos descartaron al grupo en ese momento como lounge-jazz, pero en los 90, el consenso de la crítica coincidió en que el líder del grupo, el pianista Gene Harris, era un estilista consumado y único cuya gran facilidad para tocar disfrazaba su habilidad técnica. Del mismo modo, sus colegas, el bajista Andrew Simpkins y el baterista Bill Dowdy, eran una sección rítmica hábil y capaz que mantenía al grupo en un atractivo ritmo de blues. Ese ritmo era tan atractivo que The Three Sounds mantuvo una gran afición a finales de los 60. Durante el período de apogeo del grupo, desde su debut en 1958 con Blue Note hasta la salida de Dowdy en 1967, The Three Sounds grabaron un enorme número de discos. Muchos discos llegaron a los estantes, mientras que otros se quedaron en las bóvedas, para ser emitidos en una fecha posterior. A través de todo esto, el sonido del trío permaneció esencialmente igual, sin una verdadera disminución en la calidad hasta que el grupo comenzó a escindirse a finales de los 60.