VA • SoulShaker Vol.1 al 7

 

Steely Dan • Citizen [1972-1980]

 

Biography
by Stephen Thomas Erlewine
Most rock & roll bands are a tightly wound unit that developed their music through years of playing in garages and clubs around their hometown. Steely Dan never subscribed to that aesthetic. As the vehicle for the songwriting of Walter Becker and Donald Fagen, Steely Dan defied all rock & roll conventions. Becker and Fagen never truly enjoyed rock -- with their ironic humor and cryptic lyrics, their eclectic body of work shows some debt to Bob Dylan -- preferring jazz, traditional pop, blues, and R&B. Steely Dan created a sophisticated, distinctive sound with accessible melodic hooks, complex harmonies and time signatures, and a devotion to the recording studio. With producer Gary Katz, Becker and Fagen gradually changed Steely Dan from a performing band to a studio project, hiring professional musicians to record their compositions. Though the band didn't perform live between 1974 and 1993, Steely Dan's popularity continued to grow throughout the '70s as their albums became critical favorites and their singles became staples of AOR and pop radio stations. Even after the group disbanded in the early '80s, their records retained a cult following, as proven by the massive success of their unlikely return to the stage in the early '90s.

Walter Becker (bass) and Donald Fagen (vocals, keyboards) were the core members of Steely Dan throughout its various incarnations. The two met at Bard College in New York in 1967 and began playing in bands together shortly afterward. The duo played in a number of groups -- including the Bad Rock Group, which featured future comedic actor Chevy Chase on drums -- which ranged from jazz to progressive rock. Eventually, Becker and Fagen began composing songs together, hoping to become professional songwriters in the tradition of the Brill Building. In 1970, the pair joined Jay & the Americans' backing band, performing under pseudonyms; Becker chose Gustav Mahler, while Fagen used Tristan Fabriani. They stayed with Jay & the Americans until halfway through 1971, when they recorded the soundtrack for the low-budget film You Gotta Walk It Like You Talk It, which was produced by the Americans' Kenny Vance. Following the recording of the soundtrack, Becker and Fagen attempted to start a band with Denny Dias, but the venture was unsuccessful. Barbra Streisand recorded the Fagen/Becker composition "I Mean to Shine" on her album Barbra Joan Streisand, released in August 1971, and the duo met producer Gary Katz, who hired them as staff songwriters for ABC/Dunhill in Los Angeles, where he had just become a staff producer. Katz suggested that Becker and Fagen form a band as a way to record their songs, and Steely Dan -- who took their name from a dildo in William Burroughs' Naked Lunch -- were formed shortly afterward.

Recruiting guitarists Denny Dias and Jeff "Skunk" Baxter, drummer Jim Hodder, and keyboardist/vocalist David Palmer, Becker and Fagen officially formed Steely Dan in 1972, releasing their debut, Can't Buy a Thrill, shortly afterward. Palmer and Fagen shared lead vocals on the album, but the record's two hit singles -- the Top Ten "Do It Again" and "Reeling in the Years" -- were sung by Fagen. Can't Buy a Thrill was a critical and commercial success, but its supporting tour was a disaster, hampered by an under-rehearsed band and unappreciative audiences. Palmer left the band following the tour. Countdown to Ecstasy, released in 1973, was a critical hit, but it failed to generate a hit single, even though the band supported it with a tour.

Steely Dan replaced Hodder with Jeff Porcaro and added keyboardist/backup vocalist Michael McDonald prior to recording their third album, Pretzel Logic. Released in the spring of 1974, Pretzel Logic returned Steely Dan to the Top Ten on the strength of the single "Rikki Don't Lose That Number." After completing the supporting tour for Pretzel Logic, Becker and Fagen decided to retire from live performances and make Steely Dan a studio-based band. For their next album, 1975's Katy Lied, the duo hired a variety of studio musicians -- including Dias, Porcaro, guitarist Elliot Randall, saxophonists Phil Woods, bassist Wilton Felder, percussionist Victor Feldman, keyboardist Michael Omartian, and guitarist Larry Carlton -- as supporting musicians. Katy Lied was another hit, as was 1976's The Royal Scam, which continued in the vein of its predecessor. On 1977's Aja, Steely Dan's sound became more polished and jazzy, as they hired jazz fusion artists like Wayne Shorter, Lee Ritenour, and the Crusaders as support. Aja became their biggest hit, reaching the Top Five within three weeks of release and becoming one of the first albums to be certified platinum. Aja also gained the respect of many jazz musicians, as evidenced by Woody Herman recording an album of Becker/Fagen songs in 1978.

Following the release of Aja, ABC was bought out by MCA Records, resulting in a contractual dispute with the label that delayed until 1980 the release of their follow-up album. During the interim, the group had a hit with the theme song for the film FM in 1978. Steely Dan finally released Gaucho, the follow-up to Aja, in late 1980, and it became another Top Ten hit for the group. During the summer of 1981, Becker and Fagen announced that they were parting ways. The following year, Fagen released his solo debut, The Nightfly, which became a critical and commercial hit.

Fagen didn't record another album until 1993, when he reunited with Becker, who produced Kamakiriad. The album was promoted by the first Steely Dan tour in nearly 20 years, and while the record failed to sell, the concerts were very popular. In 1994, Becker released his solo debut, 11 Tracks of Whack, which was produced by Fagen. The following year, Steely Dan mounted another reunion tour, and in early 2000 the duo issued Two Against Nature, their first new studio album in two decades. It won the Grammy Award for Album of the Year. Steely Dan followed it in 2003 with Everything Must Go. Fagen's solo album Morph the Cat was released in 2006, and Becker released Circus Money in 2008 as Steely Dan embarked on another tour. In September 2017, it was announced that Becker had died in Maui, Hawaii. He was 67-years-old.

Fagen carried on with Steely Dan after Becker's passing, often calling the group "the Steely Dan Band." This new lineup was showcased on a pair of live albums released in September 2021: Northeast Corridor: Steely Dan Live and Donald Fagen's The Nightfly Live, both recorded between 2018 and 2019.
https://www.allmusic.com/artist/steely-dan-mn0000011707/biography

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Biografía
por Stephen Thomas Erlewine
La mayoría de los grupos de rock & roll son una unidad cerrada que ha desarrollado su música a lo largo de años de tocar en garajes y clubes de su ciudad natal. Steely Dan nunca se suscribió a esa estética. Como vehículo para la composición de canciones de Walter Becker y Donald Fagen, Steely Dan desafió todas las convenciones del rock & roll. Becker y Fagen nunca disfrutaron realmente del rock -con su humor irónico y sus letras crípticas, su ecléctica obra muestra cierta deuda con Bob Dylan-, prefiriendo el jazz, el pop tradicional, el blues y el R&B. Steely Dan creó un sonido sofisticado y distintivo con ganchos melódicos accesibles, armonías y compases complejos y una devoción por el estudio de grabación. Con el productor Gary Katz, Becker y Fagen transformaron gradualmente Steely Dan de una banda de conciertos a un proyecto de estudio, contratando a músicos profesionales para grabar sus composiciones. Aunque la banda no actuó en directo entre 1974 y 1993, la popularidad de Steely Dan siguió creciendo a lo largo de los años 70, a medida que sus álbumes se convertían en favoritos de la crítica y sus singles en temas básicos de las emisoras de radio AOR y pop. Incluso después de que el grupo se disolviera a principios de los 80, sus discos siguieron siendo objeto de culto, como demuestra el éxito masivo de su improbable regreso a los escenarios a principios de los 90.

Walter Becker (bajo) y Donald Fagen (voz, teclados) fueron los miembros principales de Steely Dan en sus diversas encarnaciones. Ambos se conocieron en el Bard College de Nueva York en 1967 y poco después empezaron a tocar juntos. El dúo tocó en varios grupos -incluido el Bad Rock Group, que contaba con el futuro actor cómico Chevy Chase a la batería- que abarcaban desde el jazz hasta el rock progresivo. Con el tiempo, Becker y Fagen empezaron a componer canciones juntos, con la esperanza de convertirse en compositores profesionales en la tradición del Brill Building. En 1970, se unieron a la banda de Jay & the Americans y actuaron bajo seudónimos: Becker eligió a Gustav Mahler y Fagen a Tristan Fabriani. Permanecieron con Jay & the Americans hasta mediados de 1971, cuando grabaron la banda sonora de la película de bajo presupuesto You Gotta Walk It Like You Talk It, producida por Kenny Vance, de los Americans. Tras la grabación de la banda sonora, Becker y Fagen intentaron formar un grupo con Denny Dias, pero la aventura no tuvo éxito. Barbra Streisand grabó la composición de Fagen y Becker "I Mean to Shine" en su álbum Barbra Joan Streisand, publicado en agosto de 1971, y el dúo conoció al productor Gary Katz, que los contrató como compositores de plantilla para ABC/Dunhill en Los Ángeles, donde acababa de convertirse en productor de plantilla. Katz sugirió a Becker y Fagen que formaran un grupo para grabar sus canciones, y Steely Dan -que tomó su nombre de un consolador que aparece en El almuerzo desnudo de William Burroughs- se formó poco después.

Con los guitarristas Denny Dias y Jeff "Skunk" Baxter, el batería Jim Hodder y el teclista y vocalista David Palmer, Becker y Fagen formaron oficialmente Steely Dan en 1972, y poco después publicaron su debut, Can't Buy a Thrill. Palmer y Fagen compartieron la voz principal en el álbum, pero los dos singles de éxito del disco -el Top Ten "Do It Again" y "Reeling in the Years"- fueron cantados por Fagen. Can't Buy a Thrill fue un éxito comercial y de crítica, pero su gira de presentación fue un desastre, lastrada por una banda poco ensayada y un público poco agradecido. Palmer abandonó el grupo tras la gira. Countdown to Ecstasy, publicado en 1973, fue un éxito de crítica, pero no logró generar un single de éxito, aunque la banda lo apoyó con una gira.

Steely Dan sustituyó a Hodder por Jeff Porcaro y añadió al teclista y vocalista Michael McDonald antes de grabar su tercer álbum, Pretzel Logic. Publicado en la primavera de 1974, Pretzel Logic devolvió a Steely Dan al Top Ten con la fuerza del single "Rikki Don't Lose That Number". Tras completar la gira de apoyo de Pretzel Logic, Becker y Fagen decidieron retirarse de las actuaciones en directo y convertir a Steely Dan en una banda de estudio. Para su siguiente álbum, Katy Lied (1975), el dúo contrató a varios músicos de estudio, como Dias, Porcaro, el guitarrista Elliot Randall, el saxofonista Phil Woods, el bajista Wilton Felder, el percusionista Victor Feldman, el teclista Michael Omartian y el guitarrista Larry Carlton, como músicos de apoyo. Katy Lied fue otro éxito, al igual que The Royal Scam, de 1976, que continuaba la línea de su predecesor. En Aja, de 1977, el sonido de Steely Dan se volvió más pulido y jazzístico, ya que contrataron como teloneros a artistas de jazz fusión como Wayne Shorter, Lee Ritenour y los Crusaders. Aja se convirtió en su mayor éxito, alcanzando el Top 5 a las tres semanas de su lanzamiento y convirtiéndose en uno de los primeros álbumes en obtener el certificado de platino. Aja también se ganó el respeto de muchos músicos de jazz, como demuestra el hecho de que Woody Herman grabara un álbum de canciones de Becker/Fagen en 1978.

Tras el lanzamiento de Aja, ABC fue adquirida por MCA Records, lo que provocó una disputa contractual con la discográfica que retrasó hasta 1980 el lanzamiento de su siguiente álbum. En el ínterin, el grupo obtuvo un éxito con la canción principal de la película FM en 1978. Steely Dan publicó finalmente Gaucho, la continuación de Aja, a finales de 1980, y se convirtió en otro éxito del grupo en el Top Ten. Durante el verano de 1981, Becker y Fagen anunciaron su separación. Al año siguiente, Fagen publicó su debut en solitario, The Nightfly, que se convirtió en un éxito comercial y de crítica.

Fagen no volvió a grabar otro álbum hasta 1993, cuando se reunió con Becker, que produjo Kamakiriad. El álbum se promocionó con la primera gira de Steely Dan en casi 20 años, y aunque el disco no se vendió, los conciertos fueron muy populares. En 1994, Becker lanzó su debut en solitario, 11 Tracks of Whack, que fue producido por Fagen. Al año siguiente, Steely Dan organizó otra gira de reunión y, a principios de 2000, el dúo publicó Two Against Nature, su primer álbum de estudio en dos décadas. Ganó el Grammy al Álbum del Año. Steely Dan le siguió en 2003 con Everything Must Go. El álbum en solitario de Fagen, Morph the Cat, se publicó en 2006, y Becker lanzó Circus Money en 2008, mientras Steely Dan se embarcaba en otra gira. En septiembre de 2017, se anunció que Becker había fallecido en Maui, Hawái. Tenía 67 años.

Fagen continuó con Steely Dan tras el fallecimiento de Becker, llamando a menudo al grupo "la Steely Dan Band". Esta nueva formación se presentó en un par de álbumes en directo publicados en septiembre de 2021: Northeast Corridor: Steely Dan Live y Donald Fagen's The Nightfly Live, ambos grabados entre 2018 y 2019.
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Bahama Soul Club • Bohemia After Dawn

 

 

Kicking around for fifteen years in the inter-continental Soul Jazz scene, Portuguese based outfit The Bahama Soul Club treats the audience to purest sunshine on their new album "Sundub Society"! This is the group's sixth studio LP, which finds its spirit on the coasts of the Algarve, where it was recorded.
A commitment to a colourful community and inspired by the blissful energies of the sun drenched coast and the multicultural verve of tattooed wave riders, spiritual seekers, rainbow healers, mystic maidens and dreadlocked beauties, .... and of course the funky smell of sandy flip flops.
Lush arrangements painted with sun-soaked brushes, captivating hangout vibes, shuffling bits of Reggae, woven threads of 70s roots, traditional rhythms and beats and sounds of the South Western Algarve.
Sincere, artistic, full of spirit and definitely unique. No striving for the worldly charts. An album recorded mainly with the local legends, stoned troubadoures, poetic pirates and tough rebels.
The songs were born from a vague idea after the release of "Bohemia After Dawn", the last album on which a few artist friends from the Algarve had already contributed.
There is always a special magic in the neighborhood when sunny midday jams morph to sundown sessions to party-till-dawn skanks. We then just put those jams on tape. So, ten sundubby love songs to 'Oh, those sandy beaches!' The SUNDUB SOCIETY, my lovely family at the End Of The World: Josephine Nightingale, Tiago Saga, Ally Garrido, Naomi Falcon, Cutty Wren, Hedvig Larsson, Chicks On Beer, etc. …  

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Pateando durante quince años en la escena intercontinental del Soul Jazz, el equipo portugués Bahama Soul Club deleita al público con el sol más puro en su nuevo álbum "Sundub Society". Este es el sexto LP de estudio del grupo, que encuentra su espíritu en las costas del Algarve, donde fue grabado.
Un compromiso con una comunidad colorida e inspirada por las energías dichosas de la costa bañada por el sol y el entusiasmo multicultural de los jinetes de olas tatuados, buscadores espirituales, curanderos del arcoíris, doncellas místicas y bellezas con rastas .... y, por supuesto, el olor funky de las chanclas de arena.
Exuberantes arreglos pintados con pinceles bañados por el sol, cautivadoras vibraciones de lugares de reunión, barajando fragmentos de Reggae, hilos tejidos de raíces de los 70, ritmos tradicionales y ritmos y sonidos del suroeste del Algarve.
Sincero, artístico, lleno de espíritu y definitivamente único. Nada de luchar por los gráficos mundanos. Un disco grabado principalmente con las leyendas locales, trovadores apedreados, piratas poéticos y rebeldes rudos.
Las canciones nacieron de una idea vaga después del lanzamiento de "Bohemia After Dawn", el último álbum en el que ya habían contribuido algunos artistas amigos del Algarve.
Siempre hay una magia especial en el vecindario cuando las soleadas mermeladas del mediodía se transforman en sesiones al atardecer para festejar hasta el amanecer. Luego simplemente grabamos esos atascos. Entonces, diez canciones de amor de sundubby para ' ¡Oh, esas playas de arena!'La SOCIEDAD SUNDUB, mi encantadora familia en el Fin del Mundo: Josephine Nightingale, Tiago Saga, Ally Garrido, Naomi Falcon, Cutty Wren, Hedvig Larsson, Chicks On Beer, etc. …

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The New Mastersounds • Ten Years On

 

 

Sonny Rollins • Nucleus

 

Theodore Walter Rollins was born on September 7, 1930 in New York City. He grew up in Harlem not far from the Savoy Ballroom, the Apollo Theatre, and the doorstep of his idol, Coleman Hawkins. After early discovery of Fats Waller and Louis Armstrong, he started out on alto saxophone, inspired by Louis Jordan. At the age of sixteen, he switched to tenor, trying to emulate Hawkins. He also fell under the spell of the musical revolution that surrounded him, Bebop.

He began to follow Charlie Parker, and soon came under the wing of Thelonious Monk, who became his musical mentor and guru. Living in Sugar Hill, his neighborhood musical peers included Jackie McLean, Kenny Drew and Art Taylor, but it was young Sonny who was first out of the pack, working and recording with Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell and Miles Davis before he turned twenty.

“Of course, these people are there to be called on because I think I represent them in a way,” Rollins said recently of his peers and mentors. “They’re not here now so I feel like I’m sort of representing all of them, all of the guys. Remember, I’m one of the last guys left, as I’m constantly being told, so I feel a holy obligation sometimes to evoke these people.”

In the early fifties, he established a reputation first among musicians, then the public, as the most brash and creative young tenor on the scene, through his work with Miles, Monk, and the MJQ.

Miles Davis was an early Sonny Rollins fan and in his autobiography wrote that he “began to hang out with Sonny Rollins and his Sugar Hill Harlem crowd…anyway, Sonny had a big reputation among a lot of the younger musicians in Harlem. People loved Sonny Rollins up in Harlem and everywhere else. He was a legend, almost a god to a lot of the younger musicians. Some thought he was playing the saxophone on the level of Bird. I know one thing–he was close. He was an aggressive, innovative player who always had fresh musical ideas. I loved him back then as a player and he could also write his ass off…”

Sonny moved to Chicago for a few years to remove himself from the surrounding elements of negativity around the Jazz scene. He reemerged at the end of 1955 as a member of the Clifford Brown-Max Roach Quintet, with an even more authoritative presence. His trademarks became a caustic, often humorous style of melodic invention, a command of everything from the most arcane ballads to calypsos, and an overriding logic in his playing that found him hailed for models of thematic improvisation.

It was during this time that Sonny acquired a nickname,”Newk.” As Miles Davis explains in his autobiography: “Sonny had just got back from playing a gig out in Chicago. He knew Bird, and Bird really liked Sonny, or “Newk” as we called him, because he looked like the Brooklyn Dodgers’ pitcher Don Newcombe. One day, me and Sonny were in a cab…when the white cabdriver turned around and looked at Sonny and said, `Damn, you’re Don Newcombe!” Man, the guy was totally excited. I was amazed, because I hadn’t thought about it before. We just put that cabdriver on something terrible. Sonny started talking about what kind of pitches he was going to throw Stan Musial, the great hitter for the St. Louis Cardinals, that evening…”

In 1956, Sonny began recording the first of a series of landmark recordings issued under his own name: Valse Hot introduced the practice, now common, of playing bop in 3/4 meter; St. Thomasinitiated his explorations of calypso patterns; and Blue 7 was hailed by Gunther Schuller as demonstrating a new manner of “thematic improvisation,” in which the soloist develops motifs extracted from his theme. Way Out West (1957), Rollins’s first album using a trio of saxophone, double bass, and drums, offered a solution to his longstanding difficulties with incompatible pianists, and exemplified his witty ability to improvise on hackneyed material (Wagon Wheels, I’m an Old Cowhand). It Could Happen to You (also 1957) was the first in a long series of unaccompanied solo recordings, and The Freedom Suite (1958) foreshadowed the political stances taken in jazz in the 1960s. During the years 1956 to 1958 Rollins was widely regarded as the most talented and innovative tenor saxophonist in jazz.

Rollins’s first examples of the unaccompanied solo playing that would become a specialty also appeared in this period; yet the perpetually dissatisfied saxophonist questioned the acclaim his music was attracting, and between 1959 and late `61 withdrew from public performance.

Sonny remembers that he took his leave of absence from the scene because “I was getting very famous at the time and I felt I needed to brush up on various aspects of my craft. I felt I was getting too much, too soon, so I said, wait a minute, I’m going to do it my way. I wasn’t going to let people push me out there, so I could fall down. I wanted to get myself together, on my own. I used to practice on the Bridge, the Williamsburg Bridge because I was living on the Lower East Side at the time.”

sonnyonthebridgefixedWhen he returned to action in late `61, his first recording was appropriately titled The Bridge. By the mid 60’s, his live sets became grand, marathon stream-of-consciousness solos where he would call forth melodies from his encyclopedic knowledge of popular songs, including startling segues and sometimes barely visiting one theme before surging into dazzling variations upon the next. Rollins was brilliant, yet restless. The period between 1962 and `66 saw him returning to action and striking productive relationships with Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, and his idol Hawkins, yet he grew dissatisfied with the music business once again and started yet another sabbatical in `66. “I was getting into eastern religions,” he remembers. “I’ve always been my own man. I’ve always done, tried to do, what I wanted to do for myself. So these are things I wanted to do. I wanted to go on the Bridge. I wanted to get into religion. But also, the Jazz music business is always bad. It’s never good. So that led me to stop playing in public for a while, again. During the second sabbatical, I worked in Japan a little bit, and went to India after that and spent a lot of time in a monastery. I resurfaced in the early 70s, and made my first record in `72. I took some time off to get myself together and I think it’s a good thing for anybody to do.”

In 1972, with the encouragement and support of his wife Lucille, who had become his business manager, Rollins returned to performing and recording, signing with Milestone and releasing Next Album. (Working at first with Orrin Keepnews, Sonny was by the early ’80s producing his own Milestone sessions with Lucille.) His lengthy association with the Berkeley-based label produced two dozen albums in various settings – from his working groups to all-star ensembles (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); from a solo recital to tour recordings with the Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); in the studio and on the concert stage (Montreux, San Francisco, New York, Boston). Sonny was also the subject of a mid-’80s documentary by Robert Mugge entitled Saxophone Colossus; part of its soundtrack is available as G-Man.

He won his first performance Grammy for This Is What I Do (2000), and his second for 2004’s Without a Song (The 9/11 Concert), in the Best Jazz Instrumental Solo category (for “Why Was I Born”). In addition, Sonny received a Lifetime Achievement Award from the National Academy of Recording Arts and Sciences in 2004.

In June 2006 Rollins was inducted into the Academy of Achievement – and gave a solo performance – at the International Achievement Summit in Los Angeles. The event was hosted by George Lucas and Steven Spielberg and attended by world leaders as well as distinguished figures in the arts and sciences.

Rollins was awarded the Austrian Cross of Honor for Science and Art, First Class, in November 2009. The award is one of Austria’s highest honors, given to leading international figures for distinguished achievements. The only other American artists who have received this recognition are Frank Sinatra and Jessye Norman.

In 2010 on the eve of his 80th birthday, Sonny Rollins is one of 229 leaders in the sciences, social sciences, humanities, arts, business, and public affairs who have been elected members of the American Academy of Arts and Sciences. A center for independent policy research, the Academy is among the nation’s oldest and most prestigious honorary societies and celebrates the 230th anniversary of its founding this year.

In August 2010, Rollins was named the Edward MacDowell Medalist, the first jazz composer to be so honored. The Medal has been awarded annually since 1960 to an individual who has made an outstanding contribution to his or her field.

Yet another major award was bestowed on Rollins on March 2, 2011, when he received the Medal of Arts from President Barack Obama in a White House ceremony. Rollins accepted the award, the nation’s highest honor for artistic excellence, “on behalf of the gods of our music.”

Since 2006, Rollins has been releasing his music on his own label, Doxy Records. The first Doxy album was Sonny, Please, Rollins’s first studio recording since This Is What I Do. That was followed by the acclaimed Road Shows, vol. 1 (2008), the first in a planned series of recordings from Rollins’s audio archives.

Mr. Rollins released Road Shows, vol. 2 in the fall of 2011. In addition to material recorded in Sapporo and Tokyo, Japan during an October 2010 tour, the recording contains several tracks from Sonny’s September 2010 80th birthday concert in New York—including the historic and electrifying encounter with Ornette Coleman.

On December 3, 2011 Sonny Rollins was one of five 2011 Kennedy Center honorees, alongside actress Meryl Streep, singer Barbara Cook, singer/songwriter Neil Diamond and cellist Yo-Yo Ma.   Rollins said of the honor, “I am deeply appreciative of this great honor. In honoring me, the Kennedy Center honors jazz, America’s classical music. For that, I am very grateful.”

The saxophonist’s most recent CD is Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  He has just completed editing Road Shows, vol. 4, for Spring 2016 release.

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Theodore Walter Rollins nació el 7 de septiembre de 1930 en la ciudad de Nueva York. Creció en Harlem no lejos del Savoy Ballroom, el Teatro Apolo y la puerta de su ídolo, Coleman Hawkins. Tras el descubrimiento temprano de Fats Waller y Louis Armstrong, empezó con el saxo alto, inspirado por Louis Jordan. A la edad de 16 años, cambió a tenor, tratando de emular a Hawkins. También cayó bajo el hechizo de la revolución musical que lo rodeaba, el Bebop.

Empezó a seguir a Charlie Parker, y pronto se puso bajo el ala de Thelonious Monk, que se convirtió en su mentor musical y gurú. Viviendo en Sugar Hill, entre sus compañeros musicales de barrio se encontraban Jackie McLean, Kenny Drew y Art Taylor, pero fue el joven Sonny el primero en salir de la manada, trabajando y grabando con Babs Gonzales, J.J. Johnson, Bud Powell y Miles Davis antes de cumplir los veinte años.

"Por supuesto, estas personas están ahí para ser llamadas porque creo que los represento de alguna manera", dijo Rollins recientemente sobre sus compañeros y mentores. "No están aquí ahora, así que siento que los represento a todos ellos, a todos los chicos. Recuerden que soy uno de los últimos que quedan, como me dicen constantemente, así que siento una obligación sagrada a veces de evocar a estas personas".

A principios de los 50, estableció una reputación, primero entre los músicos y luego entre el público, como el joven tenor más descarado y creativo de la escena, a través de su trabajo con Miles, Monk y el MJQ.

Miles Davis fue uno de los primeros fans de Sonny Rollins y en su autobiografía escribió que "empezó a salir con Sonny Rollins y su gente de Sugar Hill Harlem... de todas formas, Sonny tenía una gran reputación entre muchos de los músicos más jóvenes de Harlem". La gente amaba a Sonny Rollins en Harlem y en todas partes. Era una leyenda, casi un dios para muchos de los músicos jóvenes. Algunos pensaban que tocaba el saxofón al nivel de Bird. Sé una cosa, estaba cerca. Era un músico agresivo e innovador que siempre tenía ideas musicales frescas. Lo amaba en ese entonces como músico y también podía escribir su trasero..."

Sonny se mudó a Chicago por unos años para alejarse de los elementos negativos que rodean la escena del Jazz. Reapareció a finales de 1955 como miembro del Quinteto Clifford Brown-Max Roach, con una presencia aún más autoritaria. Su marca registrada se convirtió en un estilo cáustico, a menudo humorístico, de invención melódica, un dominio de todo, desde las baladas más arcanas hasta los calipsos, y una lógica primordial en su forma de tocar que lo encontró aclamado por los modelos de improvisación temática.

Fue durante este tiempo que Sonny adquirió un apodo, "Newk". Como explica Miles Davis en su autobiografía: "Sonny acababa de regresar de un concierto en Chicago. Conocía a Bird, y a Bird le gustaba mucho Sonny, o "Newk" como lo llamábamos, porque se parecía al lanzador de los Dodgers de Brooklyn, Don Newcombe. Un día, Sonny y yo estábamos en un taxi... cuando el taxista blanco se dio la vuelta y miró a Sonny y le dijo: "¡Maldita sea, eres Don Newcombe!" Tío, el tipo estaba totalmente excitado. Estaba sorprendido, porque no había pensado en ello antes. Acabamos de poner a ese taxista en algo terrible. Sonny empezó a hablar de qué tipo de lanzamientos iba a hacer Stan Musial, el gran bateador de los Cardenales de San Luis, esa noche..."

En 1956, Sonny comenzó a grabar la primera de una serie de grabaciones históricas publicadas con su propio nombre: Valse Hot introdujo la práctica, ahora común, de tocar bop en 3/4 de metro; St. Thomas inició sus exploraciones de los patrones del calipso; y Blue 7 fue aclamado por Gunther Schuller como una nueva forma de "improvisación temática", en la que el solista desarrolla motivos extraídos de su tema. Way Out West (1957), el primer álbum de Rollins con un trío de saxofón, contrabajo y batería, ofreció una solución a sus antiguas dificultades con pianistas incompatibles, y ejemplificó su ingeniosa habilidad para improvisar sobre material trillado (Wagon Wheels, I'm an Old Cowhand). It Could Happen to You (también 1957) fue la primera de una larga serie de grabaciones en solitario sin acompañamiento, y The Freedom Suite (1958) prefiguró las posturas políticas adoptadas en el jazz en el decenio de 1960. Durante los años 1956 a 1958 Rollins fue considerado como el saxofonista tenor más talentoso e innovador del jazz.

Los primeros ejemplos de Rollins de la interpretación en solitario sin acompañamiento que se convertiría en una especialidad también aparecieron en este período; sin embargo, el saxofonista, perpetuamente insatisfecho, cuestionó la aclamación que su música estaba atrayendo, y entre 1959 y finales de 1961 se retiró de la actuación pública.

Sonny recuerda que se despidió de la escena porque "me estaba volviendo muy famoso en ese momento y sentí que necesitaba repasar varios aspectos de mi oficio. Sentí que estaba recibiendo demasiado, demasiado pronto, así que dije, espera un minuto, voy a hacerlo a mi manera. No iba a dejar que la gente me empujara ahí fuera, para que me cayera. Quería recomponerme, por mi cuenta. Solía practicar en el puente, el puente de Williamsburg, porque en ese momento vivía en el Lower East Side".

Cuando volvió a la acción a finales del 61, su primera grabación se tituló apropiadamente El Puente. A mediados de los 60, sus directos se convirtieron en grandes y maratónicos solos de consciencia donde sacaba melodías de su conocimiento enciclopédico de las canciones populares, incluyendo sorprendentes segundas partes y a veces apenas visitando un tema antes de pasar a deslumbrantes variaciones sobre el siguiente. Rollins era brillante, pero inquieto. El período entre 1962 y 1966 le vio volver a la acción y establecer relaciones productivas con Jim Hall, Don Cherry, Paul Bley, y su ídolo Hawkins, pero se descontento con el negocio de la música una vez más y comenzó otro año sabático en 1966. "Me estaba metiendo en las religiones orientales", recuerda. "Siempre he sido mi propio hombre. Siempre he hecho, tratado de hacer, lo que he querido hacer por mí mismo. Así que estas son las cosas que quería hacer. Quería ir al puente. Quería entrar en la religión. Pero también, el negocio de la música de Jazz siempre es malo. Nunca es bueno. Así que eso me llevó a dejar de tocar en público por un tiempo, de nuevo. Durante el segundo año sabático, trabajé un poco en Japón, y después me fui a la India y pasé mucho tiempo en un monasterio. Resurgí a principios de los 70, e hice mi primer disco en el 72. Me tomé un tiempo libre para recomponerme y creo que es algo bueno para cualquiera".

En 1972, con el estímulo y el apoyo de su esposa Lucille, que se había convertido en su gerente comercial, Rollins volvió a actuar y a grabar, firmando con Milestone y lanzando Next Album. (Trabajando al principio con Orrin Keepnews, Sonny estaba a principios de los 80 produciendo sus propias sesiones de Milestone con Lucille). Su larga asociación con el sello discográfico de Berkeley produjo dos docenas de álbumes en varios escenarios - desde sus grupos de trabajo hasta conjuntos de estrellas (Tommy Flanagan, Jack DeJohnette, Stanley Clarke, Tony Williams); desde un recital en solitario hasta grabaciones de gira con los Milestone Jazzstars (Ron Carter, McCoy Tyner); en el estudio y en el escenario de conciertos (Montreux, San Francisco, Nueva York, Boston). Sonny también fue objeto de un documental de mediados de los años ochenta de Robert Mugge titulado Saxophone Colossus; parte de su banda sonora está disponible como G-Man.

Ganó su primer Grammy por This Is What I Do (2000), y su segundo por Without a Song (The 9/11 Concert) de 2004, en la categoría de Mejor Solo Instrumental de Jazz (por "Why Was I Born"). Además, Sonny recibió un premio a la trayectoria de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación en 2004.

En junio de 2006 Rollins fue admitido en la Academia de Logros, y realizó una actuación en solitario, en la Cumbre Internacional de Logros de Los Ángeles. El evento fue presentado por George Lucas y Steven Spielberg y asistieron líderes mundiales así como distinguidas figuras de las artes y las ciencias.

Rollins fue galardonado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase, en noviembre de 2009. El premio es uno de los más altos honores de Austria, otorgado a las principales figuras internacionales por sus distinguidos logros. Los únicos otros artistas americanos que han recibido este reconocimiento son Frank Sinatra y Jessye Norman.

En 2010, en la víspera de su 80 cumpleaños, Sonny Rollins es uno de los 229 líderes en ciencias, ciencias sociales, humanidades, artes, negocios y asuntos públicos que han sido elegidos miembros de la Academia Americana de Artes y Ciencias. La Academia, un centro de investigación política independiente, es una de las sociedades honorarias más antiguas y prestigiosas del país y celebra este año el 230 aniversario de su fundación.

En agosto de 2010, Rollins fue nombrado medallista Edward MacDowell, el primer compositor de jazz en recibir este honor. La Medalla se ha concedido anualmente desde 1960 a un individuo que ha hecho una contribución sobresaliente en su campo.

Otro premio importante fue otorgado a Rollins el 2 de marzo de 2011, cuando recibió la Medalla de las Artes del Presidente Barack Obama en una ceremonia en la Casa Blanca. Rollins aceptó el premio, el más alto honor de la nación por excelencia artística, "en nombre de los dioses de nuestra música".

Desde 2006, Rollins ha estado publicando su música en su propio sello, Doxy Records. El primer álbum de Doxy fue Sonny, Please, la primera grabación de estudio de Rollins desde This Is What I Do. A esto le siguió el aclamado Road Shows, vol. 1 (2008), el primero de una serie de grabaciones previstas de los archivos de audio de Rollins.

El Sr. Rollins publicó Road Shows, vol. 2 en el otoño de 2011. Además del material grabado en Sapporo y Tokio, Japón, durante una gira en octubre de 2010, la grabación contiene varios temas del concierto del 80º cumpleaños de Sonny en Nueva York en septiembre de 2010, incluyendo el histórico y electrizante encuentro con Ornette Coleman.

El 3 de diciembre de 2011 Sonny Rollins fue uno de los cinco homenajeados del Kennedy Center en 2011, junto con la actriz Meryl Streep, la cantante Barbara Cook, el cantante y compositor Neil Diamond y el violonchelista Yo-Yo Ma.   Rollins dijo del honor: "Estoy profundamente agradecido por este gran honor. Al honrarme, el Kennedy Center honra el jazz, la música clásica de Estados Unidos. Por eso, estoy muy agradecido".

El CD más reciente del saxofonista es Road Shows, vol. 3 (Doxy/Okeh/Sony).  Acaba de terminar la edición de Road Shows, vol. 4, para su lanzamiento en la primavera de 2016.

https://sonnyrollins.com/biography/

sonnyrollins.com ...

Deodato • Knights of Fantasy

 

 

 

Brazilian-born Eumir Deodato has racked up 16 platinum records to his credit as artist, arranger or producer with combined sales of well over 25 million records in the USA alone. His discography, including compilations and all his work as arranger, producer and keyboardist, surpasses 450 albums. He has also had the honor of performing with the St. Louis Symphony (which backed him on his superb Artistry album), the Cincinnati Symphony, the New York Philharmonic and the Orchestra di Musica Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. In addition, several artists over the years have covered his songs, including George Benson, Lee Ritenour, Sarah Vaughan and The Emotions to mention just a few.

And yet, in spite of all of his varied triumphs, honors and distinctions over the years, the multi-talented, multi-instrumentalist will probably forever be associated with one song - his innovative rendition of Richard Strauss' classical opus “Also Sprach Zarathustra” (or more commonly known as the theme to 2001: A Space Odyssey). That single compelling song, which first appeared on his 1973 debut album for CTI “Prelude,” sold at least five million copies and earned Deodato his first Grammy Award, instantly moved him to international stardom and setting a course for his remarkable ongoing career in music. Thirty years later, that same tune has found its way into the repertoire of the jam band Phish, a testament to Deodato's enduring influence.

Born in Rio de Janeiro, Brazil, from Italian and Portuguese origin, Eumir Deodato got his start by playing the accordion at age 12. Shortly thereafter, he started studying piano as well as orchestration, arranging and conducting. Strictly self-taught, he immersed himself in theory books while spending countless evenings sitting behind orchestras and carefully observing how each part was played. His first break came at age 17 when he arranged and conducted his first recording session for a 28-piece orchestra. It wasn't long before Deodato became one of the most active and respected arrangers and pianists in Rio's busy music scene, recording for such artists as Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina and Antonio Carlos Jobim.

In 1968, Deodato moved to New York and began working with Luiz Bonfa, the legendary composer of Black Orpheus, while also doing extensive studio work for Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle and many other Brazilian artists who were living in the Big Apple at the time. When writing the arrangements for Astrud Gilberto's “Beach Samba,” he became acquainted with producer Creed Taylor, who hired him to arrange for other CTI artists like Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond and Tom Jobim. His reputation in the fields of pop and black music was strengthened by his arrangement work for Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) and Aretha Franklin (Let Me In Your Life).

Following a performance at the Hollywood Bowl with the CTI All-Stars Band in 1972, Deodato started recording his record. His debut appearance as a leader, billed as 2001 Space Concert, was held at the Madison Square Garden in New York City in 1973.

After seven years of world-wide touring (including Australia, Japan, Canada, South America, Europe) and eight coast-to-coast tours of the States, Deodato decided to concentrate on studio work once again. Besides highly successful solo albums for the CTI, MCA, Warner And Atlantic labels, his work as a producer/arranger earned him several more laurels. One of his first productions was Kool & The Gang's #1 pop single Celebration. He followed that success with production or arranging work for Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion and Brenda K. Starr, for whom he produced the pop hit I Still Believe in 1987. Deodato also had three other multi-platinum albums for Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special and As One.

In the 90's, Deodato continued to be a vital force on the pop scene through his work with Icelandic singer Bjork. In addition to arranging her last three albums: 1995's Post, 1996's Telegram and 1997's Homogenic, Deodato produced a highly praised acoustic version of Bjork's “Isobel,” sub-titled Deodato Mix, which became a club scene favorite. He has also produced material for French singer Clementine (also touring Japan with her as a special guest in 1994), arranged and produced a top 10 single for Brazilian singer Gal Costa (1996) and has performed as guest conductor with Bjork both in Brazil (1996), and in the States at the Tibetan Freedom Concerts at Downing Stadium (1997). In 1998, Deodato arranged for Brazilian pop acts Titans (Vol. II, with sales over 500,000 copies) and Carlinhos Brown (Omelete Man) as well as for the latest album by pop-rock band Penelope Charmosa (released in 1999). He was also special guest on a project by Japanese pop star Akemi Kakihara, recorded in London during the summer of 1998. In 1999, he scored Bossa Nova, a Bruno Barreto film starring Amy Irving, and the following year produced the CD of that score for Verve Records. His most recent projects including production work for French rock singer Damien Saez, Brazilian-Japanese singer Lisa Ono and for jazz singer Ann Hampton Callaway.

Deodato has also worked on several movie scores, including The Onion Field, The Black Pearl, Ghostbusters II, White Nights, The Girl From Ipanema, The Adventurers (recorded with A.C. Jobim and the London Symphony Orchestra), The Gentle Rain, Target Risk, The Reporter, Beat Street, Body Rock and Bossa Nova. His recordings have also been widely used on major movies such as Being There and The Exorcist.

In November 2001, Deodato participated in a benefit concert in New York City where he played only 1 song (Also Sprach Zarathustra: 2001). The reaction was so fantastic he got encouraged to go back doing concerts. By 2002 he lined up a few selected presentations, starting with a concert at the Vienna Opera House, as part of the Vienna Summer Jazz Festival. That was followed by Villach (Austria), Pori (Finland), The Hague (North Sea Jazz Festival), and many others that followed, like Capetown (South Africa), Rome and Rimini (Italy), Amenia, NY (World Peace Organization), Antigua, Guatemala etc.

Meanwhile, in 2002 he worked with Milton Nascimento in Rio de Janeiro, which generated a Latin Grammy for the song Tristesse as best Brazilian song of the year, then miscellaneous work with different artists, including Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu and more recently, KD Lang for her record released in 2004.

In 2007 Brazilian Record company "Biscoito Fino", releases the “Deodato Trio in Rio” CD and DVD (end of month), filmed and recorded at the Sala Cecilia Meirelles in Rio last Summer, featuring Marcelo Mariano on Bass and Renato Massa on Drums. It also includes performances of some of the most memorable Antonio Carlos Jobim's songs and also comemorates his postumous anniversary. Verve has also released “Do It Again.”
https://www.allaboutjazz.com/musicians/eumir-deodato

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El brasileño Eumir Deodato tiene en su haber 16 discos de platino como artista, arreglista o productor, con unas ventas combinadas de más de 25 millones de discos sólo en Estados Unidos. Su discografía, incluyendo recopilaciones y todo su trabajo como arreglista, productor y teclista, supera los 450 álbumes. También ha tenido el honor de actuar con la St. Louis Symphony (que le respaldó en su magnífico álbum Artistry), la Cincinnati Symphony, la New York Philharmonic y la Orchestra di Musica Leggera dell'Unione Musicisti di Roma. Además, varios artistas han versionado sus canciones a lo largo de los años, como George Benson, Lee Ritenour, Sarah Vaughan y The Emotions, por mencionar sólo algunos.

Sin embargo, a pesar de todos sus triunfos, honores y distinciones a lo largo de los años, el polifacético y multiinstrumentista quedará asociado para siempre a una canción: su innovadora interpretación de la obra clásica de Richard Strauss "Also Sprach Zarathustra" (o más conocida como el tema de 2001: Una odisea del espacio). Esa canción, que apareció por primera vez en su álbum de debut para CTI en 1973, "Prelude", vendió al menos cinco millones de copias y le valió a Deodato su primer premio Grammy, lo que le llevó al estrellato internacional y marcó el rumbo de su extraordinaria carrera musical. Treinta años más tarde, esa misma melodía ha entrado en el repertorio de la banda de música Phish, lo que demuestra la influencia duradera de Deodato.

Nacido en Río de Janeiro (Brasil), de origen italiano y portugués, Eumir Deodato empezó a tocar el acordeón a los 12 años. Poco después, comenzó a estudiar piano, así como orquestación, arreglos y dirección. Estrictamente autodidacta, se sumergió en libros de teoría mientras pasaba innumerables tardes sentado detrás de las orquestas y observando cuidadosamente cómo se tocaba cada parte. Su primera oportunidad llegó a los 17 años, cuando arregló y dirigió su primera sesión de grabación para una orquesta de 28 músicos. No pasó mucho tiempo antes de que Deodato se convirtiera en uno de los arreglistas y pianistas más activos y respetados de la ajetreada escena musical de Río, grabando para artistas como Milton Nascimento, Marcos Valle, Elis Regina y Antonio Carlos Jobim.

En 1968, Deodato se trasladó a Nueva York y comenzó a trabajar con Luiz Bonfa, el legendario compositor de Black Orpheus, al tiempo que realizaba numerosos trabajos de estudio para Astrud Gilberto, Walter Wanderley, Antonio Carlos Jobim, Marcos Valle y muchos otros artistas brasileños que vivían en la Gran Manzana en aquella época. Al escribir los arreglos para "Beach Samba" de Astrud Gilberto, conoció al productor Creed Taylor, quien le contrató para hacer arreglos para otros artistas de CTI como Wes Montgomery, Stanley Turrentine, George Benson, Paul Desmond y Tom Jobim. Su reputación en el campo del pop y la música negra se vio reforzada por su trabajo de arreglos para Frank Sinatra (Sinatra & Co.), Roberta Flack (Killing Me Softly, Chapter Two, Quiet Fire) y Aretha Franklin (Let Me In Your Life).

Tras una actuación en el Hollywood Bowl con la CTI All-Stars Band en 1972, Deodato comenzó a grabar su disco. Su primera actuación como líder, anunciada como 2001 Space Concert, tuvo lugar en el Madison Square Garden de Nueva York en 1973.

Tras siete años de giras por todo el mundo (incluyendo Australia, Japón, Canadá, Sudamérica y Europa) y ocho giras de costa a costa por los Estados Unidos, Deodato decidió concentrarse de nuevo en el trabajo de estudio. Además de álbumes en solitario de gran éxito para los sellos CTI, MCA, Warner y Atlantic, su trabajo como productor/arreglista le valió varios laureles más. Una de sus primeras producciones fue el sencillo pop número 1 de Kool & The Gang, Celebration. Siguió ese éxito con trabajos de producción o arreglos para Earth, Wind & Fire, Michael Franks, Gwen Guthrie, Chuck Mangione, Breakfast Club, The Dazz Band, One Way, Con-Funk-Shun, Kleeer, Pretty Poison, Kevin Rowland (Dexy's Midnight Runners), White Lion y Brenda K. Starr, para quien produjo el éxito pop I Still Believe en 1987. Deodato tenía también otros tres álbumes multiplatino para Kool & The Gang's Ladies' Night, Something Special y As One.

En la década de los 90, Deodato siguió siendo una fuerza vital en la escena pop gracias a su trabajo con la cantante islandesa Bjork. Además de los arreglos de sus tres últimos álbumes: Post (1995), Telegram (1996) y Homogenic (1997), Deodato produjo una alabada versión acústica de "Isobel" de Bjork, subtitulada Deodato Mix, que se convirtió en una de las favoritas de los clubes. También ha producido material para la cantante francesa Clementine (con la que también hizo una gira por Japón como invitado especial en 1994), arregló y produjo un sencillo que alcanzó el top 10 para la cantante brasileña Gal Costa (1996) y ha actuado como director de orquesta invitado con Bjork tanto en Brasil (1996), como en Estados Unidos en los Conciertos por la Libertad del Tíbet en el Estadio Downing (1997). En 1998, Deodato hizo arreglos para los grupos de pop brasileños Titans (Vol. II, con ventas superiores a 500.000 copias) y Carlinhos Brown (Omelete Man), así como para el último álbum del grupo de pop-rock Penelope Charmosa (publicado en 1999). También fue invitado especial en un proyecto de la estrella japonesa del pop Akemi Kakihara, grabado en Londres durante el verano de 1998. En 1999, puso música a Bossa Nova, una película de Bruno Barreto protagonizada por Amy Irving, y al año siguiente produjo el CD de esa partitura para Verve Records. Sus proyectos más recientes incluyen trabajos de producción para el cantante de rock francés Damien Saez, la cantante brasileño-japonesa Lisa Ono y para la cantante de jazz Ann Hampton Callaway.

Deodato también ha trabajado en varias partituras de películas, como El campo de la cebolla, La perla negra, Los cazafantasmas II, Noches blancas, La chica de Ipanema, Los aventureros (grabada con A.C. Jobim y la Orquesta Sinfónica de Londres), La suave lluvia, Objetivo riesgo, El reportero, Beat Street, Body Rock y Bossa Nova. Sus grabaciones también se han utilizado ampliamente en grandes películas como Being There y El Exorcista.

En noviembre de 2001, Deodato participó en un concierto benéfico en la ciudad de Nueva York en el que sólo tocó una canción (Also Sprach Zarathustra: 2001). La reacción fue tan fantástica que se animó a volver a dar conciertos. Para el año 2002 hizo una serie de presentaciones selectas, empezando por un concierto en la Ópera de Viena, en el marco del Festival de Jazz de Verano de Viena. Le siguieron Villach (Austria), Pori (Finlandia), La Haya (Festival de Jazz del Mar del Norte), y muchas otras que le siguieron, como Ciudad del Cabo (Sudáfrica), Roma y Rimini (Italia), Amenia, NY (Organización Mundial de la Paz), Antigua, Guatemala, etc.

Mientras tanto, en 2002 trabajó con Milton Nascimento en Río de Janeiro, lo que generó un Grammy Latino por la canción Tristesse como mejor canción brasileña del año, luego trabajos varios con diferentes artistas, incluyendo Barbara Mendes, Ana Carolina, Fernanda Abreu y más recientemente, KD Lang para su disco lanzado en 2004.

En 2007 la compañía discográfica brasileña "Biscoito Fino", lanza el CD y DVD "Deodato Trio in Rio" (a finales de mes), filmado y grabado en la Sala Cecilia Meirelles de Río el pasado verano, con Marcelo Mariano al bajo y Renato Massa a la batería. También incluye interpretaciones de algunas de las canciones más memorables de Antonio Carlos Jobim y también conmemora su aniversario póstumo. Verve también ha lanzado "Do It Again".

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Jackie Mittoo • The Keyboard King at Studio One

Jackie Mittoo (3 March 1948 – 16 December 1990) was a Jamaican keyboardist, songwriter and musical director. He was a member of The Skatalites and musical director of the Studio One record label.

He was born Donat Roy Mittoo in Browns Town, Saint Ann Parish, Jamaica, and began learning to play the piano when he was four under the tutelage of his grandmother.

In the 1960s he was a member of The Skatalites, The Sheiks, The Soul Brothers, The Soul Vendors and Sound Dimension. Mittoo's compositions in this period included "Darker Shade of Black", "Feel Like Jumping", and "Baby Why". He played with Lloyd "Matador" Daley in 1968 and 1969.

He emigrated to Toronto, Canada at the end of the 1960s. There he recorded three albums, Wishbone (Summus), Reggae Magic (CTL) and Let's Put It All Together (CTL). He also set up the Stine-Jac record label, as well as running a record store.

In 1970, his song "Peanie Wallie" was reworked into a song called "Duppy Conqueror" and recorded by The Wailers. Mittoo's song Wishbone was a hit in 1971. He performed in local Toronto lounges throughout the 1970s. Mittoo assisted Toronto-area reggae musicians, including Earth, Roots and Water, Esso Jaxxon (R. Zee Jackson), Carl Harvey, Lord Tanamo, Boyo Hammond, Carl Otway, The Sattalites, Jackie James and Jason Wilson. Mittoo continued to record for Jamaican producers in the 1970s, mostly Bunny Lee. He co-wrote "Armagideon Time" (later recorded by The Clash) with Willi Williams, release in 1980.

In the 1980s, he often worked with Sugar Minott. In 1989, he briefly rejoined the Skatalites, but left when his health started to deteriorate. In 1989 and 1990 he recorded Wild Jockey for Lloyd Barnes’ Wackies label.

Mittoo entered a hospital on 12 December 1990 and died of cancer on 16 December at the age of 42. His funeral was held at the National Arena in Kingston, Jamaica, on 2 January 1991. Hortense Ellis, Neville 'Tinga' Stewart, Desmond "Desi Roots" Young, Ruddy Thomas, Tommy Cowan, Clement "Coxsone" Dodd were among the attendees. A memorial concert was held around the same time, with performances by Vin Gordon, Leroy "Horsemouth" Wallace, Glen 'Bagga' Fagan, Pablo Black, Robbie Lyn, Michael "Ibo" Cooper, Ken Boothe, Delroy Wilson, Carlene Davis, Tinga Stewart and others.

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Jackie Mittoo (3 de marzo de 1948 - 16 de diciembre de 1990) fue un tecladista, compositor y director musical jamaicano. Fue miembro de The Skatalites y director musical del sello discográfico Studio One.

Nació Donat Roy Mittoo en Browns Town, Saint Ann Parish, Jamaica, y comenzó a aprender a tocar el piano cuando tenía cuatro años bajo la tutela de su abuela.

En la década de 1960 fue miembro de The Skatalites, The Sheiks, The Soul Brothers, The Soul Vendors y Sound Dimension. Las composiciones de Mittoo en este período incluyen "Darker Shade of Black", "Feel Like Jumping" y "Baby Why". Jugó con Lloyd "Matador" Daley en 1968 y 1969.

Emigró a Toronto, Canadá a fines de los años sesenta. Allí grabó tres álbumes, Wishbone (Summus), Reggae Magic (CTL) y Let's Put It All Together (CTL). También instaló el sello discográfico Stine-Jac, además de dirigir una tienda de discos.

En 1970, su canción "Peanie Wallie" fue reelaborada en una canción llamada "Duppy Conqueror" y grabada por The Wailers. La canción Wishbone de Mittoo fue un éxito en 1971. Tocó en salones locales de Toronto durante la década de 1970. Mittoo ayudó a los músicos de reggae del área de Toronto, incluyendo Earth, Roots and Water, Esso Jaxxon (R. Zee Jackson), Carl Harvey, Lord Tanamo, Boyo Hammond, Carl Otway, The Sattalites, Jackie James y Jason Wilson. Mittoo continuó grabando para los productores jamaiquinos en la década de 1970, principalmente Bunny Lee. Él co-escribió "Armagideon Time" (más tarde grabado por The Clash) con Willi Williams, lanzado en 1980.

En la década de 1980, a menudo trabajaba con Sugar Minott. En 1989, se reincorporó brevemente a los Skatalites, pero se fue cuando su salud comenzó a deteriorarse. En 1989 y 1990 grabó Wild Jockey para el sello Wackies de Lloyd Barnes.

Mittoo ingresó en un hospital el 12 de diciembre de 1990 y murió de cáncer el 16 de diciembre a la edad de 42 años. Su funeral se celebró en el National Arena en Kingston, Jamaica, el 2 de enero de 1991. Hortense Ellis, Neville 'Tinga' Stewart, Desmond " Desi Roots "Young, Ruddy Thomas, Tommy Cowan, Clement" Coxsone "Dodd estuvieron entre los asistentes. Un concierto conmemorativo se llevó a cabo casi al mismo tiempo, con actuaciones de Vin Gordon, Leroy "Horsemouth" Wallace, Glen 'Bagga' Fagan, Pablo Black, Robbie Lyn, Michael "Ibo" Cooper, Ken Boothe, Delroy Wilson, Carlene Davis, Tinga Stewart y otros. 

 

 

 

 

Bernard Purdie • Soul Is... Pretty Purdie

 

Artist Biography by Ron Wynn
Soul Is...Pretty Purdie

An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown, King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late '60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks. Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.

https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

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Artist Biography by Ron Wynn

Soul Is...Pretty Purdie

An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown, King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late '60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks. Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.

https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

 

www.bernardprettypurdie.com ...

 

 

The Hi-Fly Orchestra • Samboogaloo

The High-Fly Orchestra was founded in 2005 by Jerker Kluge and Florian Riedl. Though played by young musicians, who are influenced by all kinds of todays music, the intent was to create music that sounds as hip as the classic jazz records of the blue note era.

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La High-Fly Orchestra fue fundada en 2005 por Jerker Kluge y Florian Riedl. Aunque tocado por músicos jóvenes, que están influenciados por todo tipo de música de hoy, la intención era crear música que sonara tan moderna como los discos clásicos de jazz de la era de blue note.

James Taylor Quartet • New World

 

Lonnie Smith • Turning Point

Review by Stephen Thomas Erlewine

Most Blue Note soul-jazz albums from the late '60s went one of three ways: it either was a straight-ahead commercial session, a slightly psychedelic outing, or a funky workout with a vague "Black Power" theme. Dr. Lonnie Smith had followed the latter path with Think!, the predecessor to Turning Point, and there are still remnants of that style on this session, particularly in the opening cover of Don Covay's "See Saw." Nevertheless, Turning Point is a more adventurous affair than Think!, finding Smith -- as well as trumpeter Lee Morgan, trombonist Julian Priester, guitarist Melvin Sparks, tenor saxophonist Bennie Maupin and drummer Leo Morris -- exploring territory that isn't quite free, but is certainly more "out there" than the average soul-jazz session. In particular, Smith's originals "Slow High" and "Turning Point" reach the outer edges of the style, playing with dissonance, complex melodies and expansive sound structures. Despite all these free flourishes, Turning Point remains a soul-jazz record and it has all the trappings of its era -- the take on "Eleanor Rigby" finds the group approximating psychedelia. While the more adventurous elements of Turning Point make for an intriguing listen, the album isn't quite as enjoyable as the harder grooving sessions or the spacier soul-jazz records from the same era. Nevertheless, it's a worthwhile listen.

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Álbum de antes que se diplomara de "Dr" :D
Traducción Automática:

Revisión por Stephen Thomas ErlewineLa mayoría de los álbumes de soul-jazz de Blue Note de finales de los años 60 fueron una de tres maneras: fue una sesión comercial directa, una salida un poco psicodélica o un ejercicio de moda con un vago tema "Black Power". El Dr. Lonnie Smith había seguido este último camino con Think !, el predecesor de Turning Point, y todavía hay restos de ese estilo en esta sesión, particularmente en la portada de apertura de "See Saw" de Don Covay. Sin embargo, Turning Point es un asunto más aventurero que Think !, el hallazgo de Smith, así como el trompetista Lee Morgan, el trombonista Julian Priester, el guitarrista Melvin Sparks, el saxofonista Bennie Maupin y el baterista Leo Morris, explorando un territorio que no es del todo libre. , pero ciertamente es más "por ahí" que la sesión promedio de soul-jazz. En particular, los originales de Smith "Slow High" y "Turning Point" alcanzan los bordes exteriores del estilo, tocando con disonancia, melodías complejas y estructuras de sonido expansivas. A pesar de todos estos éxitos libres, Turning Point sigue siendo un disco de soul-jazz y tiene todas las características de su época: la versión de "Eleanor Rigby" encuentra al grupo que se aproxima a la psicodelia. Mientras que los elementos más aventureros de Turning Point hacen una escucha intrigante, el álbum no es tan agradable como las sesiones de grooving más duras o los discos más espaciosos del soul-jazz de la misma época. Sin embargo, vale la pena escuchar.

 

 

The Link Quartet • Live anthology 1998-2018

 

 

Attivo dal 1993, il quartetto di Piacenza si è imposto a livello internazionale come punto di riferimento per il suono Hammond grazie a un’esplosiva miscela di funk, rock e soul interpretata in maniera unica, moderna e originale.
La band, che da sempre affianca all’attività in studio un’intensa serie di concerti in giro per il mondo, ha calcato palchi prestigiosi come il GO! Lleida ’60 Festival in Spagna, il 100 Club di Londra, l’Our Way of Thinking di Chicago, il Club Au-go-go di Los Angeles, lo Sziget Festival di Budapest, l’Hammond Explosion di Parigi, condividendo il palco con gruppi del calibro di Manu Chao, Sharon Jones & The Dap-Kings, Charles Bradley, James Taylor Quartet, Brian Auger’s Oblivion Express, Downliners Sect, Chocolate Watch Band e Bonniwell Music Machine.
La collaborazione con etichette prestigiose come Acid Jazz (UK), Record Kicks (ITA), Hammondbeat (USA), Soundflat (GER), P-Vine (JPN), Area Pirata (ITA) e molte altre ha permesso al Link Quartet di lavorare con numerosi artisti italiani e stranieri, reinventando continuamente il proprio suono, con un occhio rivolto al futuro e uno strettamente ancorato alla lunga e prestigiosa tradizione dell’organo Hammond.
Dopo il tour promozionale dell’album “Minimal Animal” che ha portato nuovamente il gruppo in giro per tutta Europa, il Link Quartet ha deciso di festeggiare il suo venticinquesimo compleanno registrando dal vivo in studio i suoi brani migliori durante un evento di tre giorni aperto al pubblico, svoltosi presso lo studio di registrazione di Tanzan Music.
Il risultato è Secret Sessions, un nuovo album dal vivo che raccoglie il meglio della carriera della band e che restituisce su disco tutta la carica e l’energia dei live. Da “Beat.it” a “Minimal Animal” passando per “Italian Playboys”, “4”, “Fast Girl & Sexy Cars” e “Quattro Pezzi Facili”, il gruppo rispolvera i classici della sua carriera, offrendo all’ascoltatore una nuova prospettiva sul proprio suono.
L’edizione in LP è uscita 31 Maggio 2019 per l’inglese Spinout Nuggets in un’edizione limitata e numerata di 300 copie insieme all’edizione digitale per Tanzan Music e ai video registrati durante le performance.
https://www.linkquartet.com/about/

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Active since 1993, the quartet of Piacenza has established itself internationally as a reference point for the Hammond sound thanks to an explosive mixture of funk, rock and soul interpreted in a unique, modern and original Moderna.
The band, which has always combined studio activity with an intense series of concerts around the world, has trod prestigious stages such as GO! Lleida 60's Festival in Spain, the 100 Club in London, Our Way of Thinking of Chicago, the Club Au go-go in Los Angeles, the Sziget Festival in Budapest, the Hammond Explosion of Paris, sharing the stage with groups of the likes of Manu Chao, Sharon Jones & The Dap-Kings, Charles Bradley, James Taylor Quartet, Brian Auger's Oblivion Express, Downliners Sect, Chocolate Watch Band, the Bonniwell Music Machine.
The collaboration with prestigious labels such as AcidazzAzz (UK), Record Kicks (ITA), Hammondbeat (USA), Soundflat (GER), P-Vine (PN
After the promotional tour of the album “Minimal Animal " that again took the group around Europe, the Link Quartet decided to celebrate its twenty-fifth birthday by recording its best songs live in the studio during a three-day event open to the public, held at the recording studio of Tanzan Music.
The result is Secret Sessions, a new live album that collects the best of the band's career and that returns all the charge and energy of the live. From “Beat.it " a "Minimal Animal" passing through " Italian Pla Pla By S”, “4”, “Fast Girl & Se Se Cars” and “Four Easy Pieces”, the group dusts off the classics of its career, offering the listener a new perspective on their own sound.
The LP edition was released 31 May 2019 for the English Spinout Nuggets in a limited and numbered edition of 300 copies along with the digital edition for Tanzan Music and videos recorded during the performances.
https://www.linkquartet.com/about/

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En activo desde 1993, el cuarteto de Piacenza se ha consolidado internacionalmente como un referente del sonido Hammond gracias a una explosiva mezcla de funk, rock y soul interpretada de forma única, moderna y original.
¡La banda, que siempre ha combinado la actividad de estudio con una intensa serie de conciertos por todo el mundo, ha actuado en prestigiosos escenarios como el Festival GO! Lleida '60 Festival en España, el 100 Club en Londres, Our Way of Thinking en Chicago, el Au-go-go Club en Los Ángeles, el Sziget Festival en Budapest, el Hammond Explosion en París, compartiendo escenario con artistas de la talla de Manu Chao, Sharon Jones & The Dap-Kings, Charles Bradley, James Taylor Quartet, Brian Auger's Oblivion Express, Downliners Sect, Chocolate Watch Band o Bonniwell Music Machine.
La colaboración con prestigiosos sellos como Acid Jazz (UK), Record Kicks (ITA), Hammondbeat (USA), Soundflat (GER), P-Vine (JPN), Area Pirata (ITA) y muchos otros ha permitido al Link Quartet trabajar con numerosos artistas italianos y extranjeros, reinventando constantemente su sonido, con la mirada puesta en el futuro y estrictamente anclado en la larga y prestigiosa tradición del órgano Hammond.
Tras la gira promocional del álbum "Minimal Animal", que una vez más llevó al grupo por Europa, el Link Quartet decidió celebrar su 25 cumpleaños grabando sus mejores temas en directo en el estudio durante un evento de tres días abierto al público, celebrado en el estudio de grabación de Tanzan Music.
El resultado es Secret Sessions, un nuevo álbum en directo que recoge lo mejor de la carrera de la banda y devuelve al disco toda la carga y la energía de las actuaciones en vivo. Desde "Beat.it" a "Minimal Animal" pasando por "Italian Playboys", "4", "Fast Girl & Sexy Cars" y "Four Easy Pieces", la banda desempolva los clásicos de su carrera, ofreciendo al oyente una nueva perspectiva de su sonido.
La edición en LP sale el 31 de mayo de 2019 para Spinout Nuggets del Reino Unido en una edición limitada y numerada de 300 copias junto con una edición digital para Tanzan Music y vídeos grabados durante las actuaciones.
https://www.linkquartet.com/about/


www.linkquartet.com ...

On The Spot Trio • Straight Out The Garden

 

Funky band from Santa Cruz, California.


otstrio.com ...

The New Mastersounds • Renewable Energy

 

 

In the late 1990’s, guitarist and producer Eddie Roberts was promoting a club night in Leeds called “The Cooker.” When The Cooker moved into a new venue with a second floor in 1999, there was space and the opportunity to put a live band together to complement the DJ sets. Simon Allen and Eddie had previously played together as The Mastersounds, though with a different bassist and no organ. Through friends and the intimate nature of the Leeds music scene, Pete Shand and Bob Birch were added on bass and Hammond respectively, and The New Mastersounds were born. Though it was raw, and more of a boogaloo sound at first, it was powerful from the start. Their first rehearsal was hot enough for Blow it Hard Records to release on two limited-edition 7” singles in 2000.

Fast-forward 19 years, and the band’s recorded catalogue boasts 24 more 7” singles, 13 studio albums, 3 live albums, 1 remix album and 3 compilation albums, released variously in UK, Japan, and USA - where they continue to tour extensively. Joe Tatton, another veteran of the Leeds scene, joined back in 2007, replacing Bob Birch on organ and piano.

As a band, and as individuals, they have collaborated with an impressive array of musicians, DJs and producers, including: Lou Donaldson, Corinne Bailey Rae, Quantic, Carleen Anderson, Keb Darge, Kenny Dope, Mr Scruff, LSK, Lack of Afro, Page McConnell, Grace Potter, Karl Denson, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Fred Wesley, Pee-Wee Ellis, Maceo Parker, Bernard Purdie, George Porter Jr, Zigaboo Modeliste, Art Neville, Ernest Ranglin.

During a 2018 US tour, a sit-in by Atlanta-based vocalist Lamar Williams Jr turned heads, and the fit with NMS was so right that they pledged to make a record together. The resulting album was written and recorded in Denver, CO in December of that year and will be released in Fall 2019 on Eddie Roberts’ own Color Red label.

As an example of the respect this band commands, Peter Wermelinger - DJ, collector, and author of the crate-diggers’ bible The Funky & Groovy Music Lexicon - places the 2001 NMS track ‘Turn This Thing Around’ in his all-time top-ten tunes, along with the likes of Eddie Harris, Funkadelic, and Herbie Hancock. The New Mastersounds are at the very top of an elite selection of acts that bring the true soul out of funk.
http://www.newmastersounds.com/about

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A finales de los 90, el guitarrista y productor Eddie Roberts promocionaba una noche de club en Leeds llamada "The Cooker". Cuando The Cooker se trasladó a un nuevo local con una segunda planta en 1999, hubo espacio y la oportunidad de montar una banda en directo para complementar los sets de los DJ. Simon Allen y Eddie ya habían tocado juntos como The Mastersounds, aunque con un bajista diferente y sin órgano. Gracias a los amigos y a la naturaleza íntima de la escena musical de Leeds, Pete Shand y Bob Birch se incorporaron al bajo y al Hammond respectivamente, y así nació The New Mastersounds. Aunque su sonido era crudo y más bien de boogaloo al principio, fue potente desde el principio. Su primer ensayo fue lo suficientemente bueno como para que Blow it Hard Records lo publicara en dos singles de 7" de edición limitada en el año 2000.

Avancemos 19 años, y el catálogo de la banda cuenta con 24 singles de 7" más, 13 álbumes de estudio, 3 álbumes en directo, 1 álbum de remezclas y 3 álbumes recopilatorios, editados en Reino Unido, Japón y Estados Unidos, donde siguen realizando numerosas giras. Joe Tatton, otro veterano de la escena de Leeds, se unió en 2007, sustituyendo a Bob Birch en el órgano y el piano.

Como banda, y como individuos, han colaborado con una impresionante variedad de músicos, DJs y productores, incluyendo: Lou Donaldson, Corinne Bailey Rae, Quantic, Carleen Anderson, Keb Darge, Kenny Dope, Mr Scruff, LSK, Lack of Afro, Page McConnell, Grace Potter, Karl Denson, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Fred Wesley, Pee-Wee Ellis, Maceo Parker, Bernard Purdie, George Porter Jr, Zigaboo Modeliste, Art Neville, Ernest Ranglin.

Durante una gira por Estados Unidos en 2018, una sentada del vocalista de Atlanta, Lamar Williams Jr, llamó la atención, y el encaje con NMS fue tan correcto que se comprometieron a hacer un disco juntos. El álbum resultante se escribió y grabó en Denver, CO, en diciembre de ese año y se publicará en otoño de 2019 en el propio sello Color Red de Eddie Roberts.

Como ejemplo del respeto que despierta esta banda, Peter Wermelinger -DJ, coleccionista y autor de la biblia de los buscadores de cajas The Funky & Groovy Music Lexicon- coloca el tema de NMS de 2001 'Turn This Thing Around' en su top-ten de canciones de todos los tiempos, junto con las de Eddie Harris, Funkadelic y Herbie Hancock. The New Mastersounds están en la cima de una selección de élite de artistas que sacan el verdadero alma del funk.
http://www.newmastersounds.com/about


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Bill Doggett • The EP Collection