Grant Green • His Majesty King Funk

 

Review

Don't be scared off by the His Majesty King Funk title; this is not Green's later commercial stuff. This is excellent Grant Green with Larry Young on organ, Harold Vick on sax, Ben Dixon on drums, and Candido Camero on conga -- essentially a classic four-piece. And this is soul-jazz with a deep groove. His Majesty King Funk is the last of five albums Green recorded with Young. Produced by Creed Taylor, it is the only album Green did for Verve and perhaps his last real jazz album before several years of inactivity, after which he became somewhat more commercial in his approach. The album includes the standard "That Lucky Old Sun (Just Rolls Around Heaven All Day)."

by Michael Erlewine

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Reseña:

No te asustes por el título de Su Majestad el Rey Funk; esto no es el material comercial posterior de Green. Este es un excelente Grant Green con Larry Young en el órgano, Harold Vick en el saxo, Ben Dixon en la batería, y Candido Camero en la conga - esencialmente un clásico de cuatro piezas. Y esto es soul-jazz con un ritmo profundo. Su Majestad el Rey Funk es el último de los cinco álbumes que Green grabó con Young. Producido por Creed Taylor, es el único álbum que Green hizo para Verve y quizás su último álbum de jazz real antes de varios años de inactividad, después de los cuales se volvió algo más comercial en su enfoque. El álbum incluye el estándar "That Lucky Old Sun (Just Rolls Around Heaven All Day)".

por Michael Erlewine

VA • Afro-Cuban Jazz

 

Machito, Eddie Palmieri, Michel Camilo, Candido, Arturo Sandoval, Herbie Mann, Willie Bobo, Roy Hargrove, Tito Puente, Chico O'Farrill, Dizzy Gillespie, Dave Valentin, Cal Tjader …

Gene Ammons • The Happy Blues

 Review by Scott Yanow
The Happy Blues is one of the great studio jam sessions in history. Tenor saxophonist Gene Ammons is teamed up with trumpeter Art Farmer, altoist Jackie McLean, pianist Duke Jordan, bassist Addison Farmer, drummer Art Taylor, and the congas of Candido for four lengthy selections. Best is the title track, which has memorable solos and spontaneous but perfectly fitting riffing by the horns behind each others' solos. The other numbers ("The Great Lie," "Can't We Be Friends," and "Madhouse") are also quite enjoyable, making this a highly recommended set.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

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Reseña de Scott Yanow
The Happy Blues es una de las grandes jam sessions de estudio de la historia. El saxofonista tenor Gene Ammons se junta con el trompetista Art Farmer, el contralto Jackie McLean, el pianista Duke Jordan, el bajista Addison Farmer, el baterista Art Taylor y las congas de Candido para cuatro largas selecciones. La mejor es la canción que da título al disco, que tiene unos solos memorables y un riffing espontáneo pero perfectamente ajustado por parte de las trompas tras los solos de los demás. Los demás temas ("The Great Lie", "Can't We Be Friends" y "Madhouse") también son muy agradables, por lo que es un disco muy recomendable.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-blues-mw0000413645

Candido • Latin Fire

 

One of the great Cuban conga players and percussionists to come in the wake of Chano Pozo, he has been a constant source of authentic Afro-Cuban rhythms since his arrival in the early ‘50’s.

Born Candido Camera, 22 April 1921, Havana, Cuba, with no formal musical training, Candido is largely self taught. He originally started playing on bass and guitar, and later began playing bongos and conga drums. He was with Station CMQ Radio Havana for six years, after which, in 1947 to 1952, he worked with Armando Romue at the Tropicana Club in Havana, Cuba. In Oct. 1952, he emigrated to the USA, and after a six week engagement at the Clover Club in Miami (with the 'Night In Havana' show), he traveled to NYC.

There, trumpeter Dizzy Gillespie took him to the Downbeat Club on New York's famed 52nd Street where he sat in with pianist Billy Taylor's group, and worked for the next year with Taylor. The fall of 1954 found him touring with Stan Kenton's band. During 1956-57, he free-lanced in NYC, and was back playing with Dizzy Gillespie's combo in 1958.

Subsequently, Candido was often seen on TV and in nightclubs, both in the US and in Venezuela, Puerto Rico and the Dominican Republic. He has recorded with a great many big names in jazz, pop and Latin fields including Shearing, Kenton, Gillespie, Dinah Washington, Tito Puente, Machito.

He put out three albums under his own name on ABC-Paramount in the late 1950s, playing alongside Dick Hyman, and had later albums on Solid State (mid-1960s), Blue Note (1970), and Polydor (1973). He signed on with the Salsoul label and put out two for them including the 1982 “Jingo,” which was a dancehall hit worldwide. He collaborated with Patato Valdes and Giovanni Hidalgo for the 2000 outing of “The Conga Kings.” This is Candido playing with two other conga masters and the results are excellent, highly recommended for percussion fans.

Now in his eighties, elder statesman Candido Camero shows no sign of slowing down. His touch on congas is sure, his time is solid, his sound is uniquely his own, and his execution is as nimble as that of a man half his age. Heralded as the father of the technique of coordinated independence, Candido has further accomplishments. For one, he pioneered the use of two congas and later three, whereas in past congueros were content with a single drum.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/candidocamero

From Wipipedia
... Camero recorded several albums as a leader for ABC-Paramount in the late 1950s and early 1960s. In the early 1970s, he recorded for the independent jazz label Blue Note Records, before joining the dance music record company Salsoul. With the latter, Camero recorded two albums which were relatively successul and remain in rotation by DJs in the US. In 1979 he released Jingo, a disco-oriented track written by Babatunde Olatunji and recorded on Salsoul Records. This track was also released as a 12" single in June, 1981 in the UK on the Excalibur Record label, running for over 9 minutes, and reached #55 in the BBC Top 75 chart. It was his most successful hit in the UK discos becoming a huge floor filler at that time. In the 2000s, Camero was a member of the Conga Kings alongside Patato and Giovanni Hidalgo. They recorded two albums for Chesky. He recorded another album for Chesky in 2004, Inolvidable, with Graciela, the long-time lead singer for Machito. This album earned a Grammy Award nomination. In 2014, Camero recorded his last album, The Master, also for Chesky. He continued to perform in jazz clubs in New York until the late 2010s.
Death

Camero died on 7 November 2020, at his home in New York. He was 99. His is survived by a daughter, Emerita Camero Dradenes, and a grandson.

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Uno de los grandes conguistas y percusionistas cubanos que siguieron la estela de Chano Pozo, ha sido una fuente constante de auténticos ritmos afrocubanos desde su llegada a principios de los años 50.

Nacido el 22 de abril de 1921 en La Habana (Cuba), Cándido es un autodidacta sin formación musical. Empezó tocando el bajo y la guitarra, y más tarde comenzó a tocar los bongos y la conga. Estuvo en la emisora CMQ Radio Habana durante seis años, tras lo cual, de 1947 a 1952, trabajó con Armando Romue en el Tropicana Club de La Habana, Cuba. En octubre de 1952, emigró a los EE.UU. y, tras un compromiso de seis semanas en el Clover Club de Miami (con el espectáculo "Night In Havana"), viajó a Nueva York.

Allí, el trompetista Dizzy Gillespie le llevó al Downbeat Club de la famosa calle 52 de Nueva York, donde se sentó con el grupo del pianista Billy Taylor, y trabajó durante el año siguiente con Taylor. En el otoño de 1954 estuvo de gira con la banda de Stan Kenton. Durante los años 1956 y 1957, tocó por libre en Nueva York, y volvió a tocar con el combo de Dizzy Gillespie en 1958.

Posteriormente, Cándido fue visto a menudo en la televisión y en los clubes nocturnos, tanto en los Estados Unidos como en Venezuela, Puerto Rico y la República Dominicana. Ha grabado con un gran número de grandes nombres del jazz, el pop y el ámbito latino, como Shearing, Kenton, Gillespie, Dinah Washington, Tito Puente o Machito.

A finales de los años 50 sacó tres álbumes con su propio nombre en ABC-Paramount, tocando junto a Dick Hyman, y posteriormente tuvo álbumes en Solid State (mediados de los años 60), Blue Note (1970) y Polydor (1973). Firmó con el sello Salsoul y sacó dos discos para ellos, entre ellos "Jingo", de 1982, que fue un éxito dancehall en todo el mundo. Colaboró con Patato Valdés y Giovanni Hidalgo en la edición de 2000 de "The Conga Kings". Se trata de Candido tocando con otros dos maestros de la conga y los resultados son excelentes, muy recomendables para los aficionados a la percusión.

A sus ochenta años, el anciano Candido Camero no muestra signos de desaceleración. Su toque en las congas es seguro, su tiempo es sólido, su sonido es único y su ejecución es tan ágil como la de un hombre con la mitad de su edad. Anunciado como el padre de la técnica de la independencia coordinada, Cándido tiene más logros. Por un lado, fue pionero en el uso de dos congas y más tarde de tres, mientras que en el pasado los congueros se contentaban con un solo tambor.
Fuente: James Nadal


De Wikipedia
... Cándido Camero ha compartido escenario con grandes como Machito, Billy Taylor, Count Basie, Duke Ellington, Lionel Hampton, Charlie Parker, Dizzy Gillespie, George Shearing, Stan Kenton, Fania All Stars, Quincy Jones, Charlie Mingus, Ray Charles, Tony Bennett, Tito Puente, Chico O'Farrill, Sonny Rollins, Coleman Hawkins, Celia Cruz, Patato Valdés, Mongo Santamaría y muchísimos más.

Con noventa y seis años y casi setenta de carrera artística, Cándido Camero fue el protagonista de un documental sobre su vida y la historia del jazz afrocubano alrededor de él.

Fallece el 7 de noviembre de 2020 a los noventa y nueve años en su domicilio de El Bronx, Nueva York.

Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra • Super Mann

La grabación original aparecida en 1958 como disco de "Machito & his Jazz Orchestra" en donde si bien Herbie tiene una importante participación aparece como músico invitado de Francisco Raúl Gutiérrez Grillo también conocido como "Machito", músico y director de orquesta desde finales de los '30 del estilo latin-jazz, o sea por aquel entonces (1958) "Machito" era mucho más importante que Herbie por lo cual se entiende que no aparezca como co-autor del disco. Años más tarde en 1978 ante la creciente fama de Herbie y las ansias por más dinero de la grabadora reciclan esta grabación bajo el título de "Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra - Super Mann".

"Machito"

Como sospecharán este es un disco bastante distinto de otros de Herbie, el cual a lo largo de su carrera no ha disimulado su gusto por los sonidos latinos, en el cual hay que valorar tanto a Herbie por su visión adelantada a su época de la interpretación de la flauta, como también a “Machito” por unos excelentes arreglos y ensamble orquestal.

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The original recording appeared in 1958 as an album by Machito & his Jazz Orchestra where, although Herbie has an important participation, he appears as a guest musician of Francisco Raúl Gutiérrez Grillo also known as "Machito", musician and orchestra conductor since the end of the '30 of the latin-jazz style, or at that time (1958) "Machito" was much more important than Herbie so it is understood that not appear as a co-author of the album. Years later in 1978 before the increasing fame of Herbie and the hunger for more money of the recorder recycle this recording under the title that of "Herbie Mann & Machitos Jazz Orchestra - Super Mann".As they suspect this is a record quite different from others by Herbie, who throughout his career has not disguised his taste for Latin sounds, in which we must value so much Herbie for his vision ahead of his time of interpretation Of the flute, as well as "Machito" by excellent arrangements and orchestral ensemble.

VA • Blue Note Rare Grooves

 

Brother Jack McDuff, Candido, Donald Byrd, Elvin Jones, Jimmy McGriff, John Patton, Larry Young, Reuben Wilson, Richard ''Groove'' Holmes, Stanley Turrentine. 

VA ‎• Blue Funk

Brother Jack McDuff, Blue Mitchell, Lou Donaldson, John Patton, Grant Green, Candido, Richard ''Groove'' Holmes, Ronnie Foster, Reuben Wilson, Bobby Hutcherson.

 

 

Kenny Burrell • The Artist Selects

Biography:

After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of guitar greats who have forever changed the role of their instrument.

Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I strive for honesty in playing what I feel.”

“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties. Although he has since worked in countless other formats, from big band to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”

Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many years. Included in his teaching schedule is a special course that he developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”. Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington taught in the United States. In addition he is also the founder and director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the recognition of jazz as a classical art form.

Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in 1997 was recorded for Concord Records.

Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world. “He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford, “an educator and spokesperson for the entire tradition of American Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more importantly, a representative of the best in our society.”

Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the piano around the house. His father was fond of the banjo and the ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda rubbed off on us.”

Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951 with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson, and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A. in music composition and theory in 1955. He also studied classical guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ finger-style and other techniques.

A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan drove to New York City and were promptly drafted into the major league of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business without Really Trying.

In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.

Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus working in “All-Star” settings and has performed with college bands and orchestras. He has also performed with professional orchestras such as the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.

Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”

Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted “Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide. Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times International Readers Poll.

His music and recordings have received much international recognition including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997 Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996 and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the awards panel for the National Endowment for the Arts and was the National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit Free Press.

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Biografía:

Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel de su instrumento.

La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing", dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".

"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."

Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado "Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además, es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA, donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.

Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.

Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo mejor de nuestra sociedad".

Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele. "Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".

Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en 1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones, permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne, de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en 1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.

Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane, Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without Really Trying.

En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.

Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.

Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo, apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una gran música".

Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la encuesta de Jazz Times International Readers Poll.

Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale. Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la Detroit Free Press.

Dizzy Gillespie • Verve Jazz Masters 10

 

Bennie Green • Blows His Horn

 

Biography by Ron Wynn
A capable bebop soloist despite his style having firm swing-era roots, Bennie Green was a major trombonist and bandleader in the 1940s, '50s, and '60s. His sound and tone were large and round, and his approach was heavily influenced by traditionalists like Trummy Young. Green's solos were enjoyable and always well-executed, but he was never as ambitious in his playing as latter-day trombonists like J.J. Johnson or Curtis Fuller.

Green had a musical background: one of his brothers played tenor sax with Roy Eldridge's band. He studied at the famous Du Sable High School in Chicago under Capt. Walt Dyett, then began playing professionally with local groups. Budd Johnson recommended Green to Earl Hines in the early '40s, and he worked with Hines until 1948 (except for two-year stint in the Army). Green played with Gene Ammons for a short time, then with Charlie Ventura in the late '40s and early '50s. He toured with Hines again from 1951 until 1953.

Green led his own combo in the '50s and '60s, often playing with either Charlie Rouse or Jimmy Forrest. He also worked with Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin, and Elvin Jones. Green performed and recorded with Duke Ellington in 1968, playing on his second sacred concert. He settled in Las Vegas in the late '60s, working in hotel bands. Green was also featured on recordings made at the Newport in New York festival in the early '70s. He recorded as a leader for Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time, and Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

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Biografía de Ron Wynn
Bennie Green, un solista de bebop capaz a pesar de que su estilo tiene firmes raíces de la era del swing, fue un importante trombonista y director de banda en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Su sonido y su tono eran amplios y redondos, y su enfoque estaba muy influenciado por tradicionalistas como Trummy Young. Los solos de Green eran agradables y siempre estaban bien ejecutados, pero nunca fue tan ambicioso en su forma de tocar como los trombonistas de hoy en día, como J.J. Johnson o Curtis Fuller.

Green tenía antecedentes musicales: uno de sus hermanos tocaba el saxo tenor en la banda de Roy Eldridge. Estudió en la famosa Du Sable High School de Chicago con el capitán Walt Dyett, y luego empezó a tocar profesionalmente con grupos locales. Budd Johnson recomendó a Green a Earl Hines a principios de los años 40, y trabajó con Hines hasta 1948 (a excepción de un periodo de dos años en el ejército). Green tocó con Gene Ammons durante un corto periodo de tiempo, y luego con Charlie Ventura a finales de los años 40 y principios de los 50. Volvió a salir de gira con Hines desde 1951 hasta 1953.

Green dirigió su propio combo en los años 50 y 60, a menudo tocando con Charlie Rouse o Jimmy Forrest. También trabajó con Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin y Elvin Jones. Green actuó y grabó con Duke Ellington en 1968, tocando en su segundo concierto sagrado. Se instaló en Las Vegas a finales de los años 60, trabajando en las bandas de los hoteles. Green también apareció en grabaciones realizadas en el festival de Newport, en Nueva York, a principios de los años 70. Grabó como líder para Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time y Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

 

VA • Nu Yorica 2! Further Adventures In Latin Music-Chango In The New World 1976-1985

 

Art Blakey & The Jazz Messengers • Drum Suite

 

Review by Steve Leggett
Recorded in 1956, Art Blakey's Drum Suite is a wonderful hybrid of African, Latin, and hard bop rhythms that prefigures the concept of Afro-beat by at least a decade, and the sheer energy, not to mention its very special and fresh-sounding intimacy, make it especially astounding. Even more amazing is that the three parts of the suite -- Blakey's "The Sacrifice," Ray Bryant's "Cubano Chant," and Oscar Pettiford's "Oscalypso" -- were recorded straight through live, and were only intended to be a pre-take run-through, but as is obvious here, Blakey and company nailed the whole thing right out of the box. The original LP was issued by Columbia with the drum suite on one side, and three tracks recorded by a 1956 version of the Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery, and Spanky DeBrest) for Blakey's first Columbia album, Hard Bop, on the other side. Groundbreaking for its time, and still sounding vital, powerful, and visionary, the Drum Suite album is somewhat of a lost masterpiece that deserves a fresh audience.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

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Reseña de Steve Leggett
Grabada en 1956, la Drum Suite de Art Blakey es un maravilloso híbrido de ritmos africanos, latinos y hard bop que prefigura el concepto de afro-beat por lo menos una década, y la pura energía, por no hablar de su intimidad tan especial y fresca, la hacen especialmente asombrosa. Más sorprendente aún es que las tres partes de la suite - "The Sacrifice" de Blakey, "Cubano Chant" de Ray Bryant y "Oscalypso" de Oscar Pettiford- se grabaron directamente en directo, y sólo pretendían ser un ensayo previo, pero como es obvio aquí, Blakey y compañía lo clavaron todo nada más sacarlo de la caja. El LP original fue emitido por Columbia con la suite de batería en una cara, y tres temas grabados por una versión de 1956 de los Jazz Messengers (Bill Hardman, Jackie McLean, Sam Dockery y Spanky DeBrest) para el primer álbum de Columbia de Blakey, Hard Bop, en la otra cara. Innovador para su época, y todavía con un sonido vital, potente y visionario, el álbum Drum Suite es una especie de obra maestra perdida que merece un nuevo público.
https://www.allmusic.com/album/drum-suite-mw0000414522

Gary McFarland • The In Sound

A more comfortable mix of McFarland's vocalese pop and jazz than the more successful Soft Samba. The In Sound is chock full of brief, enjoyable tunes that stick with you. Guitarist Gabor Szabo is a perfect partner and makes a memorable combination with McFarland's mellifluous vibraphone.

 Artist Biography by Douglas Payne

Largely forgotten now, Gary McFarland was one of the more significant contributors to orchestral jazz during the early '60s. An "adult prodigy," as Gene Lees accurately noted, McFarland was an ingenious composer whose music could reveal shades of complex emotional subtlety and clever childlike simplicity. While in the Army, he became interested in jazz and attempted to play trumpet, trombone, and piano. In 1955, he took up playing the vibes. Displaying a quick ability for interesting writing, he obtained a scholarship to the Berklee School of Music. He spent one semester there and with the encouragement of pianist John Lewis, concentrated on large-band arrangements of his own compositions. He attained early notoriety and success working with Gerry Mulligan, Johnny Hodges, John Lewis, Stan Getz, Bob Brookmeyer, and Anita O'Day. McFarland began devoting more attention to his own career by 1963 when he released what is often regarded as his most significant recording, The Gary McFarland Orchestra/Special Guest Soloist: Bill Evans. He also recorded in small-group settings, which featured his clever vibes playing. The success of his instrumental pop collection, Soft Samba, allowed McFarland to form his first performing group. But his recordings thereafter, more often than not, featured an easy listening instrumental pop bent. McFarland went on to excellent work with Gabor Szabo, Shirley Scott, Zoot Sims, and Steve Kuhn, but only rarely featured his outstanding compositional talents (as in 1968's America the Beautiful). He formed the short-lived Skye Records label with Szabo and vibist Cal Tjader in the late 60s and continued to record prolifically. By the late 60s, though, he was forgotten by his initial jazz followers and he died in 1971 after being poisoned in a New York City bar.

https://www.allmusic.com/artist/gary-mcfarland-mn0000662149/biography

more ... https://en.wikipedia.org/wiki/Gary_McFarland

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Una mezcla más cómoda de pop vocal y jazz de McFarland que la más exitosa Soft Samba. El In Sound está repleto de breves y divertidas melodías que te acompañan. El guitarrista Gabor Szabo es un compañero perfecto y hace una combinación memorable con el vibráfono melifluo de McFarland.

 Biografía del artista por Douglas Payne

Hoy en día, Gary McFarland fue uno de los contribuyentes más significativos al jazz orquestal durante los primeros años de la década de 1960. Un "prodigio adulto", como Gene Lees señaló con precisión, McFarland era un ingenioso compositor cuya música podía revelar matices de compleja sutileza emocional y una ingeniosa simplicidad infantil. Mientras estuvo en el Ejército, se interesó por el jazz e intentó tocar la trompeta, el trombón y el piano. En 1955, comenzó a tocar el vibráfono. Demostrando una rápida habilidad para la escritura interesante, obtuvo una beca para la Berklee School of Music. Allí pasó un semestre y, con el apoyo del pianista John Lewis, se concentró en los arreglos para big bands de sus propias composiciones. Alcanzó notoriedad y éxito trabajando con Gerry Mulligan, Johnny Hodges, John Lewis, Stan Getz, Bob Brookmeyer y Anita O'Day. McFarland comenzó a dedicar más atención a su propia carrera en 1963 cuando lanzó lo que a menudo se considera su grabación más significativa, The Gary McFarland Orchestra/Special Guest Soloist: Bill Evans. También grabó en grupos pequeños, en los que tocó con sus inteligentes vibraciones. El éxito de su colección de pop instrumental, Soft Samba, le permitió a McFarland formar su primer grupo interpretativo. Pero sus grabaciones posteriores, la mayoría de las veces, inclinadas hacia el pop instrumental de fácil escucha. McFarland continuó con un excelente trabajo con Gabor Szabo, Shirley Scott, Zoot Sims y Steve Kuhn, pero sólo en raras ocasiones presentó sus talentos compositivos sobresalientes (como en America the Beautiful de 1968). Formó el sello de corta duración Skye Records con Szabo y el vibrafonista Cal Tjader a finales de los 60 y continuó grabando prolíficamente. A finales de los años 60, sin embargo, fue olvidado por sus primeros seguidores del jazz y murió en 1971 después de haber sido envenenado en un bar de la ciudad de Nueva York.

https://www.allmusic.com/artist/gary-mcfarland-mn0000662149/biography

https://es.wikipedia.org/wiki/Gary_McFarland

Billy Taylor • The Billy Taylor Trio with Candido

Review by Stephen Cook

Having already dedicated half of 1953's Cross Section to numbers with Machito's band, it was no surprise that Bill Taylor's 1954 follow-up, Trio with Candido, would feature more Latin touches -- this time with star Cuban conga player Candido. In line with fellow jazz pianists George Shearing and Red Garland, Taylor doesn't incorporate the Cuban clavé beat so much as he includes the percussion for accentuation. In spite of this, Candido offers up some provocative solos, especially on the fast-paced Taylor original "A Live One," which features the pianist and percussionist trading an energetic set of fours. Medium to slow-tempo Taylor originals, though, dominate the program, including "Bit of Bedlam," where the chaos is decidedly cool. Throughout the album, Taylor uses his fleet, Teddy Wilson-informed solo chops to pleasant effect, even stretching out a bit on "Mambo Inn" to complement Candido's own lengthy workout. A very nice program of Latin-tinged bop numbers which unfortunately has not found its way to CD, but occasionally can be found on LP. For at least some of Taylor's Latin forays, there is the CD reissue of Cross Section.

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Reseña por Stephen Cook

Después de haber dedicado ya la mitad de la Sección Transversal de 1953 a los números con la banda de Machito, no fue ninguna sorpresa que la continuación de Bill Taylor en 1954, Trío con Candido, tuviera más toques latinos, esta vez con la estrella cubana de conga Candido. En línea con los pianistas de jazz George Shearing y Red Garland, Taylor no incorpora el ritmo del clavé cubano, sino la percusión para la acentuación. A pesar de ello, Candido ofrece algunos solos provocativos, especialmente en el original de Taylor "A Live One", que incluye al pianista y al percusionista intercambiando un enérgico juego de cuatros. Los originales de Taylor de ritmo medio a lento, sin embargo, dominan el programa, incluyendo "Bit of Bedlam", donde el caos es decididamente genial. A lo largo del álbum, Taylor utiliza su flota, chuletas en solitario informadas por Teddy Wilson para lograr un efecto placentero, incluso extendiéndose un poco en "Mambo Inn" para complementar el largo entrenamiento de Candido. Un programa muy bueno de números de bop teñidos de latino que desafortunadamente no ha encontrado su camino al CD, pero que ocasionalmente se puede encontrar en el LP. Para al menos algunas de las incursiones latinas de Taylor, está la reedición en CD de Cross Section.

Donald Byrd • Up With

 

Review
by Scott Yanow
Trumpeter Donald Byrd took a brief vacation from Blue Note to record this one album for Verve. The music is mostly pretty forgettable despite such top sidemen as tenors Stanley Turrentine and Jimmy Heath, pianist Herbie Hancock, and guitarist Kenny Burrell. Byrd mostly sticks to current pop tunes, and most of the songs utilize a rather average vocal group listed as "The Donald Byrd Singers." The arrangements by Claus Ogerman, Byrd, and Hancock are unimaginative and these renditions of "House of the Rising Sun," "My Babe," and a few of Hancock's originals are quite forgettable. A lesser effort.
https://www.allmusic.com/album/up-with-donald-byrd-mw0000744281

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Reseña
por Scott Yanow
El trompetista Donald Byrd se tomó unas breves vacaciones de Blue Note para grabar este álbum para Verve. La música es en su mayor parte bastante olvidable a pesar de contar con músicos de primera fila como los tenores Stanley Turrentine y Jimmy Heath, el pianista Herbie Hancock y el guitarrista Kenny Burrell. Byrd se ciñe sobre todo a temas pop actuales, y la mayoría de las canciones utilizan un grupo vocal bastante mediocre que figura como "The Donald Byrd Singers". Los arreglos de Claus Ogerman, Byrd y Hancock son poco imaginativos y estas interpretaciones de "House of the Rising Sun", "My Babe" y algunos originales de Hancock son bastante olvidables. Un esfuerzo menor.
https://www.allmusic.com/album/up-with-donald-byrd-mw0000744281

VA • Mambo Fever!

 

Dizzy Gillespie & His Orchestra • Gillespiana

 

The complete original LP Gillespiana (Verve BMGV8394), the first of many collaborations between Dizzy Gillespie and Argentinean pianist Lalo Schifrin. In addition to his role as the band’s pianist, Schifrin also composed the complete “Gillespiana” suite. A week after the studio session, the “Gillespiana” suite was performed live in Paris in a quintet format. Four of the fi ve movements from that concert have been added here as a bonus, allowing us to compare the orchestral and small group versions.https://www.jazzmessengers.com/es/78931/dizzy-gillespie/gillespiana

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El LP original completo Gillespiana (Verve BMGV8394), la primera de muchas colaboraciones entre Dizzy Gillespie y el pianista argentino Lalo Schifrin. Además de su papel como pianista de la banda, Schifrin también compuso la suite completa de «Gillespiana». Una semana después de la sesión de estudio, la suite «Gillespiana» se interpretó en directo en París en formato de quinteto. Cuatro de los cinco movimientos de ese concierto se han añadido aquí como bonus, lo que nos permite comparar las versiones orquestal y en pequeño grupo.https://www.jazzmessengers.com/es/78931/dizzy-gillespie/gillespiana

 

Dizzy Gillespie And His Orchestra • Afro

 

Review by Ken Dryden
Pairing Dizzy Gillespie with Cuban arranger/composer Chico O'Farrill produced a stunning session which originally made up the first half of a Norgran LP. O'Farrill conducts an expanded orchestra which combines a jazz band with a Latin rhythm section; among the participants in the four-part "Manteca Suite" are trumpeters Quincy Jones and Ernie Royal, trombonist J.J. Johnson, tenor saxophonists Hank Mobley and Lucky Thompson, and conga player Mongo Santamaria. "Manteca," written during the previous decade, serves as an exciting opening movement, while the next two segments build upon this famous theme, though they are jointly credited to O'Farrill as well. "Rhumba-Finale" is straight-ahead jazz with some delicious solo work by Gillespie. A later small-group session features the trumpeter with an all-Latin rhythm section and flutist Gilberto Valdes, who is heard on "A Night in Tunisia" and "Caravan." Both of the Latin versions of these pieces are far more interesting than "Con Alma," as the excessive percussion and dull piano accompaniment add little to this normally captivating theme. Long out of print, this 2002 CD reissue will only be available until May 2005; it is well worth acquiring.
https://www.allmusic.com/album/afro-mw0000216146

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Reseña de Ken Dryden
El emparejamiento de Dizzy Gillespie con el arreglista/compositor cubano Chico O'Farrill produjo una impresionante sesión que originalmente constituía la primera mitad de un LP de Norgran. O'Farrill dirige una orquesta ampliada que combina una banda de jazz con una sección rítmica latina; entre los participantes en la "Manteca Suite" de cuatro partes están los trompetistas Quincy Jones y Ernie Royal, el trombonista J.J. Johnson, los saxofonistas tenores Hank Mobley y Lucky Thompson, y el conguero Mongo Santamaria. "Manteca", escrita durante la década anterior, sirve como emocionante movimiento de apertura, mientras que los dos segmentos siguientes se basan en este famoso tema, aunque se acreditan conjuntamente a O'Farrill también. "Rhumba-Finale" es un jazz directo con algunos deliciosos solos de Gillespie. Una sesión posterior en grupo pequeño presenta al trompetista con una sección rítmica totalmente latina y el flautista Gilberto Valdés, que se escucha en "A Night in Tunisia" y "Caravan". Ambas versiones latinas de estas piezas son mucho más interesantes que "Con Alma", ya que la excesiva percusión y el aburrido acompañamiento de piano aportan poco a este tema normalmente cautivador. Agotada desde hace tiempo, esta reedición en CD de 2002 sólo estará disponible hasta mayo de 2005; merece la pena adquirirla.
https://www.allmusic.com/album/afro-mw0000216146

Charles Mingus • Cumbia & Jazz Fusion

 

Review by Scott Yanow
As Charles Mingus' career (and life) moved into its final phase, his recordings exclusively featured large (and often potentially unruly) ensembles. This CD, which contains two rather long performances originally recorded as soundtracks for films, is better than most of what followed. "c" has a large percussion section and quite a few woodwinds along with trumpeter Jack Walrath, tenor saxophonist Ricky Ford, and trombonist Jimmy Knepper while "Music for 'Todo Modo'" adds five horns to Mingus' quintet. The music is episodic but generally holds its own away from the film.
https://www.allmusic.com/album/cumbia-jazz-fusion-mw0000121191

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Reseña de Scott Yanow
A medida que la carrera (y la vida) de Charles Mingus entraba en su fase final, sus grabaciones incluían exclusivamente grandes (y a menudo potencialmente revoltosos) conjuntos. Este CD, que contiene dos interpretaciones bastante largas grabadas originalmente como bandas sonoras para películas, es mejor que la mayoría de lo que vino después. "c" tiene una gran sección de percusión y bastantes maderas junto con el trompetista Jack Walrath, el saxofonista tenor Ricky Ford y el trombonista Jimmy Knepper, mientras que "Music for 'Todo Modo'" añade cinco trompas al quinteto de Mingus. La música es episódica, pero en general se mantiene fuera de la película.
https://www.allmusic.com/album/cumbia-jazz-fusion-mw0000121191


 

www.charlesmingus.com ...

VA • Jazz At The Philharmonic In Europe