VA • Atlantic Jazz Piano

 

Review by Dave Nathan
Founded in 1947, Atlantic Records has been the home of some of jazz's more important figures (as well as blues). This compilation, originally issued as a two-fer LP, catches some of the excellent performances by the label's stable of jazz pianists over a period of 35 years. The earliest track is from Erroll Garner's first and only Atlantic album, Passport to Fame, a 1950 trio session where Garner applies his captivating style to "The Way You Look Tonight." The penultimate track on the album is from modernist Don Pullen. In between, there are cuts from albums made by some of the top jazz pianists, not only from that period, but whose work has stood the test of time and is still played regularly. It also shows that owners/producers Ahmet and Nesuhi Ertegun and Herb Abramson were wise and sensible enough to find room for artists representing a wide diversity of styles, from Garner through Dave Brubeck to Pullen and Joe Zawinul. Wide stylistic berth allowances notwithstanding, for most of these artists their stint with the label was short, a stopping off place before landing contracts with a major recording studio such as Columbia. The title is also a bit misleading in the sense the label never had some of the participants under contract. The cuts by Thelonious Monk and Bill Evans were from sessions headed by Art Blakey and Herbie Mann, respectively. But no matter how they got on the album, this collection of jazz piano is unmatched for its breadth and depth.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273

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Reseña de Dave Nathan
Fundada en 1947, Atlantic Records ha sido el hogar de algunas de las figuras más importantes del jazz (así como del blues). Esta compilación, publicada originalmente como un LP de dos unidades, recoge algunas de las excelentes actuaciones de los pianistas de jazz del sello durante un período de 35 años. El primer tema pertenece al primer y único álbum de Erroll Garner en Atlantic, Passport to Fame, una sesión de trío de 1950 en la que Garner aplica su cautivador estilo a "The Way You Look Tonight". El penúltimo tema del álbum es del modernista Don Pullen. Entre medias, hay cortes de álbumes realizados por algunos de los mejores pianistas de jazz, no sólo de la época, sino cuya obra ha resistido el paso del tiempo y se sigue tocando con regularidad. También demuestra que los propietarios/productores Ahmet y Nesuhi Ertegun y Herb Abramson fueron lo suficientemente sabios y sensatos como para dar cabida a artistas que representaban una amplia diversidad de estilos, desde Garner a Dave Brubeck, pasando por Pullen y Joe Zawinul. A pesar de los amplios márgenes estilísticos, para la mayoría de estos artistas su paso por el sello fue breve, un lugar de paso antes de conseguir contratos con un estudio de grabación importante como Columbia. El título también es un poco engañoso en el sentido de que el sello nunca tuvo contrato con algunos de los participantes. Los cortes de Thelonious Monk y Bill Evans proceden de sesiones dirigidas por Art Blakey y Herbie Mann, respectivamente. Pero independientemente de cómo llegaron al álbum, esta colección de piano de jazz es inigualable por su amplitud y profundidad.
https://www.allmusic.com/album/atlantic-jazz-piano-mw0000193273

Junior Mance Trio • Deep The Classic 1980 New York Studio Session Remixed

 

Description from JSP Records / Bear Family Records:
A jazz critic once complained that Jr Mance 'turned everything into a blues'... wrong! Jr Mance turned everything into The Blues! His style was deeply funky, soulful, genre busting, percussive and was as much deep blues as any wailing harmonica player. This album was recorded in 1980 at New York's famed Downtown Sound. It was recorded direct to stereo on 1/4 tape. The balance was brilliantly caught by the engineer and of course, no overdubs, just real music played by real musicians in 'the moment'. The remastering has been done from the original session tapes but utilises the most modern technology. This music has never sounded better or more powerful and I think this rework of the original tapes brings out even more of the power of the piano, the sheer percussiveness of the playing. This set is no mere 'reissue' but is a complete reimagining of this classic session.
https://www.bear-family.com/mance-trio-junior-deep-the-classic-1980-new-york-studio-session-cd.html

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Descripcion de JSP Records / Bear Family Records:
Un critico de jazz se quejo una vez de que Jr Mance 'convertia todo en blues'... equivocado! Jr Mance convirtio todo en The Blues! Su estilo era profundamente funky, lleno de alma, rompedor de generos, percusivo y era tanto blues profundo como cualquier armonicista. Este album fue grabado en 1980 en el famoso Downtown Sound de Nueva York. Fue grabado directo a estereo en cinta de 1/4 de pulgada. El balance fue captado brillantemente por el ingeniero y, por supuesto, sin sobreimpresiones, solo musica real tocada por musicos reales 'en el momento'. La remasterizacion se ha realizado a partir de las cintas originales de la sesion pero utilizando la tecnologia mas moderna. Esta musica nunca ha sonado mejor ni mas poderosa y creo que esta reelaboracion de las cintas originales saca aun mas el poder del piano, la pura percusividad de la interpretacion. Esta edicion no es una mera 'reedicion' sino una reimaginacion completa de esta sesion clasica.
https://www.bear-family.com/mance-trio-junior-deep-the-classic-1980-new-york-studio-session-cd.html

Bennie Green • Glidin' Along

 

Biography by Ron Wynn
A capable bebop soloist despite his style having firm swing-era roots, Bennie Green was a major trombonist and bandleader in the 1940s, '50s, and '60s. His sound and tone were large and round, and his approach was heavily influenced by traditionalists like Trummy Young. Green's solos were enjoyable and always well-executed, but he was never as ambitious in his playing as latter-day trombonists like J.J. Johnson or Curtis Fuller.

Green had a musical background: one of his brothers played tenor sax with Roy Eldridge's band. He studied at the famous Du Sable High School in Chicago under Capt. Walt Dyett, then began playing professionally with local groups. Budd Johnson recommended Green to Earl Hines in the early '40s, and he worked with Hines until 1948 (except for two-year stint in the Army). Green played with Gene Ammons for a short time, then with Charlie Ventura in the late '40s and early '50s. He toured with Hines again from 1951 until 1953.

Green led his own combo in the '50s and '60s, often playing with either Charlie Rouse or Jimmy Forrest. He also worked with Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin, and Elvin Jones. Green performed and recorded with Duke Ellington in 1968, playing on his second sacred concert. He settled in Las Vegas in the late '60s, working in hotel bands. Green was also featured on recordings made at the Newport in New York festival in the early '70s. He recorded as a leader for Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time, and Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

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Biografía de Ron Wynn
Bennie Green, un solista de bebop capaz a pesar de que su estilo tiene firmes raíces de la era del swing, fue un importante trombonista y director de banda en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Su sonido y su tono eran amplios y redondos, y su enfoque estaba muy influenciado por tradicionalistas como Trummy Young. Los solos de Green eran agradables y siempre estaban bien ejecutados, pero nunca fue tan ambicioso en su forma de tocar como los trombonistas de hoy en día, como J.J. Johnson o Curtis Fuller.

Green tenía antecedentes musicales: uno de sus hermanos tocaba el saxo tenor en la banda de Roy Eldridge. Estudió en la famosa Du Sable High School de Chicago con el capitán Walt Dyett, y luego empezó a tocar profesionalmente con grupos locales. Budd Johnson recomendó a Green a Earl Hines a principios de los años 40, y trabajó con Hines hasta 1948 (a excepción de un periodo de dos años en el ejército). Green tocó con Gene Ammons durante un corto periodo de tiempo, y luego con Charlie Ventura a finales de los años 40 y principios de los 50. Volvió a salir de gira con Hines desde 1951 hasta 1953.

Green dirigió su propio combo en los años 50 y 60, a menudo tocando con Charlie Rouse o Jimmy Forrest. También trabajó con Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin y Elvin Jones. Green actuó y grabó con Duke Ellington en 1968, tocando en su segundo concierto sagrado. Se instaló en Las Vegas a finales de los años 60, trabajando en las bandas de los hoteles. Green también apareció en grabaciones realizadas en el festival de Newport, en Nueva York, a principios de los años 70. Grabó como líder para Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time y Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

Joe Gordon • Introducing Joe Gordon

 

Biography by Scott Yanow
A fine bop-oriented trumpeter, Joe Gordon's tragic death in a fire cut short any chance he had at fame in the jazz world. He became a professional in 1947 and had stints with Georgie Auld, Lionel Hampton, Charlie Parker (on an occasional basis during 1953-1955), Art Blakey (1954), and Don Redman. Gordon was with Dizzy Gillespie's 1956 big band, touring the Mideast, and getting a solo on "Night in Tunisia." He was in the Horace Silver quintet, moved back to Boston for a period, and then relocated to Los Angeles where he worked and recorded with Barney Kessel, Benny Carter, Harold Land, Shelly Manne, Dexter Gordon, and Shelly Manne (1958-1960). Joe Gordon, who led dates for EmArcy (1955) and Contemporary (1961), was on one Thelonious Monk recording and spent his last few years as a freelance musician.
https://www.allmusic.com/artist/joe-gordon-mn0000114256/biography

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Biografía de Scott Yanow
Trompetista de orientación bop, la trágica muerte de Joe Gordon en un incendio interrumpió cualquier posibilidad de alcanzar la fama en el mundo del jazz. Se convirtió en profesional en 1947 y trabajó con Georgie Auld, Lionel Hampton, Charlie Parker (ocasionalmente durante 1953-1955), Art Blakey (1954) y Don Redman. Gordon estuvo con la big band de Dizzy Gillespie en 1956, haciendo una gira por Oriente Medio y haciendo un solo en "Night in Tunisia". Estuvo en el quinteto de Horace Silver, volvió a Boston por un tiempo, y luego se trasladó a Los Ángeles donde trabajó y grabó con Barney Kessel, Benny Carter, Harold Land, Shelly Manne, Dexter Gordon, y Shelly Manne (1958-1960). Joe Gordon, que dirigió las fechas de EmArcy (1955) y Contemporary (1961), estuvo en una grabación de Thelonious Monk y pasó sus últimos años como músico independiente.
https://www.allmusic.com/artist/joe-gordon-mn0000114256/biography

 

Sandy Mosse • Relaxin' With Sandy Mosse + The Chicago Scene

Artist Biography by Eugene Chadbourne

The man whose name sounds like a description of the ground near a brook was a jazz tenor saxophonist who is remembered fondly on both the Chicago and European jazz scenes. Several times in his life he left America for extended stays, eventually marrying a Dutch woman and fulfilling what is many an American musician's lifelong dream: to retire in Amsterdam. Not that Sandy Mosse ever really retired; he kept playing til the end, showing off a lovely fuzzy tone that he was personally happy to trace back to Lester Young, his first and biggest influence. Mosse's final decades were a battle against ill health, as he was first diagnosed with cancer in the '60s. The man who apparently coined the expression "oh well, you can't have anything" always managed to keep a good sense of humor concerning life's ups and downs, as evidenced from this anecdote from "some posh jobbing date on the North Shore," as recalled by a fan writing to the Jazz Institute of Chicago: "Sandy had just been diagnosed with cancer. He showed up at the gig right after undergoing some kind of chemotherapy that had turned his skin a very distinct and lovely shade of green. If you ever saw Sandy Mosse, you know he had bright red hair. Well, the combination of the green skin and the red hair for a Christmas party was just too much. We just couldn't help laughing, but we would never have laughed if Sandy hadn't been first and loudest."

The saxophonist was born in Detroit, but spent much of his American playing time based out of Chicago. He switched to tenor saxophone in the early '50s after learning his way around a reed on both the clarinet and alto saxophone. His first move to Europe happened early on, when at 22 he skipped to Paris and established a relationship with Wallace Bishop. He also recorded historical sides in the band of Henri Renaud, originally released as some of the first-ever picture discs. Mosse also was involved in some orchestral efforts behind gypsy guitar virtuoso Django Reinhardt, and then was picked up in 1953 for a spot as a soloist in the front line of the Woody Herman band as it roared its way across Europe. Encouraged to come back home, he showed up back in the Windy City in 1955 and began working with Bill Russo, rhythm & blues and doo wop howler Chubby Jackson, and the interesting bandleader Cy Touff. The emerging Chess Records empire with its subsidiaries Argo and Cadet provided opportunities for Mosse to grow; he cut several sessions as a leader as well as recording with Touff and in a large band under the direction of the brilliant saxophonist and flautist James Moody. The latter session was something of a Chicago all-star get-together and found Mosse in the company of baritone Pat Patrick of Sun Ra Arkestra fame, among others. With Touff, Mosse co-led an octet in the late '50s and early '60s called the Pieces of Eight. This was reportedly a wonderful and unique small band with great arrangements, often featuring undersung trumpet player John Howell.

In the late '50s, Mosse was profiled in Downbeat in an article with this promising title: "Mosse Grows: A Warm, Fluent Tenor Saxophonist Is Finally Being Heard After Long Struggle." He received an award from the magazine as well as one from Playboy, at that point almost as concerned with jazz as with curves. Mosse was able to tour Europe with his own groups as well as with others as a guest soloist. A highlight was his appearance at the North Sea Jazz Festival. As the '50s wound down and rock & roll became more popular, Mosse was heard more frequently tucked into the ranks of big bands such as that led by the demanding drummer Buddy Rich, or high-note trumpeter Maynard Ferguson. He continued working in Chicago into the '60s, including appearing in the band of Dave Remington.

His Dutch wife lured him back to Europe and her hometown of Amsterdam in the 1970s, and while Mosse continued both playing on radio and teaching at the Royal Dutch Conservatory, there was definitely a drop in recording activity. Fans of his playing and the European scene still hope that the scores of avid home tapers who have been collecting jazz radio broadcasts might have some tasty material on their shelves that could see the light as an official release someday. There were sometimes trips back home, such as the '70s tour in which Mosse played the Chicago venue the Jazz Showcase alongside fellow tenor giants Zoot Sims and Al Cohn. On the Dutch side of things, one of Mosse's last major bands was the superb Volume Two, also featuring Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen, and Lex Cohen. One of Mosse's last recordings was a sideman in a band led by Hekkema.

https://www.allmusic.com/artist/sandy-mosse-mn0000997050

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Biografía del artista por Eugene Chadbourne

El hombre cuyo nombre suena como una descripción del terreno cerca de un arroyo era un saxofonista tenor de jazz que es recordado con cariño en las escenas de jazz de Chicago y Europa. Varias veces en su vida se fue de Estados Unidos para estancias prolongadas, casándose con una mujer holandesa y cumpliendo lo que es el sueño de toda una vida de un músico estadounidense: jubilarse en Ámsterdam. No es que Sandy Mosse se haya retirado realmente; siguió tocando hasta el final, mostrando un hermoso tono borroso que estaba personalmente feliz de remontarse a Lester Young, su primera y más grande influencia. Las últimas décadas de Mosse fueron una batalla contra la mala salud, ya que fue diagnosticado por primera vez con cáncer en los años 60. El hombre que aparentemente acuñó la expresión "oh bien, no se puede tener nada" siempre logró mantener un buen sentido del humor con respecto a los altibajos de la vida, como se evidencia en esta anécdota de "una cita de trabajo elegante en la costa norte", como recordó un fanático que escribió al Jazz Institute of Chicago: "Sandy acababa de ser diagnosticada con cáncer. Apareció en el concierto justo después de recibir algún tipo de quimioterapia que le había dado a su piel un tono de verde muy distintivo y encantador. Si alguna vez viste a Sandy Mosse, sabes que tenía el pelo rojo brillante. Bueno, la combinación de la piel verde y el pelo rojo para una fiesta de Navidad fue demasiado. No podíamos evitar reírnos, pero nunca nos habríamos reído si Sandy no hubiera sido la primera".

El saxofonista nació en Detroit, pero pasó gran parte de su tiempo tocando en Estados Unidos fuera de Chicago. Se cambió al saxo tenor a principios de los años 50 después de aprender a tocar la lengüeta tanto en el clarinete como en el saxo alto. Su primer traslado a Europa tuvo lugar al principio, cuando a los 22 años se fue a París y estableció una relación con Wallace Bishop. También grabó lados históricos en la banda de Henri Renaud, originalmente lanzados como algunos de los primeros discos de imagen. Mosse también estuvo involucrado en algunos esfuerzos orquestales detrás del virtuoso de la guitarra gitana Django Reinhardt, y luego fue elegido en 1953 para un puesto como solista en la primera línea de la banda de Woody Herman mientras se abría camino por toda Europa. Animado a volver a casa, se presentó en la Ciudad de los Vientos en 1955 y comenzó a trabajar con Bill Russo, rhythm & blues y doo wop howler Chubby Jackson, y el interesante director de orquesta Cy Touff. El imperio emergente de Chess Records con sus subsidiarias Argo y Cadet proporcionó oportunidades para que Mosse creciera; cortó varias sesiones como líder, además de grabar con Touff y en una gran banda bajo la dirección del brillante saxofonista y flautista James Moody. Esta última sesión fue una especie de reunión de estrellas de Chicago y encontró a Mosse en compañía del barítono Pat Patrick de Sun Ra Arkestra, entre otros. Con Touff, Mosse co-lideró un octeto a finales de los'50 y principios de los'60 llamado los Pieces of Eight. Se dice que esta fue una maravillosa y única banda pequeña con grandes arreglos, a menudo con el trompetista John Howell.

A finales de los años 50, Mosse fue perfilado en Downbeat en un artículo con este prometedor título: "Mosse Grows: Un cálido y fluido saxofonista de tenores finalmente está siendo escuchado después de una larga lucha". Recibió un premio de la revista y otro de Playboy, en ese momento casi tan preocupado por el jazz como por las curvas. Mosse pudo viajar por Europa con sus propios grupos y con otros como solista invitado. Un punto culminante fue su participación en el Festival de Jazz del Mar del Norte. A medida que los años 50 se fueron acabando y el rock & roll se hizo más popular, Mosse se escuchó con más frecuencia en las filas de las grandes bandas, como la dirigida por el exigente baterista Buddy Rich, o el trompetista de notas altas Maynard Ferguson. Continuó trabajando en Chicago hasta los años 60, incluyendo su participación en la banda de Dave Remington.

Su esposa holandesa lo atrajo de vuelta a Europa y a su ciudad natal de Ámsterdam en la década de 1970, y mientras Mosse seguía tocando en la radio y enseñando en el Real Conservatorio Holandés, definitivamente hubo un descenso en la actividad discográfica. Los aficionados a su música y a la escena europea siguen esperando que las partituras de los ávidos aficionados a la música casera que han estado coleccionando programas de radio de jazz tengan algún material sabroso en sus estanterías que pueda ver la luz como un estreno oficial algún día. A veces hubo viajes de vuelta a casa, como la gira de los'70 en la que Mosse tocó en Chicago en el Jazz Showcase junto a otros gigantes del tenor Zoot Sims y Al Cohn. En el lado holandés, una de las últimas grandes bandas de Mosse fue el magnífico Volume Two, con Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen y Lex Cohen. Una de las últimas grabaciones de Mosse fue un sideman en una banda liderada por Hekkema.

https://www.allmusic.com/artist/sandy-mosse-mn0000997050

VA • Harmonica Blues Deep Cuts

Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Slim Harpo, Howlin' Wolf, James Cotton, Alexis Korner, Toots Thielemans, Junior Mance ...

Junior Mance Trio • At The Village Vanguard

Review by Scott Yanow
Pianist Junior Mance has long been typecast as a soulful blues player so, as if to confuse listeners, he starts off this live set with an uptempo "Looptown" on which he displays technique worthy of Oscar Peterson. Mance's many fans have no reason to despair though for, in addition to a boppish rendition of "Girl of My Dreams," the pianist does perform a generous amount of blues and soulful pieces. Bassist Larry Gales and drummer Ben Riley also help out .

 

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Reseña de Scott Yanow
El pianista Junior Mance ha sido encasillado durante mucho tiempo como un bluesero conmovedor, así que, como para confundir a los oyentes, comienza este set en vivo con un "Looptown" uptempo en el que muestra una técnica digna de Oscar Peterson. Los muchos fans de Mance no tienen razón para desesperarse porque, además de una interpretación boppish de "Girl of My Dreams", el pianista interpreta una generosa cantidad de blues y piezas conmovedoras. El bajista Larry Gales y el baterista Ben Riley también ayudan.

 

 

VA • Jazz Piano Hits

 

Les McCann, Billy Taylor, Larry Goldings, Ahmad Jamal, Junior Mance, Eddie Harris, Bengt Hallberg, John Lewis …

Wilbur Ware • The Chicago Sound

 

Wilbur Bernard Ware (8 de septiembre de 1923, Chicago, Illinois, Estados Unidos – 9 de septiembre de 1979, Filadelfia, Pensilvania, Estados Unidos), fue un contrabajista de jazz estadounidense y bajista habitual del sello discográfico «Riverside» en la década de 1950. Su pertenencia a esa casa discográfica, le permitió tocar y grabar regularmente en esa década con algunos de los mejores músicos de jazz de la época, como: Johnny Griffin, Kenny Dorham, Kenny Drew, J.R. Monterose, Toots Thielemans, Sonny Clark, Tina Brooks, Zoot Sims y Grant Green y Thelonious Monk, entre otros. En gran parte autodidacta, Ware tenía un enfoque del bajo poco ortodoxo pero muy singular y de percusión.

Wilbur Ware creció en Chicago, donde aprendió por sí mismo a tocar la batería, el banjo y el bajo mientras tocaba en la iglesia. En la década de 1940, trabajó con Stuff Smith, Sonny Stitt y Roy Eldridge. Grabó con Sun Ra a principios de la década de 1950, y más tarde, en la década de 1950, tras establecerse en la ciudad de Nueva York, tocó con Eddie Vinson, Art Blakey y Buddy DeFranco. Su único álbum grabado como líder y lanzado durante su vida fue «The Chicago Sound», de 1957 cuando trabajaba para Riverside. Hizo álbumes instructivos de jazz para Music Minus One. En 1958, Wilbur Ware fue uno de los 57 músicos de jazz que aparecieron en la famosa fotografía de Art Kane, titulada: «Un gran día en Harlem».

Ware fue miembro del cuarteto de Thelonious Monk de 1957 a 1958, y uno de sus álbumes más famosos fue formado parte del trío con el que Sonny Rollins, actuó y grabó en 1957 en el Village Vanguard de New York. Como tantos otros músicos de aquella época, Wilbur Ware tenía adición a los narcóticos, lo que provocó la interrupción de su carrera entre 1963 y 1969. Tras salir de prisión Wilbur Ware retomó con fuerza su carrera profesional y tocó con Clifford Jordan, Elvin Jones y Sonny Rollins. Murió de enfisema en Filadelfia, Pensilvania, en 1979.​
https://apoloybaco.com/jazz/wilbur-ware/

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Wilbur Bernard Ware (9 September 1923, Chicago, Illinois, United States – 9 September 1979, Philadelphia, Pennsylvania, United States) was an American jazz double bassist and regular bassist for the Riverside record label in the 1950s. His affiliation with that record label allowed him to play and record regularly during that decade with some of the best jazz musicians of the time, such as Johnny Griffin, Kenny Dorham, Kenny Drew, J.R. Monterose, Toots Thielemans, Sonny Clark, Tina Brooks, Zoot Sims, Grant Green, and Thelonious Monk, among others. Largely self-taught, Ware had an unorthodox but very unique and percussive approach to the bass.

Wilbur Ware grew up in Chicago, where he taught himself to play the drums, banjo, and bass while playing in church. In the 1940s, he worked with Stuff Smith, Sonny Stitt, and Roy Eldridge. He recorded with Sun Ra in the early 1950s, and later in the 1950s, after settling in New York City, he played with Eddie Vinson, Art Blakey, and Buddy DeFranco. His only album recorded as a leader and released during his lifetime was 1957's The Chicago Sound, when he was working for Riverside. He made instructional jazz albums for Music Minus One. In 1958, Wilbur Ware was one of 57 jazz musicians who appeared in Art Kane's famous photograph, entitled “A Great Day in Harlem”.

Ware was a member of Thelonious Monk's quartet from 1957 to 1958, and one of his most famous albums was part of the trio with which Sonny Rollins performed and recorded in 1957 at the Village Vanguard in New York. Like so many other musicians of that era, Wilbur Ware was addicted to narcotics, which caused his career to be interrupted between 1963 and 1969. After leaving prison, Wilbur Ware resumed his professional career with vigour and played with Clifford Jordan, Elvin Jones and Sonny Rollins. He died of emphysema in Philadelphia, Pennsylvania, in 1979.

https://apoloybaco.com/jazz/wilbur-ware/


 

Eddie Lockjaw Davis-Johnny Griffin • Live At Minton's [1961]

 

Review
by Bob Rusch
This duo (tenor saxophonists Eddie "Lockjaw" Davis and Johnny Griffin) made about a dozen LPs together, most for Jazzland and Prestige, and they are all worth investigating. They had a special affinity for pianist Thelonious Monk's music, and while there were other sets which emphasize that better, the Monk pieces ("Straight No Chaser"/"In Walked Bud") included in the program on this live set were among the highlights.
https://www.allmusic.com/album/live-at-mintons-playhouse-complete-recordings-mw0000042060

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Reseña
por Bob Rusch
Este dúo (los saxofonistas tenores Eddie "Lockjaw" Davis y Johnny Griffin) grabaron juntos una docena de LPs, la mayoría para Jazzland y Prestige, y vale la pena investigarlos todos. Tenían una afinidad especial por la música del pianista Thelonious Monk, y aunque había otros sets que lo enfatizaban mejor, las piezas de Monk ("Straight No Chaser"/"In Walked Bud") incluidas en el programa de este set en directo estaban entre las más destacadas.
https://www.allmusic.com/album/live-at-mintons-playhouse-complete-recordings-mw0000042060

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 1

 

 

Among the first bebop jazz trumpeters (along with Dizzy Gillespie, Fats Navarro and Idrees Sulieman), Howard McGhee was known for his fast fingers and very high notes, but is rarely credited for the influence he extended to younger trumpeters in an era when the instrument had come back into vogue among students of jazz. Despite a troubled life and career, Howard McGhee remains a huge inspiration for younger jazz musicians, students and fans alike. The collection here brings together eight of the very finest albums the great man ever released or played on, making it the ideal go-to- compilation for collectors and fans of this pioneering, albeit hugely underrated, musician.

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Entre los primeros trompetistas de bebop jazz (junto con Dizzy Gillespie, Fats Navarro e Idrees Sulieman), Howard McGhee era conocido por sus dedos rápidos y sus notas muy agudas, pero rara vez se le reconoce la influencia que ejerció sobre los trompetistas más jóvenes en una época en la que el instrumento había vuelto a ponerse de moda entre los estudiantes de jazz. A pesar de una vida y una carrera problemáticas, Howard McGhee sigue siendo una gran inspiración para los músicos de jazz más jóvenes, los estudiantes y los aficionados. Esta colección reúne ocho de los mejores álbumes que el gran hombre publicó o en los que tocó, lo que la convierte en la compilación ideal para los coleccionistas y aficionados a este músico pionero, aunque enormemente infravalorado.

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 2

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 3

 

 

Howard McGhee • The Classic 1960s Albums Vol 4

 

 

Bernard Purdie • Soul To Jazz

 

Artist Biography by Ron Wynn
An all-time great soul, R&B, funk, and pop drummer, Bernard Purdie's impeccable time and mastery of backbeats and grooves are celebrated. He moved to New York from Maryland in 1960, and recorded with James Brown, King Curtis, and many others. He was CTI's house drummer in the late '60s and early '70s, and worked with Grover Washington, Jr. and George Benson among several others. Purdie toured with Curtis and Aretha Franklin in 1970, and was Franklin's music director until 1975. During his studio days in the early '70s, Purdie recorded with Louis Armstrong and Gato Barbieri along with numerous rock, pop, and soul sessions. He recorded with Dizzy Gillespie in 1980 at the Montreux Jazz Festival and toured with him in 1983. Purdie recorded with Hank Crawford during the early '80s, and has continued working steadily into the '90s. He generated a firestorm of reaction in 1993 when he charged it was his uncredited drumming rather than Ringo Starr's on some Beatles tracks. Purdie claimed proof was forthcoming, but none was presented. He made a rare date as a leader for Flying Dutchman in 1972, Pretty Purdie, that has long since disappeared. But Purdie can be heard on countless discs by Brown, Franklin, Curtis, Gillespie, and Crawford among many others.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

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Biografía del artista por Ron Wynn
Un gran alma de todos los tiempos, R&B, funk y batería pop, se celebra el tiempo impecable de Bernard Purdie y su dominio de los backbeats y los grooves. Se mudó a Nueva York desde Maryland en 1960, y grabó con James Brown, King Curtis y muchos otros. Fue el baterista de la CTI a finales de los 60 y principios de los 70, y trabajó con Grover Washington Jr. y George Benson entre otros. Purdie hizo una gira con Curtis y Aretha Franklin en 1970, y fue el director musical de Franklin hasta 1975. Durante sus días de estudio a principios de los 70, Purdie grabó con Louis Armstrong y Gato Barbieri junto con numerosas sesiones de rock, pop y soul. Grabó con Dizzy Gillespie en 1980 en el Festival de Jazz de Montreux y realizó una gira con él en 1983. Purdie grabó con Hank Crawford a principios de los 80, y ha seguido trabajando constantemente hasta los 90. Generó una tormenta de reacciones en 1993 cuando acusó a su batería no acreditada en lugar de la de Ringo Starr en algunos temas de los Beatles. Purdie afirmó que había pruebas, pero no se presentó ninguna. Hizo una cita poco común como líder del Flying Dutchman en 1972, Pretty Purdie, que hace tiempo que desapareció. Pero Purdie puede ser escuchado en innumerables discos de Brown, Franklin, Curtis, Gillespie y Crawford entre muchos otros.
https://www.allmusic.com/artist/bernard-pretty-purdie-mn0000047401/biography

www.bernardprettypurdie.com ...

Sonny Stitt • Sonny Stitt Featuring Howard Mcghee

 

Frank Vignola • Appel Direct

 

Biography
An extremely versatile jazz guitarist, Frank Vignola has demonstrated that he is capable of playing everything from fusion and commercial pop-jazz to hard bop, post-bop, and swing. The native New Yorker has a wide variety of influences; everyone from Wes Montgomery, Joe Pass, and Pat Metheny to Django Reinhardt and Charlie Christian has affected his playing in some way. For Vignola, different influences have asserted themselves at different times -- the Reinhardt or Christian influence might be especially prominent in a swing environment, whereas he has sometimes sounded more Metheny-ish in fusion or pop-jazz/NAC settings. And he might be mindful of Montgomery or Pass on a hard bop or post-bop project. Born on suburban Long Island on December 30, 1965, Vignola was raised in the New York area. The Italian-American started playing the guitar at the age of five and grew up admiring a variety of guitarists. Far from a jazz snob, Vignola never listened to jazz exclusively and was also a major fan of rock, R&B, and pop. The guitarists that he admired ranged from jazz musicians to rock icons like Eric Clapton and Eddie Van Halen. As a young adult, Vignola studied at the Cultural Arts Center of Long Island and went on to enjoy a lot of sideman gigs in the 1980s. The New Yorker was 27 when, in 1993, he signed with Concord Jazz and recorded his first Concord session as a leader, Appel Direct. Several more Concord releases followed in the 1990s, and the early 2000s found Vignola recording for Nagel-Heyer as well as Acoustic Disc. ~ Alex Henderson

 

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Biografía
Un guitarrista de jazz extremadamente versátil, Frank Vignola ha demostrado que es capaz de tocar todo, desde la fusión y el pop-jazz comercial hasta el hard bop, el post-bop y el swing. El neoyorquino tiene una gran variedad de influencias; todos, desde Wes Montgomery, Joe Pass y Pat Metheny hasta Django Reinhardt y Charlie Christian, han afectado a su forma de tocar de alguna manera. En el caso de Vignola, las diferentes influencias se han impuesto en diferentes momentos: la influencia de Reinhardt o Christian podría ser especialmente prominente en un entorno de swing, mientras que a veces ha sonado más a Metheny en entornos de fusión o pop-jazz/NAC. Y puede tener presente a Montgomery o Pass en un proyecto de hard bop o post-bop. Nacido en los suburbios de Long Island el 30 de diciembre de 1965, Vignola se crió en la zona de Nueva York. Este italoamericano empezó a tocar la guitarra a los cinco años y creció admirando a diversos guitarristas. Lejos de ser un snob del jazz, Vignola nunca escuchó exclusivamente jazz y también era un gran fan del rock, el R&B y el pop. Los guitarristas que admiraba iban desde músicos de jazz hasta iconos del rock como Eric Clapton y Eddie Van Halen. De joven, Vignola estudió en el Centro de Artes Culturales de Long Island y llegó a disfrutar de muchas actuaciones como músico secundario en la década de 1980. El neoyorquino tenía 27 años cuando, en 1993, firmó con Concord Jazz y grabó su primera sesión de Concord como líder, Appel Direct. En la década de los noventa se publicaron varios discos más de Concord, y a principios de la década de 2000 Vignola grabó para Nagel-Heyer y Acoustic Disc. ~ Alex Henderson

www.frankvignola.com ...

Nat Adderley • Little Big Horn!

 

 

Review
by Scott Yanow
This lesser-known set by Nat Adderley (reissued on CD in the Original Jazz Classics in 1999) teams the likable cornetist with either Jim Hall or Kenny Burrell on guitar and the Junior Mance Trio (which consists of pianist Mance, bassist Bob Cranshaw and drummer Mickey Roker). Nat wrote all eight selections and, even though none would catch on (a la "Work Song"), several of the numbers are quite memorable and are deserving of revival. "Loneliness" sounds properly desolate, "Roses for Your Pillow" is a superior ballad and most of the other songs are filled with joy, including "El Chico," "Half-Time" and "Broadway Lady." A fine obscurity recorded at a time when Nat was one of the stars of his brother Cannonball Adderley's Sextet.
https://www.allmusic.com/album/little-big-horn-mw0000047755

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Reseña
por Scott Yanow
Este conjunto menos conocido de Nat Adderley (reeditado en CD en Original Jazz Classics en 1999) reúne al simpático cornetista con Jim Hall o Kenny Burrell a la guitarra y el Junior Mance Trio (formado por el pianista Mance, el bajista Bob Cranshaw y el batería Mickey Roker). Nat escribió las ocho selecciones y, aunque ninguna se puso de moda (como "Work Song"), varios de los números son bastante memorables y merecen ser revividos. "Loneliness" suena adecuadamente desolada, "Roses for Your Pillow" es una balada superior y la mayoría de las otras canciones están llenas de alegría, incluyendo "El Chico", "Half-Time" y "Broadway Lady". Una fina oscuridad grabada en una época en la que Nat era una de las estrellas del Sexteto de su hermano Cannonball Adderley.
https://www.allmusic.com/album/little-big-horn-mw0000047755

VA • From Jamaica With Jazz

 

 

www.ververecords.com ...

Junior Mance • Harlem Lullaby

Nota de egroj: En mi humilde opinion disiento con Scott Yanow, puede o no gustar el disco, pero opino que Mance quiere experimentar, como era la tendencia de aquel entonces, con nuevos sonidos y estructuras. Un disco que hay que escuchar desde la perpectiva de finales de la decada del 60.

Reseña de Scott Yanow
La mayoría de los discos del pianista Junior Mance merecen la pena, pero este oscuro álbum de Atlantic fue un poco fallido. Uno de los problemas es que en tres de las ocho canciones, Mance cambia al clavicordio, lo que no funciona demasiado bien. Por lo demás, el material, que incluye cinco originales de Mance, está orientado al blues pero es bastante rutinario y nadie suena tan inspirado. A Mance le acompañan Gene Taylor o Bob Cunningham al bajo y Ray Lucas, Alan Dawson o Bobby Thompson a la batería. Hay algunos buenos momentos (incluido el corte que da título al disco) en este álbum.

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Egroj note: In my humble opinion I disagree with Scott Yanow, may or may not like the album, but I think that Mance wants to experience, as was the trend of the time, with new sounds and structures. An album you have to listen from the perspective of the late 60s.

Review by Scott Yanow
Most records by pianist Junior Mance are well worth getting, but this obscure Atlantic album was a bit of a misfire. One of the problems is that on three of the eight songs, Mance switches to harpsichord, which doesn't work too well. Otherwise, the material, which includes five Mance originals, is blues-oriented but fairly routine and no one sounds all that inspired. Mance is joined by either Gene Taylor or Bob Cunningham on bass and Ray Lucas, Alan Dawson or Bobby Thompson on drums. There are some good moments (including the title cut) to this album.