Lonesome Sundown was given his Blues name by Jay Miller, the legendary
producer at Excello Records who also gave new names to Lightnin’ Slim,
Lazy Lester and many more. Lonesome’s particular brand of ‘swamp Blues’
had strong echoes of the hard-edged sound of Chicago Blues rather than
the usual one-chord boogies or the more lyrical style of the Zydeco
bands where he got started.
Cornelius Green was born near Donaldsville LA in 1928 and as a teenager
he went to work in New Orleans. He learned to play guitar, and while
working in the Gulf Coast oilfields, he began appearing at clubs in Port
Arthur. He was spotted by Clifton Chenier, who offered him the gig as
‘second’ guitar with The Zydeco Ramblers. They went on tour to Chicago
and the West-coast, where they cut some tracks in Los Angeles, but
Cornelius soon left because he wanted to work on his own material. A
demo tape found its way to Jay Miller, who got Cornelius into the
studio, came up with the ‘Lonesome Sundown’ tag and leased the tapes to
Excello. This began an eight year career with Jay and Excello which
produced a string of good selling singles that never troubled the
national charts. This may have been down to Excello’s marketing, which
was largely done by mail-order and in ‘bundles’, which they promoted
through a radio station that reached Canada and Mexico. All this made it
difficult for Billboard to validate sales.
Lonesome’s strong, distinctive voice and powerful guitar style was often
complimented by the bright harp sound of Lazy Lester, but he sometimes
just sang with his guitar or a gentle piano. Lonesome wrote some great
songs like ‘My Home is a Prison’, made up on the spot when his religious
wife phoned the studio to ask him to come home. Other songs like ‘Gonna
Stick to You Baby’, were covered by many later singers, and Excello
released an album of Lonesome’s self-written music in 1965. Soon
afterwards, a messy divorce and disillusionment with his lack of
commercial success caused Lonesome to walk away from the business. He
was eventually ordained as a Minister of an Apostolic Church, but after a
decade away from music, Lonesome cut a great new album in 1977. ‘Been
Gone Too Long’ had some fine, laid-back Blues, but it didn’t sell too
well despite being re-issued by Alligator Records a couple of years
later. Lonesome played at the New Orleans Heritage Festival in 1979, and
toured Europe and Japan, but fell out of love with playing and retired
again. He had a serious stroke in 1994, and passed away in Gonzales LA
the following year.
Lonesome Sundown recibió el nombre de Blues de Jay Miller, el legendario
productor de Excello Records que también dio nuevos nombres a Lightnin'
Slim, Lazy Lester y muchos más. La particular marca de Lonesome,'swamp
Blues', tenía fuertes ecos del sonido de borde duro de Chicago Blues en
lugar de los habituales boogies de un solo acorde o el estilo más lírico
de las bandas de Zydeco en las que empezó.
Cornelius Green nació cerca de Donaldsville LA en 1928 y cuando era
adolescente se fue a trabajar a Nueva Orleans. Aprendió a tocar la
guitarra, y mientras trabajaba en los campos petroleros de la Costa del
Golfo, comenzó a aparecer en clubes de Port Arthur. Fue visto por
Clifton Chenier, quien le ofreció el concierto como segunda guitarra con
The Zydeco Ramblers. Se fueron de gira a Chicago y a la costa oeste,
donde cortaron algunas pistas en Los Ángeles, pero Cornelius pronto se
fue porque quería trabajar en su propio material. Una cinta de
demostración encontró su camino a Jay Miller, quien metió a Cornelius en
el estudio, inventó la etiqueta'Lonesome Sundown' y le alquiló las
cintas a Excello. Esto comenzó una carrera de ocho años con Jay y
Excello, que produjo una serie de buenas ventas de singles que nunca
afectaron las listas nacionales. Esto pudo deberse a la comercialización
de Excello, que en gran medida se hizo por correo y en "paquetes", que
promovieron a través de una estación de radio que llegó a Canadá y
México. Todo esto dificultó la validación de las ventas de Billboard.
La voz fuerte y distintiva de Lonesome y su poderoso estilo de guitarra a
menudo eran complementados por el brillante sonido del la armónica de
Lazy Lester, pero a veces sólo cantaba con su guitarra o con un piano
suave. Lonesome escribió algunas grandes canciones como "My Home is a
Prison" (Mi casa es una prisión), inventada en el momento en que su
esposa religiosa llamó al estudio para pedirle que volviera a casa.
Otras canciones como'Gonna Stick to You Baby', fueron interpretadas por
muchos cantantes posteriores, y Excello lanzó un álbum de música
auto-escrita de Lonesome en 1965. Poco después, un divorcio desordenado y
la desilusión por su falta de éxito comercial hicieron que Lonesome
abandonara el negocio. Eventualmente fue ordenado como Ministro de una
Iglesia Apostólica, pero después de una década lejos de la música,
Lonesome grabó un gran álbum nuevo en 1977. Been Gone Too Long' tenía un
buen Blues, pero no se vendió muy bien a pesar de haber sido reeditado
por Alligator Records un par de años después. Lonesome tocó en el
Festival de Herencia de Nueva Orleans en 1979, y viajó por Europa y
Japón, pero se enamoró de tocar y se retiró de nuevo. Tuvo una apoplejía
grave en 1994, y falleció en Gonzales LA al año siguiente.
Biography by Ron Wynn An exciting and expressive jazz-influenced blues vocalist, Arbee Stidham also plays alto sax, guitar and harmonica. His father Luddie Stidham worked in Jimme Lunceford's orchestra, while his uncle was a leader of the Memphis Jug Band. Stidham formed the Southern Syncopators and played various clubs in his native Arkansas in the '30s. He appeared on Little Rock radio station KARK and his band backed Bessie Smith on a Southern tour in 1930 and 1931. Stidham frequently performed in Little Rock and Memphis until he moved to Chicago in the '40s. Stidham recorded with Lucky Millinder's Orchestra for Victor in the '40s for Victor. He did his own sessions for Victor, Sittin' In, Checker, Abco, Prestige/Bluesville, Mainstream, and Folkways in the '50s and '60s, and appeared in the film The Bluesman in 1973. Stidham also made many festival and club appearances nationwide and internationally. He did occasional blues lectures at Cleveland State University in the '70s. https://www.allmusic.com/artist/arbee-stidham-mn0000928363/biography
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Biografía por Ron Wynn Arbee Stidham es un vocalista de blues con influencia del jazz, emocionante y expresivo, que también toca el saxo alto, la guitarra y la armónica. Su padre Luddie Stidham trabajó en la orquesta de Jimme Lunceford, mientras que su tío fue líder de la Memphis Jug Band. Stidham formó los Southern Syncopators y tocó en varios clubes de su Arkansas natal en los años 30. Apareció en la emisora de radio KARK de Little Rock y su banda acompañó a Bessie Smith en una gira por el sur en 1930 y 1931. Stidham actuó con frecuencia en Little Rock y Memphis hasta que se trasladó a Chicago en los años 40. Stidham grabó con la Orquesta de Lucky Millinder para Victor en los años 40 para Victor. Realizó sus propias sesiones para Victor, Sittin' In, Checker, Abco, Prestige/Bluesville, Mainstream y Folkways en los años 50 y 60, y apareció en la película The Bluesman en 1973. Stidham también hizo muchas apariciones en festivales y clubes a nivel nacional e internacional. En los años 70 dio conferencias ocasionales sobre el blues en la Universidad Estatal de Cleveland. https://www.allmusic.com/artist/arbee-stidham-mn0000928363/biography
Junior Wells (December 9, 1934 – January 15, 1998) was a blues vocalist and harmonica player and recording artist based in Chicago, who was also famous for playing with Muddy Waters, Buddy Guy, Bonnie Raitt, The Rolling Stones and Van Morrison.
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Junior Wells (9 de diciembre de 1934 - 15 de enero de 1998) fue un vocalista de blues e intérprete de armónica y artista de grabación con base en Chicago, que también fue famoso por tocar con Muddy Waters, Buddy Guy, Bonnie Raitt, The Rolling Stones y Van Morrison.
Born James D. Harris, 12 April 1921, Earle, Arkansas, USA, d. 2 March 1990, Pine Bluff, Arkansas, USA. A professional gambler when not playing harmonica (his nickname was derived from the crapshooters' call "Shake 'em, Jake", Harris began playing in Chicago blues bands during the late 40s. His 1958 single "Call Me If You Need Me"/"Roll Your Moneymaker", recorded for the Artistic subsidiary of Cobra Records, featured guitar work by his nephew Magic Sam. During the 60s he recorded two albums that did not do him justice, as club recordings with Sam make evident. His encouragement of younger musicians brought about the recording debut of, among others, Luther Allison, with whom Jake recorded his best album after moving to Los Angeles. In later years, occasional recordings appeared, including some on his own label, and Harris ran a blues club for a while, but was dogged by poor health and isolated by neighborhood gang violence.
Excellent album on the small Murray Brothers label from 1983. Backing from Rod Piazza, Jr. Watson and Hollywood Fats among others.
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Traducción Automática:
Nacido James D. Harris, 12 de abril de 1921, Earle, Arkansas, EE. UU., D. 2 de marzo de 1990, Pine Bluff, Arkansas, EE. UU. Un jugador profesional cuando no tocaba la armónica (su apodo se derivó de la llamada "Shake 'em, Jake" de los crapshooters, Harris comenzó a tocar en las bandas de blues de Chicago a finales de los años 40. Su single de 1958 "Call Me If You Need Me" / " Roll Your Moneymaker ", grabado para la filial Artística de Cobra Records, contó con el trabajo de guitarra de su sobrino Magic Sam. Durante los años 60 grabó dos álbumes que no le hacían justicia, como lo demuestran las grabaciones del club con Sam. Su aliento a los músicos más jóvenes provocó el debut en la grabación de, entre otros, Luther Allison, con quien Jake grabó su mejor álbum después de mudarse a Los Ángeles. En años posteriores aparecieron grabaciones ocasionales, incluidas algunas de su propio sello, y Harris dirigió un club de blues por un tiempo , pero fue perseguido por la mala salud y aislado por la violencia de pandillas del barrio.
Excelente álbum en el pequeño sello Murray Brothers de 1983. Con el respaldo de Rod Piazza, Jr. Watson y Hollywood Fats entre otros.
B.B. & The Blues Shacks today have developed into the most
successful performers of traditional blues in Europe. Since its
formation in 1989, the band from Hildesheim / Germany has established
itself as one of the top acts within the blues scene, with countless
club and festival appearances all over Europe. With their swinging and
shuffling brand of blues from the 1940's and 1950's, together with their
own compositions in this style, they are among the most authentic blues
bands active today. Whether covering lesser-known classics of the era
or performing their own songs, B.B. & The Blues Shacks always show
their respect of their idols, such as T-Bone Walker or Sonny Boy
Williamson.
But at the same time, the Shacks are very much up to date, incorporating
contemporary topics and recent events in their own songs, telling their
own stories of today. Although their own compositions sound like they
could have been written in the 50's, the imaginative lyrics and creative
musical ideas make them sound fresh. www.bluesshacks.com .
The band has gathered essential experience by backing up many touring
American blues acts such as R.J. Mischo, Kid Ramos and Smokey Wilson,
contributing to the further development of their own mature musical
expression. Besides their musical prowess, B.B. & The Blues Shacks
are an exciting visual live act with a repertoire that encompasses Delta
Blues, Swing, Chicago Blues, and West Coast Jump Blues, all the way to
50's style Rock 'n' Roll. This is music for all lovers of charged-up
blues shows without any hackneyed clichés! Back to the essentials of
electric blues with B.B. & The Blues Shacks!
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B.B. & The Blues Shacks se han convertido hoy en los más exitosos
intérpretes de blues tradicional en Europa. Desde su formación en 1989,
la banda de Hildesheim / Alemania se ha establecido como uno de los
mejores actos dentro de la escena del blues, con innumerables
apariciones en clubes y festivales en toda Europa. Con su estilo de
blues de los años 40 y 50, junto con sus propias composiciones en este
estilo, se encuentran entre las bandas de blues más auténticas que
existen hoy en día. Ya sea cubriendo clásicos menos conocidos de la
época o interpretando sus propias canciones, B.B. & The Blues Shacks
siempre muestran su respeto por sus ídolos, como T-Bone Walker o Sonny
Boy Williamson.
Pero al mismo tiempo, los Shacks están muy al día, incorporando temas
contemporáneos y acontecimientos recientes en sus propias canciones,
contando sus propias historias de hoy. Aunque sus propias composiciones
suenan como si hubieran sido escritas en los años 50, las letras
imaginativas y las ideas musicales creativas las hacen sonar frescas.
www.bluesshacks.com .
La banda ha reunido una experiencia esencial al apoyar a muchos actos de
blues americano en gira como R.J. Mischo, Kid Ramos y Smokey Wilson,
contribuyendo al desarrollo de su propia expresión musical madura.
Además de su destreza musical, B.B. & The Blues Shacks son un
emocionante acto visual en vivo con un repertorio que abarca el Delta
Blues, Swing, Chicago Blues, y West Coast Jump Blues, hasta el estilo de
los 50's Rock 'n' Roll. Esta es música para todos los amantes de los
espectáculos de blues cargados sin ningún cliché trillado! ¡Volvemos a
lo esencial del blues eléctrico con B.B. & The Blues Shacks!
Best known for his decade-plus stint in support of Bobby "Blue" Bland,
Mel Brown channeled elements of soul, funk, and jazz to create one of
the most distinctive guitar styles in contemporary blues. Born October
7, 1939, in Jackson, MS, Brown received his first guitar at the age of
14 while battling meningitis, spending hours each day studying the music
of idols like B.B. King and T-Bone Walker from his sickbed. His father,
John Henry "Bubba" Brown, a gifted amateur guitarist who often backed
Delta legend Tommy Johnson, was another seminal influence. After
recovering from his illness, Brown joined the Duke Juniors, a teenaged
spinoff of the popular local society band the Duke Huddleston Orchestra.
Word of his prodigious abilities spread quickly throughout the region,
and at 15, he played a series of gigs backing the great Sonny Boy
Williamson. After a brief stint in Los Angeles, Brown returned to
Jackson in 1955, honing his skills under Huddleston before permanently
settling in L.A. three years later. After a six-month stretch with West
Coast R&B singer Jimmy Beasley, Brown spent two years backing
R&B great Johnny Otis. In late 1960, he toured with the Olympics,
followed by a two-year tour of duty with the great Etta James. Most
significantly, while touring with James he swapped his Les Paul for a
hollow-bodied Gibson ES-175, later crediting the instrument for the
warm, rich tone that set him apart from rival guitarists.
By 1963 the grind of touring forced Brown off the road. He returned to
L.A. and resumed his collaboration with Otis, enjoying an extended
residency at the Club Sands. He also launched a session career, playing
on records by everyone from Bobby Darin to Bill Cosby as well as T-Bone
Walker's Funky Town LP. His contributions so impressed ABC/Impulse!
producer Bob Thiele that he invited Brown to cut his own album for the
label: 1967's Chicken Fat, a wonderfully greasy blues-funk outing
pairing Brown with fellow guitarist Herb Ellis, remains a cult classic. A
series of impressive LPs including The Wizard, I'd Rather Suck My
Thumb, and Big Foot Country Gal followed in quick succession before
Brown joined Bland in 1971, appearing on the singer's classic California
Album two years later. During his stint with Bland, the guitarist also
moonlighted behind blues legends John Lee Hooker, Lightnin' Hopkins, and
Roy Brown, and in 1976 he relocated to Nashville, where he maintained
an even busier session schedule than in Los Angeles. Upon resuming his
collaboration with Bland, Brown made the decision to temporarily abandon
guitar in favor of the piano. He remained with the singer until 1982,
putting his performing career on hiatus and moving to remote northeast
Mississippi in an attempt to escape the music business.
Brown resurfaced in 1983 as a member of the house band at the legendary
Austin, TX, blues joint Antone's. In the years to follow, he backed
everyone from Buddy Guy to Stevie Ray Vaughan to Clifton Chenier. In
1986, he accepted Albert Collins' offer to join his band the
Icebreakers, recording the acclaimed LP Cold Snap before returning to
Antone's. In 1989, he resumed his solo career with If It's All Night,
It's All Right, released on the club's eponymous label. A few months
later Brown headlined the Kitchener, Ontario, venue the Pop-the-Gator
Club, finding the experience so much to his liking that he relocated to
Canada in early 1990. There he formed a new band, the Homewreckers, and
steadily toured the southern Ontario nightclub circuit, finally
reappearing on wax in 1998 as a guest on Snooky Pryor's Can't Stop
Blowin'. Brown's Electro-Fi label debut, Neck Bones & Caviar,
followed a year later, winning the W.C. Handy Award for Blues Comeback
of the Year. With 2000's co-headlined Double Shot!, he and Pryor earned a
W.C. Handy nomination for Traditional Blues Album of the Year. The
concert disc Homewreckin' Done Live followed a year later. After another
five-year layoff from recording, Brown issued Blues: A Beautiful Thing
in early 2006.
Mejor conocido por su etapa de más de una década en apoyo de Bobby
"Blue" Bland, Mel Brown canalizó elementos de soul, funk y jazz para
crear uno de los estilos de guitarra más distintivos del blues
contemporáneo. Nacido el 7 de octubre de 1939 en Jackson, MS, Brown
recibió su primera guitarra a la edad de 14 años mientras luchaba contra
la meningitis, pasando horas cada día estudiando la música de ídolos
como B.B. King y T-Bone Walker desde su lecho de enfermo. Su padre, John
Henry "Bubba" Brown, un talentoso guitarrista aficionado que a menudo
apoyaba a la leyenda de Delta, Tommy Johnson, fue otra influencia
fundamental. Después de recuperarse de su enfermedad, Brown se unió a
los Duke Juniors, una derivación adolescente de la popular banda de la
sociedad local, la Duke Huddleston Orchestra. La noticia de sus
prodigiosas habilidades se extendió rápidamente por toda la región, y a
los 15 años, tocó en una serie de conciertos apoyando al gran Sonny Boy
Williamson. Después de un breve período en Los Ángeles, Brown regresó a
Jackson en 1955, perfeccionando sus habilidades bajo Huddleston antes de
establecerse permanentemente en Los Ángeles tres años más tarde.
Después de un período de seis meses con el cantante de R&B de la
Costa Oeste Jimmy Beasley, Brown pasó dos años apoyando al gran Johnny
Otis de R&B. A finales de 1960, realizó una gira con los Juegos
Olímpicos, seguida de una gira de dos años con el gran Etta James. Lo
más significativo es que, durante una gira con James, cambió su Les Paul
por una Gibson ES-175 de cuerpo hueco, y más tarde le dio crédito al
instrumento por el sonido cálido y rico que lo distinguió de los
guitarristas rivales.
En 1963, la rutina de las giras obligó a Brown a salir de la carretera.
Regresó a Los Ángeles y reanudó su colaboración con Otis, disfrutando de
una residencia prolongada en el Club Sands. También lanzó una carrera
de sesión, tocando en discos de todos, desde Bobby Darin hasta Bill
Cosby, así como en el LP Funky Town de T-Bone Walker. Sus contribuciones
impresionaron tanto al productor de ABC/Impulse! que invitó a Brown a
grabar su propio álbum para el sello: Chicken Fat, de 1967, una
excursión de blues y blues que combina a Brown con su compañero
guitarrista Herb Ellis, sigue siendo un clásico de culto. Una serie de
impresionantes LPs incluyendo The Wizard, I'd Rather Suck My Thumb, y
Big Foot Country Gal siguieron en rápida sucesión antes de que Brown se
uniera a Bland en 1971, apareciendo en el clásico álbum de la cantante
California dos años después. Durante su temporada con Bland, el
guitarrista también trabajó detrás de las leyendas del blues John Lee
Hooker, Lightnin' Hopkins y Roy Brown, y en 1976 se trasladó a
Nashville, donde mantuvo una agenda de sesiones aún más ocupada que en
Los Ángeles. Al reanudar su colaboración con Bland, Brown tomó la
decisión de abandonar temporalmente la guitarra en favor del piano.
Permaneció con el cantante hasta 1982, dejando su carrera de intérprete
en suspenso y mudándose al remoto noreste de Mississippi en un intento
de escapar del negocio de la música.
Brown reapareció en 1983 como miembro de la banda de house en el
legendario Austin, TX, blues joint Antone's. En los años siguientes,
apoyó a todos, desde Buddy Guy hasta Stevie Ray Vaughan y Clifton
Chenier. En 1986, aceptó la oferta de Albert Collins de unirse a su
banda The Icebreakers, grabando el aclamado LP Cold Snap antes de
regresar a Antone's. En 1989, reanudó su carrera en solitario con If
It's All Night, It's All Right, publicado en el sello homónimo del club.
Unos meses más tarde, Brown encabezó el Kitchener de Ontario, sede del
Club Pop-the-Gator, y encontró la experiencia tan agradable que se mudó a
Canadá a principios de 1990. Allí formó una nueva banda, los
Homewreckers, y viajó constantemente por el circuito de clubes nocturnos
del sur de Ontario, reapareciendo finalmente en 1998 como invitado en
Snooky Pryor's Can't Stop Blowin'. El debut de Brown con la etiqueta
Electro-Fi, Neck Bones & Caviar, le siguió un año más tarde, ganando
el W.C. Handy Award for Blues Comeback of the Year. Con 2000's
co-headheadlined Double Shot! y Pryor ganaron una nominación para el
W.C. Handy Album de Blues Tradicional del Año. El disco de concierto
Homewreckin' Done Live fue seguido un año más tarde. Después de otros
cinco años sin grabar, Brown emitió Blues: A Beautiful Thing a
principios de 2006.
Harmonica player, songwriter, and singer Mark Hummel is a practitioner of the West Coast blues style, which typically includes elements of jazz and swing. A seasoned bandleader, Hummel achieved wider recognition through nearly constant touring. Hummel was born in New Haven, Connecticut but raised in Los Angeles, California. He became fascinated with the blues-rock of Cream, Jimi Hendrix, Big Brother and the Holding Company, and the Rolling Stones. After seeing songwriter credits on the albums, he began to dig further back into those bands' blues roots. He began playing harmonica in his teens in order to be different from the huge pack of guitar players in his high school. Hummel studied the styles of the Chicago-based players, including James Cotton, Sonny Boy Williamson, Big Walter "Shakey" Horton, and Little Walter Jacobs. Hummel moved to Berkeley, California in 1972 and played with local bluesmen there, including Boogie Jake, Cool Papa, Johnny Waters, and Sonny Lane. After graduating high school, he hitchhiked around the country for three years, making stops in New Orleans, Boston, and Chicago to learn from those cities' top players.
In 1980, he formed the Blues Survivors, subsequently performed at numerous blues festivals around the U.S., including the Chicago Blues Festival and the San Francisco Blues Festival. Hummel has released a number of self-produced albums around his Oakland, California home, including Playing in Your Town (1985, Rockinitis Records), Up & Jumpin' (with Canadian guitarist Sue Foley, 1989-1990), and Hard Lovin' (1992, Double Trouble Records). His widely available albums include Feel Like Rockin' (1994, Flying Fish Records), Married to the Blues (1995, Flying Fish), and Heart of Chicago (1997, Tone-Cool/Rounder), an album recorded in Chicago on which Hummel was accompanied by some veteran Chicago sidemen, including drummer Willie "Big Eyes" Smith, guitarist Dave Myers, and producer/guitarist Steve Freund. Considered one of the top harmonica players in the U.S., Hummel has also judged and played in the Hohner Harmonica World Championships, held in Germany; he issued Low Down to Uptown in 1998. Golden State Blues was next, released on new label Electro-Fi with support from Hummel's usual backing band, the Blues Survivors. Retro-Active followed early in 2010.
Armonicista, compositor y cantante Mark Hummel es un practicante del estilo blues de la Costa Oeste, que típicamente incluye elementos de jazz y swing. Como experimentado director de banda, Hummel logró un amplio reconocimiento a través de giras casi constantes. Hummel nació en New Haven, Connecticut, pero se crió en Los Ángeles, California. Se fascinó con el blues-rock de Cream, Jimi Hendrix, Big Brother and the Holding Company, y los Rolling Stones. Después de ver los créditos de los compositores en los álbumes, comenzó a profundizar en las raíces del blues de esas bandas. Empezó a tocar la armónica en su adolescencia para diferenciarse del gran grupo de guitarristas de su instituto. Hummel estudió los estilos de los guitarristas de Chicago, incluyendo a James Cotton, Sonny Boy Williamson, Big Walter "Shakey" Horton y Little Walter Jacobs. Hummel se mudó a Berkeley, California, en 1972 y tocó con los bluesmen locales allí, incluyendo Boogie Jake, Cool Papa, Johnny Waters, y Sonny Lane. Después de graduarse de la escuela secundaria, hizo autostop por todo el país durante tres años, haciendo paradas en Nueva Orleans, Boston y Chicago para aprender de los mejores jugadores de esas ciudades.
En 1980, formó el grupo Blues Survivors, y posteriormente actuó en numerosos festivales de blues en los Estados Unidos, incluyendo el Festival de Blues de Chicago y el Festival de Blues de San Francisco. Hummel ha publicado varios álbumes autoproducidos en su casa de Oakland, California, entre los que se encuentran Playing in Your Town (1985, Rockinitis Records), Up & Jumpin' (con la guitarrista canadiense Sue Foley, 1989-1990) y Hard Lovin' (1992, Double Trouble Records). Sus álbumes ampliamente disponibles incluyen Feel Like Rockin' (1994, Flying Fish Records), Married to the Blues (1995, Flying Fish), y Heart of Chicago (1997, Tone-Cool/Rounder), un álbum grabado en Chicago en el que Hummel fue acompañado por algunos veteranos de Chicago, incluyendo el baterista Willie "Big Eyes" Smith, el guitarrista Dave Myers, y el productor/guitarrista Steve Freund. Considerado uno de los mejores intérpretes de armónica de los Estados Unidos, Hummel también ha sido jurado y ha tocado en los Campeonatos Mundiales de Armónica de Hohner, celebrados en Alemania; publicó Low Down to Uptown en 1998. El siguiente paso fue el Golden State Blues, lanzado en el nuevo sello Electro-Fi con el apoyo de la banda de respaldo habitual de Hummel, los Blues Survivors. Retro-Active siguió a principios de 2010.
Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented
songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the
to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert
King and Albert Collins.
Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child
of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing
seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was
eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville
and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes
listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in
his playing today. Other guitarists he credits as being influences
include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence
Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before
Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.
In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as
a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color
jokes in between the country and blues records he would spin for the
entertainment of the sailors.
Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let
You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass.
He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After
his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his
mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a
deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I
Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He
recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of
total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he
recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label.
Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European
market to him, and he was recorded by several European labels, but
without much success. His European recordings include I Don't Want My
Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again,
Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just
Blues, on his own Rhodesway label.
Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s,
when he began recording first for the Ichiban label and later for
Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991)
and Living Too Close to the Edge (1992).
More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with
the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced
1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence
Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake,
for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup
bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe.
They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of
Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter,
and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.
Note: Sonny passed away on 14 December 2021.
///////
Biografía del artista por Richard Skelly
El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un
compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está
destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso
de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.
Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y
último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a
tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8
años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en
la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente.
Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en
su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye
influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes,
Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de
la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras
graduarse en el instituto.
En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un
tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la
Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de
blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.
Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let
You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el
bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins.
Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a
mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes
de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un
single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the
Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la
total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San
Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio
sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo
un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero
sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My
Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra
vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just
Blues, en su propio sello Rhodesway.
Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde
finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y
después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of
the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).
Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus
álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de
su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en
disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen
los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han
llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la
carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The
Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En
estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente
desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido
altas calificaciones de los críticos de blues.
Lonesome Sundown was given his Blues name by Jay Miller, the legendary
producer at Excello Records who also gave new names to Lightnin’ Slim,
Lazy Lester and many more. Lonesome’s particular brand of ‘swamp Blues’
had strong echoes of the hard-edged sound of Chicago Blues rather than
the usual one-chord boogies or the more lyrical style of the Zydeco
bands where he got started.
Cornelius Green was born near Donaldsville LA in 1928 and as a teenager
he went to work in New Orleans. He learned to play guitar, and while
working in the Gulf Coast oilfields, he began appearing at clubs in Port
Arthur. He was spotted by Clifton Chenier, who offered him the gig as
‘second’ guitar with The Zydeco Ramblers. They went on tour to Chicago
and the West-coast, where they cut some tracks in Los Angeles, but
Cornelius soon left because he wanted to work on his own material. A
demo tape found its way to Jay Miller, who got Cornelius into the
studio, came up with the ‘Lonesome Sundown’ tag and leased the tapes to
Excello. This began an eight year career with Jay and Excello which
produced a string of good selling singles that never troubled the
national charts. This may have been down to Excello’s marketing, which
was largely done by mail-order and in ‘bundles’, which they promoted
through a radio station that reached Canada and Mexico. All this made it
difficult for Billboard to validate sales.
Lonesome’s strong, distinctive voice and powerful guitar style was often
complimented by the bright harp sound of Lazy Lester, but he sometimes
just sang with his guitar or a gentle piano. Lonesome wrote some great
songs like ‘My Home is a Prison’, made up on the spot when his religious
wife phoned the studio to ask him to come home. Other songs like ‘Gonna
Stick to You Baby’, were covered by many later singers, and Excello
released an album of Lonesome’s self-written music in 1965. Soon
afterwards, a messy divorce and disillusionment with his lack of
commercial success caused Lonesome to walk away from the business. He
was eventually ordained as a Minister of an Apostolic Church, but after a
decade away from music, Lonesome cut a great new album in 1977. ‘Been
Gone Too Long’ had some fine, laid-back Blues, but it didn’t sell too
well despite being re-issued by Alligator Records a couple of years
later. Lonesome played at the New Orleans Heritage Festival in 1979, and
toured Europe and Japan, but fell out of love with playing and retired
again. He had a serious stroke in 1994, and passed away in Gonzales LA
the following year.
Lonesome Sundown recibió el nombre de Blues de Jay Miller, el legendario
productor de Excello Records que también dio nuevos nombres a Lightnin'
Slim, Lazy Lester y muchos más. La particular marca de Lonesome,'swamp
Blues', tenía fuertes ecos del sonido de borde duro de Chicago Blues en
lugar de los habituales boogies de un solo acorde o el estilo más lírico
de las bandas de Zydeco en las que empezó.
Cornelius Green nació cerca de Donaldsville LA en 1928 y cuando era
adolescente se fue a trabajar a Nueva Orleans. Aprendió a tocar la
guitarra, y mientras trabajaba en los campos petroleros de la Costa del
Golfo, comenzó a aparecer en clubes de Port Arthur. Fue visto por
Clifton Chenier, quien le ofreció el concierto como segunda guitarra con
The Zydeco Ramblers. Se fueron de gira a Chicago y a la costa oeste,
donde cortaron algunas pistas en Los Ángeles, pero Cornelius pronto se
fue porque quería trabajar en su propio material. Una cinta de
demostración encontró su camino a Jay Miller, quien metió a Cornelius en
el estudio, inventó la etiqueta'Lonesome Sundown' y le alquiló las
cintas a Excello. Esto comenzó una carrera de ocho años con Jay y
Excello, que produjo una serie de buenas ventas de singles que nunca
afectaron las listas nacionales. Esto pudo deberse a la comercialización
de Excello, que en gran medida se hizo por correo y en "paquetes", que
promovieron a través de una estación de radio que llegó a Canadá y
México. Todo esto dificultó la validación de las ventas de Billboard.
La voz fuerte y distintiva de Lonesome y su poderoso estilo de guitarra a
menudo eran complementados por el brillante sonido del la armónica de
Lazy Lester, pero a veces sólo cantaba con su guitarra o con un piano
suave. Lonesome escribió algunas grandes canciones como "My Home is a
Prison" (Mi casa es una prisión), inventada en el momento en que su
esposa religiosa llamó al estudio para pedirle que volviera a casa.
Otras canciones como'Gonna Stick to You Baby', fueron interpretadas por
muchos cantantes posteriores, y Excello lanzó un álbum de música
auto-escrita de Lonesome en 1965. Poco después, un divorcio desordenado y
la desilusión por su falta de éxito comercial hicieron que Lonesome
abandonara el negocio. Eventualmente fue ordenado como Ministro de una
Iglesia Apostólica, pero después de una década lejos de la música,
Lonesome grabó un gran álbum nuevo en 1977. Been Gone Too Long' tenía un
buen Blues, pero no se vendió muy bien a pesar de haber sido reeditado
por Alligator Records un par de años después. Lonesome tocó en el
Festival de Herencia de Nueva Orleans en 1979, y viajó por Europa y
Japón, pero se enamoró de tocar y se retiró de nuevo. Tuvo una apoplejía
grave en 1994, y falleció en Gonzales LA al año siguiente.
Review by Cub Koda Rising Sun Collection features Big Mama on foreign soil with a good band behind her playing for the Euros in 1977. With Phil Guy and John Primer on guitar, and Johnny "Big Moose" Walker on piano, the band is truly kicking behind her as Willie Mae stretches out the tunes to a comfortable length. The tunes are old standards like "Spoonful," "Rock Me Baby," "Summertime," "Sweet Little Angel," and the inevitable "Ball and Chain," as well as the "Hound Dog-Walkin' The Dog" medley. As these kind of old tapes go, this is pretty inspired stuff and Big Mama is in good form throughout. https://www.allmusic.com/album/the-rising-sun-collection-mw0000126134
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Reseña por Cub Koda Rising Sun Collection presenta a Big Mama en suelo extranjero con una buena banda detrás de ella tocando para los Euros en 1977. Con Phil Guy y John Primer en la guitarra, y Johnny "Big Moose" Walker en el piano, la banda está realmente detrás de ella mientras Willie Mae estira las melodías a una longitud cómoda. Las melodías son viejos estándares como "Spoonful", "Rock Me Baby", "Summertime", "Sweet Little Angel" y la inevitable "Ball and Chain", así como el medley "Hound Dog-Walkin' The Dog". Como este tipo de cintas antiguas, es un material bastante inspirado y Big Mama está en buena forma en todo momento. https://www.allmusic.com/album/the-rising-sun-collection-mw0000126134
He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet
in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a
touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a
saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took
his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band
through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.
After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the
pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto
sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as
Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first
recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton
Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.
Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los
Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with
"Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10
on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record
labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as
saxophone on some of his records.
Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He
toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist
Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years,
plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded
throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered
Records label.
Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2006. Joe
returned to the stage in July 2008 and performed at The Long Beach
lobster Festival. He continued to entertain until 2012 due to his
health. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California,
following a some health issues.
Born Joseph Abraham Houston, 11 July 1926, Bastrop, Texas
Died 28 December 2015, Long Beach, California
R&B saxophonist Joe Houston was a honker. "Honking" is described in
the following terms by Wikipedia : "The honkers were known for their
raucous stage antics and expressive, exhibitionist style of playing.
They overblew their saxophones and often hit on the same note over and
over, much like a black southern preacher, until their audiences were
mesmerized." The style began in 1942 with Illinois Jacquet's solo on
Lionel Hampton's "Flying Home" (a # 3 R&B hit in 1943). Other
well-known honkers from the 1940s and 1950s were Big Jay McNeely, Hal
Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins and
Freddie Mitchell. Belittled by jazz fans ("honking is pure and simple
grandstanding aimed at audiences with a limited capacity to
discriminate"), these guys, as they walked the bars, fell to their
knees, lay on their backs, or led their audiences outside to the street,
pied-piper fashion. Honking was predominantly a Los Angeles phenomenon.
Houston studied trumpet in school, but soon switched to the sax. At the
age of seventeen, Joe got a steady gig playing alto sax in King Kolax's
big band out of Chicago. In 1947 he switched to the tenor sax and spent
the next year touring variously with Amos Milburn, Wynonie Harris,
Savannah Churchill and Betty Roche. By 1949 he settled in Baton Rouge,
Louisiana (with his new wife, pianist Marian McKinley) and put together a
local club band for Big Joe Turner. Their stint together led to Joe
Houston accompanying Turner to a recording session in Houston, Texas,
for the Freedom label, and while there he recorded a few sides under his
own name (resulting in two singles), as a bandleader, not a
saxophonist.
Not until late 1950 or early 1951 did Houston put himself front and
centre as a honking tenor sax man. Until the frantic "Blow Joe Blow"
(1951), recorded for the Macy label, he was strictly a blues player.
That disc set the pattern for most of his subsequent recordings.
Subtlety went out the window and Joe just let loose in the studio,
usually choosing a climactic note and wringing the hell out of it. "Blow
Joe Blow" wasn't a hit, but Jules Bihari got wind of it in Los Angeles,
purchased the master and reissued it on Modern 830 in August 1951. This
was soon followed by four other Modern singles, recorded at Joe's house
in Baton Rouge with portable equipment, but in 1952 (the year in which
Houston relocated to Los Angeles) there were also releases on Imperial,
Combo and Mercury. The latter label had purchased an earlier vocal
blues, "Worry, Worry, Worry", from the Sphinx label in Atlanta,Georgia,
and this became Houston's only chart entry, peaking at # 10 on the
R&B charts in February 1952.
But the song for which Joe Houston is best remembered is not that hit,
but "All Night Long", recorded for the Money label in 1954. It was based
on a Rusty Bryant record, but the two versions bear little resemblance
to each other. When Bryant was recorded live in 1953 at the Carolyn Club
in Columbus, Ohio, his biggest crowd-pleaser was Jimmy Forrest's "Night
Train", which led the audience into a vocal chant of "Let it roll, let
it roll, all night long", from Lucky Millinder's 1944 hit "Let It Roll".
It was originally issued on Carolyn 333 in 1953 (as "Nite Train"), then
purchased by Dot and reissued as "All Nite Long" (Dot 15134) in
February 1954. Houston heard Bryant's version, but gave it his own
interpretation, incorporating a riff from Hal Singer's "Cornbread" and
avoiding "Night Train" altogether. Joe's "All Night Long" was and is one
of the most exciting honking records ever made and was a huge
territorial seller on the West Coast. Though Houston had sold the tape
to John Dolphin's Money Records, the recording later showed up on LP's
on Modern and Combo, in 1956 and 1957 respectively.
Houston didn't have to change his style to adjust to rock 'n' roll. In
the early days of the Big Beat, when a TV or movie producer wanted to
portray a rock n roll atmosphere, we usually got to see a scene from a
nightclub where a hard blowing, honking and screaming sax player was
inevitably heard. So what Joe was playing was rock n roll avant la
lettre. All that had to be adjusted were the song titles. And when rock n
roll waned in popularity, Joe recorded "twist" and "surf" albums for
the Bihari brothers' Crown label that didn't sound very different from
what he was doing a decade before. Houston remained active musically,
but recorded only sporadically after 1963. Gradually he began to slow
down, emphasizing his blues vocal talents, but he would still close most
of his shows with "All Night Long" (although not on his back). He was
forced to retire from performing after suffering a stroke in 2005.
Recently his health took another downward turn and he has remained
secluded for the last year or so.
Houston is a discographer's nightmare. He avoided contracts and recorded
for whoever would pay cash up front. For that reason, his material came
out on over a dozen labels, often at the same time, and he was not
averse to recording essentially the same tune under different titles for
different companies. Some of Joe's recordings were released by one
company, then reissued by another, sometimes under a new title. Add to
this the fact that the Biharis (Modern, RPM, Crown) haphazardly slapped
albums together without regard to whether the track listings matched the
music inside and the confusion is complete.
///////
Biografía
Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la
escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente,
comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con
pantalones blancos. Una noche en 1941, un saxofonista no se presentó
para un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y
1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas
City y Chicago y por todo el Medio Oeste.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó
con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente,
tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan
grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en
Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949.
Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y
Wynonie Harris.
Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los
Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con
"Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el
puesto # 10. en la lista de singles de R&B de Billboard. Grabó para
muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó
con voces y saxofones en algunos de sus discos.
Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera.
Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el
bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante
casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por
América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó
con el sello Shattered Records.
La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame
cerebral en 2006. Joe regresó al escenario en julio de 2008 y actuó en
el Festival de la langosta de Long Beach. Continuó entreteniendo hasta
2012 debido a su salud. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach,
California, debido a algunos problemas de salud.
Nacido Joseph Abraham Houston, 11 de julio de 1926, Bastrop, Texas.
Falleció el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California
El saxofonista de R&B Joe Houston fue un honker. "Honking" se
describe en los siguientes términos en Wikipedia: "Los honkers eran
conocidos por sus ruidosas travesuras en el escenario y su expresivo
estilo de juego exhibicionista. Exageraban sus saxofones y solían tocar
la misma nota una y otra vez, como un sur negro. Predicador, hasta que
sus audiencias quedaron hipnotizadas ". El estilo comenzó en 1942 con el
solo de Illinois Jacquet en "Flying Home" de Lionel Hampton (un # 3 hit
de R&B en 1943). Otros conocidos honkers de la década de 1940 y
1950 fueron Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red
Prysock, Chuck Higgins y Freddie Mitchell. Despreciados por los
fanáticos del jazz ("tocar la bocina es pura y sencillamente grandiosa,
dirigida a audiencias con una capacidad limitada para discriminar"),
estos muchachos, mientras caminaban por los bares, se arrodillaron, se
tumbaron de espaldas o llevaron a sus audiencias fuera de la La calle,
la moda de pied-piper. Honking era predominantemente un fenómeno de Los
Ángeles.
Houston estudió trompeta en la escuela, pero pronto cambió al saxofón. A
la edad de diecisiete años, Joe consiguió un concierto estable tocando
saxo alto en la gran banda de King Kolax en Chicago. En 1947 cambió al
saxo tenor y pasó el año siguiente de gira con Amos Milburn, Wynonie
Harris, Savannah Churchill y Betty Roche. En 1949 se estableció en Baton
Rouge, Louisiana (con su nueva esposa, la pianista Marian McKinley) y
formó una banda de club local para Big Joe Turner. Su paso juntos llevó a
Joe Houston a acompañar a Turner a una sesión de grabación en Houston,
Texas, para el sello Freedom, y mientras estuvo allí grabó algunos lados
con su propio nombre (resultando en dos singles), como líder de banda,
no como saxofonista.
Hasta finales de 1950 o principios de 1951, Houston se puso al frente y
al centro como un hombre de saxo tenor. Hasta el frenético "Blow Joe
Blow" (1951), grabado para el sello Macy, era estrictamente un jugador
de blues. Ese disco estableció el patrón para la mayoría de sus
grabaciones posteriores. La sutileza salió por la ventana y Joe
simplemente se soltó en el estudio, generalmente escogiendo una nota
culminante y escupiéndole el infierno. "Blow Joe Blow" no fue un éxito,
pero Jules Bihari se enteró de ello en Los Ángeles, compró el maestro y
lo reeditó en Modern 830 en agosto de 1951. A esto le siguieron otros
cuatro sencillos modernos, grabados en la casa de Joe en Baton Rouge con
equipo portátil, pero en 1952 (el año en que Houston se mudó a Los
Ángeles) también hubo lanzamientos en Imperial, Combo y Mercury. La
última etiqueta había comprado un blues vocal anterior, "Worry, Worry,
Worry", de la etiqueta Sphinx en Atlanta, Georgia, y se convirtió en la
única entrada de las listas de Houston, alcanzando el puesto número 10
en las listas de R&B en febrero de 1952.
Pero la canción para la que mejor se recuerda a Joe Houston no es ese
éxito, sino "All Night Long", grabada para el sello Money en 1954. Se
basó en un disco de Rusty Bryant, pero las dos versiones se parecen poco
entre sí. Cuando Bryant fue grabado en vivo en 1953 en el Carolyn Club
en Columbus, Ohio, su mayor público fue el "Night Train" de Jimmy
Forrest, que llevó al público a un canto vocal de "Let it roll, let it
roll". ", del éxito de Lucky Millinder en 1944" Let It Roll ".
Originalmente se emitió en Carolyn 333 en 1953 (como "Nite Train"),
luego fue comprada por Dot y reeditada como "All Nite Long" (Dot 15134)
en febrero de 1954. Houston escuchó la versión de Bryant, pero le dio su
propia interpretación, incorporando un riff de "Cornbread" de Hal
Singer y evitando el "Night Train" por completo. "All Night Long" de Joe
fue y es uno de los registros de excitación más emocionantes que se
haya hecho y fue un gran vendedor territorial en la costa oeste. Aunque
Houston había vendido la cinta a Money Records de John Dolphin, la
grabación más tarde apareció en LP en Modern and Combo, en 1956 y 1957,
respectivamente.
Houston no tuvo que cambiar su estilo para adaptarse al rock 'n' roll.
En los primeros días de Big Beat, cuando un productor de cine o
televisión quería representar una atmósfera de rock and roll, solíamos
ver una escena de un club nocturno en el que inevitablemente se
escuchaba a un saxofonista. Así que lo que Joe estaba tocando era rock n
roll avant la lettre. Todo lo que había que ajustar eran los títulos de
las canciones. Y cuando el rock n roll disminuyó en popularidad, Joe
grabó los álbumes "twist" y "surf" para el sello Crown de los hermanos
Bihari que no sonaban muy diferentes de lo que estaba haciendo una
década antes. Houston se mantuvo activo musicalmente, pero grabó solo
esporádicamente después de 1963. Poco a poco comenzó a disminuir la
velocidad, enfatizando sus talentos vocales de blues, pero todavía
cerraría la mayoría de sus programas con "All Night Long" (aunque no en
su espalda). Se vio obligado a retirarse de su desempeño después de
sufrir un derrame cerebral en 2005. Recientemente, su salud dio un giro
hacia abajo y se ha mantenido aislado durante el último año.
Houston es la pesadilla de un discógrafo. Evitó los contratos y grabó
para quien pagaría en efectivo por adelantado. Por esa razón, su
material salió en más de una docena de etiquetas, a menudo al mismo
tiempo, y no era reacio a grabar esencialmente la misma melodía bajo
diferentes títulos para diferentes compañías. Algunas de las grabaciones
de Joe fueron lanzadas por una compañía, luego reeditadas por otra, a
veces bajo un nuevo título. Agregue a esto el hecho de que Biharis
(Modern, RPM, Crown) aleatoriamente juntaron álbumes sin importar si las
listas de canciones coincidían con la música interior y la confusión
está completa.
After more than 40 years as a bandleader and sideman for some of the
greatest names in the history f the Blues and R&B, this legendary
master of the Hammond B-3 releases some of his best recordings from his
personal archives. All original songs written by Deacon Jones, all
previously unreleased. With special guests Eddie Money, John Lee Hooker,
Gregg Allman, Dr. John, Elvin Bishop, Katie Webster, Joe Louis Walker
and more.
Después de más de 40 años como director de banda y acompañante de
algunos de los más grandes nombres de la historia del Blues y el
R&B, este legendario maestro del Hammond B-3 publica algunas de sus
mejores grabaciones de sus archivos personales. Todas las canciones
originales escritas por Deacon Jones, todas inéditas. Con invitados
especiales Eddie Money, John Lee Hooker, Gregg Allman, Dr. John, Elvin
Bishop, Katie Webster, Joe Louis Walker y más.
James Harman is incapable of making a bad album. Here, as in any of his
previous releases, his vocals and harmonica playing are prominently
featured. His writing is better than average, and he portrays the common
themes of the blues in a collection of songs about gambling and love.
His full, Southern gospel-inflected vocals are always a treat to listen
to, and he plays electrified harp in the Little Walter style with the
best of them. As always, his choice of sidemen, especially guitar
players, is first-class. They embody the sound of jump blues from the
late '40s and Chicago in the '50s and add considerable spark to the
album. On three cuts, Harman plays some very tasty acoustic harmonica, a
la Sonny Boy Williamson II, which show his mastery of the instrument
even without the excitement which amplification adds. It's good to see
James Harman keeping the flame of postwar urban blues burning so
brightly.
///////
Reseña de Sigmund Finman
James Harman es incapaz de hacer un mal álbum. Aquí, como en cualquiera
de sus versiones anteriores, su voz y su armónica ocupan un lugar
destacado. Su escritura es mejor que la media, y retrata los temas
comunes del blues en una colección de canciones sobre el juego y el
amor. Su voz completa, de inspiración evangélica sureña, es siempre una
delicia para escuchar, y toca el arpa electrificada al estilo de Little
Walter con los mejores. Como siempre, su elección de sidemen,
especialmente guitarristas, es de primera clase. Encarnan el sonido del
jump blues de finales de los años 40 y Chicago en los años 50 y añaden
una chispa considerable al álbum. En tres cortes, Harman toca una
armónica acústica muy sabrosa, a la Sonny Boy Williamson II, que muestra
su maestría del instrumento incluso sin la excitación que añade la
amplificación. Es bueno ver a James Harman manteniendo la llama del
blues urbano de la posguerra ardiendo tan brillantemente.
He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet
in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a
touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a
saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took
his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band
through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.
After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the
pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto
sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as
Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first
recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton
Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.
Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los
Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with
"Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10
on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record
labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as
saxophone on some of his records.
Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He
toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist
Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years,
plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded
throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered
Records label.
Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2006. Joe
returned to the stage in July 2008 and performed at The Long Beach
lobster Festival. He continued to entertain until 2012 due to his
health. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California,
following a some health issues.
Born Joseph Abraham Houston, 11 July 1926, Bastrop, Texas
Died 28 December 2015, Long Beach, California
R&B saxophonist Joe Houston was a honker. "Honking" is described in
the following terms by Wikipedia : "The honkers were known for their
raucous stage antics and expressive, exhibitionist style of playing.
They overblew their saxophones and often hit on the same note over and
over, much like a black southern preacher, until their audiences were
mesmerized." The style began in 1942 with Illinois Jacquet's solo on
Lionel Hampton's "Flying Home" (a # 3 R&B hit in 1943). Other
well-known honkers from the 1940s and 1950s were Big Jay McNeely, Hal
Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins and
Freddie Mitchell. Belittled by jazz fans ("honking is pure and simple
grandstanding aimed at audiences with a limited capacity to
discriminate"), these guys, as they walked the bars, fell to their
knees, lay on their backs, or led their audiences outside to the street,
pied-piper fashion. Honking was predominantly a Los Angeles phenomenon.
Houston studied trumpet in school, but soon switched to the sax. At the
age of seventeen, Joe got a steady gig playing alto sax in King Kolax's
big band out of Chicago. In 1947 he switched to the tenor sax and spent
the next year touring variously with Amos Milburn, Wynonie Harris,
Savannah Churchill and Betty Roche. By 1949 he settled in Baton Rouge,
Louisiana (with his new wife, pianist Marian McKinley) and put together a
local club band for Big Joe Turner. Their stint together led to Joe
Houston accompanying Turner to a recording session in Houston, Texas,
for the Freedom label, and while there he recorded a few sides under his
own name (resulting in two singles), as a bandleader, not a
saxophonist.
Not until late 1950 or early 1951 did Houston put himself front and
centre as a honking tenor sax man. Until the frantic "Blow Joe Blow"
(1951), recorded for the Macy label, he was strictly a blues player.
That disc set the pattern for most of his subsequent recordings.
Subtlety went out the window and Joe just let loose in the studio,
usually choosing a climactic note and wringing the hell out of it. "Blow
Joe Blow" wasn't a hit, but Jules Bihari got wind of it in Los Angeles,
purchased the master and reissued it on Modern 830 in August 1951. This
was soon followed by four other Modern singles, recorded at Joe's house
in Baton Rouge with portable equipment, but in 1952 (the year in which
Houston relocated to Los Angeles) there were also releases on Imperial,
Combo and Mercury. The latter label had purchased an earlier vocal
blues, "Worry, Worry, Worry", from the Sphinx label in Atlanta,Georgia,
and this became Houston's only chart entry, peaking at # 10 on the
R&B charts in February 1952.
But the song for which Joe Houston is best remembered is not that hit,
but "All Night Long", recorded for the Money label in 1954. It was based
on a Rusty Bryant record, but the two versions bear little resemblance
to each other. When Bryant was recorded live in 1953 at the Carolyn Club
in Columbus, Ohio, his biggest crowd-pleaser was Jimmy Forrest's "Night
Train", which led the audience into a vocal chant of "Let it roll, let
it roll, all night long", from Lucky Millinder's 1944 hit "Let It Roll".
It was originally issued on Carolyn 333 in 1953 (as "Nite Train"), then
purchased by Dot and reissued as "All Nite Long" (Dot 15134) in
February 1954. Houston heard Bryant's version, but gave it his own
interpretation, incorporating a riff from Hal Singer's "Cornbread" and
avoiding "Night Train" altogether. Joe's "All Night Long" was and is one
of the most exciting honking records ever made and was a huge
territorial seller on the West Coast. Though Houston had sold the tape
to John Dolphin's Money Records, the recording later showed up on LP's
on Modern and Combo, in 1956 and 1957 respectively.
Houston didn't have to change his style to adjust to rock 'n' roll. In
the early days of the Big Beat, when a TV or movie producer wanted to
portray a rock n roll atmosphere, we usually got to see a scene from a
nightclub where a hard blowing, honking and screaming sax player was
inevitably heard. So what Joe was playing was rock n roll avant la
lettre. All that had to be adjusted were the song titles. And when rock n
roll waned in popularity, Joe recorded "twist" and "surf" albums for
the Bihari brothers' Crown label that didn't sound very different from
what he was doing a decade before. Houston remained active musically,
but recorded only sporadically after 1963. Gradually he began to slow
down, emphasizing his blues vocal talents, but he would still close most
of his shows with "All Night Long" (although not on his back). He was
forced to retire from performing after suffering a stroke in 2005.
Recently his health took another downward turn and he has remained
secluded for the last year or so.
Houston is a discographer's nightmare. He avoided contracts and recorded
for whoever would pay cash up front. For that reason, his material came
out on over a dozen labels, often at the same time, and he was not
averse to recording essentially the same tune under different titles for
different companies. Some of Joe's recordings were released by one
company, then reissued by another, sometimes under a new title. Add to
this the fact that the Biharis (Modern, RPM, Crown) haphazardly slapped
albums together without regard to whether the track listings matched the
music inside and the confusion is complete.
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Biografía
Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la
escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente,
comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con
pantalones blancos. Una noche en 1941, un saxofonista no se presentó
para un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y
1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas
City y Chicago y por todo el Medio Oeste.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó
con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente,
tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan
grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en
Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949.
Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y
Wynonie Harris.
Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los
Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con
"Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el
puesto # 10. en la lista de singles de R&B de Billboard. Grabó para
muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó
con voces y saxofones en algunos de sus discos.
Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera.
Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el
bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante
casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por
América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó
con el sello Shattered Records.
La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame
cerebral en 2006. Joe regresó al escenario en julio de 2008 y actuó en
el Festival de la langosta de Long Beach. Continuó entreteniendo hasta
2012 debido a su salud. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach,
California, debido a algunos problemas de salud.
Nacido Joseph Abraham Houston, 11 de julio de 1926, Bastrop, Texas.
Falleció el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California
El saxofonista de R&B Joe Houston fue un honker. "Honking" se
describe en los siguientes términos en Wikipedia: "Los honkers eran
conocidos por sus ruidosas travesuras en el escenario y su expresivo
estilo de juego exhibicionista. Exageraban sus saxofones y solían tocar
la misma nota una y otra vez, como un sur negro. Predicador, hasta que
sus audiencias quedaron hipnotizadas ". El estilo comenzó en 1942 con el
solo de Illinois Jacquet en "Flying Home" de Lionel Hampton (un # 3 hit
de R&B en 1943). Otros conocidos honkers de la década de 1940 y
1950 fueron Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red
Prysock, Chuck Higgins y Freddie Mitchell. Despreciados por los
fanáticos del jazz ("tocar la bocina es pura y sencillamente grandiosa,
dirigida a audiencias con una capacidad limitada para discriminar"),
estos muchachos, mientras caminaban por los bares, se arrodillaron, se
tumbaron de espaldas o llevaron a sus audiencias fuera de la La calle,
la moda de pied-piper. Honking era predominantemente un fenómeno de Los
Ángeles.
Houston estudió trompeta en la escuela, pero pronto cambió al saxofón. A
la edad de diecisiete años, Joe consiguió un concierto estable tocando
saxo alto en la gran banda de King Kolax en Chicago. En 1947 cambió al
saxo tenor y pasó el año siguiente de gira con Amos Milburn, Wynonie
Harris, Savannah Churchill y Betty Roche. En 1949 se estableció en Baton
Rouge, Louisiana (con su nueva esposa, la pianista Marian McKinley) y
formó una banda de club local para Big Joe Turner. Su paso juntos llevó a
Joe Houston a acompañar a Turner a una sesión de grabación en Houston,
Texas, para el sello Freedom, y mientras estuvo allí grabó algunos lados
con su propio nombre (resultando en dos singles), como líder de banda,
no como saxofonista.
Hasta finales de 1950 o principios de 1951, Houston se puso al frente y
al centro como un hombre de saxo tenor. Hasta el frenético "Blow Joe
Blow" (1951), grabado para el sello Macy, era estrictamente un jugador
de blues. Ese disco estableció el patrón para la mayoría de sus
grabaciones posteriores. La sutileza salió por la ventana y Joe
simplemente se soltó en el estudio, generalmente escogiendo una nota
culminante y escupiéndole el infierno. "Blow Joe Blow" no fue un éxito,
pero Jules Bihari se enteró de ello en Los Ángeles, compró el maestro y
lo reeditó en Modern 830 en agosto de 1951. A esto le siguieron otros
cuatro sencillos modernos, grabados en la casa de Joe en Baton Rouge con
equipo portátil, pero en 1952 (el año en que Houston se mudó a Los
Ángeles) también hubo lanzamientos en Imperial, Combo y Mercury. La
última etiqueta había comprado un blues vocal anterior, "Worry, Worry,
Worry", de la etiqueta Sphinx en Atlanta, Georgia, y se convirtió en la
única entrada de las listas de Houston, alcanzando el puesto número 10
en las listas de R&B en febrero de 1952.
Pero la canción para la que mejor se recuerda a Joe Houston no es ese
éxito, sino "All Night Long", grabada para el sello Money en 1954. Se
basó en un disco de Rusty Bryant, pero las dos versiones se parecen poco
entre sí. Cuando Bryant fue grabado en vivo en 1953 en el Carolyn Club
en Columbus, Ohio, su mayor público fue el "Night Train" de Jimmy
Forrest, que llevó al público a un canto vocal de "Let it roll, let it
roll". ", del éxito de Lucky Millinder en 1944" Let It Roll ".
Originalmente se emitió en Carolyn 333 en 1953 (como "Nite Train"),
luego fue comprada por Dot y reeditada como "All Nite Long" (Dot 15134)
en febrero de 1954. Houston escuchó la versión de Bryant, pero le dio su
propia interpretación, incorporando un riff de "Cornbread" de Hal
Singer y evitando el "Night Train" por completo. "All Night Long" de Joe
fue y es uno de los registros de excitación más emocionantes que se
haya hecho y fue un gran vendedor territorial en la costa oeste. Aunque
Houston había vendido la cinta a Money Records de John Dolphin, la
grabación más tarde apareció en LP en Modern and Combo, en 1956 y 1957,
respectivamente.
Houston no tuvo que cambiar su estilo para adaptarse al rock 'n' roll.
En los primeros días de Big Beat, cuando un productor de cine o
televisión quería representar una atmósfera de rock and roll, solíamos
ver una escena de un club nocturno en el que inevitablemente se
escuchaba a un saxofonista. Así que lo que Joe estaba tocando era rock n
roll avant la lettre. Todo lo que había que ajustar eran los títulos de
las canciones. Y cuando el rock n roll disminuyó en popularidad, Joe
grabó los álbumes "twist" y "surf" para el sello Crown de los hermanos
Bihari que no sonaban muy diferentes de lo que estaba haciendo una
década antes. Houston se mantuvo activo musicalmente, pero grabó solo
esporádicamente después de 1963. Poco a poco comenzó a disminuir la
velocidad, enfatizando sus talentos vocales de blues, pero todavía
cerraría la mayoría de sus programas con "All Night Long" (aunque no en
su espalda). Se vio obligado a retirarse de su desempeño después de
sufrir un derrame cerebral en 2005. Recientemente, su salud dio un giro
hacia abajo y se ha mantenido aislado durante el último año.
Houston es la pesadilla de un discógrafo. Evitó los contratos y grabó
para quien pagaría en efectivo por adelantado. Por esa razón, su
material salió en más de una docena de etiquetas, a menudo al mismo
tiempo, y no era reacio a grabar esencialmente la misma melodía bajo
diferentes títulos para diferentes compañías. Algunas de las grabaciones
de Joe fueron lanzadas por una compañía, luego reeditadas por otra, a
veces bajo un nuevo título. Agregue a esto el hecho de que Biharis
(Modern, RPM, Crown) aleatoriamente juntaron álbumes sin importar si las
listas de canciones coincidían con la música interior y la confusión
está completa.
