Hank Mobley • Soul Station

 

Soul Station es unánimemente considerado el disco más destacado de Hank Mobley, un infravalorado y saxofonista de referencia en la mitad del siglo XX, y uno de los valores incontestables del selecto catalogo de Blue Note. Acompañado de una rítmica maravillosa con Wynton Kelly al piano, Paul Chambers al bajo y el maestro de la batería Art Blakey, el disco es denso por momentos, como la música de sus maestros Coltrane y Rollins, o suave y relajado en algunos pasajes rememorando las influencias de Lester o Webster.

Porque Hank Mobley no necesitó copiar ni estilos ni sonidos. Fue un músico muy creativo, con estilo propio y propietario de un sonido singular. "Soul Station" es un disco redondo, lleno de swing y con nuestro saxofonista en plena madurez creativa. Un álbum para disfrutar plenamente de la belleza de esta música, para escucharlo sin prisas, de principio a fin. El swing fluye de manera natural, fresco y subyugante del saxo de Hank Mobley y uno a uno los seis temas que componen el álbum, conforman toda una obra maestra a la que sin duda de ningún tipo, contribuyen el virtuosismo y la calidad de los músicos que acompañan a Hank Mobley en esta grabación.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Una es este álbum que hoy recomendamos y el segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.
https://www.apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=2620&Itemid=335

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Often overlooked, perhaps because he wasn't a great innovator in jazz but merely a stellar performer, tenor saxophonist Hank Mobley was at the peak of his powers on Soul Station. Recorded with a superstar quartet including Art Blakey on drums, Paul Chambers on bass, and Wynton Kelly on piano, it was the first album since Mobley's 1955 debut to feature him as a leader without any other accompanying horns. The clean, uncomplicated sound that resulted from that grouping helps make it the best among his albums and a peak moment during a particularly strong period in his career. Mobley has no problem running the show here, and he does it without being flashy or burying the strong work of his sidemen. The solidness of his technique means that he can handle material that is occasionally rhythmically intricate, while still maintaining the kind of easy roundness and warmth displayed by the best players of the swing era. Two carefully chosen standards, "Remember" and "If I Should Lose You," help to reinforce that impression by casting an eye back to the classic jazz era. They bookend four Mobley originals that, in contrast, reflect the best of small-group composition with their lightness and tight dynamics. Overall, this is a stellar set from one of the more underrated musicians of the bop era.
https://www.allmusic.com/album/soul-station-mw0000649652

Clifford Jordan • In The World

 

Review by Ken Dryden
Whether at the helm of a record date or as a sideman, Clifford Jordan was known for giving his all. These studio recordings were originally made for Strata East, a label known for its adventurous spirit. The tenor saxophonist leads two separate groups. The sextet selections include trombonist Julian Priester, pianist Wynton Kelly, bassists Wilbur Ware and Richard Davis, drummer Albert Heath, and trumpeter Don Cherry. Jordan's pensive "Vienna" is given an extended workout, with Cherry's somewhat abstract playing fitting in rather well. The second piece, Jordan's "Doug's Prelude," is also a bit brooding, showcasing the leader, Priester, and Kelly.
https://www.allmusic.com/album/in-the-world-mw0000899923

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Reseña de Ken Dryden
Ya sea al frente de una cita discográfica o como acompañante, Clifford Jordan era conocido por darlo todo. Estas grabaciones de estudio se hicieron originalmente para Strata East, un sello conocido por su espíritu aventurero. El saxofonista tenor lidera dos grupos separados. Las selecciones del sexteto incluyen al trombonista Julian Priester, el pianista Wynton Kelly, los bajistas Wilbur Ware y Richard Davis, el baterista Albert Heath y el trompetista Don Cherry. La pensativa "Viena" de Jordan recibe un entrenamiento prolongado, con el juego algo abstracto de Cherry encajando bastante bien. La segunda pieza, "Doug's Prelude" de Jordan, también es un poco melancólica, mostrando al líder, Priester y Kelly.
https://www.allmusic.com/album/in-the-world-mw0000899923

A.K. Salim • Pretty for the People

 

Johnny Griffin • Introducing Johnny Griffin

 

Biography
by Michael G. Nastos
One of the all-time great tenor saxophonists, Johnny Griffin will go down in the annals of jazz as a performer easily able to negotiate the tricky harmonic changes and swift tempos of modern music. He'll also be remembered as a player who could masterfully interpret tender ballads, rivaling Ben Webster in that regard.

Born John Arnold Griffin III in Chicago, Illinois, on April 24, 1928, he resided on the South Side of the Second City with his mother, who was a singer, and father, who played cornet. An adolescent Griffin heard Gene Ammons play in the big band of King Kolax. Two years later he picked up an alto saxophone, and soon thereafter was working with bluesman T-Bone Walker. A student at DuSable High School, he was tutored by the legendary band director Captain Walter Dyett. Upon graduation, he toured with Lionel Hampton's big band, switched to the tenor sax, and moved to New York City. The late '40s saw Griffin honking his share of R&B with Joe Morris up to 1950, alongside the band of Jo Jones in 1950, and with Arnett Cobb in 1951. He enlisted in the armed services stationed in Hawaii, and played in an Army band.

After his military commitment, he returned to Chicago and was in the company of Thelonious Monk's various ensembles up to the mid-'60s. Griffin cut his Blue Note album Introducing Johnny Griffin in 1958, and that year formed a sextet with Detroiters Pepper Adams and Donald Byrd. He collaborated with pianists Bud Powell and Elmo Hope, was enlisted by Art Blakey briefly as a member of the Jazz Messengers, energized his solo recording career for the Riverside label, and obtained his nickname, The Little Giant, with that eponymously titled LP in 1959. His most famous and popular teaming was with fellow saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin also recorded the legendary A Blowin' Session for the Blue Note label with John Coltrane and Hank Mobley.

But Griffin grew weary of the U.S. and its apathy regarding jazz, so he became an expatriate. He was living in Paris, France, by 1963, and did many albums with European rhythm sections for the Storyville, Black Lion, and Steeplechase labels. He was also a charter member and chief soloist for many years in the Kenny Clarke-Francy Boland Big Band alongside American and Continental standouts. The year 1975 was an important one for Griffin, who was featured with the bands of Dizzy Gillespie and Count Basie as documented in recordings of their sets at the Montreux Jazz Festival. He also collaborated with German saxophonist Klaus Doldinger and his fusion band Passport. In the late '70s, Griffin returned to the States to record for the Galaxy label, and toured with fellow expatriate tenor saxophonist Dexter Gordon.

He left Paris for the countryside of the Netherlands to live on a farm, then headed to the Côte d'Azur in 1980, and in 1984 to rural Availles-Limouzine. In 1986 he was a member of the Paris Reunion Band with Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton, and Kenny Drew, making one album for the Sonet label. During his time in France, Griffin recorded for the Antilles and Verve labels, including The Cat in 1991 and Chicago, New York, Paris in 1994. On the weeks of his birthday, Griffin made regular appearances at the Jazz Showcase back home in Chicago. In his later years he collaborated with pianist Martial Solal and saxophonist Steve Grossman. Griffin passed away at age 80 on July 25, 2008.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-griffin-mn0000213510/biography

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Biografía
por Michael G. Nastos
Johnny Griffin, uno de los mejores saxofonistas tenores de todos los tiempos, pasará a los anales del jazz como un intérprete capaz de negociar con facilidad los complicados cambios armónicos y los rápidos tempos de la música moderna. También será recordado como un músico que podía interpretar magistralmente tiernas baladas, rivalizando con Ben Webster en ese aspecto.

Nacido como John Arnold Griffin III en Chicago, Illinois, el 24 de abril de 1928, residía en el lado sur de la Segunda Ciudad con su madre, que era cantante, y su padre, que tocaba la corneta. Un Griffin adolescente escuchó a Gene Ammons tocar en la gran banda de King Kolax. Dos años más tarde cogió un saxofón alto, y poco después estaba trabajando con el bluesman T-Bone Walker. Como estudiante de la DuSable High School, fue tutelado por el legendario director de banda Captain Walter Dyett. Tras su graduación, realizó una gira con la big band de Lionel Hampton, se cambió al saxo tenor y se trasladó a Nueva York. A finales de los años 40, Griffin tocó su parte de R&B con Joe Morris hasta 1950, junto a la banda de Jo Jones en 1950, y con Arnett Cobb en 1951. Se alistó en las fuerzas armadas con destino en Hawai, y tocó en una banda del ejército.

Tras su compromiso militar, regresó a Chicago y estuvo en compañía de los distintos conjuntos de Thelonious Monk hasta mediados de los años 60. Griffin grabó su álbum de Blue Note Introducing Johnny Griffin en 1958, y ese año formó un sexteto con los de Detroit Pepper Adams y Donald Byrd. Colaboró con los pianistas Bud Powell y Elmo Hope, fue reclutado brevemente por Art Blakey como miembro de los Jazz Messengers, impulsó su carrera de grabación en solitario para el sello Riverside y obtuvo su apodo, The Little Giant, con ese LP de título epónimo en 1959. Su colaboración más famosa y popular fue con su compañero saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis. Griffin también grabó la legendaria A Blowin' Session para el sello Blue Note con John Coltrane y Hank Mobley.

Pero Griffin se cansó de Estados Unidos y de su apatía hacia el jazz, así que se convirtió en un expatriado. En 1963 vivía en París, Francia, y grabó muchos discos con secciones rítmicas europeas para los sellos Storyville, Black Lion y Steeplechase. También fue miembro fundador y principal solista durante muchos años de la Kenny Clarke-Francy Boland Big Band, junto a figuras americanas y continentales. El año 1975 fue importante para Griffin, que participó en las bandas de Dizzy Gillespie y Count Basie, como se documenta en las grabaciones de sus actuaciones en el Festival de Jazz de Montreux. También colaboró con el saxofonista alemán Klaus Doldinger y su grupo de fusión Passport. A finales de los años 70, Griffin regresó a Estados Unidos para grabar para el sello Galaxy, y realizó una gira con el también saxofonista tenor expatriado Dexter Gordon.

Abandonó París para irse a vivir a una granja en Holanda, luego se fue a la Costa Azul en 1980, y en 1984 a la zona rural de Availles-Limouzine. En 1986 formó parte de la Paris Reunion Band con Woody Shaw, Dizzy Reece, Slide Hampton y Kenny Drew, y grabó un álbum para el sello Sonet. Durante su estancia en Francia, Griffin grabó para los sellos Antilles y Verve, incluyendo The Cat en 1991 y Chicago, New York, Paris en 1994. En las semanas de su cumpleaños, Griffin hacía apariciones regulares en el Jazz Showcase de su ciudad natal, Chicago. En sus últimos años colaboró con el pianista Martial Solal y el saxofonista Steve Grossman. Griffin falleció a los 80 años el 25 de julio de 2008.
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David Fathead Newman • The Sound of the Wide Open Spaces! + Straight Ahead

 

David Fathead Newman was best known for his long association with Ray Charles, but there was much more to him, as this succinct and panoramic coverage of his talents as a jazzman reveals. His bright, buoyant tenor, despite the apparent Sonny Rollins and John Coltrane influences, has moments of humor and timbre that suggest Lockjaw Davis.

The first album The Sound of the Wide Open Spaces!, introduces a quintet with Newman and fellow Texan James Clay, both on tenor, swinging hard, generating a tremendous amount of excitement and emotional involvement, with Clay adding his rich, sensitive touch on flute.

The second album, Straight Ahead, features a quartet showcasing Newman not only on tenor, but also on alto and flute, with the alto performances firm and convincing and the flute outings equally persuasive. Pianist Wynton Kellys role is a key one, amounting at times to a virtual duet with Newman. In fact, the accompaniment in both dates is impressive, as would be expected from such major league players as Kelly, bassists Paul Chambers and Sam Jones, and drummers Charlie Persip and Art Taylor, who offer impeccable drive, ideas and energy throughout.
https://www.freshsoundrecords.com/david-fathead-newman-albums/5468-the-sound-of-the-wide-open-spaces-straight-ahead-2-lps-on-1-cd.html

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David Fathead Newman era más conocido por su larga asociación con Ray Charles, pero había mucho más en él, como revela esta cobertura sucinta y panorámica de su talento como jazzista. Su tenor brillante y alegre, a pesar de las aparentes influencias de Sonny Rollins y John Coltrane, tiene momentos de humor y timbre que sugieren a Lockjaw Davis.

El primer álbum, The Sound of the Wide Open Spaces !, presenta un quinteto con Newman y su compañero texano James Clay, ambos a tenor, balanceándose con fuerza, generando una tremenda cantidad de emoción y participación emocional, con Clay agregando su toque rico y sensible a la flauta .

El segundo álbum, Straight Ahead, presenta un cuarteto que presenta a Newman no solo en tenor, sino también en alto y flauta, con interpretaciones de alto firmes y convincentes y las salidas de flauta igualmente persuasivas. El papel del pianista Wynton Kelly es clave, llegando a veces a un dueto virtual con Newman. De hecho, el acompañamiento en ambas fechas es impresionante, como se esperaría de jugadores de grandes ligas como Kelly, los bajistas Paul Chambers y Sam Jones, y los bateristas Charlie Persip y Art Taylor, quienes ofrecen un impecable impulso, ideas y energía en todo momento.
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Fresh Sound Records ...    

 

Paul Chambers • Go

The first of two Vee Jay label dates by the acclaimed modern jazz bassist Paul Chambers is a fine exercise in hard bop, split between showcasing his compositions and famous standards. Alto saxophonist Cannonball Adderley and trumpeter Freddie Hubbard are on the front line, perhaps for the only time in their storied careers, and work well for the most part. Pianist Wynton Kelly and either drummers Philly Joe Jones or Jimmy Cobb complete the quintets. The advantage in buying this reissue is that the second CD is comprised exclusively of outtakes from the originally issued tracks, and many of them have extended solos. Of the covers, "There Is No Greater Love" features a chuckling and cajoling Adderley, very happy for the fortune smiling on him, while "Just Friends" has the two horns playing this chestnut pretty much straight, with counterpointed stop-start techniques chirping at the rhythm section, and a young Hubbard offering his best solo. "I Got Rhythm" brings Cobb to the team, as a modal base from Kelly and Chambers buoys the wailing horns. Of the originals, Hubbard and Adderley sound mismatched on the 6/8 to 3/4 calypso-swing "Julie Ann," where their harmonics don't quite synch up. Their teamwork pays off royally during "I Heard That" and the classic hard bopper with Cobb "Ease It," where the tempo persists, but the horns grow quieter and quieter in mezzo piano range to near nothingness -- the epitome of cool. There's another classic here, as "Awful Mean" is emotionally neither, but instead cures Adderley's brief once-through melody statement into a vintage shuffle. The alternate take of this one is two-and-a-half minutes longer. "I Heard That" is called a "remake" though the original is just fine, and the second "remake" of the ballad "Dear Ann" (one of three attempts included) extends Chambers on his arco bowed bass melody, both pieces adding a ramped uptempo. This recording and 1st Bassman offer different aspects of Chambers as a leader, with the latter album having him take on more responsibility as a lead melodicist. After having played with the game changing bands of Miles Davis and John Coltrane, Chambers died far too young ten years hence in January of 1969, but left behind a memorable 15-year legacy, well represented by this recording where he was in his early prime.

Biography

One of the top bassists of 1955-1965, Paul Chambers was among the first in jazz to take creative bowed solos (other than Slam Stewart, who hummed along with his bowing). He grew up in Detroit, where he was part of the fertile local jazz scene. After touring with Paul Quinichette, Chambers went to New York, where he played with the J.J. Johnson-Kai Winding quintet and George Wallington. He spent the bulk of his prime years (1955-1963) as a member of the Miles Davis Quintet, participating in virtually all of Davis' classic recordings of the era. When he left, "Mr. P.C." (as John Coltrane called him in one of his originals) worked with the Wynton Kelly Trio (1963-1966) and freelanced until his death. Chambers, a consistently inspired accompanist who was an excellent soloist, made many recordings during his brief period, including some with Sonny Rollins, Coltrane, Cannonball Adderley, Donald Byrd, Bud Powell, and Freddie Hubbard, in addition to a few as a leader.

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La primera de las dos fechas del sello Vee Jay del aclamado bajista de jazz moderno Paul Chambers es un fino ejercicio de hard bop, dividido entre mostrar sus composiciones y famosos standards. El saxofonista alto Cannonball Adderley y el trompetista Freddie Hubbard están en la primera línea, quizás por única vez en sus historiadas carreras, y trabajan bien en su mayor parte. El pianista Wynton Kelly y los bateristas Philly Joe Jones o Jimmy Cobb completan los quintetos. La ventaja de comprar esta reedición es que el segundo CD está compuesto exclusivamente por tomas de los temas originales, y muchos de ellos tienen solos extendidos. De las portadas, "There Is No Greater Love" presenta a un Adderley riendo y engatusando, muy feliz por la fortuna que le sonríe, mientras que "Just Friends" tiene a los dos cuernos tocando esta castaña bastante recta, con técnicas de stop-start contrapuestas chirriando en la sección rítmica, y un joven Hubbard ofreciendo su mejor solo. "I Got Rhythm" trae a Cobb al equipo, como base modal de las boyas de Kelly y Chambers de las trompas de llanto. De los originales, Hubbard y Adderley suenan mal en el calypso-swing de 6/8 a 3/4 "Julie Ann", donde sus armónicos no se sincronizan del todo. Su trabajo en equipo da sus frutos durante "I Heard That" y el clásico hard bopper con Cobb "Ease It", donde el tempo persiste, pero las trompas se vuelven más y más silenciosas en el rango del piano de mezzo hasta casi la nada - el epítome de lo genial. Hay otro clásico aquí, ya que "Awful Mean" no es emocionalmente ninguna de las dos cosas, pero en cambio cura la breve declaración de la melodía de Adderley de una sola vez en una barajadura vintage. La toma alternativa de esta es de dos minutos y medio más larga. "I Heard That" se llama un "remake" aunque el original está muy bien, y el segundo "remake" de la balada "Dear Ann" (uno de tres intentos incluidos) extiende Chambers en su melodía de bajo con arco, ambas piezas añadiendo un uptempo rampante. Esta grabación y 1st Bassman ofrecen diferentes aspectos de Chambers como líder, con este último álbum que le hace asumir más responsabilidad como melodista principal. Después de haber tocado con las bandas de cambio de juego de Miles Davis y John Coltrane, Chambers murió demasiado joven diez años después, en enero de 1969, pero dejó un memorable legado de 15 años, bien representado por esta grabación en la que estuvo en su mejor momento.

Biografía

Uno de los mejores bajistas de 1955-1965, Paul Chambers fue uno de los primeros en el jazz en hacer creativos solos de arco (aparte de Slam Stewart, que tarareaba junto con su arco). Creció en Detroit, donde formó parte de la fértil escena de jazz local. Después de ir de gira con Paul Quinichette, Chambers se fue a Nueva York, donde tocó con el quinteto de J.J. Johnson-Kai Winding y George Wallington. Pasó la mayor parte de sus mejores años (1955-1963) como miembro del Quinteto de Miles Davis, participando en prácticamente todas las grabaciones clásicas de Davis de la época. Cuando se fue, "Mr. P.C." (como lo llamó John Coltrane en uno de sus originales) trabajó con el Wynton Kelly Trio (1963-1966) y trabajó como freelance hasta su muerte. Chambers, un acompañante constantemente inspirado que fue un excelente solista, hizo muchas grabaciones durante su breve período, incluyendo algunas con Sonny Rollins, Coltrane, Cannonball Adderley, Donald Byrd, Bud Powell, y Freddie Hubbard, además de algunas como líder.

Jimmy Heath • The Thumper

 

 

Biography by Matt Collar
With his delicately soulful tone and refined ear for lyrical, hard-swinging bop, tenor saxophonist Jimmy Heath helped shepherd modern jazz into the 21st century. Initially emerging as a member of Dizzy Gillespie's big band in the 1940s, Heath (then known as "Little Bird" after his idol Charlie "Yardbird" Parker) would establish his reputation as gifted improviser and composer, working with innovators like Miles Davis, John Coltrane, and Milt Jackson. He came to his greatest acclaim in the late '50s, penning a bevy of compositions like "C.T.A.," "Gingerbread Boy," and "For Minors Only," many of which would become jazz standards. His early Riverside albums, including 1959's The Thumper, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, are the epitome of hard bop, and many of the albums he contributed to are classics. He recorded for such varied labels as Strata East, Muse, and Columbia, working with his siblings, bassist Percy Heath and drummer Albert "Tootie" Heath, as the Heath Brothers, and collaborating with boundary-pushing stylists like Charles Tolliver, Stanley Cowell, and Art Farmer. Along with three Grammy nominations, including for 1994's Little Man, Big Band, Heath was also a 2003 NEA Jazz Master who dedicated much of his career to teaching, working at the Aaron Copland School of Music at Queens College, and helping to oversee the Louis Armstrong Archives. Still, performing remained his passion and he continued to work throughout his later years, often playing alongside younger musicians, including Roy Hargrove on his 2012 85th birthday celebration Togetherness: Live at the Blue Note, and Wynton Marsalis and Cecile McLorin Salvant on 2020's Love Letter.

Born in Philadelphia in 1926, Heath was introduced to jazz and big-band music by his father, an auto mechanic and part-time clarinet player, and mother, a singer in their church choir. However, due to the Depression his father often found himself out of work. Subsequently, Heath and his siblings were sent to live with their grandparents who ran a grocery store in Wilmington, North Carolina. It was there, while going to high school, that Jimmy started playing the alto saxophone, participating in the concert and marching band programs. Similarly, his older brother Percy played bass and his younger brother Albert "Tootie" played drums. He also had a sister Elizabeth who played piano. They would return home to Philadelphia for the summer, during which time Jimmy took private lessons. After graduating high school in 1943, Heath started his own swing dance band. He also performed with the Nat Towles band. By 1947, he was leading his own small group, playing alongside a young John Coltrane, trumpeter Johnny Coles, tenor saxophonist Benny Golson, bassist Nelson Boyd, drummer Specs Wright, and other Philadelphia natives. It was also around this time that he discovered bebop, influenced heavily by altoist Charlie "Yardbird" Parker. In 1948, Heath joined trumpeter Howard McGhee. He was soon joined by his brother Percy and together they toured Paris, appearing at the city's first jazz festival. It was while with McGhee that Heath earned his nickname "Little Bird," due in part to his love of Parker and his small stature; he had been turned away for the draft during WWII for being below the minimum weight. The following year, Heath became a member of trumpeter Dizzy Gillespie's band, which also featured a number of other Philadelphia regulars including Coltrane.

In the early '50s, Heath switched to tenor saxophone to better set himself apart from Parker and to secure more gigs. Soon after, he joined Miles Davis' band, appearing on the trumpeter's second album, 1952's Young Man with a Horn. There were also seminal dates with J.J. Johnson, Clifford Brown, and Kenny Dorham. Just as his career was taking off, Heath (an admitted drug addict) was arrested and convicted twice for the sale of heroin. His first arrest came in 1954 and found him incarcerated at the Federal Medical Center in Lexington, Kentucky. Following his release, he was again arrested in 1955 and sentenced to six years in prison. Sent to Lewisburg Penitentiary in Pennsylvania, he served four years. While in prison, Heath continued to write music, arranging for the prison big band and composing songs like "For Minors Only," "C.T.A.," ''Picture of Heath," and "For Miles and Miles," most of which gained wider attention after they were included on Chet Baker and Art Pepper's 1956 album Playboys.

Released from prison in 1959, Heath, now sober, immediately began to rebuild his career. That same year, he made his long-awaited debut as leader with The Thumper, an all-star session for Riverside featuring cornetist Nat Adderley, trombonist Curtis Fuller, pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers, and his brother drummer Albert. He also appeared on trumpeter Blue Mitchell's classic album Blue Soul and briefly re-joined Miles Davis' group, taking over for Coltrane. Equally well-regarded sessions followed, including albums with Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard, and others. He followed his debut with the 1960 large-ensemble album Really Big!, featuring cornetist Adderley, flugelhornist Clark Terry, altoist Cannonball Adderley, and pianists Cedar Walton and Tommy Flanagan. Heath's output increased significantly throughout the early '60s with albums like 1961's The Quota, 1962's Triple Threat, and 1964's On the Trail, the latter of which introduced two more of his originals with "Gingerbread Boy" and "Project S." He also recorded albums with Milt Jackson, Mongo Santamaria, and others.

Heath returned to his solo work with 1972's The Gap Sealer, a hard-hitting album that found him playing both alto and tenor saxophone, as well as flute. Along with pianists Kenny Barron and Stanley Cowell, bassist Bob Cranshaw, and his brother drummer Albert, the album was also his first to feature his son, percussionist James Mtume. He then recorded several albums for the Muse label, including 1973's Love and Understanding, all of which found him further expanding his approach, embracing funk, avant-garde, and spiritual jazz influences. It was also during this period that he formed the Heath Brothers with his siblings Percy and Albert, as well as pianist Cowell. The group debuted the with 1975's Marchin' On, released on Cowell and trumpeter Charles Tolliver's Strata East label. They gained wider visibility after signing with Columbia Records and releasing 1978's Passin' Thru and 1979's In Motion.

In the '80s, Heath expanded into teaching, joining the faculty of the Aaron Copland School of Music at Queens College, City University of New York. Over the next 20 years, he balanced teaching and performing, helping create the school's jazz education program and attracting other jazz luminaries to campus, including Donald Byrd. He also served on the board of the school's Louis Armstrong Archives and aided in the restoration of Armstrong's home in Corona, Queens. Despite his dedication to teaching, he continued to perform and record during these years, releasing albums like 1987's Peer Pressure, 1992's Grammy-nominated Little Man, Big Band, and 1994's You've Changed.

In 2006, he again showcased his big band with Turn Up the Heath. He then collaborated with the Seattle Repertory Jazz Orchestra on the commissioned Endless Search. In 2011, Heath celebrated his 85th birthday with two nights of live performances at New York's Blue Note, backed by his 18-member big band. Released in 2012 as Togetherness: Live at the Blue Note, it featured appearances by Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis, and others. Heath died on January 19, 2020 in Loganville, Georgia from natural causes. He was 93 years old. A posthumous album, Love Letter, arrived that August and worked as a romantic farewell from the saxophonist. It featured guest spots by Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant, and Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

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Biografía de Matt Collar
Con su tono delicadamente conmovedor y su oído refinado para el bop lírico y oscilante, el saxofonista tenor Jimmy Heath ayudó a guiar el jazz moderno hacia el siglo XXI. Inicialmente emergiendo como miembro de la big band de Dizzy Gillespie en la década de 1940, Heath (entonces conocido como "Little Bird" por su ídolo Charlie "Yardbird" Parker) establecería su reputación como talentoso improvisador y compositor, trabajando con innovadores como Miles Davis, John Coltrane y Milt Jackson. Alcanzó su mayor éxito a fines de los 50, escribiendo un grupo de composiciones como "CTA", "Gingerbread Boy" y "For Minors Only", muchas de las cuales se convertirían en estándares de jazz. Sus primeros álbumes de Riverside, incluidos The Thumper de 1959, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, son el epítome del hard bop, y muchos de los álbumes en los que contribuyó son clásicos. Grabó para sellos tan variados como Strata East, Muse y Columbia, trabajando con sus hermanos, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath, como The Heath Brothers, y colaborando con estilistas que empujan los límites como Charles Tolliver, Stanley Cowell y Art Farmer. Junto con tres nominaciones al Grammy, incluida Little Man, Big Band de 1994, Heath también fue un Maestro de Jazz de la NEA en 2003 que dedicó gran parte de su carrera a la enseñanza, trabajando en la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College y ayudando a supervisar los Archivos de Louis Armstrong. Aún así, actuar siguió siendo su pasión y continuó trabajando durante sus últimos años, a menudo tocando junto a músicos más jóvenes, incluidos Roy Hargrove en la celebración de su 85 cumpleaños en 2012 Togetherness: Live at the Blue Note, y Wynton Marsalis y Cecile McLorin Salvant en Love Letter de 2020.

Nacido en Filadelfia en 1926, Heath conoció el jazz y la música de big band gracias a su padre, mecánico de automóviles y clarinetista a tiempo parcial, y su madre, cantante en el coro de su iglesia. Sin embargo, debido a la depresión, su padre a menudo se encontraba sin trabajo. Posteriormente, Heath y sus hermanos fueron enviados a vivir con sus abuelos, quienes administraban una tienda de comestibles en Wilmington, Carolina del Norte. Fue allí, mientras asistía a la escuela secundaria, donde Jimmy comenzó a tocar el saxofón alto, participando en los programas de conciertos y bandas de música. Del mismo modo, su hermano mayor Percy tocaba el bajo y su hermano menor Albert "Tootie" tocaba la batería. También tenía una hermana Elizabeth que tocaba el piano. Regresarían a casa a Filadelfia durante el verano, tiempo durante el cual Jimmy tomó lecciones privadas. Después de graduarse de la escuela secundaria en 1943, Heath fundó su propia banda de baile swing. También actuó con la banda Nat Towles. Para 1947, lideraba su propio grupo pequeño, tocando junto a un joven John Coltrane, el trompetista Johnny Coles, el saxofonista tenor Benny Golson, el bajista Nelson Boyd, el baterista Specs Wright y otros nativos de Filadelfia. También fue por esta época cuando descubrió el bebop, fuertemente influenciado por el altoista Charlie" Yardbird " Parker. En 1948, Heath se unió al trompetista Howard McGhee. Pronto se le unió su hermano Percy y juntos recorrieron París, apareciendo en el primer festival de jazz de la ciudad. Fue mientras estaba con McGhee que Heath se ganó su apodo de "Pajarito", debido en parte a su amor por Parker y su pequeña estatura; había sido rechazado para el servicio militar obligatorio durante la Segunda Guerra Mundial por estar por debajo del peso mínimo. Al año siguiente, Heath se convirtió en miembro de la banda del trompetista Dizzy Gillespie, que también incluía a otros habituales de Filadelfia, incluido Coltrane.

A principios de los 50, Heath cambió al saxofón tenor para diferenciarse mejor de Parker y asegurar más conciertos. Poco después, se unió a la banda de Miles Davis, apareciendo en el segundo álbum del trompetista, Young Man with a Horn de 1952. También hubo citas seminales con J. J. Johnson, Clifford Brown y Kenny Dorham. Justo cuando su carrera despegaba, Heath (un drogadicto admitido) fue arrestado y condenado dos veces por la venta de heroína. Su primer arresto se produjo en 1954 y lo encontró encarcelado en el Centro Médico Federal de Lexington, Kentucky. Tras su liberación, fue arrestado nuevamente en 1955 y sentenciado a seis años de prisión. Enviado a la penitenciaría de Lewisburg en Pensilvania, cumplió cuatro años. Mientras estuvo en prisión, Heath continuó escribiendo música, haciendo arreglos para la big band de la prisión y componiendo canciones como "For Minors Only", "CTA", "Picture of Heath" y "For Miles and Miles", la mayoría de las cuales obtuvieron una mayor atención después de que fueran incluidas en el álbum Playboys de Chet Baker y Art Pepper de 1956.

Liberado de prisión en 1959, Heath, ahora sobrio, inmediatamente comenzó a reconstruir su carrera. Ese mismo año, hizo su esperado debut como líder con The Thumper, una sesión estelar para Riverside con el cornetista Nat Adderley, el trombonista Curtis Fuller, el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y su hermano el baterista Albert. También apareció en el álbum clásico del trompetista Blue Mitchell, Blue Soul, y se reincorporó brevemente al grupo de Miles Davis, reemplazando a Coltrane. Siguieron sesiones igualmente bien consideradas, incluidos álbumes con Kenny Dorham, Sam Jones, Freddie Hubbard y otros. Siguió a su debut con el álbum de grandes conjuntos de 1960 Really Big!, con el cornetista Adderley, el flugelhornista Clark Terry, el altoista Cannonball Adderley y los pianistas Cedar Walton y Tommy Flanagan. La producción de Heath aumentó significativamente a principios de los 60 con álbumes como The Quota de 1961, Triple Threat de 1962 y On the Trail de 1964, el último de los cuales presentó dos de sus originales más con "Gingerbread Boy" y "Project S". También grabó álbumes con Milt Jackson, Mongo Santamaria y otros.

Heath volvió a su trabajo en solitario con The Gap Sealer de 1972, un álbum contundente que lo encontró tocando saxofón alto y tenor, así como flauta. Junto con los pianistas Kenny Barron y Stanley Cowell, el bajista Bob Cranshaw y su hermano el baterista Albert, el álbum también fue el primero en presentar a su hijo, el percusionista James Mtume. Luego grabó varios álbumes para el sello Muse, incluido Love and Understanding de 1973, todo lo cual lo encontró expandiendo aún más su enfoque, adoptando influencias del funk, la vanguardia y el jazz espiritual. También fue durante este período que formó The Heath Brothers con sus hermanos Percy y Albert, así como con el pianista Cowell. El grupo debutó con Marchin' On de 1975, lanzado en el sello Strata East de Cowell y el trompetista Charles Tolliver. Ganaron una mayor visibilidad después de firmar con Columbia Records y lanzar Passin' Thru de 1978 y In Motion de 1979.

En los años 80, Heath se expandió a la docencia, uniéndose a la facultad de la Escuela de Música Aaron Copland en Queens College, City University of New York. Durante los siguientes 20 años, equilibró la enseñanza y la actuación, ayudando a crear el programa de educación de jazz de la escuela y atrayendo a otras luminarias del jazz al campus, incluido Donald Byrd. También formó parte de la junta de los Archivos Louis Armstrong de la escuela y ayudó en la restauración de la casa de Armstrong en Corona, Queens. A pesar de su dedicación a la enseñanza, continuó actuando y grabando durante estos años, lanzando álbumes como Peer Pressure de 1987, Little Man, Big Band, nominado al Grammy en 1992, y You've Changed de 1994.

En 2006, volvió a exhibir su big band con Turn Up the Heath. Luego colaboró con la Seattle Repertory Jazz Orchestra en el encargo Endless Search. En 2011, Heath celebró su 85 cumpleaños con dos noches de presentaciones en vivo en el Blue Note de Nueva York, respaldado por su big band de 18 miembros. Lanzado en 2012 como Togetherness: Live at the Blue Note, contó con apariciones de Roy Hargrove, Peter Washington, Lewis Nash, Steve Davis y otros. Heath murió el 19 de enero de 2020 en Loganville, Georgia, por causas naturales. Tenía 93 años. Un álbum póstumo, Love Letter, llegó ese agosto y funcionó como despedida romántica del saxofonista. Contó con anuncios invitados de Wynton Marsalis, Cecile McLorin Salvant y Gregory Porter.
https://www.allmusic.com/artist/jimmy-heath-mn0000120241#biography

www.jimmyheath.com ...

Steve Lacy • Soprano Sax

Soprano Sax (also released as Soprano Today) is the debut album by Steve Lacy which was released on the Prestige label in 1958. It features performances by Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger and Dennis Charles.

The Allmusic review by Bob Rusch awarded the album 4.5 stars stating "This was the first of three recordings soprano saxophonist Steve Lacy made for Prestige and this 11/1/57 session was his first as a leader...There was a controlled tension to this date, like everybody's trying to play, carefully, to a common goal. It's almost as if someone were present to make sure everybody stayed within obvious perimeters."

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Soprano Sax (también lanzado como Soprano Today) es el álbum debut de Steve Lacy, que fue lanzado en el sello Prestige en 1958. Presenta actuaciones de Lacy, Wynton Kelly, Buell Neidlinger y Dennis Charles.

La revisión de Allmusic por Bob Rusch le otorgó al álbum 4.5 estrellas diciendo "Esta fue la primera de las tres grabaciones que el saxofonista soprano Steve Lacy hizo para Prestige y esta sesión del 11/1/57 fue su primera como líder ... Hubo una tensión controlada para esta fecha, como todo el mundo intenta jugar, con cuidado, hacia un objetivo común. Es casi como si alguien estuviera presente para asegurarse de que todos permanecieran dentro de los perímetros obvios ".

 

 

Wynton Kelly • New Faces–New Sounds

Benny Golson • Turning Point

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
Renamed Turning Point upon one of its reissues, this quartet set for tenor saxophonist Benny Golson was the beginning of the close of an era. Within a year, Golson would be working full-time as a writer in the studios, and he de-emphasized his playing until making a comeback in the late 1970s. Golson is heard on this LP for one of the last times playing in his original Don Byas/Lucky Thompson-influenced style. Joined by pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb, Golson performs two originals, plus five superior standards, including "How Am I To Know," "Three Little Words" and "Alone Together." A rewarding but sadly out-of-print set.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Renombrado Turning Point en una de sus reediciones, este set de cuarteto para el saxofonista tenor Benny Golson fue el comienzo del cierre de una era. En un año, Golson estaría trabajando a tiempo completo como escritor en los estudios, y minimizó su ejecución hasta hacer un regreso a finales de los años 70. Golson se escucha en este LP por una de las últimas veces tocando en su estilo original influenciado por Don Byas/Lucky Thompson. Acompañado por el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb, Golson interpreta dos originales, más cinco estándares superiores, incluyendo "How Am I To Know," "Three Little Words" y "Alone Together." Un set gratificante pero lamentablemente agotado.
https://www.allmusic.com/album/turning-point-mw0000462445

Wynton Kelly • Takin' Charge

Artist Biography by Scott Yanow

A superb accompanist loved by Miles Davis and Cannonball Adderley, Wynton Kelly was also a distinctive soloist who decades later would be a strong influence on Benny Green. He grew up in Brooklyn and early on played in R&B bands led by Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer, and Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, who recorded 14 titles for Blue Note in a trio (1951), worked with Dinah Washington, Dizzy Gillespie, and Lester Young during 1951-1952. After serving in the military, he made a strong impression with Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957), and the Dizzy Gillespie big band (1957), but he would be most famous for his stint with Miles Davis (1959-1963), recording such albums with Miles as Kind of Blue, At the Blackhawk, and Someday My Prince Will Come. When he left Davis, Kelly took the rest of the rhythm section (bassist Paul Chambers and drummer Jimmy Cobb) with him to form his trio. The group actually sounded at its best backing Wes Montgomery. Before his early death, Kelly recorded as a leader for Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve, and Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Un magnífico acompañante amado por Miles Davis y Cannonball Adderley, Wynton Kelly fue también un solista distintivo que décadas más tarde sería una fuerte influencia para Benny Green. Creció en Brooklyn y al principio tocó en bandas de R&B lideradas por Eddie "Cleanhead" Vinson, Hal Singer y Eddie "Lockjaw" Davis. Kelly, que grabó 14 títulos para Blue Note en un trío (1951), trabajó con Dinah Washington, Dizzy Gillespie y Lester Young durante 1951-1952. Después de servir en el ejército, causó una fuerte impresión con Washington (1955-1957), Charles Mingus (1956-1957) y la big band Dizzy Gillespie (1957), pero sería más famoso por su paso por Miles Davis (1959-1963), grabando discos con Miles como Kind of Blue, At the Blackhawk y Someday My Prince Will Come. Cuando dejó Davis, Kelly se llevó el resto de la sección rítmica (el bajista Paul Chambers y el baterista Jimmy Cobb) con él para formar su trío. En realidad, el grupo sonó de maravilla respaldando a Wes Montgomery. Antes de su temprana muerte, Kelly grabó como líder para Blue Note, Riverside, Vee-Jay, Verve y Milestone.

https://www.allmusic.com/artist/wynton-kelly-mn0000684253/biography

Bob Brookmeyer • Portrait Of The Artist

The portrait that emerges from this disc reveals a trombonist with excellent technique, a smooth, pungent percussive wit, dark and buttery tone, down home stomping and slyly musical humor; a pianist who ranges from a basic, solid, four-square attack to a delightfully airy way; a composer who is strongly conscious of the foundations of jazz; and an arranger who mainly writes with a heavy emphasis on a rolling swing, and occasionally blending it with impressionistic devices, but always with strength and simplicity.

In a revealing insight, Nat Hentoff considered that Brookmeyer has opened himself to jazz of all eras - He has absorbed, tested, and selected from the whole reservoir of autobiographies in sound that is the jazz language, those elements he felt relevant to his own experience in living and telling his history of jazz - He has not limited himself to any one era, school or attitude, preferring to filter all of jazz through his emotions rather than remain a parochial hipster.

Press reviews

"This interesting LP matches together valve trombonist Bob Brookmeyer with the slide trombone of Curtis Fuller - Four songs use a modern rhythm section (pianist Wynton Kelly, bassist Paul Chambers and drummer Paul Motian) while the other four have a strong Count Basie feel (with trumpeters Thad Jones and Joe Newman, pianist Hank Jones, bassist Ed Jones and drummer Charlie Persip making their presence felt) - Brookmeyer and Fuller display contrasting styles while blending together quite well on the ensembles." - Scott Yanow

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El retrato que surge de este disco revela a un trombonista con una excelente técnica, un ingenio percusivo suave y picante, un tono oscuro y mantecoso, un pisoteo casero y un humor musical socarrón; un pianista que va desde un ataque básico y sólido de cuatro cuadros hasta una forma deliciosamente aérea; un compositor que es muy consciente de los fundamentos del jazz; y un arreglista que escribe principalmente con un fuerte énfasis en un swing ondulante, y ocasionalmente mezclándolo con dispositivos impresionistas, pero siempre con fuerza y sencillez.

En una visión reveladora, Nat Hentoff consideró que Brookmeyer se ha abierto al jazz de todas las épocas - Ha absorbido, probado y seleccionado de toda la reserva de autobiografías en el sonido que es el lenguaje del jazz, aquellos elementos que sentía relevantes para su propia experiencia de vivir y contar su historia del jazz - No se ha limitado a una sola época, escuela o actitud, prefiriendo filtrar todo el jazz a través de sus emociones en lugar de seguir siendo un hipster pueblerino.

Reseñas de prensa

"Este interesante LP combina al trombón de válvula Bob Brookmeyer con el trombón de diapositivas de Curtis Fuller - Cuatro canciones utilizan una sección rítmica moderna (el pianista Wynton Kelly, el bajista Paul Chambers y el baterista Paul Motian) mientras que las otras cuatro tienen un fuerte sentimiento de Count Basie (con los trompetistas Thad Jones y Joe Newman, el pianista Hank Jones, el bajista Ed Jones y el baterista Charlie Persip haciendo sentir su presencia) - Brookmeyer y Fuller muestran estilos contrastantes mientras se mezclan bastante bien en los conjuntos" - - Scott Yanow

 

  

Joe Henderson • Four

 

Jimmy Cleveland • Cleveland Style

 

Review
by Scott Yanow
Although trombonist Jimmy Cleveland is the main star of this album, arranger Ernie Wilkins comes in a close second. Wilkins' charts for the septet make inventive use of either Jay McAllister or Don Butterfield on tuba and he also brought in two excellent originals (including one called "Goodbye Ebbets Field"). With trumpeter Art Farmer, tenor saxophonist Benny Golson, pianist Wynton Kelly, bassist Eddie Jones and drummer Charlie Persip also featured with the septet, it is not surprising that the result is high-quality straightahead jazz. Worth searching for.
https://www.allmusic.com/album/cleveland-style-mw0000910790

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Revisión
por Scott Yanow
Aunque el trombonista Jimmy Cleveland es la estrella principal de este álbum, el arreglista Ernie Wilkins le sigue de cerca. Los gráficos de Wilkins para el septeto hacen un uso inventivo de Jay McAllister o Don Butterfield en la tuba y también trajo dos excelentes originales (incluyendo uno llamado "Goodbye Ebbets Field"). Con el trompetista Art Farmer, el saxofonista tenor Benny Golson, el pianista Wynton Kelly, el bajista Eddie Jones y el baterista Charlie Persip también incluidos en el septeto, no es de extrañar que el resultado sea jazz directo de alta calidad. Merece la pena buscarlo.
https://www.allmusic.com/album/cleveland-style-mw0000910790

Sonny Red • Out Of The Blue

 

Review
by Scott Yanow
Sonny Red, a fine altoist inspired by Charlie Parker and Jackie McLean, never really made it in jazz, and some of his recordings are rather uninspired. However, that does not hold true for his Blue Note album, which has been reissued on this 1996 CD along with five previously unissued selections. Red, who is joined by pianist Wynton Kelly, either Sam Jones or Paul Chambers on bass, and either Roy Brooks or Jimmy Cobb on drums, never sounded better on records. He performs mostly little-known standards (along with six of his originals) and displays a fair amount of originality and a great deal of potential that was never really fulfilled. Recommended.
https://www.allmusic.com/album/out-of-the-blue-mw0000076222

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Reseña
por Scott Yanow
Sonny Red, un fino contralto inspirado en Charlie Parker y Jackie McLean, nunca llegó a triunfar en el jazz, y algunas de sus grabaciones son más bien poco inspiradas. Sin embargo, no es el caso de su álbum para Blue Note, que se ha reeditado en este CD de 1996 junto con cinco selecciones inéditas. Red, al que acompañan el pianista Wynton Kelly, Sam Jones o Paul Chambers al bajo, y Roy Brooks o Jimmy Cobb a la batería, nunca ha sonado mejor en un disco. Interpreta en su mayoría estándares poco conocidos (junto con seis de sus originales) y muestra una buena dosis de originalidad y un gran potencial que nunca llegó a explotar. Recomendado.
https://www.allmusic.com/album/out-of-the-blue-mw0000076222

James Clay-David Fathead Newman • The Sound Of The Wide Open Spaces

 

Review
by Scott Yanow
James Clay's debut album as a leader (and one of only two that he cut before moving back to Dallas for nearly 30 years) matches him with fellow Texas tenor David "Fathead" Newman, pianist Wynton Kelly, bassist Sam Jones and drummer Art Taylor. Cannonball Adderley supervised the session, putting the spotlight on the competitive horns who really battle it out on the Babs Gonzales blues "Wide Open Spaces." Clay, who plays flute on the date's lone standard "What's New," holds his own with Newman and plenty of sparks fly. This Riverside album was reissued in the Original Jazz Classics series as an LP in the 1980s.
https://www.allmusic.com/album/the-sound-of-the-wide-open-spaces-mw0000219406

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Reseña
por Scott Yanow
El álbum debut de James Clay como líder (y uno de los dos únicos que grabó antes de volver a Dallas durante casi 30 años) le empareja con su compatriota tenor tejano David "Fathead" Newman, el pianista Wynton Kelly, el bajista Sam Jones y el batería Art Taylor. Cannonball Adderley supervisó la sesión, poniendo el foco en las competitivas trompas que realmente luchan en el blues de Babs Gonzales "Wide Open Spaces". Clay, que toca la flauta en el único estándar de la sesión, "What's New", se las arregla con Newman y saltan chispas. Este álbum de Riverside se reeditó en la serie Original Jazz Classics como LP en la década de 1980.
https://www.allmusic.com/album/the-sound-of-the-wide-open-spaces-mw0000219406

Frank Strozier • The Fantastic Frank Strozier

 

Gene Ammons • Night Lights

 

Review
by Scott Yanow
One of his first recording sessions after he returned to the scene following a rather severe jail sentence was this tribute to Nat King Cole. As it turned out, the quartet date with pianist Wynton Kelly, bassist George Duvivier and drummer Rudy Collins was quickly forgotten as Ammons recorded some more commercial material and this set was not released for the first time until 1985. Ammons is in excellent form on such ballads as "Nature Boy," "Lush Life," "Sweet Lorraine" and "The Christmas Song," making one wish that the contents of this LP were available on CD.
https://www.allmusic.com/album/night-lights-mw0000902109

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Revisión
por Scott Yanow
Una de sus primeras sesiones de grabación después de volver a la escena tras una condena de cárcel bastante severa fue este homenaje a Nat King Cole. Resultó que la cita del cuarteto con el pianista Wynton Kelly, el bajista George Duvivier y el baterista Rudy Collins fue rápidamente olvidada ya que Ammons grabó material más comercial y este set no se publicó por primera vez hasta 1985. Ammons está en excelente forma en baladas como "Nature Boy", "Lush Life", "Sweet Lorraine" y "The Christmas Song", haciendo que uno desee que el contenido de este LP esté disponible en CD.
https://www.allmusic.com/album/night-lights-mw0000902109

Wynton Kelly • Someday My Prince Will Come

 

Dexter Gordon • The Jumpin' Blues