Red Mitchell • Rejoice

 Keith Moore Mitchell (September 20, 1927, New York City - November 8, 1992, Salem, Oregon), better known as Red Mitchell, was an American jazz double-bassist, composer, lyricist, and poet.

Red was raised in New Jersey by a father who was an engineer and loved music, and a mother who loved poetry. His first instruments were piano, alto saxophone, and clarinet. Although Cornell University awarded an engineering scholarship to Mitchell, by 1947 he was in the US Army playing bass. The next year he was in a jazz trio in New York City.

Mitchell became known for performing and/or recording with Mundell Lowe, Chubby Jackson, Charlie Ventura, Woody Herman, Red Norvo, Gerry Mulligan, and, after joining the West Coast jazz scene in the early 1950s, with Andre Previn, Shelly Manne, Hampton Hawes, Billie Holiday, Ornette Coleman, and others. He also worked as a bassist in the TV and film studios around Los Angeles, occasionally appearing on screen. Mitchell also appeared in documentaries about Tal Farlow, and Zoot Sims.

Saxophonist Harold Land and Mitchell founded and co-led a quintet in the early 1960s. In 1966, Red began tuning his bass in fifths (as the violin, viola, and cello are tuned), and his tuning method opened up many possibilities for bassists.

Mitchell moved to Stockholm in 1968 and he won Swedish Grammy Awards in 1986 and 1991 for his recorded performances as a pianist, bassist, and vocalist, and for his compositions and poetic song lyrics.

https://musicians.allaboutjazz.com/redmitchell

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Keith Moore Mitchell (20 de septiembre de 1927, ciudad de Nueva York - 8 de noviembre de 1992, Salem, Oregón), más conocido como Red Mitchell, fue un contrabajista, compositor, letrista y poeta de jazz estadounidense.

Red fue criado en Nueva Jersey por un padre que era ingeniero y amaba la música, y una madre que amaba la poesía. Sus primeros instrumentos fueron piano, saxofón alto y clarinete. Aunque la Universidad de Cornell otorgó una beca de ingeniería a Mitchell, en 1947 estaba en el Ejército de los Estados Unidos tocando el bajo. Al año siguiente estuvo en un trío de jazz en la ciudad de Nueva York.

Mitchell se hizo conocido por actuar y / o grabar con Mundell Lowe, Chubby Jackson, Charlie Ventura, Woody Herman, Red Norvo, Gerry Mulligan y, luego de unirse a la escena del jazz de la Costa Oeste a principios de los años cincuenta, con Andre Previn, Shelly Manne, Hampton Hawes, Billie Holiday, Ornette Coleman, y otros. También trabajó como bajista en los estudios de televisión y cine de Los Ángeles, apareciendo ocasionalmente en la pantalla. Mitchell también apareció en documentales sobre Tal Farlow y Zoot Sims.

El saxofonista Harold Land y Mitchell fundaron y lideraron un quinteto a principios de los años sesenta. En 1966, Red comenzó a afinar su bajo en quintos (como el violín, la viola y el violonchelo están afinados), y su método de afinación abrió muchas posibilidades para los bajistas.

Mitchell se mudó a Estocolmo en 1968 y ganó los Premios Grammy de Suecia en 1986 y 1991 por sus actuaciones grabadas como pianista, bajista y vocalista, y por sus composiciones y letras de canciones poéticas.

https://musicians.allaboutjazz.com/redmitchell

 

Gerry Mulligan • Johnny Mandel's Jazz Score From I Want To Live

Review from Jazz Journal (by Gordon Jack):

Johnny Mandel's score for I Want to Live is performed by an all-star septet led by Gerry Mulligan. In the film he is name-checked by Susan Hayward in the Oscar-winning role of Barbara Graham who was executed in San Quentin in 1955. Listening to "Night Watch" on the radio in the condemned cell she says "Gerry Mulligan... I know all his sides by heart." Mulligan was so impressed with the music that he commissioned the composer to adapt "Black Nightgown", "Barbara's Theme" and "Theme From I Want to Live" for his 1960 Concert Jazz Band. All the horns have a chance to shine on the catchy "Black Nightgown" which is introduced by Red Mitchell's simple but effective descending bass line. The dramatic "I Want to Live" is a perfect vehicle for the dark sonorities of Mulligan's baritone contrasted effectively here with the delicacy of Shank's flute. "Life's a Funny Thing" is notable for some inventive exchanges between Frank Rosolino and Mulligan which was one of their only meetings on record apart from Quincy Jones' score for the 1972 movie The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

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Reseña de Jazz Journal (por Gordon Jack):

La partitura de Johnny Mandel para I Want to Live es interpretada por un septeto de estrellas liderado por Gerry Mulligan. En la pelicula es mencionado por Susan Hayward en el papel ganador del Oscar de Barbara Graham, quien fue ejecutada en San Quentin en 1955. Escuchando "Night Watch" en la radio en la celda de los condenados, ella dice "Gerry Mulligan... me se de memoria todos sus discos." Mulligan quedo tan impresionado con la musica que comisiono al compositor para adaptar "Black Nightgown", "Barbara's Theme" y "Theme From I Want to Live" para su Concert Jazz Band de 1960. Todos los metales tienen la oportunidad de brillar en el pegadizo "Black Nightgown", que es introducido por la simple pero efectiva linea de bajo descendente de Red Mitchell. El dramatico "I Want to Live" es el vehiculo perfecto para las sonoridades oscuras del baritono de Mulligan contrastadas efectivamente aqui con la delicadeza de la flauta de Shank. "Life's a Funny Thing" es notable por algunos intercambios inventivos entre Frank Rosolino y Mulligan, que fue uno de sus unicos encuentros en disco ademas de la partitura de Quincy Jones para la pelicula de 1972 The Hot Rock.

https://jazzjournal.co.uk/2019/03/13/gerry-mulligan-i-want-to-live/

Hampton Hawes • The Seance

  

Review
by Scott Yanow
Hampton Hawes made many of his finest records for Lester Koenig's Contemporary label. His final sessions before choosing to freelance (he would rejoin Koenig during his last year) resulted in two live albums, both reissued on CD. Teamed up with bassist Red Mitchell and drummer Donald Bailey, Hawes displays the influence of the avant-garde in places, stretching out his improvisations a bit while still showing off his roots in bop. Both CDs are equal in value, and this particular set includes such highlights as "Oleo," "Easy Street" and "My Romance."
https://www.allmusic.com/album/the-seance-mw0000316637

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Reseña
por Scott Yanow
Hampton Hawes grabó muchos de sus mejores discos para el sello Contemporary de Lester Koenig. Sus últimas sesiones antes de elegir trabajar por su cuenta (volvería a unirse a Koenig durante su último año) dieron como resultado dos álbumes en directo, ambos reeditados en CD. Formando equipo con el bajista Red Mitchell y el batería Donald Bailey, Hawes muestra la influencia de la vanguardia en algunos momentos, alargando un poco sus improvisaciones sin dejar de mostrar sus raíces en el bop. Ambos CDs tienen el mismo valor, y este incluye temas tan destacados como "Oleo", "Easy Street" y "My Romance".
https://www.allmusic.com/album/the-seance-mw0000316637

 

The Modest Jazz Trio • Good Friday Blues

 

Chico Hamilton • Chico Hamilton Quintet

 

 

Review from All About Jazz (by Hrayr Attarian): This collection presents the complete studio recordings of Chico Hamilton's unusual original quintet, built around drums, guitar, bass, cello and reeds. The reviewer highlights the distinctive chamber-jazz character of the group, its combination of European Romantic influences with blues, and the musicians' exceptional individual playing. The music remains relaxed yet varied and engaging, with Hamilton's distinctive drumming particularly effective. The set also includes the extended drum solo on "A Bark For Barksdale" with the Gerry Mulligan Quartet. [All About Jazz — Review by Hrayr Attarian](https://www.allaboutjazz.com/the-original-chico-hamilton-quintet-complete-studio-recordings-chico-hamilton-lone-hill-jazz-review-by-hrayr-attarian?utm_source=chatgpt.com)

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Reseña de All About Jazz (por Hrayr Attarian): Esta recopilación reúne las grabaciones de estudio completas del inusual quinteto original de Chico Hamilton, formado por batería, guitarra, contrabajo, cello y vientos. El crítico destaca el particular carácter de jazz de cámara del grupo, su combinación de influencias del Romanticismo europeo con el blues y la extraordinaria calidad individual de los músicos. La música conserva un carácter relajado, pero al mismo tiempo es variada y atractiva, con especial destaque para la distintiva manera de tocar la batería de Hamilton. El álbum incluye además el extenso solo de batería de "A Bark For Barksdale" junto al Gerry Mulligan Quartet. 

 

André Previn-Gerry Mulligan-Carmen McRae • Performing Music From The Subterraneans

 

Hampton Hawes Quartet • All Night Session [3 Vol]

 

vol 1: On the night of November 12 and into the morning of November 13, 1956, a quartet led by pianist Hampton Hawes recorded enough material to fill three long-playing phonograph record albums. This studio session contained many elements associated with a live gig: the work took place during regular nightclub performing hours, the improvisations were mostly extended, and there were no alternate takes. A remarkable freshness and spontaneity prevailed throughout the session. Although controversy continues regarding the original sequence of titles, Duke Jordan's "Jordu" and Dizzy Gillespie's "Groovin' High" are superb openers for this first of three volumes. In addition to an invigorating run down "Broadway," Hawes improvised two original themes: "Takin' Care" and a bluesy walk entitled "Hampton's Pulpit" that stretched out for more than 11 minutes, making it the longest track of the entire all-night session. Collaborating with the pianist on this historic date were guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman. The interplay between these four men is marvelous, particularly when heard with headphones or through a sound system allowing for a full appreciation of the stereophonic balance achieved by the recording engineers.
vol 2: This is the second of three albums that came about as the result of an all-night recording session that took place in Los Angeles on November 12 and 13, 1956. Although Hampton Hawes spontaneously created five original tunes at this extraordinarily inspired date, everything on Vol. 2 comes directly out of the standard bop musician's working repertoire. The quartet, with bassist Red Mitchell, guitarist Jim Hall, and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, collectively improvise their way through four attractive standards ("I Should Care" turned out to be the only slow ballad of the entire session) and three of Dizzy Gillespie's most refreshing creations. In 1958 Hawes was quoted as saying "It's hard to put into words how good it feels to play jazz when it's really swinging...I've reached a point where the music fills you up so much emotionally that you feel like shouting hallelujah -- like people do in church when they're converted to God. That's the way I was feeling the night we recorded All Night Session!"
vol 3 of the Hampton Hawes Quartet's All Night Session contains three spontaneously improvised variations on the blues, one very cool extended rendition of Duke Ellington's "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" and a strikingly handsome treatment of Harold Arlen's "Between the Devil and the Deep Blue Sea." The briskly paced "Blues #4" is especially progressive and exciting. Apparently "Blues of a Sort" was a warm-up performance, as voices are audible (discussing a football game!) in the background during the bass solo. For this one-take marathon late-night session of November 12 and 13, 1956, Hawes chose to share the studio with guitarist Jim Hall, bassist Red Mitchell and drummer Eldridge "Bruz" Freeman, who had replaced Chuck Thompson following that musician's sudden inability to continue touring with the group earlier that year. "We gave Chuck what money we could and left him sitting on a hospital cot in a white bathrobe." This grim image, like much of Hawes' autobiography Raise Up Off Me, paints a stark picture of the narcotics epidemic among jazz musicians during the '50s. Although this was the first peak of his career, Hawes later admitted that "during the fall of 1956 I was messing up consistently -- showing late on gigs or missing them altogether." He had lots of offers for work, including the possibility of providing music for a film soundtrack: "Wanted to do it, would have paid good, but at the time I didn't even have the bread to get high enough to get to the studio to see what they had in mind." One of the great incongruities of bop is the fact that Charlie Parker and the musicians who were most directly influenced by him were able to be so creative and prolific while grappling with addictions that confounded, immobilized, and eventually slew them. All of these insights quietly swarm beneath the surface of what added up to more than two hours of exceptionally fine quartet jazz.

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vol. 1: En la noche del 12 de noviembre y hasta la mañana del 13 de noviembre de 1956, un cuarteto dirigido por el pianista Hampton Hawes grabó suficiente material para llenar tres discos de larga duración. Esta sesión de estudio contenía muchos elementos asociados a un concierto en directo: el trabajo tuvo lugar durante el horario habitual de actuación en un club nocturno, las improvisaciones fueron en su mayoría prolongadas y no hubo tomas alternativas. Una notable frescura y espontaneidad prevalecieron durante toda la sesión. Aunque continúa la controversia sobre la secuencia original de los títulos, "Jordu" de Duke Jordan y "Groovin' High" de Dizzy Gillespie son magníficos abridores de este primero de los tres volúmenes. Además de un vigoroso recorrido por "Broadway", Hawes improvisó dos temas originales: "Takin' Care" y un paseo bluesero titulado "Hampton's Pulpit" que se alargó durante más de 11 minutos, convirtiéndose en el tema más largo de toda la sesión nocturna. Colaboraron con el pianista en esta fecha histórica el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman. La interacción entre estos cuatro hombres es maravillosa, especialmente cuando se escucha con auriculares o a través de un sistema de sonido que permita apreciar plenamente el equilibrio estereofónico logrado por los ingenieros de grabación.
vol 2: Este es el segundo de los tres álbumes que surgieron como resultado de una sesión de grabación que duró toda la noche y que tuvo lugar en Los Ángeles los días 12 y 13 de noviembre de 1956. Aunque Hampton Hawes creó espontáneamente cinco temas originales en esta fecha extraordinariamente inspirada, todo lo que aparece en el Vol. 2 procede directamente del repertorio de trabajo del músico de bop estándar. El cuarteto, con el bajista Red Mitchell, el guitarrista Jim Hall y el baterista Eldridge "Bruz" Freeman, improvisan colectivamente su camino a través de cuatro atractivos estándares ("I Should Care" resultó ser la única balada lenta de toda la sesión) y tres de las creaciones más refrescantes de Dizzy Gillespie. En 1958 se citó a Hawes diciendo: "Es difícil expresar con palabras lo bien que se siente tocando jazz cuando hay mucho swing... He llegado a un punto en el que la música te llena tanto emocionalmente que tienes ganas de gritar aleluya, como hace la gente en la iglesia cuando se convierte a Dios. Así es como me sentía la noche que grabamos All Night Session".
El volumen 3 de All Night Session del cuarteto de Hampton Hawes contiene tres variaciones improvisadas de forma espontánea sobre el blues, una interpretación extendida muy genial de "Do Nothin' 'Till You Hear from Me" de Duke Ellington y un tratamiento sorprendentemente atractivo de "Between the Devil and the Deep Blue Sea" de Harold Arlen. El "Blues #4", de ritmo rápido, es especialmente progresivo y emocionante. Al parecer, "Blues of a Sort" fue una actuación de calentamiento, ya que se oyen voces (¡discutiendo un partido de fútbol!) de fondo durante el solo de bajo. Para esta sesión nocturna maratoniana de una sola toma del 12 y 13 de noviembre de 1956, Hawes eligió compartir el estudio con el guitarrista Jim Hall, el bajista Red Mitchell y el batería Eldridge "Bruz" Freeman, que había sustituido a Chuck Thompson tras la repentina incapacidad de este músico para seguir de gira con el grupo a principios de ese año. "Le dimos a Chuck el dinero que pudimos y le dejamos sentado en un catre de hospital con una bata blanca". Esta sombría imagen, al igual que gran parte de la autobiografía de Hawes, pinta un crudo panorama de la epidemia de narcóticos entre los músicos de jazz durante los años 50. Aunque este fue el primer pico de su carrera, Hawes admitió más tarde que "durante el otoño de 1956 estaba metiendo la pata constantemente: llegando tarde a los conciertos o perdiéndolos por completo". Tenía muchas ofertas de trabajo, incluida la posibilidad de poner música a la banda sonora de una película: "Quería hacerlo, me habrían pagado bien, pero en ese momento no tenía ni el pan para llegar al estudio y ver lo que tenían pensado". Una de las grandes incongruencias del bop es el hecho de que Charlie Parker y los músicos más directamente influenciados por él fueran capaces de ser tan creativos y prolíficos mientras lidiaban con adicciones que los confundían, inmovilizaban y finalmente los mataban. Todas estas reflexiones pululan silenciosamente bajo la superficie de lo que supuso más de dos horas de jazz de cuarteto excepcionalmente bueno.

Ornette Coleman • Tomorrow Is the Question!

 

 

www.ornettecoleman.com ...

Joe Beck & Red Mitchell • Live At Salishan

 

Howard Roberts • Mr. Roberts Plays Guitar

Biography by Scott Yanow

Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

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Biografía de Scott Yanow

Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

 

 

Howard Roberts • Forever

Howard Roberts was born in Phoenix, Arizona in 1929. He began playing guitar at age 8 and by age 15 was playing gigs in and around the Phoenix area. In 1950 (at age 20) Howard decided to move to Los Angeles, and through hard work and the invaluable assistance of fellow guitarist/arranger-composer Jack Marshall, Howard met and began playing with some of L.A.'s very best musicians, including Bobby Troup, Chico Hamilton and Barney Kessel. This led to a job with Bobby Troup and circa 1956 to a solo recording contract with Verve Records. At around that same time as he signed with Verve, Howard decided to concentrate on recording/studio work - work that he would do nearly non- stop until the early 1970's.

Howard's studio career has to be one of the most prolific ever. He played rhythm guitar, lead guitar, bass and even mandolin on an incredible number of television and movie projects. He also backed jazz, pop, country and rock 'n roll artists, and was heard on thousands of records over his career.

But Howard wasn't just a first call studio musician. Beginning in the late 60's Howard's interest in studio work diminished. He began to travel and hold guitar seminars all around the country. Howard had a genuine talent for teaching and curriculum development, a talent he shared with his wife Patty. This interest/talent led to the founding of a school for guitarists: GIT (The Guitar Institute of Technology). He also established Playback Publishing and wrote several books as part of a structured guitar music curriculum. And if that wasn't enough, for several years Howard wrote a monthly column (”Jazz Improvisation”) for Guitar Player magazine.

Howard had already recorded under his own name on at least one other label (Verve Records) before he signed with Capitol Records. Prior to that (circa 1955) he recorded at least two records as part of pianist/song stylist Bobby Troup's band on the Bethlehem label. “Color Him Funky,” and “H.R. is a Dirty Guitar Player” are the first two albums Howard recorded for Capitol, and were recorded within a few months of each other in 1963. The outstanding rhythm section is the same on both dates - Chuck Berghofer on bass and Earl Palmer on drums. Paul Bryant and Burkley Kendrix are on organ.

Most of Howard Roberts' recordings through the years, particularly a long string for Capitol in the ‘60’s and into the ‘70’s were quite commercial, featuring brief versions of current pop tunes. He did some good work with The Magic Band on some live recordings at Donte’s in Los Angeles that showed hints of what he could do. A versatile studio player, Roberts finally had an opportunity in 1977 to record some no-nonsense, straight-ahead jazz. “The Real Howard Roberts,” was a stand out, with a good band behind him interpreting jazz standards.

Howard Roberts died June 28, 1992

Howard Roberts is a member of the prestigious Gibson Hall of Fame. His guitars, personally designed and marketed by Gibson, are the H.R. Custom, with is arch top and oval hole combining classic-acoustic and electric guitars, and the newer H.R. Fusion model.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

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Howard Roberts nació en Phoenix, Arizona, en 1929. Empezó a tocar la guitarra a los 8 años y a los 15 ya tocaba en conciertos en el área de Phoenix y sus alrededores. En 1950 (a la edad de 20 años) Howard decidió mudarse a Los Ángeles, y a través del trabajo duro y la inestimable ayuda de su compañero guitarrista/compositor Jack Marshall, Howard conoció y comenzó a tocar con algunos de los mejores músicos de Los Ángeles, incluyendo a Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Esto llevó a un trabajo con Bobby Troup y hacia 1956 a un contrato de grabación en solitario con Verve Records. Al mismo tiempo que firmaba con Verve, Howard decidió concentrarse en el trabajo de grabación y estudio, trabajo que haría casi sin parar hasta principios de los 70.

La carrera de Howard en el estudio tiene que ser una de las más prolíficas de la historia. Tocó la guitarra rítmica, la guitarra solista, el bajo e incluso la mandolina en un número increíble de proyectos de televisión y cine. También apoyó a artistas de jazz, pop, country y rock 'n roll, y se le escuchó en miles de discos a lo largo de su carrera.

Pero Howard no era sólo un músico de estudio de primera llamada. A partir de finales de los 60, el interés de Howard por el trabajo en el estudio disminuyó. Empezó a viajar y a dar seminarios de guitarra por todo el país. Howard tenía un genuino talento para la enseñanza y el desarrollo de planes de estudio, un talento que compartía con su esposa Patty. Este interés/talento llevó a la fundación de una escuela para guitarristas: GIT (El Instituto Tecnológico de la Guitarra). También estableció Playback Publishing y escribió varios libros como parte de un currículo estructurado de música para guitarra. Y por si fuera poco, durante varios años Howard escribió una columna mensual ("Jazz Improvisation") para la revista Guitar Player.

Howard ya había grabado bajo su propio nombre en al menos otro sello (Verve Records) antes de firmar con Capitol Records. Antes de eso (alrededor de 1955) grabó al menos dos discos como parte de la banda del pianista y estilista de canciones Bobby Troup en el sello Bethlehem. "Color Him Funky" y "H.R. is a Dirty Guitar Player" son los dos primeros discos que Howard grabó para Capitol, y se grabaron con pocos meses de diferencia en 1963. La sección rítmica destacada es la misma en ambas fechas - Chuck Berghofer en el bajo y Earl Palmer en la batería. Paul Bryant y Burkley Kendrix están en el órgano.

La mayoría de las grabaciones de Howard Roberts a través de los años, en particular una larga cuerda para Capitol en los 60 y en los 70 fueron bastante comerciales, con breves versiones de temas pop actuales. Hizo un buen trabajo con The Magic Band en algunas grabaciones en vivo en Donte's en Los Ángeles que mostraban indicios de lo que podía hacer. Un versátil jugador de estudio, Roberts finalmente tuvo la oportunidad en 1977 de grabar algo de jazz sin tonterías. "El verdadero Howard Roberts", se destacó, con una buena banda detrás de él interpretando estándares de jazz.

Howard Roberts murió el 28 de junio de 1992

Howard Roberts es miembro del prestigioso Salón de la Fama de Gibson. Sus guitarras, personalmente diseñadas y comercializadas por Gibson, son las H.R. Custom, con su tapa arqueada y agujero ovalado que combina guitarras clásicas-acústicas y eléctricas, y el más reciente modelo H.R. Fusion.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

1956-1979, 50 songs special selection

 

 

 

Barney Kessel • To Swing Or Not To Swing

Guitarist Barney Kessel's string of recordings for Contemporary in the 1950s included some of the finest work of his career. The unusual repertoire on this set -- which includes "Louisiana," "Indiana," and "12th Street Rag," along with four Kessel originals and more usual standards -- would by itself make this bop/cool set noteworthy. Add to that a very interesting lineup of players (trumpeter Harry "Sweets" Edison, Georgie Auld or Bill Perkins on tenor, pianist Jimmy Rowles, the rhythm guitar of Al Hendrickson, bassist Red Mitchell, and Shelly Manne or Irv Cottler on drums) and some excellent showcases for Kessel, and the overall result is a recording highly recommended to fans of straight-ahead jazz.

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La serie de grabaciones del guitarrista Barney Kessel para Contemporary en los años 50 incluyó algunos de los mejores trabajos de su carrera. El inusual repertorio de este set - que incluye "Louisiana", "Indiana" y "12th Street Rag", junto con cuatro originales de Kessel y los estándares más habituales - haría por sí mismo que este set de bop/cool fuera digno de mención. Si a esto le añadimos una alineación muy interesante de músicos (el trompetista Harry "Sweets" Edison, Georgie Auld o Bill Perkins en el tenor, el pianista Jimmy Rowles, la guitarra rítmica de Al Hendrickson, el bajista Red Mitchell, y Shelly Manne o Irv Cottler en la batería) y algunos excelentes escaparates para Kessel, el resultado general es una grabación muy recomendada para los fans del jazz directo.

Colaborador / Contributor:  Michel 

 

 

Bob Keene Septet & Lex Golden Jazz Octet • Solo for Seven - The Lex Golden Jazz Octet in Hi-Fi

 

Description from Fresh Sound Records / Jazz Hot (by Michel Laplace):
When clarinettist Bob Keene led an 18-piece orchestra in 1951 it was billed as one of the greatest bands since Artie Shaw's. Shaw gave it his stamp of approval and considered Keene to be a worthy successor. However, Keene's fame was fleeting and he's since faded into obscurity. But members of his septet heard here, such as Pepper Adams, Red Norvo and Shelly Manne, still register strongly in the collective memory. Standards from the likes of Kern, Loesser and Arlen are rearranged by Jack Montrose and provide us with 11 compact, highly melodic tracks delivered in cool jazz and swing style. The average length of each clocks in at 2.7 minutes. There's nothing long-winded about Bob Keene!

Prior to the recording of In Hi-Fi, trumpeter Lex Golden was all but unknown outside Los Angeles where he led dance bands in the city's nightspots. Golden peut swinguer ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (born 1929) and Lester Pinter form a saxophone section heavily influenced by Woody Herman's ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) is a good trombonist and arranger ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano and Pinter, both equally Lester Young-influenced, take solos in "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

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Descripcion de Fresh Sound Records / Jazz Hot (por Michel Laplace):
Cuando el clarinetista Bob Keene dirigio una orquesta de 18 piezas en 1951, fue presentada como una de las mejores bandas desde la de Artie Shaw. Shaw le dio su sello de aprobacion y considero a Keene como un sucesor digno. Sin embargo, la fama de Keene fue efimera y desde entonces ha caido en el olvido. Pero los miembros de su septeto aqui escuchados, como Pepper Adams, Red Norvo y Shelly Manne, aun resuenan fuertemente en la memoria colectiva. Los standards de compositores como Kern, Loesser y Arlen son reorganizados por Jack Montrose y nos ofrecen 11 temas compactos y altamente melodicos entregados en estilo cool jazz y swing. La duracion media de cada uno ronda los 2.7 minutos. No hay nada prolijo en Bob Keene!

Antes de la grabacion de In Hi-Fi, el trompetista Lex Golden era practicamente desconocido fuera de Los Angeles, donde dirigia bandas de baile en los locales nocturnos de la ciudad. Golden sabe swingear ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (nacido en 1929) y Lester Pinter forman una seccion de saxofones muy influenciada por la de Woody Herman ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) es un buen trombonista y arreglista ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano y Pinter, ambos igualmente influenciados por Lester Young, intervienen en solitario en "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

freshsoundrecords.com ...

Herbie Harper Quintet • Five Brothers

 

American trombonist, born 2 July 1920 in Salina, Kansas, and raised in Amarillo, Texas.
After touring with Charlie Spivak 1944-1947, Harper settled in Hollywood, playing with Teddy Edwards' quintet and in the big bands of Benny Goodman 1947, Charlie Barnet 1948, Stan Kenton 1950 and Jerry Gray 1950-1952. In the mid-1950s he led own group, playing West Coast jazz and making records. From 1955 mainly active as a studio musician for NBC, but has also recorded with jazz artists such as Benny Carter (1958), Bob Florence (intermittently 1955-1981).
C:\JORGE\Varios\Varios\Música\Herbie Harper • Herbie Harper Featuring Bud Shank And Bob Gordon

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Trombonista estadounidense, nacido el 2 de julio de 1920 en Salina, Kansas, y criado en Amarillo, Texas.
Después de ir de gira con Charlie Spivak 1944-1947, Harper se instaló en Hollywood, tocando con el quinteto de Teddy Edwards y en las big bands de Benny Goodman 1947, Charlie Barnet 1948, Stan Kenton 1950 y Jerry Gray 1950-1952. A mediados de la década de 1950 dirigió su propio grupo, tocando jazz de la Costa Oeste y grabando discos. A partir de 1955 trabajó principalmente como músico de estudio para la NBC, pero también grabó con artistas de jazz como Benny Carter (1958), Bob Florence (de forma intermitente entre 1955 y 1981).
C:JORGE\NVarios\NMúsica\NHerbie Harper - Herbie Harper Featuring Bud Shank And Bob Gordon

Zoot Sims • In A Sentimental Mood

 

 

Biography by Scott Yanow
Throughout his career, Zoot Sims was famous for epitomizing the swinging musician, never playing an inappropriate phrase. He always sounded inspired, and although his style did not change much after the early 1950s, Zoot's enthusiasm and creativity never wavered.

Zoot's family was involved in vaudeville, and he played drums and clarinet as a youth. His older brother, Ray Sims, developed into a fine trombonist who sounded like Bill Harris. At age 13, Sims switched permanently to the tenor, and his initial inspiration was Lester Young, although he soon developed his own cool-toned sound. Sims was a professional by the age of 15, landing his first important job with Bobby Sherwood's Orchestra, and he joined Benny Goodman's big band for the first time in 1943; he would be one of BG's favorite tenormen for the next 30 years. He recorded with Joe Bushkin in 1944, and even at that early stage, his style was largely set.

After a period in the Army, Sims was with Goodman from 1946-1947. He gained his initial fame as one of Woody Herman's "Four Brothers" during his time with the Second Herd (1947-1949). Zoot had brief stints with Buddy Rich's short-lived big band, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, and Elliot Lawrence. He toured and recorded with Stan Kenton (1953) and Gerry Mulligan (1954-1956). Sims was also a star soloist with Mulligan's Concert Jazz Band of the early '60s and visited the Soviet Union with Benny Goodman in 1962. A freelancer throughout most of his career, Sims often led his own combos or co-led bands with his friend Al Cohn; the two tenors had very similar sounds and styles. Zoot started doubling on soprano quite effectively in the '70s. Through the years, he appeared in countless situations, and always seemed to come out ahead. Fortunately, Zoot Sims recorded frequently, leading sessions for Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, and a wonderful series for Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

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Biografía de Scott Yanow
A lo largo de su carrera, Zoot Sims fue famoso por personificar al músico del swing, nunca tocando una frase inapropiada. Siempre sonaba inspirado, y aunque su estilo no cambió mucho después de los primeros años 50, el entusiasmo y la creatividad de Zoot nunca flaqueó.

La familia de Zoot se dedicaba al vodevil, y él tocaba la batería y el clarinete en su juventud. Su hermano mayor, Ray Sims, se convirtió en un fino trombonista que sonaba como Bill Harris. A los 13 años, Sims cambió permanentemente al tenor, y su inspiración inicial fue Lester Young, aunque pronto desarrolló su propio sonido de tono fresco. Sims era un profesional a los 15 años, consiguiendo su primer trabajo importante con la Orquesta de Bobby Sherwood, y se unió a la gran banda de Benny Goodman por primera vez en 1943; sería uno de los tenores favoritos de BG durante los siguientes 30 años. Grabó con Joe Bushkin en 1944, e incluso en esa primera etapa, su estilo estaba muy marcado.

Después de un período en el ejército, Sims estuvo con Goodman de 1946 a 1947. Ganó su fama inicial como uno de los "Cuatro Hermanos" de Woody Herman durante su estancia en la Segunda Manada (1947-1949). Zoot tuvo breves estancias en la corta vida de la gran banda de Buddy Rich, Artie Shaw, Goodman (1950), Chubby Jackson, y Elliot Lawrence. Hizo giras y grabó con Stan Kenton (1953) y Gerry Mulligan (1954-1956). Sims también fue un solista estrella de la Concert Jazz Band de Mulligan a principios de los años 60 y visitó la Unión Soviética con Benny Goodman en 1962. Trabajó por cuenta propia durante la mayor parte de su carrera, y a menudo dirigió sus propios combos o bandas codirigidas con su amigo Al Cohn; los dos tenores tenían sonidos y estilos muy similares. Zoot empezó a doblar a la soprano de forma bastante efectiva en los 70. A través de los años, apareció en innumerables situaciones, y siempre pareció salir adelante. Afortunadamente, Zoot Sims grabó con frecuencia, dirigiendo sesiones para Prestige, Metronome, Vogue, Dawn, Storyville, Argo, ABC-Paramount, Riverside, United Artists, Pacific Jazz, Bethlehem, Colpix, Impulse, Groove Merchant, Famous Door, Choice, Sonet, y una maravillosa serie para Pablo.
https://www.allmusic.com/artist/zoot-sims-mn0000228087/biography

  

Stanley Wilson • Music From M Squad

Music based on excerpts from the Soundtrack of The NBC-TV series of "M Squad" starring Lee Marvin.

 

 

 

Red Mitchell • Presenting Red Mitchell

 

Review by Scott Yanow

Bassist Red Mitchell, who had led two fairly obscure sessions for Bethlehem in 1955, came up with a gem on his lone Contemporary set as a leader (which has been reissued as this CD). Based in Los Angeles at the time, Mitchell utilized pianist Lorraine Geller and two up-and-coming players: James Clay (who splits his time between tenor and flute) and, in one of his first recording sessions, drummer Billy Higgins. The quartet performs then-recent tunes by Miles Davis, Sonny Rollins and Clifford Brown ("Sandu"), a pair of Mitchell originals, "Scrapple From the Apple" and "Cheek to Cheek." Despite Higgins' and (to a lesser extent) Clay's connections with Ornette Coleman, the music is strictly high-quality modern mainstream bop of the era. Easily recommended to collectors of straight-ahead jazz.

https://www.allmusic.com/album/presenting-red-mitchell-mw0000080163

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Reseña de Scott Yanow

El bajista Red Mitchell, que había dirigido dos sesiones bastante oscuras para Bethlehem en 1955, encontró una joya en su único set contemporáneo como líder (que ha sido reeditado como este CD). Con sede en Los Ángeles en ese momento, Mitchell utilizó a la pianista Lorraine Geller y a dos músicos prometedores: James Clay (que divide su tiempo entre tenor y flauta) y, en una de sus primeras grabaciones, el baterista Billy Higgins. El cuarteto interpreta temas de Miles Davis, Sonny Rollins y Clifford Brown ("Sandu"), un par de originales de Mitchell, "Scrapple From the Apple" y "Cheek to Cheek". A pesar de las conexiones de Higgins y (en menor medida) Clay con Ornette Coleman, la música es estrictamente bop moderno de alta calidad de la época. Fácilmente recomendable para coleccionistas de jazz.

https://www.allmusic.com/album/presenting-red-mitchell-mw0000080163

Red Mitchell, Bob Brookmeyer & Zoot Sims • Happy Minors

 

Bethlehem Records was founded in 1953 by Gus Wildi who initially employed the talents of vibraphonist Teddy Charles (West Coast) and, the visionary producer Creed Taylor (East Coast) as A & R men. This gem of a sextet fronted by bassist Red Mitchell was recorded on 02/01/1955 (BCP-1033- 10" Lp highly prized today by collectors) consisting of Bob Brookmeyer (trb), John Haley "Zoot" Sims (ts) (mispelled "Simms" on puckish cover by Burt Goldblatt), Conte Candoli (tpt), Claude Williamson (p) and, Stan Levey (drm). Long unavailable on CD, this Japanese import appeared unexpectedly on the web without fanfare in 2013. The Bethlehem catalog has moved between nine owners since its sale to King Records in the early 1960's. Previous Bethlehem titles were re-issued seemingly at random under several different labels both domestic and foreign. The Bethlehem catalog is now owned and licensed by VMG-Salsoul, Division of Verse Music Group. Bethlehem Records official website conveniently provides a monthly schedule of prior and future releases via i-tunes for downloading individual songs or, entire albums with original artwork.

The average age of the participants recording this music was twenty eight, all were experienced veterans of the big bands then based in L.A. The West Coast scene in the early 1950's was flush with talented soloists and arrangers whom Bethlehem was anxious to record. The music heard here is tightly voiced in the ensembles (no arranging credits but, I suspect Brookmeyer was involved) and the solos are crisp, confident and, charged with vitality particulary, in the horns of Candoli and Sims. Each artist gets a chance to stretch out supported by the superb rhythm section throughout. Williamson shows his preference for Bud Powell while strongly introducing the stylings of Hampton Hawes and Horace Silver in his funky approach to comping behind Mitchell's solo on the trio feature entitled; "Bluesology". Mitchell solos with grace on a pensive version of the ballad, "Once in a While" displaying not only his jazz chops but, technical vistuosity. Williamson then adds his own Be- bop inspired commentary to complete the piece. The full sextet performs on the title tune "Happy Minor" (Zoot jumps out of the starting gate like a thoroughbred), "Long Ago and Far Away" and, "Gone with the Wind". Brookmeyer constructs a solo statement on "Gone with The Wind" that perfectly displays his unique flair for both melodic improvisation and structure which would eventually evolve into a career as a highly respected composer/arranger. "Kelly Green" again features the trio with the spotlite focusing on Mitchell whose virtuosity is reminiscent of Ellington's "Jack the Bear" with the legendary bassist, Jimmy Blanton. The date ends on Charlie Parker's "Scrapple from the Apple" with Sims out first (always swinging...) followed by Brookmeyer blending his 4/4 Kansas City roots with modernism and, unique valve trombone timbre. Candoli offers yet again another peppery solo driven forward by Mitchell, Williamson and, Levey providing the heat.

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Bethlehem Records fue fundada en 1953 por Gus Wildi, quien inicialmente empleó el talento del vibrafonista Teddy Charles (Costa Oeste) y del visionario productor Creed Taylor (Costa Este) como A & R men. Esta joya de sexteto liderado por el bajista Red Mitchell fue grabado el 01/02/1955 (BCP-1033- 10" Lp muy apreciado hoy en día por los coleccionistas) y está compuesto por Bob Brookmeyer (trb), John Haley "Zoot" Sims (ts) (mal escrito "Simms" en la portada pícara de Burt Goldblatt), Conte Candoli (tpt), Claude Williamson (p) y, Stan Levey (drm). Esta importación japonesa, que durante mucho tiempo no estuvo disponible en CD, apareció inesperadamente en la web sin fanfarria en 2013. El catálogo de Belén se ha movido entre nueve propietarios desde su venta a King Records a principios de los años 60. Los títulos anteriores de Bethlehem fueron reeditados aparentemente al azar bajo varios sellos diferentes tanto nacionales como extranjeros. El catálogo de Bethlehem es ahora propiedad y está licenciado por VMG-Salsoul, División de Verse Music Group. El sitio web oficial de Bethlehem Records proporciona convenientemente un calendario mensual de los lanzamientos anteriores y futuros a través de i-tunes para descargar canciones individuales o, álbumes enteros con el arte original.

La edad promedio de los participantes que grabaron esta música fue de veintiocho años, todos eran veteranos experimentados de las grandes bandas de entonces con base en L.A. La escena de la Costa Oeste a principios de los años 50 estaba repleta de talentosos solistas y arreglistas que Bethlehem estaba ansiosa por grabar. La música que se escucha aquí está fuertemente expresada en los conjuntos (no hay créditos de arreglos pero, sospecho que Brookmeyer estuvo involucrado) y los solos son nítidos, confiados y, cargados de vitalidad particularmente, en las trompas de Candoli y Sims. Cada artista tiene la oportunidad de estirarse apoyado por la magnífica sección rítmica en todo momento. Williamson muestra su preferencia por Bud Powell mientras que introduce con fuerza los estilos de Hampton Hawes y Horace Silver en su enfoque funky de compaginar detrás del solo de Mitchell en el trío titulado; "Bluesología". Los solos de Mitchell con gracia en una versión pensativa de la balada, "Once in a While", mostrando no sólo sus chuletas de jazz, sino también su vistuosidad técnica. Williamson luego agrega su propio comentario inspirado en el Be-bop para completar la pieza. El sexteto completo actúa en el tema del título "Happy Minor" (Zoot salta desde la puerta de salida como un pura sangre), "Long Ago and Far Away" y, "Gone with the Wind". Brookmeyer construye una declaración en solitario sobre "Gone with the Wind" que muestra perfectamente su estilo único tanto para la improvisación melódica como para la estructura, que eventualmente evolucionaría en una carrera como un compositor/arreglador muy respetado. "Kelly Green" nuevamente presenta al trío con el spotlite enfocado en Mitchell, cuyo virtuosismo recuerda al de "Jack the Bear" de Ellington con el legendario bajista Jimmy Blanton. La cita termina con "Scrapple from the Apple" de Charlie Parker con Sims en primer lugar (siempre balanceándose...) seguido de Brookmeyer que mezcla sus raíces 4/4 de Kansas City con el modernismo y, un timbre de trombón de válvula único. Candoli ofrece una vez más otro solo picante impulsado por Mitchell, Williamson y Levey que proporcionan el calor.

Joe Puma, Hod O'Brien, Red Mitchell • Shining Hour

 

Review by Scott Yanow

Cool-toned guitarist Joe Puma is best known for his playing in the 1950s. This 1997 CD reissue has a live Puma trio date from 1984, which was his first occasion to lead his own recording session since 1961. The music is quite enjoyable, featuring Puma with pianist Hod O'Brien and bassist Red Mitchell. The guitarist was still very much in prime form, playing in a style unchanged from decades earlier. His interplay with O'Brien and Mitchell uplifts the standards, which include "Remember," "For All We Know" and "Mood Indigo," and he introduces two appealing originals. Highly recommended.
https://www.allmusic.com/album/shining-hour-mw0000730335

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Reseña de Scott Yanow
El guitarrista de tono frío Joe Puma es más conocido por su forma de tocar en los años 50. Esta reedición del CD de 1997 tiene un trío de Puma en directo que data de 1984, que fue su primera ocasión de dirigir su propia sesión de grabación desde 1961. La música es bastante agradable, con Puma con el pianista Hod O'Brien y el bajista Red Mitchell. El guitarrista estaba todavía en plena forma, tocando en un estilo que no había cambiado desde décadas antes. Su interacción con O'Brien y Mitchell eleva los estándares, que incluyen "Remember", "For All We Know" y "Mood Indigo", e introduce dos atractivos originales. Altamente recomendado.
https://www.allmusic.com/album/shining-hour-mw0000730335

Colaborador / Contributor:  Michel 

 

 

 

Shelly Manne & His Friends • Bells Are Ringing

Review by Scott Yanow

When Shelly Manne and His Friends (a trio starring pianist André Previn) had a surprise hit with their interpretations of melodies from My Fair Lady, it started a trend toward recording jazz versions of scores from plays. For this LP, Manne's trio (with Previn and bassist Red Mitchell) perform nine songs from the play Bells Are Ringing. Although seven of the pieces remained obscure, "The Party's Over" (which is heard twice) and particularly "Just in Time" caught on. As is always the case with this group, Previn's piano is the lead voice and his virtuosity, good taste, melodic improvising, and solid sense of swing are chiefly responsible for the music's success.

https://www.allmusic.com/album/bells-are-ringing-mw0000615741

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Reseña de Scott Yanow

Cuando Shelly Manne y sus amigos (un trío protagonizado por el pianista André Previn) tuvieron un éxito sorprendente con sus interpretaciones de melodías de My Fair Lady, se inició una tendencia hacia la grabación de versiones de jazz de partituras de obras de teatro. Para este LP, el trío de Manne (con Previn y el bajista Red Mitchell) interpretan nueve canciones de la obra Bells Are Ringing. Aunque siete de las piezas permanecieron oscuras, "The Party's Over" (que se oye dos veces) y particularmente "Just in Time" (Justo a tiempo) se hizo popular. Como siempre es el caso de este grupo, el piano de Previn es la voz principal y su virtuosismo, buen gusto, improvisación melódica y sólido sentido del swing son los principales responsables del éxito de la música.

https://www.allmusic.com/album/bells-are-ringing-mw0000615741