Two CD set containing the complete recordings of Herbie Mann with Chick
Corea, consisting of the three complete albums Monday Night at the
Village Gate, Standing Ovation at Newport and Latin Mann: Afro to Bossa
to Blues (all recorded in 1965), plus all seven of the tracks from the
album The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd in which both
musicians are present.
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Juego de dos CDs que contiene las grabaciones completas de Herbie Mann con Chick Corea, consistentes en los tres álbumes completos Monday Night at the Village Gate, Standing Ovation at Newport y Latin Mann: Afro to Bossa to Blues (todos ellos grabados en 1965), más los siete temas del álbum The Roar of the Greasepaint the Smell of the Crowd en los que están presentes ambos músicos.
Review by Scott Yanow Although tenor saxophonist Dexter Gordon had moved to Europe in 1962, he made a return visit to the U.S. in 1965 that resulted in both this album and Gettin' Around. Gordon teams up with trumpeter Freddie Hubbard, pianist Barry Harris, bassist Bob Cranshaw and drummer Billy Higgins for three of his originals, two obscurities, and a standard that ended up being the date's most memorable performance: "I'm a Fool to Want You." It is excellent music if not quite essential. https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481
One of the enduring mysteries of Blue Note history is that superb sessions such as Dexter Gordon’s Clubhouse (recorded in 1965) remained unreleased in the vault until the late 1970s. Recorded during the middle of Gordon’s “golden period” career renaissance after he signed with Blue Note in 1961, the tenor saxophone legend is joined by Freddie Hubbard on trumpet and the remarkable rhythm section of Barry Harris on piano, Bob Cranshaw on bass, and the great Billy Higgins on drums. Long Tall Dexter’s rendition of the Sinatra evergreen “I’m a Fool To Want You” stands as one of his all-time greatest ballad performances. https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series
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Reseña de Scott Yanow Aunque el saxofonista tenor Dexter Gordon se había mudado a Europa en 1962, hizo una visita de regreso a los EE.UU. en 1965 que resultó tanto en este álbum como en Gettin' Around. Gordon se une al trompetista Freddie Hubbard, al pianista Barry Harris, al bajista Bob Cranshaw y al baterista Billy Higgins para tres de sus originales, dos obscuridades y un estándar que terminó siendo la actuación más memorable de la cita: "Soy un tonto por Quererte."Es una música excelente, si no del todo esencial. https://www.allmusic.com/album/clubhouse-mw0000204481
Uno de los misterios perdurables de la historia de Blue Note es que sesiones magníficas como Dexter Gordon's Clubhouse (grabada en 1965) permanecieron inéditas en la bóveda hasta finales de la década de 1970. Grabada durante la mitad del renacimiento de la carrera del "período dorado" de Gordon después de firmar con Blue Note en 1961, la leyenda del saxofón tenor se une a Freddie Hubbard a la trompeta y la notable sección rítmica de Barry Harris al piano, Bob Cranshaw al bajo y el gran Billy Higgins a la batería. La interpretación de Long Tall Dexter de la perenne "I'm a Fool To Want You" de Sinatra se erige como una de sus mejores interpretaciones de baladas de todos los tiempos. https://store.bluenote.com/products/dexter-gordon-clubhouse-lp-tone-poet-series
Review by Michael G. Nastos As a trio, this edition of guitarist Grant Green's many ensembles has to rank with the best he had ever fronted. Recorded on April Fool's Day of 1961, the band and music are no joke, as bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey understand in the most innate sense how to support Green, lay back when needed, or strut their own stuff when called upon. Still emerging as an individualist, Green takes further steps ahead, without a pianist, saxophonist, or most importantly an organist. His willpower drives this music forward in a refined approach that definitely marks him as a distinctive, immediately recognizable player. It is also a session done in a period when Green was reeling in popular demand, as this remarkably is one of six recordings he cut for Blue Note as a leader in 1961, not to mention other projects as a sideman. To say his star was rising would be an understatement. The lean meatiness of this group allows all three musicians to play with little hesitation, no wasted notes, and plenty of soul. Another aspect of this studio date is the stereo separation of Green's guitar in one speaker, perhaps not prevalent in modern recordings, but very much in use then. Check out the atypical (for Green) ballad "'Round About Midnight," as the guitarist trims back embellishments to play this famous melody straight, with a slight vibrato, occasional trills, and a shuffled bridge. The trio cops an attitude similar to Dizzy Gillespie for the introduction to "Alone Together," with clipped melody notes and a bass filler from Tucker. Three of Green's originals stamp his personal mark on rising original soulful post-bop sounds, as "No. 1 Green Street" has basic B-flat, easy-grooving tenets similar to his previously recorded tune "Miss Ann's Tempo." Two interesting key changes and chord accents identify the outstanding "Grant's Dimensions" beyond its core bop bridge and jam configuration not the least of which contains a hefty bass solo from the criminally underrated Tucker and Bailey trading fours. "Green with Envy" should be familiar to fans of Horace Silver, as it is almost identically based on the changes of "Nica's Dream," a neat adaptation full of stop-starts and stretched-out improvising over ten minutes. (The alternate take of this one on the expanded CD reissue is a full two minutes shorter.) If this is not a definitive jazz guitar trio, they have not yet been born, and Green Street stands as one of Grant Green's best recordings of many he produced in the ten prolific years he was with the Blue Note label.
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Reseña de Michael G. Nastos Como trío, esta edición de los muchos conjuntos del guitarrista Grant Green tiene que clasificarse entre los mejores que jamás haya liderado. Grabada el Día de los Inocentes de 1961, la banda y la música no son una broma, ya que el bajista Ben Tucker y el baterista Dave Bailey entienden en el sentido más innato cómo apoyar a Green, recostarse cuando es necesario o pavonearse cuando se les pide. Aún emergiendo como un individualista, Green da más pasos adelante, sin un pianista, saxofonista o, lo que es más importante, un organista. Su fuerza de voluntad impulsa esta música hacia adelante en un enfoque refinado que definitivamente lo marca como un intérprete distintivo e inmediatamente reconocible. También es una sesión realizada en un período en el que Green estaba ganando demanda popular, ya que esta es notablemente una de las seis grabaciones que grabó para Blue Note como líder en 1961, sin mencionar otros proyectos como acompañante. Decir que su estrella estaba en ascenso sería quedarse corto. La magra carnosidad de este grupo permite a los tres músicos tocar con poca vacilación, sin desperdiciar notas y con mucha alma. Otro aspecto de esta fecha de estudio es la separación estéreo de la guitarra de Green en un altavoz, quizás no frecuente en las grabaciones modernas, pero muy en uso entonces. Echa un vistazo a la balada atípica (para Green) "'Round About Midnight", mientras el guitarrista recorta adornos para tocar esta famosa melodía directamente, con un ligero vibrato, trinos ocasionales y un puente arrastrado. El trío adopta una actitud similar a Dizzy Gillespie para la introducción de "Alone Together", con notas de melodía recortadas y un relleno de bajo de Tucker. Tres de los originales de Green dejan su huella personal en el aumento de los sonidos conmovedores originales post-bop, ya que "No. 1 Green Street" tiene principios básicos de Si bemol y fácil de ranurar similares a su melodía grabada anteriormente " Miss Ann's Tempo."Dos interesantes cambios de tonalidad y acentos de acordes identifican las sobresalientes' Grant's Dimensions ' más allá de su puente bop central y la configuración de jam, entre las cuales no menos importante contiene un fuerte solo de bajo de los criminalmente subestimados Tucker y Bailey trading fours. "Green with Envy" debería ser familiar para los fanáticos de Horace Silver, ya que se basa casi idénticamente en los cambios de "Nica's Dream", una adaptación ordenada llena de paradas y arranques e improvisación prolongada durante diez minutos. (La toma alternativa de esta en la reedición ampliada del CD es dos minutos más corta.) Si este no es un trío definitivo de guitarras de jazz, aún no han nacido, y Green Street se erige como una de las mejores grabaciones de Grant Green de las muchas que produjo en los diez prolíficos años que estuvo con el sello Blue Note.
Biography by Matt Collar With
his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized
as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz
scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew
attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his
solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second
behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally
played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers'
poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne,
and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz
sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often
sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained
a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's
Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the
late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife
and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums
including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title
of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop
and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because
of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 --
remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman
who never gave up.
Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in
Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both
of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent
to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up,
he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at
age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was
15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely
African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles,
playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He
was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the
U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge
after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again
joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte
Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.
By the early
'50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto
saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of
recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie
Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also
during this initial career ascent that he was arrested and sent to
prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue
that plagued him throughout his career and resulted in a number of
incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for
lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper
Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland,
Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and
Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these
albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and
singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the
cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh,
Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.
Pepper had a number of
well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with
pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin'
Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section
of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he
remained a popular artist, much of his career was sidelined during the
'60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin,
where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan.
Following his final release from prison, Pepper entered the drug
rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and
eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also
became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a
period of recovery which found him recording more and more throughout
the '70s.
Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records
and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes,
bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also
revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex
approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and
soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and
1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with
Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him
striking a balance between his earlier West Coast style and
latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in
1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and
drummer Roy Haynes.
In 1980, Pepper published his autobiography,
Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his
career and issues with drugs and prison. He continued to record often
throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist
House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often
paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with
Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that
Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of
56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and
previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste
imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of
compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including
2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt,
and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings. https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography
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Biografía de Matt Collar Con
su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es
reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron
de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un
talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de
gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera
en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar
detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó
ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la
revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry
Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del
relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era
adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a
períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió
siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e
Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de
drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera.
Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de
álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de
1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron
adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por
John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera,
Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un
símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para
journeyman que nunca se rindió.
Arthur Edward Pepper, Jr. nació
en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre
adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven
Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San
Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar
lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los
13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y
blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el
centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el
saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se
unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue
reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda
Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió
al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte
Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.
A principios de los
50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los
mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un
puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar
segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la
revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso
inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos
relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un
problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de
encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó
rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos
que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de
banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf
Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista
Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de
improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop,
solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido
fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh,
Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.
Pepper tuvo una serie de
álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos
Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack
Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por
la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly
Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran
parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía
condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó
en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su
liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de
rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y
finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper,
quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el
saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando
más y más a lo largo de los años 70.
Living Legend llegó en 1975
a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista
Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El
álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y
armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le
siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The
Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los
70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran
cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un
equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su
última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979
y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el
baterista Roy Haynes.
En 1980, Pepper publicó su autobiografía,
Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de
su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó
grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en
los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y
Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables,
publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home.
Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral
el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de
su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas
del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con
Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus
álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast
Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete
Artists House Recordings. https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography
Review by Scott Yanow
Most of Herbie Mann's Atlantic sessions of the 1960s are among the
flutist's best and most popular work. Mann and his regular group of 1963
(which includes vibraphonist Dave Pike, pianist Don Friedman, guitarist
Attila Zoller, bassist Ben Tucker and drummer Bob Thomas with added
percussionists Willie Bobo and Potato Valdez) are heard in spirited form
on this set from the 1963 Newport Jazz Festival. There are two
surprises, both having to do with Antonio Carlos Jobim tunes. The bossa
nova hit "Desafinado" is taken in straight 4/4 time without the
percussionists, which makes it sound like a new song. And three months
after Stan Getz, Jobim and the Gilbertos recorded "The Girl From
Ipanema" (but before it was even released), Mann can be heard playing an
instrumental version of the song, here listed as "Garota De Ipanema." A
catchy rendition of "Soft Winds," the bossa nova "Samba De Orfeu," and
Ben Tucker's "Don't You Know" round out the well-played program.
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Reseña de Scott Yanow La
mayoría de las sesiones de Herbie Mann en Atlantic de los años 60 se
encuentran entre los mejores y más populares trabajos del flautista.
Mann y su grupo habitual de 1963 (que incluye al vibrafonista Dave Pike,
al pianista Don Friedman, al guitarrista Attila Zoller, al bajista Ben
Tucker y al baterista Bob Thomas con los percusionistas añadidos Willie
Bobo y Potato Valdez) se escuchan en forma animada en este set del
Festival de Jazz de Newport de 1963. Hay dos sorpresas, ambas
relacionadas con temas de Antonio Carlos Jobim. El éxito de la bossa
nova "Desafinado" se interpreta en tiempo 4/4 sin los percusionistas, lo
que la hace sonar como una canción nueva. Y tres meses después de que
Stan Getz, Jobim y los Gilbertos grabaran "The Girl From Ipanema" (pero
antes de que saliera a la venta), se puede escuchar a Mann tocando una
versión instrumental de la canción, aquí catalogada como "Garota De
Ipanema". Una pegadiza interpretación de "Soft Winds", la bossa nova
"Samba De Orfeu" y "Don't You Know" de Ben Tucker completan el programa
bien interpretado.
With Ted Brown (ts), Ronnie Ball (p), Ben Tucker (b) & Jeff Morton, plus special guest Art Pepper (as). 29
tracks recorded on October 1956-March 1957 recorded at Radio Recorders,
Hollwood, CA + unreleased session for "Stars of Jazz".
Warne
Marsh (October 26, 1927 - Decemeber 17. 1987) became one of the
pre-eminent saxophonists of the Tristano-inspired Cool School, along
with Lee Konitz. He was often recorded in the company of other Cool
School musicians, and remained one of the most faithful to the Tristano
philosophy of improvisation. His distinctively sombre, grainy tone
(which set Marsh apart from other Lester Young-influenced saxophonists);
uncannily fluent use of the high register; and rhythmically subtle
lines are immediately recognizable. He has been called by Anthony
Braxton "the greatest vertical improviser" and described by the British
critic Alun Morgan as "one of the greatest improvisers our music has
ever known". He famously died onstage at the Los Angeles club Donte's in
1987, in the middle of playing "Out of Nowhere". Though he remains
something of a cult figure among jazz fans and musicians, his influence
has grown since his death; younger players such as Mark Turner have
increasingly been borrowing from his music as a way of counterbalancing
the pervasive influence of John Coltrane. Marsh's discography remains
somewhat scattered and elusive, as much of it was done for small labels,
but more and more of his work has been issued on compact disc in recent
years... https://www.jazzmessengers.com/en/1018/warne-marsh/jazz-of-two-cities
"These
tracks date from the time Marsh spent back in his hometown - well, Los
Angeles - from February 1956 to November 1957, leading a quintet that
was something of a Tristano student reunion.
Disc one reprises
the material that once appeared on the Imperial and Kapp labels, and
there are some very familiar characteristics: improbably tricky themes
deriving from familiar harmonic territory - Ball, Brown and Marsh all
contribute - propelling the improvisation into fascinating
demonstrations of agility. Marsh and Brown are never exactly
competitive, but clearly stimulate each other intensely; at times they
wrap around themselves almost organically, prodded on by Ball's
perfectly-judged piano work.
Yet there's also a wider aspect to
it; the two tenors give the front line a somewhat heavier character than
you might expect from the experience of Marsh and Konitz: bassist
Tucker gets to feature on his own "Ben Blew" and Jeff Morton gets to
play with the sticks, which he never did with Lennie. By the time "I
Never Knew" comes along, with its drum-breaks, stop-time bounces and
Condon Gang coda, there's a distinct feeling that school's out.
Disc
two introduces Art Pepper into the mix: nine tracks - "Aretha" through
"Arrival" - feature him. Originally on a Vanguard LP, it was in fact
Brown's date, came out under his name, Marsh no more than a bystander
and adviver. A further move away from Tritano's influence, less
convolution, though the two noted above, by Ball, and Marsh's "Long
Gone", set up more thematic obstacle-courses. Pepper copes well,
sometimes superbly, and also makes you realise why Konitz fitted so
easily into his chair in the Kenton band.
The final 15 minutes is
back into the Marsh-Brown configuration, and is taken from a TV show of
the period. Bobby Troup does the talking, and shows an understanding of
the music. A good, though inevitably brief, version of "Background
Music", plus two minutes of improvising on "Pop Goes The Weasel".
Really.
These sessions mark the start of Marsh's career as leader and organiser, and as such fill an important gap in his history." Jack Cooke -Jazz Review
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Con Ted Brown (ts), Ronnie Ball (p), Ben Tucker (b) y Jeff Morton, más el invitado especial Art Pepper (as). 29
temas grabados en octubre de 1956-marzo de 1957 grabados en Radio
Recorders, Hollwood , CA + sesión inédita para "Stars of Jazz".
Warne
Marsh (26 de octubre de 1927 - 17 de diciembre de 1927). 1987) se
convirtió en uno de los saxofonistas preeminentes de la Cool School
inspirada en Tristano, junto con Lee Konitz. A menudo se grababa en
compañía de otros músicos geniales de la Escuela, y seguía siendo uno de
los más fieles a la filosofía Tristano de la improvisación. Su tono
distintivamente sombrío y granulado( que distingue a Marsh de otros
saxofonistas influenciados por Lester Young); uso asombrosamente fluido
del registro agudo; y líneas rítmicamente sutiles son inmediatamente
reconocibles. Anthony Braxton lo ha llamado "el mejor improvisador
vertical" y el crítico británico Alun Morgan lo describió como "uno de
los mejores improvisadores que nuestra música haya conocido". Murió en
el escenario del club Donte's de Los Ángeles en 1987, en medio de tocar
"Out of Nowhere". Aunque sigue siendo una figura de culto entre los
fanáticos y músicos del jazz, su influencia ha crecido desde su muerte;
músicos más jóvenes como Mark Turner han tomado prestado cada vez más de
su música como una forma de contrarrestar la influencia generalizada de
John Coltrane. La discografía de Marsh sigue siendo algo dispersa y
esquiva, ya que gran parte de ella se hizo para sellos pequeños, pero
cada vez más de su trabajo se ha publicado en disco compacto en los
últimos años... https://www.jazzmessengers.com/en/1018/warne-marsh/jazz-of-two-cities
Review by Brandon Burke A
classic album of Tristano-school cool jazz with subtle leanings toward
the avant-garde. While this set is not without a number of typical West
Coast jazz tendencies (i.e., cool reed tones, a stiff rhythm section,
happy-go-lucky heads, etc.), it has an interestingly wide-open and
probing vibe. This band was simply bursting with ideas. On "Ear
Conditioning," for example, the tenor tandem of Marsh and Ted Brown
weaves in and out of the head with the proficiency and grace displayed
-- admittedly, to greater effect -- on Lennie Tristano's "Wow," a tune
also featuring Marsh, only with Lee Konitz on alto instead of Brown on
tenor. Like "Ear Conditioning," "Smog Eyes" and the title track both
employ long and busy heads. In a manner typical of compositions by
Tristano's associates, many of these themes are very complicated and
take several measures to achieve resolution. That having been said,
comparisons to the Tristano Capitol sessions are simply inevitable, as
they laid the foundation for everything heard here. To judge the quality
of one versus the other, though, is trivial. Jazz of Two Cities has
many treasures all of its own. Thankfully, both historic sessions have
been reissued together on the Capitol Jazz CD Intuition. Included in the
collection are both the stereo and mono takes of four different pieces
from the Marsh date. This is because Jazz of Two Cities was issued once
in mono and later in stereo with the new title The Winds of Marsh. The
two versions of the record feature altogether different takes of two
numbers ("Jazz of Two Cities," "I Never Knew") and different solos on
the other two ("Ear Conditioning," "Lover Man"). In other words,
fidelity is not the only difference between Jazz of Two Cities and The
Winds of Marsh; though in and of itself, that's probably not reason
enough to spend an arm and a leg on both copies, since they're quite
rare and all versions are included on the CD. This is some very fine
music by a band with an exceptionally rich collective imagination. It is
clear that, in the hands of this combo, every theme is treated like a
question with an absolutely limitless amount of harmonic and melodic
answers. https://www.allmusic.com/album/jazz-of-two-cities-mw0000732028
Biography by Scott Yanow Along
with Lee Konitz, Warne Marsh was the most successful "pupil" of Lennie
Tristano and, unlike Konitz, Marsh spent most of his career exploring
chordal improvisation the Tristano way. The cool-toned tenor played with
Hoagy Carmichael's Teenagers during 1944-1945 and then after the Army,
he was with Buddy Rich (1948) before working with Lennie Tristano
(1949-1952). His recordings with Tristano and Konitz still sound
remarkable today with unisons that make the two horns sound like one.
Marsh had occasional reunions with Konitz and Tristano through the
years, spent periods outside of music, and stayed true to his musical
goals. He moved to Los Angeles in 1966 and worked with Supersax during
1972-1977, also filling in time teaching. Marsh, who collapsed and died
on stage at the legendary Donte's club in 1987 while playing "Out of
Nowhere," is now considered legendary. He recorded as a leader for
Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reissued on V.S.O.P.), Atlantic, Wave,
Storyville, Revelation, Interplay, Criss Cross, and Hot Club. https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography
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Reseña por Brandon Burke Un
álbum clásico de cool jazz de la escuela de Tristano con sutiles
inclinaciones hacia la vanguardia. Si bien este conjunto no carece de
las típicas tendencias del jazz de la Costa Oeste (es decir, tonos de
caña fríos, una sección rítmica rígida, cabezas alegres, etc.), tiene un
ambiente interesantemente abierto y de prueba. Esta banda estaba
simplemente llena de ideas. En "Ear Conditioning", por ejemplo, el
tándem de tenores formado por Marsh y Ted Brown entra y sale de la
cabeza con la destreza y la gracia que se muestra -de hecho, con mayor
efecto- en "Wow" de Lennie Tristano, un tema en el que también participa
Marsh, sólo que con Lee Konitz como contralto en lugar de Brown como
tenor. Al igual que "Ear Conditioning", "Smog Eyes" y el tema que da
título al disco emplean cabezas largas y ocupadas. De manera típica en
las composiciones de los socios de Tristano, muchos de estos temas son
muy complicados y requieren varios compases para lograr su resolución.
Dicho esto, las comparaciones con las sesiones de Tristano en Capitol
son simplemente inevitables, ya que sentaron las bases de todo lo que se
escucha aquí. Sin embargo, juzgar la calidad de una frente a la otra es
trivial. Jazz of Two Cities tiene muchos tesoros propios.
Afortunadamente, ambas sesiones históricas se han reeditado juntas en el
CD Intuition de Capitol Jazz. En la colección se incluyen tanto las
tomas en estéreo como en mono de cuatro piezas diferentes de la fecha de
Marsh. Esto se debe a que Jazz of Two Cities se publicó una vez en mono
y posteriormente en estéreo con el nuevo título The Winds of Marsh. Las
dos versiones del disco presentan tomas totalmente diferentes de dos
números ("Jazz of Two Cities", "I Never Knew") y diferentes solos en los
otros dos ("Ear Conditioning", "Lover Man"). En otras palabras, la
fidelidad no es la única diferencia entre Jazz of Two Cities y The Winds
of Marsh; aunque en sí misma, probablemente no sea razón suficiente
para gastar un brazo y una pierna en ambas copias, ya que son bastante
raras y todas las versiones están incluidas en el CD. Se trata de música
muy fina de una banda con una imaginación colectiva excepcionalmente
rica. Está claro que, en manos de este combo, cada tema es tratado como
una pregunta con una cantidad absolutamente ilimitada de respuestas
armónicas y melódicas. https://www.allmusic.com/album/jazz-of-two-cities-mw0000732028
Biografía por Scott Yanow Junto
con Lee Konitz, Warne Marsh fue el "alumno" más exitoso de Lennie
Tristano y, a diferencia de Konitz, Marsh pasó la mayor parte de su
carrera explorando la improvisación de acordes a la manera de Tristano.
Este tenor de tono frío tocó con los Teenagers de Hoagy Carmichael
durante 1944-1945 y, después del ejército, estuvo con Buddy Rich (1948)
antes de trabajar con Lennie Tristano (1949-1952). Sus grabaciones con
Tristano y Konitz todavía suenan de forma notable, con unísonos que
hacen que las dos trompas suenen como una sola. Marsh se reunió
ocasionalmente con Konitz y Tristano a lo largo de los años, pasó
periodos fuera de la música y se mantuvo fiel a sus objetivos musicales.
Se trasladó a Los Ángeles en 1966 y trabajó con Supersax durante
1972-1977, ocupando también tiempo en la enseñanza. Marsh, que se
desplomó y murió en el escenario del legendario club Donte's en 1987
mientras tocaba "Out of Nowhere", es considerado ahora una leyenda.
Grabó como líder para Xanadu, Imperial, Kapp, Mode (reeditado en
V.S.O.P.), Atlantic, Wave, Storyville, Revelation, Interplay, Criss
Cross y Hot Club. https://www.allmusic.com/artist/warne-marsh-mn0000193802/biography
After 40 years as a jazz professional, appearing on several hundred
albums as leader and sideman, Kenny Burrell is among the handful of
guitar greats who have forever changed the role of their instrument.
Staunch musical integrity and discriminate taste coupled with matchless
technique have made the guitarist nonpareil among his peers. “My goal is
to play with good tone, good phrasing and to swing,” says Burrell, “I
strive for honesty in playing what I feel.”
“Master instrumentalist and composer,” “virtuoso,” “historic figure of
American guitar.” “Ellington's favorite guitar player”—this is a typical
sampling of the critical praise routinely bestowed on Burrell, who
pioneered the guitar-led trio with bass and drums in the late Fifties.
Although he has since worked in countless other formats, from big band
to three guitars plus rhythm to solo, he has remained constant in his
quest to get the most out of a natural, low-volume, acoustic sound. “My
audience has developed so that they come to listen and are quiet,” he
explains. “Thus I can work in a limited volume range and explore all the
subtleties that can happen, which is my favorite part of the music.”
Aside from his performing and recording schedule, Kenny has been a
teacher at the University of California at Los Angeles (UCLA) for many
years. Included in his teaching schedule is a special course that he
developed on the music and life of Duke Ellington called “Ellingtonia”.
Started in 1978, it was the first regular college course on Ellington
taught in the United States. In addition he is also the founder and
director of the Jazz Studies Program at UCLA where he is a professor of
music and ethnomusicology. He is also a lecturer and director of
workshops on guitar and Jazz studies, founder and President Emeritus, of
the Jazz Heritage Foundation, and all around crusader for the
recognition of jazz as a classical art form.
Kenny Burrell is also a prolific composer whose work is more and more in
demand. Kenny is composer of the 1998 Grammy Award winning song “Dear
Ella”, performed by Dee Dee Bridgewater. His compositions have been
recorded by many other great artists such as Ray Brown, Jimmy Smith,
Grover Washington Jr., John Coltrane, June Christy, Frank Wes and Stevie
Ray Vaughn. More recently, he received a commission grant from Meet the
Composer, Inc. to write an original, extended composition for the Boys
Choir of Harlem which premiered at New York's Lincoln Center, and in
1997 was recorded for Concord Records.
Kenny is a man who has garnered the respect of the entire jazz world.
“He's one of jazz's most gracious gentlemen,” says pianist Mike Wofford,
“an educator and spokesperson for the entire tradition of American
Jazz, Kenny is truly a goodwill ambassador for our music, and more
importantly, a representative of the best in our society.”
Born in Detroit, Kenny Burrell was raised in a musical family. His
mother, who sang in the Second Baptist Church choir, also played the
piano around the house. His father was fond of the banjo and the
ukulele. “He was just the kind of guy who could pick up string
instruments and do something with 'em.” Kenny recalls, - “It kinda
rubbed off on us.”
Kenny, who credits Charlie Christian, Oscar Moore, and Django Reinhardt
as influences, as well as such blues men as T-Bone Walker and Muddy
Waters, played on his first major recording session in Detroit in 1951
with a Dizzy Gillespie combo that included John Coltrane, Milt Jackson,
and Percy Heath. Even though the young guitarist was keeping heavy
company, including that of such other up- and-coming Detroiters as Tommy
Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams, and Elvin Jones, he remained in
Detroit to study at Wayne State University, from which he earned a B.A.
in music composition and theory in 1955. He also studied classical
guitar with Joseph Fava during that period and continues to employ
finger-style and other techniques.
A six-month tour in 1955 with the Oscar Peterson Trio helped to set
Burrell's sight on the Big Apple. The following year, he and Flanagan
drove to New York City and were promptly drafted into the major league
of jazz. Burrell not only became the city's most in demand Jazz
guitarist, recording with his own groups and with Coltrane, Billie
Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith, Gene
Ammons - and many others, but played on pop sessions with the likes of
Tony Bennett, James Brown and Lena Horn and worked in the pit bands of
such Broadway shows as Bye Bye Birdie and How to Succeed in Business
without Really Trying.
In all, Burrell has recorded more than ninety albums as a leader. This body of work has received much critical acclaim.
Since the mid-Sixties, the guitarist has been leading his own group plus
working in “All-Star” settings and has performed with college bands and
orchestras. He has also performed with professional orchestras such as
the Detroit Symphony and the Buffalo Philharmonic.
Though his combos vary in personnel, size and instrumentation, integrity
and invention have constantly guided his music. “My inspiration comes
from the message Duke gave - you are unique, be yourself, put out that
thing that is you, then use your work ethic and produce great music.”
Kenny Burrell has been the recipient of many awards and has been voted
“Best Guitarist” numerous times by music fans and critics worldwide.
Recently he received this honor for the second time from the Jazz Times
International Readers Poll.
His music and recordings have received much international recognition
including the “Prix de Disc” from Switzerland. He has also received many
academic honors including a Doctorate of Human Letters, and the 1997
Ellington Fellowship awarded by Yale University. He was voted “favorite
Jazz Musician” by listeners of KLON Jazz Station in Los Angeles in 1996
and was inducted into the KLON Jazz Hall of Fame. He served on the
awards panel for the National Endowment for the Arts and was the
National Chairperson for guitars for the National Association of Jazz
Educators. He has been dubbed America's “guitar laureate” by the Detroit
Free Press.
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Biografía:
Después de 40 años como profesional del jazz, apareciendo en varios
cientos de álbumes como líder y sideman, Kenny Burrell está entre el
puñado de grandes de la guitarra que han cambiado para siempre el papel
de su instrumento.
La integridad musical y el gusto discriminatorio, junto con una técnica
inigualable, han hecho que el guitarrista no tenga parangón entre sus
compañeros. "Mi objetivo es tocar con buen tono, buen fraseo y swing",
dice Burrell, "Me esfuerzo por ser honesto al tocar lo que siento".
"Maestro instrumentista y compositor", "virtuoso", "figura histórica de
la guitarra americana". "El guitarrista favorito de Ellington", esta es
una muestra típica de los elogios críticos que se le hacen
rutinariamente a Burrell, quien fue el pionero del trío con bajo y
batería dirigido por la guitarra a finales de los años cincuenta. Aunque
desde entonces ha trabajado en muchos otros formatos, desde big band
hasta tres guitarras, pasando por el ritmo y el solo, se ha mantenido
constante en su búsqueda de sacar el máximo provecho de un sonido
acústico natural y de bajo volumen. "Mi público se ha desarrollado de
tal manera que viene a escuchar y se queda callado", explica. "Así puedo
trabajar en un rango de volumen limitado y explorar todas las sutilezas
que pueden ocurrir, que es mi parte favorita de la música."
Aparte de su horario de presentaciones y grabaciones, Kenny ha sido
profesor en la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA) durante
muchos años. Incluido en su programa de enseñanza hay un curso especial
que desarrolló sobre la música y la vida de Duke Ellington llamado
"Ellingtonia". Iniciado en 1978, fue el primer curso universitario
regular sobre Ellington que se impartía en los Estados Unidos. Además,
es fundador y director del Programa de Estudios de Jazz de la UCLA,
donde es profesor de música y etnomusicología. También es profesor y
director de talleres de guitarra y estudios de Jazz, fundador y
presidente emérito de la Fundación Patrimonio del Jazz y cruzado por el
reconocimiento del jazz como una forma de arte clásico.
Kenny Burrell es también un prolífico compositor cuya obra está cada vez
más solicitada. Kenny es compositor de la canción "Dear Ella", ganadora
del Grammy 1998, interpretada por Dee Dee Bridgewater. Sus
composiciones han sido grabadas por muchos otros grandes artistas como
Ray Brown, Jimmy Smith, Grover Washington Jr, John Coltrane, June
Christy, Frank Wes y Stevie Ray Vaughn. Más recientemente, recibió una
beca de Meet the Composer, Inc. para escribir una composición original y
extendida para el Boys Choir of Harlem que se estrenó en el Lincoln
Center de Nueva York, y en 1997 fue grabada para Concord Records.
Kenny es un hombre que se ha ganado el respeto de todo el mundo del
jazz. "Es uno de los caballeros más graciosos del jazz", dice el
pianista Mike Wofford, "educador y portavoz de toda la tradición del
jazz estadounidense, Kenny es realmente un embajador de buena voluntad
de nuestra música y, lo que es más importante, un representante de lo
mejor de nuestra sociedad".
Nacido en Detroit, Kenny Burrell se crió en una familia de músicos. Su
madre, que cantaba en el coro de la Segunda Iglesia Bautista, también
tocaba el piano en la casa. A su padre le gustaba el banjo y el ukelele.
"Era el tipo de persona que podía coger instrumentos de cuerda y hacer
algo con ellos." Kenny recuerda: "Se nos pegó un poco".
Kenny, que atribuye influencias a Charlie Christian, Oscar Moore y
Django Reinhardt, así como a hombres del blues como T-Bone Walker y
Muddy Waters, tocó en su primera gran sesión de grabación en Detroit en
1951 con un combo de Dizzy Gillespie que incluía a John Coltrane, Milt
Jackson y Percy Heath. A pesar de que el joven guitarrista tenía una
gran compañía, incluyendo la de otros nuevos y prometedores de Detroit
como Tommy Flanagan, Yusef Lateef, Pepper Adams y Elvin Jones,
permaneció en Detroit para estudiar en la Universidad Estatal de Wayne,
de la cual obtuvo una licenciatura en composición y teoría musical en
1955. También estudió guitarra clásica con Joseph Fava durante ese
período y continúa empleando el estilo de los dedos y otras técnicas.
Una gira de seis meses en 1955 con el Oscar Peterson Trio ayudó a que
Burrell se fijara en la Gran Manzana. Al año siguiente, él y Flanagan
fueron a la ciudad de Nueva York y fueron reclutados en la liga mayor de
jazz. Burrell no sólo se convirtió en el guitarrista de jazz más
solicitado de la ciudad, grabando con sus propios grupos y con Coltrane,
Billie Holiday, Thad Jones, Kenny Dorham, Paul Chambers, Jimmy Smith,
Gene Ammons - y muchos otros - sino que también tocó en sesiones de pop
con Tony Bennett, James Brown y Lena Horn y trabajó en las bandas de
Broadway como Bye Bye Bye Birdie y How to Succeed in Business without
Really Trying.
En total, Burrell ha grabado más de noventa álbumes como líder. Este
conjunto de trabajos ha recibido muchos elogios por parte de la crítica.
Desde mediados de los años sesenta, el guitarrista ha estado dirigiendo
su propio grupo y trabajando en escenarios "All-Star" y ha tocado con
bandas y orquestas universitarias. También ha actuado con orquestas
profesionales como la Sinfónica de Detroit y la Filarmónica de Buffalo.
Aunque sus combos varían en personal, tamaño e instrumentación, la
integridad y la invención han guiado constantemente su música. "Mi
inspiración viene del mensaje que me dio Duke - eres único, sé tú mismo,
apaga esa cosa que eres tú, luego usa tu ética de trabajo y produce una
gran música".
Kenny Burrell ha recibido muchos premios y ha sido elegido "Mejor
Guitarrista" en numerosas ocasiones por aficionados y críticos de todo
el mundo. Recientemente recibió este honor por segunda vez de la
encuesta de Jazz Times International Readers Poll.
Su música y sus grabaciones han recibido un gran reconocimiento
internacional, incluyendo el "Prix de Disc" de Suiza. También ha
recibido muchos honores académicos, incluyendo un Doctorado en Letras
Humanas y la Beca Ellington de 1997 otorgada por la Universidad de Yale.
Fue elegido "Músico de Jazz favorito" por los oyentes de KLON Jazz
Station en Los Angeles en 1996 y fue incluido en el KLON Jazz Hall of
Fame. Sirvió en el panel de premios de la National Endowment for the
Arts y fue el presidente nacional de guitarras de la National
Association of Jazz Educators (Asociación Nacional de Educadores de
Jazz). Ha sido apodado el "laureado de la guitarra" de América por la
Detroit Free Press.
Review from AllMusic (by Ken Dryden): Roger Kellaway was at the beginning of his professional career when he recorded this album for the long-defunct Regina label in 1963. He had recently taken over as the featured pianist at Filly's, a 52nd Street nightclub in New York City. For these sessions, Kellaway utilizes two separate groups. The trio selections with bassist Ben Tucker and drummer Dave Bailey include Kellaway's forward-thinking uptempo blues "Double Fault," the bittersweet ballad "Here Today, Gone Tomorrow," and a romp through the oldie "Crazy She Calls Me" that proves very playful. His quartet with guitarist Jim Hall, bassist Steve Swallow, and drummer Tony Inzalaco plays his gospel-flavored "Same Old, Same Old" and the easygoing "And Elsewhere," the latter sounding like it could have been written for a '60s television theme. Kellaway may surprise a few fans with his brilliant stride piano interpretation of Sidney Bechet's "Broken Windmill." Long out of print, this rewarding release was finally reissued by Fresh Sound in 1990. https://www.allmusic.com/album/a-jazz-portrait-of-roger-kellaway-mw0000308388
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Reseña de AllMusic (por Ken Dryden): Roger Kellaway estaba al comienzo de su carrera profesional cuando grabo este album para el ya desaparecido sello Regina en 1963. Acababa de convertirse en el pianista estrella del Filly's, un club nocturno de la calle 52 en Nueva York. Para estas sesiones, Kellaway utiliza dos grupos distintos. Las selecciones en trio con el bajista Ben Tucker y el baterista Dave Bailey incluyen el blues de tempo rapido y vision de futuro "Double Fault", la balada agridulce "Here Today, Gone Tomorrow" y una version muy juguetona del clasico "Crazy She Calls Me". Su cuarteto con el guitarrista Jim Hall, el bajista Steve Swallow y el baterista Tony Inzalaco interpreta su "Same Old, Same Old" de sabor gospel y el relajado "And Elsewhere", que suena como si hubiera sido escrito para un programa de television de los anos 60. Kellaway puede sorprender a algunos fans con su brillante interpretacion al piano stride de "Broken Windmill" de Sidney Bechet. Agotado por mucho tiempo, este valioso lanzamiento fue finalmente reeditado por Fresh Sound en 1990. https://www.allmusic.com/album/a-jazz-portrait-of-roger-kellaway-mw0000308388
One of the most accomplished figures in modern music, crossing jazz,
R&B, film music, and pop over a seven-decade career entailing 27
Grammy awards.
Biography by Mark Deming
In a career spanning over seven decades, Quincy Jones has earned his
reputation as a renaissance man of American music. Since entering the
industry as an arranger in the early 1950s, he has distinguished himself
as a bandleader, solo artist, sideman, songwriter, producer, film
composer, and record label executive. A quick look at a few of the
artists he's worked with -- Miles Davis, Frank Sinatra, Count Basie,
Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon, and
Aretha Franklin -- reveals the remarkable diversity of his career. He
has been nominated for a record 80 Grammy awards, and has won 27 in
categories including Best Instrumental Jazz Performance for "Walking in
Space" (1969), Producer of the Year (1981), and Album of the Year for
Jackson's Thriller (1983) and his own Back on the Block (1990). Outside
recording studios, he has produced major motion pictures, helped create
television series, and written books, including Q: The Autobiography of
Quincy Jones (2001). An inductee into the Rock and Roll Hall of Fame
(2013), he has continued producing and recording, contributing the song
"Keep Reachin'" for the documentary Quincy: A Life Beyond Measure
(2018).
Quincy Delight Jones, Jr. was born in Chicago, Illinois on March 14,
1933. While still a youngster, his family moved to Seattle, Washington
and he soon developed an interest in music. In his early teens, Jones
began learning the trumpet and started singing with a local gospel
group. By the time he graduated from high school in 1950, Jones had
displayed enough promise to win a scholarship to Boston-based music
school Schillinger House (which later became known as the Berklee School
of Music). After a year at Schillinger, Jones relocated to New York
City, where he found work as an arranger, writing charts for Count
Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey, and Dinah Washington, among
others. In 1953, Jones scored his first big break as a performer when he
was added to the brass section of Lionel Hampton's orchestra alongside
jazz legends Art Farmer and Clifford Brown. Three years later, Dizzy
Gillespie tapped Jones to play in his band, and later in 1956, when
Gillespie was invited to put together a big band of outstanding
international musicians, Diz chose Quincy to lead the ensemble. Jones
also released his first album under his own name that year, a set for
ABC-Paramount titled This Is How I Feel About Jazz.
In 1957, Jones moved to Paris in order to study with Nadia Boulanger, an
expatriate American composer with a stellar track record in educating
composers and bandleaders. During his sojourn in France, Jones took a
job with the French record label Barclay, where he produced and arranged
sessions for Jacques Brel and Charles Aznavour, and traveling American
artists like Billy Eckstine and Sarah Vaughan. Jones' work for Barclay
impressed the management at Mercury Records, an American label
affiliated with the French imprint, and in 1961 he was named a
vice-president of Mercury, the first time an African-American had been
hired as an upper-level executive by a major U.S. recording company.
Jones scored one of his first major pop successes when he produced and
arranged "It's My Party" for teenage vocalist Lesley Gore, which marked
his first significant step away from jazz into the larger world of
popular music. (Jones also freelanced for other labels on the side,
including arranging a number of memorable Atlantic sides for Ray
Charles.) In 1963, Jones began exploring what would become a fruitful
medium when he composed his first film score for Sidney Lumet's
controversial drama The Pawnbroker; he would go on to write music for 33
feature films.
In 1964 work with Count Basie led him to arrange and conduct sessions
for Frank Sinatra's album It Might as Well Be Swing, in collaboration
with Basie and his orchestra; he also worked with Sinatra and Basie
again as an arranger for the award-winning Sinatra at the Sands set, and
would produce and arrange one of Sinatra's last albums, L.A. Is My
Lady, in 1984.
While Jones maintained a busy schedule as a composer, producer, and
arranger throughout the '60s, he also re-emerged as a recording artist
in 1969 with the album Walking in Space, which found him recasting his
big-band influences within the framework of the budding fusion movement
and the influences of contemporary rock, pop, and R&B sounds. The
album was a commercial and critical success -- the title song won a
Grammy award for Best Instrumental Jazz Performance, Large Group or
Soloist with Large Group -- and kickstarted Jones' career as a recording
artist. At the same time, he began working more closely with
contemporary pop artists, producing sessions for Aretha Franklin and
arranging strings for Paul Simon's There Goes Rhymin' Simon. While Jones
continued to work with jazz artists, many hard-and-fast jazz fans
accused him of turning his back on the genre, though Jones always
contended his greatest allegiance was to African-American musical
culture rather than any specific style. (Jones did, however, make one
major jazz gesture in 1991 when he persuaded Miles Davis to revisit the
classic Gil Evans arrangements from Miles Ahead, Sketches of Spain, and
Porgy and Bess for that year's Montreux Jazz Festival; Jones coordinated
the concert and led the orchestra, and it proved to be one of the last
major events for the ailing Davis, who passed on a few months later.)
In 1974, Jones suffered a life-threatening brain aneurysm, and while he
made a full recovery, he also made a decision to cut back on his
schedule to spend more time with his family. While Jones may have had
fewer projects on his plate in the late '70s and early '80s, they tended
to be higher profile. He produced major chart hits for the Brothers
Johnson and Rufus & Chaka Khan, and his own albums grew into
all-star productions in which Jones orchestrated top players and singers
in elaborate pop-R&B confections on sets like Body Heat,
Sounds...And Stuff Like That!!, and The Dude, the last of which resulted
in a Grammy for Producer of the Year. Jones' biggest mainstream
success, however, came with his work with Michael Jackson. Jones
produced his breakout solo album, Off the Wall, in 1979, and in 1982
they teamed up again for Thriller, which went on to become the
biggest-selling album of all time. Jones was also on hand for Thriller's
follow-up, 1987's Bad, and the celebrated USA for Africa session which
produced the benefit single "We Are the World" (written by Jackson and
Lionel Richie), and he produced a rare album in which Jackson narrated
the story of the film E.T.: The Extra-Terrestrial. Jones' own Back on
the Block, released in 1989, hit the pop Top Ten and led to five more
Grammy awards, most prominently Album of the Year.
Having risen to the heights of the recording industry, Jones moved from
scoring films to producing them in 1985. His first screen project was
the screen adaptation of Alice Walker's novel The Color Purple, directed
by Steven Spielberg. In 1991 he moved into television production with
the situation comedy The Fresh Prince of Bel Air, which gave Will Smith
his first starring role. Jones' production company also launched several
other successful shows, including In the House and Mad TV. He produced a
massive concert to help commemorate the 1993 inauguration of president
Bill Clinton, and at the 1995 Academy Awards won the Jean Hersholt
Humanitarian Award. In 1996 Jones performed at the Montreux Jazz
Festival to celebrate his 50th anniversary in the music business. The
concert was captured on video and released as a DVD.
Jones spent the rest of the '90s and first decade of the new century
concentrating on his music publishing business, completing Q: The
Autobiography of Quincy Jones, and being an "unofficial" cultural
ambassador for the United States. In 2004 he helped to launch the We Are
the Future (WAF) project, benefiting children in conflict-inhibited
situations all over the globe. In 2010, Jones released Q: Soul Bossa
Nostra, his first album in 15 years. As with many of his previous solo
albums, the set featured appearances by popular vocalists like Amy
Winehouse and Usher. Three years later, he was inducted into the Rock
& Roll Hall of Fame as a recipient of the Ahmet Ertegun Award. He
continued working with artists including Emily Bear, Nikki Yanofsky, and
Terrace Martin, and released the Chaka Khan collaboration "Keep
Reachin'," recorded for Quincy: A Life Beyond Measure, a 2018
documentary about his illustrious career.
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Una de las figuras más destacadas de la música moderna, cruzando el
jazz, el R&B, la música cinematográfica y el pop a lo largo de una
carrera de siete décadas con 27 premios Grammy.
Biografía de Mark Deming
En una carrera que abarca más de siete décadas, Quincy Jones se ha
ganado su reputación como un hombre renacentista de la música
estadounidense. Desde que entró en la industria como arreglista a
principios de la década de 1950, se ha distinguido como líder de banda,
artista solista, sideman, compositor, productor, compositor de películas
y ejecutivo de sello discográfico. Un vistazo rápido a algunos de los
artistas con los que ha trabajado - Miles Davis, Frank Sinatra, Count
Basie, Lesley Gore, Michael Jackson, Peggy Lee, Ray Charles, Paul Simon y
Aretha Franklin - revela la notable diversidad de su carrera. Ha sido
nominado para un récord de 80 premios Grammy, y ha ganado 27 en
categorías incluyendo Mejor Interpretación Instrumental de Jazz por
"Walking in Space" (1969), Productor del Año (1981), y Álbum del Año por
Thriller de Jackson (1983) y su propio Back on the Block (1990). Fuera
de los estudios de grabación, ha producido importantes películas,
ayudado a crear series de televisión y escrito libros, incluyendo Q: The
Autobiography of Quincy Jones (2001). Inducido en el Salón de la Fama
del Rock and Roll (2013), ha seguido produciendo y grabando,
contribuyendo con la canción "Keep Reachin'" para el documental Quincy:
Una vida sin medida (2018).
Quincy Delight Jones, Jr. nació en Chicago, Illinois el 14 de marzo de
1933. Cuando aún era joven, su familia se mudó a Seattle, Washington y
pronto desarrolló un interés por la música. A principios de su
adolescencia, Jones comenzó a aprender a tocar la trompeta y a cantar
con un grupo local de gospel. Para cuando se graduó de la escuela
secundaria en 1950, Jones había mostrado suficiente promesa como para
ganar una beca para la escuela de música Schillinger House (que más
tarde se conoció como la Escuela de Música de Berklee) con sede en
Boston. Después de un año en Schillinger, Jones se mudó a la ciudad de
Nueva York, donde encontró trabajo como arreglista, escribiendo cartas
para Count Basie, Cannonball Adderley, Tommy Dorsey y Dinah Washington,
entre otros. En 1953, Jones consiguió su primera gran oportunidad como
intérprete cuando se incorporó a la sección de metales de la orquesta de
Lionel Hampton junto a las leyendas del jazz Art Farmer y Clifford
Brown. Tres años más tarde, Dizzy Gillespie le pidió a Jones que tocara
en su banda, y más tarde, en 1956, cuando Gillespie fue invitado a
formar una gran banda de destacados músicos internacionales, Diz eligió a
Quincy para dirigir el conjunto. Jones también lanzó su primer álbum
bajo su propio nombre ese año, un set para ABC-Paramount titulado This
Is How I Feel About Jazz.
En 1957, Jones se mudó a París para estudiar con Nadia Boulanger, una
compositora estadounidense expatriada con una trayectoria estelar en la
formación de compositores y directores de orquesta. Durante su estancia
en Francia, Jones trabajó en el sello discográfico francés Barclay,
donde produjo y arregló sesiones para Jacques Brel y Charles Aznavour,
así como para artistas estadounidenses itinerantes como Billy Eckstine y
Sarah Vaughan. El trabajo de Jones para Barclay impresionó a la
dirección de Mercury Records, un sello estadounidense afiliado a la
imprenta francesa, y en 1961 fue nombrado vicepresidente de Mercury, la
primera vez que un afroamericano había sido contratado como ejecutivo de
alto nivel por una importante compañía discográfica estadounidense.
Jones obtuvo uno de sus primeros éxitos pop cuando produjo y arregló
"It's My Party" para la vocalista adolescente Lesley Gore, lo que marcó
su primer paso significativo para alejarse del jazz y entrar en el mundo
más amplio de la música popular. (Jones también trabajó como freelance
para otros sellos, incluyendo el arreglo de varios lados memorables del
Atlántico para Ray Charles). En 1963, Jones comenzó a explorar lo que se
convertiría en un medio fructífero cuando compuso su primera banda
sonora para el polémico drama de Sidney Lumet, The Pawnbroker; luego
escribió música para 33 largometrajes.
En 1964, el trabajo con Count Basie lo llevó a organizar y dirigir las
sesiones del álbum de Frank Sinatra It Might as well be Swing, en
colaboración con Basie y su orquesta; también trabajó con Sinatra y
Basie de nuevo como arreglador del galardonado Sinatra at the Sands set,
y produjo y arregló uno de los últimos álbumes de Sinatra, L.A. Is My
Lady, en 1984.
Si bien Jones mantuvo una apretada agenda como compositor, productor y
arreglista a lo largo de los años 60, también resurgió como artista de
grabación en 1969 con el álbum Walking in Space, que lo encontró
refundiendo sus influencias de big-band dentro del marco del incipiente
movimiento de fusión y las influencias de los sonidos contemporáneos del
rock, el pop y el R&B. El álbum fue un éxito comercial y de crítica
-- la canción del título ganó un premio Grammy por Mejor Interpretación
Instrumental de Jazz, Grupo Grande o Solista con Grupo Grande -- y dio
inicio a la carrera de Jones como artista de grabación. Al mismo tiempo,
comenzó a trabajar más estrechamente con artistas pop contemporáneos,
produciendo sesiones para Aretha Franklin y arreglando cuerdas para
There Goes Rhymin' Simon de Paul Simon. Mientras Jones seguía trabajando
con artistas de jazz, muchos fanáticos del jazz le acusaban de darle la
espalda al género, aunque Jones siempre sostuvo que su mayor lealtad
era a la cultura musical afroamericana más que a un estilo específico.
(Jones, sin embargo, hizo un gran gesto de jazz en 1991 cuando persuadió
a Miles Davis para que revisara los arreglos clásicos de Gil Evans de
Miles Ahead, Sketches of Spain, y Porgy and Bess para el Festival de
Jazz de Montreux de ese año; Jones coordinó el concierto y dirigió la
orquesta, y resultó ser uno de los últimos eventos importantes para el
enfermo Davis, que falleció unos meses después).
En 1974, Jones sufrió un aneurisma cerebral que puso en peligro su vida,
y aunque se recuperó completamente, también tomó la decisión de reducir
su horario para pasar más tiempo con su familia. Si bien Jones pudo
haber tenido menos proyectos en su haber a finales de los'70 y
principios de los'80, tendían a tener un perfil más alto. Produjo
grandes éxitos para los hermanos Johnson y Rufus & Chaka Khan, y sus
propios álbumes se convirtieron en producciones estelares en las que
Jones orquestó a los mejores músicos y cantantes en elaboradas
confecciones pop-R&B en sets como Body Heat, Sounds....And Stuff
Like That! y The Dude, el último de los cuales dio como resultado un
Grammy al Productor del Año. El mayor éxito de Jones, sin embargo, vino
con su trabajo con Michael Jackson. Jones produjo su álbum en solitario,
Off the Wall, en 1979, y en 1982 se unieron de nuevo para Thriller, que
se convirtió en el álbum más vendido de todos los tiempos. Jones
también estuvo presente en el seguimiento de Thriller, Bad de 1987, y en
la célebre sesión de USA for Africa que produjo el single benéfico "We
Are the World" (escrito por Jackson y Lionel Richie), y produjo un álbum
raro en el que Jackson narraba la historia de la película E.T.: The
Extra-Terrestrial. El propio Back on the Block de Jones, publicado en
1989, alcanzó el Top Ten de pop y fue galardonado con cinco premios
Grammy más, siendo el más destacado el Álbum del Año.
Habiendo llegado a la cima de la industria discográfica, Jones pasó de
la banda sonora a la producción de películas en 1985. Su primer proyecto
en la pantalla fue la adaptación de la novela de Alice Walker The Color
Purple, dirigida por Steven Spielberg. En 1991 pasó a la producción
televisiva con la comedia de situación The Fresh Prince of Bel Air, que
le dio a Will Smith su primer papel protagonista. La compañía de
producción de Jones también lanzó varios otros programas exitosos,
incluyendo In the House y Mad TV. Produjo un concierto masivo para
ayudar a conmemorar la toma de posesión del presidente Bill Clinton en
1993, y en los Premios de la Academia de 1995 ganó el Premio Humanitario
Jean Hersholt. En 1996 Jones actuó en el Festival de Jazz de Montreux
para celebrar su 50 aniversario en el negocio de la música. El concierto
fue grabado en video y publicado en DVD.
Jones pasó el resto de los años 90 y la primera década del nuevo siglo
concentrándose en su negocio de publicación de música, completando Q:
The Autobiography of Quincy Jones, y siendo un embajador cultural "no
oficial" para Estados Unidos. En 2004 ayudó a lanzar el proyecto We Are
the Future (WAF), que beneficia a los niños en situaciones de conflicto
en todo el mundo. En 2010, Jones lanzó Q: Soul Bossa Nostra, su primer
álbum en 15 años. Al igual que muchos de sus álbumes anteriores en
solitario, el conjunto contó con la participación de cantantes populares
como Amy Winehouse y Usher. Tres años más tarde, fue admitido en el
Salón de la Fama del Rock & Roll como ganador del Premio Ahmet
Ertegun. Continuó trabajando con artistas como Emily Bear, Nikki
Yanofsky y Terrace Martin, y publicó la colaboración de Chaka Khan "Keep
Reachin'", grabada para Quincy: A Life Beyond Measure, un documental de
2018 sobre su ilustre carrera.
Leslie attended Media High School and graduated as an electrician at the outbreak of the Second World War. He took his military service from the US Army in Fort George G. Meade from 1943 onwards. Because of an eye disease, he was released from the army in 1944 and visited the Landis School of Music in West Philadelphia until 1948. He began his professional career as a musician in the late 1940s; In the following decade, he was part of the band of Louis Jordan, with whom he performed in clubs in Las Vegas, the Apollo Theater in Harlem and Smalls' Paradise, as well as in the TV show Your Hit Parade.In the 1960s he played with recordings of Larry Young (Groove Street), Thornel Schwartz (soul cookin), Sweden with Don Gardner, Dee Dee Ford and Freda Payne. At Argo Records, he released Diggin 'the Chicks, his only album under his own name, in 1962, with Ben Tucker, Art Taylor, Thornel Schwartz and Tommy Flanagan. In the field of jazz, he was involved in five recording sessions between 1962 and 1965. [2] At the end of the 1960s, he directed an organ trio. In the early 1980s, Leslie was the first chairman of the Philadelphia Clef Club, a jazz club in the 13th Street corner of Washington Avenue. In later years he was a church musician in Sellersville and performed Duke Ellington's Sacred Music.
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Bill Leslie (1925-2003)
Leslie asistió a la Escuela Secundaria de Medios y se graduó como electricista al estallar la Segunda Guerra Mundial. Hizo el servicio militar en el ejército de EE.UU. en Fort George G. Meade a partir de 1943. Debido a una enfermedad ocular, fue liberado del ejército en 1944 y visitó la Escuela de Música Landis en el oeste de Filadelfia hasta 1948. Comenzó su carrera profesional como músico a finales de los años 40. En la década siguiente, formó parte de la banda de Louis Jordan, con la que actuó en clubes de Las Vegas, en el Teatro Apolo de Harlem y en Smalls' Paradise, así como en el programa de televisión Your Hit Parade. En los años 60 tocó con grabaciones de Larry Young (Groove Street), Thornel Schwartz (soul cookin), Suecia con Don Gardner, Dee Dee Ford y Freda Payne. En Argo Records, lanzó Diggin 'the Chicks, su único álbum bajo su propio nombre, en 1962, con Ben Tucker, Art Taylor, Thornel Schwartz y Tommy Flanagan. En el campo del jazz, participó en cinco sesiones de grabación entre 1962 y 1965. A finales de los años 60, dirigió un trío de órgano. A principios de los 80, Leslie fue el primer presidente del Philadelphia Clef Club, un club de jazz en la esquina de la calle 13 de la Avenida Washington. En años posteriores fue músico de iglesia en Sellersville e interpretó la Música Sagrada de Duke Ellington.
A mixture of sessions with Art on selected tracks, though in 1956 one was lucky to find him playing between incarcerations, and fellow West Coast tenor Richie Kamuca on others. Kamuca died young of cancer, and the rather shy Bill Perkins is better known for his appearances in the Lighthouse All Stars, of Hermosa Beach Lighthouse cafe fame. During the 1960s Perkins had a dual career as a studio musician and a recording engineer, which may explain the audio quality. https://londonjazzcollector.wordpress.com/2012/01/07/bill-perkins-art-pepper-just-friends-1957/
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Una mezcla de sesiones con Art en algunas pistas seleccionadas, aunque en 1956 se tuvo la suerte de encontrarlo tocando entre encarcelamientos, y con su compañero tenor de la costa oeste Richie Kamuca en otras. Kamuca murió joven de cáncer, y el bastante tímido Bill Perkins es más conocido por sus apariciones en los Lighthouse All Stars, famosos por el café Hermosa Beach Lighthouse. Durante la década de 1960, Perkins tuvo una doble carrera como músico de estudio e ingeniero de grabación, lo que puede explicar la calidad del audio. https://londonjazzcollector.wordpress.com/2012/01/07/bill-perkins-art-pepper-just-friends-1957/
Grant Green's third album to be released, Grantstand teams the clear-toned guitarist with an unlikely backing group of musicians who rarely appeared with Blue Note otherwise: tenor saxophonist Yusef Lateef (who doubles on flute), organist Brother Jack McDuff, and drummer Al Harewood. Although Lateef was beginning to delve deeply into Eastern tonalities and instruments around the same time, his playing here is pretty straightforward and swinging, fitting the relaxed, bop-tinged soul-jazz that makes up most of the session. For his part, McDuff is mellower than his usual ferocious self, laying back and swinging with a blissful ease. Green contributes two bluesy originals, the nine-minute title track and the 15-minute "Blues in Maude's Flat," which are turned into loose, loping jams that rank as some of the best examples of Green's ability to work an extended groove. (The CD bonus track, "Green's Greenery," is in much the same vein, though not as long.) Elsewhere, Green leads a delicate, sensitive exploration of "My Funny Valentine" that ended up as his greatest standard performance to date, setting the stage for a great deal more work in this vein that was soon to be forthcoming (including his brilliant sessions with Sonny Clark). Still, the groove is what reigns supreme for most of the album; if you're looking for Green the soul-jazz groovemaster, Grantstand is an excellent place to find him.
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Traduucción Automática:
Reseña por Steve HueyEl
tercer álbum de Grant Green que se lanzará, Grantstand combina al
guitarrista con un improbable grupo de músicos de respaldo que rara vez
aparecieron con Blue Note de otra manera: el saxofonista tenor Yusef
Lateef (que se dobla en la flauta), el organista Hermano Jack McDuff y
el baterista Al Harewood . Aunque
Lateef estaba comenzando a profundizar en las tonalidades e
instrumentos orientales en torno al mismo tiempo, su forma de tocar aquí
es bastante sencilla y activa, encajando en el relajado y tonificado
soul-jazz que conforma la mayor parte de la sesión. Por su parte, McDuff es más suave que su feroz ser habitual, se recuesta y se balancea con una facilidad maravillosa. Green
aporta dos originales en blues, la canción de nueve minutos y "Blues in
Maude's Flat" de 15 minutos, que se convierten en atascos sueltos que
se clasifican como algunos de los mejores ejemplos de la capacidad de
Green para trabajar un ritmo prolongado. (La
canción adicional del CD, "Green's Greenery", es muy parecida, aunque
no tan larga.) En otra parte, Green lidera una exploración delicada y
sensible de "My Funny Valentine" que terminó como su mejor desempeño
estándar hasta la fecha, preparando
el escenario para un trabajo mucho más en este sentido que pronto se
presentará (incluidas sus brillantes sesiones con Sonny Clark). Aún así, el ritmo es lo que reina en la mayor parte del álbum; Si buscas a Groovemaster Green the soul-jazz, Grantstand es un excelente lugar para encontrarlo.
