Eddie Davis Trio with Shirley Scott • Roulette RS 52019

 

VA • Atlantic Jazz Soul

 

Review by Stephen Cook
The Atlantic Jazz series continues with this slice of mostly '60s jazz-soul treats. Fittingly, the 11-track disc includes a side by one of the prime progenitors of soul, Ray Charles: He and MJQ vibraphonist, Milt Jackson, stretch out on the canonized "How Long Blues." Further expounding on the soul-jazz trajectory, the collection spotlights work by organist Shirley Scott (the Aretha Franklin hit "Think"), Les McCann and Eddie Harris (their classic Montreux Festival cut "Compared to What"), Yusef Lateef ("Russell and Elliot"), and Hank Crawford ("You're the One"). And there's even a bit of boogaloo-enhanced bossa, compliments of trumpeter Nat Adderley ("Jive Samba"). The soundtrack to your next retro-cool shindig.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-soul-mw0000651295

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Reseña de Stephen Cook
La serie Atlantic Jazz continúa con esta porción de delicias de jazz-soul de los años 60. El disco de 11 pistas incluye una cara de uno de los principales progenitores del soul, Ray Charles: él y el vibrafonista de MJQ, Milt Jackson, se extienden en el canonizado "How Long Blues". Para profundizar en la trayectoria del soul-jazz, la colección destaca el trabajo de la organista Shirley Scott (el éxito de Aretha Franklin "Think"), Les McCann y Eddie Harris (su clásico del Festival de Montreux "Compared to What"), Yusef Lateef ("Russell and Elliot") y Hank Crawford ("You're the One"). E incluso hay un poco de bossa con toques de boogaloo, gracias al trompetista Nat Adderley ("Jive Samba"). La banda sonora de tu próxima fiesta retro-cool.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-soul-mw0000651295

Stanley Turrentine • Never Let Me Go

 

Never Let Me Go is the eighth album by jazz saxophonist Stanley Turrentine recorded for the Blue Note label and performed by Turrentine with Shirley Scott, Major Holley, Ray Barretto and Al Harewood, with Sam Jones and Clarence Johnston replacing Holley, Barretto and Harewood on two tracks.

Review by Thom Jurek
This 1961 groove date by Stanley Turrentine is an example of him at his fiery peak. Far from the slow groover of the CTI years, Turrentine's early Blue Note sides were massive and bright, saturated in deep soul and blues. This set featured Turrentine's wife, organist and composer Shirley Scott, and a pair of alternating rhythm sections. The first is Major Holley on bass and Al Harewood on drums, and the second is with Sam Jones and Clarence Johnston. Latin Conguero Ray Barretto appeared with the Holley/Harewood band. The set opens with a stomping version of Lloyd Price's "Trouble," with Scott taking the early solo while driving the groove. Turrentine burns the edges of the tune and Barretto punches up the middle with decorative flourishes and fills. This is followed by the a deeply moving read of "God Bless the Child." With Turrentine playing in his smokiest, silkiest, Ben Webster-inflected tone. Scott's solo, by contrast, is pure blues. The coolest tune on the set is "Major's Minor," written by Stanley and Shirley. With its seeming quotations from "So What?" and "Chim Chim Cherie," in the foreground, it gives way to a completely funky blues, which is a bit of a surprise. But the easy swing and in-the-pocket saxophone soloing punctuated by fat, grooved-out chords by Scott make it the gem it is. The alternate rhythm section of Jones and Johnston appear on the title track. This is one of those grand ballads where the organ acts as the testifying pulpit from which to speak, and Turrentine not only speaks, he weeps and whispers and wails here. All the while his rhythm section layers washes of percussion and muted changes in ever-present but subtle shades of blue. It's a stunner.

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Never Let Me Go es el octavo álbum del saxofonista de jazz Stanley Turrentine grabado para el sello Blue Note e interpretado por Turrentine con Shirley Scott, Major Holley, Ray Barretto y Al Harewood, con Sam Jones y Clarence Johnston reemplazando a Holley, Barretto y Harewood en dos pistas

Revisión por Thom Jurek
Esta cita de 1961 de Stanley Turrentine es un ejemplo de él en su pico de fuego. Lejos del movimiento lento de los años de CTI, los primeros lados del Blue Note de Turrentine eran enormes y brillantes, saturados en el alma y los azules profundos. Este conjunto presentaba a la esposa de Turrentine, la organista y compositora Shirley Scott, y un par de secciones de ritmo alternas. El primero es Major Holley en el bajo y Al Harewood en la batería, y el segundo es con Sam Jones y Clarence Johnston. El conguero latino Ray Barretto apareció con la banda Holley / Harewood. El conjunto se abre con una versión pisoteante de "Trouble" de Lloyd Price, con Scott tomando el primer solo mientras conduce. Turrentine quema los bordes de la melodía y Barretto empuja el centro con adornos y rellenos decorativos. A esto le sigue la lectura conmovedora de "Dios bendiga al niño". Con Turrentine tocando en su tono más suave, más sedoso e inflexible de Ben Webster. El solo de Scott, por el contrario, es blues puro. La melodía más genial en el set es "Major's Minor", escrita por Stanley y Shirley. Con sus citas aparentes de "¿Y qué?" y "Chim Chim Cherie", en primer plano, da paso a un blues completamente funky, que es un poco sorprendente. Pero el swing fácil y el solo de saxofón en el bolsillo salpicado por cuerdas gruesas y estriadas de Scott lo convierten en la joya que es. La sección de ritmo alternativo de Jones y Johnston aparece en la pista del título. Esta es una de esas grandes baladas donde el órgano actúa como el púlpito testificante desde el cual hablar, y Turrentine no solo habla, sino que también llora, susurra y gime. Mientras tanto, su sección de ritmo combina capas de percusión y cambios apagados en matices de azul siempre presentes pero sutiles. Es un aturdidor.

 

 

 

VA • The Very Best Of Prestige Records (60th Anniversary)

 

Lee Konitz, Lennie Tristano, Charles Earland, Dexter Gordon, Pat Martino, Richard ''Groove'' Holmes, Shirley Scott, Rahsaan Roland Kirk, Yusef Lateef, Brother Jack McDuff, Eric Dolphy, Miles Davi, Thelonious Monk ...

 

 

 

 

Shirley Scott • Hip Twist

Review by Stewart Mason

By late 1961, the Twist was all the rage, but casual consumers were probably a little put out when they had a listen to Shirley Scott's Hip Twist; it's impossible to imagine anyone gyrating to the slinky soul of the Stanley Turrentine-penned title track, which was probably the point. It's hip, dig? Actually, Hip Twist is exceedingly hip, with its glorious bop-influenced tenor sax work by Turrentine (Scott's husband) and Scott's own gospel-inspired but hardly churchbound Hammond organ work. In fact, Hip Twist is probably a better album than its companion, Hip Soul; Turrentine's originals make up more of the album, and they're unfailingly great, with the aptly titled "Violent Blues" showing a more aggressive side to his usual fluid style. Bassist George Tucker and drummer Otis Finch hold down the bottom without drawing too much attention to themselves, and honestly, a flashier rhythm section (say, Sam Jones and Philly Joe Jones) probably would give the songs even more of a kick in the pants. However, Hip Twist, like nearly all of the Shirley Scott and Stanley Turrentine albums, is an underappreciated gem.

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Reseña de Stewart Mason

A finales de 1961, el Twist estaba de moda, pero los consumidores ocasionales estaban probablemente un poco molestos cuando escuchaban el Hip Twist de Shirley Scott; es imposible imaginar a nadie girando hacia el alma esbelta de la canción del título de Stanley Turrentine, que probablemente era el punto. Es moderno, ¿entiendes? En realidad, Hip Twist es extremadamente moderno, con su glorioso saxo tenor influenciado por el bop, obra de Turrentine (el marido de Scott) y el trabajo de órgano Hammond inspirado en el evangelio de Scott, pero difícilmente vinculado a la iglesia. De hecho, Hip Twist es probablemente un mejor álbum que su compañero, Hip Soul; los originales de Turrentine componen más del álbum, y son infaliblemente grandes, con el acertadamente titulado "Violent Blues" mostrando un lado más agresivo de su estilo fluido habitual. El bajista George Tucker y el baterista Otis Finch sostienen el fondo sin llamar demasiado la atención, y honestamente, una sección rítmica más llamativa (digamos, Sam Jones y Philly Joe Jones) probablemente le daría a las canciones aún más de una patada en los pantalones. Sin embargo, Hip Twist, como casi todos los álbumes de Shirley Scott y Stanley Turrentine, es una joya subestimada. 

 

 

facebook.com/shirleyscottjazz ...

Shirley Scott • Queen Talk - Live At The Left Bank

 

Editorial Review:
Queen Talk: Live at the Left Bank is an official never before released concert recording from one of the greatest female jazz organists of all-time, Shirley Scott, featuring a powerhouse trio with George Coleman on tenor saxophone and Bobby Durham on drums, plus special guest vocalist Ernie Andrews on three tracks. The set was transferred from the original tape reels and features almost 100 minutes of music and is packaged in a gatefold sleeve with an extensive booklet with liner notes by acclaimed music writer A. Scott Galloway; rare photos by Don Schlitten and Raymond Ross, and memorabilia from the Left Bank archives; plus interviews with jazz organ icon Joey DeFrancesco, former Shirley Scott bandmate, saxophonist Tim Warfield, and pianist Monty Alexander reminiscing about drummer Bobby Durham. The set is co-produced by label owner musician Cory Weeds and renowned archival recording producer Zev Feldman.

The show was recorded at the Famous Ballroom in Baltimore Maryland on August 20, 1972 and hasn't ever been previously available. Philadelphia born Scott rose to fame in the late 1950s playing the Hammond B-3 organ influenced by blues and gospel evolving into '60s soul jazz. She recorded numerous albums for Prestige, Impulse!, Atlantic, Cadet and Candid performing with countless jazz legends including Stanley Turrentine, Oliver Nelson, Eddie "Lockjaw" Davis, Clark Terry and Kenny Burrell.

The 10-track set cooks on songs of the day like "By the Time I Get to Phoenix," "You Don't Mess Around With Jim," and "Never Can Say Goodbye," along with standards such as "Smile," "Witchcraft" and John Coltrane's "Impressions."


Review
by Matt Collar
Culled from the recording archives of the Baltimore-based Left Bank Jazz Society, Queen Talk: Live at the Left Bank captures organist Shirley Scott in a fiery 1972 performance. Best known for her '50s work with saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis, Scott had developed into a swaggeringly adept bandleader in her own right by the 1970s. For most of the decade prior, she had worked alongside her husband, tenor saxophonist Stanley Turrentine, helping to craft his funky, organic brand of soul-jazz. Divorced from Turrentine and having signed her own contract with Cadet Records, Scott had already embarked on her own career by the time she hit the stage in August 1972. Notably, most of her early recordings found her working with a bassist. The choice was largely a label attempt at setting her apart from other organists, but one that undermined her immense, multi-tasking keyboard abilities. Here, she handles both keyboard and bass duties, deftly laying down bass grooves via the Hammond B-3 foot pedals in the traditional organ style. Throughout, her playing is boldly harmonic and rhythmically assured, marked by thick chordal blasts that shimmer like waves in the sun. Riding those waves are drummer Bobby Durham and tenor saxophonist George Coleman (who valiantly carved out his own place in jazz history as the saxophonist after John Coltrane and before Wayne Shorter in Miles Davis' quintet). Coleman had just played on Scott's third Cadet album, Lean on Me. On this night, both musicians sound relaxed and ready to let loose. Let loose they do, tackling an inspired mix of standards and reworked contemporary billboard hits, including a driving version of Coltrane's "Impressions" in which Scott matches Coleman's edgy note choices line for line. They also dig into soulful readings of Jimmy Webb's "By the Time I Get to Phoenix" and Gloria Gaynor's "Never Can Say Goodbye," both full of earthy, golden-hour vibes, making the strong case that jazz musicians often sound the best when they put their own twist on unexpected pop tunes. Also jumping on board late in the set is singer Ernie Andrews, who brings his urbane, lover-man style to Jim Croce's "You Don't Mess Around with Jim" and a raucously playful take on "Girl Talk." During the introduction to "Girl Talk," Andrews encourages the audience to clap and give it up to Scott and her trio, calling her "the First Lady of Hammond." As the album implies, Scott was actually known as the "Queen of the Organ." Regardless of title, on Queen Talk: Live at the Left Bank, Scott is jazz royalty personified.
https://www.allmusic.com/album/queen-talk-live-at-the-left-bank-mw0003946927

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Reseña editorial:
Queen Talk: Live at the Left Bank es una grabación oficial inédita de un concierto de una de las mejores organistas de jazz de todos los tiempos, Shirley Scott, con un potente trío con George Coleman al saxo tenor y Bobby Durham a la batería, además del cantante invitado especial Ernie Andrews en tres temas. El disco se ha transferido de las cintas originales, contiene casi 100 minutos de música y se presenta en una carátula con un extenso libreto con notas del aclamado escritor musical A. Scott Galloway; fotos poco comunes de Don Schlitten y Raymond Ross, y recuerdos de los archivos de Left Bank; además de entrevistas con el icono del órgano de jazz Joey DeFrancesco, el antiguo compañero de banda de Shirley Scott, el saxofonista Tim Warfield, y el pianista Monty Alexander recordando al batería Bobby Durham. El disco ha sido coproducido por el músico Cory Weeds, propietario del sello, y el prestigioso productor de grabaciones de archivo Zev Feldman.

El espectáculo se grabó en el Famous Ballroom de Baltimore, Maryland, el 20 de agosto de 1972 y nunca antes había estado disponible. Scott, nacido en Filadelfia, saltó a la fama a finales de la década de 1950 tocando el órgano Hammond B-3 con influencias del blues y el gospel que evolucionaron hacia el soul jazz de los años 60. Grabó numerosos álbumes para Prestige, Impulse!, Atlantic, Cadet y Candid actuando con innumerables leyendas del jazz como Stanley Turrentine, Oliver Nelson, Eddie "Lockjaw" Davis, Clark Terry y Kenny Burrell.

El set de 10 pistas se cocina con canciones del momento como "By the Time I Get to Phoenix", "You Don't Mess Around With Jim" y "Never Can Say Goodbye", junto con estándares como "Smile", "Witchcraft" e "Impressions" de John Coltrane.


Reseña
por Matt Collar
Extraído de los archivos de la Left Bank Jazz Society de Baltimore, Queen Talk: Live at the Left Bank recoge la actuación de la organista Shirley Scott en 1972. Conocida sobre todo por su trabajo de los años 50 con el saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis, Scott se había convertido en los años 70 en una hábil directora de orquesta por derecho propio. Durante la mayor parte de la década anterior, había trabajado junto a su marido, el saxofonista tenor Stanley Turrentine, ayudando a crear su estilo funky y orgánico de soul-jazz. Divorciada de Turrentine y habiendo firmado su propio contrato con Cadet Records, Scott ya se había embarcado en su propia carrera cuando subió al escenario en agosto de 1972. En la mayoría de sus primeras grabaciones trabajaba con un bajista. La elección fue en gran medida un intento de la discográfica de diferenciarla de otros organistas, pero que socavó sus inmensas habilidades como teclista multitarea. Aquí, se encarga tanto del teclado como del bajo, estableciendo hábilmente los surcos del bajo a través de los pedales del Hammond B-3 al estilo tradicional del órgano. En todo momento, su interpretación es audazmente armónica y rítmicamente segura, marcada por gruesas explosiones de acordes que brillan como olas al sol. En esas olas están el batería Bobby Durham y el saxofonista tenor George Coleman (que se labró valientemente su propio lugar en la historia del jazz como saxofonista después de John Coltrane y antes de Wayne Shorter en el quinteto de Miles Davis). Coleman acababa de tocar en el tercer álbum de Scott Cadet, Lean on Me. Esta noche, ambos músicos suenan relajados y dispuestos a soltarse. Y así lo hacen, abordando una inspirada mezcla de standards y éxitos contemporáneos, incluyendo una versión de "Impressions" de Coltrane en la que Scott iguala línea a línea las enérgicas elecciones de notas de Coleman. También se adentran en lecturas conmovedoras de "By the Time I Get to Phoenix" de Jimmy Webb y "Never Can Say Goodbye" de Gloria Gaynor, ambas llenas de vibraciones terrenales y doradas, demostrando que los músicos de jazz a menudo suenan mejor cuando dan su propio giro a melodías pop inesperadas. El cantante Ernie Andrews también se unió a la banda al final del set, aportando su estilo urbano y enamoradizo a "You Don't Mess Around with Jim" de Jim Croce y a una versión estridente y juguetona de "Girl Talk". Durante la introducción de "Girl Talk", Andrews anima al público a aplaudir y rendirse a Scott y su trío, llamándola "la Primera Dama del Hammond". Como da a entender el álbum, Scott era en realidad conocida como la "Reina del Órgano". Independientemente del título, en Queen Talk: Live at the Left Bank, Scott es la realeza del jazz personificada.
https://www.allmusic.com/album/queen-talk-live-at-the-left-bank-mw0003946927

Stanley Turrentine • Hustlin' (RVG-edition)

Review by Scott Yanow

This is a typically excellent recording from the husband-wife team of tenor saxophonist Stanley Turrentine and organist Shirley Scott. With assistance from guitarist Kenny Burrell, bassist Bob Cranshaw, and drummer Otis Finch, Turrentine (who always had the skill of playing melodies fairly straight but with his own brand of soul) and Scott dig into "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble," "Something Happens to Me," a couple of basic originals, and "Goin' Home." The Turrentine-Scott team never made an unworthy disc; all are easily recommended, including this one.

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Revisión por Scott Yanow

Esta es una grabación típicamente excelente del equipo de marido y esposa del saxofonista tenor Stanley Turrentine y la organista Shirley Scott. Con la ayuda del guitarrista Kenny Burrell, el bajista Bob Cranshaw, y el baterista Otis Finch, Turrentine (quien siempre tuvo la habilidad de tocar melodías bastante claras pero con su propia marca de soul) y Scott se suman a "Love Letters," Lloyd Price's "Trouble, "" Algo me pasa ", un par de originales básicos y" Goin 'Home ". El equipo de Turrentine-Scott nunca hizo un disco indigno; Todos son fácilmente recomendables, incluido este.

Shirley Scott • Workin'and stompin'

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacida en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

 

 

 

Eddie 'Lockjaw' Davis • Complete Recordings

 

Eddie ''Lockjaw'' Davis & Shirley Scott • Bacalao

When it came to tenor saxophonists, the late organist Shirley Scott had excellent taste. One of the big-toned tenor men she worked with extensively was Stanley Turrentine, whom she married; another was Eddie "Lockjaw" Davis. Recorded in Rudy Van Gelder's New Jersey studio in 1959, Bacalao is among the many solid hard bop/soul-jazz albums that resulted from Davis' association with Scott. The two of them enjoyed an incredibly strong rapport in the late '50s and early '60s, and they are very much in sync on Bacalao (which unites them with bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill, and two Latin percussion men: Luis Perez and salsa giant Ray Barretto). The presence of Perez and Barretto gives the album some Afro-Cuban appeal, and both of them do well by Davis and Scott -- who are in fine form whether they turn their attention to two James Moody items ("Last Train From Overbrook" and "Dobbin' With Redd Foxx") or well-known pop standards (which include "That Old Black Magic," "Sometimes I'm Happy," "When Your Lover Has Gone," and "Come Rain or Come Shine"). In the liner notes that he wrote for Bacalao in 1959 or 1960, Amiri Baraka (formerly Leroi Jones) describes "Come Rain or Come Shine" and "That Old Black Magic" as "old beat-up tunes"; even back then, those Harold Arlen standards were considered warhorses. But Baraka also goes on to say that Davis and his colleagues revitalize the songs. Organ combo soul-jazz was still new and fresh in 1959, and Scott was helping Davis find new ways to interpret very familiar melodies. Although not quite essential, Bacalao is a rewarding example of Davis' ability to thrive in an organ/tenor setting.

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Cuando se trataba de saxofonistas tenores, la difunta organista Shirley Scott tenía un excelente gusto. Uno de los grandes tenores con los que trabajó extensamente fue Stanley Turrentine, con quien se casó; otro fue Eddie "Lockjaw" Davis. Grabado en el estudio de Rudy Van Gelder en Nueva Jersey en 1959, Bacalao es uno de los muchos álbumes sólidos de hard bop/soul-jazz que resultaron de la asociación de Davis con Scott. Los dos disfrutaron de una relación increíblemente fuerte a finales de los 50 y principios de los 60, y están muy sincronizados en Bacalao (que los une con el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill, y dos hombres de percusión latina: Luis Pérez y el gigante de la salsa Ray Barretto). La presencia de Pérez y Barretto le da al disco un cierto atractivo afrocubano, y a ambos les va bien por parte de Davis y Scott - que están en buena forma ya sea que pongan su atención en dos temas de James Moody ("Last Train From Overbrook" y "Dobbin' With Redd Foxx") o en estándares pop muy conocidos (que incluyen "That Old Black Magic", "Sometimes I'm Happy", "When Your Lover Has Gone" y "Come Rain or Come Shine"). En las notas de línea que escribió para Bacalao en 1959 ó 1960, Amiri Baraka (antes Leroi Jones) describe "Come Rain or Come Shine" y "That Old Black Magic" como "viejas melodías desgastadas"; incluso en aquel entonces, esos estándares de Harold Arlen se consideraban caballos de guerra. Pero Baraka también dice que Davis y sus colegas revitalizan las canciones. El soul-jazz en combinación de órganos era todavía nuevo y fresco en 1959, y Scott ayudaba a Davis a encontrar nuevas formas de interpretar melodías muy familiares. Aunque no es esencial, Bacalao es un ejemplo gratificante de la capacidad de Davis para prosperar en un entorno de órgano/tenor.

Eddie 'Lockjaw' Davis • Cookbook Vol. 1, 2 y 3

Edward Davis nació el 2 de marzo de 1922, en Nueva York. Músico autodidacta, comenzó su carrera profesional en Harlem ocho meses después de la compra de su primer saxofón y a finales de los años 30 ya trabajaba regularmente en la Clark Monroe's Uptown House. A pesar de la estrecha relación que mantendría con el bebop unos años más tarde, su estilo estaba firmemente arraigado en el blues y el swing. De hecho, sus primeras interpretaciones muestran una afinidad con el duro estilo de tocar el saxo tenor de la escuela tejana. A principios de los años 40, además de liderar sus propios pequeños grupos, Davis trabaja con grandes bandas lideradas por Cootie Williams, Lucky Millinder, Andy Kirk y Louis Armstrong.

En 1952, Davis comienza a trabajar con la banda de Count Basie, teniendo un papel protagonista en muchas de sus formaciones. "En un momento en que la banda de Basie necesitaba una enorme personalidad en sus filas", señala la Illustrated Encyclopedia of Jazz, "Jaws asumió ese papel, y los temas en los que aparecen sus solos, 'Flight of the Foo Birds' y 'After Supper' ( The Atomic Mr. Basie), resaltan por su vigor y entusiasmo ". Tal como comentaría el crítico Leonard Feather en Los Angeles Times, "La banda de Count Basie era virtualmente una escuela para solistas ... que produjo algunos de los sonidos individuales en el jazz más duraderos". Su relación con la banda de Count Basie se prolongaría a lo largo de los años, ya que volvería a incorporarse a la banda en los 60 y, más tarde, a principios de los 70. Con Basie, Davis muestra una amplia gama musical, lo que le permite salir de cualquier situación tocando a su aire. Además, su forma de interpretar las baladas, influenciada por Ben Webster, florece y desarrolla una inventiva y un tono inspirados por el legendario Coleman Hawkins. "Davis aporta a la banda de Basie vigor y tenacidad, un magnífico envoltorio para el mecanismo de precisión que es la sección rítmica de Basie".

Su debut discográfico, Modern Jazz Expression, tiene lugar en 1955. Davis también obtuvo un alto reconocimiento en sus actuaciones como líder de un quinteto de jazz con raices en el blues, en el que la estructura típica de los grupos con órgano se veía modificada al prescindir de la guitarra y sustituirla por el bajo, lo que dotaba a su música de una mayor flexibilidad rítmica. El grupo lo componen Shirley Scott al órgano, George Duvivier al bajo, Arthur Edgehill a la batería y Jerome Richardson al saxo y la flauta. El debut discográfico del grupo, "Eddie 'Lockjaw' Davis Cookbook Volumen 1", fue seguido por "Smokin'", dos volúmenes más de la serie Cookbook, y "Jaws" (grabado sin Richardson), todos ellos grabados en 1958. "Jaws In Orbit", con el trombonista Steve Pulliam, aparece en 1959, el mismo año en que Davis grabó el aclamado "Gentle Jaws", un álbum que también incluye una sesión con el trío del pianista Red Garland, el bajista Sam Jones y el baterista Taylor Arthur.

La grabación de "Trane Whistle" en 1960, acompañado de una big band y con arreglos de Oliver Nelson y Ernie Wilkins, le permite obtener mayor reconocimiento. Un año más tarde publica "Afro-Jaws", una incursión en cuarteto en la música latina que cuenta con la presencia de Ray Barrtetto, así como con una sección de trompetas, con Clark Terry a la cabeza, en dos de los temas.

En la década de los 60 se produce su asociación con el saxofonista Johnny Griffin, dando lugar a una decena de excelentes discos donde se mezclan mainstream y bebop, y en los que, como combates de boxeo, ambos saxofonistas desarrollan incruentas batallas musicales. Ambos tenores eran de diferente temperamento, tanto musical como emocionalmente (Davis interpreta con el ardor que aprendió con Basie y era conocido por su carácter atento, irónico y reservado, mientras que Griffin, que había tocado con Lionel Hampton, Art Blakey y Thelonius Monk, era extrovertido y jovial), pero sus ideas se complementaban y hacía que ambos mejoraran. Como Davis explicaría a J. Robert Bragonier en su web 52 Street Jazz: "Lo que estamos haciendo es presentar, uno al lado del otro, dos estilos diferentes de tocar el tenor - una comparación, no un concurso". Entre sus grabaciones destacan "Tough Tenors", "Battle Stations" (1960), "Griff & Lock" y "Blues Up and Down" (1961).

Davis siguió grabando durante la década de los 70, realizando "Straight Ahead" en 1976 con el trío de Tommy Flanagan y "Montreux 77" grabado el año siguiente con un cuarteto en el que figuraban Oscar Peterson en el piano, Ray Brown en el bajo, y Jimmie Smith en la batería. Ambos álbumes recibieron elogios por parte de los críticos. En sus últimos años, Davis trabajó a menudo con el trompetista Harry 'Sweets' Edison. Además de realizar grabaciones en estudio, iban juntos de gira durante meses, cogiendo músicos locales para completar el grupo. Davis mantuvo su actividad musical hasta el momento de su muerte, acaecida como consecuencia de un cáncer el 3 de noviembre de 1986, en el hospital de Culver City, California.

Existen varias versiones sobre la forma en que Eddie "Lockjaw" Davis obtuvo su apodo. Algunos sostienen que adoptó el mote en una de sus primeras sesiones de grabación, mientras buscaba títulos para sus composiciones; "Lockjaw", en consecuencia, se convirtió no sólo en el nombre de un tema, sino también en una parte importante de sí mismo. Otros apuntan a la costumbre de Davis de apretar su saxo tenor con la boca como la razón por la cual surgió su apodo. Pero independientemente de la causa, Davis se convirtió para muchos en la quintaesencia del saxofonista de jazz straight-ahead. Su sonido (agresivo, con un gran tono y bluesístico, pero también capaz de una gran sensibilidad) hizo de él un músico muy imitado. Es uno de los pocos intérpretes que han desarrollado un sonido personal inconfundible. Eddie 'Lockjaw' Davis, fue uno de los grandes instrumentistas del saxo tenor en el jazz y poseía un sonido inconfundible amén de un espléndido dominio del blues.

Fuente: http://musicadesdelasantipodas.blogspot.com.ar/2009/07/eddie-lockjaw-davis.html

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Eddie "Lockjaw" Davis

From Wikipedia, the free encyclopedia

 Eddie "Lockjaw" Davis (March 2, 1922 – November 3, 1986) was an American jazz tenor saxophonist.

Davis played with Cootie Williams, Lucky Millinder, Andy Kirk, Eddie Bonnemere, Louis Armstrong, and Count Basie, as well as leading his own bands and making many recordings as a leader. He played in the swing, bop, hard bop, Latin jazz, and soul jazz genres. Some of his recordings from the 1940s also could be classified as rhythm and blues.

His 1946 band, Eddie Davis and His Beboppers, featured Fats Navarro, Al Haig, Huey Long, Gene Ramey and Denzil Best.

In the 1950s he was playing with Sonny Stitt, while from 1960 to 1962 he and fellow tenor saxophonist Johnny Griffin led a quintet. From the mid-1960s, Davis and Griffin also performed together as part of The Kenny Clarke-Francy Boland Big Band, along with other, mainly European, jazz musicians.

Davis died of cancer in Culver City, California, at the age of 64.

Shirley Scott • For Members Only

 

Review by Scott Yanow

During the 1960's, Shirley Scott's Impulse albums were often split between big band selections (with orchestras arranged by Oliver Nelson) and trio features. This CD reissue from 1989 includes all of the contents from two of Scott's better Impulse albums, Great Scott and For Members Only. In general the eight trio numbers are the most rewarding performances on the disc since the material is fairly superior while the big band tracks emphasize then-current show and movie tunes. Overall this generous CD gives one a good overview of Shirley Scott's playing talents.

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Traducción Automática:

Revisión por Scott Yanow

Durante la década de 1960, los álbumes de Shirley Scott's Impulse a menudo se dividían entre selecciones de grandes bandas (con orquestas organizadas por Oliver Nelson) y trío. Esta reedición de CD de 1989 incluye todos los contenidos de dos de los mejores álbumes de Scott Impulse, Great Scott y For Members Only. En general, los ocho números de trío son las interpretaciones más gratificantes del disco, ya que el material es bastante superior, mientras que las pistas de big band enfatizan las melodías de películas y espectáculos actuales. En general, este generoso CD ofrece una buena descripción de los talentos de Shirley Scott.

 

VA • Chillout Jazz Organ

Baby Face Willette, Hammond, James Brown, Jimmy Smith, Joey Defrancesco, Kenny Burrell, Larry Young, Lou Donaldson, Pat Martino, Shirley Scott, Stanley Turrentine, Walter Wanderley, Wes Montgomery ...

Shirley Scott & Kenny Burrell • Travelin' Light

Reviews:

Kenny Burrell joins the trio of organist Shirley Scott for this sweet little album – a set that seems to burn a bit more than usual for Shirley, probably because of the cool-toned guitar lines from Kenny! The album's got the same laid back feel as other Scott albums of the time, but Burrell really digs in during his solos - adding a bit more bite, and inspiring Shirley to do the same on her own Hammond lines. Bass is by Eddie Khan and drums are by Otis Finch – and titles include "Solar", "The Kerry Dance", "They Call It Stormy Monday", "Nice N Easy", and "Baby It's Cold Outside". © 1996-2014, Dusty Groove, Inc.

In February 1964—sandwiched between two recording sessions with then husband and tenor saxophonist Stanley Turrentine—organist Shirley Scott recorded with guitarist Kenny Burrell. She had just wrapped Hustlin' with Turrentine at the end of January and would be back in the studio for Blue Flames at the end of March. Backing Scott and Burrell on this Ozzie Cadena-produced album for Prestige were bassist Eddie Khan and drummer Otis "Candy" Finch. What makes this album so exciting is what's missing—a boss. Turrentine's appeal on Scott dates was his soulful command and searing reed statements before and after Scott solos. Here, Scott and Burrell play off each other in tender ways. It's a hip rhythm-section date—with all the swinging, playful interchanges you find when the sax on an organ date sits out. After Scott's solos, instead of the Turrentine train roaring out of the tunnel, you get Burrell's ringing, single-note lines. The ear likes what it hears. The session's song choices also are perfect in every way. The track list features Travelin' Light, Solar, Nice 'n' Easy, They Call It Stormy Monday, Baby It's Cold Out There and The Kerry Dance. What's interesting is how Scott plays behind Burrrell. Fully aware of the guitar's sonic limitations, she offers huge support to fill the space—offering both texture and a frame for Burrell. Scott and Burrell played well together. For me, the title tune, Solar and Nice 'n' Easy say it all—a glorious pace, groovy ideas and earthy camaraderie. ~ Marc Myers, jazzwax.com.

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En febrero de 1964 -entre dos sesiones de grabación con el entonces marido y saxofonista tenor Stanley Turrentine- la organista Shirley Scott grabó con el guitarrista Kenny Burrell. Ella acababa de terminar Hustlin' con Turrentine a finales de enero y volvería al estudio para Blue Flames a finales de marzo. Apoyando a Scott y Burrell en este álbum producido por Ozzie Cadena para Prestige estaban el bajista Eddie Khan y el baterista Otis "Candy" Finch. Lo que hace a este álbum tan emocionante es lo que falta: un jefe. El atractivo de Turrentine en las citas de Scott fue su conmovedora orden y sus ardientes declaraciones de caña antes y después de los solos de Scott. Aquí, Scott y Burrell se enfrentan de forma tierna. Es una cita de sección rítmica de moda, con todos los intercambios juguetones y balanceados que se encuentran cuando el saxo en una cita de órgano se sienta. Después de los solos de Scott, en lugar de que el tren de la Turrentina salga rugiendo del túnel, tienes las líneas de una sola nota de Burrell. Al oído le gusta lo que oye. La elección de las canciones de la sesión también es perfecta en todos los sentidos. La lista de canciones incluye Travelin' Light, Solar, Nice 'n' Easy, They Call It Stormy Monday, Baby It's Cold Out There y The Kerry Dance. Lo interesante es cómo Scott toca detrás de Burrrell. Consciente de las limitaciones sónicas de la guitarra, ofrece un gran apoyo para llenar el espacio, ofreciendo tanto textura como un marco para Burrrell. Scott y Burrell tocaron bien juntos. Para mí, el tema del título, Solar y Nice 'n' Easy lo dicen todo: un ritmo glorioso, ideas geniales y camaradería terrenal. ~ Marc Myers, jazzwax.com.

VA • Legends of Acid Jazz - Hammond Heroes

 

Review by Richie Unterberger

Very good compilation of 13 soul-jazz cuts from the Prestige vaults featuring the Hammond B-3 organ, recorded between 1959 and 1967. Some of the names (Shirley Scott, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes") are pretty well known to fans of the style, but others are not. It's also a useful disc because it has key sides on which McDuff, Larry Young, John Patton, and others were playing as sidemen to non-keyboardist leaders, and thus might be overlooked by collectors of the style. Willis Jackson's "Pool Shark" (with Carl Wilson on organ) and Trudy Pitts' ebullient run through "Take Five" are real groovers; Richard "Groove" Holmes' "Misty" was a Top Fifty pop hit and one of the few soul-jazz singles to hit the charts.

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Reseña de Richie Unterberger

Muy buena compilación de 13 cortes de soul-jazz de las bóvedas del Prestige con el órgano Hammond B-3, grabado entre 1959 y 1967. Algunos de los nombres (Shirley Scott, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes") son bastante conocidos por los fans del estilo, pero otros no. También es un disco útil porque tiene lados clave en los que McDuff, Larry Young, John Patton y otros jugaban como acompañantes de líderes no teclistas, y por lo tanto podría ser pasado por alto por los coleccionistas del estilo. El "Pool Shark" de Willis Jackson (con Carl Wilson en el órgano) y el exuberante recorrido de Trudy Pitts en "Take Five" son auténticos groovers; el "Misty" de Richard "Groove" Holmes fue un éxito pop del Top 50 y uno de los pocos singles de soul-jazz que llegó a las listas de éxitos.

Shirley Scott • Something

 

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

https://en.wikipedia.org/wiki/Shirley_Scott

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Nacido en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

https://en.wikipedia.org/wiki/Shirley_Scott

VA • Atlantic Jazzː Soul

 

Shirley Scott,Johnny Griffin,Ray Charles,Milt Jackson,Herbie Mann,Yusef Lateef,Eddie Harris,Les McCann,Hank Crawford,Nat Adderley,Joe Zawinul.

Shirley Scott • Soul Sister

 

 Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacido en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Eddie ''Lockjaw Davis'' - Buddy Tate - Coleman Hawkins - Arnett Cobb • Very Saxy

 

Review by Scott Yanow
Tenor saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis and his quartet (which includes organist Shirley Scott, bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill) welcome three immortal tenors (Coleman Hawkins, Arnett Cobb and Buddy Tate) to what became a historic and hard-swinging jam session. On three blues, an original based on the chord changes of "Sweet Georgia Brown" and "Lester Leaps In," the four tenors battle it out and the results are quite exciting. The spirited music on this memorable LP will hopefully be reissued on CD eventually, for the performances live up to their great potential.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

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Reseña de Scott Yanow
El saxofonista tenor Eddie "Lockjaw" Davis y su cuarteto (que incluye a la organista Shirley Scott, el bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill) dan la bienvenida a tres tenores inmortales (Coleman Hawkins, Arnett Cobb y Buddy Tate) en lo que se convirtió en una jam session histórica y llena de fuerza. En tres blues, uno original basado en los cambios de acordes de "Sweet Georgia Brown" y "Lester Leaps In", los cuatro tenores se enfrentan y los resultados son bastante emocionantes. Es de esperar que la animada música de este memorable LP se reedite en CD, ya que las interpretaciones están a la altura de su gran potencial.
https://www.allmusic.com/album/release/very-saxy-mr0003688263

Shirley Scott • One For Me

The late shirley scott was one of the great soul-jazz organists, and as near as i can tell, the only woman among the bunch. She recorded her own stack of albums for blue note, impulse!, cadet and other labels, and mostly didn't get quite the recognition all the other organ burners did in that classic period before the electric piano and synthesizers took over the work of keyboard funk in jazz. She was married to the great stanley turrentine, and i have to say that some of the equally under recognized harold vick's work here sounds a bit turrentine-ish--but better! Anyway, this is her contribution to the always-amazing strata-east label.