Sonny Fortune-Billy Harper-Stanley Cowell-Reggie Workman-Billy Hart • Great Friends

 

Al Cohn • The Brothers!

 

Review
by Scott Yanow
Lester Young's influence on younger tenor players was at its height in the early-to-mid-'50s. This enjoyable session matches together the three tenors of Al Cohn, Bill Perkins and Richie Kamuca but good luck telling them apart! Backed by pianist Hank Jones, either Barry Galbraith or Jimmy Raney (who used the pseudonym on this date of Sam Beethoven) on guitar, bassist John Beal and drummer Chuck Flores, the tenors play concise versions of originals by Cohn, Perkins, Nat Pierce, Bill Potts and Bob Brookmeyer in addition to the lone standard "Blue Skies." The music is fun and swinging if not all that original or distinctive. [The disc was issued by Mosaic in 2006 with the addition of four bonus tracks.]
https://www.allmusic.com/album/the-brothers%21-mw0000699291

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Reseña
por Scott Yanow
La influencia de Lester Young en los tenores más jóvenes estaba en su apogeo a principios y mediados de los 50. Esta agradable sesión reúne a los tres tenores Al Cohn, Bill Perkins y Richie Kamuca, ¡pero buena suerte para distinguirlos! Respaldados por el pianista Hank Jones, Barry Galbraith o Jimmy Raney (que utilizó el seudónimo en esta fecha de Sam Beethoven) a la guitarra, el bajista John Beal y el batería Chuck Flores, los tenores tocan versiones concisas de originales de Cohn, Perkins, Nat Pierce, Bill Potts y Bob Brookmeyer, además del único estándar "Blue Skies". La música es divertida y con mucho swing, aunque no sea tan original o distintiva. [El disco fue publicado por Mosaic en 2006 con la adición de cuatro temas extra].
https://www.allmusic.com/album/the-brothers%21-mw0000699291

Bill Evans • You Must Believe in Spring

 

Evans was born in Plainfield, New Jersey and attended Southeastern Louisiana University. After a period in the Army, he returned to New York in 1955 and began working and recording with Tony Scott and George Russell. His subtly swinging, lucidly constructed solos with these leaders quickly attracted attention, and provided Evans with an opportunity to begin recording under his own name; but he was modest regarding his gifts, and for a time was reluctant to push himself into the limelight. All this changed after he spent several months during 1958 in Miles Davis's band, where he played alongside John Coltrane and Cannonball Adderley, and became a central figure in Davis's shift to modal improvisation.

The period with Davis allowed Evans to organize his own trio, which featured bassist Scott LaFaro and drummer Paul Motian by the end of 1959. These three players developed a new and more interactive approach to trio playing, one in which all instruments carried melodic responsibilities and functioned as equal voices. LaFaro's tragic death in a July 1961 highway accident ended the existence of this seminal unit; but not before it had recorded four albums, two in the studio and two at a Village Vanguard performance shortly before the bassist's death, that influenced several generations of pianists, bassists, and drummers.

While Evans excelled in even more intimate playing situations—he made memorable duet music with guitarist Jim Hall, singer Tony Bennett, and bassist Eddie Gomez, and on more than one occasion created fascinating studio recitals of multi-tracked piano—for the remaining two decades of his life, he continued to work in the trio format he had established with LaFaro and Motian. Personnel rarely changed in the Evans trio (Gomez was a member from 1966-1977, while drummers Marty Morell and Eliot Zigmund performed in the trio alongside Evans and Gomez from 1968-1974 and 1975-1977, respectively), and the unit's repertoire slowly grew to include evocative new originals and worthy standards, as well as the tunes that led to Evans's initial fame.

Despite this consistency of format and material, Evans remained uncommonly inspired, able to reach stunning emotional depths with a quiet lucidity that was unmatched. His lyrical melodic inventions, intricate phrasing, complex voicings, and beautiful touch remain as unmistakable influences on pianists more than 40 years after his death.
https://billevansofficial.com/about/

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Evans nació en Plainfield, Nueva Jersey, y estudió en la Southeastern Louisiana University. Tras un periodo en el ejército, regresó a Nueva York en 1955 y empezó a trabajar y grabar con Tony Scott y George Russell. Sus solos sutilmente oscilantes y lúcidamente construidos con estos líderes llamaron rápidamente la atención, y proporcionaron a Evans la oportunidad de empezar a grabar con su propio nombre; pero era modesto en cuanto a sus dotes, y durante un tiempo se mostró reacio a saltar a la palestra. Todo esto cambió después de pasar varios meses de 1958 en la banda de Miles Davis, donde tocó junto a John Coltrane y Cannonball Adderley, y se convirtió en una figura central en el cambio de Davis hacia la improvisación modal.

El periodo con Davis permitió a Evans organizar su propio trío, que a finales de 1959 contaba con el bajista Scott LaFaro y el batería Paul Motian. Estos tres músicos desarrollaron un enfoque nuevo y más interactivo para tocar en trío, en el que todos los instrumentos tenían responsabilidades melódicas y funcionaban como voces iguales. La trágica muerte de LaFaro en un accidente de carretera en julio de 1961 puso fin a la existencia de esta unidad seminal; pero no antes de que hubiera grabado cuatro álbumes, dos en el estudio y dos en una actuación en el Village Vanguard poco antes de la muerte del bajista, que influyeron en varias generaciones de pianistas, bajistas y bateristas.

Aunque Evans destacó en situaciones de interpretación aún más íntimas -hizo memorables duetos con el guitarrista Jim Hall, el cantante Tony Bennett y el bajista Eddie Gómez, y en más de una ocasión creó fascinantes recitales en estudio de piano multipista-, durante las dos décadas que le quedaban de vida siguió trabajando en el formato de trío que había establecido con LaFaro y Motian. El personal del trío de Evans rara vez cambió (Gómez fue miembro de 1966 a 1977, mientras que los bateristas Marty Morell y Eliot Zigmund tocaron en el trío junto a Evans y Gómez de 1968 a 1974 y de 1975 a 1977, respectivamente), y el repertorio de la unidad creció lentamente para incluir nuevos originales evocadores y estándares dignos, así como las melodías que llevaron a la fama inicial de Evans.

A pesar de esta consistencia de formato y material, Evans seguía estando extraordinariamente inspirado, capaz de alcanzar profundidades emocionales asombrosas con una lucidez silenciosa que no tenía parangón. Sus líricas invenciones melódicas, su intrincado fraseo, sus complejos voicings y su hermoso toque siguen siendo influencias inconfundibles para los pianistas más de 40 años después de su muerte.
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Bing Crosby & Louis Armstrong • Havin' Fun

 

Al Hirt • Al Hirt Plays Bert Kaempfert

 

A phenomenally proficient trumpet player, Al Hirt was one of the most successful instrumental recording artists of the 1960s. Perhaps modeling his genial stage personality after Louis Armstrong, Hirt was a tremendously popular performer, easily capturing the center of attention with his massive 300-pound, 6-foot-2 frame (among his nicknames were “Jumbo” and “The Round Mound of Sound”) but holding it with his joyful spirit and jaw-dropping virtuosity.

Although Hirt came out of New Orleans leading a Dixieland band, he never let himself get stereotyped in that narrow genre. He was honest about his choice of style, never calling what he played “jazz”: “I'm a pop commercial musician,” he once said. “and I've got a successful format. I'm not a jazz trumpet and never was a jazz trumpet.”

Hirt's father bought him his first trumpet from a pawnshop, and by the time he was in high school, he was sounding post time at the local race track. Hirt was always very serious about perfecting his mastery of his instrument, and he studied at the Cincinnati Conservatory for three years in the early 1940s. After playing with Army bands during World War Two, he worked with Tommy Dorsey, Ray McKinley, and Benny Goodman's big bands--usually as first chair, but not a soloist--until he returned to New Orleans and formed his own band in 1950.

For most of the 1950s, he was comfortable staying close to home--musically and professionally. Raising eight kids with his first wife probably had something to do with it, but Hirt was always happy to have a strong association with the music and lifestyle of New Orleans. He often performed with clarinet player Pete Fountain, who achieved nearly the same level of national fame, and the two remained close friends and colleagues until Hirt's death. Hirt recorded a number of mainstream Dixieland albums for Audio Fidelity and others during this period.

In 1960, Hirt's group, the Dixieland Six, played Las Vegas and was spotted by Dinah Shore, who booked them onto her television variety show. Television and Hirt took to each other, and RCA quickly signed him and began promoting him as a major artist. To get and keep a national audience, Hirt had to loosen his ties to Dixieland. Virtually none of his RCA albums have a strong Dixieland flavor, most of them featuring large studio ensembles and arrangements by veterans like Marty Paich, Billy May, and Marty Gold. His albums “Honey in the Horn,” and “Cotton Candy,” were both gold records, and he was named “Top Instrumentalist” by Billboard magazine in 1965. His recording of “Java,” won him a Grammy.

Hirt never turned his back on his roots, though, and at the same time he was coming to fame, he opened his own night club in the French Quarter and appeared there regularly. Although he toured steadily well into the 1980s, often in pops concerts with symphony orchestras, he tried to work his schedules to bring him back home quickly. His 1965 album with Arthur Fiedler and the Boston Pops was among his best-selling records, and Hirt enjoyed playing classical showpieces as well as popular numbers.

Hirt's weight and lifestyle eventually took its toll on his body, and in later years, he had to perform in a wheelchair. He closed his club in 1983, fed up with the deterioration of the French Quarter, but he continued to play there, mostly at Fountain's club, until a few months before his death in 1999.

Al Hirt recorded more than 50 albums in his career, and played for millions of people around the world including Pope John Paul II and 8 U.S. Presidents. He earned 4 gold albums and 1 platinum, and a Lifetime Achievement Award from the Charlie “Bird” Parker Memorial Foundation.

He is a legend in his native New Orleans, where there is a live sized statue of him in the French Quarter.

Source: James Nadal

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Un trompetista fenomenal, Al Hirt fue uno de los artistas instrumentales más exitosos de la década de 1960. Tal vez modelando su genial personalidad escénica después de Louis Armstrong, Hirt fue un artista tremendamente popular, capturando fácilmente el centro de atención con su enorme marco de 300 libras y 2 pies (entre sus apodos se encontraban "Jumbo" y "The Round Mound of Sound"), pero sosteniéndolo con su espíritu alegre y su virtuosismo asombroso.

Aunque Hirt salió de Nueva Orleans liderando una banda de Dixieland, nunca se dejó estereotipar por ese género tan estrecho. Fue honesto en su elección de estilo, sin llamar nunca "jazz" a lo que tocaba: "Soy un músico comercial de pop", dijo una vez. "y tengo un formato exitoso. No soy una trompeta de jazz y nunca fui una trompeta de jazz".

El padre de Hirt le compró su primera trompeta en una casa de empeño, y para cuando estaba en la escuela secundaria, ya estaba sonando en el hipódromo local. Hirt siempre se tomó muy en serio el perfeccionamiento de su instrumento, y estudió en el Conservatorio de Cincinnati durante tres años a principios de la década de 1940. Después de tocar con bandas del Army durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó con las grandes bandas de Tommy Dorsey, Ray McKinley y Benny Goodman, generalmente como primer presidente, pero no como solista, hasta que regresó a Nueva Orleáns y formó su propia banda en 1950.

Durante la mayor parte de la década de 1950, se sintió cómodo estando cerca de casa, musical y profesionalmente. Criar ocho hijos con su primera esposa probablemente tuvo algo que ver con ello, pero Hirt siempre estuvo feliz de tener una fuerte asociación con la música y el estilo de vida de Nueva Orleáns. A menudo tocaba con el clarinetista Pete Fountain, que alcanzó casi el mismo nivel de fama nacional, y los dos permanecieron como amigos y colegas hasta la muerte de Hirt. Hirt grabó varios álbumes de Dixieland para Audio Fidelity y otros durante este periodo.

En 1960, el grupo de Hirt, los Seis de Dixieland, jugó en Las Vegas y fue visto por Dinah Shore, que lo contrató en su programa de variedades de televisión. La televisión y Hirt se llevaron bien, y la RCA rápidamente lo contrató y comenzó a promocionarlo como un artista importante. Para conseguir y mantener una audiencia nacional, Hirt tuvo que aflojar sus lazos con Dixieland. Prácticamente ninguno de sus álbumes de RCA tiene un fuerte sabor a Dixieland, la mayoría de ellos con grandes conjuntos de estudio y arreglos de veteranos como Marty Paich, Billy May y Marty Gold. Sus álbumes "Honey in the Horn" y "Cotton Candy" fueron discos de oro, y fue nombrado "Top Instrumentalist" por la revista Billboard en 1965. Su grabación de "Java" le valió un Grammy.

Sin embargo, Hirt nunca le dio la espalda a sus raíces, y al mismo tiempo que llegaba a la fama, abrió su propio club nocturno en el Barrio Francés y apareció allí regularmente. Aunque hizo giras constantes hasta bien entrada la década de 1980, a menudo en conciertos de música pop con orquestas sinfónicas, trató de trabajar sus horarios para traerlo de vuelta a casa rápidamente. Su álbum de 1965 con Arthur Fiedler y los Boston Pops fue uno de sus discos más vendidos, y Hirt disfrutó tocando obras de teatro clásicas así como números populares.

El peso y el estilo de vida de Hirt finalmente afectaron su cuerpo, y en años posteriores, tuvo que actuar en una silla de ruedas. Cerró su club en 1983, harto del deterioro del French Quarter, pero siguió tocando allí, sobre todo en el club de Fountain, hasta unos meses antes de su muerte en 1999.

Al Hirt grabó más de 50 álbumes en su carrera, y tocó para millones de personas en todo el mundo, incluyendo al Papa Juan Pablo II y a 8 presidentes de los Estados Unidos. Obtuvo 4 discos de oro y 1 de platino, y un premio a la Trayectoria de la Fundación Charlie "Bird" Parker Memorial.

Es una leyenda en su Nueva Orleans natal, donde hay una estatua de él en el Barrio Francés.

Fuente: James Nadal

Andrew Hill • Lift Every Voice

 

Reissue. Features the high-fidelity SHM-CD format (compatible with standard CD player) and the latest 24bit 192kHz remastering. A rare and beautiful Andrew Hill session, and one of the classic Blue Note entries into the "jazz and voices" sound that the label pioneered with Donald Byrd and Eddie Gale. Hill leads a core jazz group that includes Woody Shaw on trumpet, Carlos Garnett on tenor, Richard Davis on bass, and Freddie Waits on drums – and the group is backed by a vocal ensemble with a very spiritual vibe – a chorus who soar out soulfully, and really augment the jazz instrumentation of the album! The sound is a lot more hip than the Donald Byrd & Voices albums, and the playing of the core jazz group is very very soulful – along the lines of Hill's Grass Roots album, which was also from the same period. The record's similar to the Max Roach/Billy Harper vocal work around the same time, and titles include "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies", and "Love Chant". CD reissue features 6 unissued bonus tracks, including "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit", and "Such It Is".

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Reedición. Presenta el formato SHM-CD de alta fidelidad (compatible con un reproductor de CD estándar) y la última remasterización de 24 bits y 192 kHz. Una rara y hermosa sesión de Andrew Hill, y una de las entradas clásicas de Blue Note en el sonido de "jazz y voces" en el que el sello fue pionero con Donald Byrd y Eddie Gale. Hill lidera un grupo de jazz que incluye a Woody Shaw en la trompeta, Carlos Garnett en el tenor, Richard Davis en el bajo y Freddie Waits en la batería, y el grupo está respaldado por un conjunto vocal con un ambiente muy espiritual, un coro que se eleva con alma y realmente aumenta la instrumentación de jazz del álbum. El sonido es mucho más moderno que el de los álbumes de Donald Byrd & Voices, y la forma de tocar del grupo principal de jazz es muy, muy conmovedora, en la línea del álbum Grass Roots de Hill, que también era de la misma época. El disco es similar al trabajo vocal de Max Roach/Billy Harper de la misma época, y los títulos incluyen "Ghetto Lights", "Hey Hey", "Two Lullabies" y "Love Chant". La reedición del CD incluye 6 temas extra inéditos, como "Blue Spark", "Drew's Tune", "Mother Mercy", "Natural Spirit" y "Such It Is".


Colaborador / Contributor:  Pierre

Woody Herman • Woody's Winners

 

Michel Hausser Octet • Up in Hamburg

Michel Hausser is a French vibraphonist and jazz accordionist. He played bebop with lines directly inherited from those of Milt Jackson.

Learned piano by his father, he became a professional musician in 1947 in Strasbourg where he was appointed professor at the Academy Accordion Oscar Dhiebolt. In 1949 he formed his first band with which he toured Europe and North Africa. Three years later he moved to the Latin Quarter in Paris, the musical heart of the capital. He gives concerts with violinist Stéphane Grappelli and jazz club The cat fishing. In 1954, he met Milt Jackson he sees as the greatest American vibraphonist.

In 1958, Michel Hausser is designated by critics 1st European vibraphonist. The author considers the Bill Coleman with Geo Daly and Dany Doriz as one of the top three French vibraphone this period and whose style is inspired by that of Milt Jackson1. He made his first recordings with American stars. In 1967, he became Chairman of the Branch Trade Union of Musicians Jazz and Variety France.

In 1969, Michel Hausser returns in Alsace. It creates the Academy Accordion Michel Hausser in Munster and Colmar. It is final member of the SACEM with over 200 works reported, including several film scores.

He runs for 20 years with his Jazz Trio Werner Brum on bass and Bernard Hertrich on guitar and Michel Hausser Regio Jazz Group, a septet made up of soloists French, German and Swiss.

Michel Hausser created in 1988 the Munster Jazz Festival for which he was artistic director until 2008.

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Michel Hausser es un vibrafonista francés y acordeonista de jazz. Jugó al bebop con líneas heredadas directamente de las de Milt Jackson.

Aprendió piano con su padre y se convirtió en músico profesional en 1947 en Estrasburgo, donde fue nombrado profesor de la Academia de Acordeón Oscar Dhiebolt. En 1949 formó su primera banda con la que realizó giras por Europa y el norte de África. Tres años más tarde se trasladó al Barrio Latino de París, el corazón musical de la capital. Da conciertos con el violinista Stéphane Grappelli y el club de jazz The cat fishing. En 1954, conoció a Milt Jackson, al que considera el mejor vibrafonista estadounidense.

En 1958, Michel Hausser es designado por los críticos del primer vibrafonista europeo. El autor considera al Bill Coleman con Geo Daly y Dany Doriz como uno de los tres mejores vibrafones franceses de esta época y cuyo estilo se inspira en el de Milt Jackson1. Hizo sus primeras grabaciones con estrellas americanas. En 1967, se convirtió en Presidente del Sindicato de Músicos de Jazz y Variedad de Francia.

En 1969, Michel Hausser regresa a Alsacia. Crea la Academia de Acordeón Michel Hausser en Munster y Colmar. Es miembro final de la SACEM con más de 200 trabajos reportados, incluyendo varias partituras de películas.

Dirige durante 20 años con su Trío de Jazz Werner Brum al bajo y Bernard Hertrich a la guitarra y Michel Hausser Regio Jazz Group, un septeto formado por solistas franceses, alemanes y suizos.

Michel Hausser creó en 1988 el Munster Jazz Festival del que fue director artístico hasta 2008.

Joe Farnsworth • In What Direction Are You Headed

 

One of the most highly regarded jazz drummers on the scene today, Joe is known for his blazing speed, precision, musical, and melodic playing.

Born in South Hadley, Massachusetts in 1968, Joe grew up in a musical family; his father was a music educator and he has four older brothers, two of whom became professional musicians.  

He studied with Alan Dawson and Arthur Taylor prior to attending and graduating from William Patterson College in New Jersey in 1994 where he began playing with saxophonist, Eric Alexander and guitarist, Peter Bernstein.

Upon moving to New York City, he led the weekend jazz combos at Augie’s (now Smoke Jazz & Supper Club). He performed with Junior Cook, Cecil Payne, John Ore,  Big John Patton, Harold Mabern, Eddie Henderson, John Jenkins and his brothers, John and James.

Joseph’s career includes recording over 100 CD’s as leader and side-man, jazz festivals and world tours with Pharaoh Sanders, Horace Silver, Harold Mabern, McCoy Tyner, Cedar Walton, Diana Krall, Benny Golson, George Coleman, Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Green, Barry Harris, Curtis Fuller to name a few.

He is currently the drummer for McCoy Tyner and a member of the Pharaoh Sanders Quartet, Harold Mabern Trio, and is a founding member of the renowned One for All Quintet.

Recordings as leader include:  Drumspeak, Beautiful Friendship feat. Cedar Walton and Curtis Fuller, Prime Time, Super Prime Time and Make Someone Happy.
https://www.joefarnsworthdrums.com/bio

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Joe, uno de los bateristas de jazz más respetados de la escena actual, es conocido por su increíble velocidad, precisión, interpretación musical y melódica.

Nacido en South Hadley, Massachusetts, en 1968, Joe creció en una familia musical; su padre era educador musical y tiene cuatro hermanos mayores, dos de los cuales se convirtieron en músicos profesionales.  

Estudió con Alan Dawson y Arthur Taylor antes de asistir y graduarse en William Patterson College en Nueva Jersey en 1994, donde comenzó a tocar con el saxofonista Eric Alexander y el guitarrista Peter Bernstein.

Al mudarse a la ciudad de Nueva York, dirigió los combos de jazz de fin de semana en Augie's (ahora Smoke Jazz & Supper Club). Actuó con Junior Cook, Cecil Payne, John Ore, Big John Patton, Harold Mabern, Eddie Henderson, John Jenkins y sus hermanos, John y James.

La carrera de Joseph incluye la grabación de más de 100 CD como líder y acompañante, festivales de jazz y giras mundiales con Pharaoh Sanders, Horace Silver, Harold Mabern, McCoy Tyner, Cedar Walton, Diana Krall, Benny Golson, George Coleman, Johnny Griffin, Lou Donaldson, Benny Green, Barry Harris, Curtis Fuller, por nombrar algunos.

Actualmente es el baterista de McCoy Tyner y miembro del Cuarteto Pharaoh Sanders, Harold Mabern Trio, y es miembro fundador del renombrado Quinteto One for All.

Las grabaciones como líder incluyen: Drumspeak, Beautiful Friendship feat. Cedar Walton and Curtis Fuller, Prime Time, Super Prime Time and Make Someone Happy.
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Wardell Gray • Central Avenue

 

Biography by Scott Yanow
Wardell Gray was one of the top tenors to emerge during the bop era (along with Dexter Gordon and Teddy Edwards). His Lester Young-influenced tone made his playing attractive to swing musicians as well as younger modernists. He grew up in Detroit, playing in local bands as a teenager. Gray was with Earl Hines during 1943-1945, recording with him (1945). That same year, he moved to Los Angeles and he became a major part of the Central Avenue scene, having nightly tenor battles with Dexter Gordon; their recording of "The Chase" was popular. Gray recorded with Charlie Parker in 1947 and yet his style appealed to Benny Goodman, with whom he played the following year. Among his own sessions, his solos on "Twisted" (1949) and "Farmer's Market" (1952) were turned into memorable vocalese by Annie Ross a few years later. Back in New York, Gray played and recorded with Tadd Dameron and the Count Basie septet and big band (1950-1951); "Little Pony," his showcase with the Basie orchestra, is a classic. Gray was featured on some Norman Granz jam sessions ("Apple Jam" has a particularly heated solo) and recorded with Louie Bellson (1952-1953). Ironically, Wardell Gray, who in the late '40s was an inspiration to some younger musicians due to his opposition to drug use, himself became involved in drugs and died mysteriously in Las Vegas on May 25, 1955, when he was just 34.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

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Biografía de Scott Yanow
Wardell Gray fue uno de los mejores tenores que surgieron durante la era del bop (junto con Dexter Gordon y Teddy Edwards). Su tono, influenciado por Lester Young, hizo que su forma de tocar resultara atractiva tanto para los músicos de swing como para los jóvenes modernistas. Creció en Detroit y tocó en bandas locales durante su adolescencia. Gray estuvo con Earl Hines durante 1943-1945, grabando con él (1945). Ese mismo año se trasladó a Los Ángeles y se convirtió en una parte importante de la escena de Central Avenue, manteniendo batallas nocturnas de tenor con Dexter Gordon; su grabación de "The Chase" fue muy popular. Gray grabó con Charlie Parker en 1947 y, sin embargo, su estilo atrajo a Benny Goodman, con quien tocó al año siguiente. Entre sus propias sesiones, sus solos en "Twisted" (1949) y "Farmer's Market" (1952) fueron convertidos en vocales memorables por Annie Ross unos años más tarde. De vuelta a Nueva York, Gray tocó y grabó con Tadd Dameron y el septeto y la big band de Count Basie (1950-1951); "Little Pony", su presentación con la orquesta de Basie, es un clásico. Gray participó en algunas jam sessions de Norman Granz ("Apple Jam" tiene un solo especialmente acalorado) y grabó con Louie Bellson (1952-1953). Irónicamente, Wardell Gray, que a finales de los años 40 sirvió de inspiración a algunos músicos más jóvenes por su oposición al consumo de drogas, se metió él mismo en las drogas y murió misteriosamente en Las Vegas el 25 de mayo de 1955, cuando sólo tenía 34 años.
https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography

Sonny Rhodes • I Don't Want My Blues Colored Bright

 

Artist Biography by Richard Skelly

Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert King and Albert Collins.

Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in his playing today. Other guitarists he credits as being influences include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.

In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color jokes in between the country and blues records he would spin for the entertainment of the sailors.

Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass. He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label. Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European market to him, and he was recorded by several European labels, but without much success. His European recordings include I Don't Want My Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again, Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just Blues, on his own Rhodesway label.

Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s, when he began recording first for the Ichiban label and later for Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991) and Living Too Close to the Edge (1992).

More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced 1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake, for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe. They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter, and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.

Note: Sonny passed away on 14 December 2021.

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Biografía del artista por Richard Skelly

El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.

Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8 años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente. Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes, Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras graduarse en el instituto.

En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.

Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins. Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just Blues, en su propio sello Rhodesway.

Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).

Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido altas calificaciones de los críticos de blues. 

Nota: Sonny falleció el 14 de diciembre de 2021.

Jackie McLean • Swing, Swang, Swingin'

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

Victor Feldman • The Young Vic

 

Victor Feldman was born in Edgware, Middlesex in 1934.

He caused a sensation as a musical prodigy when he was “discovered” at age 7. His family were all musical and his father founded the Feldman Swing Club in London in 1942 to showcase his talented son. His first professional appearance was playing drums at No 1 Rhythm Club as a member of the Feldman Trio with brothers Robert on clarinet and Monty on piano accordion. In 1944 he was featured at a concert with Glenn Miller's AAAF band, featured inevitably as “Kid Krupa”. Carlo Krahmer encouraged Feldman to play the vibes which he did first in the Ralph Sharon Sextet and later in the Roy Fox band. He worked in India in 1952 and 1953 in a band led by pianist Eddie Carroll. His vibraphone and conga drum playing were notable, but it was as a pianist that he became best known.

Before leaving the U.K. in 1955 to work in the U.S., Feldman recorded with Ronnie Scott's orchestra and quintet from 1954 to 1955, which also featured other important British jazz musicians such as Phil Seamen and Hank Shaw, among others. It was Scott who recommended that Feldman emigrate to the U.S., which he did in 1957. Once there, his first steady work was with the Woody Herman Herd. From there he went on to join Buddy DeFranco. He recorded with many different jazz artists, including Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley and Miles Davis, most notably on Davis' 1963 album Seven Steps to Heaven, the title tune being his own composition. The 5-CD Shelly Manne Black Hawk set, originally released on LP in September, 1959, is a good representation of Feldman's unmistakable driving “comping” behind the soloists, helping to define the session as a valuable hard bop genre element.

In 1957 Feldman settled in Los Angeles permanently and then specialized in lucrative session work for the US film and recording industry. He also branched out to work a variety of musicians outside of jazz, working with artists such as Frank Zappa in 1967, Steely Dan in the 1970s and Tom Waits and Joe Walsh in the 1980s. Feldman died at age 53, a year after the death of his wife, to whom he was completely devoted.

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Victor Feldman nació en Edgware, Middlesex en 1934.

Causó sensación como prodigio musical cuando fue "descubierto" a los 7 años. Su familia era toda musical y su padre fundó el Feldman Swing Club en Londres en 1942 para mostrar a su talentoso hijo. Su primera aparición profesional fue tocando la batería en el No 1 Rhythm Club como miembro del Feldman Trio con los hermanos Robert en el clarinete y Monty en el acordeón de piano. En 1944 fue presentado en un concierto con la banda AAAF de Glenn Miller, inevitablemente como "Kid Krupa". Carlo Krahmer animó a Feldman a tocar las vibraciones que hizo primero en el Sexteto de Ralph Sharon y luego en la banda de Roy Fox. Trabajó en la India en 1952 y 1953 en una banda dirigida por el pianista Eddie Carroll. Su vibráfono y su conga eran notables, pero fue como pianista que se hizo más conocido.

Antes de dejar el Reino Unido en 1955 para trabajar en los Estados Unidos, Feldman grabó con la orquesta y el quinteto de Ronnie Scott de 1954 a 1955, en el que también participaron otros importantes músicos británicos de jazz como Phil Seamen y Hank Shaw, entre otros. Fue Scott quien recomendó que Feldman emigrara a los Estados Unidos, lo cual hizo en 1957. Una vez allí, su primer trabajo estable fue con el Woody Herman Herd. A partir de ahí se unió a Buddy DeFranco. Grabó con muchos artistas de jazz diferentes, incluyendo a Benny Goodman, George Shearing, Julian "Cannonball" Adderley y Miles Davis, más notablemente en el álbum de 1963 de Davis Seven Steps to Heaven, cuya melodía titular es su propia composición. El set de 5 CD Shelly Manne Black Hawk, originalmente publicado en LP en septiembre de 1959, es una buena representación del inconfundible "comping" de Feldman detrás de los solistas, ayudando a definir la sesión como un valioso elemento del género hard bop.

En 1957 Feldman se estableció permanentemente en Los Ángeles y luego se especializó en lucrativas sesiones de trabajo para la industria cinematográfica y discográfica de los Estados Unidos. También se dedicó a trabajar con una variedad de músicos fuera del jazz, trabajando con artistas como Frank Zappa en 1967, Steely Dan en la década de 1970 y Tom Waits y Joe Walsh en la década de 1980. Feldman murió a la edad de 53 años, un año después de la muerte de su esposa, a quien estaba completamente dedicado.

 

 

victorfeldman.com ...

Victor Feldman • Modern Jazz Quartet EP 35

 

 

Victor Feldman es considerado uno de los más importantes músicos de jazz de Gran Bretaña. Nació el 7 de abril de 1934, y ya estaba en el escenario tocando la batería con la banda de Glenn Miller a la edad de seis años. Glenn Miller llama a Feldman "El mayor joven percusionista jamás creado".
Ya mayor entra en la escena británica del jazz alternándose entre batería, vibráfono y piano, siendo admirado por su versatilidad en la interpretación de dichos instrumentos.

En 1955 emigra a USA instalándose sin problemas en el circuito jazzístico de Los Ángeles, tocando con figuras tales como Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, e incluso diversificando su visión musical con talentos como Frank Zapp, Steely Dan, Tom Waits y Joe Walsh.

Más de un centenar de sus composiciones han sido grabadas, incluyendo los clásicos del jazz reconocible al instante "Seven Steps to Heaven" y "Joshua", hecha famosa por Miles Davis y grabado y tocado con otros artistas no nombrados en esta escueta bio.

Fallece en su casa, a la edad de 53 años, a raíz de un ataque de asma.

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Automatic translation: 

Victor Feldman is considered one of the most important jazz musicians of Great Britain. He was born on April 7, 1934, and was already on stage playing the drums with Glenn Miller's band at the age of six. Glenn Miller calls Feldman "The greatest young percussionist ever created."Already he enters the British jazz scene alternating between drums, vibraphone and piano, being admired for his versatility in the interpretation of these instruments.In 1955, he emigrated to the United States and settled in the Los Angeles Jazz circuit, playing with figures such as Woody Herman, Benny Goodman, Scout LaFaro, George Shearing, Cannonball Adderley, Miles Davis, and even diversifying his musical vision with talents such as Frank Zapp , Steely Dan, Tom Waits and Joe Walsh.More than a hundred of his compositions have been recorded, including the instantly recognizable jazz classics "Seven Steps to Heaven" and "Joshua", made famous by Miles Davis and recorded and played with other artists not named in this short bio.He died at home at the age of 53, following an asthma attack.

 

 

 

 

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Warren Barker & His Orchestra • Waltzing Down Broadway

Artist Biography by Bruce Eder
Warren Barker was born in Oakland, CA, and attended U.C.L.A. as a music major. His primary instrument was the saxophone, and he continued his studies in composition with Mario Castelnuevo-Tedesco and Henri Pensis during his early twenties and broke into the profession when he was hired by NBC as the chief arranger for the radio network's principal music showcase, The Railroad Hour. Barker was very busy during the late '50s and early '60s as an arranger and conductor of pop-instrumental music, some of which has re-emerged on CDs in recent years in various "Bachelor's Den"-theme compilations. He subsequently worked for Warner Bros., 20th Century-Fox, Columbia Pictures, and MGM as a composer, arranger, and conductor, principally for their television divisions. At the end of the 1950s, he served as musical director and conductor on the soundtrack album 77 Sunset Strip, one of the better pop-jazz releases to come out of television. Barker later contributed to the scoring, arranging, and conducting of more than 30 prime time television series, most notably (and successfully) the 1960s comedy series Bewitched. He won an Emmy Award in 1970 for his music for the offbeat James Thurber-inspired series My World and Welcome to It. His career in film has been more scattershot and interesting -- during the early '60s, he composed the music for the groundbreaking film Strange Lovers, which dealt with the then-tabu subject of homosexuality. At MGM in the mid-'60s, he also wrote the score for the low-budget movie Zebra in the Kitchen, which was marginally notable in rock circles for including a totally uncharacteristic recording by the Standells of the title song. And at Fox he was one of the arrangers who worked on the blockbuster musical Hello Dolly. He wrote song arrangements for Frank Sinatra and has also composed pieces for specific occasions, principally in the idiom of band music. He was still active at the outset of the 21st century, and his arrangements of various Broadway and film scores continue to sell.
https://www.allmusic.com/artist/warren-barker-mn0000194805/biography

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Biografía del artista por Bruce Eder
Warren Barker nació en Oakland, CA, y asistió a la U.C.L.A. como estudiante de música. Su instrumento principal fue el saxofón, y continuó sus estudios de composición con Mario Castelnuevo-Tedesco y Henri Pensis durante sus veinte años de edad e irrumpió en la profesión cuando fue contratado por la NBC como arreglista jefe de la principal muestra de música de la cadena de radio, The Railroad Hour. Barker estuvo muy ocupado a finales de los años 50 y principios de los 60 como arreglador y director de música instrumental pop, algunos de los cuales han resurgido en los últimos años en varios recopilatorios temáticos de "Bachelor's Den". Posteriormente trabajó para Warner Bros., 20th Century-Fox, Columbia Pictures y MGM como compositor, arreglista y director, principalmente para sus divisiones de televisión. A finales de los años 50, se desempeñó como director musical y director de la banda sonora del álbum 77 Sunset Strip, uno de los mejores lanzamientos de pop-jazz que ha salido de la televisión. Más tarde, Barker contribuyó a la composición, arreglo y dirección de más de 30 series de televisión en horario de máxima audiencia, entre las que destaca (y con éxito) la serie de comedias de los años sesenta Bewitched. Ganó un premio Emmy en 1970 por su música para la extraordinaria serie inspirada en James Thurber My World and Welcome to It. Su carrera en el cine ha sido más dispersa e interesante: a principios de los años 60, compuso la música para la innovadora película Strange Lovers, que trataba sobre el tema de la homosexualidad, entonces tabú. En MGM a mediados de los 60, también escribió la partitura para la película de bajo presupuesto Zebra in the Kitchen, que fue marginalmente notable en círculos de rock por incluir una grabación totalmente inusual de la canción del título por parte de los Standells. Y en Fox fue uno de los arreglistas que trabajó en el exitoso musical Hello Dolly. Escribió arreglos de canciones para Frank Sinatra y también ha compuesto piezas para ocasiones específicas, principalmente en el idioma de la música de la banda. Todavía estaba activo a principios del siglo XXI, y sus arreglos de varias partituras de Broadway y cine siguen vendiéndose.
https://www.allmusic.com/artist/warren-barker-mn0000194805/biography

Virgil Gonsalves Sextet and Big Band • Jazz in the Bay Area 1954-1959

 

He was born on September 5, 1931 in Monterey, where he grew up and attended elementary and high school. He later enrolled at the San Francisco State University. After graduating in 1952, he began touring with the bands of Alvino Rey, Jack Fina and Tex Beneke. Between seasons, Virgil introduced an artfully arranged sextet at concerts and club dates, contributing to the development of a nascent modern jazz scene in San Francisco, notably represented by the Dave Brubeck Trio.

Brubeck’s trio was the hottest musical thing in town, since they began playing at Ciro’s and at the Black Hawk in 1950. Disc jockey ace Jimmy Lyons, the local high priest of modern jazz, in his “Lyons Busy” KNBC radio show, said of Brubeck’s trio that “they’re the finest exponents of modern music today...”

The newspaper coverage of jazz was more extensive in the Bay Area than in any other metropolitan area in the U.S. The San Francisco Chronicle inaugurated its full coverage of jazz and popular music in 1950 with The Rhythm Section by Ralph Gleason in its Sunday magazine.

Beginning in 1954, the night life in San Francisco came out of the lethargic state in which it had been for awhile, and jazz—Dixieland in particular—had a strong resurgence. In fact, jazz in the city was big at the time, and the street scene boasted record-breaking clubs like the Black Hawk, Downbeat, Hangover, Fack’s, Tin Angel, and Macumba. For those who “digged” modern jazz, they had the opportunity to listen throughout the year to the bands and combos of such important touring artists as Woody Herman, Flip Phillips, Shorty Rogers, Louis Armstrong, Art Pepper, Max Roach, Earl Hines, George Shearing, and other nationally renowned bandleaders. Also local groups with different sounds and rhythms were beginning to make a name for themselves in the Bay area, such as Bob Scobey and Turk Murphy and their Dixieland bands; Cal Tjader’s Afro-Cubans and, of course, Dave Brubeck’s trio, whose modern
jazz concerts grossed more in Northern California than anywhere else.

In June 1954 some 400 students crowded the Tamalpais High School auditorium to dance to the beat of the Tam Dance Band. The featured attraction of the date was the appearance of the Virgil Gonsalves Sextet whose increasingly frequent and successful modern jazz performances were beginning to attract the attention of concert promoters and owners of the best clubs.

The work that the Virgil Gonsalves sextet had been developing particularly impressed Monterey local disc jockey Johnny Adams. In his eagerness to spread the word, Adams sent Gonsalves with tapes to a few jazz record labels, including the local Fantasy, as well as others in Los Angeles, such as Pacific Jazz and Nocturne Records.

After several weeks and a couple of meetings in L.A., Gonsalves finally struck a deal with Harry Babasin, producer and bassist for the newly formed and up-and-coming Nocturne label —but on one condition: for the recording session, instead of employing Gonsalves’s usual San Francisco bandmates, Babasin would recruit a group of better known Los Angeles based jazz musicians in order to include the album in their “Jazz in Hollywood Series.”

Babasin arranged a recording session at Western Recorders for September 29, 1954. With engineer John Neal on board and producer Babasin on bass, the sextet was rounded out by leader Gonsalves on baritone, the former Gene Krupa tenor saxophonist Buddy Wise, valve trombonist Bob Enevoldsen, pianist Lou Levy, and drummer Larry Bunker. The result was an excellent 10-inch album released in February 1955. In his Down Beat review, Nat Hentoff said: “Date is very close to five stars. Gonsalves blows with a strong beat and in clean, unhackneyed solo patterns. (Listen to his pulsative sureness and sensitive power in Yesterdays, his featured vehicle here). Elsewhere, the blowing is fine and the ensemble interplay is particularly well conceived.”

Virgil’s sextet first appeared at the Black Hawk in March 1955, already a nationally known jazz club, which from 1954 was sometimes referred to as the Jazz Corner of the West and was located at 200 Hyde St. The sextet began a series of challenging showcases, sharing the stage with the Terry Gibbs Quartet in a daily sensational “Battle of the Bands” that lasted two weeks. Gonsalves’ performances drew more fans every day, and when Gibbs left in April, the sextet remained employed as the house band. In June it was competing in a new battle, this time with Buddy DeFranco’s quartet. Soon after, new discovery jazz vocalist Chris Connor, on her first West Coast tour, was booked to perform at the Black Hawk. She drew a huge crowd singing with strong support from Virgil’s Sextet from July 26 until August 8. Something of note happened during a Sunday afternoon jam session at the club. Virgil invited his State College friend, the 19-year-old singer Johnny Mathis, to sit in. Helen Noga, the tireless and energetic co-owner of the club, was so impressed with Mathis that she decided to become his manager. In 1960, after Mathis got his first hit single “Wonderful, Wonderful,” Virgil said, maybe unfairly: “Mathis has prostituted his great talent in jazz to make it commercially. He could have been a great jazz singer, but he’s making big money as a pops singer, and you can’t arguewith that. That’s the way they judge success.”

The Black Hawk continued to bring in artists from the East Coast as a policy. Thus, after the success of Chris Connor, a new voice arrived on August 23. Carmen McRae who was accompanied by the Virgil Gonsalves sextet for a week, enjoyed a great reception by an enthusiastic audience. The club was packed.

Gonsalves’ stay at the Black Hawk lasted for six months, the longest period of time an artist appeared at the club in its history.

Charles “Chinky” Naditz, was a local businessman, known in the music scene for being the one who started the craze for small jazz clubs in the Bay Area with Say When at 952 Bush St back in 1947. In September 1955, Naditz opened a new club called Jumptown, dedicated to rock ‘n’ roll, but only a few weeks later he changed his mind and decided to adopt a modern jazz policy. On November 1st, Jumptown kicked off with a one-week booking of a jazz star as featured soloist with the Virgil Gonsalves Sextet. From November 1, 1955, Dizzy Gillespie, who was already playing his —for some— still controversial bent trumpet that had become his visual hallmark since 1953, was the first such soloist to visit Jumptown. Dizzy and Virgil had a huge crowd kicking with joy and excitement during their performances.

The next names drawn to Jumptown for week long engagements in November came from Los Angeles. The first was Dave Pell, followed by Bud Shank and Jimmy Giuffre, who had recently been voted Down Beat’s “newclarinet star of ‘55,” and also Maynard Ferguson and Dexter Gordon. They all played with the Gonsalves Sextet, which in a few months had become the talk of the town and somehow represented a San Francisco style, a hybrid response to the jazz that had been brewing in Los Angeles and had already been labeled the West Coast style. Gonsalves himself was a huge fan of Gerry Mulligan, Shorty Rogers, and the fresh sound emanating from Southern California.

Also in November, Gonsalves traveled to Los Angeles to record —again with sound engineer John Neal— a 12” for Liberty Records, but this time he did it with his original sextet, which by now had remained stable since high school. Its members —and Virgil’s schoolmates for that matter— were Bob Badgley, valve trombone; Dan Patiris, tenor sax; Clyde Pound, piano (who also played with the Rudy Salvini big band); Max Hartstein, bass; and Gus Gustafson, drums. The arrangements were provided by Jerry Cournoyer and Bob Searle. After their first recording session, bassist Max Harstein fell ill and had to be replaced by the excellent Ron Crotty, who previously played with Brubeck. On this album, Gonsalves’ work comes off with inventiveness and flow, and he managed to demonstrate his inherent rhythmas a soloist. The interplay between him and Dan Patiris keeps the swinging level of this set of the so-called San Francisco Jazz Style performances.

On November 10, 1955, Gonsalves’ unit, Rudy Salvini’s big band, and tenorman Brew Moore —a legend among the local jazz crowd since his arrival in San Francisco in the early 1950s— performed at a jazz concert organized by San Francisco State University.

Bandleader Rudy Salvini was another indefatigable Bay Area musician who had begun playing trumpet when he was eight years old and became interested in jazz in 1941 after hearing Stan Kenton’s band at the Oakland Sweet Ballroom. “That was the most exciting band I’ve ever heard,” said Rudy.

Originally from Oakland, where he was born on March 22, 1925, Rudy Salvini attended Clawson Elementary School and Hoover High School. At eighteen, during his senior year at Tech, he put together his first band, a 10-piece orchestra whose members included John Marabuto and Johnny Coppola. They played anywhere they could, including USO dances. “Pretty soon the union got to know who I was and said ‘hey, why don’t you join us?’” recalls Rudy. “So I went down to see the business agent in Oakland and joined.” Like most AFM locals at the time, Local 6 was racially segregated. Local 669, the black local, was a subsidiary of Local 6. It covered the same territory as Local 6 although black musicians were not allowed to play east of Van Ness. The two locals were finally merged by court order in 1960.”

He then went on to San Francisco State University, where he belonged to the same student body as Virgil Gonsalves. In May 1945 he was drafted and stationed at Wiesbaden, Germany with the 761st Army Air Force band. Later, at the recommendation of friends, Rudy joined the 314th Army Forces Band, the top general’s band, which boasted the best musicians from all over Europe. They played at the Wiesbaden Opera house for the Army Air Force Radio Network. It was a big band with a full string section and four singers, including a young Tony Benedetto (later Tony Bennett, of course). Two years later, Rudy returned to San Francisco State University and received his Bachelors in Music and teaching credentials in 1953. After his graduation, Salvini started doing substitute teaching at schools, instructing private pupils, playing casual jobs —and trying to put big band jazz back in the picture in Oakland.

In 1954, Rudy Salvini, the young trumpeter and school-teacher, finally organized his 17-piece rehearsal band, mostly with SF State grads. Each week they gathered on Saturday in a San Francisco hall at 230 Jones Street to play long and arduous but stimulating rehearsals just for the sheer joy of music. “People would bring their music, and we would play it,” said Rudy, “That started me off. During two years of just rehearsals,” Salvini remarked, “there were some dreary moments —though not too many. There also were some changes in personnel, but the nucleus of the band remains the same,” he said in March 1956.

It was preeminently a jazz band, although it devoted a considerable portion of its repertoire to dancing tempo numbers in an attempt to interest whatever group of dancers existed in the Bay Area. The Salvini band was a young, Kenton-Basie derived band which, however, was extremely original in its arrangements, notably by Jerry Coker, Jerry Mulvihill, and Jerry Cournoyer.

On January 14, 1956, Rudy Salvini’s big band made its first public appearance, along with Virgil Gonsalves’ sextet, at the Saturday afternoon dance concert sessions for young people at Oakland Sweet’s Ballroom, organized by Pat Henry, the best jazz disc jockey (at KROW) in the Bay area. They drew 250 patrons for their first date. “I will forever be indebted to Pat,” Salvini said, recalling that Mr. Henry had helped set up his band’s first Bay Area gig. “He really gave us our start. He put himself out on a limb for us.”

Come March, Pat Henry took his show to the Sands, another Oakland dance hall, where he resumed latenight sessions, but this time as “Sunday at the Sands.” Given that big band shows were not having much luck else where in the country, it was encouraging that Henry’s display of Salvini’s great team, along with the Virgil Gonsalves sextet, was being met with great approval.

Meanwhile, the notoriety of the sextet had spread throughout the country with their albums and articles in national publications and also through musicians who had been able to listen to them. Virgil began receiving requests to play outside the Bay Area, and on May 5th he flew his sextet to the University of Colorado for a one niter, and also got a booking for that summer at Lake Tahoe in Nevada.

The famous veteran tenor saxophonist Vido Musso, after years of playing in some of the best big bands (Benny Goodman, Harry James, and Stan Kenton, among others), began his journey as a leader. On May 25, 1956, he opened at San Francisco’s Avalon Ballroom with a 10-piece band scheduled for a series of weekend dances. Virgil formed the band for Vido, which included the Gonsalves sextet plus altoist Jerry Dodgion and other local musicians.

Meantime, Rudy Salvini’s Oakland band had come a longway since its debut earlier that year, not only succeeding musically, but drawing nearly 400 people on the night of Sunday,October 14, 1956, during their first appearance that season at the Sands Ballroom. Due to the enthusiastic response of the public, the band was able to stay together. And although it was still playing only casual engagements and its members had to support themselves with other jobs, these casual events were becoming more andmore frequent.

Later, in November ‘56 Salvini’s big band recorded five tunes for the new label San Francisco Jazz Records, led by former disc jockey Alan Levitt. Pat Henry, who produced the recording session, explained: “We rented the Sands Ballroom in Oakland. First, it is a big hall, an old hall. We used the smallest possible space to gain the effect of actually sitting inside the band.Only one Telefunken microphone was used for all the reeds, trumpets and trombones. An Altec M-30 microphone system was used for the bassist and the pianist.” With this recording, Salvini’s big band finally got the opportunity to be heard nation-wide. Along with Jerry Coker’s quartet and vocalist Ree Brunell, the band was featured on “Intro to Jazz,” the first LP issued by the label; itwas released in February 1957. It had also been rumored at the time that the Virgil Gonsalves Sextet would record an LP for San Francisco Jazz Records, but this never happened because Levitt died suddenly, and that was the end of the record label.

On the weekend of November 18, 1956, at the Black Hawk, the Calvin Jackson Quartet was sharing the stand with the new Virgil Gonsalves Sextet which included drummer Bob Fuhlrodt and bassist Jerry Good of Oakland, tenor Lloyd Rice, pianist John Baker, and trumpeter Mike Downs, another Oaklander.

Also in November, Rudy Salvini left his orchestra for a spell and brought a quintet to the Chi-Chi Club on 12th St. Clyde Pound was on piano, usually with Virgil Gonsalves, Pete Dovino on tenor clarinet and vocals, Dean Reilly on bass, and Forrest Elledge on drums. They played four nights a week for two weeks.

In December, Virgil’s sextet reconvened for three consecutive weekends at the Black Hawk with afterhours sessions at the small Pond’s club. Then starting on January 11, 1957, they performed four nights a week at the Cable Car Village at California and Hyde streets. The group’s personnel included Mike Downs (tp), Dan Patiris (ts), Clyde Pound (p); Jerry Goode (b), and Bob Fuhlrodt (d). On January 26 they began a series of Saturday afternoon concerts at the New Fillmore theater.

At Berkeley’s Little Theater, the night of May 29, a near-capacity audience of more than 500 people, most of them Berkeley High School students, gave an enthusiastic welcome to a 2 1/2 hour concert by Salvini’s big band with Virgil Gonsalves in the sax section. The concert was amazing in several respects. It was the first, at least in many years, in which a high school student body sponsored big band jazz. The audience was notable for the close attention it paid to the music and for the heart felt applause with which it rewarded the various fine soloists as well as the band as a whole.

On Sunday May 26, the first Annual San Francisco Jazz Festival took place at the Civic Auditorium, presented by promoter Irving Granz and headlined by Salvini’s band, along with Louis Armstrong, Dave Brubeck, The Four Freshmen and Anita O’Day. The festival was a one-night affair and drew crowd of over 3,000 people. According to the press, Salvini’s band played well together and showed a good sense of dynamics. The band opened with five hard picks, four of which were originals by San Francisco songwriters, one of them dedicated to disc jockey Pat Henry called “Wail for Patrick,” was composed by Jerry Coker.

In June 1957, Gonsalves took his sextet into the Moana Surf club —on 467 Broadway— with Eddie Kahn replacing Goode on bass. As for Rudy Salvini, he ended his series of dances at the Sands ballroom on June 16 with the idea to resume come fall.

In July, Gonsalves moved into Fack’s on Market St. and booked it for a weekend, which was extended to four nights a week as the club was running at a good pace. With the arrival of autumn, the club reduced their engagement to three nights a week with the Gonsalves sextet and the Cal Tjader trio.

On Sunday, October 27, 1957, the Eastbay jazz scene began to take off with Rudy Salvini’s big band making their return of the season at the Sands Ballroom. Although some of the individual members of the band —including tenor Jerry Coker, trumpeter Allen Smith, pianist John Marabuto, Jerry Dodgion, and Virgil Gonsalves— were well-known on their own merits, and, despite the support of newspapers and of nationally acclaimed Oakland disc jockey Pat Henry —they had at least $500 worth of plugs a week on KROW— the band never really got off the ground, except on occasion.

In July 1957, Jazz Workshop co-owner Dave Glickman opened the Jazz Showcase (formerly Downtown) as a non-alcoholic nightclub, offering jazz concerts in a European cabaret setting at popular prices for a teenage audience. Glickman was an enterprising lawyer who for a time ran the Jazz Showcase as a hobby, breaking precedent with his innovative nightclub andweekend shows. However, just a few months later, the experiment failed. In February 1958, the Jazz Showcase closed its doors indefinitely on the deficit side of the ledger. The Bud Shank Quartet, The Mastersounds, Chico Hamilton Quintet, Woody Herman’s New Third Herd, and the Dick Mills-Brew Moore Quintet, were some of the notable names that had performed there. Virgil Gonsalves’ sextet also played there on November 3, 1957. The passage of the Jazz Showcase, Dave Glickman’s bold experiment, left a huge gap in the Bay Area teen jazz scene and for C.H. Garrigues of The San Francisco Examiner it posed a big question for serious jazz fans. Garrigues in his “Chords and Changes” wrote: “There is plenty of good jazz in the regular jazz clubs. But the youngsters —they who should be growing up with this natural part of their cultural heritage— have almost no access to serious jazz except by means of the phonograph record, either on their own machines or on Pat Henry’s nightly KROW program.

“Rudy Salvini, who had long been a leader in the effort to bring jazz to people of his own generation, believed that hope lay in the schools; As an SF State alumnus, Rudy had seen jazz become the mode of expression at college after college in the Bay Area: San Francisco, San Jose, College of the Pacific and others. He believed that if jazz could be brought to the universities —as Dave Brubeck, among others, had been— the problem of his future would be solved.”

February 16, 1958 was the last weekly appearance of the Salvini band at the Sands. It was no secret that the band did not cover the expenses. The music was wonderful, but the crowd was not and their sponsors no longer wanted to continue their support. It was a sad blow to this association of Bay Area musicians who were so devoted to big band jazz. Several of themearned their living teaching.

Despite this set back, Rudy Salvini’s big band continued to play casual concerts because the quality of the orchestra and the enthusiasm of its members and leader were unbeatable. In March 1958, baritone sax player Curtis Lowe, a veteran of Lionel Hampton’s band, replaced Virgil Gonsalves in Salvini’s big band while he went to play with the group backing Johnny Mathis at the Fairmont Hotel.

By then, Virgil Gonsalves was perhaps the hardest-working and busiest jazz musician in Northern California, but his break wouldn’t arrive until the spring of 1958 when his sextet was booked for a two week run starting May 13 at the Hollywood Jazz Cabaret, formerly occupied by the famous Jazz City. At the end of June they were hired at the Black Hawk for another two weeks.

The Gonsalves line-up at the time included pianist Arthur Fletcher (replacing Merrill Hoover, another Oakland resident who was hired as a sideman for Anita O’Day), trumpeter Mike Downs, bassist Terry Hilliard, drummer Bobby Fuhlrodt of Oakland, and tenor saxophonist Dan Patiris, who was from San Francisco.

In July 1958, the Gonsalves sextet received much praise while playing at the Blue Mirror, San Francisco’s newest jazz club. C.H. Garrigues wrote in The San Francisco Examiner: “One of the happiest changes to report in the Bay area jazz scene is the improvement the Virgil Gonsalves Sextet showed in its recent engagement at the Black Hawk late June 1958. Potentially, the group is much more complex, much more capable of important serious music, than anything which has yet come out of San Francisco.

“As a result of the improvement, Virgil’s group has been booked into the Blue Mirror on Fillmore, now returning to a four-night jazz policy after a considerable lapse. It was formerly one of the top jazz spots of the area.”

Virgil himself gave credit for the improvement to the almost stubborn persistence with which the group kept rehearsing. “Man,” he said, “we haven’t worked much in the last 12 months, but we sure did practice a lot together, I think it’s starting to show.”

On Saturday, August 9, 1958, the Gonsalves Sextet played a concert at the Booker T. Washington Community Center. He was then invited to the first Monterey Jazz Festival, organized by Jimmy Lyons, the first civic sponsored jazz event held on the Pacific Coast. On the afternoon of Saturday, October 4, 1958, and with Pat Henry as master of ceremonies, Virgil presented his impressive sextet which was a great success, but he was a victim of the overlap. His all-star jazz symphonic performance, scheduled to close the afternoon of October 5, had to be removed from the overloaded schedule. He had been scheduled to play Stravinsky’s Ebony Concerto, with Buddy DeFranco as soloist.

Rudy Salvini’s big band continued to be hailed by jazz critics as one of the most exciting on the Pacific Rim. Salvini’s musicianship and training were most evident at the Monterey Jazz Festival, where his team turned in amore exciting performance than the other big bands of Harry James and Med Flory. His band played the Monterey Festival Suite, written by pianist John Marabuto. Virgil showed up again as the sax section’s anchorman in Salvini’s wailing band.

Early in November 1958, the Virgil Gonsalves sextet appeared in the women’s gymnasium at Humboldt Stale college, and on the 18th, they opened a two-week run at the Jazz Workshop with a new rhythm section that consisted of Merrill Hoover (p), Eddie Kahn (b), and Al Randall (d). At the beginning of December, his successful performance was extended for two more weeks during which he accompanied singer Dakota Staton on two dates. As a result of the goodwork of the sextet, Dave Hubert, producer and owner of Omegatape and Omega Records, proposed to record a stereophonic album as soon as possible and Virgil accepted.

In January 1959, Rudy Salvini joined the Laguna Salada elementary school district of Pacifica, as one of the two music instructors for the district and was just starting on his teaching career. Rudy taught elementary music to kids in the 5th through 8th grade. The new teaching job was not going to mean that Salvini would give up his big band jazz work. The group continued its rehearsals once aweek and had a monthly Sunday dance concert at Sands.

The Virgil Gonsalves sextet had become one of the musical references in the world of jazz in Northern California. But Virgil, always restless and enthusiastic, also organized a big band with trumpeter Jerry Cournoyer that was made up of three trumpets and a flugelhorn, two trombones, a tuba, five saxophones and the rhythm section. They met weekly to rehearse the arrangements and compositions that Cournoyer, Dan Patiris and Gonsalves himself had written for the new band with the purpose of performing at the local AFM Dance Band Contest.

On February 15, at Oakland’s Sands Ballroom, the AFM Dance Band Competition was held, featuring the bands of Rudy Castro, Buddy Hiles, Rudy Salvini, Steve Paul, Amando Paolini, Virgil Gonsalves, Jerry Cournoyer, DC Pinkston, EddieWalker and Johnny Ingram. The orchestras conducted by the trumpeters, Eddie Walker and Rudy Salvini, ranked first and second respectively.

On Monday, May 25, 1959, Gonsalves, just after finishing a successful month at San Francisco’s Mr. Smith club, recorded the LP for Omega. The album title was “Jazz at Monterey by the Virgil Gonsalves Big Band Plus Six”. One side of the disc consisted of five big band songs which included several members of his sextet, such as Downs and Patiris, as well as other fine sidemen including Leo Wright (the young altoist who joined Gillespie), John Coppola, Jerry Cournoyer, Dickie Mills, Junior Mance, and Benny Barth. The other side had four tracks from the sextet. The result of these performances was a clear sign of the development of modern jazz in the Bay Area. The excellent sound of these recordings was the work of John Hall, chief engineer of Omega Records.

Virgil’s sextet then moved into The Cabana club for a month-long engagement. Previously, Virgil’s long-time trumpeter Mike Downs left with Philly Joe Jones for Chicago and Philadelphia, so Stan Foster came in to replace him. Young drummer Dick Berk also played on several Sundays with the Gonsalves Sextet.

In January 1960, Hal Lederman and Peter Ekstein —a new Hollywood promotion team, operating as Omega Enterprises— announced their “Dimensions in Jazz.” It was a jazz weekend featuring Dave Brubeck, Dinah Washington, and the Three Sounds, with one performance Friday night at the Berkeley Community Theater and one on Saturday night at the Masonic Temple in San Francisco. In addition Virgil Gonsalves got the gigs for the standbys at both concerts, being heard in the Berkeley show with his big band and in San Francisco with his sextet. Thanks to the success, Lederman and Ekstein, invited the Gonsalves big band to appear on at the Hollywood Jazz Festival in June.

On the night of St. Valentine’s day, February 14, the Rudy Salvini big band gave its long awaited first dance concert of the season at the Sands Ballroom. He was also a regular attraction on the Monday and Tuesday night bandstand at Castle’s Lucky XIII in San Leandro where Rudy headed a Quintet with singer Ree Brunell, who would become his wife in August.

On Friday night, March 4, 1960, Lederman and Ekstein presented a new “Dimensions in Jazz” concert at the San Francisco Civic Auditorium. Headlining the bill was the Miles Davis Quintet, and rounding out the enticing lineup of the evening, were the Farmer-Golson-Fuller Jazztet, the Paul Horn Quintet with Jimmy Witherspoon, and at the last minute Nina Simone joined the event. Virgil Gonsalves’s big band opened the show Friday night to praise from jazz critics.

Duke Ellington, Sarah Vaughan and the new Virgil Gonsalves Sextet all performed to the delight of the audience that filled the Civic Auditoriumon June 16. The next day Gonsalves and his big band, which featured three trumpets and a flugelhorn, two trombones, a tuba, five saxophones, and rhythm section, appeared at the Hollywood Jazz Festival.

Late May, the Oscar Peterson trio had to cancel their last three nights at the Black Hawk when Oscar’s mother passed away unexpectedly. The Gonsalves sextet filled in at the last minute with Ray Brown on bass.

After the summer, the Rudy Salvini and the Virgil Gonsalves-Jerry Cournoyer workshop bands stopped altogether.

In November 1960, the Gonsalves sextet, including Stan Foster (tp), Dan Patiris (ts), Kenny Elmore (p), Carl Brown (b) and Lee Russell (d), was held over at San Francisco’s Hungry cellar nitery at 599 Jackson, a bohemian North Beach club that also played a role in the rise of comedians Mort Sahl and Lenny Bruce.

In March 1961, Virgil organized a quartet that was booked for eight weeks Wednesdays through Saturdays in the New Plush Room, a dining and dancing San Francisco place located at 946 Sutter St. Then, early in April, Virgil with his sextet, which included several new members, went to Las Vegas to back singer Anita O’Day and in a subsequent Denver engagement. In June he was back working with his sextet on Sundays at Suite 14, an Oakland club.

In October 30, 1961, Gonsalves put together a tentet to appear at “Jazz for Moderns,” a concert with a program ranging from traditional blues to modern music, having two performances at Berkeley University in California.

In the summer of 1962, at a time of little work, Virgil found a foothold in New York in the new Woody Herman’s “Thundering Herd” that worked at the Metropole as a replacement for baritone-saxophonist Frank Hittner. Meanwhile the Rudy Salvini big band continued to work casual dance dates at the Fairmont Hotel ballroom, as well as some clubs.

In May 1963, after more than two years away from the Bay Area, Virgil Gonsalves returned to the jazz circuit when he was booked to play weekends at the Colony Club in Monterey. This time Virgil was fronting a quintet featuring trumpeter Webster Young; Jerry Coker (p); Terry Hilliard (b); and Kenny Shirlan (d). He later worked with a quartet at Maida’s in Bamboo Village, Salinas (returning for New Year’s Eve) and at the Outrigger in Monterey.

In October while still at the Outrigger, Virgil unveiled a new sextet to play Wednesdays through Sundays on a bill that included the great alto saxophonist Lee Konitz, who was living in Carmel Valley. His sextet included pianist Bob Dorough, guitarist Al Shackman from New York, bassist Boshko Vuko from Yugoslavia; the great New Orleans drummer Art Lewis who was then working in San Francisco, and singer Alicia Harby.

After a break of few months, Virgil Gonsalves returned to the club circuit in May 1964, leading a quartet with him doubling baritone sax and flute and joining Don Alberts (p), Don Russo (b) and Art Lewis (d), playing on Wednesdays through Sundays at the Charles Van Damme in Sausalito.

Back with his sextet, Gonsalves played weekend night sessions at Monterey’s Outrigger in September 1964. Shortly thereafter he appeared in a lengthy engagement with pianist Don Alberts at Bustles and Beaus on Powell Street in downtown San Francisco. At this stage, Gonsalves also led a septet that played at the City Civic Center on September 25 at the annual Arts Festival. Rudy Salvini’s big band also gave a free concert the following day.

In October 27, Gonsalves’ quartet opened at Music Cross Roads on Jack London Square. For this engagement, bassist Norman McKay replaced Don Russo. According to Russ Wilson of the Oakland Tribune: “The East bay jazz scene began broadening last night and further expansion is imminent. Virgil Gonsalves has one of the Bay Area’s best modern jazz combos. It iswell rehearsed and features a good many original tunes by the leader and pianist Don Alberts.”

On Sunday, May 16, 1965, Gonsalves played a benefit jazz concert organized by the Children’s Home Society, titled “Capsule of Jazz History.” He was there as a member of the John Coppola big band in the College of Nôtre Dame Auditorium in Belmont. Coppola’s band included Rudy Salvini, Dan Patiris, John Handy, Bill Perkins, and John Marabuto. The ensemble imitated the styles of bigname bands from the previous 40 years. Coppola was a popular trumpeter with 20 years of professional experience. He had been with the bands of Stan Kenton and Woody Herman, as well as in the shows of Judy Garland, Nat King Cole and Danny Kaye, among other activities. He was born in Geneva, NY, a former resident of Oakland, and a student at Technical High School. He also lived in San Francisco, where he appeared in many night clubs and shows.

In March 1966, Virgil again played in Coppola’s band at the Oakland Holiday Inn. He then had a stint with Woody Herman’s band and shortly thereafter left the jazz scene when he joined the horn section (on baritone, soprano & flute), of Mike Bloomfield’s Electric Flag, a notable blues-rock band. When his drummer Buddy Miles broke up with Mike after the 1967 Monterey Pop Festival, he organized a new Electric Flag-American Music band, a nine-piece group directed by veteran bassist Harvey Brooke.

Also in 1966, the Rudy Salvini Big Band had the honor of being the first big band to play at the Stern Grove Festival appearing along with pianist Vince Guaraldi, altoist John Handy, and Turk Murphy.

A new experience for Gonsalves was writing the musical score for “Sons and Daughters,” a powerful 1968 film directed by celebrated San Francisco photographer Jerry Stroll. This low budget film was the story of the young people’s protest against U.S. involvement in Vietnam. Jon Hendricks composed and sang the title song and a second protest song about the Negro ghetto titled “Fire In The City.” Musical accompaniment was by The Grateful Dead.

In October 1968, Buddy Miles rounded up some of his favorite musicians, including Virgil Gonsalves, Marcus Doubleday (tp), Herbie Rich (org & ts), and Terry Clements (ts) and he started his own band: the Buddy Miles Express. Rounding out the eight-member group were Bill Rich (b), Jim McCarty (g), and Robert McPherson (ts). Virgil recorded with the Express for Mercury and continued with the band for over a year. Also during the fall of 1968, Virgil played flute in jam sessions with Jimi Hendrix.

In the fall of 1970 Virgil joined Bluesberry Jam, an all-star rock-jazz group featuring musicians who had formerly been with name bands. The other members were Al Walton (vocals & harmonica) who was formerly the singer with the Pacific Gas and Electric, Al Gallegos (ts & fl) who had toured with Ike & Tina Turner and played several years with Perez Prado’s orchestra, Ken Klimak (lead guitarist for Mr. Stress), Gerald Olds (b) who had played with Tom Rush and the Greenbriar Boys, Brian Moffett (a top Chicago jazz drummer who had played concerts and club dates with Roland Kirk), and young Hungarian trumpeter Frank Szabo who later became a fixture in the Los Angeles jazz big bands of Louie Bellson, Count Basie, Frank Capp/Nat Pierce, Pat Longo, Don Menza, Bill Holman, Doc Severinsen, Charlie Shoemake, Stan Kenton 50th Celebration band, Tom Talbert, Roger Neumann, and Gerald Wilson, among others. The music of Bluesberry Jam was described as “American funk.”

At 41 years old, Virgil found a new home for a year when the rock-blues-soul band Pacific Gas & Electric Company changed their name to PG&E.

In 1975 he was the baritone saxophonist and ensemble coordinator of the Delta Wires, a very heavy group in the soul and funk Oakland style of Tower of Power that also handled laidback growling blues and occasional pure jazz lead lines over their rockish beat. Delta Wires was a ten-piece group with two trumpets, two saxes and a pair of keyboards, plus bass, guitar, drums, and harpist and leader Ernie Pinata.

After the mid-1970s, Virgil Gonsalves continued working as a freelancer but not much is known about his later activities. He passed away at 77 in Salinas, CA on October 20, 2008.

Until his retirement in 1985, Salvini taught music in Pacifica schools, a career he loved and of which he was proud. He also continued working with an Octet in the 90s and the early 2000s. In addition to Salvini on trumpet, the band included in at various times, Bruce Wolff, Nael Van Valkenburgh or Van Hughes (tb), Art Dougherty (as), Howard Dudne, Tom Hart or Jim Grantham (ts), Chuck Peterson or Ted Thiele (bs), Michael Greensill or John Price (p), Dean Reilly or Frank Pasantino (b), and Tom Duckworth or Eric Thompson (d). Rudy also played with his big band once a month at the Boat House in San Francisco with what Rudy called “the best cats in town.” In October 1996, Rudy’s Octet was chosen to play at the Duke Ellington Exhibit which toured the United States featuring guitarist Kenny Burrell. In his last years Rudy rehearsed once a month at the union with his band and performed once a month at the Alameda Elks Ballroom. He died on June 7, 2011.

Virgil Gonsalves and Rudy Salvini were two very importance driving forces of jazz in the Bay Area in the 50’s. With this compilation CD, we want to pay tribute not only to their talent as musicians and band leaders, but also to their perseverance and their little-remembered musical accomplishments, a true labor of love for jazz.

—Jordi Pujol (From the inside liner notes of FSRCD 1114)
https://www.freshsoundrecords.com/14290-virgil-gonsalves-albums

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Nació el 5 de septiembre de 1931 en Monterey, donde creció y asistió a la escuela primaria y secundaria. Más tarde se matriculó en la Universidad Estatal de San Francisco. Después de graduarse en 1952, comenzó a hacer giras con las bandas de Alvino Rey, Jack Fina y Tex Beneke. Entre temporadas, Virgil presentó un sexteto ingeniosamente arreglado en conciertos y fechas de clubes, contribuyendo al desarrollo de una naciente escena de jazz moderno en San Francisco, representada notablemente por el Dave Brubeck Trio.

El trío de Brubeck era la cosa musical más candente de la ciudad, desde que comenzaron a tocar en Ciro's y en Black Hawk en 1950. El as del disc jockey Jimmy Lyons, el sumo sacerdote local del jazz moderno, en su programa de radio KNBC "Lyons Busy", dijo del trío de Brubeck que "son los mejores exponentes de la música moderna de hoy...”

La cobertura periodística del jazz fue más extensa en el Área de la Bahía que en cualquier otra área metropolitana de los EE.UU. El San Francisco Chronicle inauguró su cobertura completa del jazz y la música popular en 1950 con la Sección Rítmica de Ralph Gleason en su revista dominical.

A partir de 1954, la vida nocturna en San Francisco salió del estado letárgico en el que había estado durante un tiempo, y el jazz, Dixieland en particular, tuvo un fuerte resurgimiento. De hecho, el jazz en la ciudad era grande en ese momento, y la escena callejera contaba con clubes que rompían récords como Black Hawk, Downbeat, Hangover, Fack's, Tin Angel y Macumba. Para aquellos que "cavaron" el jazz moderno, tuvieron la oportunidad de escuchar durante todo el año las bandas y combos de artistas de gira tan importantes como Woody Herman, Flip Phillips, Shorty Rogers, Louis Armstrong, Art Pepper, Max Roach, Earl Hines, George Shearing y otros líderes de bandas de renombre nacional. También grupos locales con diferentes sonidos y ritmos comenzaban a hacerse un nombre en el área de la Bahía, como Bob Scobey y Turk Murphy y sus bandas de Dixieland; los afrocubanos de Cal Tjader y, por supuesto, el trío de Dave Brubeck, cuyo moderno
los conciertos de jazz recaudaron más en el norte de California que en cualquier otro lugar.

En junio de 1954, unos 400 estudiantes abarrotaron el auditorio de la Escuela Secundaria Tamalpais para bailar al ritmo de la Banda de Baile Tam. El atractivo destacado de la cita fue la aparición del Sexteto Virgil Gonsalves cuyas actuaciones de jazz moderno, cada vez más frecuentes y exitosas, comenzaban a llamar la atención de promotores de conciertos y propietarios de los mejores clubes.

El trabajo que el sexteto Virgil Gonsalves había estado desarrollando impresionó particularmente al disc jockey local de Monterey, Johnny Adams. En su afán por correr la voz, Adams envió cintas a Gonsalves a algunos sellos discográficos de jazz, incluido el local Fantasy, así como a otros en Los Ángeles, como Pacific Jazz y Nocturne Records.

Después de varias semanas y un par de reuniones en Los Ángeles, Gonsalves finalmente llegó a un acuerdo con Harry Babasin, productor y bajista del recién formado y prometedor sello Nocturne, pero con una condición: para la sesión de grabación, en lugar de emplear a los habituales compañeros de banda de Gonsalves en San Francisco, Babasin reclutaría a un grupo de músicos de jazz más conocidos de Los Ángeles para incluir el álbum en su serie "Jazz en Hollywood".”

Babasin organizó una sesión de grabación en Western Recorders para el 29 de septiembre de 1954. Con el ingeniero John Neal a bordo y el productor Babasin al bajo, el sexteto se completó con el líder Gonsalves al barítono, el ex saxofonista tenor Gene Krupa Buddy Wise, el trombonista de válvulas Bob Enevoldsen, el pianista Lou Levy y el baterista Larry Bunker. El resultado fue un excelente álbum de 10 pulgadas lanzado en febrero de 1955. En su reseña de Down Beat, Nat Hentoff dijo: "Date está muy cerca de las cinco estrellas. Gonsalves sopla con un ritmo fuerte y en patrones solistas limpios y poco trillados. (Escuche su seguridad pulsátil y poder sensible en Yesterdays, su vehículo destacado aquí). En otros lugares, el soplo está bien y la interacción del conjunto está particularmente bien concebida.”

El sexteto de Virgil apareció por primera vez en el Black Hawk en marzo de 1955, que ya era un club de jazz conocido a nivel nacional, que a partir de 1954 a veces se llamaba Jazz Corner of the West y estaba ubicado en 200 Hyde St.El sexteto comenzó una serie de exhibiciones desafiantes, compartiendo el escenario con Terry Gibbs Quartet en una sensacional "Batalla de bandas" diaria que duró dos semanas. Las actuaciones de Gonsalves atrajeron a más fanáticos cada día, y cuando Gibbs se fue en abril, el sexteto permaneció empleado como banda de la casa. En junio competía en una nueva batalla, esta vez con el cuarteto de Buddy DeFranco. Poco después, la nueva vocalista de discovery jazz, Chris Connor, en su primera gira por la Costa Oeste, fue contratada para actuar en el Black Hawk. Atrajo a una gran multitud cantando con un fuerte apoyo del Sexteto de Virgil desde el 26 de julio hasta el 8 de agosto. Algo notable sucedió durante una sesión improvisada del domingo por la tarde en el club. Virgil invitó a su amigo de la Universidad Estatal, el cantante Johnny Mathis, de 19 años, a sentarse. Helen Noga, la incansable y enérgica copropietaria del club, quedó tan impresionada con Mathis que decidió convertirse en su gerente. En 1960, después de que Mathis obtuviera su primer sencillo "Wonderful, Wonderful", Virgil dijo, quizás injustamente: "Mathis ha prostituido su gran talento en el jazz para hacerlo comercialmente. Podría haber sido un gran cantante de jazz, pero está ganando mucho dinero como cantante pop, y no se puede argumentar con eso. Así es como juzgan el éxito.”

El Halcón Negro continuó trayendo artistas de la Costa Este como política. Así, tras el éxito de Chris Connor, el 23 de agosto llegó una nueva voz. Carmen McRae quien estuvo acompañada por el sexteto Virgil Gonsalves durante una semana, disfrutó de una gran acogida por parte de un público entusiasta. El club estaba lleno.

La estadía de Gonsalves en el Black Hawk duró seis meses, el período más largo de tiempo que un artista apareció en el club en su historia.

Charles "Chinky" Naditz, era un hombre de negocios local, conocido en la escena musical por ser quien inició la locura por los pequeños clubes de jazz en el Área de la Bahía, por ejemplo, cuando estaba en 952 Bush St en 1947. En septiembre de 1955, Naditz abrió un nuevo club llamado Jumptown, dedicado al rock and roll, pero solo unas semanas después cambió de opinión y decidió adoptar una política de jazz moderno. El 1 de noviembre, Jumptown comenzó con una reserva de una semana de una estrella de jazz como solista destacado con el Sexteto Virgil Gonsalves. Desde el 1 de noviembre de 1955, Dizzy Gillespie, que ya tocaba su —para algunos— todavía controvertida trompeta inclinada que se había convertido en su sello visual desde 1953, fue el primer solista de este tipo en visitar Jumptown. Dizzy y Virgil tuvieron una gran multitud pateando de alegría y emoción durante sus actuaciones.

Los siguientes nombres atraídos a Jumptown para compromisos de una semana en noviembre vinieron de Los Ángeles. El primero fue Dave Pell, seguido de Bud Shank y Jimmy Giuffre, quienes recientemente habían sido rechazados como "newclarinet star of '55" de Beat, y también Maynard Ferguson y Dexter Gordon. Todos tocaron con el Sexteto Gonsalves, que en pocos meses se había convertido en la comidilla de la ciudad y de alguna manera representaba un estilo de San Francisco, una respuesta híbrida al jazz que se había estado gestando en Los Ángeles y que ya había sido etiquetado como el estilo de la Costa Oeste. El propio Gonsalves era un gran admirador de Gerry Mulligan, Shorty Rogers y el sonido fresco que emanaba del sur de California.

También en noviembre, Gonsalves viajó a Los Ángeles para grabar, nuevamente con el ingeniero de sonido John Neal, un 12" para Liberty Records, pero esta vez lo hizo con su sexteto original, que a estas alturas se había mantenido estable desde la secundaria. Sus miembros, y compañeros de escuela de Virgil, eran Bob Badgley, trombón de válvulas; Dan Patiris, saxo tenor; Clyde Pound, piano (que también tocó con la big band de Rudy Salvini); Max Hartstein, bajo; y Gus Gustafson, batería. Los arreglos fueron proporcionados por Jerry Cournoyer y Bob Searle. Después de su primera sesión de grabación, el bajista Max Harstein cayó enfermo y tuvo que ser reemplazado por el excelente Ron Crotty, quien previamente tocó con Brubeck. En este álbum, el trabajo de Gonsalves sale con inventiva y fluidez, y logró demostrar sus ritmos inherentes como solista. La interacción entre él y Dan Patiris mantiene el nivel oscilante de este conjunto de las llamadas actuaciones al estilo Jazz de San Francisco.

El 10 de noviembre de 1955, la unidad de Gonsalves, la big band de Rudy Salvini y el tenorista Brew Moore, una leyenda entre la multitud de jazz local desde su llegada a San Francisco a principios de la década de 1950, actuaron en un concierto de jazz organizado por la Universidad Estatal de San Francisco.

El líder de la banda Rudy Salvini era otro músico infatigable del Área de la Bahía que había comenzado a tocar la trompeta cuando tenía ocho años y se interesó por el jazz en 1941 después de escuchar a la banda de Stan Kenton en el Oakland Sweet Ballroom. "Esa fue la banda más emocionante que he escuchado", dijo Rudy.

Originario de Oakland, donde nació el 22 de marzo de 1925, Rudy Salvini asistió a la Escuela Primaria Clawson y a la Escuela Secundaria Hoover. A los dieciocho años, durante su último año en Tech, formó su primera banda, una orquesta de 10 integrantes cuyos miembros incluían a John Marabuto y Johnny Coppola. Tocaban en cualquier lugar que podían, incluidos los bailes USO. "Muy pronto el sindicato supo quién era yo y dijo: 'Oye, ¿por qué no te unes a nosotros?'"recuerda Rudy. "Así que bajé a ver al agente comercial en Oakland y me uní ."Como la mayoría de los locales de AFM en ese momento, el Local 6 estaba segregado racialmente. El Local 669, el local negro, era una filial del Local 6. Cubría el mismo territorio que el Local 6, aunque a los músicos negros no se les permitía tocar al este de Van Ness. Los dos locales finalmente se fusionaron por orden judicial en 1960.”

Luego pasó a la Universidad Estatal de San Francisco, donde pertenecía al mismo cuerpo estudiantil que Virgil Gonsalves. En mayo de 1945 fue reclutado y destinado en Wiesbaden, Alemania, con la 761ª banda de la Fuerza Aérea del Ejército. Más tarde, por recomendación de amigos, Rudy se unió a la 314th Army Forces Band, la banda del mejor general, que contaba con los mejores músicos de toda Europa. Tocaron en la Ópera de Wiesbaden para la Red de Radio de la Fuerza Aérea del Ejército. Era una big band con una sección completa de cuerdas y cuatro cantantes, incluido un joven Tony Benedetto(más tarde Tony Bennett, por supuesto). Dos años más tarde, Rudy regresó a la Universidad Estatal de San Francisco y recibió su Licenciatura en Música y credenciales docentes en 1953. Después de su graduación, Salvini comenzó a dar clases sustitutas en las escuelas, instruyendo a alumnos privados, desempeñando trabajos ocasionales y tratando de volver a poner el jazz de big band en escena en Oakland.

En 1954, Rudy Salvini, el joven trompetista y maestro de escuela, finalmente organizó su banda de ensayo de 17 músicos, principalmente con graduados estatales de SF. Cada semana se reunían los sábados en una sala de San Francisco en 230 Jones Street para tocar ensayos largos y arduos pero estimulantes solo por el puro placer de la música. "La gente traía su música y la tocábamos", dijo Rudy, " Eso me hizo empezar. Durante dos años de ensayos justos", comentó Salvini, " hubo algunos momentos tristes, aunque no demasiados. También hubo algunos cambios de personal, pero el núcleo de la banda sigue siendo el mismo", dijo en marzo de 1956.

Era predominantemente una banda de jazz, aunque dedicó una parte considerable de su repertorio a números de tempo de baile en un intento de interesar a cualquier grupo de bailarines que existiera en el Área de la Bahía. The Salvini band era una banda joven derivada de Kenton-Basie que, sin embargo, era extremadamente original en sus arreglos, en particular de Jerry Coker, Jerry Mulvihill y Jerry Cournoyer.

El 14 de enero de 1956, la big band de Rudy Salvini hizo su primera aparición pública, junto con el sexteto de Virgil Gonsalves, en las sesiones de conciertos de baile de los sábados por la tarde para jóvenes en Oakland Sweet's Ballroom, organizadas por Pat Henry, el mejor disc jockey de jazz (en KROW) en el área de la Bahía. Atrajeron a 250 clientes para su primera cita. "Siempre estaré en deuda con Pat", dijo Salvini, recordando que Henry había ayudado a establecer el primer concierto de su banda en el Área de la Bahía. "Él realmente nos dio nuestro comienzo. Él se arriesgó por nosotros.”

En marzo, Pat Henry llevó su espectáculo a The Sands, otro salón de baile de Oakland, donde reanudó las sesiones nocturnas, pero esta vez como " Sunday at the Sands."Dado que los espectáculos de big band no estaban teniendo mucha suerte en ningún otro lugar del país, fue alentador que la exhibición de Henry del gran equipo de Salvini, junto con el sexteto de Virgil Gonsalves, fuera recibida con gran aprobación.

Mientras tanto, la notoriedad del sexteto se había extendido por todo el país con sus discos y artículos en publicaciones nacionales y también a través de músicos que habían podido escucharlos. Virgil comenzó a recibir solicitudes para tocar fuera del Área de la Bahía, y el 5 de mayo voló con su sexteto a la Universidad de Colorado por una noche, y también consiguió una reserva para ese verano en Lake Tahoe en Nevada.

El famoso saxofonista tenor veterano Vido Musso, tras años tocando en algunas de las mejores big bands (Benny Goodman, Harry James y Stan Kenton, entre otros), inició su andadura como líder. El 25 de mayo de 1956, abrió en el Avalon Ballroom de San Francisco con una banda de 10 integrantes programada para una serie de bailes de fin de semana. Virgil formó la banda para Vido, que incluía al sexteto Gonsalves más el altoista Jerry Dodgion y otros músicos locales.

Mientras tanto, la banda de Oakland de Rudy Salvini había recorrido un largo camino desde su debut a principios de ese año, no solo teniendo éxito musicalmente,sino atrayendo a casi 400 personas la noche del domingo 14 de octubre de 1956, durante su primera aparición esa temporada en el Sands Ballroom. Debido a la entusiasta respuesta del público, la banda pudo permanecer unida. Y aunque todavía estaba jugando solo compromisos casuales y sus miembros tenían que mantenerse con otros trabajos, estos eventos casuales eran cada vez más frecuentes.

Más tarde, en noviembre del 56, la big band de Salvini grabó cinco temas para el nuevo sello San Francisco Jazz Records, liderado por el ex disc jockey Alan Levitt. Pat Henry, quien produjo la sesión de grabación, explicó: "Alquilamos el Sands Ballroom en Oakland. Primero, es un gran salón, un viejo salón. Usamos el espacio más pequeño posible para obtener el efecto de sentarnos realmente dentro de la banda.Solo se usó un micrófono Telefunken para todas las lengüetas, trompetas y trombones. Se utilizó un sistema de micrófono Altec M-30 para el bajista y el pianista."Con esta grabación, la big band de Salvini finalmente tuvo la oportunidad de ser escuchada en todo el país. Junto con el cuarteto de Jerry Coker y la vocalista Ree Brunell, la banda apareció en "Intro to Jazz", el primer LP publicado por el sello; fue lanzado en febrero de 1957. También se había rumoreado en ese momento que el Sexteto de Virgil Gonsalves grabaría un LP para San Francisco Jazz Records, pero esto nunca sucedió porque Levitt murió repentinamente, y ese fue el final del sello discográfico.

El fin de semana del 18 de noviembre de 1956, en el Black Hawk, el Cuarteto de Calvin Jackson compartía el stand con el nuevo Sexteto de Virgil Gonsalves que incluía al baterista Bob Fuhlrodt y al bajista Jerry Good de Oakland, el tenor Lloyd Rice, el pianista John Baker y el trompetista Mike Downs, otro oaklander.

También en noviembre, Rudy Salvini dejó su orquesta por un tiempo y trajo un quinteto al Chi-Chi Club en 12th St. Clyde Pound tocaba el piano, generalmente con Virgil Gonsalves, Pete Dovino al clarinete tenor y voz, Dean Reilly al bajo y Forrest Elledge a la batería. Tocaron cuatro noches a la semana durante dos semanas.

En diciembre, el sexteto de Virgil volvió a reunirse durante tres fines de semana consecutivos en el Black Hawk con sesiones posteriores en el small Pond's club. Luego, a partir del 11 de enero de 1957, actuaron cuatro noches a la semana en el Teleférico Village en las calles California y Hyde. El personal del grupo incluía a Mike Downs( tp), Dan Patiris (ts), Clyde Pound( p); Jerry Goode (b) y Bob Fuhlrodt (d). El 26 de enero comenzaron una serie de conciertos los sábados por la tarde en el teatro New Fillmore.

En el Little Theatre de Berkeley, la noche del 29 de mayo, una audiencia cercana a la capacidad de más de 500 personas, la mayoría de ellos estudiantes de Berkeley High School, dio una entusiasta bienvenida a un concierto de 2 1/2 horas de la big band de Salvini con Virgil Gonsalves en la sección de saxo. El concierto fue increíble en varios aspectos. Fue el primero, al menos en muchos años, en el que un cuerpo estudiantil de secundaria patrocinó big band jazz. El público destacó por la gran atención que prestó a la música y por los cordiales aplausos con los que recompensó a los diversos excelentes solistas, así como a la banda en su conjunto.

El domingo 26 de mayo, se llevó a cabo el primer Festival Anual de Jazz de San Francisco en el Civic Auditorium, presentado por el promotor Irving Granz y encabezado por la banda de Salvini, junto con Louis Armstrong, Dave Brubeck, The Four Freshmen y Anita O'Day. El festival fue un evento de una noche y atrajo a una multitud de más de 3.000 personas. Según la prensa, la banda de Salvini tocaba bien junta y mostraba un buen sentido de la dinámica. La banda abrió con cinco selecciones difíciles, cuatro de las cuales eran originales de compositores de San Francisco, una de ellas dedicada al disc jockey Pat Henry llamada "Wail for Patrick", fue compuesta por Jerry Coker.

En junio de 1957, Gonsalves llevó su sexteto al Moana Surf club, en 467 Broadway— con Eddie Kahn reemplazando a Goode en el bajo. En cuanto a Rudy Salvini, terminó su serie de bailes en el Sands ballroom el 16 de junio con la idea de reanudarlos en otoño.

En julio, Gonsalves se mudó a Fack's en Market St. y lo reservó para un fin de semana, que se extendió a cuatro noches a la semana ya que el club funcionaba a buen ritmo. Con la llegada del otoño, el club redujo su compromiso a tres noches a la semana con el sexteto Gonsalves y el trío Cal Tjader.

El domingo 27 de octubre de 1957, la escena del jazz de Eastbay comenzó a despegar con la big band de Rudy Salvini haciendo su regreso de la temporada en el Sands Ballroom. Aunque algunos de los miembros individuales de la banda, incluidos el tenor Jerry Coker, el trompetista Allen Smith, el pianista John Marabuto, Jerry Dodgion y Virgil Gonsalves, eran conocidos por sus propios méritos y, a pesar del apoyo de los periódicos y del disc jockey Pat Henry de Oakland, aclamado a nivel nacional, tenían al menos 500 dólares en enchufes a la semana en KROW, la banda nunca despegó realmente, excepto en ocasiones.

En julio de 1957, Dave Glickman, copropietario de Jazz Workshop, abrió Jazz Showcase (anteriormente Downtown) como un club nocturno sin alcohol, que ofrecía conciertos de jazz en un entorno de cabaret europeo a precios populares para un público adolescente. Glickman era un abogado emprendedor que durante un tiempo dirigió la Vitrina de Jazz como pasatiempo, rompiendo precedentes con su innovador club nocturno y espectáculos de fin de semana. Sin embargo, solo unos meses después, el experimento fracasó. En febrero de 1958, el Jazz Showcase cerró sus puertas indefinidamente en el lado deficitario del libro mayor. El Cuarteto Bud Shank, The Mastersounds, el Quinteto Chico Hamilton, el Nuevo Tercer Rebaño de Woody Herman y el Quinteto Dick Mills-Brew Moore, fueron algunos de los nombres notables que se presentaron allí. El sexteto de Virgil Gonsalves también tocó allí el 3 de noviembre de 1957. El paso de The Jazz Showcase, el audaz experimento de Dave Glickman, dejó un gran vacío en la escena del jazz adolescente del Área de la Bahía y para C. H. Garrigues del San Francisco Examiner planteó una gran pregunta para los fanáticos serios del jazz. Garrigues en sus" Acordes y cambios "escribió:" Hay mucho buen jazz en los clubes de jazz habituales. Pero los jóvenes, ellos que deberían estar creciendo con esta parte natural de su herencia cultural, casi no tienen acceso al jazz serio, excepto por medio del disco fonográfico, ya sea en sus propias máquinas o en el programa nocturno KROW de Pat Henry.
"Rudy Salvini, quien durante mucho tiempo había sido un líder en el esfuerzo por llevar el jazz a las personas de su propia generación, creía que la esperanza estaba en las escuelas; Como alumno de SF State, Rudy había visto cómo el jazz se convertía en el modo de expresión en una universidad tras otra en el Área de la Bahía: San Francisco, San José, College of the Pacific y otros. Creía que si se podía llevar el jazz a las universidades, como lo había hecho Dave Brubeck, entre otros, se resolvería el problema de su futuro.”

El 16 de febrero de 1958 fue la última aparición semanal de la banda Salvini en las Arenas. No era ningún secreto que la banda no cubría los gastos. La música era maravillosa, pero la multitud no y sus patrocinadores ya no querían continuar con su apoyo. Fue un golpe triste para esta asociación de músicos del área de la Bahía que estaban tan dedicados al jazz de big band. Varios de ellos aprendieron su enseñanza viviente.

A pesar de este contratiempo, la big band de Rudy Salvini continuó dando conciertos casuales porque la calidad de la orquesta y el entusiasmo de sus integrantes y líder eran inmejorables. En marzo de 1958, el saxofonista barítono Curtis Lowe, un veterano de la banda de Lionel Hampton, reemplazó a Virgil Gonsalves en la big band de Salvini mientras iba a tocar con el grupo respaldando a Johnny Mathis en el Hotel Fairmont.

Para entonces, Virgil Gonsalves era quizás el músico de jazz más trabajador y ocupado del norte de California, pero su descanso no llegaría hasta la primavera de 1958, cuando su sexteto fue reservado para una presentación de dos semanas a partir del 13 de mayo en el Hollywood Jazz Cabaret, anteriormente ocupado por el famoso Jazz City. A fines de junio fueron contratados en el Black Hawk por otras dos semanas.

La formación de Gonsalves en ese momento incluía al pianista Arthur Fletcher (reemplazando a Merrill Hoover, otro residente de Oakland que fue contratado como acompañante de Anita O'Day), el trompetista Mike Downs, el bajista Terry Hilliard, el baterista Bobby Fuhlrodt de Oakland y el saxofonista tenor Dan Patiris, quien era de San Francisco.

En julio de 1958, el sexteto Gonsalves recibió muchos elogios mientras tocaba en Blue Mirror, el club de jazz más nuevo de San Francisco. C. H. Garrigues escribió en el San Francisco Examiner: "Uno de los cambios más felices para informar en la escena del jazz del área de la Bahía es la mejora que mostró el Sexteto Virgil Gonsalves en su reciente compromiso con el Black Hawk a fines de junio de 1958. Potencialmente, el grupo es mucho más complejo, mucho más capaz de hacer música seria importante, que cualquier cosa que haya salido de San Francisco.

"Como resultado de la mejora, el grupo de Virgil ha sido reservado en el Espejo Azul de Fillmore, ahora volviendo a una política de jazz de cuatro noches después de un lapso considerable. Antiguamente era uno de los mejores lugares de jazz de la zona.”

El propio Virgilio atribuyó la mejora a la persistencia casi obstinada con la que el grupo siguió ensayando. "Hombre", dijo, " no hemos trabajado mucho en los últimos 12 meses, pero seguro que practicamos mucho juntos, creo que está empezando a notarse.”

El sábado 9 de agosto de 1958, el Sexteto Gonsalves dio un concierto en el Centro Comunitario Booker T. Washington. Luego fue invitado al primer Festival de Jazz de Monterrey, organizado por Jimmy Lyons, el primer evento de jazz patrocinado por Civic celebrado en la costa del Pacífico. En la tarde del sábado 4 de octubre de 1958, y con Pat Henry como maestro de ceremonias, Virgil presentó su impresionante sexteto que fue un gran éxito, pero fue víctima de la superposición. Su actuación sinfónica de jazz all-star, programada para cerrar la tarde del 5 de octubre, tuvo que ser eliminada de la sobrecargada agenda. Estaba programado para tocar el Concierto de Ébano de Stravinsky, con Buddy DeFranco como solista.

La big band de Rudy Salvini continuó siendo aclamada por los críticos de jazz como una de las más emocionantes de la Cuenca del Pacífico. La maestría musical y la formación de Salvini fueron más evidentes en el Festival de Jazz de Monterrey, donde su equipo ofreció una actuación más emocionante que las otras grandes bandas de Harry James y Med Flory. Su banda tocó la Suite del Festival de Monterrey, escrita por el pianista John Marabuto. Virgil volvió a aparecer como presentador de la sección sax en la banda de lamentos de Salvini.

A principios de noviembre de 1958, el sexteto Virgil Gonsalves apareció en el gimnasio femenino del Humboldt Stale college, y el día 18 abrieron una presentación de dos semanas en el Taller de Jazz con una nueva sección rítmica que consistía en Merrill Hoover (p), Eddie Kahn (b) y Al Randall (d). A principios de diciembre, su exitosa actuación se extendió por dos semanas más durante las cuales acompañó a la cantante Dakota Staton en dos fechas. Como resultado del buen trabajo del sexteto, Dave Hubert, productor y propietario de Omegatape y Omega Records, propuso grabar un álbum estereofónico lo antes posible y Virgil aceptó.

En enero de 1959, Rudy Salvini se unió al distrito escolar primario Laguna Salada de Pacífica, como uno de los dos instructores de música del distrito y recién comenzaba su carrera docente. Rudy enseñó música de primaria a niños de 5to a 8vo grado. El nuevo trabajo docente no iba a significar que Salvini renunciara a su trabajo de big band jazz. El grupo continuó sus ensayos una vez a la semana y tenía un concierto de baile dominical mensual en Sands.

El sexteto de Virgil Gonsalves se había convertido en una de las referencias musicales en el mundo del jazz en el norte de California. Pero Virgil, siempre inquieto y entusiasta, también organizó una big band con el trompetista Jerry Cournoyer que estaba formada por tres trompetas y un fliscorno, dos trombones, una tuba, cinco saxofones y la sección rítmica. Se reunían semanalmente para ensayar los arreglos y composiciones que Cournoyer, Dan Patiris y el propio Gonsalves habían escrito para la nueva banda con el propósito de presentarse en el Concurso local de Bandas de Baile AFM.

El 15 de febrero, en el Sands Ballroom de Oakland, se llevó a cabo la Competencia AFM Dance Band, con las bandas de Rudy Castro, Buddy Hiles, Rudy Salvini, Steve Paul, Amando Paolini, Virgil Gonsalves, Jerry Cournoyer, DC Pinkston, EddieWalker y Johnny Ingram. Las orquestas dirigidas por los trompetistas, Eddie Walker y Rudy Salvini, ocuparon el primer y segundo lugar respectivamente.

El lunes 25 de mayo de 1959, Gonsalves, justo después de terminar un mes exitoso en el Mr. Smith club de San Francisco, grabó el LP para Omega. El título del álbum era "Jazz at Monterey de Virgil Gonsalves Big Band Plus Six". Una cara del disco consistía en cinco canciones de big band que incluían a varios miembros de su sexteto, como Downs y Patiris, así como a otros excelentes acompañantes, incluidos Leo Wright( el joven altoista que se unió a Gillespie), John Coppola, Jerry Cournoyer, Dickie Mills, Junior Mance y Benny Barth. El otro lado tenía cuatro temas del sexteto. El resultado de estas actuaciones fue una clara señal del desarrollo del jazz moderno en el Área de la Bahía. El excelente sonido de estas grabaciones fue obra de John Hall, ingeniero jefe de Omega Records.

El sexteto de Virgil luego se mudó al Cabana club para un compromiso de un mes. Anteriormente, el trompetista Mike Downs, de Virgil, se fue con Philly Joe Jones a Chicago y Filadelfia, por lo que Stan Foster entró para reemplazarlo. El joven baterista Dick Berk también tocó varios domingos con el Sexteto Gonsalves.

En enero de 1960, Hal Lederman y Peter Ekstein, un nuevo equipo de promoción de Hollywood, que operaba como Omega Enterprises, anunciaron sus " Dimensiones en el Jazz."Fue un fin de semana de jazz con Dave Brubeck, Dinah Washington y Three Sounds, con una presentación el viernes por la noche en el Berkeley Community Theatre y otra el sábado por la noche en el Templo Masónico de San Francisco. Además Virgil Gonsalves consiguió los bolos para los suplentes en ambos conciertos, siendo escuchado en el show de Berkeley con su big band y en San Francisco con su sexteto. Gracias al éxito, Lederman y Ekstein invitaron a la big band de Gonsalves a presentarse en el Festival de Jazz de Hollywood en junio.

En la noche del día de San Valentín, el 14 de febrero, la Rudy Salvini big band dio su tan esperado primer concierto de baile de la temporada en el Sands Ballroom. También era una atracción habitual en el quiosco de música de los lunes y martes por la noche en Castle Lucky XIII en San Leandro, donde Rudy encabezaba un Quinteto con la cantante Ree Brunell, quien se convertiría en su esposa en agosto.

La noche del viernes 4 de marzo de 1960, Lederman y Ekstein presentaron un nuevo concierto "Dimensions in Jazz" en el Auditorio Cívico de San Francisco. Encabezando el cartel estuvo el Quinteto de Miles Davis, y completando la atractiva alineación de la noche, estuvieron el Jazztet Farmer-Golson-Fuller, el Quinteto Paul Horn con Jimmy Witherspoon y, en el último minuto, Nina Simone se unió al evento. La big band de Virgil Gonsalves abrió el espectáculo el viernes por la noche para recibir elogios de los críticos de jazz.

Duke Ellington, Sarah Vaughan y el nuevo Sexteto de Virgil Gonsalves actuaron para deleite de la audiencia que llenó el Auditorio Cívicoel 16 de junio. Al día siguiente, Gonsalves y su big band, que incluía tres trompetas y un fliscorno, dos trombones, una tuba, cinco saxofones y una sección rítmica, aparecieron en el Festival de Jazz de Hollywood.

A fines de mayo, el trío Oscar Peterson tuvo que cancelar sus últimas tres noches en el Black Hawk cuando la madre de Oscar falleció inesperadamente. El sexteto de Gonsalves entró en el último minuto con Ray Brown en el bajo.

Después del verano, las bandas de talleres Rudy Salvini y Virgil Gonsalves-Jerry Cournoyer se detuvieron por completo.

En noviembre de 1960, el sexteto de Gonsalves, incluidos Stan Foster (tp), Dan Patiris( ts), Kenny Elmore (p), Carl Brown (b) y Lee Russell (d), fue retenido en Hungry cellar nitery de San Francisco en 599 Jackson, un bohemio club de playa del Norte que también jugó un papel en el ascenso de los comediantes Mort Sahl y Lenny Bruce.
En marzo de 1961, Virgil organizó un cuarteto que estuvo reservado durante ocho semanas de miércoles a sábado en the New Plush Room, un lugar para cenar y bailar en San Francisco ubicado en 946 Sutter St.Luego, a principios de abril, Virgil con su sexteto, que incluía a varios miembros nuevos, fue a Las Vegas para respaldar a la cantante Anita O'Day y en un compromiso posterior en Denver. En junio regresó a trabajar con su sexteto los domingos en Suite 14, un club de Oakland.

El 30 de octubre de 1961, Gonsalves armó una carpa para presentarse en "Jazz for Moderns", un concierto con un programa que iba desde el blues tradicional hasta la música moderna, con dos presentaciones en la Universidad de Berkeley en California.

En el verano de 1962, en un momento de poco trabajo, Virgil encontró un punto de apoyo en Nueva York en el nuevo "Thundering Herd" de Woody Herman que trabajaba en el Metropole como reemplazo del saxofonista barítono Frank Hittner. Mientras tanto, la Rudy Salvini big band continuó trabajando en citas de baile informales en el salón de baile del Hotel Fairmont, así como en algunos clubes.

En mayo de 1963, después de más de dos años alejado del Área de la Bahía, Virgil Gonsalves regresó al circuito de jazz cuando fue contratado para tocar los fines de semana en el Colony Club de Monterrey. Esta vez Virgil estaba al frente de un quinteto con el trompetista Webster Young; Jerry Coker (p); Terry Hilliard (b); y Kenny Shirlan (d). Más tarde trabajó con un cuarteto en Maida's en Bamboo Village, Salinas (regresando para Nochevieja) y en the Outrigger en Monterrey.

En octubre, mientras aún estaba en el Outrigger, Virgil presentó un nuevo sexteto para tocar de miércoles a domingo en un cartel que incluía al gran saxofonista alto Lee Konitz, que vivía en Carmel Valley. Su sexteto incluía al pianista Bob Dorough, el guitarrista Al Shackman de Nueva York, el bajista Boshko Vuko de Yugoslavia; el gran baterista de Nueva Orleans, Art Lewis, que entonces trabajaba en San Francisco, y la cantante Alicia Harby.

Después de un descanso de unos meses, Virgil Gonsalves regresó al circuito de clubes en mayo de 1964, liderando un cuarteto con él doblando saxo barítono y flauta y uniéndose a Don Alberts (p), Don Russo (b) y Art Lewis (d), tocando de miércoles a domingos en el Charles Van Damme en Sausalito.

De regreso con su sexteto, Gonsalves tocó en sesiones nocturnas de fin de semana en el Outrigger de Monterey en septiembre de 1964. Poco después apareció en un largo compromiso con el pianista Don Alberts en Bustles and Beaus en Powell Street, en el centro de San Francisco. En esta etapa, Gonsalves también dirigió un septeto que tocó en el Centro Cívico de la Ciudad el 25 de septiembre en el Festival anual de las Artes. La big band de Rudy Salvini también dio un concierto gratuito al día siguiente.

El 27 de octubre, el cuarteto de Gonsalves abrió en Music Cross Roads en Jack London Square. Para este compromiso, el bajista Norman McKay reemplazó a Don Russo. Según Russ Wilson, del Oakland Tribune: "La escena del jazz del Este de la bahía comenzó a ampliarse anoche y es inminente una mayor expansión. Virgil Gonsalves tiene uno de los mejores combos de jazz moderno del área de la Bahía. Está bien ensayado y presenta una buena cantidad de melodías originales del líder y pianista Don Alberts.”

El domingo 16 de mayo de 1965, Gonsalves tocó en un concierto benéfico de jazz organizado por Children's Home Society, titulado " Cápsula de la Historia del Jazz."Estuvo allí como miembro de la big band de John Coppola en el Auditorio College of Nôtre Dame en Belmont. La banda de Coppola incluía a Rudy Salvini, Dan Patiris, John Handy, Bill Perkins y John Marabuto. El conjunto imitó los estilos de las bandas bigname de los 40 años anteriores. Coppola era un trompetista popular con 20 años de experiencia profesional. Había estado con las bandas de Stan Kenton y Woody Herman, así como en los shows de Judy Garland, Nat King Cole y Danny Kaye, entre otras actividades. Nació en Geneva, Nueva York, ex residente de Oakland y estudiante de Technical High School. También vivió en San Francisco, donde apareció en muchos clubes nocturnos y espectáculos.

En marzo de 1966, Virgil volvió a tocar en la banda de Coppola en el Oakland Holiday Inn. Luego pasó un tiempo con la banda de Woody Herman y poco después abandonó la escena del jazz cuando se unió a la sección de vientos (barítono, soprano y flauta) de Electric Flag de Mike Bloomfield, una notable banda de blues-rock. Cuando su baterista Buddy Miles rompió con Mike después del Festival Pop de Monterrey de 1967, organizó una nueva banda de música estadounidense de Bandera Eléctrica, un grupo de nueve integrantes dirigido por el veterano bajista Harvey Brooke.

También en 1966, la Rudy Salvini Big Band tuvo el honor de ser la primera big band en tocar en el Stern Grove Festival apareciendo junto con el pianista Vince Guaraldi, el altoista John Handy y Turk Murphy.

Una nueva experiencia para Gonsalves fue escribir la partitura musical de "Sons and Daughters", una poderosa película de 1968 dirigida por el célebre fotógrafo de San Francisco Jerry Stroll. Esta película de bajo presupuesto fue la historia de la protesta de los jóvenes contra la participación de Estados Unidos en Vietnam. Jon Hendricks compuso y cantó la canción principal y una segunda canción de protesta sobre el gueto negro titulada " Fire In The City."El acompañamiento musical fue de Grateful Dead.

En octubre de 1968, Buddy Miles reunió a algunos de sus músicos favoritos, incluidos Virgil Gonsalves, Marcus Doubleday (tp), Herbie Rich (org & ts) y Terry Clements (ts) y fundó su propia banda: Buddy Miles Express. Completando el grupo de ocho miembros estaban Bill Rich (b), Jim McCarty (g) y Robert McPherson (ts). Virgil grabó con The Express para Mercury y continuó con la banda durante más de un año. También durante el otoño de 1968, Virgil tocó la flauta en sesiones improvisadas con Jimi Hendrix.

En el otoño de 1970, Virgil se unió a Bluesberry Jam, un grupo de rock-jazz de estrellas con músicos que anteriormente habían estado en bandas de renombre. Los otros miembros fueron Al Walton (voz y armónica), quien anteriormente era el cantante de Pacific Gas and Electric, Al Gallegos (ts y fl), quien había estado de gira con Ike y Tina Turner y tocó varios años con la orquesta de Pérez Prado, Ken Klimak (guitarrista principal de Mr. Stress), Gerald Olds (b) que había tocado con Tom Rush y los Greenbriar Boys, Brian Moffett (un destacado baterista de jazz de Chicago que había tocado en conciertos y clubes con Roland Kirk) y el joven trompetista húngaro Frank Szabo, quien más tarde se convirtió en un elemento fijo en las big bands de jazz de Los Ángeles de Louie Bellson, Count Basie, Frank Capp/Nat Pierce, Pat Longo, Don Menza, Bill Holman, Doc Severinsen, Charlie Shoemake, Stan Kenton 50th Celebration band, Tom Talbert, Roger Neumann, y Gerald Wilson, entre otros. La música de Bluesberry Jam fue descrita como " funk americano.”

A los 41 años, Virgil encontró un nuevo hogar durante un año cuando la banda de rock, blues y soul Pacific Gas & Electric Company cambió su nombre a PG&E.

En 1975 era el saxofonista barítono y coordinador de conjunto de Delta Wires, un grupo muy pesado en el estilo soul y funk Oakland de Tower of Power que también manejaba blues relajado y gruñidos ocasionales de jazz puro sobre su ritmo rockero. Delta Wires era un grupo de diez integrantes con dos trompetas, dos saxos y un par de teclados, además de bajo, guitarra, batería y arpista y líder Ernie Piñata.

Después de mediados de la década de 1970, Virgil Gonsalves continuó trabajando como autónomo, pero no se sabe mucho sobre sus actividades posteriores. Falleció a los 77 años en Salinas, California, el 20 de octubre de 2008.

Hasta su jubilación en 1985, Salvini enseñó música en escuelas de Pacifica, una carrera que amaba y de la que estaba orgulloso. También continuó trabajando con un Octeto en los 90 y principios de los 2000. Además de Salvini a la trompeta, la banda incluía en at various times, Bruce Wolff, Nael Van Valkenburgh o Van Hughes (tb), Art Dougherty (as), Howard Dudne, Tom Hart o Jim Grantham (ts), Chuck Peterson o Ted Thiele (bs), Michael Greensill o John Price (p), Dean Reilly o Frank Pasantino (b), y Tom Duckworth o Eric Thompson (d). Rudy también tocaba con su big band una vez al mes en The Boat House en San Francisco con lo que Rudy llamaba "los mejores gatos de la ciudad."En octubre de 1996, Rudy's Octet fue elegido para tocar en la exhibición de Duke Ellington que recorrió los Estados Unidos con el guitarrista Kenny Burrell. En sus últimos años Rudy ensayaba una vez al mes en el union con su banda y actuaba una vez al mes en el Alameda Elks Ballroom. Murió el 7 de junio de 2011.

Virgil Gonsalves y Rudy Salvini fueron dos fuerzas impulsoras muy importantes del jazz en el Área de la Bahía en los años 50. Con este CD recopilatorio, queremos rendir homenaje no solo a su talento como músicos y líderes de banda, sino también a su perseverancia y sus logros musicales poco recordados, una verdadera labor de amor por el jazz.

- Jordi Pujol (De las notas internas del FSRCD 1114)
https://www.freshsoundrecords.com/14290-virgil-gonsalves-albums