George Benson • In Concert - Carnegie Hall

 

Review by Thom Jurek
In Concert -- Carnegie Hall is George Benson's final recording for Creed Taylor's CTI label, and was mostly recorded on one night in 1975. There was some additional recording done at Rudy Van Gelder's studio in 1976, where Taylor replaced the original rhythm section of Wayne Dockery on bass and Marvin Chapell on drums with Will Lee and Steve Gadd, for whatever reason Taylor had at the time. Regardless, this is a solid "live" effort with Benson cooking on all burners, beginning with a monster version of Dave Brubeck's "Take Five," which had been cut on an earlier album and had become a staple in the live set. Organist Ronnie Foster's backing skills here are indispensable, as they keep Benson talking to the other members of the band. The version of "Summertime" here could have been recorded by Phil Spector. The concert version of the tune -- on which Benson takes a vocal -- has been added to with the substitution of the rhythm section and the later addition of a string orchestra in the studio. (Perhaps Taylor understood Benson's crossover appeal; he would cross over into the pop charts on Warner the next year with "This Masquerade.") The crowd dug it, but it's simply OK over the test of time. Hipper is the long snaky groove of Benson's own "Gone," with begins with the steady pulse of Hubert Laws playing a counterpoint foil on flute. The entwining harmonic interplay between the two is gorgeous and goes on for over ten minutes. The band then takes on Freddie Hubbard's "Sky Dive" with real aplomb. The Latin rhythm and slippery guitar by Benson pull the rhythm section up a notch before he begins the head. His funky articulation of fifths and then eighths in his break is mesmerizing. The way Chapell rides the cymbal like a bell is particularly satisfying. The album closes on another Benson original with Laws popping in again. It's called "Octane." Over ten minutes in length, it begins with Benson in full roar before the time signature changes and triples, feeling like a bebop tune more than anything else. Foster keeps it all grounded, but this baby swings so hard it threatens to lift off. In retrospect, listening to this record in the 21st century, it's difficult to imagine Benson making the switch from a classy guitar firebrand to a pop star so quickly.
https://www.allmusic.com/album/in-concert-carnegie-hall-mw0000195308

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Reseña de Thom Jurek
En concierto Carn Carnegie Hall es la última grabación de George Benson para el sello CTI de Creed Taylor, y se grabó principalmente en una noche de 1975. Hubo algunas grabaciones adicionales realizadas en el estudio de Rudy Van Gelder en 1976, donde Taylor reemplazó la sección rítmica original de Wayne Dockery al bajo y Marvin Chapell a la batería con Will Lee y Steve Gadd, por la razón que Taylor tenía en ese momento. De todos modos, este es un sólido esfuerzo "en vivo" con Benson cocinando en todos los quemadores, comenzando con una versión monstruosa de "Take Five" de Dave Brubeck, que había sido cortada en un álbum anterior y se había convertido en un elemento básico en el set en vivo. Las habilidades de acompañamiento del organista Ronnie Foster aquí son indispensables, ya que mantienen a Benson hablando con los otros miembros de la banda. La versión de "Summertime" aquí podría haber sido grabada por Phil Spector. La versión de concierto de la melodía, en la que Benson toma una voz, se ha agregado con la sustitución de la sección rítmica y la posterior adición de una orquesta de cuerdas en el estudio. (Quizás Taylor entendió el atractivo cruzado de Benson; entraría en las listas de éxitos de Warner el año siguiente con " This Masquerade.") La multitud lo cavó, pero simplemente está bien con el paso del tiempo. Hipper es el largo ritmo serpenteante de "Gone" del propio Benson, que comienza con el pulso constante de Hubert Laws tocando un contrapunto en la flauta. La interacción armónica entrelazada entre los dos es hermosa y dura más de diez minutos. Luego, la banda aborda "Sky Dive" de Freddie Hubbard con verdadero aplomo. El ritmo latino y la guitarra resbaladiza de Benson elevan la sección rítmica un poco antes de comenzar a tocar la cabeza. Su articulación funky de quintas y luego octavas en su descanso es fascinante. La forma en que Chapell monta el platillo como una campana es particularmente satisfactoria. El álbum cierra con otro original de Benson con Laws apareciendo nuevamente. Se llama " Octane."Con más de diez minutos de duración, comienza con Benson en pleno rugido antes de que el compás cambie y se triplique, sintiéndose como una melodía de bebop más que cualquier otra cosa. Foster mantiene todo conectado a tierra, pero este bebé se balancea tan fuerte que amenaza con despegar. En retrospectiva, al escuchar este disco en el siglo XXI, es difícil imaginar a Benson haciendo el cambio de una guitarra elegante a una estrella del pop tan rápidamente.
https://www.allmusic.com/album/in-concert-carnegie-hall-mw0000195308

Thievery Corporation • Saudade

 

There’s no English analog for the Portuguese word saudade, which translates roughly to a melancholic longing for someone or something from the past. The term so aptly fits Thievery Corporation’s oeuvre (always wistful and dreamy) that it’s a wonder this is the first time the D.C. duo have employed it as an album title. Looking to the sounds of Brazil–bossa nova, samba, tropicalia–for their seventh long-player, longtime musical partners Rob Garza and Eric Hilton deliver a set that evokes shimmering seascapes and poolside cocktails. It’s the kind of album James Bond would put on for a romantic evening in Rio.

Saudade‘s expressive acoustic guitars and placid string arrangements meld sweetly with delicate synths and gentle percussion, as a rotating cast of five female vocalists coo sensuous melodies. While many of these songs (“Quem Me Leva,” the title track) are bold adventurers into new sonic territory, others, such as “Depth of My Soul” and “Firelight,” are vintage Thievery Corporation with a Brazilian twist: deeply groovy and endlessly mesmerizing.

https://thieverycorporation.com/saudade/

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No existe un análogo en inglés para la palabra portuguesa saudade, que se traduce más o menos como un anhelo melancólico por alguien o algo del pasado. El término encaja tan bien en la obra de Thievery Corporation (siempre melancólico y soñador) que es una maravilla que esta sea la primera vez que el dúo de D.C. lo emplea como título de álbum. Contemplando los sonidos de Brasil -bossa nova, samba, tropicalia- para su séptimo compañero musical, Rob Garza y Eric Hilton, ofrecen un conjunto que evoca paisajes marinos resplandecientes y cócteles junto a la piscina. Es el tipo de álbum que James Bond pondría para una noche romántica en Río.

Las expresivas guitarras acústicas y los plácidos arreglos de cuerdas de Saudade se funden dulcemente con sintetizadores delicados y percusión suave, como un elenco rotativo de cinco vocalistas femeninas que cantan melodías sensuales. Mientras que muchas de estas canciones ("Quem Me Leva", la canción del título) son aventureros atrevidos en un nuevo territorio sonoro, otras, como "Depth of My Soul" y "Firelight", son de época de Thievery Corporation con un toque brasileño: profundamente groovy e infinitamente hipnotizante.

https://thieverycorporation.com/saudade/


thieverycorporation.com ...

 

Bobby Lyle • The Way I Feel

 

Pianist and composer Bobby Lyle's first encounter with the great Hammond B-3 player Jimmy Smith was in a Minneapolis nightclub called Big Al's, where the then-teenaged Lyle performed as the "local talent" on the downstairs stage. Upstairs, Smith was playing as the headliner and Lyle, after finishing his set as quickly as possible, raced upstairs to hear Smith and perhaps shake his hand.

"Jimmy was a black belt in karate," says Lyle of that first meeting. "So when he shook my hand, he almost broke my little fingers!"

Lyle would go on to teach himself the organ on the job by playing organs he came across in Minneapolis' nightclubs, including the occasional strip club. There are some things you just can't learn in a music conservatory.

The Way I Feel, is Lyle's tribute to Smith—who, shortly after that memorable first handshake, became a personal mentor and friend to the young organist/pianist. This recording, Lyle's first since 2006, may come as a surprise to those who know him only for his beautifully arranged and produced chart-topping albums of jazz, funk, fusion, and so-called smooth jazz, as it is the first album where Lyle plays Hammond B-3 organ on every track.

The CD is also a tribute to the great guitarist Wes Montgomery, who recorded several popular, genre-busting albums with Smith back in the sixties. Houston-based guitarist Brennen Nase steps up and steps into Montgomery's role and his playing is a joy to hear. Montgomery's sound and technique—not to mention right hand thumb—were truly one of a kind. Nase easily navigates what amounts to several decades of guitar history, channeling Montgomery on the standard "Baby It's Cold Outside" and the Lyle-penned tribute, "Feelin' Wes," bringing some inspired funk to Lyle's "Horizon," and stepping on the distortion pedal for "Hard Workin' Man," which includes some vocals from Lyle and the CD's featured drummer, Patrick Williams.

Not content to just recreate a 1965 Verve recording session, Lyle brings the Hammond B-3's legacy into the 21st century for a program that includes New Orleans second line, gospel, and even sixties-era go-go music. The playing on The Way I Feel is tight and inspired and Lyle's organ playing burns throughout.

Smith may arguably be responsible for making the Hammond B-3 a "viable lead jazz instrument," but with The Way I Feel, Lyle and his co-conspirators carry that legacy and kick it into a funky future.

Track Listing: The Cat; Feelin' Wes; Baby It's Cold Outside; Diddley Boom Boom (French Quarter Strut); B's Bop; Horizon; The Way I Feel; On The Fly; Hard Workin' Man; Walk On The Wild Side.

Personnel: Bobby Lyle: Hammond B-3 organ, acoustic piano, synthesizer; Brennen Nase: guitar; Patrick Williams: drums; Mark Simmons: drums; Mark Prince: drums; Keith Vivens: bass; Milton Comeaux: percussion.

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El primer encuentro del pianista y compositor Bobby Lyle con el gran jugador de Hammond B-3 Jimmy Smith fue en un club nocturno de Minneapolis llamado Big Al's, donde el entonces adolescente Lyle actuó como el "talento local" en el escenario de abajo. Arriba, Smith actuaba como titular y Lyle, después de terminar su set lo más rápido posible, subió corriendo para escuchar a Smith y quizás darle la mano.

"Jimmy era cinturón negro en karate", dice Lyle de ese primer encuentro. "Así que cuando me dio la mano, casi me rompe los deditos".

Lyle se enseñaba a sí mismo el órgano en el trabajo tocando los órganos que encontraba en los clubes nocturnos de Minneapolis, incluyendo el ocasional club de striptease. Hay algunas cosas que no puedes aprender en un conservatorio de música.

The Way I Feel, es el tributo de Lyle a Smith-quien, poco después de ese memorable primer apretón de manos, se convirtió en mentor personal y amigo del joven organista/pianista. Esta grabación, la primera de Lyle desde 2006, puede sorprender a quienes lo conocen sólo por sus álbumes de jazz, funk, fusión y el llamado smooth jazz, bellamente arreglados y producidos, que encabezan las listas de éxitos, ya que es el primer álbum en el que Lyle toca el órgano Hammond B-3 en cada pista.

El CD es también un tributo al gran guitarrista Wes Montgomery, que grabó varios álbumes populares y de gran calidad con Smith en los años sesenta. El guitarrista de Houston, Brennen Nase, se pone en el papel de Montgomery y es un placer escucharle tocar. El sonido y la técnica de Montgomery, sin mencionar el pulgar de la mano derecha, eran verdaderamente únicos. Nase navega fácilmente lo que equivale a varias décadas de historia de la guitarra, canalizando a Montgomery en el estándar "Baby It's Cold Outside" y el tributo de Lyle, "Feelin' Wes", trayendo algo de funk inspirado a "Horizonte" de Lyle, y pisando el pedal de distorsión para "Hard Workin' Man", que incluye algunas voces de Lyle y el baterista destacado del CD, Patrick Williams.

No contento con recrear una sesión de grabación de Verve de 1965, Lyle lleva el legado de los Hammond B-3 al siglo XXI para un programa que incluye música go-go de segunda línea de Nueva Orleans, gospel e incluso de los años sesenta. La interpretación de The Way I Feel es apretada e inspirada y la interpretación de Lyle en el órgano arde por completo.

Smith puede ser responsable de hacer del Hammond B-3 un "instrumento principal de jazz viable", pero con The Way I Feel, Lyle y sus co-conspiradores llevan ese legado y lo lanzan a un futuro funky.

Lista de canciones: The Cat; Feelin' Wes; Baby It's Cold Outside; Diddley Boom Boom (French Quarter Strut); B's Bop; Horizon; The Way I Feel; On The Fly; Hard Workin' Man; Walk On The Wild Side.

 

 

bobbylylethegenie.com ...

Althea Rene • Flawsome

Album Notes

This spectacular project combines the "soulful Detroit fire" that the motor city is known for, with the silky appeal that smooth jazz fans adore. The musicianship is top-notch and the collaboration of such renowned guest artists helps to make this CD so powerful.

 Detroit, Michigan born flutist Althea Rene has never regretted having chosen music as her purpose in life. With Flute Talk in 2000, Chocolate Rush (2003), In The Moment (2006), No Restrictions (2008), In The Flow (2013), Live In Detroit (2015) and Unstoppable (2017) she can look back on a remarkable discography. Now her new album Flawsome (2019) delivers the next paving stone of her street to glory.

Althea explains the title Flawsome as something or someone that is extraordinary because of its imperfections. The album is elaborately designed. Demetrius Nabors, Chris “Big Dog” Davis, & Lew Laing are listed as responsible producers. In addition to Althea, who plays the flute as her favorite instrument, are named as musicians on selected tracks Demetrius Nabors (keyboards), Robert Skinner (bass), Gary Johnson, Andrew Freeman and Jas Miller (guitar), Nate Winn, Eric Valentine (drums), Chris “Big Dog” Davis, Lew Laing (drum programming, keyboard bass, keyboards, rhythm arrangements), Euge Groove, Jeanette Harris (sax), Andrew Dorsett (keyboard and programming) and Dwight Adams (trumpet).

The sumptuous line-up is immediately noticeable in the quality of the music.  Inner Circle starts with an introduction in George Duke style followed by a high-quality tune with excellent musicianship of all participating musicians. Althea offers multilayered flutes in spectacular overdub.

Rock with You is a song written by British songwriter Rod Temperton and recorded for Michael Jackson's album Off The Wall. The smooth jazz genre knows covers by Everette Harp, Inaki Arakistain, Darren Rahn or Chuck Loeb. Which approach should be used to interpret this well-known melody? Althea chooses a chorus line of her magic flutes perfectly embedded by Chris “Big Dog” Davis.

When you like Stevie Wonder's Pastime Paradise then you will the Spanish flavored Passion. I don't know who is Barbara Mae. A living person or fictive. However Euge Groove and Althea offer a maximum of authenticity and emotionality. Althea explains: Barbara Mae is her mother. Jump To It is a sparkling dance floor hit that will surely fill the hearts of all dancers.

Flawsome is a very memorable title, although it doesn't fit on the title song at all. Althea once again shows her distinct sense for perfect harmony in the multiple sound of her flute. We Are One is a masterpiece by Frankie Beverly and also the title of the same named album by Bay Area-based R&B group Maze, released in 1983 on Capitol Records. The interpretation sees Jeanette Harris in the lead in replacement of Frankie's vocal recitation followed by Althea on flute. Romel Veal on guitar and Eric Valentine on drums deliver the original Maze feeling.

If Chris "Big Dog" Davis has one thing on his plate, it's the catchy R&B groove. Let Me Love You is tailor-made for Althea. With Life On Mars, Althea reaches far back into the past. Back in 1976, Dexter Wansel, keyboardist for O'Jays, the Stylistics, and the Intruders, released his groundbreaking debut album Life On Mars. Althea means it seriously with the Funk. She blends her flute with Dwight Adam's trumpet to a flawless brass arrangement and rises on her solo to a splendid Ian Anderson level.

Althea Rene's album Flawsome serves classy renditions with original compositions of enduring quality performed on a ultra-high standard. You cannot dig deeper to find a better album.
http://www.smooth-jazz.de/firstview/Rene/Flawsome.htm

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Notas del álbum
Este espectacular proyecto combina el "fuego conmovedor de Detroit" por el que la ciudad del motor es conocida, con el atractivo sedoso que adoran los aficionados al jazz. La musicalidad es de primera clase y la colaboración de estos renombrados artistas invitados ayuda a hacer que este CD sea tan poderoso.


 La flautista nacida en Detroit, Michigan, Althea René nunca se ha arrepentido de haber elegido la música como su propósito en la vida. Con Flute Talk en 2000, Chocolate Rush (2003), In The Moment (2006), No Restrictions (2008), In The Flow (2013), Live In Detroit (2015) e Unstoppable (2017) ella puede mirar hacia atrás en una discografía notable. Ahora, su nuevo álbum Flawsome (2019) lleva a la gloria la siguiente piedra de su calle.

Althea explica el título Flawsome como algo o alguien que es extraordinario por sus imperfecciones. El álbum está diseñado de manera muy elaborada. Demetrius Nabors, Chris "Big Dog" Davis y Lew Laing figuran como productores responsables. Además de Althea, que toca la flauta como su instrumento favorito, son nombrados como músicos en temas seleccionados Demetrius Nabors (teclados), Robert Skinner (bajo), Gary Johnson, Andrew Freeman y Jas Miller (guitarra), Nate Winn, Eric Valentine (batería), Chris "Big Dog" Davis, Lew Laing (programación de batería, teclado bajo, teclados, arreglos rítmicos), Euge Groove, Jeanette Harris (saxo), Andrew Dorsett (teclado y programación) y Dwight Adams (trompeta).

La suntuosa alineación se nota inmediatamente en la calidad de la música.  Inner Circle comienza con una introducción al estilo de George Duke seguida de una melodía de alta calidad con una excelente musicalidad de todos los músicos participantes. Althea ofrece flautas de varias capas en un espectacular overdub.

Rock with You es una canción escrita por el compositor británico Rod Temperton y grabada para el álbum Off The Wall de Michael Jackson. El género de smooth jazz conoce covers de Everette Harp, Inaki Arakistain, Darren Rahn o Chuck Loeb. ¿Qué enfoque se debe utilizar para interpretar esta conocida melodía? Althea elige una línea de coro de sus flautas mágicas perfectamente incrustada por Chris "Big Dog" Davis.

Cuando le guste el Paraíso del Pasatiempo de Stevie Wonder, entonces tendrá la Pasión con sabor español. No sé quién es Barbara Mae. Una persona viva o ficticia. Sin embargo Euge Groove y Althea ofrecen un máximo de autenticidad y emocionalidad. Althea explica: Barbara Mae es su madre. Jump To It es un brillante éxito en la pista de baile que seguramente llenará los corazones de todos los bailarines.

Flawsome es un título muy memorable, aunque no encaja para nada en la canción del título. Althea una vez más muestra su sentido distintivo para la perfecta armonía en el sonido múltiple de su flauta. We Are One es una obra maestra de Frankie Beverly y también el título del álbum del mismo nombre del grupo de R&B Maze, con sede en el área de la bahía, lanzado en 1983 en Capitol Records. La interpretación ve a Jeanette Harris en el liderazgo en reemplazo de la recitación vocal de Frankie seguida por Althea en la flauta. Romel Veal en la guitarra y Eric Valentine en la batería entregan el sentimiento original de Maze.

Si Chris "Big Dog" Davis tiene una cosa en su plato, es el pegajoso ritmo de R&B. Let Me Love You está hecha a medida para Althea. Con "Life On Mars", Althea se remonta al pasado. En 1976, Dexter Wansel, teclista de O'Jays, the Stylistics, and the Intruders, lanzó su innovador álbum debut Life On Mars. Althea lo dice en serio con el Funk. Ella mezcla su flauta con la trompeta de Dwight Adam a un impecable arreglo de metales y se eleva en su solo a un espléndido nivel de Ian Anderson.

El álbum Flawsome de Althea Rene sirve interpretaciones con clase con composiciones originales de calidad duradera interpretadas con un estándar ultra alto. No se puede cavar más profundo para encontrar un mejor álbum.
http://www.smooth-jazz.de/firstview/Rene/Flawsome.htm

Jacky Giordano • Organ Plus

 

Another brilliant library by Jacky Giordano, many great tracks here, Nothing to throw away, superb synth + Rhodes + Organ works, beautiful eclectic themes, charming low fi production, plenty of potential samples, check it!! The last release on this famous label and one of the rarest.

https://holywax-records.com/shop/library/1/#!prettyPhoto

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Otra biblioteca brillante de Jacky Giordano, muchas pistas excelentes aquí, Nada para tirar, excelente synth + Rhodes + Organ funciona, hermosos temas eclécticos, encantadora producción de baja fidelidad, muchas posibles muestras, ¡compruébalo! El último lanzamiento de este famoso sello y uno de los más raros.

https://holywax-records.com/shop/library/1/#!prettyPhoto

 

 

 

www.forcedexposure.com/Jacky Giordano ...

Vibes Alive • After Hours

The vibraphone was developed in the '20's and found soon the way to jazz musicians. Jazz legends like Lionel Hampton, Gary Burton, Milt Jackson, Cal Tjader and Dave Samuels made the instrument popular. In the acid jazz genre interprets are besides the famous Roy Ayers, Roger Beaujolais (The Beaujolais Band, Vibraphonic) and Mike Benn (Duboniks). Vibraphone players of the smooth jazz genre are Michael Ortega and Dirk Richter.

Vibist Dirk Richter joined Randall Crissman, a guitar playing television and movie composer. Both founded the group Vibes Alive called after their first album, which was released in 1997 on Syndrome Records. Guest-musicians on this ambitious album were Jeff Lorber, Luis Conte, Jimmy Johnson, Jimmy Haslip and Carlos Vega. After a long hiatus of eleven years Vibes Alive is back with their sophomore album After Hours (2008). Guests on the new album are Jeff Lorber, Luis Conte, Vinnie Colaiuta, Jimmy Johnson and Gary Meek. According to Dirk Richter, the music is about “going back to the basics of creating music.”

The album starts with the up-tempo Lighthouse. Dirk Richter defines the theme on the vibraphone, while Jeff Lorber answers on the Wurlitzer electric piano. This tune will be released as first single.

After Hours is featuring saxophonist Gary Meek, who accompanies Dirk's performance in a smooth intimate way. Dirk Richter prefers short themes with a hypnotic repetition. These themes are usually the starting point for short solos.

The romantic ballade Hard To Say Goodbye calms down listener's mood. On Lunch Track Jeff Lorber's performs on the Wurlitzer piano and the clavinet. Piano and vibes are complementing each other perfectly.

Tunes like Open Door reveal the brilliant arrangement of all instruments running seamlessly in each other. Sambahia (Samba and Bahia) brings some Brazilian flavor. While Luis Conte and Vinnie Colaiuta hold up the Bossa Nova flag, Dirk Richter (vibes) and Garry Meek (flute) shines with mesmerizing solos.

We can enjoy the luckiest moments in the shady or sunny places of our gardens. In The Garden reminds of these moments with a refreshing melody. Bright Lights features trumpet player Bob Summer, who accompanies Dirk so perfectly that you have to listen closely to recognize that two instrumentalists are performing. Randall Crissmann adds a furious guitar solo with a distortion note.

Like the colorful flower Magnolia grows this tune with all its blooms in your mind. Walk Away streams from a theme, which is repeated by the instruments in swinging and vibrations like church bells.

The final Blew Blues is a short excursion into blues and jazz. A great jam session with much interaction and improvisation. A coherent sound of professional musicians.

We clearly recognize, the return of vibraphone is overdue. After Hours is the first step for the renaissance of vibes. A restoration build by Vibes Alive.

http://www.smooth-jazz.de/firstview/Vibesalive/Afterhours.htm

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El vibráfono se desarrolló en los años 20 y pronto encontró el camino a los músicos de jazz. Leyendas del jazz como Lionel Hampton, Gary Burton, Milt Jackson, Cal Tjader y Dave Samuels hicieron popular el instrumento. En el género acid jazz los intérpretes son además del famoso Roy Ayers, Roger Beaujolais (The Beaujolais Band, Vibraphonic) y Mike Benn (Duboniks). Los vibrafonistas del género smooth jazz son Michael Ortega y Dirk Richter.

El vibrafonista Dirk Richter se unió a Randall Crissman, un guitarrista que toca la televisión y es compositor de películas. Ambos fundaron el grupo Vibes Alive llamado así por su primer álbum, que fue lanzado en 1997 en Syndrome Records. Los músicos invitados en este ambicioso álbum fueron Jeff Lorber, Luis Conte, Jimmy Johnson, Jimmy Haslip y Carlos Vega. Después de un largo paréntesis de once años, Vibes Alive regresa con su segundo álbum After Hours (2008). Los invitados en el nuevo álbum son Jeff Lorber, Luis Conte, Vinnie Colaiuta, Jimmy Johnson y Gary Meek. Según Dirk Richter, la música se trata de "volver a los fundamentos de la creación musical".

El álbum comienza con el up-tempo Lighthouse. Dirk Richter define el tema en el vibráfono, mientras que Jeff Lorber responde en el piano eléctrico Wurlitzer. Esta melodía será lanzada como primer single.

After Hours cuenta con la participación del saxofonista Gary Meek, que acompaña la actuación de Dirk de una manera suave e íntima. Dirk Richter prefiere temas cortos con una repetición hipnótica. Estos temas suelen ser el punto de partida de los solos cortos.

La romántica balada Difícil de decir adiós calma el estado de ánimo de los oyentes. On Lunch Track Jeff Lorber's se presenta en el piano Wurlitzer y en el clavinet. El piano y el vibráfono se complementan a la perfección.

Melodías como Open Door revelan la brillante disposición de todos los instrumentos que funcionan a la perfección entre sí. Sambahia (Samba y Bahía) trae un poco de sabor brasileño. Mientras Luis Conte y Vinnie Colaiuta sostienen la bandera de la Bossa Nova, Dirk Richter (vibráfono) y Garry Meek (flauta) brillan con fascinantes solos.

Podemos disfrutar de los momentos más afortunados en los lugares sombreados o soleados de nuestros jardines. En El Jardín recuerda estos momentos con una refrescante melodía. Bright Lights cuenta con el trompetista Bob Summer, que acompaña a Dirk tan perfectamente que hay que escuchar atentamente para reconocer que hay dos instrumentistas tocando. Randall Crissmann añade un furioso solo de guitarra con una nota de distorsión.

Como la colorida flor Magnolia crece esta melodía con todas sus flores en tu mente. Walk Away surge de un tema, que se repite con los instrumentos en balanceos y vibraciones como campanas de iglesia.

El Blew Blues final es una breve excursión al blues y al jazz. Una gran jam session con mucha interacción e improvisación. Un sonido coherente de músicos profesionales.

Reconocemos claramente que el regreso del vibráfono está atrasado. After Hours es el primer paso para el renacimiento de las vibraciones. Una restauración construida por Vibes Alive.

http://www.smooth-jazz.de/firstview/Vibesalive/Afterhours.htm

 

 

www.swingdingrecords.com ...

Dirk K • My Romance

Dirk K performs a unique mixture of Jazz, Flamenco and Brazilian style music. He plays a nylon string acoustic guitar. He is able to play solo or with tracks. His repertoire is featuring Jazz Standards such as Fly Me To The Moon, My Funny Valentine to Flamenco Rumba versions of Baboleia (Gypsy Kings) to Barcelona Nights (Otmar Liebert) to Brazilian/ Bossa Nova standards such as The Girl From Ipanema, Desafinado, etc. (Antonio Carlos Jobim)

Dirk K performs in the Las Vegas area for weddings and corporate events in hotels, restaurants such as the Bellagio, the Winn and Encore, Madalay Bay, Treasure Island, Trump Hotel, The J.W. Marriott Las Vegas resort, The M Resort, Cosmopolitan, Palazzo, Paris, Venetian, Four Seasons Resort, etc.

Country Clubs: The Red Rock Country Club, Anthem Country Club, Canyon Country Club, etc.

Dirk K performed the National Anthem for the LA Lakers at the Staples Center and he performed for Shaquille O' Neal and received the Shaq Hero for his contributions to the Shaq Hero Foundation. He performed multiple times for Raiders wide receiver Tim Braun and received a special recognition award.
He performed for Arnold Schwartzenegger Cigar Night in Santa Monica.

As a recording artist, Dirk K, originally from Germany, released 13 CD's on Sony, Bellaphon, Fuzzy Music and on his own independent label DIP Records. In addition, Dirk K released 7 CD's with band projects and produced and recorded over 30 CD's for other artists.

Dirk K performed and recorded with renowned artists such as Randy Brecker, Peter Erskine, Toots Thielemans, Dave Weckl, Brandon Fields, Alan Pasqua, Marc John- son, Terri Lyne Carrington, Gary Meek, Rick Braun, Alan Pasqua and many more. Touring the USA and Europe several times with his band featuring trumpeter Randy Brecker and saxophonist Andy Middleton and pianist Alan Pasqua. In addition he also toured with Das Ueberschall, Quartet Equinox, Joe McBride Band, appearing at Schmidteinander, a show hosted by Harald Schmidt in Germany.

In 1998 Dirk K received his Greencard for extraordinary abilities in the field of music in order to perform and reside in the USA.
https://www.thebash.com/guitar/dirkk

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Dirk K interpreta una mezcla única de Jazz, Flamenco y música de estilo brasileño. Toca una guitarra acústica de cuerda de nylon. Es capaz de tocar solo o con pistas. Su repertorio incluye estándares de Jazz como Fly Me To The Moon, My Funny Valentine, versiones de rumba flamenca de Baboleia (Gypsy Kings), Barcelona Nights (Otmar Liebert), estándares brasileños y de bossa nova como The Girl From Ipanema, Desafinado, etc. (Antonio Carlos Jobim)

Dirk K actúa en la zona de Las Vegas para bodas y eventos corporativos en hoteles, restaurantes como el Bellagio, el Winn and Encore, Madalay Bay, Treasure Island, Trump Hotel, The J.W. Marriott Las Vegas resort, The M Resort, Cosmopolitan, Palazzo, Paris, Venetian, Four Seasons Resort, etc.

Clubes de campo: El Red Rock Country Club, Anthem Country Club, Canyon Country Club, etc.

Dirk K interpretó el Himno Nacional para los LA Lakers en el Staples Center y actuó para Shaquille O' Neal y recibió el Héroe Shaq por sus contribuciones a la Fundación del Héroe Shaq. Actuó varias veces para el receptor de los Raiders Tim Braun y recibió un premio de reconocimiento especial.
Actuó para Arnold Schwartzenegger Cigar Night en Santa Mónica.

Como artista de grabación, Dirk K, originario de Alemania, lanzó 13 CD's en Sony, Bellaphon, Fuzzy Music y en su propio sello independiente DIP Records. Además, Dirk K lanzó 7 CDs con proyectos de bandas y produjo y grabó más de 30 CDs para otros artistas.

Dirk K actuó y grabó con artistas de renombre como Randy Brecker, Peter Erskine, Toots Thielemans, Dave Weckl, Brandon Fields, Alan Pasqua, Marc John- son, Terri Lyne Carrington, Gary Meek, Rick Braun, Alan Pasqua y muchos más. Realizó varias giras por EE.UU. y Europa con su banda, con el trompetista Randy Brecker y el saxofonista Andy Middleton y el pianista Alan Pasqua. Además, también realizó una gira con Das Ueberschall, Quartet Equinox, Joe McBride Band, presentándose en Schmidteinander, un espectáculo presentado por Harald Schmidt en Alemania.

En 1998 Dirk K recibió su Greencard por sus extraordinarias habilidades en el campo de la música para poder actuar y residir en los Estados Unidos.

https://www.thebash.com/guitar/dirkk

 

www.dirkk.com ...

 

Krzysia Gorniak • Emotions

 

 

Review:
Krzysia Górniak is the most recognizable guitarist in Poland. Jazz music has been her passion for many years. This talented artist has recently recorded her new studio album "Emotions". It is a musical image full of bright colors in an extremely subtle form. Of course, the new disc is not without energy, it also contains many positive vibrations and harmony to the ear. Krzysia Górniak, a flesh and jazz jazzman, gave the listeners an interesting stylistic mix, so "Emotions" is filled with groove, funk, soul and pop sounds. This remarkable album will definitely win the hearts of jazz lovers, but I think not only. Also noteworthy is the work of the rhythm section and piano, which give the compositions space. Zdzisław Kalinowski (piano), Michał Grott (bass guitar) and Przemek Knopik (drums) were responsible for these treatments.

The sophisticated artistry of the game can be heard in virtually every song. The sounds are quite diverse - from very standard, typically jazz notes played on the guitar with muffled tones, to quite strong sounds in distortions more in the style of fusion. Krzysia Górniak is a truly unique Polish guitarist who performs her art at the highest world level.
– Gitarzysta Magazine (Poland)
https://krzysiagorniak.pl/en/produkt/emotions-2009/


Biography
Krzysia Górniak, born on in 1974 in Olsztyn, is one of the best jazz guitarists in Europe. Composer, producer, arranger, philosopher, gifted with an extraordinary artistic personality, she is a contemporary representative of humanism.

Krzysia Górniak is comprehensively educated. She has been dealing with music since she was a child. She comes from a music-loving family, her maternal grandfather played the violin and accordion, and her grandmother and great-aunt played the piano. Mom played the mandolin and dad played the mouth-organ.
Krzysia Górniak began learning to play the piano at the age of 6, and began learning to play the guitar at the age of 9. She graduated from the State Primary Music School of W. Różycki in Gliwice in the classical guitar class (1987). She graduated from the Secondary School of Art in Warsaw with the title of Exhibitor’s Technique (1993) and the Post-Secondary Jazz College at the Complex of State Secondary Music Schools. F. Chopin in Warsaw at Bednarska in the jazz guitar class (1997). She studied jazz guitar with Brandon Furman and Piotr Lemański. She studied classical guitar with Leszek Potasiński and Marek Walawender.  An interesting fact is that, she was the first guitarist at the Jazz Department at Bednarska and it was for her, that the jazz guitar class was opened at this department. In 2000, she obtained a Master’s degree from the Faculty of Philosophy at the University of Warsaw, defending a thesis in the aesthetics of music on the subject of John Cage, and in 2003 – she obtained a Master’s degree in Jazz at the Universiti für Musik und Darstellende Kunst (University of Music and Dramatic Art) at Graz (Austria) in the jazz guitar class.

She participated in lessons and workshops with musicians such as: Wayne Brasel, Karl Ratzer, Christian Rover, Mike Stern, Susanne Weinert, John Abercrombie, Garison Fewell, Bob Mintzer, Ron McClure, Billy Hart, Adam Nussbaum, Clarke Fischer, Bill Dobbins, Wynton Marsalis, Alan Jones.

After returning to Poland in 2003, she opened the “Diuna” Music Club known as Diuna Club, at ul. Dobra 33/35, which it ran until 2009. It has become a cult meeting place for Warsaw’s artistic bohemia. There were many concerts and music festivals, as well as various artistic events.

In 2004, she founded the “Diuna Foundation”, the aim of which is to support and promote culture and art, with particular emphasis on jazz music. Krzysia Górniak is the founder and president of the foundation.

In 2010-2011, Krzysia Górniak worked in Polish Radio as the head of the Recording and Concerts Department. With the Concert Studio of Polish Radio W. Lutosławski and the Music Studio of Polish Radio. A. Osiecka in Trójka.

Since 2012, he has been involved in independent artistic, concert and publishing activities.


Musical activities
Krzysia Górniak began her professional musical career in 1995 with the orchestra of the Roma Musical Theater in the production of Roman Czubaty’s Blue Castle, directed by Jan Skotnicki, and played about 100 performances with the orchestra.
Since then, he has been giving concerts on festival and club stages in Poland and abroad, as well as in philharmonics and theaters, incl. in Austria, France, Germany, Greece and Slovenia.

Krzysia Górniak has collaborated with many famous musicians. Among them are: Grzegorz Grzyb, Michał Jaros, Marcin Jahr, Michał Wróblewski, Łukasz Makowski, Maciej Miecznikowski, Kuba Badach, Ewa Mikulska, Szymon Pejski, Wojciech Gogolewski, Zdzisław Kalinowski, Paweł Pańta, Krzysztof Ścierański, Wojtek Pilichowski, Michał Grott , Evangelos Tzimkas (Greece), Frank McCombe (USA) Rui Teles (Portugal). She also co-founded the following bands: Event Horizon Msc and Garden of Love. In 2022 she founded the band Astrolabe with Portuguese singer Rui Teles.

Her way of playing is a combination of virtuosity with subtle femininity, she finds herself in many musical styles, freely navigating in various conventions.
Currently, she takes part in many projects, cooperates with symphony orchestras and conductors, has played, among others, With:
The Orchestra of the Polish Chamber Philharmonic in Sopot conducted by Wojciech Rajski, the Symphony Orchestra of the Świętokrzyska Philharmonic in Kielce conducted by Maciej Tarnowski, the Symphony Orchestra of Karol Namysłowski, conducted by Tadeusz Wicherek, as well as with string quartets:
Atom String Quartet and Barock Quartet.
Extract of https://krzysiagorniak.pl/en/biography/

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Reseña:
Krzysia Górniak es la guitarrista más reconocida de Polonia. La música de jazz es su pasión desde hace muchos años. Esta talentosa artista ha grabado recientemente su nuevo álbum de estudio "Emotions". Se trata de una imagen musical llena de colores brillantes de forma extremadamente sutil. Por supuesto, el nuevo disco no está exento de energía, también contiene muchas vibraciones positivas y armonía para el oído. Krzysia Górniak, un músico de carne y hueso y de jazz, ofreció a los oyentes una interesante mezcla estilística, por lo que "Emotions" está lleno de sonidos groove, funk, soul y pop. Este notable álbum conquistará sin duda los corazones de los amantes del jazz, pero creo que no sólo. También hay que destacar el trabajo de la sección rítmica y el piano, que dan espacio a las composiciones. Zdzisław Kalinowski (piano), Michał Grott (bajo) y Przemek Knopik (batería) fueron los responsables de estos tratamientos.

El sofisticado arte del juego se puede escuchar en prácticamente todas las canciones. Los sonidos son muy diversos: desde notas muy estándar, típicamente jazzísticas, tocadas en la guitarra con tonos apagados, hasta sonidos bastante fuertes en distorsiones más al estilo de la fusión. Krzysia Górniak es una guitarrista polaca realmente única que ejecuta su arte al más alto nivel mundial.
- Revista Gitarzysta (Polonia)
https://krzysiagorniak.pl/en/produkt/emotions-2009/


Biografía
Krzysia Górniak, nacida en 1974 en Olsztyn, es una de las mejores guitarristas de jazz de Europa. Compositora, productora, arreglista, filósofa, dotada de una extraordinaria personalidad artística, es una representante contemporánea del humanismo.

Krzysia Górniak tiene una amplia formación. Se dedica a la música desde que era niña. Procede de una familia amante de la música, su abuelo materno tocaba el violín y el acordeón, y su abuela y su tía abuela tocaban el piano. Su madre tocaba la mandolina y su padre el organillo.
Krzysia Górniak empezó a aprender a tocar el piano a los 6 años y a tocar la guitarra a los 9. Se graduó en la Escuela Estatal de Música Primaria de W. Różycki en Gliwice en la clase de guitarra clásica (1987). Se graduó en la Escuela Secundaria de Arte de Varsovia con el título de Técnica Expositiva (1993) y en la Escuela de Jazz Post-Secundaria en el Complejo de Escuelas Secundarias Estatales de Música. F. Chopin de Varsovia en Bednarska en la clase de guitarra de jazz (1997). Estudió guitarra de jazz con Brandon Furman y Piotr Lemański. Estudió guitarra clásica con Leszek Potasiński y Marek Walawender.  Un hecho interesante es que, fue la primera guitarrista en el Departamento de Jazz en Bednarska y fue por ella, que se abrió la clase de guitarra de jazz en este departamento. En el año 2000, obtuvo un máster en la Facultad de Filosofía de la Universidad de Varsovia, defendiendo una tesis sobre la estética de la música en el tema de John Cage, y en 2003 - obtuvo un máster en Jazz en la Universiti für Musik und Darstellende Kunst (Universidad de Música y Arte Dramático) en Graz (Austria) en la clase de guitarra de jazz.

Participó en clases y talleres con músicos como: Wayne Brasel, Karl Ratzer, Christian Rover, Mike Stern, Susanne Weinert, John Abercrombie, Garison Fewell, Bob Mintzer, Ron McClure, Billy Hart, Adam Nussbaum, Clarke Fischer, Bill Dobbins, Wynton Marsalis, Alan Jones.

Tras regresar a Polonia en 2003, abrió el Club de Música "Diuna", conocido como Diuna Club, en ul. Dobra 33/35, que funcionó hasta 2009. Se convirtió en un lugar de encuentro de culto para la bohemia artística de Varsovia. Allí se celebraban numerosos conciertos y festivales de música, así como diversos eventos artísticos.

En 2004, fundó la "Fundación Diuna", cuyo objetivo es apoyar y promover la cultura y el arte, con especial énfasis en la música de jazz. Krzysia Górniak es la fundadora y presidenta de la fundación.

En 2010-2011, Krzysia Górniak trabajó en la Radio Polaca como jefa del Departamento de Grabación y Conciertos. Con el Estudio de Conciertos de la Radio Polaca W. Lutosławski y el Estudio Musical de la Radio Polaca. A. Osiecka en Trójka.

Desde 2012, se dedica a actividades artísticas independientes, conciertos y publicaciones.


Actividades musicales
Krzysia Górniak comenzó su carrera musical profesional en 1995 con la orquesta del Teatro Musical de Roma en la producción de El castillo azul de Roman Czubaty, dirigida por Jan Skotnicki, y realizó unas 100 actuaciones con la orquesta.
Desde entonces, ha dado conciertos en escenarios de festivales y clubes de Polonia y el extranjero, así como en filarmónicas y teatros, incluso en Austria, Francia, Alemania, Grecia y Eslovenia.

Krzysia Górniak ha colaborado con muchos músicos famosos. Entre ellos se encuentran: Grzegorz Grzyb, Michał Jaros, Marcin Jahr, Michał Wróblewski, Łukasz Makowski, Maciej Miecznikowski, Kuba Badach, Ewa Mikulska, Szymon Pejski, Wojciech Gogolewski, Zdzisław Kalinowski, Paweł Pańta, Krzysztof Ścierański, Wojtek Pilichowski, Michał Grott , Evangelos Tzimkas (Grecia), Frank McCombe (EEUU) Rui Teles (Portugal). También ha sido cofundadora de las siguientes bandas: Event Horizon Msc y Garden of Love. En 2022 fundó la banda Astrolabe con el cantante portugués Rui Teles.

Su forma de tocar es una combinación de virtuosismo con sutil feminidad, se encuentra en muchos estilos musicales, navegando libremente en varias convenciones.
Actualmente, participa en muchos proyectos, colabora con orquestas sinfónicas y directores, ha tocado, entre otros, con:
La Orquesta de la Filarmónica de Cámara Polaca de Sopot dirigida por Wojciech Rajski, la Orquesta Sinfónica de la Filarmónica de Świętokrzyska de Kielce dirigida por Maciej Tarnowski, la Orquesta Sinfónica de Karol Namysłowski, dirigida por Tadeusz Wicherek, así como con cuartetos de cuerda:
Atom String Quartet y Barock Quartet.
Extracto de https://krzysiagorniak.pl/en/biography/


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Gary Smith • The Soft Side Of Jazz

 

 

Gary Smith is an avant-garde guitarist, improviser and composer from the United Kingdom. He is known for developing dense extended techniques on electric guitar. Gary Smith has released close to twenty albums in solo, group and live settings with Shoji Hano, Rhys Chatham, John Stevens, Hugh Hopper, Masayoshi Urabe, Chie Mukai, Aufgehoben No Process, and Bill Fay.

Gary now discovered the smooth jazz genre. Consequently he has released the album Jazz Around The World (2021), which is available on all digital platforms.
https://smoothjazzdaily.wordpress.com/2021/05/12/gary-smith-jazz-around-the-world/

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Gary Smith es un guitarrista de vanguardia, improvisador y compositor del Reino Unido. Es conocido por desarrollar densas técnicas extendidas con la guitarra eléctrica. Gary Smith ha publicado cerca de veinte álbumes en solitario, en grupo y en directo con Shoji Hano, Rhys Chatham, John Stevens, Hugh Hopper, Masayoshi Urabe, Chie Mukai, Aufgehoben No Process y Bill Fay.

Gary descubrió ahora el género del smooth jazz. En consecuencia, ha publicado el álbum Jazz Around The World (2021), disponible en todas las plataformas digitales.
https://smoothjazzdaily.wordpress.com/2021/05/12/gary-smith-jazz-around-the-world/

Yuji Ohno Trio • Let's Fall In Jazz

 

 

Born 30 May 1941 in Atami, Shizuoka, Japan) is a Japanese jazz musician. Ohno is known for his musical scoring of Japanese anime television series, particularly Lupin III, and most famously the 1977 series Lupin III Part II and the feature film The Castle of Cagliostro.[1] Later anime series scored by Ohno include Shingu: Secret of the Stellar Wars, the 1979 Toei series Captain Future (known as Capitaine Flam in France) and the 1982 series Space Adventure Cobra. He has composed scores for live-action films, namely Toei's tokusatsu series Seiun Kamen Machineman, his only work on this genre to date.

Ohno is also a member of a jazz trio with Czech bassist Miroslav Vitous and American drummer Lenny White, The Lupintic Five (later The Lupintic Six) and You & The Explosion Band.

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Nacido el 30 de mayo de 1941 en Atami, Shizuoka, Japón) es un músico de jazz japonés. Ohno es conocido por su composición musical de series de televisión japonesas de anime, particularmente Lupin III, y la más famosa, la serie de 1977 Lupin III Parte II y la película The Castle of Cagliostro. [1] Las series de anime posteriores de Ohno incluyen Shingu: Secret of the Stellar Wars, la serie de 1979 de Toei Captain Future (conocida como Capitaine Flam en Francia) y la serie de 1982 Space Adventure Cobra. Ha compuesto partituras para películas de acción en vivo, a saber, la serie tokusatsu de Toei, Seiun Kamen Machineman, su único trabajo en este género hasta la fecha.

Ohno también es miembro de un trío de jazz con el bajista checo Miroslav Vitous y el baterista estadounidense Lenny White, The Lupintic Five (más tarde The Lupintic Six) y You & The Explosion Band.

 

 

www.vap.co.jp/ohno ...

 

Dirk Richter • Vibes Alive

Review by Jonathan Widran
 Keyboardist Jeff Lorber's bluesy, retro-funk production techniques have pushed numerous genre stars -- from Eric Marienthal to the late Art Porter -- to great creative heights, and he adds a similarly soulful energy to the solid debut of vibist Dirk Richter. Named Vibes Alive, a title which captures the lighthearted, loose ensemble nature of the tunes, the album makes a great case for the mallet instrument as a viable smooth jazz vehicle. While Dave Samuels' solos with Spyro Gyra may be the only exposure genre audiences have had to the warm, tropical tones of the vibes, they have always been in counterpoint to the saxophone. Here, Richter takes charge, carrying cool melodies atop those trademark Lorber rhythms and harmonies on '70s throwbacks like the Hammond B-3 and the Wurlitzer electric piano. Richter gets the tropical thing going at times, but more impressively, he's equally proficient as a jazz soloist and in the funky urban mode. Other studio heavyweights like Luis Conte, Jimmy Johnson, and Jimmy Haslip participate, but aside from Lorber, it's co-producer and guitarist Randall Crissman whose soloing makes the most striking impression.

 

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Reseña de Jonathan Widran
 Las técnicas de producción bluesy y retro-funk del teclista Jeff Lorber han llevado a numerosas estrellas del género -desde Eric Marienthal hasta el difunto Art Porter- a grandes cotas creativas, y añade una energía igualmente conmovedora al sólido debut del vibráfono Dirk Richter. Con el nombre de Vibes Alive, un título que capta la naturaleza desenfadada y suelta de las melodías, el álbum es un buen ejemplo de que el instrumento de mazo es un vehículo viable para el smooth jazz. Aunque los solos de Dave Samuels con Spyro Gyra pueden ser la única exposición del público del género a los tonos cálidos y tropicales del vibráfono, siempre han estado en contrapunto con el saxofón. Aquí, Richter toma las riendas, llevando melodías frescas por encima de esos ritmos y armonías característicos de Lorber en los retrocesos de los 70 como el Hammond B-3 y el piano eléctrico Wurlitzer. Richter consigue que la cosa tropical funcione a veces, pero lo más impresionante es que es igualmente competente como solista de jazz y en el modo urbano funky. Participan otros pesos pesados del estudio como Luis Conte, Jimmy Johnson y Jimmy Haslip, pero aparte de Lorber, es el coproductor y guitarrista Randall Crissman quien hace los solos más llamativos.

Philippe Saisse Trio • The Body And Soul Sessions

By 2006, the smooth jazz genre's obsession with cover songs was reaching a somewhat ridiculous fever pitch, but the success of recordings like Kirk Whalum's The Babyface Songbook and Rick Braun's Yours Truly proved that listeners loved them. With the intensely likeable, high-spirited, super swinging Body and Soul Sessions, the French born funk-jazz keyboardist whips up an all-cover collection even the biggest skeptic can enjoy. This is due not only to the lively, imaginative arrangements, but also the long awaited opportunity to hear Saisse -- who often favors big swirls of sound, bold sonic textures, and wild. trippy effects -- strip down and play melodies and improvisations straightforwardly on piano and Fender Rhodes. There are a few subtle synth washes here and there -- most notably, on a graceful cover of Bill Withers' "Lovely Day," but these are in perfect service to his gorgeous piano runs and the cool rhythms of acoustic bassist David Finck and drummer Scooter Warner. The song selection is pretty fascinating as well, with a gorgeous rendition of the title track being the only true jazz standard. Otherwise, the trio is balancing pure, playful '60s and '70s pop and soul (the ultra-retro "Do It Again," "September," "Lady Madonna," "We're All Alone") with inspired oddities like "Harley Davidson" (giving a joyous Ramsey Lewis vibe to a clapalong composed by Frenchman Serge Gainsbourg) and "The Dolphin." In his liner notes, vibes master Gary Burton laments the fact that Saisse once upon a time chose piano over vibes as his primary instrument -- to the delight of thousands of fans worldwide. This new trio format finally gives Saisse a chance to just do his thing without the burden of creating a sonic circus around it.

by Jonathan Widran

https://www.allmusic.com/album/the-body-and-soul-sessions-mw0000541987

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En 2006, la obsesión del género de smooth jazz por las canciones de portada estaba alcanzando un tono febril un tanto ridículo, pero el éxito de grabaciones como The Babyface Songbook de Kirk Whalum y Yours Truly de Rick Braun demostraron que los oyentes las amaban. Con las intensamente agradables, animadas y súper movidas sesiones de Body and Soul, el teclista de funk-jazz nacido en Francia, crea una colección completa que hasta el más escéptico puede disfrutar. Esto se debe no sólo a los animados e imaginativos arreglos, sino también a la tan esperada oportunidad de escuchar a Saisse - que a menudo prefiere grandes remolinos de sonido, texturas sónicas atrevidas y efectos salvajes. trippy - desnudarse y tocar melodías e improvisaciones directamente en el piano y en Fender Rhodes. Hay unos cuantos lavados de sintetizador sutiles aquí y allá -- más notablemente, en una graciosa portada de "Lovely Day" de Bill Withers, pero estos están al servicio perfecto de sus magníficas ejecuciones de piano y los ritmos geniales del bajista acústico David Finck y el baterista Scooter Warner. La selección de canciones también es fascinante, con una magnífica interpretación de la canción principal como el único estándar de jazz. Por lo demás, el trío está equilibrando puro y juguetón pop y soul de los 60 y 70 (el ultra-retro "Do It Again", "September", "Lady Madonna", "We're All Alone") con rarezas inspiradas como "Harley Davidson" (dando una alegre vibración de Ramsey Lewis a un clapalong compuesto por el francés Serge Gainsbourg) y "The Dolphin". En sus notas, el maestro del vibráfono Gary Burton lamenta el hecho de que Saisse una vez eligió el piano en lugar del vibráfono como su instrumento principal, para el deleite de miles de fans en todo el mundo. Este nuevo formato de trío finalmente le da a Saisse la oportunidad de hacer lo suyo sin la carga de crear un circo sónico a su alrededor.

por Jonathan Widran

https://www.allmusic.com/album/the-body-and-soul-sessions-mw0000541987

 

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Yuji Ohno & Lupintic Five with Miki Imai • Feelin' Good

 

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Lorenzo Minguzzi New Organ Trio • Another Spring

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Bradley Leighton • Back To The Funk

Bradley Leighton’s musical interests have always been diverse.  As a young man, he loved big band music, particularly Maynard Ferguson, Stan Kenton and Woody Herman. Yet he also found himself drawn to the R&B sounds of Tower of Power, Earth Wind and Fire, and, the Brecker Brothers.
Although his first fascination was the player piano, he soon started playing the flute, becoming very involved in school bands and with learning the classical literature.  Then, after considerable listening, and practicing; Bradley’s interest in Jazz and blues led him to hanging out at after-hours clubs in his native Seattle, where he first surprised, and pleased, such local legends as T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon, and Mel Washington.
Having mentors both assist and encourage Bradley, and a true love of performing, served as the catalysts for his decision to pursue a career in music. Immediately after high school, he seized an opportunity by enlisting and playing in the Army’s 9th Infantry Division band at Ft. Lewis, Washington. When his talent quickly became obvious, he was appointed musical director of the jazz ensemble. A tour with the 8th Army band in Seoul, Korea soon followed. Bradley remained in Seoul after his discharge several years later to teach, and perform in the country’s only Jazz bar.
But after realizing that the only place to really utilize his musical expertise was the land of his birth, Bradley returned to Seattle for more professional opportunities. By now, an accomplished musician and teacher, he spent the next fifteen years playing in rhythm and blues bands, Hammond organ trios, funk dance bands and straight-ahead jazz groups. He also taught privately, working with encouraging young musicians, just as his Seattle mentors had done for him.
At the same time, he focused on developing his own sound on the flute. His approach was born in his big band roots, where accomplished reedman took their saxophone experience to the flute. Inspired by such legends as Frank Wess and Sam Most, Bradley found that the alto flute was the best vehicle for his creativity.
During this period, he worked in bands that accompanied such legendary artists as Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie and others in addition to jamming and playing with many of the local musicians.  He became Seattle’s first call jazz flutists, and developed a reputation as one of the leading players in the area.
After moving to San Diego in 2001, Bradley started work on his first CD, “Grooveyard” which was released in 2003 to excellent reviews from the jazz world. Five subsequent projects ranging from straight-ahead jazz to R&B, Funk, Pop and Christmas music reinforce his reputation as a player who can and will play from any genre that interests him and his fans.
In addition to recording and performing, Bradley Leighton has continued to share his knowledge and enthusiasm of music as a clinician and teacher. Besides private lessons, he leads workshops for musicians of all skill levels, including, “Improvisation for the Classically Trained Flutist,” and “Music For Life – Improvisation for the Adult Amateur Musician.”
Bradley Leighton performs weekly at Seaport Village in downtown San Diego, California, as well as at other venues in and around San Diego County. He’s also available for clinics, and in performance with his Duo, Quartet and Sextet, as well as a soloist with big bands and orchestras.
https://bradleyleighton.com/long-bio/

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Los intereses musicales de Bradley Leighton siempre han sido diversos.  De joven, le gustaba la música de las grandes bandas, en particular Maynard Ferguson, Stan Kenton y Woody Herman. Sin embargo, también se vio atraído por los sonidos R&B de Tower of Power, Earth Wind and Fire y los Brecker Brothers.
Aunque su primera fascinación fue el piano, pronto empezó a tocar la flauta, involucrándose en bandas escolares y en el aprendizaje de la literatura clásica.  Después de escuchar y practicar mucho, el interés de Bradley por el jazz y el blues le llevó a frecuentar clubes de after-hours en su Seattle natal, donde sorprendió y complació por primera vez a leyendas locales como T McGee, Terry Camon, Leri Carter, Billy Haddon y Mel Washington.
Tener mentores que ayuden y animen a Bradley, y un verdadero amor por la actuación, sirvieron como catalizadores para su decisión de seguir una carrera en la música. Inmediatamente después de la escuela secundaria, aprovechó la oportunidad de alistarse y tocar en la banda de la 9ª División de Infantería del Ejército en Ft. Lewis, Washington. Cuando su talento se hizo evidente, fue nombrado director musical del conjunto de jazz. Una gira con la banda del 8º Ejército en Seúl, Corea, pronto le siguió. Bradley permaneció en Seúl después de su baja varios años más tarde para enseñar y actuar en el único bar de Jazz del país.
Pero después de darse cuenta de que el único lugar donde realmente podía utilizar su experiencia musical era su tierra natal, Bradley regresó a Seattle para tener más oportunidades profesionales. Ya como músico y profesor consumado, pasó los siguientes quince años tocando en bandas de rhythm and blues, tríos de órgano de Hammond, bandas de baile funk y grupos de jazz de vanguardia. También enseñó en privado, trabajando con jóvenes músicos animadores, tal y como sus mentores de Seattle habían hecho por él.
Al mismo tiempo, se centró en desarrollar su propio sonido en la flauta. Su enfoque nació en las raíces de su gran banda, donde el consumado Reedman llevó su experiencia con el saxofón a la flauta. Inspirado por leyendas como Frank Wess y Sam Most, Bradley descubrió que la flauta alta era el mejor vehículo para su creatividad.
Durante este período, trabajó en bandas que acompañaron a artistas legendarios como Bobby McFerrin, Clark Terry, Dizzy Gillespie y otros, además de tocar con muchos de los músicos locales.  Se convirtió en el primer flautista de jazz de Seattle, y desarrolló una reputación como uno de los principales jugadores en el área.
Después de mudarse a San Diego en 2001, Bradley comenzó a trabajar en su primer CD, "Grooveyard", que fue lanzado en 2003 con excelentes críticas del mundo del jazz. Cinco proyectos posteriores que van desde el jazz directo a la música de R&B, Funk, Pop y Navidad refuerzan su reputación como un músico que puede y quiere tocar de cualquier género que le interese a él y a sus fans.
Además de grabar y actuar, Bradley Leighton ha seguido compartiendo su conocimiento y entusiasmo por la música como clínico y profesor. Además de las clases particulares, dirige talleres para músicos de todos los niveles, incluyendo, "Improvisación para el flautista de formación clásica" y "Música para la vida - Improvisación para el músico amateur adulto".
Bradley Leighton se presenta semanalmente en Seaport Village en el centro de San Diego, California, así como en otros lugares del condado de San Diego y sus alrededores. También está disponible para clínicas, y en presentaciones con su Dúo, Cuarteto y Sexteto, así como solista con grandes bandas y orquestas.
https://bradleyleighton.com/long-bio/

 

 

 

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VA • A Twist of Jobim

 

Review by Scott Yanow
The debut release from the I.E. label (which is connected with Polygram) is an unusual multi-artist tribute to the music of Antonio Carlos Jobim. Some of his tunes are made funky (but in a melodic and tasteful way), while others become quiet (but still passionate) ballads. The treatments are all jazz-oriented, and there is plenty of solo space for the likes of guitarist Lee Ritenour (in one of his finest jazz efforts), pianists Dave Grusin and Alan Pasqua, altoist Eric Marienthal, bassist Christian McBride, and tenor saxophonist Ernie Watts. Plus, there are guest spots for Herbie Hancock (an excellent acoustic piano solo on "Stone Flower"), the sopranos of Art Porter (on "Dindi") and Steve Tavaglione, the Yellowjackets (who team up with Ritenour on "Mojave"), singer El DeBarge ("Dindi") and the vocal duo of Al Jarreau and Oleta Adams ("Waters of March" and a lightweight rendition of "The Girl from Ipanema"). Nearly every song holds one's interest, the melodies are celebrated, and the fresh interpretations contain more than their share of surprises. 
https://www.allmusic.com/album/a-twist-of-jobim-mw0000616318


This appropriately "smooth jazz" tribute to Antonio Carlos Jobim is perhaps one of the best that's come out over the last few years. Like many of Jobim's records, it goes down like a smooth, relaxing drink. Producer, arranger and nominal leader guitarist Lee Ritenour has collected some fine talent, particularly frequent collaborator Dave Grusin, and crafted some very nice moments throughout. Highlights include "Water to Drink" (featuring Ritenour and Grusin), "Captain Bacardi" (an old Ritenour / Grusin staple with Eric Marienthal), "Lamento" (featuring Ernie Watts and Christian McBride) and "Mojave" (with the Yellowjackets and Ritenour). All lend their individual, and often surprisingly distinctive, talents to the collective soul of Jobim's beautiful melodies.

Much to his credit, Ritenour favors some of Jobim's fine, less exploited, tunes. The nicest surprise of all, though, is Herbie Hancock's smoking rendition of "Stone Flower," Jobim's truly under-appreciated maze of rhythm and chord changes from 1970. Hancock, who's lately made a career of inclusion among Jobim tributes, gets his only feature here and it's truly worth the price of admission. Hancock's dynamic playing, reminiscent of his work with Milton Nascimento, is as muscular and as sensitive as Jobim's tricky romance suggests. Although I could do without the vocals and the vocalists (El DeBarge on "Dindi," Al Jarreau and Oletta Adams on the annoying "Waters of March" and "Girl from Ipanema"), each singer, especially Jarreau, fits well into Jobim's universe, ably suggesting the romantic shores of Ipanema.

Great song choices (though I would've traded "Girl from Ipanema" for "A Felicidade") and a sensitive cast of talented players make A Twist Of Jobim worth at least a listen or two.
By Douglas Payne
May 1, 1997 
https://www.allaboutjazz.com/a-twist-of-jobim-various-artists-review-by-douglas-payne

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Reseña de Scott Yanow
El lanzamiento debut del sello I.E. (vinculado a Polygram) es un inusual tributo multiartista a la música de Antonio Carlos Jobim. Algunas de sus canciones tienen un toque funky (pero melódico y elegante), mientras que otras se convierten en baladas tranquilas (pero apasionadas). Todos los temas están orientados al jazz, y hay mucho espacio para solistas como el guitarrista Lee Ritenour (en uno de sus mejores trabajos de jazz), los pianistas Dave Grusin y Alan Pasqua, el saxofonista alto Eric Marienthal, el bajista Christian McBride y el saxofonista tenor Ernie Watts. Además, colaboran como invitados Herbie Hancock (un excelente solo de piano acústico en "Stone Flower"), las sopranos Art Porter (en "Dindi") y Steve Tavaglione, los Yellowjackets (que colaboran con Ritenour en "Mojave"), el cantante El DeBarge ("Dindi") y el dúo vocal de Al Jarreau y Oleta Adams ("Waters of March" y una versión ligera de "The Girl from Ipanema"). Casi todas las canciones mantienen el interés, las melodías son celebradas y las frescas interpretaciones ofrecen abundantes sorpresas.

https://www.allmusic.com/album/a-twist-of-jobim-mw0000616318

Este homenaje a Antonio Carlos Jobim, apropiadamente "smooth jazz", es quizás uno de los mejores de los últimos años. Como muchos de los discos de Jobim, es una bebida suave y relajante. El productor, arreglista y guitarrista principal, Lee Ritenour, ha reunido a un gran talento, en particular a su colaborador habitual Dave Grusin, y ha creado momentos muy especiales. Entre los temas más destacados se encuentran "Water to Drink" (con Ritenour y Grusin), "Captain Bacardi" (un clásico de Ritenour/Grusin con Eric Marienthal), "Lamento" (con Ernie Watts y Christian McBride) y "Mojave" (con los Yellowjackets y Ritenour). Todos aportan su talento individual, a menudo sorprendentemente distintivo, al alma colectiva de las hermosas melodías de Jobim.

Hay que reconocerle a Ritenour que prefiere algunas de las mejores melodías de Jobim, aunque menos explotadas. La mayor sorpresa de todas, sin embargo, es la impresionante interpretación de Herbie Hancock de "Stone Flower", el laberinto de ritmos y cambios de acordes de Jobim de 1970, verdaderamente subestimado. Hancock, quien últimamente se ha labrado una carrera entre los homenajes a Jobim, tiene su única participación aquí, y realmente vale la pena el precio de la entrada. La dinámica interpretación de Hancock, que recuerda a su trabajo con Milton Nascimento, es tan vigorosa y sensible como sugiere el intrincado romance de Jobim. Aunque podría prescindir de las voces y los vocalistas (El DeBarge en "Dindi", Al Jarreau y Oletta Adams en las molestas "Waters of March" y "Girl from Ipanema"), cada cantante, especialmente Jarreau, encaja a la perfección en el universo de Jobim, evocando hábilmente las románticas costas de Ipanema. Excelentes canciones (aunque habría cambiado "Girl from Ipanema" por "A Felicidade") y un elenco sensible de músicos talentosos hacen que A Twist Of Jobim merezca al menos una o dos escuchas.
Por Douglas Payne
1 de mayo de 1997
https://www.allaboutjazz.com/a-twist-of-jobim-various-artists-review-by-douglas-payne

Yuji Ohno Trio & Friends • Cool For Joy

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Yuji Ohno • Cafe Relaxin' Lupin

 

 

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Steve Khan • Borrowed Time

 

 

Biography
by Matt Collar
Guitarist Steve Khan is a gifted jazz-based performer whose adept skills have found him working with his own groups and as an in-demand session artist. Born in Los Angeles in 1947, Khan grew up in a musical family, the son of famed lyricist Sammy Cahn. Initially, he studied drums and piano in his adolescence before settling on the guitar around age 20. He honed his skills while attending U.C.L.A., after which he moved to New York City and quickly found work in variety of jazz, pop, and R&B settings. During this period he shared the stage with such luminaries as Maynard Ferguson, Buddy Rich, the Brecker Brothers, Joe Zawinul's Weather Update, and others.

As a recording artist, Khan made his debut alongside fellow guitarist Larry Coryell on 1976's Two for the Road. He then delivered several well-received albums for Columbia, including 1977's Tightrope, 1978's The Blue Man, and 1979's Arrows. Also during this period, he found session work appearing on albums by Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan, and Billy Joel. In 1980, he delivered the Thelonious Monk-themed Evidence. A year later, he formed the fusion quartet Eyewitness, which continued to work throughout the 1980s. Several more well-regarded albums followed in the '90s, including 1992's Headline, 1994's Crossings, and 1997's Got My Mental with John Patitucci and Jack DeJohnette.

He then joined the Caribbean Jazz Project for 2000's New Horizons and 2001's Paraiso. Khan returned to his solo work in 2006, reuniting with DeJohnette and Patitucci for The Green Field, followed by 2007's Borrowed Time. He then brought along fellow Eyewitness alums Anthony Jackson, Dennis Chambers, and Manolo Badrena for 2011's Parting Shot, followed in 2014 by the salsa-infused Subtext. In 2016 he released Backlog, which featured guest spots from longtime associates like Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri, and others.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography

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Biografía
por Matt Collar
El guitarrista Steve Khan es un talentoso intérprete de jazz cuyas habilidades adeptas lo han encontrado trabajando con sus propios grupos y como un artista de sesión en demanda. Nacido en Los Ángeles en 1947, Khan creció en una familia musical, hijo del famoso letrista Sammy Cahn. Inicialmente, estudió batería y piano en su adolescencia antes de decidirse por la guitarra alrededor de los 20 años. Perfeccionó sus habilidades mientras asistía a la UCLA, después de lo cual se mudó a la ciudad de Nueva York y rápidamente encontró trabajo en una variedad de escenarios de jazz, pop y R&B. Durante este período, compartió el escenario con luminarias como Maynard Ferguson, Buddy Rich, The Brecker Brothers, Weather Update de Joe Zawinul y otros.

Como artista de grabación, Khan hizo su debut junto al guitarrista Larry Coryell en Two for the Road de 1976. Luego entregó varios álbumes bien recibidos para Columbia, incluidos Tightrope de 1977, The Blue Man de 1978 y Arrows de 1979. También durante este período, encontró trabajo de sesión que aparecía en álbumes de Ashford & Simpson, Rupert Holmes, Steely Dan y Billy Joel. En 1980, entregó la Evidencia temática de Thelonious Monk. Un año después, formó el cuarteto de fusión Eyewitness, que continuó trabajando durante la década de 1980. Varios álbumes más bien considerados siguieron en los años 90, incluyendo Headline de 1992, Crossings de 1994 y Got My Mental de 1997 con John Patitucci y Jack DeJohnette.

Luego se unió al Proyecto de Jazz Caribeño para New Horizons del 2000 y Paraíso del 2001. Khan regresó a su trabajo en solitario en 2006, reuniéndose con DeJohnette y Patitucci para The Green Field, seguido de Borrowed Time de 2007. Luego trajo a sus compañeros de Eyewitness, Anthony Jackson, Dennis Chambers y Manolo Badrena para la Foto de despedida de 2011, seguida en 2014 por el Subtexto con salsa. En 2016 lanzó Backlog, que contó con anuncios invitados de asociados de toda la vida como Randy Brecker, Bob Mintzer, Mike Mainieri y otros.
https://www.allmusic.com/artist/steve-khan-mn0000028138/biography


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