Blossom Dearie • Sings Comden And Green

 

Artist Biography by John Bush

A distinctive, girlish voice and crisp, impeccable delivery, plus an irrepressible sense of playful swing, made Blossom Dearie one of the most enjoyable singers of the vocal era. Her warmth and sparkle ensured that she'd never treat standards as the well-worn songs they often appeared in less capable hands. And though her reputation was made on record with a string of excellent albums for Verve during the '50s, she remained a draw with Manhattan cabaret audiences long into the new millennium.

Actually born with the name Blossom Dearie in the New York Catskills, she began playing piano at an early age and studied classical music before making the switch to jazz while in high school. After graduation, she moved to New York and began appearing with vocal groups like the Blue Flames (attached to Woody Herman) and the Blue Reys (with Alvino Rey). She also played cocktail piano around the city, and moved to Paris in 1952 to form her own group, the Blue Stars of France. Dearie also appeared in a nightclub act with Annie Ross, and made a short, uncredited appearance on King Pleasure's vocalese classic, "Moody's Mood for Love." She recorded an obscure album of piano solos, and in 1954, the Blue Stars hit the national charts with a French version of "Lullaby of Birdland."

After hearing Dearie perform in Paris in 1956, Norman Granz signed her to Verve and she returned to America by the end of the year. Her eponymous debut for Verve featured a set of standards that slanted traditional pop back to its roots in Tin Pan Alley, Broadway, and cabaret. Her focus on intimate readings of standards ("Deed I Do," "Thou Swell") and the relaxed trio setting (bassist Ray Brown and drummer Jo Jones, plus Dearie on piano) drew nods to her cabaret background.

My Gentleman Friend

On her next few records, Dearie stuck to her focus on standards and small groups, though her gift for songwriting emerged as well with songs like "Blossom's Blues." She performed in solo settings at supper clubs all over New York, and appeared on the more cultured of the late-'50s New York talk shows. Her husband, flutist Bobby Jaspar, made several appearances on her records, notably 1959's My Gentleman Friend. After a recording break in the early '60s, Blossom Dearie signed to Capitol for one album (1964's May I Come In?), but then recorded sparingly during the rest of the decade.

Finally, in the early '70s, she formed her own Daffodil Records label and began releasing her own work, including 1974's Blossom Dearie Sings and 1976's My New Celebrity Is You. She also performed at Carnegie Hall with Anita O'Day and Joe Williams, billed as the Jazz Singers. She continued to perform and record during the 1980s through to the early 2000s, centered mostly in New York but also a regular attraction in London as well. She retired from playing live in 2006 due to health concerns and died quietly in her Greenwich Village apartment on February 7, 2009.

///////

Biografía del artista por John Bush

Blossom Dearie, una voz distintiva y juvenil con una transmisión impecable e impecable, más un sentido irreprimible de swing juguetón, hizo de Blossom Dearie una de las cantantes más agradables de la era vocal. Su calidez y brillo le aseguraron que nunca trataría los estándares como las canciones gastadas que a menudo aparecían en manos menos capaces. Y aunque su reputación se hizo oficial con una serie de excelentes álbumes para Verve durante los años 50, siguió siendo una atracción para el público del cabaret de Manhattan hasta el nuevo milenio.

Nacida en realidad con el nombre de Blossom Dearie en los New York Catskills, comenzó a tocar el piano a temprana edad y estudió música clásica antes de cambiar al jazz cuando estaba en la escuela secundaria. Después de graduarse, se mudó a Nueva York y comenzó a aparecer con grupos vocales como Blue Flames (asociada a Woody Herman) y Blue Reys (con Alvino Rey). También tocó el piano de cóctel en la ciudad y se mudó a París en 1952 para formar su propio grupo, las Estrellas Azules de Francia. Dearie también apareció en un acto de club nocturno con Annie Ross, e hizo una breve aparición sin acreditar en el clásico vocalese de King Pleasure, "Moody's Mood for Love". Grabó un oscuro álbum de solos para piano, y en 1954, las Estrellas Azules llegaron a las listas nacionales con una versión francesa de "Canción de cuna de Birdland".

Después de escuchar a Dearie actuar en París en 1956, Norman Granz la contrató en Verve y regresó a Estados Unidos a finales de año. Su debut homónimo para Verve presentó un conjunto de estándares que desviaron el pop tradicional hasta sus raíces en Tin Pan Alley, Broadway y cabaret. Su enfoque en las lecturas íntimas de los estándares ("Deed I Do", "Thou Swell") y el ambiente relajado del trío (el bajista Ray Brown y el baterista Jo Jones, además de Dearie en el piano) atrajeron su fondo de cabaret.

Mi amigo caballero

En sus próximos discos, Dearie se concentró en los grupos pequeños y en los estándares, aunque su don para la composición de canciones también surgió con canciones como "Blossom's Blues". Actuó como solista en clubes de cenas en todo Nueva York, y apareció en los programas de entrevistas de Nueva York a finales de los cincuenta. Su esposo, el flautista Bobby Jaspar, hizo varias apariciones en sus discos, especialmente en 1959's My Gentleman Friend. Después de una pausa en la grabación a principios de los años 60, Blossom Dearie firmó con Capitol para un álbum (¿Puedo entrar en 1964?), Pero luego grabó con moderación durante el resto de la década.

Finalmente, a principios de la década de los 70, formó su propio sello Daffodil Records y comenzó a lanzar su propio trabajo, incluyendo Blossom Dearie Sings de 1974 y My New Celebrity Is You de 1976. También actuó en el Carnegie Hall con Anita O'Day y Joe Williams, catalogados como los Jazz Singers. Continuó tocando y grabando desde la década de 1980 hasta principios de la década de 2000, centrada principalmente en Nueva York, pero también en una atracción habitual en Londres. Se retiró de tocar en vivo en 2006 debido a problemas de salud y murió en silencio en su apartamento de Greenwich Village el 7 de febrero de 2009.


Blossom Dearie, Ed Thigpen, Kenny Burrell, Ray Brown.

 

Stanley Turrentine • Hustlin' (RVG-edition)

Review by Scott Yanow

This is a typically excellent recording from the husband-wife team of tenor saxophonist Stanley Turrentine and organist Shirley Scott. With assistance from guitarist Kenny Burrell, bassist Bob Cranshaw, and drummer Otis Finch, Turrentine (who always had the skill of playing melodies fairly straight but with his own brand of soul) and Scott dig into "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble," "Something Happens to Me," a couple of basic originals, and "Goin' Home." The Turrentine-Scott team never made an unworthy disc; all are easily recommended, including this one.

///////

Revisión por Scott Yanow

Esta es una grabación típicamente excelente del equipo de marido y esposa del saxofonista tenor Stanley Turrentine y la organista Shirley Scott. Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Otis Finch, Turrentine (quien siempre tuvo la habilidad de tocar melodías bastante claras pero con su propia marca de soul) y Scott se suman a "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble, "" Algo me pasa ", un par de originales básicos y" Goin 'Home ". El equipo de Turrentine-Scott nunca hizo un disco indigno; Todos son fácilmente recomendables, incluido este.

Thad Jones & The Prestige All Stars • Olio-After Hours

 

 

Thad Jones & The Prestige All Stars • Olio / After Hours 

 

Kenny Burrell • Listen To The Dawn

 

 

Review by Ron Wynn
Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933

///////

Review by Ron Wynn
Sharp trio set. Burrell is backed by excellent bass/drums duo of Rufus Reid and Ben Riley, both of whom are Burrell's playing equals. The results are uniformly solid, sometimes more emphatic than others. Burrell is still playing in a relaxed, easy groove, but occasionally increases the energy level. https://www.allmusic.com/album/listen-to-the-dawn-mw0000079933

Jimmy Smith • Go For Whatcha Know

 

 

 

Jimmy Smith • Six Views of the Blues

Greeeezy! Organist Jimmy Smith never made a bad record for Blue Note. A couple of his Verve recordings are stinkers, but still have some merit. But his Blue Note Recordings, well, they are the epitome of B-3 Hard Bop. That is why the revelation of previously unreleased Blue Note Sides is such a sunny event.

Six Views of the Blues was recorded July 16, 1958 between the sessions that produced On the Sunny Side (Blue Note 1092—NA, recorded July 15th) and Home Cookin' (Blue Note 53360A, recorded on July 17th). Jimmy Smith was a busy man in July 1958. This session finds Smith in the company of his two favorite drummers, Art Blakey and Donald Bailey, Kenny Burrell and oddly enough, Cecil Payne. Payne, a baritone saxophonist, had never previously recorded with Smith. This quartet with a baritone sax is somewhat unusual, perhaps causing these sides to not having been released until now.

The Blues This disc documents a relaxed blowing session that surveys Handy's "St. Louis Blues" and "The Swinging Shepherd Blues" (the only previously released piece on the disc). The remainder of the disc is devoted to four unnamed blues, designated "Blues No. 1—4." Each is a vastly different setting, illustrating the breadth of Smith's talent. This disc is perhaps only for Smith completists. But, then again, there is some thing here for all.

By C. MICHAEL BAILEY

https://www.allaboutjazz.com/six-views-of-the-blues-jimmy-smith-blue-note-records-review-by-c-michael-bailey.php

///////

¡Greeeezy! El organista Jimmy Smith nunca tuvo un mal historial para Blue Note. Un par de sus grabaciones de Verve son apestosas, pero aún así tienen algún mérito. Pero sus grabaciones de Blue Note, bueno, son el epítome del B-3 Hard Bop. Es por eso que la revelación de los lados de Blue Note no publicados anteriormente es un evento tan soleado.

Six Views of the Blues fue grabado el 16 de julio de 1958 entre las sesiones que produjeron On the Sunny Side (Blue Note 1092-NA, grabado el 15 de julio) y Home Cookin' (Blue Note 53360A, grabado el 17 de julio). Jimmy Smith era un hombre ocupado en julio de 1958. Esta sesión encuentra a Smith en compañía de sus dos bateristas favoritos, Art Blakey y Donald Bailey, Kenny Burrell y, curiosamente, Cecil Payne. Payne, un saxofonista barítono, nunca antes había grabado con Smith. Este cuarteto con un saxo barítono es algo inusual, tal vez causando que estos lados no hayan sido liberados hasta ahora.

The Blues Este disco documenta una sesión de soplido relajada que repasa el "St. Louis Blues" y el "The Swinging Shepherd Blues" de Handy (la única pieza previamente lanzada en el disco). El resto del disco está dedicado a cuatro blues sin nombre, designados "Blues No. 1-4". Cada uno es un escenario muy diferente, que ilustra la amplitud del talento de Smith. Este disco es quizás sólo para los completistas de Smith. Pero, de nuevo, hay algo aquí para todos.

Por C. MICHAEL BAILEY

https://www.allaboutjazz.com/six-views-of-the-blues-jimmy-smith-blue-note-records-review-by-c-michael-bailey.php

J.J. Johnson • Broadway Express

  

J.J. Johnson is an NEA Jazz Master Considered by many to be the finest jazz trombonist of all time, J.J. Johnson somehow transferred the innovations of Charlie Parker and Dizzy Gillespie to his more awkward instrument, playing with such speed and deceptive ease that at one time some listeners assumed he was playing valve (rather than slide) trombone! Johnson toured with the territory bands of Clarence Love and Snookum Russell during 1941-42 and then spent 1942-45 with Benny Carter's big band.

He made his recording debut with Carter (taking a solo on "Love for Sale" in 1943) and played at the first JATP concert (1944). Johnson also had led plenty of solo space during his stay with Count Basie's Orchestra (1945-46). During 1946-50, he played with all of the top bop musicians including Charlie Parker (with whom he recorded in 1947), the Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-49) and the Miles Davis Birth of the Cool Nonet. His own recordings from the era included such sidemen as Bud Powell and a young Sonny Rollins. J.J., who also recorded with the Metronome All-Stars, played with Oscar Pettiford (1951) and Miles Davis (1952) but then was outside of music, working as a blueprint inspector for two years (1952-54).

His fortunes changed when in August 1954 he formed a two -trombone quintet with Kai Winding that became known as Jay and Kai and was quite popular during its two years. After J.J. and Kai went their separate ways (they would later have a few reunions), Johnson led a quintet that often included Bobby Jaspar.

He began to compose ambitious works starting with 1956's "Poem for Brass" and including "El Camino Real" and a feature for Dizzy Gillespie, "Perceptions"; his "Lament" became a standard. Johnson worked with Miles Davis, during part of 1961-62, led some small groups of his own, and by the late '60s was kept busy writing television and film scores. J.J. Johnson was so famous in the jazz world that he kept on winning DOWN BEAT polls in the 1970s even though he was not playing at all! However, starting with a Japanese tour in 1977, J.J. gradually returned to a busy performance schedule, leading a quintet in the 1980s that often featured Ralph Moore.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jj-johnson/

///////

J. J. Johnson es un Maestro del Jazz NEA Considerado por muchos como el mejor trombonista de jazz de todos los tiempos. ¡J. J. Johnson transfirió de alguna manera las innovaciones de Charlie Parker y Dizzy Gillespie a su instrumento más incómodo, tocando con tanta velocidad y facilidad engañosa que en un momento algunos oyentes asumieron que estaba tocando trombón de válvula (en lugar de slide)! Johnson realizó una gira con las bandas territoriales de Clarence Love y Snookum Russell durante 1941-42 y luego pasó 1942-45 con la big band de Benny Carter.

Hizo su debut discográfico con Carter (haciendo un solo en" Love for Sale " en 1943) y tocó en el primer concierto de JATP (1944). Johnson también había liderado mucho espacio en solitario durante su estadía con la Orquesta de Count Basie(1945-46). Durante 1946-50, tocó con todos los mejores músicos de bop, incluido Charlie Parker (con quien grabó en 1947), la Dizzy Gillespie big band, Illinois Jacquet (1947-49) y Miles Davis Birth of the Cool Nonet. Sus propias grabaciones de la época incluían acompañantes como Bud Powell y un joven Sonny Rollins. J. J., quien también grabó con Metronome All-Stars, tocó con Oscar Pettiford (1951) y Miles Davis (1952), pero luego estuvo fuera de la música, trabajando como inspector de planos durante dos años (1952-54).

Su suerte cambió cuando en agosto de 1954 formó un quinteto de dos trombones con Kai Winding que se conoció como Jay y Kai y fue bastante popular durante sus dos años. Después de que J. J. y Kai tomaran caminos separados (más tarde tendrían algunas reuniones), Johnson dirigió un quinteto que a menudo incluía a Bobby Jaspar.

Comenzó a componer obras ambiciosas a partir de "Poem for Brass" de 1956 e incluyendo "El Camino Real" y un largometraje para Dizzy Gillespie, "Perceptions"; su "Lamento" se convirtió en un estándar. Johnson trabajó con Miles Davis, durante parte de 1961-62, dirigió algunos pequeños grupos propios y, a fines de los 60, se mantuvo ocupado escribiendo partituras para televisión y cine. ¡J. J. Johnson era tan famoso en el mundo del jazz que siguió ganando en las encuestas A LA BAJA en la década de 1970 a pesar de que no tocaba en absoluto! Sin embargo, comenzando con una gira japonesa en 1977, J. J. poco a poco volvió a una apretada agenda de presentaciones, liderando un quinteto en la década de 1980 que a menudo presentaba a Ralph Moore.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jj-johnson/

Jack McDuff • The Pink Panther

 

Astrud Gilberto • Look To The Rainbow

 

Review from AllMusic (by Bob Rusch):
This was a beautiful bossa nova record of Astrud Gilberto's vocal stylings...All the material (32:13) here, with the exception of "Learn to Live Alone" and "Pretty Place," which were arranged by Al Cohn, were arranged by Gil Evans. With the exception of a Johnny Coles trumpet solo, the personnel was uncredited on this 1966 recording. Discographies have credited Bob Brookmeyer (valve trombone), Kenny Burrell (guitar), and Grady Tate (drums), but except for a few bars of sax, there was no solo individualism in this large Creed Taylor-produced orchestra.
https://www.allmusic.com/album/look-to-the-rainbow-mw0000188205

///////

Reseña de AllMusic (por Bob Rusch):
Este fue un hermoso disco de bossa nova con los estilos vocales de Astrud Gilberto... Todo el material (32:13) aquí, con excepción de "Learn to Live Alone" y "Pretty Place," que fueron arreglados por Al Cohn, fueron arreglados por Gil Evans. Con excepción de un solo de trompeta de Johnny Coles, el personal no fue acreditado en esta grabación de 1966. Las discografías han acreditado a Bob Brookmeyer (trombón de válvulas), Kenny Burrell (guitarra) y Grady Tate (batería), pero excepto por unos pocos compases de saxofón, no hubo individualismo solista en esta gran orquesta producida por Creed Taylor.
https://www.allmusic.com/album/look-to-the-rainbow-mw0000188205

 

www.astrudgilberto.com ...

Leo Wright • Soul Talk

 

Biography by Chris Kelsey
A first-rate bop-oriented alto saxophonist, Wright was also one of the finest flutists jazz has known. He studied saxophone under the tutelage of his father. His first recording was made in 1958 with vibist Dave Pike; the next year, he played the Newport Festival with bassist Charles Mingus' group. Wright joined Dizzy Gillespie's band in 1959, remaining until 1962. In addition to his sideman work, Wright established himself as a leader in the early '60s, leading New York-based bands that included the likes of bassist Ron Carter, pianist Junior Mance, drummer Charlie Persip, and guitarist Kenny Burrell, among others. In 1960, he recorded the record for which he is perhaps best-known -- Blues Shout for the Atlantic label -- with a group consisting of himself, Mance, Persip, bassist Art Davis, and trumpeter Richard Williams. After leaving Gillespie's band, Wright went on to play and record with pianist/composer Lalo Schifrin and organist Jack McDuff; with the latter he recorded Screamin' for the Prestige label. He also worked with composer Antonio Carlos Jobim, trumpeter Johnny Coles, and singer Jimmy Witherspoon before moving to Europe later in the decade. There he worked with pianist/composer George Gruntz and he also played with saxophonist Lee Konitz in an all-star group called Alto Summit and with trumpeter Carmell Jones. Wright eventually moved to Berlin, where he played in a studio band and worked freelance. In May 1978, Wright co-led a studio session in New York City with pianist Red Garland for Muse Records. He essentially retired from music around 1979, before re-emerging in the mid-'80s. In 1986, Wright played gigs with the Paris Reunion Band, which also included trombonist Grachan Moncur III, cornetist Nat Adderley, and pianist Kenny Drew Sr. In the years before his death, Wright worked and recorded with his wife, singer Elly Wright. His autobiography, God Is My Booking Agent, was published posthumously by Bayou Press in the fall of 1991. His last recording was made with his wife on her CD Listen to My Plea.
https://www.allmusic.com/artist/leo-wright-mn0000208857#biography

///////

Biografía de Chris Kelsey
Wright, saxofonista alto de primera clase orientado al bop, fue también uno de los mejores flautistas que ha conocido el jazz. Estudió saxofón bajo la tutela de su padre. Su primera grabación fue en 1958 con el vibra Dave Pike; al año siguiente, tocó en el Festival de Newport con el grupo del bajista Charles Mingus. Wright se incorporó a la banda de Dizzy Gillespie en 1959, donde permaneció hasta 1962. Además de su trabajo como músico de acompañamiento, Wright se consolidó como líder a principios de los 60, al frente de bandas de Nueva York en las que figuraban, entre otros, el bajista Ron Carter, el pianista Junior Mance, el batería Charlie Persip y el guitarrista Kenny Burrell. En 1960, grabó el disco por el que quizá sea más conocido, Blues Shout para el sello Atlantic, con un grupo formado por él mismo, Mance, Persip, el bajista Art Davis y el trompetista Richard Williams. Tras abandonar la banda de Gillespie, Wright tocó y grabó con el pianista y compositor Lalo Schifrin y el organista Jack McDuff; con este último grabó Screamin' para el sello Prestige. También trabajó con el compositor Antonio Carlos Jobim, el trompetista Johnny Coles y el cantante Jimmy Witherspoon antes de trasladarse a Europa a finales de la década. Allí trabajó con el pianista y compositor George Gruntz y también tocó con el saxofonista Lee Konitz en un grupo de estrellas llamado Alto Summit y con el trompetista Carmell Jones. Wright se trasladó finalmente a Berlín, donde tocó en una banda de estudio y trabajó como freelance. En mayo de 1978, Wright codirigió una sesión de estudio en Nueva York con el pianista Red Garland para Muse Records. Se retiró prácticamente de la música hacia 1979, antes de reaparecer a mediados de los 80. En 1986, Wright actuó con la Paris Reunion Band, integrada también por el trombonista Grachan Moncur III, el cornetista Nat Adderley y el pianista Kenny Drew Sr. En los años anteriores a su muerte, Wright trabajó y grabó con su esposa, la cantante Elly Wright. Su autobiografía, God Is My Booking Agent, fue publicada póstumamente por Bayou Press en otoño de 1991. Su última grabación la realizó con su esposa en el CD Listen to My Plea.
https://www.allmusic.com/artist/leo-wright-mn0000208857#biography

Kenny Burrell • A Night At The Vanguard

  

 

Review by Michael G. Nastos
Kenny Burrell's storied career as perhaps the premier modern jazz guitarist has been documented by many efforts in the studio, but here's a nightclub date that may well be highly ranked as one of his very best efforts. The spontaneity and freshness of Burrell's lyric lines and deft chords is further enhanced by perhaps the most advanced musicians he has ever played with -- bassist Richard Davis and drummer Roy Haynes. For music done in 1959, this is heady, seat-of-the-pants, brilliantly executed jazz that is mostly based in standards, but stretched to exacting tolerances that bend, but are not close to breaking. Davis provides strong support without going as outward as he did later in life, while Haynes might sound subdued to his fans, yet has an elastic presence that allows the other two a lot of freedom to fully articulate this modern mainstream language as a prelude heading into the turbulent '60s. On this straight reissue that originally sported the title "Man at Work," the trio plays all standards save the lively blues groove, more pronounced than the studio version of Burrell's "All Night Long," and the Erroll Garner tune "Trio," where Burrell's proves expert at combining singles lines and chords in balance. Most of the material is very upbeat and energetic as on the fast and quick "Will You Still Be Mine," and the bop swing of "Broadway" mixed up a little melodically by Burrell. The love of Duke Ellington's music is always with the guitarist as rendered during "Just A-Sittin' and A-Rockin'," where the genius of Burrell is extant in his ability to provide his own counterpoint. Burrell's other precious component is his ability to relax and consistently swing as on Thelonious Monk's "Well, You Needn't," Benny Goodman's poignant and simple "Soft Winds," and dipping deep into the tenderness quotient on the ballad "I'm a Fool to Want You" aside the tango-flavored bass of Davis. A solid effort top to bottom, and a recording most highly recommended, this is Burrell and his extraordinary trio very close to, if not truly in their prime, and their element.
https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946

///////

Reseña de Michael G. Nastos
La carrera de Kenny Burrell como quizás el mejor guitarrista de jazz moderno ha sido documentada por muchos esfuerzos en el estudio, pero aquí hay una cita en un club nocturno que bien puede ser clasificada como uno de sus mejores esfuerzos. La espontaneidad y frescura de las líneas líricas y los hábiles acordes de Burrell se ven realzadas por los músicos más avanzados con los que ha tocado: el bajista Richard Davis y el batería Roy Haynes. Para ser música de 1959, se trata de un jazz embriagador y brillantemente ejecutado que se basa principalmente en estándares, pero estirados hasta tolerancias exactas que se doblan, pero no están cerca de romperse. Davis proporciona un fuerte apoyo sin salirse tanto como lo hizo más tarde en su vida, mientras que Haynes puede sonar apagado para sus fans, pero tiene una presencia elástica que permite a los otros dos mucha libertad para articular plenamente este lenguaje mainstream moderno como preludio hacia los turbulentos años 60. En esta reedición directa que originalmente llevaba el título de "Man at Work", el trío toca todos los estándares salvo el animado groove de blues, más pronunciado que en la versión de estudio de "All Night Long" de Burrell, y el tema de Erroll Garner "Trio", donde Burrell se muestra experto en combinar líneas sencillas y acordes en equilibrio. La mayor parte del material es muy optimista y enérgico, como en la rápida y veloz "Will You Still Be Mine", y el swing bop de "Broadway", mezclado un poco melódicamente por Burrell. El amor por la música de Duke Ellington está siempre presente en el guitarrista, como en "Just A-Sittin' and A-Rockin'", donde el genio de Burrell se manifiesta en su habilidad para aportar su propio contrapunto. El otro componente valioso de Burrell es su habilidad para relajarse y balancearse consistentemente como en "Well, You Needn't" de Thelonious Monk, la conmovedora y sencilla "Soft Winds" de Benny Goodman, y sumergiéndose profundamente en el cociente de ternura en la balada "I'm a Fool to Want You" al lado del bajo con sabor a tango de Davis. Burrell y su extraordinario trío están muy cerca, si no verdaderamente en su mejor momento, y en su elemento.
https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946

Hubert Laws • Laws' Cause

 

 

Internationally renowned flutist Hubert Laws is one of the few classical artists who has also mastered jazz, pop, and rhythm-and-blues genres; moving effortlessly from one repertory to another. He has appeared as a soloist with the New York Philharmonic under Zubin Mehta, with the orchestras of Los Angeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Amsterdam, Japan, Detroit and with the Stanford String Quartet. He has given annual performances at Carnegie Hall, and has performed sold out performances in the Hollywood Bowl with fellow flutist Jean-Pierre Rampal and was a member of the New York Philharmonic and Metropolitan Opera Orchestras. In addition, he has appeared at the Montreux, Playboy, and Kool Jazz festivals; he performed with the Modern Jazz Quartet at the Hollywood Bowl in 1982 and with the Detroit Symphony in 1994. His recordings have won three Grammy nominations.

Mr. Laws has been involved in unique projects such as collaborations with Quincy Jones, Bob James, and Claude Bolling for Neil Simon's comedy California Suite, a collaboration with Earl Klugh and Pat Williams on the music for How to Beat the High Cost of Living: and film scores for The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich, and Spot Marks the X.

There are 20 albums in Mr. Laws' discography for such record companies as: Atlantic, CBS, CTI, including: “My Time Will Come,” and “Storm Then The Calm” for the Music Masters record label.

Session work also remains a staple of Hubert Laws' schedule, and includes collaborations and recordings with such artists as Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein and the New York Philharmonic.

In addition, Mr. Laws maintains his own publishing companies, Hulaws Music and Golden Flute Music, and he founded Spirit Productions in 1976 to produce his own albums and those of promising new artists. He was selected the No. 1 flutist in Down Beat readers' polls ten years in a row and was the critic's choice seven consecutive years.

Born in Houston, Mr. Laws' musical education came from various sources. He grew up directly across from a honky- tonk called Miss Mary's Place, his grandfather played the harmonica, and his mother played gospel music on the piano. His classical training got under way in high school. He later enrolled in the music department at Texas Southern University. During this period, he arranged to study privately with Clement Barone who Mr. Laws considers had a profound effect on his development. From there he traveled to Los Angeles with the Jazz Crusaders where he won a scholarship to the Juilliard School of music in New York City. Mr. Laws completed his studies and obtained his degree at the Juilliard School of music in New York City under tutelage of the renowned flutist Julius Baker.

HUBERT LAWS' MUSICAL BACKGROUND
Hubert's musical education has always been an amalgamation. For starters, his boyhood home was directly across the street from an honest-to-goodness honky-tonk, Miss Mary's Place, which still sits on the same spot in Houston's Studewood section. His grandfather played the harmonica and often entertained as a one-man band. His mother, Miola, played gospel music on piano.

The second of eight children in a musical family, Hubert grew up playing rhythm and blues and gospel at dances in the neighborhood. Brother Ronnie and sisters, Eloise and Debra, have all made their mark in the music industry, while sister Blanche has devoted her talent to gospel singing and brother Johnnie has contributed his voice on Hubert's recordings. It's fitting that Hubert's fourth album for Columbia was entitled Family, featuring almost the entire Laws clan.

Starting out on Piano then Mellophone and alto sax, Hubert picked up the flute in high school while volunteering to fill-in on a flute solo performance with his high school orchestra. Music teacher, Clement Barone, is credited with teaching Hubert the fundamentals. During his early teens, Hubert was exposed to jazz by high school band director Sammy Harris at Phillis Wheatley High School. He enjoyed the freedom of improvisation and the creativity allowed by jazz and began playing regularly with a Houston group known variously as the Swingsters, the Modern Jazz Sextet, Night Hawks, the Jazz Crusaders, and more recently, the Crusaders.

After high school, Hubert enrolled in the Music Department at Texas Southern University. After two years there he left with the Crusaders for Los Angeles. This soon became a point of departure to the Juilliard School of Music in New York. Winning a scholarship that would cover the cost of tuition in 1960, Hubert left for New York in a 1950 Plymouth Sedan with $600.00 in his pocket. Fondly remembering the moment he realized his savings would not cover the necessities of life in New York, Hubert recalled, “It was the fall of 1960. I was down to my last fifty bucks and wondering what to do when the phone rang and it was a call offering me my first job at Sugar Ray's Lounge in Harlem. Times were tough then, but, I haven't looked back since.”

Studying all day every day in class or with master flautist Julius Baker, evenings were devoted to gigging for support. Soon Hubert was playing with the likes of Mongo Santamaria, Lloyd Price Big Band, John Lewis of the Modern Jazz Quartet, the Orchestra USA, and the Berkshire Festival Orchestra at Tanglewood — summer home of the Boston Symphony Orchestra.

Recording session work became a staple of Hubert's schedule and included Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry, and J.J. Johnson. During those tough times, the ability to play R&B and jazz enabled him not only to survive, but to thrive. Hubert believes musicians would do well to learn how to play in a variety of musical idioms.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

///////

El flautista de renombre internacional Hubert Laws es uno de los pocos artistas clásicos que también domina los géneros del jazz, el pop y el rhythm-and-blues, pasando sin esfuerzo de un repertorio a otro. Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York bajo la dirección de Zubin Mehta, con las orquestas de Los Ángeles, Dallas, Chicago, Cleveland, Ámsterdam, Japón, Detroit y con el Stanford String Quartet. Ha ofrecido actuaciones anuales en el Carnegie Hall y ha agotado las entradas en el Hollywood Bowl con su colega el flautista Jean-Pierre Rampal y ha sido miembro de las orquestas de la Filarmónica de Nueva York y de la Ópera Metropolitana. Además, ha aparecido en los festivales de Montreux, Playboy y Kool Jazz; actuó con el Modern Jazz Quartet en el Hollywood Bowl en 1982 y con la Detroit Symphony en 1994. Sus grabaciones han obtenido tres nominaciones a los Grammy.

El Sr. Laws ha participado en proyectos únicos como las colaboraciones con Quincy Jones, Bob James y Claude Bolling para la comedia de Neil Simon California Suite, una colaboración con Earl Klugh y Pat Williams en la música de How to Beat the High Cost of Living: y partituras de películas como The Wiz, Color Purple, A Hero Ain't Nothing but a Sandwich y Spot Marks the X.

Hay 20 álbumes en la discografía del Sr. Laws para compañías discográficas como: Atlantic, CBS, CTI, incluyendo: "My Time Will Come", y "Storm Then The Calm" para el sello discográfico Music Masters.

El trabajo de sesión también sigue siendo un elemento básico en la agenda de Hubert Laws, e incluye colaboraciones y grabaciones con artistas como Quincy Jones, Miles Davis, Herbie Hancock, Chick Corea, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughn, Freddie Hubbard, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, Clark Terry, Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York.

Además, el Sr. Laws mantiene sus propias editoriales, Hulaws Music y Golden Flute Music, y fundó Spirit Productions en 1976 para producir sus propios álbumes y los de nuevos artistas prometedores. Fue elegido el flautista número 1 en las encuestas de los lectores de Down Beat durante diez años consecutivos y fue la elección de la crítica durante siete años consecutivos.

Nacido en Houston, la educación musical del Sr. Laws provino de varias fuentes. Creció justo enfrente de un honky-tonk llamado Miss Mary's Place, su abuelo tocaba la armónica y su madre tocaba música gospel en el piano. Su formación clásica comenzó en el instituto. Más tarde se matriculó en el departamento de música de la Texas Southern University. Durante este periodo, consiguió estudiar en privado con Clement Barone, quien el Sr. Laws considera que tuvo un profundo efecto en su desarrollo. Desde allí viajó a Los Ángeles con los Jazz Crusaders, donde ganó una beca para la Juilliard School of music de Nueva York. El Sr. Laws completó sus estudios y obtuvo su título en la Juilliard School of music de Nueva York bajo la tutela del renombrado flautista Julius Baker.

FORMACIÓN MUSICAL DE HUBERT LAWS
La educación musical de Hubert siempre ha sido una amalgama. Para empezar, su casa de la infancia estaba justo enfrente de un honky-tonk de verdad, Miss Mary's Place, que todavía se encuentra en el mismo lugar en el barrio de Studewood de Houston. Su abuelo tocaba la armónica y a menudo actuaba como un solo hombre orquesta. Su madre, Miola, tocaba la música gospel al piano.

Hubert, el segundo de ocho hijos de una familia de músicos, creció tocando rhythm and blues y gospel en los bailes del barrio. Su hermano Ronnie y sus hermanas, Eloise y Debra, han dejado su huella en la industria musical, mientras que la hermana Blanche ha dedicado su talento al canto gospel y su hermano Johnnie ha aportado su voz en las grabaciones de Hubert. Resulta apropiado que el cuarto álbum de Hubert para Columbia se titule Family, con la participación de casi todo el clan Laws.

Hubert empezó tocando el piano, luego el violonchelo y el saxo alto, y en el instituto se hizo con la flauta mientras se ofrecía como voluntario para un solo de flauta en la orquesta de su instituto. Su profesor de música, Clement Barone, le enseñó los fundamentos de la flauta. Durante su adolescencia, Hubert conoció el jazz de la mano del director de la banda del instituto, Sammy Harris, en el Phillis Wheatley High School. Disfrutó de la libertad de improvisación y de la creatividad que permite el jazz y empezó a tocar regularmente con un grupo de Houston conocido como los Swingsters, el Modern Jazz Sextet, los Night Hawks, los Jazz Crusaders y, más recientemente, los Crusaders.

Después del instituto, Hubert se matriculó en el Departamento de Música de la Texas Southern University. Tras dos años allí, se marchó con los Crusaders a Los Ángeles. Pronto se convirtió en el punto de partida hacia la Juilliard School of Music de Nueva York. Ganando una beca que cubriría el coste de la matrícula en 1960, Hubert se fue a Nueva York en un Plymouth Sedan de 1950 con 600 dólares en el bolsillo. Recordando con cariño el momento en que se dio cuenta de que sus ahorros no cubrirían las necesidades de la vida en Nueva York, Hubert recuerda: "Era el otoño de 1960. Estaba con mis últimos cincuenta dólares y preguntándome qué hacer cuando sonó el teléfono y era una llamada ofreciéndome mi primer trabajo en el Sugar Ray's Lounge de Harlem. Eran tiempos difíciles entonces, pero desde entonces no he mirado atrás".

Estudiando todo el día en clase o con el maestro flautista Julius Baker, las noches las dedicaba a dar conciertos de apoyo. Pronto Hubert estuvo tocando con artistas de la talla de Mongo Santamaria, la Lloyd Price Big Band, John Lewis del Modern Jazz Quartet, la Orchestra USA y la Berkshire Festival Orchestra en Tanglewood, sede de verano de la Orquesta Sinfónica de Boston.

Las sesiones de grabación se convirtieron en un elemento básico de la agenda de Hubert y en ellas participaron Quincy Jones, Paul McCartney, Paul Simon, Aretha Franklin, Lena Horne, James Moody, Sergio Mendes, Bob James, Carly Simon, George Benson, Clark Terry y J.J. Johnson. En esos tiempos difíciles, la capacidad de tocar R&B y jazz le permitió no sólo sobrevivir, sino prosperar. Hubert cree que los músicos harían bien en aprender a tocar en una variedad de lenguajes musicales.
https://musicians.allaboutjazz.com/hubertlaws

 

hubertlaws.com ... 

Kenny Burrell • Midnight At The Village Vanguard

  

Dave Pike • Bossa Nova Carnival

El vibrafonista, Dave Pike inició sus estudios a los ocho años, tocando primero la batería y después el vibráfono, instrumento con el que desarrollaría su carrera profesional. Debutó a mediados de los años cincuenta, formando parte de los grupos del pianista, Elmo Hope, y del contrabajista, Curtis Counce. Con una bien ganada reputación entre sus colegas, en 1957 emprendió una larga y fructífera colaboración con el el pianista Paúl Bley, con el que obtuvo el reconocimiento del publico y de la critica especializada.

Cuando finalizó su colaboración con Bley, Dave Pike la inició con Dexter Gordon y Harold Land, antes de que formara, en 1961, su propio grupo, cosa que hizo junto al flautista, Herbie Mann y que permaneció unido hasta 1964. Participó en 1968 en el Festival de jazz de Berlín, vivió cinco años en Europa donde formó su propio cuarteto con músicos alemanes. Antes de volver a los Estados Unidos formó parte del proyecto de bigband europeo mas importante de aquélla época, cuando se unió a la de Kenny Clarke y Francis Boland. De vuelta a los Estados Unidos, reorganizó su grupo con el que actuó con mucha frecuencia en el sur de California. Pionero del vibráfono amplificado, Dave Pike pertenece a una generación de solistas que trató con éxito en los sesenta, de renovar el lenguaje del vibráfono en el jazz, dominado desde hacia mas de una década por el extraordinario maestro, Milt Jackson.

Fuente: http://www.apoloybaco.com/davepikebiografia.htm

//////

Artist Biography by Scott Yanow

Dave Pike has been a consistent vibraphonist through the years without gaining much fame. He originally played drums and is self-taught on vibes. Pike moved with his family to Los Angeles in 1954 and played with Curtis Counce, Harold Land, Elmo Hope, Dexter Gordon, Carl Perkins, and Paul Bley, among others. After moving to New York in 1960 he put an amplifier on his vibes. Pike toured with Herbie Mann during 1961-1964, spent 1968-1973 in Germany (recording with the Kenny Clarke-Francy Boland big band), and then resettled in Los Angeles, playing locally and recording for Timeless and Criss Cross.

  

Melba Liston • Melba Liston and Her 'Bones

 

Biography
by Scott Yanow

A fine section trombonist, Melba Liston achieved her greatest fame as an arranger, particularly for her projects with Randy Weston. She grew up in California and played with Gerald Wilson's Orchestra starting in 1943. Her most notable recording as a soloist was with Dexter Gordon in 1947. Liston worked with Count Basie (1948-1949), Dizzy Gillespie's big band (1949-1950), and backed Billie Holiday, but then spent a few years outside of music. She toured with and wrote for Dizzy Gillespie's orchestra (1956-1957) and visited Europe with Quincy Jones' big band (1959), staying with that orchestra into 1961. Liston then became a freelance arranger, working on sessions led by Weston, Johnny Griffin, and Milt Jackson, writing for the studios, teaching, and occasionally playing. A serious stroke confined her to a wheelchair from 1985 onward, but Liston still wrote for several latter-day Randy Weston projects in the years prior to her death on April 23, 1999.
https://www.allmusic.com/artist/melba-liston-mn0000404399/biography

///////

Biografía
por Scott Yanow
Excelente trombonista de sección, Melba Liston alcanzó su mayor fama como arreglista, especialmente por sus proyectos con Randy Weston. Creció en California y tocó con la orquesta de Gerald Wilson a partir de 1943. Su grabación más notable como solista fue con Dexter Gordon en 1947. Liston trabajó con Count Basie (1948-1949), la big band de Dizzy Gillespie (1949-1950) y fue telonera de Billie Holiday, pero después pasó unos años alejada de la música. Realizó giras y compuso para la orquesta de Dizzy Gillespie (1956-1957) y visitó Europa con la big band de Quincy Jones (1959), con la que permaneció hasta 1961. Liston se convirtió entonces en arreglista independiente, trabajando en sesiones dirigidas por Weston, Johnny Griffin y Milt Jackson, escribiendo para los estudios, enseñando y tocando ocasionalmente. Un grave derrame cerebral la confinó a una silla de ruedas a partir de 1985, pero Liston siguió escribiendo para varios proyectos de Randy Weston en los años anteriores a su muerte, el 23 de abril de 1999.

https://www.allmusic.com/artist/melba-liston-mn0000404399/biography

Milt Jackson • Bags & Flutes

Biography by Scott Yanow
Before Milt Jackson, there were only two major vibraphonists: Lionel Hampton and Red Norvo. Jackson soon surpassed both of them in significance and, despite the rise of other players (including Bobby Hutcherson and Gary Burton), still won the popularity polls throughout the decades. Jackson (or "Bags" as he was long called) was at the top of his field for 50 years, playing bop, blues, and ballads with equal skill and sensitivity. In its essence, Jackson did for the vibes what Dizzy Gillespie did for the trumpet -- revolutionize its approach. He slowed the speed on the instrument's oscillator, changed its vibrato and perfected slow, cleverly paced blues solos. His floating solos with long, sustained notes and darting rhythms became a bop staple. A former singer, guitarist and pianist, Jackson was an extremely versatile player, cutting big-band dates, working with orchestras, and fighting to maintain a successful solo career yet retain his ties with the Modern Jazz Quartet, the group he co-founded with pianist John Lewis in 1952.

Milt Jackson started on guitar when he was seven, and piano at 11; a few years later, he switched to vibes. He actually made his professional debut singing in a touring gospel quartet. After Dizzy Gillespie discovered him playing in Detroit, he offered him a job with his sextet and (shortly after) his innovative big band (1946). Jackson recorded with Gillespie, and was soon in great demand. During 1948-1949, he worked with Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee, and the Woody Herman Orchestra. After playing with Gillespie's sextet (1950-1952), which at one point included John Coltrane, Jackson recorded with a quartet comprised of John Lewis, Percy Heath, and Kenny Clarke (1952), which soon became a regular group called the Modern Jazz Quartet. Although he recorded regularly as a leader (including dates in the 1950s with Miles Davis and/or Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane, and Ray Charles), Milt Jackson stayed with the MJQ through 1974, becoming an indispensable part of their sound. By the mid-'50s, Lewis became the musical director and some felt that Bags was restricted by the format, but it actually served him well, giving him some challenging settings. And he always had an opportunity to jam on some blues numbers, including his "Bags' Groove." However, in 1974, Jackson felt frustrated by the MJQ (particularly financially) and broke up the group. He recorded frequently for Pablo in many all-star settings in the 1970s, and after a seven-year vacation, the MJQ came back in 1981. In addition to the MJQ recordings, Milt Jackson cut records as a leader throughout his career for many labels including Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters, and Qwest. He died of liver cancer on October 9, 1999, at the age of 76.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

///////

Biografía de Scott Yanow
Antes de Milt Jackson, sólo había dos grandes vibrafonistas: Lionel Hampton y Red Norvo. Jackson pronto superó a ambos en importancia y, a pesar del auge de otros intérpretes (entre ellos Bobby Hutcherson y Gary Burton), siguió ganando las encuestas de popularidad a lo largo de las décadas. Jackson (o «Bags», como se le llamó durante mucho tiempo) estuvo en la cima de su campo durante 50 años, tocando bop, blues y baladas con igual habilidad y sensibilidad. En esencia, Jackson hizo por el vibráfono lo que Dizzy Gillespie hizo por la trompeta: revolucionar su enfoque. Redujo la velocidad del oscilador del instrumento, cambió su vibrato y perfeccionó los solos de blues lentos y de ritmo inteligente. Sus solos flotantes con notas largas y sostenidas y ritmos vertiginosos se convirtieron en un elemento básico del bop. Jackson, que había sido cantante, guitarrista y pianista, era un músico extremadamente versátil, que tocaba con big bands, trabajaba con orquestas y luchaba por mantener una exitosa carrera en solitario y, al mismo tiempo, conservar sus vínculos con el Modern Jazz Quartet, el grupo que cofundó con el pianista John Lewis en 1952.

Milt Jackson empezó a tocar la guitarra a los siete años y el piano a los once; unos años más tarde, se pasó al vibráfono. En realidad, debutó profesionalmente cantando en un cuarteto de gospel de gira. Cuando Dizzy Gillespie le descubrió tocando en Detroit, le ofreció trabajar con su sexteto y (poco después) con su innovadora big band (1946). Jackson grabó con Gillespie y pronto estuvo muy solicitado. Durante 1948-1949, trabajó con Charlie Parker, Thelonious Monk, Howard McGhee y la Woody Herman Orchestra. Después de tocar con el sexteto de Gillespie (1950-1952), que en un momento dado incluyó a John Coltrane, Jackson grabó con un cuarteto formado por John Lewis, Percy Heath y Kenny Clarke (1952), que pronto se convirtió en un grupo fijo llamado Modern Jazz Quartet. Aunque grabó regularmente como líder (incluyendo fechas en los años 50 con Miles Davis y/o Thelonious Monk, Coleman Hawkins, John Coltrane y Ray Charles), Milt Jackson permaneció con el MJQ hasta 1974, convirtiéndose en una parte indispensable de su sonido. A mediados de los 50, Lewis se convirtió en el director musical y algunos pensaron que Bags se veía limitado por el formato, pero en realidad le servía bien, ya que le ofrecía algunos escenarios desafiantes. Y siempre tenía la oportunidad de improvisar en algunos números de blues, incluyendo su «Bags' Groove». Sin embargo, en 1974, Jackson se sintió frustrado por el MJQ (sobre todo económicamente) y disolvió el grupo. En la década de 1970 grabó con frecuencia para Pablo en muchos grupos de estrellas y, tras unas vacaciones de siete años, el MJQ regresó en 1981. Además de las grabaciones del MJQ, Milt Jackson grabó discos como líder a lo largo de su carrera para muchos sellos, como Savoy, Blue Note (1952), Prestige, Atlantic, United Artists, Impulse, Riverside, Limelight, Verve, CTI, Pablo, Music Masters y Qwest. Murió de cáncer de hígado el 9 de octubre de 1999, a la edad de 76 años.
https://www.allmusic.com/artist/milt-jackson-mn0000489845#biography

 

 

VA • Chillout Jazz Organ

Baby Face Willette, Hammond, James Brown, Jimmy Smith, Joey Defrancesco, Kenny Burrell, Larry Young, Lou Donaldson, Pat Martino, Shirley Scott, Stanley Turrentine, Walter Wanderley, Wes Montgomery ...

Gildo Mahones • I'm Shooting High

Gildo Mahones (born June 2, 1929, New York City) is an American jazz pianist.

Early in his career, Mahones played with Joe Morris (1948) and Milt Jackson. He served in the Army during the Korean War and then played with Lester Young from 1953 to 1956. Later in the 1950s he toured with the Jazz Modes (whose members included Charlie Rouse and Julius Watkins), Sonny Stitt, and Benny Green. From 1959 to 1964 he played behind Lambert, Hendricks & Ross.

When LHR split, Mahones relocated to Los Angeles where he worked both as a studio musician and as a jazz sideman. He led his own trio, and appeared on recordings by O.C. Smith, Lou Rawls, James Moody, Harold Land and Blue Mitchell, Leon Thomas, Jim Hall, Big Joe Turner, Lorez Alexandria, Benny Carter, Pony Poindexter, Booker Ervin, and Jimmy Witherspoon.

///////

Gildo Mahones (nacido el 2 de junio de 1929, en la ciudad de Nueva York) es un pianista de jazz americano.

Al principio de su carrera, Mahones tocó con Joe Morris (1948) y Milt Jackson. Sirvió en el Ejército durante la Guerra de Corea y luego tocó con Lester Young de 1953 a 1956. Más tarde, en la década de 1950, realizó una gira con los Jazz Modes (entre cuyos miembros se encontraban Charlie Rouse y Julius Watkins), Sonny Stitt y Benny Green. De 1959 a 1964 tocó detrás de Lambert, Hendricks & Ross.

Cuando LHR se separó, Mahones se trasladó a Los Ángeles donde trabajó como músico de estudio y como sideman de jazz. Dirigió su propio trío y apareció en grabaciones de O.C. Smith, Lou Rawls, James Moody, Harold Land y Blue Mitchell, Leon Thomas, Jim Hall, Big Joe Turner, Lorez Alexandria, Benny Carter, Pony Poindexter, Booker Ervin y Jimmy Witherspoon.

Johnny Hodges & Wild Bill Davis • Blue Rabbit

 

One of altoist Johnny Hodges' many solo records in the 60's away from Duke Ellington's Orchestra, this out-of-print LP features him in two separate but similar settings. The great saxophonist is joined by either Wild Bill Davis or (on four of the nine songs) the obscure organist Ray Jackson, either Kenny Burrell or Mundell Lowe on guitar, Wendell Marshall, Jack Lesberg or Richard Davis on bass, and Bobby Donaldson or Osie Johnson on drums. The music is fairly typical for a Hodges date, with four Ellington standards, some blues and some basic originals. In a few spots, the organists really do a good job of filling in for the Ellington Orchestra. Tasty and swinging music. ~ Scott Yanow, AMG.

///////

Uno de los muchos discos en solitario del altoista Johnny Hodges en los años 60, lejos de la Orquesta de Duke Ellington, este LP agotado lo presenta en dos escenarios separados pero similares. Al gran saxofonista se le unen Wild Bill Davis o (en cuatro de las nueve canciones) el oscuro organista Ray Jackson, Kenny Burrell o Mundell Lowe en la guitarra, Wendell Marshall, Jack Lesberg o Richard Davis en el bajo, y Bobby Donaldson u Osie Johnson en la batería. La música es bastante típica para una cita de Hodges, con cuatro estándares de Ellington, algo de blues y algunos originales básicos. En unos pocos puntos, los organistas hacen un buen trabajo reemplazando a la Orquesta de Ellington. Música sabrosa y swing. ~ Scott Yanow, AMG.

Shirley Scott & Kenny Burrell • Travelin' Light

Reviews:

Kenny Burrell joins the trio of organist Shirley Scott for this sweet little album – a set that seems to burn a bit more than usual for Shirley, probably because of the cool-toned guitar lines from Kenny! The album's got the same laid back feel as other Scott albums of the time, but Burrell really digs in during his solos - adding a bit more bite, and inspiring Shirley to do the same on her own Hammond lines. Bass is by Eddie Khan and drums are by Otis Finch – and titles include "Solar", "The Kerry Dance", "They Call It Stormy Monday", "Nice N Easy", and "Baby It's Cold Outside". © 1996-2014, Dusty Groove, Inc.

In February 1964—sandwiched between two recording sessions with then husband and tenor saxophonist Stanley Turrentine—organist Shirley Scott recorded with guitarist Kenny Burrell. She had just wrapped Hustlin' with Turrentine at the end of January and would be back in the studio for Blue Flames at the end of March. Backing Scott and Burrell on this Ozzie Cadena-produced album for Prestige were bassist Eddie Khan and drummer Otis "Candy" Finch. What makes this album so exciting is what's missing—a boss. Turrentine's appeal on Scott dates was his soulful command and searing reed statements before and after Scott solos. Here, Scott and Burrell play off each other in tender ways. It's a hip rhythm-section date—with all the swinging, playful interchanges you find when the sax on an organ date sits out. After Scott's solos, instead of the Turrentine train roaring out of the tunnel, you get Burrell's ringing, single-note lines. The ear likes what it hears. The session's song choices also are perfect in every way. The track list features Travelin' Light, Solar, Nice 'n' Easy, They Call It Stormy Monday, Baby It's Cold Out There and The Kerry Dance. What's interesting is how Scott plays behind Burrrell. Fully aware of the guitar's sonic limitations, she offers huge support to fill the space—offering both texture and a frame for Burrell. Scott and Burrell played well together. For me, the title tune, Solar and Nice 'n' Easy say it all—a glorious pace, groovy ideas and earthy camaraderie. ~ Marc Myers, jazzwax.com.

///////

En febrero de 1964 -entre dos sesiones de grabación con el entonces marido y saxofonista tenor Stanley Turrentine- la organista Shirley Scott grabó con el guitarrista Kenny Burrell. Ella acababa de terminar Hustlin' con Turrentine a finales de enero y volvería al estudio para Blue Flames a finales de marzo. Apoyando a Scott y Burrell en este álbum producido por Ozzie Cadena para Prestige estaban el bajista Eddie Khan y el baterista Otis "Candy" Finch. Lo que hace a este álbum tan emocionante es lo que falta: un jefe. El atractivo de Turrentine en las citas de Scott fue su conmovedora orden y sus ardientes declaraciones de caña antes y después de los solos de Scott. Aquí, Scott y Burrell se enfrentan de forma tierna. Es una cita de sección rítmica de moda, con todos los intercambios juguetones y balanceados que se encuentran cuando el saxo en una cita de órgano se sienta. Después de los solos de Scott, en lugar de que el tren de la Turrentina salga rugiendo del túnel, tienes las líneas de una sola nota de Burrell. Al oído le gusta lo que oye. La elección de las canciones de la sesión también es perfecta en todos los sentidos. La lista de canciones incluye Travelin' Light, Solar, Nice 'n' Easy, They Call It Stormy Monday, Baby It's Cold Out There y The Kerry Dance. Lo interesante es cómo Scott toca detrás de Burrrell. Consciente de las limitaciones sónicas de la guitarra, ofrece un gran apoyo para llenar el espacio, ofreciendo tanto textura como un marco para Burrrell. Scott y Burrell tocaron bien juntos. Para mí, el tema del título, Solar y Nice 'n' Easy lo dicen todo: un ritmo glorioso, ideas geniales y camaradería terrenal. ~ Marc Myers, jazzwax.com.