The Duke Pearson Quintet • Hush!

 

 

Hush! is the fifth album by American pianist and arranger Duke Pearson recorded in 1962 and released on the short-lived Jazzline label in 1962 as The Duke Pearson Quintet. Hush! features performances by an unusual quintet featuring two trumpeters, Donald Byrd, and Johnny Coles. The album was later reissued on the Polydor label and in 1989 released on CD under Byrd's & Coles' name on the Black Lion label as Groovin' for Nat with additional takes and unissued tracks. It has been subsequently released on other labels, particularly under Donald Byrd's name. It was released on digital media by the Blue Velvet label as "Duke Pearson: Hush", including the bonus tracks, in 2017.


Biography by Richard S. Ginell
Duke Pearson was an accomplished, lyrical, and logical -- if rather cautious -- pianist who played a big part in shaping the Blue Note label's hard bop direction in the 1960s as a producer. He will probably be best remembered for writing several attractive, catchy pieces, the most memorable being the moody "Cristo Redentor" for Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" for himself and Lee Morgan, and "Jeannine," which has become a much-covered jazz standard. Pearson was introduced to brass instruments and the piano as a youth, and his abilities on the latter inspired his uncle, an Ellington admirer, to give him his nickname. Dental problems forced Pearson to abandon the brass family, so he worked as a pianist in Atlanta and elsewhere in Georgia and Florida before moving to New York in 1959. There, he joined Donald Byrd's band and the Art Farmer-Benny Golson Sextet, and served as Nancy Wilson's accompanist. In 1963, he arranged four numbers for jazz septet and eight-voice choir on Byrd's innovative A New Perspective album; one of the tunes was "Cristo Redentor," which became a jazz hit. From 1963 to 1970, Pearson was in charge of several recording sessions for Blue Note, while also recording most of his albums as a leader. He also led a big band from 1967 to 1970 and again in 1972, hiring players like Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker, and Garnett Brown. Pearson continued to accompany vocalists in the 1970s, such as Carmen McRae, but he spent a good deal of the latter half of the decade fighting the ravages of multiple sclerosis.
https://www.allmusic.com/artist/duke-pearson-mn0000148559#biography

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Hush! es el quinto álbum del pianista y arreglista estadounidense Duke Pearson, grabado en 1962 y publicado en el efímero sello Jazzline como The Duke Pearson Quintet. Hush! presenta interpretaciones de un quinteto inusual con dos trompetistas, Donald Byrd y Johnny Coles. El álbum se reeditó posteriormente en el sello Polydor y en 1989 se publicó en CD bajo el nombre de Byrd y Coles en el sello Black Lion como Groovin' for Nat con tomas adicionales y temas inéditos. Posteriormente se ha editado en otros sellos, en particular bajo el nombre de Donald Byrd. En 2017, el sello Blue Velvet lo publicó en formato digital con el título "Duke Pearson: Hush", incluidos los temas adicionales.


Biografía de Richard S. Ginell
Duke Pearson fue un pianista consumado, lírico y lógico -aunque bastante cauteloso- que desempeñó un papel importante en la configuración de la dirección hard bop del sello Blue Note en la década de 1960 como productor. Probablemente se le recuerde más por escribir varias piezas atractivas y pegadizas, siendo las más memorables el malhumorado "Cristo Redentor" para Donald Byrd, "Sweet Honey Bee" para él mismo y Lee Morgan, y "Jeannine", que se ha convertido en un estándar de jazz muy versionado. Pearson empezó a tocar instrumentos de metal y el piano de joven, y su habilidad con este último instrumento inspiró a su tío, admirador de Ellington, a darle su apodo. Los problemas dentales obligaron a Pearson a abandonar la familia de los metales, por lo que trabajó como pianista en Atlanta y otros lugares de Georgia y Florida antes de trasladarse a Nueva York en 1959. Allí se unió a la banda de Donald Byrd y al sexteto Art Farmer-Benny Golson, y ejerció de acompañante de Nancy Wilson. En 1963, arregló cuatro números para septeto de jazz y coro de ocho voces en el innovador álbum de Byrd A New Perspective; uno de los temas era "Cristo Redentor", que se convirtió en un éxito del jazz. De 1963 a 1970, Pearson se encargó de varias sesiones de grabación para Blue Note, al tiempo que grababa la mayoría de sus álbumes como líder. También dirigió una big band de 1967 a 1970 y de nuevo en 1972, contratando a músicos como Pepper Adams, Chick Corea, Lew Tabackin, Randy Brecker y Garnett Brown. Pearson siguió acompañando a vocalistas en los años 70, como Carmen McRae, pero pasó buena parte de la segunda mitad de la década luchando contra los estragos de la esclerosis múltiple.
https://www.allmusic.com/artist/duke-pearson-mn0000148559#biography

The Young Lions • The Young Lions

 

A supergroup of up-and-coming jazz musicians on the Vee Jay label in 1960. Recorded one self-titled LP.


Review
by Michael G. Nastos  
Irvin Shaw wrote the novel The Young Lions from which this all star post-to-hard bop all-star band took their name, launching the moniker of a generation of Wynton Marsalis-led followers in the '80s. Wayne Shorter on tenor sax, Frank Strozier on alto sax, Lee Morgan on trumpet, Bobby Timmons on piano, Bob Cranshaw on bass, and either Louis Hayes or Albert "Tootie" Heath (sic as "Tuttie") on drums comprise the original Lions, a one-shot band who set the standard for the Blue Note-Riverside-based players who would follow in their path. There's a true democratic, shared value and responsibility evident in every sonic phase of this recording, but it is Shorter who wrote all the material. His "Seeds of Sin" is a sweet, swinging shuffle full of original harmonic thought. "Scourin'" (sic as "Scourn'") displays a head-nodding swing inspired by quarter-note walking bass courtesy of the unflappable Cranshaw, and wondrous sax-trumpet unity. Timmons' huge, funky piano chords lead to all three horns strutting joyously in melodic agreement during "Fat Lady"; the solos perfectly display the individualism of Shorter's piquant tenor, Morgan's brash trumpet, and Strozier's slightly strained alto before a brief trading of fours with the unidentified drummer. Shorter's tenor is up front, with Morgan on the second melody and Strozier following along for the tightly structured "Peaches & Cream," which is not a team effort until the very last note. Over 11 ½ minutes, "That's Right" proffers an easy, bluesy 12-bar swing in a jam vehicle, with Timmons as pied piper, the horns shouting out in unison, chord punctuations from the pianist, and doo wop accents for the solos. Morgan uses a mute, and Shorter's tenor is fluid as a country stream. There are three alternate takes: A fourth try of "Seeds" is five seconds longer and not only sweet, but a little sour; on a third rendition of "Scourin'," the 35-second bass intro is omitted as Shorter's tenor digs right in and less unison is evident; and with an extra 24 seconds, the third taping of "Fat Lady" only differs in solo content. This is a classic, and one every modern jazz fan should have. The liner notes, written by Cannonball Adderley, are also priceless; they discuss the "glorification of mediocrity," a rip on Dick Clark, country-pop, comformity, and railing against modern jazz naysayers. The notes also include other poignant observations that still ring true today. Interesting reading, ultimately interesting music.
https://www.allmusic.com/album/the-young-lions-mw0000096268

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Un supergrupo de músicos de jazz prometedores en el sello Vee Jay en 1960. Grabaron un LP homónimo título.


Reseña
por Michael G. Nastos  
Irvin Shaw escribió la novela The Young Lions de la que tomó su nombre esta banda de estrellas post-hard bop, que lanzó el nombre de una generación de seguidores liderados por Wynton Marsalis en los años 80. Wayne Shorter (saxo tenor), Frank Strozier (saxo alto), Lee Morgan (trompeta), Bobby Timmons (piano), Bob Cranshaw (bajo) y Louis Hayes o Albert "Tootie" Heath (sic como "Tuttie") (batería) componen los Lions originales, una banda única que marcó la pauta para los músicos de Blue Note-Riverside que seguirían su camino. Hay un verdadero valor democrático y compartido y una responsabilidad evidente en cada fase sonora de esta grabación, pero es Shorter quien escribió todo el material. Su "Seeds of Sin" es un shuffle dulce y oscilante lleno de pensamiento armónico original. "Scourin'" (sic como "Scourn'") muestra un swing de cabeza inspirado en el bajo ambulante de un cuarto de nota, cortesía del imperturbable Cranshaw, y una maravillosa unidad de saxo y trompeta. Los enormes y funky acordes del piano de Timmons llevan a las tres trompas a pavonearse alegremente en acuerdo melódico durante "Fat Lady"; los solos muestran perfectamente el individualismo del picante tenor de Shorter, la impetuosa trompeta de Morgan y el alto ligeramente tenso de Strozier antes de un breve intercambio de cuatros con el batería no identificado. El tenor de Shorter está al frente, con Morgan en la segunda melodía y Strozier siguiéndole para la estrechamente estructurada "Peaches & Cream", que no es un esfuerzo de equipo hasta la última nota. A lo largo de 11 ½ minutos, "That's Right" ofrece un swing fácil y bluesero de 12 compases en un vehículo de mermelada, con Timmons como flautista de Hamelín, los cuernos gritando al unísono, puntuaciones de acordes del pianista y acentos doo wop para los solos. Morgan utiliza una sordina, y el tenor de Shorter es fluido como un arroyo campestre. Hay tres tomas alternativas: Un cuarto intento de "Seeds" es cinco segundos más largo y no sólo dulce, sino un poco agrio; en una tercera interpretación de "Scourin'", se omite la introducción del bajo de 35 segundos, ya que el tenor de Shorter se mete de lleno y es menos evidente el unísono; y con 24 segundos extra, la tercera grabación de "Fat Lady" sólo difiere en el contenido del solo. Se trata de un clásico que todo aficionado al jazz moderno debería tener. Las notas del disco, escritas por Cannonball Adderley, también son impagables; hablan de la "glorificación de la mediocridad", de una crítica a Dick Clark, del country-pop, del conformismo y de la crítica a los detractores del jazz moderno. Las notas también incluyen otras observaciones conmovedoras que siguen siendo válidas hoy en día. Una lectura interesante y, en definitiva, una música interesante.
https://www.allmusic.com/album/the-young-lions-mw0000096268

Dexter Gordon • Clubhouse

 

Review by Scott Yanow
Although tenor saxophonist Dexter Gordon had moved to Europe in 1962, he made a return visit to the U.S. in 1965 that resulted in both this album and Gettin' Around. Gordon teams up with trumpeter Freddie Hubbard, pianist Barry Harris, bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins for three of his originals, two obscurities, and a standard that ended up being the date's most memorable performance: "I'm a Fool to Want You." It is excellent music if not quite essential.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


One of the enduring mysteries of Blue Note history is that superb sessions such as Dexter Gordon’s Clubhouse (recorded in 1965) remained unreleased in the vault until the late 1970s. Recorded during the middle of Gordon’s “golden period” career renaissance after he signed with Blue Note in 1961, the tenor saxophone legend is joined by Freddie Hubbard on trumpet and the remarkable rhythm section of Barry Harris on piano, Bob Cranshaw on bass, and the great Billy Higgins on drums. Long Tall Dexter’s rendition of the Sinatra evergreen “I’m a Fool To Want You” stands as one of his all-time greatest ballad performances.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

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Reseña de Scott Yanow
Aunque el saxofonista tenor Dexter Gordon se había mudado a Europa en 1962, hizo una visita de regreso a los EE.UU. en 1965 que resultó tanto en este álbum como en Gettin' Around. Gordon se une al trompetista Freddie Hubbard, al pianista Barry Harris, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Billy Higgins para tres de sus originales, dos obscuridades y un estándar que terminó siendo la actuación más memorable de la cita: "Soy un tonto por Quererte."Es una música excelente, si no del todo esencial.
https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481


Uno de los misterios perdurables de la historia de Blue Note es que sesiones magníficas como Dexter Gordon's Clubhouse (grabada en 1965) permanecieron inéditas en la bóveda hasta finales de la década de 1970. Grabada durante la mitad del renacimiento de la carrera del "período dorado" de Gordon después de firmar con Blue Note en 1961, la leyenda del saxofón tenor se une a Freddie Hubbard a la trompeta y la notable sección rítmica de Barry Harris al piano, Bob Cranshaw al bajo y el gran Billy Higgins a la batería. La interpretación de Long Tall Dexter de la perenne "I'm a Fool To Want You" de Sinatra se erige como una de sus mejores interpretaciones de baladas de todos los tiempos.
https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series

Stanley Turrentine • Hustlin' (RVG-edition)

Review by Scott Yanow

This is a typically excellent recording from the husband-wife team of tenor saxophonist Stanley Turrentine and organist Shirley Scott. With assistance from guitarist Kenny Burrell, bassist Bob Cranshaw, and drummer Otis Finch, Turrentine (who always had the skill of playing melodies fairly straight but with his own brand of soul) and Scott dig into "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble," "Something Happens to Me," a couple of basic originals, and "Goin' Home." The Turrentine-Scott team never made an unworthy disc; all are easily recommended, including this one.

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Revisión por Scott Yanow

Esta es una grabación típicamente excelente del equipo de marido y esposa del saxofonista tenor Stanley Turrentine y la organista Shirley Scott. Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Otis Finch, Turrentine (quien siempre tuvo la habilidad de tocar melodías bastante claras pero con su propia marca de soul) y Scott se suman a "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble, "" Algo me pasa ", un par de originales básicos y" Goin 'Home ". El equipo de Turrentine-Scott nunca hizo un disco indigno; Todos son fácilmente recomendables, incluido este.

Johnny Coles • Little Johnny C

 

Biography
by Scott Yanow
A fine trumpeter with a distinctive cry, Johnny Coles long had the ability to say a lot with a few notes. He played with a few top R&B bands, including Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952), and Earl Bostic (1955-1956); was with James Moody's group (1956-1958); and appeared on several Gil Evans records between 1958-1964. Probably his most significant association was with the 1964 Charles Mingus Sextet that toured Europe. Also in the group were Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard, and Dannie Richmond. Coles can be seen holding his own against those giants on a European television show (available on a Shanachie video), but he had to leave the tour halfway through due to a sudden illness. He also played with Herbie Hancock's sextet (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (briefly in 1976), Dameronia, Mingus Dynasty, and the Count Basie band when it was under Thad Jones' leadership (1985-1986), but fame managed to elude him. Coles led sessions through the years for Epic, Blue Note, Mainstream, and finally for Criss Cross, before passing away from cancer.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-coles-mn0000201232/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Johnny Coles, un excelente trompetista con un grito distintivo, tuvo durante mucho tiempo la capacidad de decir mucho con unas pocas notas. Tocó con algunas de las mejores bandas de R&B, como Eddie "Cleanhead" Vinson (1948-1951), Bull Moose Jackson (1952) y Earl Bostic (1955-1956); estuvo con el grupo de James Moody (1956-1958) y apareció en varios discos de Gil Evans entre 1958-1964. Probablemente su asociación más significativa fue con el Sexteto de Charles Mingus de 1964, que realizó una gira por Europa. En el grupo también estaban Eric Dolphy, Clifford Jordan, Jaki Byard y Dannie Richmond. Se puede ver a Coles enfrentándose a esos gigantes en un programa de televisión europeo (disponible en un vídeo de Shanachie), pero tuvo que abandonar la gira a mitad de camino debido a una repentina enfermedad. También tocó con el sexteto de Herbie Hancock (1968-1969), Ray Charles (1969-1971), Duke Ellington (1971-1974), Art Blakey's Jazz Messengers (brevemente en 1976), Dameronia, Mingus Dynasty y la banda de Count Basie cuando estaba bajo la dirección de Thad Jones (1985-1986), pero la fama le fue esquiva. Coles dirigió sesiones a lo largo de los años para Epic, Blue Note, Mainstream y, finalmente, para Criss Cross, antes de fallecer de cáncer.
https://www.allmusic.com/artist/johnny-coles-mn0000201232/biography

Bobby Hutcherson • The Kicker

Bobby Hutcherson recorded frequently for Blue Note in the 1960s, though this session remained unissued until 1999. The first half features the vibraphonist in a cooking hard bop session with Joe Henderson and Duke Pearson, starting with an energetic take on the normally slow ballad "If Ever I Would Leave You" and a sizzling Hutcherson original, "For Duke P." Guitarist Grant Green is added for the second half, beginning with the first recording of Henderson's "The Kicker," which became well known from it's later rendition on Horace Silver's highly successful release Song for My Father. Because this is part of Blue Note's limited-edition Jazz Connoisseur series, don't delay in picking it up. ~ Ken Dryden, AMG

It's interesting to note that in the liner notes to Grant Green's The Matador, described this session as "somewhat disappointing." Now, Cuscuna has mostly just praise for The Kicker, though he does point out similar to the amazon review that this was a much more straightforward Hutcherson than most of the public was used to.

I'm rather surprised as Hutcherson did play on some avante garde sessions with Eric Dolphy, Andrew Hill, Jackie McLean, and Archie Shepp, but for every avante garde session, there was another like Grant Green's Idle Moments, or his Streets of Dreams ( with Larry Young and Elvin Jones ). And, Hutcherson recorded several straight ahead sessions himself like 1966 session called Stick-Up! with Billy Higgins. That one is beautiful, straight ahead jazz. And albums like Patterns ( with James Spaulding and Joe Chambers ) are relatively straightforward.

Anyways, The Kicker. The album is great. The same lineup as Grant Green's Idle Moments ( with Green appearing on only 3/6 tracks ), The Kicker perhaps lacks the intamacy of Idle Moments, but shines much brighter. There are obviously easy comparisons to both. They were recorded with the same personel, a month apart. Songs contributions come from Joe Chambers ( who's not on the session ), Duke Pearson ( who is ), Joe Henderson ( two here ), and Bobby H ( 1 ), plus a standard to finish it off.

The standard is If Ever I would Leave You, and it's quite pretty. But it's the second song, Mirrors, by Joe Chambers that really caught my eye. It's slow and sensuous, and kind of has that Joe Chambers style to it. It's interesting to hear it though with Al Harewood on drums. For Duke P. is for Duke Pearson ( though was only named by Hutcherson for this release in 1999 ), is great... medium to up tempo and has some ultra-cool vibes playing. The last three songs each have Green on them which changes the scene a bit. Joe Henderson's, The Kicker has been recorded by just about everone, and is given a good, standard treatment here. Step Lightly is something pretty like what we would have found on Idle Moments. Bedouin was already familiar to bass player, Bob Cranshaw, and Grant Green as they played it on Green's The Matador. It's interesting to hear both versions. Above all, The Kicker is great Bobby H. Like I said, it may not be as great as Idle Moments... though what is? There is some great playing by everyone here. Joe Henderson was really coming to his own, and his tenor sax playing is unique and perfect for this setting. Bobby Hutcherson is always good, whether straight ahead or avante garde. Green rules. And Duke Pearson, Al Harewood, and Bob Cranshaw make for a kickin' rhythm section. I love Pearson in particular and find his piano playing to be quite subtle and fun to listen to in the mix. Focusing on his playing is great. So get the album. It's a good one. Especially for one that took 35 years to release! ~ Frank Bock

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Bobby Hutcherson grabó con frecuencia para Blue Note en la década de 1960, aunque esta sesión no se publicó hasta 1999. La primera mitad presenta al vibrafonista en una sesión de cocina hard bop con Joe Henderson y Duke Pearson, comenzando con una toma energética de la normalmente lenta balada "If Ever I Would Leave You" y un original de Hutcherson, "For Duke P.". El guitarrista Grant Green se añade para la segunda mitad, comenzando con la primera grabación de "The Kicker" de Henderson, que se hizo muy conocida por su posterior interpretación en el exitoso lanzamiento de Song for My Father de Horace Silver. Como esto forma parte de la serie Jazz Connoisseur de edición limitada de Blue Note, no te demores en recogerlo. ~ Ken Dryden, AMG

Es interesante notar que en las notas de Grant Green en The Matador, describió esta sesión como "algo decepcionante". Ahora, Cuscuna sólo tiene elogios para The Kicker, aunque señala de manera similar a la crítica amazónica que este fue un Hutcherson mucho más directo de lo que la mayoría del público estaba acostumbrado.

Me sorprende bastante como Hutcherson tocó en algunas sesiones de vanguardia con Eric Dolphy, Andrew Hill, Jackie McLean y Archie Shepp, pero para cada sesión de vanguardia, hubo otra como la de Grant Green's Idle Moments, o sus Streets of Dreams ("Calles de Sueños") ("Streets of Dreams") ("Calles de Sueños de Grant Green") ("Idle Moments"). Y, Hutcherson grabó varias sesiones en línea recta, como la sesión de 1966 llamada Stick-Up! con Billy Higgins. Ese es un hermoso jazz de frente. Y álbumes como Patterns (con James Spaulding y Joe Chambers) son relativamente sencillos.

De todos modos, The Kicker. El álbum es genial. La misma alineación que Grant Green's Idle Moments (con Green apareciendo sólo en 3/6 pistas), The Kicker quizás carece de la inutilidad de Idle Moments, pero brilla mucho más brillante. Obviamente, hay comparaciones fáciles con ambos. Fueron grabados con el mismo personaje, con un mes de diferencia. Las contribuciones de las canciones provienen de Joe Chambers ("quien no está en la sesión"), Duke Pearson ("quien está"), Joe Henderson ("dos aquí"), y Bobby H ("1"), más un estándar para terminar la sesión.

El estándar es Si alguna vez te dejo, y es bastante bonito. Pero es la segunda canción, Mirrors, de Joe Chambers, la que realmente me llamó la atención. Es lento y sensual, y tiene el estilo de Joe Chambers. Es interesante oírlo con Al Harewood a la batería. Para Duke P. es para Duke Pearson (aunque sólo fue nombrado por Hutcherson para este lanzamiento en 1999), es grandioso.... de medio a alto tempo y tiene algunas vibraciones ultra-cool jugando. Las últimas tres canciones tienen Green en cada una de ellas, lo que cambia un poco la escena. Joe Henderson's, The Kicker ha sido grabado por casi todos, y se le da un buen tratamiento estándar aquí. Step Lightly es algo parecido a lo que habríamos encontrado en Idle Moments. El beduino ya estaba familiarizado con el bajista Bob Cranshaw y Grant Green cuando lo tocaron en El Matador de Green. Es interesante escuchar ambas versiones. Sobre todo, The Kicker es un gran Bobby H. Como dije, puede que no sea tan grande como Idle Moments... aunque ¿qué es? Hay una gran actuación de todos aquí. Joe Henderson estaba realmente llegando a lo suyo, y su saxo tenor es único y perfecto para este escenario. Bobby Hutcherson siempre es bueno, ya sea en línea recta o de vanguardia. Reglas verdes. Y Duke Pearson, Al Harewood y Bob Cranshaw son una sección rítmica muy buena. Me encanta Pearson en particular y su piano es muy sutil y divertido de escuchar en la mezcla. Centrarse en su forma de tocar es genial. Así que coge el álbum. Es uno bueno. ¡Especialmente para uno que tardó 35 años en salir! ~ Frank Bock

Lee Morgan • Best of

  

Review by Richard S. Ginell
Curious listeners who encounter Lee Morgan for the first time through this single-disc anthology will come away mightily impressed, even inspired, but they will be hearing only the first part of the story. The album picks up on his teenage whiz kid days circa 1957, then jumps ahead to his renaissance in 1963-1965 as the high priest of hard bop boogaloo. Besides showcasing Morgan's brash, crackling, infinitely expressive trumpet playing, the album does a good job of emphasizing his abundant, still-underrated gifts as a composer -- with "The Sidewinder," of course, but also the strikingly lovely bossa nova "Ceora" and the near standard "Speedball." With its three bonus tracks, "I Remember Clifford," "Cornbread," and especially "Mr. Kenyatta," the CD version adds compelling corroborating evidence of Morgan's originality. The major hang-up, alas, is that the album cuts off the time line at 1965, thus leaving out Morgan's gradual move away from boilerplate hard bop toward modal, progressive explorations that reached an exciting peak on 1970's Live at the Lighthouse. The selections included here will no doubt satisfy those who would want to keep this tremendous talent locked into a single airtight box -- and frankly, it would be difficult to dispute any of the choices on their own terms. But the rest of Morgan's tragically aborted evolution deserves representation on a set like this.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

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Reseña de Richard S. Ginell
Los oyentes curiosos que se encuentren con Lee Morgan por primera vez a través de esta antología de un solo disco saldrán muy impresionados, incluso inspirados, pero sólo escucharán la primera parte de la historia. El álbum se remonta a sus días de adolescente alrededor de 1957, y luego salta a su renacimiento en 1963-1965 como sumo sacerdote del hard bop boogaloo. Además de mostrar el descarado, crepitante e infinitamente expresivo toque de trompeta de Morgan, el álbum hace un buen trabajo al enfatizar sus abundantes y aún subestimadas dotes como compositor - con "The Sidewinder", por supuesto, pero también la sorprendentemente encantadora bossa nova "Ceora" y el casi estándar "Speedball". Con sus tres temas extra, "I Remember Clifford", "Cornbread" y, sobre todo, "Mr. Kenyatta", la versión en CD añade pruebas convincentes que corroboran la originalidad de Morgan. El mayor problema, por desgracia, es que el álbum corta la línea de tiempo en 1965, dejando de lado el gradual alejamiento de Morgan del hard bop caldera hacia exploraciones modales y progresivas que alcanzaron un emocionante pico en el Live at the Lighthouse de 1970. Las selecciones incluidas aquí sin duda satisfarán a aquellos que quieran mantener este tremendo talento encerrado en una sola caja hermética - y francamente, sería difícil discutir cualquiera de las opciones en sus propios términos. Pero el resto de la evolución trágicamente abortada de Morgan merece ser representada en un conjunto como éste.
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-lee-morgan-mw0000198488

www.bluenote.com/lee-morgan ...

Sonny Rollins • Our Man In Jazz

 

Review from Jazzwise (by Kevin Le Gendre):
There is a very valid argument that says the Village Vanguard session with Elvin Jones and Wilbur Ware is one of the tenor saxophonist's definitive live recordings but this Village Gate gig should also rank highly. It could also be called the Ornette connection, given the presence of Billy Higgins as well as Don Cherry alongside Rollins, and the input of the 'New Thing' tyros had an entirely galvanising effect on the saxophone colossus. The 25-minute examination of 'Oleo' is one of the great exhaustive workouts in the Rollins canon, replete with the rich rhythmic and harmonic creativity that blurs the boundary between post-bop and avant-garde. Yet the much more leisurely approach of 'Dearly Beloved' is an equally thrilling display of tension-release dynamics as the various tempo and texture shifts make the piece a beautiful miniature mosaic. Rollins' accompanists are all on excellent form, but Higgins in particular is a marvel of invention, his never-ending stream of ear-catching accents amount to a display of light-touch virtuosity that would have been greatly instructive to the forthcoming generation of funky drummers who decisively helped James Brown to revolutionise R&B a few years down the line. But then again, Rollins' music, for all its grandstanding technique, always had a whole lotta soul. The bonus tracks from a studio date where the great Henry Grimes replaces Bob Cranshaw on double bass are also good value.
https://www.jazzwise.com/reviews/sonny-rollins-our-man-in-jazz

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Reseña de Jazzwise (por Kevin Le Gendre):
Hay un argumento muy válido que sostiene que la sesión del Village Vanguard con Elvin Jones y Wilbur Ware es una de las grabaciones en vivo definitivas del saxofonista tenor, pero esta actuación en el Village Gate también debería ocupar un lugar destacado. También podría llamarse la conexión Ornette, dada la presencia de Billy Higgins y Don Cherry junto a Rollins, y la aportación de los jóvenes del "New Thing" tuvo un efecto completamente galvanizador sobre el coloso del saxofón. El examen de 25 minutos de "Oleo" es uno de los grandes y exhaustivos trabajos en el canon de Rollins, repleto de la rica creatividad rítmica y armónica que difumina la frontera entre el post-bop y la vanguardia. Sin embargo, el enfoque mucho más relajado de "Dearly Beloved" es un igualmente emocionante despliegue de dinámicas de tensión y liberación, ya que los diversos cambios de tempo y textura convierten la pieza en un hermoso mosaico en miniatura. Los acompañantes de Rollins están todos en excelente forma, pero Higgins en particular es una maravilla de invención; su interminable flujo de acentos que capturan el oído constituye un despliegue de virtuosismo liviano que habría sido muy instructivo para la próxima generación de bateristas funky que ayudaron decisivamente a James Brown a revolucionar el R&B unos años después. Pero entonces, la música de Rollins, con toda su técnica grandilocuente, siempre tuvo mucha alma. Los bonus tracks de una fecha de estudio donde el gran Henry Grimes reemplaza a Bob Cranshaw en el contrabajo también tienen un gran valor.
https://www.jazzwise.com/reviews/sonny-rollins-our-man-in-jazz

Donald Byrd • I'm Tryin' to Get Home

 

 

Review
by Scott Yanow
A follow-up to trumpeter Donald Byrd's hit A New Perspective, this LP also features an eight-voice choir conducted by Coleridge Perkinson and arrangements by Duke Pearson and the leader. The vocalists have a larger role than in the earlier date and Byrd's quintet (with tenor saxophonist Stanley Turrentine and pianist Herbie Hancock) is augmented by organist Freddie Roach, guitarist Grant Green and a dozen brass players. But despite some strong moments, the date (which resulted in no real hits) does not quite reach the heights of A New Perspective although it has plenty of interesting moments.
https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876

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Reseña
por Scott Yanow
Continuación del exitoso A New Perspective del trompetista Donald Byrd, este LP cuenta también con un coro a ocho voces dirigido por Coleridge Perkinson y arreglos de Duke Pearson y el líder. Los vocalistas tienen un papel más importante que en la primera fecha y el quinteto de Byrd (con el saxofonista tenor Stanley Turrentine y el pianista Herbie Hancock) se ve aumentado por el organista Freddie Roach, el guitarrista Grant Green y una docena de músicos de metal. Pero a pesar de algunos momentos fuertes, la fecha (que no dio lugar a ningún éxito real) no alcanza las alturas de A New Perspective, aunque tiene muchos momentos interesantes.
https://www.allmusic.com/album/im-tryin-to-get-home-mw0000204876

Jaki Byard • Out Front!

 

 

Artist Biography

A musician that has spanned the generations of Jazz is Jaki Byard. Jaki Byard was born John Arthur Byard, Jr. on June 15, 1922 in Worcester, Massachusetts. His father was a member of the marching hands at the turn of the 20th century and played the trombone. His mother played the piano for the African Methodist Episcopalian Zion Church (AME). His maternal grandmother played the piano for the silent picture shows (visual movies without sound before “talking movies” were invented). It was on that piano that Jaki began his musical odyssey. When he was 8 years old, he started taking piano lessons from a piano teacher named Grace Johnson. The swing rhythm of the time and the lure of the big bands inspired Jaki throughout most of his career.

At the age of 16, he played his first professional engagement. During WW II, Jaki was drafted into the army, but with luck and circumstance, he was able to join the army along with Earl Bostic, with whom he would later form a musical alliance with.

By the time he was in his late-thirties, Jaki had a recording contract with Prestige records who engaged him in many recording sessions which allowed him the freedom to have his own compositions heard. It was also around this time that he performed with Charles Mingus as part of an ensemble that featured among its players many fabulous musicians: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles and Bobby Jones, who toured Europe and made some great sounds and history. During the 1960's, he saw great success, and all of his albums received mostly 3-4 star ratings in DownBeat magazine. In 1966, he won the Down Beat Jazz Poll Award for most promising musician of that year. In 1979, his 21-piece big band, The Apollo Stompers was voted the Best House Band in New York City while playing at Ali's Alley, a club in downtown New York. On his own, Jaki was to win numerous awards and citations for his music and contributions to teaching and dance from many major academic institutions. He always felt “academia” as he put it was very important. A most cherished and proud moment for Jaki was when he was asked by Duke Ellington's son Mercer to sit in for Duke as part of his orchestra while the Duke was ill.

He was presented with an award by the Duke Ellington Society for his performances. In February of 1988, he was also presented with an award from the Mayor for Outstanding Contribution in Black Music and Presence in Boston (the Dr. Martin Luther King Jr. Award). He has the key to Worcester, New Orleans, and many peoples hearts. In 1995, a year after the death of his beloved wife, Louise (my mother), he was presented with an award by then Mayor Rudolph Guliani for his work with the Apollo Stompers in recognition of Harlem Week and its 100th anniversary. And while Jaki won many awards, the most cherished for him was the honor he gave to himself and others when he could write a tune for someone he loved or for a passing whimsy or idea that would send him to the piano with a pencil and composition paper, and it was this love that he did transmit through all of his performances dosed with his outstanding wit and humor.

The sixties and seventies saw a moderate amount of success on the entertainment level. Jaki turned back to teaching and academia in the late mid 1970s, 80's and 90's with occasional recordings in between. In the early 1970's he accepted a position at the New England Conservatory of Music in Boston, Massachusetts where he would stay for over a decade teaching both in the curriculum and privately. Some of the other schools that he taught at were The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts in Boston, The New School in New York City, The Brooklyn Conservatory of Music in Flushing, and lastly The Manhattan School of Music in New York City. He also never had enough time for his parcel of private students who would gladly, trek out to his home in Hollis, Queens for their one on one lessons.

Around 1979-1982 Jaki, along with some other local musicians (among them, percussionist/composer/friend! JR Mitchell, bassist Peck Morrison, vibraphone keyboard player Dwight Gassoway, saxophone player Harold Ousley and bassist Larry Ridley) formed an organization called the Unification of Concerned Artists in the hopes of creating more recognition and engagements for New York-based musicians whose gigs were just too far and few between. As with most endeavors of this sort, things panned out well for a while, but somehow survival happens and time had to be spent on that. I used to transcribe the minutes at the monthly meeting of the Board of Trustees, and in retrospect I can say that we really did try to create some openings. I think that if more time could have been devoted to his effort, it, too would have succeeded.

Jaki's career that spanned over six decades was still going strong. He was still recording and still arranging, composing and teaching. In February of 1999, he was invited to conduct a seminar and play at the Berkley School of Music in Boston, Massachusetts. He never did make it to that engagement. However you define success, for Jaki Byard, being able to play his music for the joy, the creativity, the fun and the teaching of it was all that really mattered to him.

Jaki Byard died (tragically) on February 11, 1999. He was 76 years young and still had much to offer the music and artistic community.

https://musicians.allaboutjazz.com/jakibyard

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Biografía del artista

Un músico que ha abarcado las generaciones de Jazz es Jaki Byard. Jaki Byard nació como John Arthur Byard, Jr. el 15 de junio de 1922 en Worcester, Massachusetts. Su padre fue miembro de las manos en marcha a principios del siglo XX y tocaba el trombón. Su madre tocaba el piano para la Iglesia Metodista Episcopal Africana de Sión (AME). Su abuela materna tocaba el piano para los espectáculos de cine mudo (películas visuales sin sonido antes de que se inventaran las "películas parlantes"). Fue en ese piano que Jaki comenzó su odisea musical. Cuando tenía 8 años, empezó a tomar clases de piano de una profesora de piano llamada Grace Johnson. El ritmo de swing de la época y la atracción de las grandes bandas inspiraron a Jaki durante la mayor parte de su carrera.

A la edad de 16 años, jugó su primer compromiso profesional. Durante la Segunda Guerra Mundial, Jaki fue reclutado en el ejército, pero con suerte y las circunstancias, fue capaz de unirse al ejército junto con Earl Bostic, con quien más tarde formaría una alianza musical.

A finales de los treinta años, Jaki tenía un contrato de grabación con Prestige Records, quien le dedicó muchas sesiones de grabación que le permitieron tener la libertad de hacer escuchar sus propias composiciones. Fue también en esta época cuando tocó con Charles Mingus como parte de un conjunto que contaba entre sus músicos con muchos músicos fabulosos: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles y Bobby Jones, que recorrieron Europa e hicieron grandes sonidos e historia. Durante la década de 1960, tuvo un gran éxito, y todos sus álbumes recibieron en su mayoría 3-4 estrellas en la revista DownBeat. En 1966, ganó el premio Down Beat Jazz Poll Award para el músico más prometedor de ese año. En 1979, su big band de 21 músicos, The Apollo Stompers, fue votada como la Mejor Banda House de la ciudad de Nueva York mientras tocaba en Ali's Alley, un club del centro de Nueva York. Por su cuenta, Jaki iba a ganar numerosos premios y menciones por su música y sus contribuciones a la enseñanza y la danza de muchas instituciones académicas importantes. Siempre sintió que la "academia", como él decía, era muy importante. Un momento muy apreciado y orgulloso para Jaki fue cuando el hijo de Duke Ellington, Mercer, le pidió que sustituyera a Duke como parte de su orquesta mientras el Duke estaba enfermo.

La Duke Ellington Society le otorgó un premio por sus actuaciones. En febrero de 1988, también recibió un premio del Alcalde por su destacada contribución a la música negra y presencia en Boston (el premio Dr. Martin Luther King Jr.). Tiene la llave de Worcester, Nueva Orleans y el corazón de muchas personas. En 1995, un año después de la muerte de su amada esposa, Louise (mi madre), recibió un premio del entonces alcalde Rudolph Guliani por su trabajo con los Stompers de Apolo en reconocimiento de la Semana de Harlem y su centenario. Y aunque Jaki ganó muchos premios, el más preciado para él fue el honor que se dio a sí mismo y a otros cuando pudo escribir una melodía para alguien a quien amaba o por un capricho pasajero o una idea que lo enviaría al piano con un lápiz y un papel de composición, y fue este amor el que transmitió a través de todas sus actuaciones dosificadas con su extraordinario ingenio y humor.

Los años sesenta y setenta vieron una cantidad moderada de éxito en el nivel de entretenimiento. Jaki volvió a la enseñanza y a la academia a finales de los años 70, 80 y 90 con grabaciones ocasionales entremedio. A principios de la década de 1970 aceptó un puesto en el New England Conservatory of Music de Boston, Massachusetts, donde permaneció más de una década enseñando tanto en el plan de estudios como en forma privada. Algunas de las otras escuelas en las que enseñó fueron The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts en Boston, The New School en la ciudad de Nueva York, The Brooklyn Conservatory of Music en Flushing, y finalmente The Manhattan School of Music en la ciudad de Nueva York. Tampoco tuvo tiempo suficiente para su grupo de estudiantes privados que, con mucho gusto, iban a su casa en Hollis, Queens, para tomar clases particulares.

Alrededor de 1979-1982 Jaki, junto con otros músicos locales (entre ellos, percusionista/compositor/amigo! JR Mitchell, el bajista Peck Morrison, el teclista de vibráfono Dwight Gassoway, el saxofonista Harold Ousley y el bajista Larry Ridley) formaron una organización llamada Unificación de Artistas Preocupados con la esperanza de crear más reconocimiento y compromisos para los músicos neoyorquinos cuyos conciertos estaban demasiado lejos y eran pocos. Como con la mayoría de los esfuerzos de este tipo, las cosas salieron bien por un tiempo, pero de alguna manera la supervivencia sucede y el tiempo tuvo que ser gastado en eso. Solía transcribir las actas en la reunión mensual de la Junta de Síndicos, y en retrospectiva puedo decir que realmente tratamos de crear algunas vacantes. Creo que si se hubiera podido dedicar más tiempo a su esfuerzo, también habría tenido éxito.

La carrera de Jaki, que abarcó más de seis décadas, seguía siendo fuerte. Seguía grabando y arreglando, componiendo y enseñando. En febrero de 1999, fue invitado a dirigir un seminario y a tocar en la Berkley School of Music de Boston, Massachusetts. Nunca llegó a ese compromiso. Cualquiera que sea su definición del éxito, para Jaki Byard, poder tocar su música con la alegría, la creatividad, la diversión y la enseñanza de la misma era todo lo que realmente le importaba.

Jaki Byard murió (trágicamente) el 11 de febrero de 1999. Tenía 76 años y todavía tenía mucho que ofrecer a la comunidad musical y artística.

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Dexter Gordon • Gettin' Around

 

An arterial link between Lester Young and the hard bop tenor saxophonists of the late '50s and early '60s, Dexter Gordon's brilliance and significance are today remembered mostly as an afterthought. Partly this is Gordon's own fault: after his prolific vanguard activities of the '40s, the '50s were for him a wasteland of heroin addiction, with few recording sessions or landmark live appearances. He's off the page of most jazz chronicles from the period.

Happily, though, Gordon's most on-fire recordings survive. Gettin' Around was made during his unexpected and magnificent renaissance on Blue Note in the mid '60s. Its inclusion in the Rudy Van Gelder remaster programme is great news for anyone who enjoys the eternal verities of American jazz—and who relishes in particular the tenor saxophonist as unruly sonic gunslinger.

Gordon's playing was an extension of his six and a half foot stature. His sound was big, his notes were big, and his lyricism was rough-hewn. His influences were one part Young and one part Charlie Parker. From Parker he took a hard and deliberate tone, vibrato-less except in the most intimate moments, and from Young he took a horizontal approach to improvisation, though gruffer and more bass register-rooted. Drop all that into the studio along with the rhythm section that helped make Lee Morgan's The Sidewinder as bad-ass as it was, stir in rising vibraphone star Bobby Hutcherson, and you have real voodou.

Most of the album is mid to up-tempo, hot, broad, careless, exuberant, and vigorously swinging. The pieces range from the wittily codified bossa nova "Manha De Carnaval" to the booting romps "Heartaches" and "Shiny Stockings" and the ten-minute blues jam "Flick Of A Trick." Gordon's only original, the pretty and balletic "Le Coiffeur," is clearly influenced by French chanson—by the time this album was recorded, Gordon had been resident in Europe for three years—but the only real ballad is "Who Can I Turn To" (check the vibrato-as-foreplay). The leader takes most of the solo space, but Harris and Hutcherson each get chances to shine. Harris' solo on "Le Coiffeur" is lovely, as are Hutcherson's pre-Leary but trippy sonics on "Flick Of A Trick."

Along with '63's Our Man In Paris and the original '61 comeback album Doin' Alright, this is one of three immortal works in the Gordon canon.
By Chris May
February 14, 2006
https://www.allaboutjazz.com/gettin-around-dexter-gordon-blue-note-records-review-by-chris-may



Review by Michael G. Nastos
Dexter Gordon's mid-'60s period living in Europe also meant coming back to the U.S. for the occasional recording session. His teaming with Bobby Hutcherson was intriguing in that the vibraphonist was marking his territory as a maverick and challenging improviser. Here the two principals prove compatible in that they have a shared sense of how to create sheer beauty in a post-bop world. Add the brilliant Barry Harris to this mix, and that world is fortunate enough to hear these grand masters at their creative peak, stoked by equally extraordinary sidemen like bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins, all on loan from Lee Morgan's hitmaking combo. The subtle manner in which Gordon plays melodies or caresses the most recognizable standard has always superseded his ability to ramble through rough-and-tumble bebop. It's hard to resist how Gordon massages the light and sweet bossa nova "Manha de Carnaval" hand in hand with Hutcherson, the heartfelt way "Who Can I Turn To?" or "Everybody's Somebody's Fool" is turned into a personalized statement, or how the co-leaders take Frank Foster's Count Basie staple, "Shiny Stockings," beyond a classic and into immortal territory. Where Gordon and Hutcherson's true strength lies is in their ability to listen and balance their sound into a unified whole beyond any other tenor sax-vibraphone combination you might care to name, unless it's Hutch's partnership in the ensuing years with Harold Land. Picking up on a Sonny Rollins idea, "Heartaches" is a loping cowboy-type swinger with some lustrous comping from Hutcherson and Harris, while the light, cat-prancing "Le Coiffeur" is the highlight among highlights, a stealth calypso with Gordon's deftly rendered staccato notation. One has to listen closer to the pianist on this date, as he buoys the others without demanding equal space, but he is just as reverberant. While this is not Gordon's ultimate hard bop date, it is reflective of his cooling out in Europe, adopting a tonal emphasis more under the surface than in your face. It's not essential, but quite enjoyable, and does mark a turning point in his illustrious career. [The CD version contains two bonus tracks, including the Onzy Matthews composition "Very Saxily Yours" with a melody very similar to "Shiny Stockings," Hutcherson alone during a second chorus, and a classy quarter-to-eighth note solo by Gordon. Ben Tucker's "Flick of a Trick" is added on, an 11-minute groove blues that lets Harris cut loose, digging in after-hours style.]
https://www.allmusic.com/album/gettin-around-mw0000188091

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Eslabón arterial entre Lester Young y los saxofonistas tenores del hard bop de finales de los 50 y principios de los 60, la brillantez y trascendencia de Dexter Gordon se recuerdan hoy en día sobre todo como algo secundario. En parte, esto es culpa del propio Gordon: después de sus prolíficas actividades vanguardistas de los años 40, los 50 fueron para él un páramo de adicción a la heroína, con pocas sesiones de grabación o apariciones históricas en directo. No aparece en la mayoría de las crónicas de jazz de la época.

Afortunadamente, se conservan las grabaciones más ardientes de Gordon. Gettin' Around se grabó durante su inesperado y magnífico renacimiento en Blue Note a mediados de los años sesenta. Su inclusión en el programa de remasterizaciones de Rudy Van Gelder es una gran noticia para cualquiera que disfrute de las eternas verdades del jazz americano y que disfrute en particular del saxofonista tenor como pistolero sónico rebelde.

La forma de tocar de Gordon era una extensión de su estatura de dos metros y medio. Su sonido era grande, sus notas eran grandes y su lirismo era áspero. Sus influencias eran en parte Young y en parte Charlie Parker. De Parker tomó un tono duro y deliberado, sin vibrato salvo en los momentos más íntimos, y de Young adoptó un enfoque horizontal de la improvisación, aunque más rudo y arraigado en el registro grave. Pon todo eso en el estudio junto con la sección rítmica que ayudó a que The Sidewinder de Lee Morgan fuera tan malo como era, añade a la estrella emergente del vibráfono Bobby Hutcherson, y tendrás un auténtico voodou.

La mayor parte del álbum es de medio a alto tempo, ardiente, amplio, descuidado, exuberante y vigorosamente oscilante. Las piezas van desde la ingeniosamente codificada bossa nova "Manha De Carnaval" a las rompedoras "Heartaches" y "Shiny Stockings" y el blues jam de diez minutos "Flick Of A Trick". La única canción original de Gordon, la bonita y balletística "Le Coiffeur", está claramente influenciada por la chanson francesa (cuando se grabó este álbum, Gordon había residido en Europa durante tres años), pero la única balada real es "Who Can I Turn To" (comprueba el vibrato). El líder ocupa la mayor parte del espacio solista, pero Harris y Hutcherson tienen oportunidades para brillar. El solo de Harris en "Le Coiffeur" es encantador, al igual que los sonidos pre-Leary pero triposos de Hutcherson en "Flick Of A Trick".

Junto con Our Man In Paris (63) y el álbum original de regreso Doin' Alright (61), ésta es una de las tres obras inmortales del canon de Gordon.
Por Chris May
14 de febrero de 2006
https://www.allaboutjazz.com/gettin-around-dexter-gordon-blue-note-records-review-by-chris-may



Reseña de Michael G. Nastos
El periodo en que Dexter Gordon vivió en Europa a mediados de los 60 también significó su regreso a los EE.UU. para alguna que otra sesión de grabación. Su asociación con Bobby Hutcherson fue intrigante en el sentido de que el vibrafonista estaba marcando su territorio como improvisador inconformista y desafiante. Aquí los dos principales demuestran ser compatibles en el sentido compartido de cómo crear pura belleza en un mundo post-bop. Si añadimos al brillante Barry Harris a esta mezcla, el mundo tiene la suerte de escuchar a estos grandes maestros en su apogeo creativo, avivados por acompañantes igualmente extraordinarios como el bajista Bob Cranshaw y el batería Billy Higgins, todos ellos cedidos por el exitoso combo de Lee Morgan. La sutileza con la que Gordon interpreta las melodías o acaricia los estándares más reconocibles siempre ha superado a su habilidad para divagar a través del bebop áspero y agitado. Es difícil resistirse a la forma en que Gordon masajea la ligera y dulce bossa nova "Manha de Carnaval" mano a mano con Hutcherson, la sentida forma en que "Who Can I Turn To?" o "Everybody's Somebody's Fool" se convierten en una declaración personalizada, o cómo los colíderes llevan el clásico de Count Basie de Frank Foster, "Shiny Stockings", más allá de un clásico y hacia territorio inmortal. Donde reside la verdadera fuerza de Gordon y Hutcherson es en su capacidad para escuchar y equilibrar su sonido en un todo unificado más allá de cualquier otra combinación de saxo tenor y vibráfono que se pueda nombrar, a menos que sea la asociación de Hutch en los años posteriores con Harold Land. Retomando una idea de Sonny Rollins, "Heartaches" es un vaquero de ritmo lento con algunas lustrosas composiciones de Hutcherson y Harris, mientras que "Le Coiffeur" es el punto culminante entre los puntos culminantes, un calipso sigiloso con la hábil notación staccato de Gordon. Hay que escuchar más de cerca al pianista en esta cita, ya que anima a los demás sin exigir el mismo espacio, pero es igual de reverberante. Aunque ésta no es la última cita hard bop de Gordon, refleja su enfriamiento en Europa, adoptando un énfasis tonal más bajo la superficie que en la cara. No es esencial, pero sí muy disfrutable, y marca un punto de inflexión en su ilustre carrera. [La versión en CD contiene dos temas extra, incluyendo la composición de Onzy Matthews "Very Saxily Yours" con una melodía muy similar a "Shiny Stockings", Hutcherson solo durante un segundo estribillo, y un elegante solo de cuarto de corchea de Gordon. Se añade "Flick of a Trick" de Ben Tucker, un groove blues de 11 minutos que deja a Harris suelto, cavando al estilo after-hours].
https://www.allmusic.com/album/gettin-around-mw0000188091

Jimmy Ponder • While My Guitar Gently Weeps

 

An excellent guitarist with a soulful sound and the ability to uplift any funky jazz date, Jimmy Ponder has appeared on many recordings during his long career, over 80 as a sideman and 15 as a leader. Ponder began playing guitar when he was 14 and considers Wes Montgomery and Kenny Burrell to be his two main early influences and Wes Montgomery later on. Offered a job with Charles Earland after having only played guitar three years, Ponder waited until he graduated from high school and then spent three years with the organist's group, recording several dates with Earland. He worked and recording with Lou Donaldson, Houston Person, Donald Byrd, Stanley Turrentine, and Jimmy McGriff and in the early '70s moved to New York (from Philadelphia), leading his own groups. Ponder has since recorded as a leader in the 1970s for Cadet, ABC/Impulse, TK, CBS, and Toshiba, in the '80s for Milestone, and in the '90s for Muse and HighNote. In the 21st century his albums included Ain't Misbehavin' (2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003), What's New (2005), and Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side, both released in 2007.

My teenage son has recently got into the Beatles. Nothing wrong with that of course and the Fab Four are certainly an important part of a balanced musical diet. I however am old enough to remember the UK punk era of the mid-late 70’s when the Beatles, the Rolling Stones and similar “dinosaur” acts were suddenly about as fashionable as flared trousers.

At around the same time I started a lifelong love affair with (what was then called) black music: soul, funk, jazz, disco, reggae and the host of micro-genres that followed…so in those formative years the Beatles just never seemed particularly relevant to anything in my musical life. The fact that they were later worshiped by Oasis only helped to further distance me from them.

That said, the influence of Messrs Lennon and McCartney – and to a lesser extent Harrison – runs through popular music like lettering through a stick of seaside rock; meaning that fans of soul, reggae and (especially) jazz will have more than a few Beatles cover versions in their collection.

Which brings us nicely to Jimmy Ponders’ reading of the George-penned classic, While My Guitar Gently Weeps. From the 1974 Cadet LP of the same name, this is a brooding-but-funky outing and the rather abrupt fade-out only leaves us wishing for an extended, freakier version.

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Un excelente guitarrista con un sonido conmovedor y la capacidad de elevar cualquier fecha de jazz funky, Jimmy Ponder ha aparecido en muchas grabaciones durante su larga carrera, más de 80 como sideman y 15 como líder. Ponder comenzó a tocar la guitarra a los 14 años y considera que Wes Montgomery y Kenny Burrell son sus dos principales influencias tempranas y Wes Montgomery más tarde. Ofreció un trabajo con Charles Earland después de haber tocado la guitarra sólo tres años, Ponder esperó hasta que se graduó de la escuela secundaria y luego pasó tres años con el grupo del organista, grabando varias fechas con Earland. Trabajó y grabó con Lou Donaldson, Houston Person, Donald Byrd, Stanley Turrentine y Jimmy McGriff y a principios de los 70 se mudó a Nueva York (desde Filadelfia), liderando sus propios grupos. Desde entonces, Ponder ha grabado como líder en los 70 para Cadet, ABC/Impulse, TK, CBS y Toshiba, en los 80 para Milestone y en los 90 para Muse y HighNote. En el siglo XXI sus álbumes incluyeron Ain't Misbehavin' (2000), Thumbs Up (2001), Alone (2003), What's New (2005), y Somebody's Child and Solo: Live at the Other Side, ambos lanzados en 2007.

Mi hijo adolescente ha entrado recientemente en los Beatles. No hay nada malo en ello, por supuesto, y los Fab Four son ciertamente una parte importante de una dieta musical equilibrada. Sin embargo, tengo la edad suficiente para recordar la era punk del Reino Unido de mediados de los 70, cuando los Beatles, los Rolling Stones y actos similares de "dinosaurios" estaban de repente tan de moda como los pantalones acampanados.

Más o menos al mismo tiempo empecé una aventura amorosa de toda la vida con (lo que entonces se llamaba) la música negra: soul, funk, jazz, disco, reggae y la gran cantidad de microgéneros que le siguieron... así que en esos años de formación los Beatles nunca parecieron particularmente relevantes para nada en mi vida musical. El hecho de que más tarde fueran adorados por Oasis sólo ayudó a distanciarme más de ellos.

Dicho esto, la influencia de los Sres. Lennon y McCartney - y en menor medida de Harrison - corre a través de la música popular como las letras de un palo de rock de playa; lo que significa que los fans del soul, el reggae y (especialmente) el jazz tendrán más de unas cuantas versiones de los Beatles en su colección.

Lo que nos lleva a la lectura de Jimmy Ponders del clásico de George, While My Guitar Gently Weeps. Del LP Cadet de 1974 del mismo nombre, esta es una salida melancólica pero fúnebre y el abrupto desvanecimiento sólo nos deja deseando una versión más extensa y extraña.

 

Eric Alexander • Second Impression

 

Review from DownBeat (by Yoshi Kato):
Since he began recording under his own name almost 25 years ago, tenor saxophonist Eric Alexander has led at least 15 sessions with double bassist John Webber and drummer Joe Farnsworth -- frequently rounded out by pianist and mentor Harold Mabern (the respected pianist was a teacher for classmates Alexander and Farnsworth at William Paterson University).

Second Impression features Mabern, Farnsworth and, in what was likely his final recording session, bassist Bob Cranshaw, who was name-checked in the spoken-word introduction to the Alexander composition "Blueski For Vonski" on his 2014 Chicago Fire album.

The "second impression" may subconsciously be a nod to a trio of atypical tracks that feature Cranshaw on an electric bass guitar and Mabern on a Fender Rhodes that were both found in the studio, as the liner notes explain. Farnsworth's funky "Jennie's Dance" struts assuredly with an authoritative and somewhat surprising extended solo by the pianist on that cult-worthy keyboard.

Sammy Fain and Paul F. Webster's "Secret Love" is buoyed by the partially electrified rhythm section. Alexander solos with elan while Mabern glides in another expanded exploration just prior to Farnsworth's demonstration in rhythmic fluency.

The Wes Montgomery classic "Full House" closes out Second Impressions with flair; the bandleader's spry tone matches the spirit of the piece, and Cranshaw seems to subtly propel the group forward with his note choices and reliable ease.
https://downbeat.com/reviews/detail/second-impression

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Resena de DownBeat (por Yoshi Kato):
Desde que comenzo a grabar bajo su propio nombre hace casi 25 anos, el saxofonista tenor Eric Alexander ha liderado al menos 15 sesiones con el contrabajista John Webber y el baterista Joe Farnsworth -- frecuentemente completadas por el pianista y mentor Harold Mabern (el respetado pianista fue profesor de sus companeros de clase Alexander y Farnsworth en la William Paterson University).

Second Impression cuenta con Mabern, Farnsworth y, en lo que probablemente fue su ultima sesion de grabacion, el bajista Bob Cranshaw, quien fue mencionado en la introduccion hablada de la composicion de Alexander "Blueski For Vonski" en su album Chicago Fire de 2014.

La "segunda impresion" puede ser inconscientemente un guino a un trio de tracks atipicos que presentan a Cranshaw en bajo electrico y a Mabern en un Fender Rhodes que ambos encontraron en el estudio, como explican las notas del liner. El funky "Jennie's Dance" de Farnsworth avanza con seguridad y un autoritario y algo sorprendente solo extendido del pianista en ese iconico teclado.

"Secret Love" de Sammy Fain y Paul F. Webster se ve impulsado por la seccion ritmica parcialmente electrificada. Alexander improvisa con elan mientras Mabern se desliza en otra exploracion ampliada justo antes de la demostracion de fluidez ritmica de Farnsworth.

El clasico de Wes Montgomery "Full House" cierra Second Impression con flair; el tono vivaz del lider encaja con el espiritu de la pieza, y Cranshaw parece impulsar sutilmente al grupo hacia adelante con sus elecciones de notas y su facilidad confiable.
https://downbeat.com/reviews/detail/second-impression

Sandy Mosse • Relaxin' With Sandy Mosse + The Chicago Scene

Artist Biography by Eugene Chadbourne

The man whose name sounds like a description of the ground near a brook was a jazz tenor saxophonist who is remembered fondly on both the Chicago and European jazz scenes. Several times in his life he left America for extended stays, eventually marrying a Dutch woman and fulfilling what is many an American musician's lifelong dream: to retire in Amsterdam. Not that Sandy Mosse ever really retired; he kept playing til the end, showing off a lovely fuzzy tone that he was personally happy to trace back to Lester Young, his first and biggest influence. Mosse's final decades were a battle against ill health, as he was first diagnosed with cancer in the '60s. The man who apparently coined the expression "oh well, you can't have anything" always managed to keep a good sense of humor concerning life's ups and downs, as evidenced from this anecdote from "some posh jobbing date on the North Shore," as recalled by a fan writing to the Jazz Institute of Chicago: "Sandy had just been diagnosed with cancer. He showed up at the gig right after undergoing some kind of chemotherapy that had turned his skin a very distinct and lovely shade of green. If you ever saw Sandy Mosse, you know he had bright red hair. Well, the combination of the green skin and the red hair for a Christmas party was just too much. We just couldn't help laughing, but we would never have laughed if Sandy hadn't been first and loudest."

The saxophonist was born in Detroit, but spent much of his American playing time based out of Chicago. He switched to tenor saxophone in the early '50s after learning his way around a reed on both the clarinet and alto saxophone. His first move to Europe happened early on, when at 22 he skipped to Paris and established a relationship with Wallace Bishop. He also recorded historical sides in the band of Henri Renaud, originally released as some of the first-ever picture discs. Mosse also was involved in some orchestral efforts behind gypsy guitar virtuoso Django Reinhardt, and then was picked up in 1953 for a spot as a soloist in the front line of the Woody Herman band as it roared its way across Europe. Encouraged to come back home, he showed up back in the Windy City in 1955 and began working with Bill Russo, rhythm & blues and doo wop howler Chubby Jackson, and the interesting bandleader Cy Touff. The emerging Chess Records empire with its subsidiaries Argo and Cadet provided opportunities for Mosse to grow; he cut several sessions as a leader as well as recording with Touff and in a large band under the direction of the brilliant saxophonist and flautist James Moody. The latter session was something of a Chicago all-star get-together and found Mosse in the company of baritone Pat Patrick of Sun Ra Arkestra fame, among others. With Touff, Mosse co-led an octet in the late '50s and early '60s called the Pieces of Eight. This was reportedly a wonderful and unique small band with great arrangements, often featuring undersung trumpet player John Howell.

In the late '50s, Mosse was profiled in Downbeat in an article with this promising title: "Mosse Grows: A Warm, Fluent Tenor Saxophonist Is Finally Being Heard After Long Struggle." He received an award from the magazine as well as one from Playboy, at that point almost as concerned with jazz as with curves. Mosse was able to tour Europe with his own groups as well as with others as a guest soloist. A highlight was his appearance at the North Sea Jazz Festival. As the '50s wound down and rock & roll became more popular, Mosse was heard more frequently tucked into the ranks of big bands such as that led by the demanding drummer Buddy Rich, or high-note trumpeter Maynard Ferguson. He continued working in Chicago into the '60s, including appearing in the band of Dave Remington.

His Dutch wife lured him back to Europe and her hometown of Amsterdam in the 1970s, and while Mosse continued both playing on radio and teaching at the Royal Dutch Conservatory, there was definitely a drop in recording activity. Fans of his playing and the European scene still hope that the scores of avid home tapers who have been collecting jazz radio broadcasts might have some tasty material on their shelves that could see the light as an official release someday. There were sometimes trips back home, such as the '70s tour in which Mosse played the Chicago venue the Jazz Showcase alongside fellow tenor giants Zoot Sims and Al Cohn. On the Dutch side of things, one of Mosse's last major bands was the superb Volume Two, also featuring Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen, and Lex Cohen. One of Mosse's last recordings was a sideman in a band led by Hekkema.

https://www.allmusic.com/artist/sandy-mosse-mn0000997050

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Biografía del artista por Eugene Chadbourne

El hombre cuyo nombre suena como una descripción del terreno cerca de un arroyo era un saxofonista tenor de jazz que es recordado con cariño en las escenas de jazz de Chicago y Europa. Varias veces en su vida se fue de Estados Unidos para estancias prolongadas, casándose con una mujer holandesa y cumpliendo lo que es el sueño de toda una vida de un músico estadounidense: jubilarse en Ámsterdam. No es que Sandy Mosse se haya retirado realmente; siguió tocando hasta el final, mostrando un hermoso tono borroso que estaba personalmente feliz de remontarse a Lester Young, su primera y más grande influencia. Las últimas décadas de Mosse fueron una batalla contra la mala salud, ya que fue diagnosticado por primera vez con cáncer en los años 60. El hombre que aparentemente acuñó la expresión "oh bien, no se puede tener nada" siempre logró mantener un buen sentido del humor con respecto a los altibajos de la vida, como se evidencia en esta anécdota de "una cita de trabajo elegante en la costa norte", como recordó un fanático que escribió al Jazz Institute of Chicago: "Sandy acababa de ser diagnosticada con cáncer. Apareció en el concierto justo después de recibir algún tipo de quimioterapia que le había dado a su piel un tono de verde muy distintivo y encantador. Si alguna vez viste a Sandy Mosse, sabes que tenía el pelo rojo brillante. Bueno, la combinación de la piel verde y el pelo rojo para una fiesta de Navidad fue demasiado. No podíamos evitar reírnos, pero nunca nos habríamos reído si Sandy no hubiera sido la primera".

El saxofonista nació en Detroit, pero pasó gran parte de su tiempo tocando en Estados Unidos fuera de Chicago. Se cambió al saxo tenor a principios de los años 50 después de aprender a tocar la lengüeta tanto en el clarinete como en el saxo alto. Su primer traslado a Europa tuvo lugar al principio, cuando a los 22 años se fue a París y estableció una relación con Wallace Bishop. También grabó lados históricos en la banda de Henri Renaud, originalmente lanzados como algunos de los primeros discos de imagen. Mosse también estuvo involucrado en algunos esfuerzos orquestales detrás del virtuoso de la guitarra gitana Django Reinhardt, y luego fue elegido en 1953 para un puesto como solista en la primera línea de la banda de Woody Herman mientras se abría camino por toda Europa. Animado a volver a casa, se presentó en la Ciudad de los Vientos en 1955 y comenzó a trabajar con Bill Russo, rhythm & blues y doo wop howler Chubby Jackson, y el interesante director de orquesta Cy Touff. El imperio emergente de Chess Records con sus subsidiarias Argo y Cadet proporcionó oportunidades para que Mosse creciera; cortó varias sesiones como líder, además de grabar con Touff y en una gran banda bajo la dirección del brillante saxofonista y flautista James Moody. Esta última sesión fue una especie de reunión de estrellas de Chicago y encontró a Mosse en compañía del barítono Pat Patrick de Sun Ra Arkestra, entre otros. Con Touff, Mosse co-lideró un octeto a finales de los'50 y principios de los'60 llamado los Pieces of Eight. Se dice que esta fue una maravillosa y única banda pequeña con grandes arreglos, a menudo con el trompetista John Howell.

A finales de los años 50, Mosse fue perfilado en Downbeat en un artículo con este prometedor título: "Mosse Grows: Un cálido y fluido saxofonista de tenores finalmente está siendo escuchado después de una larga lucha". Recibió un premio de la revista y otro de Playboy, en ese momento casi tan preocupado por el jazz como por las curvas. Mosse pudo viajar por Europa con sus propios grupos y con otros como solista invitado. Un punto culminante fue su participación en el Festival de Jazz del Mar del Norte. A medida que los años 50 se fueron acabando y el rock & roll se hizo más popular, Mosse se escuchó con más frecuencia en las filas de las grandes bandas, como la dirigida por el exigente baterista Buddy Rich, o el trompetista de notas altas Maynard Ferguson. Continuó trabajando en Chicago hasta los años 60, incluyendo su participación en la banda de Dave Remington.

Su esposa holandesa lo atrajo de vuelta a Europa y a su ciudad natal de Ámsterdam en la década de 1970, y mientras Mosse seguía tocando en la radio y enseñando en el Real Conservatorio Holandés, definitivamente hubo un descenso en la actividad discográfica. Los aficionados a su música y a la escena europea siguen esperando que las partituras de los ávidos aficionados a la música casera que han estado coleccionando programas de radio de jazz tengan algún material sabroso en sus estanterías que pueda ver la luz como un estreno oficial algún día. A veces hubo viajes de vuelta a casa, como la gira de los'70 en la que Mosse tocó en Chicago en el Jazz Showcase junto a otros gigantes del tenor Zoot Sims y Al Cohn. En el lado holandés, una de las últimas grandes bandas de Mosse fue el magnífico Volume Two, con Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen y Lex Cohen. Una de las últimas grabaciones de Mosse fue un sideman en una banda liderada por Hekkema.

https://www.allmusic.com/artist/sandy-mosse-mn0000997050

Johnny Hodges & Wild Bill Davis • Joe's Blues

 

Editorial Reviews

Second installment in this four volume series from the celebrated jazzmen with deep Blues roots, a prolific musical team with exquisite chemistry. Volume Two includes the two complete albums Joe's Blues and Wings & Things, in which guitarist Grant Green plays with the two masters. Lonehill.

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Reseñas editoriales

Segunda entrega de esta serie de cuatro volúmenes de los célebres jazzmen con profundas raíces Blues, un prolífico equipo musical con exquisita química. El volumen dos incluye los dos álbumes completos Joe's Blues y Wings & Things, en los que el guitarrista Grant Green toca con los dos maestros. Lonehill

 

Hank Mobley • Straight No Filter

 

 

Review by Ronnie D. Lankford, Jr.
Straight No Filter finds tenor Hank Mobley in several settings from the mid-'60s, each of them excellent. The overall roster is quite impressive, starting with the first set which features trumpeter Lee Morgan, pianist McCoy Tyner, bassist Bob Cranshaw, and drummer Billy Higgins. The upbeat title cut is given a loose, post-bop feel by Tyner's comping, but things are brought back to earth by Mobley's emotional playing. A number of exchanges between Morgan and Mobley's horns give the piece an effective ending. "Chain Reaction" gives this group nearly 11 minutes to stretch things out, while "Soft Impressions" features a heavy blues groove. A couple of other standouts on this album -- "This Feelin's Good" and "Yes Indeed" -- feature trumpeter Donald Byrd, pianist Herbie Hancock, bassist Butch Warren, and drummer Philly Joe Jones. Hancock provides a distinctive backdrop for Mobley and Morgan's solos while turning in some fine work himself. Mobley shines on Sy Oliver's "Yes Indeed," delivering a soulful solo, shot through with the blues. His playing throughout Straight No Filter is warm, accessible, and inventive, and it is instructive to have these sessions side by side, giving the listener a chance to compare Mobley's work in different settings. It should be mentioned that he penned eight out of the nine of these fine compositions. Bob Blumenthal's liner notes are helpful, breaking down the individual sessions and providing a good overview of Mobley's career. Straight No Filter will be welcomed by Mobley's fans and lovers of hard bop. It shouldn't be missed.
https://www.allmusic.com/album/straight-no-filter-mw0000112263

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Reseña por Ronnie D. Lankford, Jr.
Straight No Filter encuentra al tenor Hank Mobley en varios escenarios de mediados de los 60, cada uno de ellos excelente. La lista general es bastante impresionante, comenzando con el primer set que presenta al trompetista Lee Morgan, el pianista McCoy Tyner, el bajista Bob Cranshaw y el baterista Billy Higgins. El corte optimista del título recibe una sensación suelta y post-bop por la composición de Tyner, pero las cosas vuelven a la tierra por la interpretación emocional de Mobley. Una serie de intercambios entre los cuernos de Morgan y Mobley le dan a la pieza un final efectivo. "Chain Reaction" le da a este grupo casi 11 minutos para estirar las cosas, mientras que "Soft Impressions" presenta un ritmo de blues pesado. Un par de otros destacados en este álbum," This Feelin's Good "y" Yes Indeed", cuentan con el trompetista Donald Byrd, el pianista Herbie Hancock, el bajista Butch Warren y el baterista Philly Joe Jones. Hancock proporciona un telón de fondo distintivo para los solos de Mobley y Morgan mientras entrega un buen trabajo él mismo. Mobley brilla en " Yes Indeed "de Sy Oliver, entregando un solo conmovedor, atravesado por el blues. Su interpretación en Straight No Filter es cálida, accesible e inventiva, y es instructivo tener estas sesiones una al lado de la otra, dando al oyente la oportunidad de comparar el trabajo de Mobley en diferentes entornos. Cabe mencionar que escribió ocho de las nueve de estas bellas composiciones. Las notas de Bob Blumenthal son útiles, desglosan las sesiones individuales y brindan una buena visión general de la carrera de Mobley. Straight No Filter será bienvenido por los fanáticos y amantes del hard bop de Mobley. No debe perderse.
https://www.allmusic.com/album/straight-no-filter-mw0000112263

Joe Henderson • Inner Urge

 

Review
by Daniel Gioffre
This early recording by Joe Henderson is not only one of the finest of all of his recordings, but is also a high point for 1960s jazz. At this point in his career, Henderson was a full-time member of Horace Silver's combo and did not yet have a steady band in his hire. He is joined on Inner Urge by veterans of other combos: McCoy Tyner and Elvin Jones from John Coltrane's unit and Sonny Rollins sideman Bob Cranshaw. The presence of these luminaries aside, Inner Urge is home to two of Henderson's best (and best-loved) compositions: "Inner Urge" and "Isotope." The leader's solo on the title track is a marvelous thing, full of melody as well as anarchic bursts of sound, which is in perfect keeping with the spirit of the song's probing, searching theme. The other musicians support Henderson nicely as well as turning in some strong solos of their own. Tyner especially sounds fantastic on this record. Although not the equal of the leader in terms of the quality of his lines or the overall sense of composition of his solos, his performance is at least the rival of Henderson's in terms of raw kinetic power. The other great song on "Inner Urge," the Monk-ish "Isotope," is another ideal showcase for Henderson's total command of his instrument. The remaining tracks on Inner Urge are also fantastic, especially the wailing cry of "El Barrio" and the Henderson-altered head to "Night and Day," but the first side, even if taken alone, is by itself enough to guarantee this album as perhaps the best Henderson recorded in his long and illustrious career, and stands easily alongside the best records of the era.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707

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Reseña
por Daniel Gioffre  
Esta temprana grabación de Joe Henderson no sólo es una de las mejores de todas sus grabaciones, sino que también es un punto álgido para el jazz de los años 60. En este punto de su carrera, Henderson era miembro a tiempo completo del combo de Horace Silver y todavía no tenía una banda estable en su alquiler. En Inner Urge le acompañan veteranos de otros combos: McCoy Tyner y Elvin Jones, de la unidad de John Coltrane, y el lateral de Sonny Rollins, Bob Cranshaw. Aparte de la presencia de estas luminarias, Inner Urge alberga dos de las mejores (y más queridas) composiciones de Henderson: "Inner Urge" e "Isotope". El solo del líder en el tema que da título al disco es una maravilla, llena de melodía así como de estallidos anárquicos de sonido, lo que está en perfecta consonancia con el espíritu del tema de búsqueda y sondeo de la canción. Los demás músicos apoyan a Henderson de forma excelente, además de ofrecer algunos sólidos solos propios. Tyner suena especialmente fantástico en este disco. Aunque no está a la altura del líder en cuanto a la calidad de sus líneas o el sentido general de la composición de sus solos, su interpretación es al menos el rival de Henderson en términos de potencia cinética bruta. La otra gran canción de "Inner Urge", "Isotope", de estilo Monk, es otro escaparate ideal para el dominio total de Henderson sobre su instrumento. El resto de los temas de Inner Urge son también fantásticos, especialmente el grito ululante de "El Barrio" y la cabeza alterada de Henderson en "Night and Day", pero la primera cara, incluso si se toma sola, es por sí misma suficiente para garantizar que este álbum es quizás el mejor que Henderson grabó en su larga e ilustre carrera, y se sitúa fácilmente al lado de los mejores discos de la época.
https://www.allmusic.com/album/inner-urge-mw0000200926?1657207832707

www.bluenote.com/artist/joe-henderson ...