A soulful and infectious style crafted around classic organ grooves, and rooted in the tradition of great Hammond B3 organists like Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Jack McDuff, and "Groove" Holmes. SMB is founded on the enduring partnership of Chris Foreman, the Chicago-based and nationally celebrated Hammond B3 Jazz Organist, and the always solid drummer, Greg Rockingham, aka "The Rock." Greg and Chris have a 25-year history of collaboration, including groups like the Deep Blue Organ Trio. Mr. Rockingham and Mr. Foreman have an unmistakable chemistry that has taken them from Chicago to Jazz Clubs and Arenas around the world as both headliners and as an opening group for Steely Dan. The band adds Chicago veteran guitarist, Lee Rothenberg on guitar. https://ilpresenters.org/soul-message-band/
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Un estilo conmovedor e infeccioso elaborado en torno a ritmos clásicos de órgano y arraigado en la tradición de grandes organistas de Hammond B3 como Jimmy Smith, Jimmy McGriff, Charles Earland, Jack McDuff y" Groove " Holmes. SMB se funda en la duradera asociación de Chris Foreman, el organista de Jazz Hammond B3 con sede en Chicago y célebre a nivel nacional, y el siempre sólido baterista Greg Rockingham, también conocido como "The Rock"."Greg y Chris tienen una historia de colaboración de 25 años, incluidos grupos como Deep Blue Organ Trio. El Sr. Rockingham y el Sr. Foreman tienen una química inconfundible que los ha llevado de Chicago a Clubes de Jazz y Estadios de todo el mundo como cabezas de cartel y como grupo de apertura de Steely Dan. La banda agrega al guitarrista veterano de Chicago, Lee Rothenberg a la guitarra. https://ilpresenters.org/soul-message-band/
Review by Richard S. Ginell Whatever the meaning of the word "talkin," this is still a most valuable release because it succinctly sums up Willie Bobo's Verve recordings, most of which have yet to see the light of the laser. By this time, Bobo had followed Mongo Santamaria into the marketplace as an energetic exponent of the Latin boogaloo, even scoring a minor hit with "Spanish Grease." But Bobo went even further than Mongo toward an accommodation with the '60s scene, adding the R&B-oriented electric rhythm guitar of Sonny Henry, dropping the piano, incorporating strings and even an occasional graceful vocal now and then. While there are a few covers of '60s standards here, like "The Look of Love" and "Grazing in the Grass" -- and he had the great sense to seek out and record a hip-shaking version of Eddie Harris' "Sham Time" -- Bobo's biggest contribution on these tracks was in providing the inspiration for the Latin rock boom to come. "Evil Ways" is almost an exact blueprint for Carlos Santana's career-launching hit version; "Spanish Grease" reappeared uncredited six years later as Santana's "No One to Depend On," and Santana also played Bobo's lowdown "Fried Neck Bones and Some Homefries" in the band's early days. With Bobo's galvanic congas and timbales swinging at all times, few CDs by a single artist capture the ambience of late-'60s jazz radio in the evening as well as this one. https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497
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Reseña de Richard S. Ginell Cualquiera que sea el significado de la palabra "talkin", este sigue siendo un lanzamiento muy valioso porque resume sucintamente las grabaciones en Verve de Willie Bobo, la mayoría de las cuales aún no han visto la luz del láser. Para entonces, Bobo había seguido a Mongo Santamaría al mercado como un enérgico exponente del boogaloo latino, incluso logrando un pequeño éxito con " Spanish Grease." Pero Bobo fue aún más lejos que Mongo hacia un acomodo con la escena de los 60, agregando la guitarra rítmica eléctrica orientada al R&B de Sonny Henry, dejando caer el piano, incorporando cuerdas e incluso una elegante voz ocasional de vez en cuando. Si bien hay algunas versiones de los estándares de los 60 aquí, como "The Look of Love" y "Grazing in the Grass", y tuvo el gran sentido de buscar y grabar una versión de Eddie Harris "Sham Time", la mayor contribución de Bobo en estas pistas fue proporcionar la inspiración para el boom del rock latino por venir. "Evil Ways" es casi un plan exacto para la exitosa versión de lanzamiento de la carrera de Carlos Santana ;" Spanish Grease " reapareció sin acreditar seis años después como "No One to Depend On" de Santana, y Santana también tocó "Fried Neck Bones and Some Homefries" de Bobo en los primeros días de la banda. Con las congas galvánicas y los timbales de Bobo balanceándose en todo momento, pocos CD de un solo artista capturan el ambiente de la radio de jazz de finales de los 60 por la noche tan bien como este. https://www.allmusic.com/album/talkin-verve-mw0000023497
Biography by Scott Yanow Wardell Gray was one of the top tenors to emerge during the bop era (along with Dexter Gordon and Teddy Edwards). His Lester Young-influenced tone made his playing attractive to swing musicians as well as younger modernists. He grew up in Detroit, playing in local bands as a teenager. Gray was with Earl Hines during 1943-1945, recording with him (1945). That same year, he moved to Los Angeles and he became a major part of the Central Avenue scene, having nightly tenor battles with Dexter Gordon; their recording of "The Chase" was popular. Gray recorded with Charlie Parker in 1947 and yet his style appealed to Benny Goodman, with whom he played the following year. Among his own sessions, his solos on "Twisted" (1949) and "Farmer's Market" (1952) were turned into memorable vocalese by Annie Ross a few years later. Back in New York, Gray played and recorded with Tadd Dameron and the Count Basie septet and big band (1950-1951); "Little Pony," his showcase with the Basie orchestra, is a classic. Gray was featured on some Norman Granz jam sessions ("Apple Jam" has a particularly heated solo) and recorded with Louie Bellson (1952-1953). Ironically, Wardell Gray, who in the late '40s was an inspiration to some younger musicians due to his opposition to drug use, himself became involved in drugs and died mysteriously in Las Vegas on May 25, 1955, when he was just 34. https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography
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Biografía de Scott Yanow Wardell Gray fue uno de los mejores tenores que surgieron durante la era del bop (junto con Dexter Gordon y Teddy Edwards). Su tono, influenciado por Lester Young, hizo que su forma de tocar resultara atractiva tanto para los músicos de swing como para los jóvenes modernistas. Creció en Detroit y tocó en bandas locales durante su adolescencia. Gray estuvo con Earl Hines durante 1943-1945, grabando con él (1945). Ese mismo año se trasladó a Los Ángeles y se convirtió en una parte importante de la escena de Central Avenue, manteniendo batallas nocturnas de tenor con Dexter Gordon; su grabación de "The Chase" fue muy popular. Gray grabó con Charlie Parker en 1947 y, sin embargo, su estilo atrajo a Benny Goodman, con quien tocó al año siguiente. Entre sus propias sesiones, sus solos en "Twisted" (1949) y "Farmer's Market" (1952) fueron convertidos en vocales memorables por Annie Ross unos años más tarde. De vuelta a Nueva York, Gray tocó y grabó con Tadd Dameron y el septeto y la big band de Count Basie (1950-1951); "Little Pony", su presentación con la orquesta de Basie, es un clásico. Gray participó en algunas jam sessions de Norman Granz ("Apple Jam" tiene un solo especialmente acalorado) y grabó con Louie Bellson (1952-1953). Irónicamente, Wardell Gray, que a finales de los años 40 sirvió de inspiración a algunos músicos más jóvenes por su oposición al consumo de drogas, se metió él mismo en las drogas y murió misteriosamente en Las Vegas el 25 de mayo de 1955, cuando sólo tenía 34 años. https://www.allmusic.com/artist/wardell-gray-mn0000235881#biography
Review by Michael G. Nastos Kenny Burrell's storied career as perhaps the premier modern jazz guitarist has been documented by many efforts in the studio, but here's a nightclub date that may well be highly ranked as one of his very best efforts. The spontaneity and freshness of Burrell's lyric lines and deft chords is further enhanced by perhaps the most advanced musicians he has ever played with -- bassist Richard Davis and drummer Roy Haynes. For music done in 1959, this is heady, seat-of-the-pants, brilliantly executed jazz that is mostly based in standards, but stretched to exacting tolerances that bend, but are not close to breaking. Davis provides strong support without going as outward as he did later in life, while Haynes might sound subdued to his fans, yet has an elastic presence that allows the other two a lot of freedom to fully articulate this modern mainstream language as a prelude heading into the turbulent '60s. On this straight reissue that originally sported the title "Man at Work," the trio plays all standards save the lively blues groove, more pronounced than the studio version of Burrell's "All Night Long," and the Erroll Garner tune "Trio," where Burrell's proves expert at combining singles lines and chords in balance. Most of the material is very upbeat and energetic as on the fast and quick "Will You Still Be Mine," and the bop swing of "Broadway" mixed up a little melodically by Burrell. The love of Duke Ellington's music is always with the guitarist as rendered during "Just A-Sittin' and A-Rockin'," where the genius of Burrell is extant in his ability to provide his own counterpoint. Burrell's other precious component is his ability to relax and consistently swing as on Thelonious Monk's "Well, You Needn't," Benny Goodman's poignant and simple "Soft Winds," and dipping deep into the tenderness quotient on the ballad "I'm a Fool to Want You" aside the tango-flavored bass of Davis. A solid effort top to bottom, and a recording most highly recommended, this is Burrell and his extraordinary trio very close to, if not truly in their prime, and their element. https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946
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Reseña de Michael G. Nastos La carrera de Kenny Burrell como quizás el mejor guitarrista de jazz moderno ha sido documentada por muchos esfuerzos en el estudio, pero aquí hay una cita en un club nocturno que bien puede ser clasificada como uno de sus mejores esfuerzos. La espontaneidad y frescura de las líneas líricas y los hábiles acordes de Burrell se ven realzadas por los músicos más avanzados con los que ha tocado: el bajista Richard Davis y el batería Roy Haynes. Para ser música de 1959, se trata de un jazz embriagador y brillantemente ejecutado que se basa principalmente en estándares, pero estirados hasta tolerancias exactas que se doblan, pero no están cerca de romperse. Davis proporciona un fuerte apoyo sin salirse tanto como lo hizo más tarde en su vida, mientras que Haynes puede sonar apagado para sus fans, pero tiene una presencia elástica que permite a los otros dos mucha libertad para articular plenamente este lenguaje mainstream moderno como preludio hacia los turbulentos años 60. En esta reedición directa que originalmente llevaba el título de "Man at Work", el trío toca todos los estándares salvo el animado groove de blues, más pronunciado que en la versión de estudio de "All Night Long" de Burrell, y el tema de Erroll Garner "Trio", donde Burrell se muestra experto en combinar líneas sencillas y acordes en equilibrio. La mayor parte del material es muy optimista y enérgico, como en la rápida y veloz "Will You Still Be Mine", y el swing bop de "Broadway", mezclado un poco melódicamente por Burrell. El amor por la música de Duke Ellington está siempre presente en el guitarrista, como en "Just A-Sittin' and A-Rockin'", donde el genio de Burrell se manifiesta en su habilidad para aportar su propio contrapunto. El otro componente valioso de Burrell es su habilidad para relajarse y balancearse consistentemente como en "Well, You Needn't" de Thelonious Monk, la conmovedora y sencilla "Soft Winds" de Benny Goodman, y sumergiéndose profundamente en el cociente de ternura en la balada "I'm a Fool to Want You" al lado del bajo con sabor a tango de Davis. Burrell y su extraordinario trío están muy cerca, si no verdaderamente en su mejor momento, y en su elemento. https://www.allmusic.com/album/a-night-at-the-vanguard-mw0000203946
Editorial Reviews "The Dave Brubeck Quartet - Live from the Northwest, 1959" is the newest release from Brubeck Editions, the family-run label that only puts out music of the highest musical and technical quality. These exciting performances were recorded by the trailblazing and iconic audio engineer, Wally Heider, who pioneered the art of remote recording from his "studio on wheels." The sound he achieved is stellar, and this is perhaps the best live recording you can hear of one the most popular jazz groups of all time. The tapes were recorded in April, 1959 at the Multnomah Jazz Club and Clark College, both in the Portland, Oregon area. On this recording you can hear the Quartet's mastery of spontaneous counterpoint improvisation. Four months later, the Dave Brubeck Quartet's focus shifted to polytonal and polyrhythmic approaches when the group recorded the legendary "Time Out", and changed the course of jazz forever. https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959
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Reseñas Editoriales "The Dave Brubeck Quartet-Live from the Northwest, 1959" es el lanzamiento más reciente de Brubeck Editions, el sello familiar que solo publica música de la más alta calidad musical y técnica. Estas emocionantes actuaciones fueron grabadas por el pionero e icónico ingeniero de audio, Wally Heider, quien fue pionero en el arte de la grabación remota desde su "estudio sobre ruedas"."El sonido que logró es estelar, y esta es quizás la mejor grabación en vivo que puedes escuchar de uno de los grupos de jazz más populares de todos los tiempos. Las cintas fueron grabadas en abril de 1959 en el Multnomah Jazz Club y Clark College, ambos en el área de Portland, Oregón. En esta grabación se puede escuchar el dominio del Cuarteto de la improvisación contrapuntística espontánea. Cuatro meses después, el enfoque del Dave Brubeck Quartet cambió a enfoques politonales y polirrítmicos cuando el grupo grabó el legendario "Time Out" y cambió el rumbo del jazz para siempre. https://www.brubeckeditions.com/live-from-the-northwest-1959
SPACE JUNK IS FOREVER is a project from Massachusetts, U.S.A. that started as solo compositions and recordings in 2013 by organist Jordan Holt, who stated he had no intention of using the material in a band. He would later collaborate with pianist/composer Claude Garoute. In 2017 drummer Madden Klass joined and the trio began creating live recording sessions of their debut, self-titled release. The band is accompanied by Matt Vigna on guitar and Dave Palan on bass on their third release, SJF3, as well as live shows.
SPACE JUNK IS FOREVER describes their music with the following passage from their website:
"Space Junk is Forever uses vintage instruments to weave simple melodies, stirring harmonic language, and frequent key and meter changes into impressionistic, aptly titled tunes that 70's prog lovers, mathy drummers, synthesizer geeks, and music theory nerds are all sure to enjoy. Deep grooves, varied instrumentations, and wild group improvisations further invite a broader audience."
https://www.progarchives.com/artist.asp?id=11969
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SPACE JUNK IS FOREVER es un proyecto de Massachusetts, EE. UU. que comenzó como composiciones y grabaciones en solitario en 2013 por el organista Jordan Holt, quien declaró que no tenía intención de usar el material en una banda. Más tarde colaboraría con el pianista y compositor Claude Garoute. En 2017, el baterista Madden Klass se unió y el trío comenzó a crear sesiones de grabación en vivo de su debut, el lanzamiento homónimo. La banda está acompañada por Matt Vigna a la guitarra y Dave Palan al bajo en su tercer lanzamiento, SJF3, así como en shows en vivo.
SPACE JUNK IS FOREVER describe su música con el siguiente pasaje de su sitio web:
"Space Junk is Forever usa instrumentos antiguos para tejer melodías simples, un lenguaje armónico conmovedor y frecuentes cambios de tonalidad y compás en melodías impresionistas y acertadamente tituladas que los amantes progresistas de los 70, los bateristas matemáticos, los geeks de sintetizadores y los nerds de la teoría musical seguramente disfrutarán. Ritmos profundos, instrumentaciones variadas e improvisaciones grupales salvajes invitan aún más a una audiencia más amplia."
Portrait painting is the earliest division among the three divisions of traditional paintings and is considered to be the symbol of independence and maturation of Chinese painting art. Many masters, such as Gu Kaizhi, Yan Liben, and Wu Daozi left us famous works in portrait painting. “Chinese Portrait Paintings” is divided into three volumes, presenting more than 300 excellent portrait paintings in eight parts.
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Traducción Automática: La pintura del retrato es
la división más temprana entre las tres divisiones de pinturas
tradicionales y se considera ser el símbolo de la independencia y de la
maduración del arte chino de la pintura. Muchos maestros, como Gu Kaizhi, Yan Liben y Wu Daozi nos dejaron obras famosas en la pintura de retrato. "Pinturas
de retrato chino" se divide en tres volúmenes, presentando más de 300
pinturas excelentes del retrato en ocho partes.
Dibujos de muebles y otros objetos principios s.19, pdf
Son 8 tomos con más de 400 páginas de dibujos de muebles, carruajes, decoración y otros.
Formato pdf / 111 MB
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Drawings of furniture and other objects principles s.19, pdf They are 8 volumes with more than 400 pages of drawings of furniture, carriages, decoration and others. Format pdf / 111 MB
Stephane Grappelli (originally surname was spelled with a 'Y') would have earned himself a place in Jazz History books if only for his important role in the Quintette of the Hot Club of France, featuring the dazzling virtuosity of Django Reindhart. Grappelli's violin was the perfect foil to Reindhart's guitar in this piano-less group.
Fired by Reindhart's tremendous rhythmic powers, Grappelli's contributions to recordings by the Quintette like Lime House Blues, China Boy and It Don't Mean A Thing (all 1935) and Them There Eyes, Three little Words and Swing '39 (these latter three tracks from 1938-39) were admirable in their execution.
Occasionally Grappelli would play piano, as when harmonica virtuoso Larry Adler recorded with the group in 1939, the year when Reindhart and Grappelli, violin, recorded (with delightful results) as a duo (all Django Reindhart).
Grappelli born (1908) and raised in Paris was involved with music at a very early age. By 12 years, he had acquired his first violin- just one of several instruments he learned to play. He began professionally with theatre bands, eventually being introduced to jazz music. A French jazz musician, Philippe Brun, introduced Grappelli to Reindhart. Soon after that meeting they put the idea of Quintette into practice.
When World War II commenced, Grappelli and the band were touring Britain. While the others returned to Paris Grappelli decided to stay. During the next six years he became a popular figure in London with habitues of nightlife in general and in musical entertainment in particular, working with local musicians in the local clubs. In 1946, he returned to Paris, renewed association with Reindhart, but he magic of pre-war days did not re-appear too often. Between 1948-55 worked in Club Saint Germain, Paris, and in the latter year played nine-month residency in St. Tropez.
During the '70s Grappelli has played throughout Europe, in Clubs, concerts and festivals, has and broadcast televised extensively, and has been a regular visitor to the recording studio.
In 1966, Grappelli was recorded in concert in Switzerland, together with fellow jazz violinist Jean-Luc Ponty, Stuff Smith and Svend Asmussen (Violin Summit). Since then he has recorded frequently in London. A live date at the Queen Elizabeth Hall (Stephane Grappelli 1972) finds him responding to an enthusiastic audience. Elsewhere he has recorded with much success, with Americans Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) and Barney Kessel (I Remember Django).
Stéphane Grappelli (originalmente el apellido se escribía con una "Y") se habría ganado un lugar en los libros de historia del jazz aunque sólo fuera por su importante papel en el Quinteto del Hot Club de Francia, con el deslumbrante virtuosismo de Django Reindhart. El violín de Grappelli fue el perfecto complemento de la guitarra de Reindhart en este grupo sin piano.
Impulsados por los tremendos poderes rítmicos de Reindhart, las contribuciones de Grappelli a grabaciones del Quinteto como Lime House Blues, China Boy y It Don't Mean A Thing (todas de 1935) y Them There Eyes, Three little Words y Swing '39 (estas tres últimas canciones de 1938-39) fueron admirables en su ejecución.
Ocasionalmente Grappelli tocaba el piano, como cuando el virtuoso de la armónica Larry Adler grabó con el grupo en 1939, año en que Reindhart y Grappelli, violín, grabaron (con resultados deliciosos) como dúo (todos Django Reindhart).
Grappelli, nacido en 1908 y criado en París, se involucró en la música a una edad muy temprana. A los 12 años ya había adquirido su primer violín, uno de los muchos instrumentos que aprendió a tocar. Empezó profesionalmente con bandas de teatro, y finalmente se introdujo en la música de jazz. Un músico de jazz francés, Philippe Brun, presentó a Grappelli a Reindhart. Poco después de ese encuentro pusieron en práctica la idea del Quinteto.
Cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial, Grappelli y la banda estaban de gira por Gran Bretaña. Mientras los demás volvían a París, Grappelli decidió quedarse. Durante los siguientes seis años se convirtió en una figura popular en Londres con hábitos de vida nocturna en general y de entretenimiento musical en particular, trabajando con músicos locales en los clubes locales. En 1946, regresó a París, renovando su asociación con Reindhart, pero la magia de los días de preguerra no reapareció con demasiada frecuencia. Entre 1948-55 trabajó en el Club Saint Germain de París, y en este último año hizo una residencia de nueve meses en St.
Durante los años 70 Grappelli ha tocado en toda Europa, en Clubes, conciertos y festivales, ha transmitido por televisión y ha sido un visitante regular del estudio de grabación.
En 1966, Grappelli se grabó en concierto en Suiza, junto con su colega violinista de jazz Jean-Luc Ponty, Stuff Smith y Svend Asmussen (Violin Summit). Desde entonces ha grabado frecuentemente en Londres. Una cita en directo en el Queen Elizabeth Hall (Stéphane Grappelli 1972) le encuentra respondiendo a un público entusiasta. En otros lugares ha grabado con mucho éxito, con los americanos Gary Burton (Paris Encounter), Bill Coleman (Stephane Grappelli-Bill Coleman), Roland Hanna, (Stephane Grappelli Meets he Rhythm Section) y Barney Kessel (I Remember Django).
Skeewiff is one of the many pseudonyms of Pedigree Cuts and Jalapeno records Founders Alex Rizzo & Elliot Ireland.
They released their first E.P. Absent Without Leave in 1998 on Ministry Of Sound’s Breakbeat offshoot FSUK. Major record deals with Universal and then Warner Bros were to follow under the guises Shaft & Da Muttz.
The Skeewiff sound has best been described as “Easy-Break-Funk” or the “love child of music past and present”. Skeewiff albums generally have an abundance of Genre-Clash and interesting blends of styles as titles like “Ghetto Latin & Broken Ballroom” suggest.
Highlights from a lengthy career include collaborations with Young MC, The Jungle Brothers, Finley Quaye, Alan Hawkshaw and major official remixes of artist like Amy Winehouse, Sugababes, Eminem and Tower of Power.
Skeewiff’s music has been used on adverts for Nike, Volkswagen, Renault and has featured in Hollywood blockbusters such as Killers and The Help. They are the official library remixers of choice, having released remixed albums for KPM, Amphonic & Chapell. They won 2012 Electro Swing Producer of the year… Not to mention the 5 worldwide number ones with Shaft’s Mucho Mambo!
This year has seen Alex busy writing and producing the highly successful Ghetto Latin & Broken Ballroom with vocalist Rayna MC, whilst Elliot has been in the studio forging a new album for one of their other pseudonyms Ikon, destined for release next year.
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Skeewiff es uno de los muchos seudónimos de los fundadores de Pedigree Cuts y Jalapeno records Alex Rizzo & Elliot Ireland.
Lanzaron su primer E.P. Absent Without Leave en 1998 en la filial Breakbeat del Ministerio de Sonido, FSUK. Los grandes discos de Universal y Warner Bros le siguieron bajo el nombre de Shaft & Da Muttz.
El sonido Skeewiff se describe mejor como "Easy-Break-Funk" o el "hijo del amor de la música pasada y presente". Los álbumes de Skeewiff generalmente tienen una abundancia de Genre-Clash e interesantes mezclas de estilos como sugieren títulos como "Ghetto Latin & Broken Ballroom".
Entre los aspectos más destacados de una larga carrera se incluyen colaboraciones con Young MC, The Jungle Brothers, Finley Quaye, Alan Hawkshaw y los principales remixes oficiales de artistas como Amy Winehouse, Sugababes, Eminem y Tower of Power.
La música de Skeewiff se ha utilizado en anuncios de Nike, Volkswagen, Renault y ha aparecido en éxitos de taquilla de Hollywood como Killers y The Help. Son los remezcladores oficiales de la biblioteca de elección, habiendo lanzado álbumes remezclados para KPM, Amphonic & Chapell. Ganaron el premio al Productor de Electro Swing del año 2012... ¡Sin mencionar los 5 números uno mundiales con Mucho Mambo de Shaft!
Este año ha visto a Alex ocupado escribiendo y produciendo el muy exitoso Ghetto Latin & Broken Ballroom con la vocalista Rayna MC, mientras que Elliot ha estado en el estudio forjando un nuevo álbum para uno de sus otros seudónimos Ikon, destinado a ser lanzado el próximo año.
It's taken Sam Myers fully 50 years to make his first solo album. But he's no stranger to either stage or studio, having worked with Elmore James and Anson Funderburgh. For his debut he's assembled a top-notch band, led by guitarist Mel Brown, to work not so much behind him as with him. Brown is a standout as an accompanist, offering wonderful decoration to "I Got the Blues" and "Burning Fire." But understandably, it's Myers who's the star of the show, and his driving harmonica playing carries its own momentum, as on his version of Rice Miller's "Ninety Nine." But there's also a very pleasing grit to his singing, whether on the slow and deeply soulful"After Hours When the Joint Is Closed," or "Waitin' On Your Mama," which could have come directly from the Chicago school of blues. It might have taken him five decades to get to this, but from the music on the disc, not a single minute was wasted.
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Revisión por Chris Nickson
Sam Myers ha tardado 50 años en hacer su primer álbum en solitario. Pero no es ajeno al escenario ni al estudio, ya que trabajó con Elmore James y Anson Funderburgh. Para su debut, formó una banda de primera categoría, dirigida por el guitarrista Mel Brown, para trabajar no tanto detrás de él como con él. Brown es un destacado como acompañante, que ofrece una decoración maravillosa para "I Got the Blues" y "Burning Fire". Pero, comprensiblemente, es Myers quien es la estrella del espectáculo, y su forma de tocar la armónica tiene su propio impulso, como en su versión de "Ninety Nine" de Rice Miller. Pero también hay un tono muy agradable en su canto, ya sea en el lento y profundamente conmovedor "After Hours When the Joint Is Closed" o "Waitin 'On Your Mama", que podría haber venido directamente de la Chicago School of Blues. Podría haberle llevado cinco décadas llegar a esto, pero debido a la música del disco, no se perdió ni un solo minuto.
Saxophonist and bandleader Paul Williams scored one of the first big hits of the R&B era in 1949 with "The Hucklebuck," an adaption of Charlie Parker's "Now's the Time." The song topped the R&B charts for 14 weeks in 1949, and was one of three Top Ten and five other Top 20 R&B instrumental hits that Williams scored for Savoy in 1948 and 1949.
He had played with Clarence Dorsey in 1946 and then made his recording debut with King Porter in 1947 for Paradise before forming his own band late that year. Saxophonists Noble "Thin Man" Watts and Wild Bill Moore, trumpeter Phil Guilbeau, and vocalists Danny Cobb, Jimmy Brown, Joan Shaw, and Connie Allen were among Williams' bandmembers. He was later part of Atlantic Records' house band in the '60s, and directed the Lloyd Price and James Brown orchestras until 1964. After leaving the music business temporarily, Williams opened a booking agency in New York in 1968. His other Top Ten hits were "35-30" in 1948 and "Walkin' Around" in 1949.
El saxofonista y director de banda Paul Williams obtuvo uno de los primeros grandes éxitos de la era del R&B en 1949 con "The Hucklebuck", una adaptación de "Now's the Time" de Charlie Parker. La canción encabezó las listas de R&B durante 14 semanas en 1949, y fue uno de los tres Top Ten y otros cinco Top 20 éxitos instrumentales de R&B que Williams anotó para Savoy en 1948 y 1949.
Había tocado con Clarence Dorsey en 1946 y luego hizo su debut discográfico con King Porter en 1947 para Paradise antes de formar su propia banda a finales de ese año. Los saxofonistas Noble "Thin Man" Watts y Wild Bill Moore, el trompetista Phil Guilbeau y los vocalistas Danny Cobb, Jimmy Brown, Joan Shaw y Connie Allen estaban entre los miembros de la banda de Williams. Más tarde formó parte de la banda de Atlantic Records en los años 60, y dirigió las orquestas de Lloyd Price y James Brown hasta 1964. Después de dejar el negocio de la música temporalmente, Williams abrió una agencia de contratación en Nueva York en 1968. Sus otros éxitos en el Top Ten fueron "35-30" en 1948 y "Walkin' Around" en 1949.
por Ron Wynn
https://www.allmusic.com/artist/paul-hucklebuck-williams-mn0000030817/biography
This release contains Milt Jackson's complete album Plenty, Plenty Soul (Atlantic SD8811), plus two of the three sessions from his LP Ballads & Blues, included here in their entirety.
“There should be some exceptional merit badge for this sort of thing - Five Stars Plus or Too Good to Rate.”
Ralph J. Gleason on Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957
“Milt throughout is remarkable – even his rests pulsate.”
- Nat Hentoff on Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2
Este lanzamiento contiene el álbum completo de Milt Jackson, Plenty, Plenty Soul (Atlantic SD8811), además de dos de las tres sesiones de su LP Ballads & Blues, incluidas aquí en su totalidad.
"Debería haber alguna insignia de mérito excepcional para este tipo de cosas - Five Stars Plus o Too Good to Rate."
Ralph J. Gleason en Plenty, Plenty Soul, DOWN BEAT 1957
"Milt es notable en todas partes, incluso sus descansos palpitan."
- Nat Hentoff en Ballads & Blues, DOWN BEAT 1957 1/2
Un extraordinario disco del vibrafonista, Milt Jackson fuera del ambito
de su grupo, "The Modern Jazz Quartet". Liderando la sesión, Jackson se
hace acompañar por extraordinarios instrumentistas, destacando la
presencia del gran Cannoball Adderley al saxo alto, el extraordinario,
Frank Foster al saxo tenor y el baterista, Art Blakey. Extraordinario.
After two decades away from the music scene, Lazy Lester has been making up for lost time with a spate of recordings. Why was he away from the music all that time? According to Lazy Lester, he just did not feel like playing. The guitarist turned harmonica player from Baton Rouge, LA, made a name for himself playing with Lightnin' Slim. Lazy Lester called his style of playing swamp blues. It's a lot like the blues of Chicago, but steamier, like the country from where it originates. Leslie Johnson's moniker of Lazy Lester was given to him by record producer Jay Miller, who noted the lackadaisical attitude of the harpist. Lazy Lester, sounding like a meditation master, says that he is never in a hurry because it is easier on the system. But when he plays the harmonica, he sounds anything but laid-back. Since his comeback in 1988, Lester has been fronting his own bands in live concerts and on recordings, and he has proved to be anything but lazy in his recording schedule since his return to performing the blues. His high-energy, soulful harmonica growls out the blues with passion and authority. His recordings All Over You and Blues Stop Knockin' won accolades from the critics. His release Poor Boy Blues may be his best CD. Featured are some of the artist's best-known tunes, such as "The Same Thing Could Happen to You" and the title cut, "Poor Boy Blues." He reaches back in time for a reprise of his classic "I Hear You Knockin'." "You Got Me Where You Want Me" drives hard, "Sugar Coated Love" still has its edge, and "Sad Sad City" is the blues personified. Lazy Lester is a living legend. This recording shows why.
by Rose of Sharon Witmer
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Reseña
Después de dos décadas alejado de la escena musical, Lazy Lester ha estado recuperando el tiempo perdido con una avalancha de grabaciones. ¿Por qué estuvo alejado de la música todo ese tiempo? Según Lazy Lester, no tenía ganas de tocar. El guitarrista convertido en armónico de Baton Rouge, Los Ángeles, se hizo un nombre tocando con Lightnin' Slim. Lazy Lester llamó a su estilo de tocar swamp blues. Se parece mucho al blues de Chicago, pero más vaporoso, como el país del que procede. El apodo de Leslie Johnson de Lazy Lester se lo dio el productor discográfico Jay Miller, que notó la actitud displicente del arpista. Lazy Lester, sonando como un maestro de la meditación, dice que nunca tiene prisa porque es más fácil para el sistema. Pero cuando toca la armónica, suena todo menos relajado. Desde su regreso en 1988, Lester ha estado al frente de sus propias bandas en conciertos en vivo y en grabaciones, y ha demostrado ser cualquier cosa menos perezoso en su agenda de grabaciones desde su regreso a la interpretación del blues. Su armónica de alta energía y alma gruñe el blues con pasión y autoridad. Sus grabaciones "All Over You" y "Blues Stop Knockin" recibieron elogios de la crítica. Su lanzamiento Poor Boy Blues puede ser su mejor CD. Se presentan algunas de las canciones más conocidas del artista, como "The Same Thing Could Happen to You" y el corte del título, "Poor Boy Blues". Retrocede en el tiempo para una repetición de su clásico "I Hear You Knockin'". "You Got Me Where You Want Me" conduce duro, "Sugar Coated Love" todavía tiene su ventaja, y "Sad Sad City" es el blues personificado. Lazy Lester es una leyenda viva. Esta grabación muestra por qué.
Grands fans de culture pop mod sixties, le groupe Les Cappuccino chante en français, tout en pratiquant un jerk funky fortement influencé par le son d'artistes comme James Taylor Quartet ou Jimmy Smith.
"Ultra Kitsch" est l'album de Les cappuccino le plus facile à trouver chez nous dans les bacs car il a été distribué en 2003 par un petit label parisien. Il contient des compositions personnelles fortement groovies et des covers de hit célèbres comme "Green Onions" (Booker T. & the M.G.s), "The Cat" (le thème du film Les Félins par Lalo Schifrin), de la librairie musicale "Move Move Move" (reprise du duo KPM Alan Parker & Alan Hawkshaw) et une brochette de B.O. cultes ("Les Tontons Flingueurs", "Bande A Part", "Ne Nous Fâchons Pas", "L'Autobus Imperial").
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Cuarteto japonés fundado en 1995, compuesto por :
Grandes fans de la cultura pop mod sixties, el grupo Les Cappuccino canta en francés, mientras practican un funky jerk fuertemente influenciado por el sonido de artistas como James Taylor Quartet o Jimmy Smith.
"Ultra Kitsch" es el álbum de Les cappuccino más fácil de encontrar en las tiendas porque fue distribuido en 2003 por un pequeño sello parisino. Contiene composiciones personales muy buenas y portadas de éxitos famosos como "Cebollas verdes" (Booker T. & the M.G.). s), "El Gato" (el tema de la película Les Félins de Lalo Schifrin), la librería musical "Move Move Move" (una portada del dúo de KPM Alan Parker & Alan Hawkshaw) y un montón de bandas sonoras de culto ("Les Tontons Flingueurs", "Bande A Part", "Ne Nous Fâchons Pas", "L'Autobus Imperial").
Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator
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Japanese quartet founded in 1995, composed of :
Big fans of pop culture mod sixties, the group Les Cappuccino sings in French, while practicing a funky jerk strongly influenced by the sound of artists such as James Taylor Quartet or Jimmy Smith.
"Ultra Kitsch" is Les Cappuccino's easiest album to find in the shops because it was distributed in 2003 by a small Parisian label. It contains highly groovy personal compositions and covers of famous hits such as "Green Onions" (Booker T. & the M.G. s), "The Cat" (the theme of the movie Les Félins by Lalo Schifrin), the music bookstore "Move Move Move" (cover of the KPM duo Alan Parker & Alan Hawkshaw) and a bunch of cult soundtracks ("Les Tontons Flingueurs", "Bande A Part", "Ne Nous Fâchons Pas", "L'Autobus Imperial").
Translated with www.DeepL.com/Translator (free version)
After more than 40 years as a bandleader and sideman for some of the greatest names in the history f the Blues and R&B, this legendary master of the Hammond B-3 releases some of his best recordings from his personal archives. All original songs written by Deacon Jones, all previously unreleased. With special guests Eddie Money, John Lee Hooker, Gregg Allman, Dr. John, Elvin Bishop, Katie Webster, Joe Louis Walker and more.
Después de más de 40 años como director de banda y acompañante de algunos de los más grandes nombres de la historia del Blues y el R&B, este legendario maestro del Hammond B-3 publica algunas de sus mejores grabaciones de sus archivos personales. Todas las canciones originales escritas por Deacon Jones, todas inéditas. Con invitados especiales Eddie Money, John Lee Hooker, Gregg Allman, Dr. John, Elvin Bishop, Katie Webster, Joe Louis Walker y más.
Review by Scott Yanow Tenor saxophonist J.R. Monterose final recording has some strong moments. He performs a very long (over 18½-minute) version of "Blue Bossa" with pianist Larry Ham, bassist Pat O'Leary, drummer Tom Melito and high-powered fellow tenor Hugh Brodie. While Brodie has his own "Kiamesha" as a feature, Monterose is the only horn on lengthy renditions of "Green Dolphin Street" and "What's New." In better shape than he had been for his Uptown set of 1979, J.R. sounds fairly distinctive and pushes himself. Unfortunately, he never did emerge from obscurity. https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137
Biography by Scott Yanow J.R. Monterose (not to be confused with fellow tenor Jack Montrose) is most famous for a gig that he personally did not enjoy, playing with Charles Mingus in 1956 and recording on Mingus' breakthrough album Pithecanthropus Erectus. He grew up in Utica, NY, played in territory bands in the Midwest, and then moved to New York City in the early '50s. Monterose played with Buddy Rich (1952) and Claude Thornhill and recorded with (among others) Teddy Charles, Jon Eardley, and Eddie Bert. After leaving Mingus (whom he did not get along with), Monterose played with Kenny Dorham's Jazz Prophets and recorded a strong set for Blue Note as a leader. Although he performed into the 1980s (doubling on soprano in later years), Monterose never really became famous. In addition to his Blue Note date, he led sets for Jaro (a 1959 session later reissued by Xanadu), Studio 4 (which was reissued by V.S.O.P.), a very obscure 1969 outing for the Dutch label Heavy Soul Music (1969), and, during 1979-1981, albums for Progressive, Cadence, and two for Uptown. https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography
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Reseña de Scott Yanow La grabación final del saxofonista tenor J. R. Monterose tiene algunos momentos fuertes. Interpreta una versión muy larga (más de 18½ minutos) de "Blue Bossa" con el pianista Larry Ham, el bajista Pat O'Leary, el baterista Tom Melito y el tenor Hugh Brodie. Si bien Brodie tiene su propia "Kiamesha" como característica, Monterose es la única bocina en las largas interpretaciones de "Green Dolphin Street" y " What's New."En mejor forma de lo que había estado para su set Uptown de 1979, J. R. suena bastante distintivo y se esfuerza. Desafortunadamente, él nunca emergió de la oscuridad. https://www.allmusic.com/album/bebop-loose-live-mw0000915137
Biografía de Scott Yanow J. R. Monterose (que no debe confundirse con su compatriota tenor Jack Montrose) es más famoso por un concierto que personalmente no disfrutó, tocando con Charles Mingus en 1956 y grabando en el álbum revelación de Mingus, Pithecanthropus Erectus. Creció en Utica, Nueva York, tocó en bandas territoriales en el Medio Oeste y luego se mudó a la ciudad de Nueva York a principios de los años 50. Monterose tocó con Buddy Rich (1952) y Claude Thornhill y grabó con (entre otros) Teddy Charles, Jon Eardley y Eddie Bert. Después de dejar a Mingus (con quien no se llevaba bien), Monterose tocó con Jazz Prophets de Kenny Dorham y grabó un set fuerte para Blue Note como líder. Aunque actuó hasta la década de 1980 (doblando a soprano en años posteriores), Monterose nunca se hizo realmente famoso. Además de su fecha Blue Note, dirigió sets para Jaro (una sesión de 1959 reeditada más tarde por Xanadu), Studio 4( que fue reeditada por V. S. O. P.), una salida muy oscura de 1969 para el sello holandés Heavy Soul Music (1969) y, durante 1979-1981, álbumes para Progressive, Cadence y dos para Uptown. https://www.allmusic.com/artist/jr-monterose-mn0000117136#biography
En La Fusa con Maria Creuza y Toquinho is a 1970 live album by Maria Creuza and Toquinho in partnership with Vinicius de Moraes. It was recorded at the La Fusa Bar in Buenos Aires.
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En La Fusa con Maria Creuza y Toquinho es un álbum en vivo de 1970 de Maria Creuza y Toquinho en asociación con Vinicius de Moraes. Fue grabado en el Bar La Fusa de Buenos Aires.
Blues guitarist, singer, and songwriter Sonny Rhodes is such a talented
songwriter, so full of musical ideas, that he's destined to inherit the
to seats left open by the untimely passing of blues greats like Albert
King and Albert Collins.
Born November 3, 1940 in Smithville, TX, he was the sixth and last child
of Le Roy and Julia Smith, who were sharecroppers. Rhodes began playing
seriously when he was 12, although he got his first guitar when he was
eight as a Christmas present. Rhodes began performing around Smithville
and nearby Austin in the late '50s, while still in his teens. Rhodes
listened to a lot of T-Bone Walker when he was young, and it shows in
his playing today. Other guitarists he credits as being influences
include Pee Wee Crayton and B.B. King. Rhodes' first band, Clarence
Smith & the Daylighters, played the Austin area blues clubs before
Rhodes decided to join the Navy after graduating from high school.
In the Navy, he moved west to California, where he worked for a while as
a radio man and closed-circuit Navy ship disc jockey, telling off-color
jokes in between the country and blues records he would spin for the
entertainment of the sailors.
Rhodes recorded a single for Domino Records in Austin, "I'll Never Let
You Go When Something Is Wrong," in 1958, and also learned to play bass.
He played bass behind Freddie King and his friend Albert Collins. After
his stint in the Navy, Rhodes returned to California while in his
mid-twenties, and lived in Fresno for a few years before hooking up a
deal with Galaxy Records in Oakland. In 1966, he recorded a single, "I
Don't Love You No More" b/w "All Night Long I Play the Blues." He
recorded another single for Galaxy in 1967 and then in 1978, out of
total frustration with the San Francisco Bay Area record companies, he
recorded "Cigarette Blues" b/w "Bloodstone Beat" on his own label.
Rhodes toured Europe in 1976, and that opened a whole new European
market to him, and he was recorded by several European labels, but
without much success. His European recordings include I Don't Want My
Blues Colored Bright and a live album, In Europe. In desperation again,
Rhodes went into the studio again to record an album in 1985, Just
Blues, on his own Rhodesway label.
Fortunately, things have been on track for Rhodes since the late '80s,
when he began recording first for the Ichiban label and later for
Kingsnake. His albums for Ichiban include Disciple of the Blues (1991)
and Living Too Close to the Edge (1992).
More recently, Rhodes has gotten better distribution of his albums with
the Sanford, Florida-based Kingsnake label. Aside from his self-produced
1985 release Just Blues (now available on compact disc through Evidence
Music), his best albums include the ones he's recorded for Kingsnake,
for these are the records that have gotten Rhodes and his various backup
bands out on the road together throughout the U.S., Canada, and Europe.
They include The Blues Is My Best Friend, and his 1995 release, Out of
Control. On these albums we hear Rhodes, the fully developed songwriter,
and not surprisingly, both releases drew high marks from blues critics.
Note: Sonny passed away on 14 December 2021.
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Biografía del artista por Richard Skelly
El guitarrista, cantante y compositor de blues Sonny Rhodes es un
compositor tan talentoso, tan lleno de ideas musicales, que está
destinado a heredar los asientos dejados abiertos por el inoportuno paso
de grandes del blues como Albert King y Albert Collins.
Nacido el 3 de noviembre de 1940 en Smithville, TX, fue el sexto y
último hijo de Le Roy y Julia Smith, que eran aparceros. Rhodes empezó a
tocar en serio a los 12 años, aunque recibió su primera guitarra a los 8
años como regalo de Navidad. Rhodes comenzó a tocar en Smithville y en
la cercana Austin a finales de los 50, cuando aún era un adolescente.
Rhodes escuchó mucho a T-Bone Walker cuando era joven, y eso se nota en
su forma de tocar hoy en día. Otros guitarristas a los que atribuye
influencias son Pee Wee Crayton y B.B. King. La primera banda de Rhodes,
Clarence Smith & the Daylighters, tocaba en los clubes de blues de
la zona de Austin antes de que Rhodes decidiera unirse a la Marina tras
graduarse en el instituto.
En la Marina, se mudó al oeste a California, donde trabajó durante un
tiempo como locutor de radio y disc-jockey de circuito cerrado de la
Marina, contando chistes a todo color entre el país y los discos de
blues que hacía girar para el entretenimiento de los marineros.
Rhodes grabó un sencillo para Domino Records en Austin, "I'll Never Let
You Go When Something Is Wrong", en 1958, y también aprendió a tocar el
bajo. Tocaba el bajo detrás de Freddie King y su amigo Albert Collins.
Después de su estancia en la Marina, Rhodes regresó a California a
mediados de sus veinte años, y vivió en Fresno durante unos años antes
de cerrar un acuerdo con Galaxy Records en Oakland. En 1966, grabó un
single, "I Don't Love You No More" b/n "All Night Long I Play the
Blues". Grabó otro single para Galaxy en 1967 y luego en 1978, por la
total frustración de las compañías discográficas de la bahía de San
Francisco, grabó "Cigarette Blues" b/n "Bloodstone Beat" en su propio
sello. Rhodes realizó una gira por Europa en 1976, lo que le abrió todo
un nuevo mercado europeo, y fue grabado por varios sellos europeos, pero
sin mucho éxito. Sus grabaciones europeas incluyen "I Don't Want My
Blues Colored Bright" y un álbum en vivo, "In Europe". Desesperado otra
vez, Rhodes fue al estudio de nuevo para grabar un álbum en 1985, Just
Blues, en su propio sello Rhodesway.
Afortunadamente, las cosas han estado en marcha para Rhodes desde
finales de los 80, cuando empezó a grabar primero para el sello Ichiban y
después para Kingsnake. Sus álbumes para Ichiban incluyen Disciple of
the Blues (1991) y Living Too Close to the Edge (1992).
Más recientemente, Rhodes ha conseguido una mejor distribución de sus
álbumes con el sello Kingsnake, con sede en Sanford, Florida. Aparte de
su auto-producido lanzamiento de 1985 Just Blues (ahora disponible en
disco compacto a través de Evidence Music), sus mejores álbumes incluyen
los que ha grabado para Kingsnake, ya que estos son los discos que han
llevado a Rhodes y a sus varias bandas de respaldo a salir a la
carretera juntos a través de los EE.UU., Canadá y Europa. Incluyen The
Blues Is My Best Friend, y su lanzamiento en 1995, Out of Control. En
estos álbumes escuchamos a Rhodes, el compositor completamente
desarrollado, y no es sorprendente que ambos lanzamientos hayan recibido
altas calificaciones de los críticos de blues.
Good Deal is a typically fine record from the Three Sounds, who were beginning to hit their stride when this session was recorded in May of 1959. Like most of their records, it's laidback – even when the group works a swinging tempo, there's a sense of ease that keeps the mood friendly, relaxed and mellow. Balancing standards like "Satin Doll," "Soft Winds" and "That's All" with bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") and originals, the Three Sounds cover a lot of stylistic territory, putting their distinctive stamp on each song. It's very accessible, pleasant soul-jazz and mainstream hard bop, but Gene Harris' masterful technique means that Good Deal rewards close listening as well.
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Good Deal es un disco típicamente bueno de los Three Sounds, que empezaban a dar sus primeros pasos cuando se grabó esta sesión en mayo de 1959. Como la mayoría de sus discos, es relajado, incluso cuando el grupo trabaja con un tempo de balanceo, hay una sensación de facilidad que mantiene el ambiente amigable, relajado y tranquilo. Equilibrando estándares como "Satin Doll", "Soft Winds" y "That's All" con bop ("Robbin's Nest"), calypso ("St. Thomas") y originales, los Three Sounds cubren mucho territorio estilístico, poniendo su sello distintivo en cada canción. Es muy accesible, un agradable soul-jazz y un hard bop convencional, pero la magistral técnica de Gene Harris hace que Good Deal recompense también la escucha cercana.
Review by Scott Yanow
Most of Herbie Mann's Atlantic sessions of the 1960s are among the
flutist's best and most popular work. Mann and his regular group of 1963
(which includes vibraphonist Dave Pike, pianist Don Friedman, guitarist
Attila Zoller, bassist Ben Tucker and drummer Bob Thomas with added
percussionists Willie Bobo and Potato Valdez) are heard in spirited form
on this set from the 1963 Newport Jazz Festival. There are two
surprises, both having to do with Antonio Carlos Jobim tunes. The bossa
nova hit "Desafinado" is taken in straight 4/4 time without the
percussionists, which makes it sound like a new song. And three months
after Stan Getz, Jobim and the Gilbertos recorded "The Girl From
Ipanema" (but before it was even released), Mann can be heard playing an
instrumental version of the song, here listed as "Garota De Ipanema." A
catchy rendition of "Soft Winds," the bossa nova "Samba De Orfeu," and
Ben Tucker's "Don't You Know" round out the well-played program.
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Reseña de Scott Yanow La mayoría de las sesiones de Herbie Mann en Atlantic de los años 60 se encuentran entre los mejores y más populares trabajos del flautista. Mann y su grupo habitual de 1963 (que incluye al vibrafonista Dave Pike, al pianista Don Friedman, al guitarrista Attila Zoller, al bajista Ben Tucker y al baterista Bob Thomas con los percusionistas añadidos Willie Bobo y Potato Valdez) se escuchan en forma animada en este set del Festival de Jazz de Newport de 1963. Hay dos sorpresas, ambas relacionadas con temas de Antonio Carlos Jobim. El éxito de la bossa nova "Desafinado" se interpreta en tiempo 4/4 sin los percusionistas, lo que la hace sonar como una canción nueva. Y tres meses después de que Stan Getz, Jobim y los Gilbertos grabaran "The Girl From Ipanema" (pero antes de que saliera a la venta), se puede escuchar a Mann tocando una versión instrumental de la canción, aquí catalogada como "Garota De Ipanema". Una pegadiza interpretación de "Soft Winds", la bossa nova "Samba De Orfeu" y "Don't You Know" de Ben Tucker completan el programa bien interpretado.
He was born in Bastrop, a suburb of Austin, Texas, and studied trumpet
in school, changing to saxophone later. As a teen he began emulating a
touring band by buying a red suit with white pants. One night in 1941 a
saxophone player did not show for a gig with the band and Houston took
his place. Between 1943 and 1946, Houston toured with King Kolax's band
through Kansas City and Chicago and throughout the Mid-West.
After World War II Houston returned to Texas, and recorded with the
pianist Amos Milburn and singer Big Joe Turner. Initially playing alto
sax, he switched to tenor in the wake of such "honking" saxophonists as
Big Jay McNeely and Paul Williams. Turner got Houston his first
recording contract on Freedom Records in 1949. Houston moved to Baton
Rouge, Louisiana and played with Betty Roche and Wynonie Harris.
Eventually, Houston formed his own band The Rockets, and moved to Los
Angeles in 1952. He scored his only two chart hit singles in 1952 with
"Worry, Worry, Worry", and "Hard Time Baby" both of which peaked at #10
on Billboard's R&B singles chart. He recorded for many record
labels, including Modern and Crown, and contributed vocals as well as
saxophone on some of his records.
Houston was based in Los Angeles throughout most of his career. He
toured and recorded with his band the Defrosterz, started by the bassist
Mark St. John, who acted as his bassist and manager almost 20 years,
plus the keyboardist Mike Malone. They toured North America and recorded
throughout the 1990s and 2000s. The band was signed to the Shattered
Records label.
Houston's musical career ended after he suffered a stroke in 2006. Joe
returned to the stage in July 2008 and performed at The Long Beach
lobster Festival. He continued to entertain until 2012 due to his
health. He died on December 28, 2015 in Long Beach, California,
following a some health issues.
Born Joseph Abraham Houston, 11 July 1926, Bastrop, Texas
Died 28 December 2015, Long Beach, California
R&B saxophonist Joe Houston was a honker. "Honking" is described in
the following terms by Wikipedia : "The honkers were known for their
raucous stage antics and expressive, exhibitionist style of playing.
They overblew their saxophones and often hit on the same note over and
over, much like a black southern preacher, until their audiences were
mesmerized." The style began in 1942 with Illinois Jacquet's solo on
Lionel Hampton's "Flying Home" (a # 3 R&B hit in 1943). Other
well-known honkers from the 1940s and 1950s were Big Jay McNeely, Hal
Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red Prysock, Chuck Higgins and
Freddie Mitchell. Belittled by jazz fans ("honking is pure and simple
grandstanding aimed at audiences with a limited capacity to
discriminate"), these guys, as they walked the bars, fell to their
knees, lay on their backs, or led their audiences outside to the street,
pied-piper fashion. Honking was predominantly a Los Angeles phenomenon.
Houston studied trumpet in school, but soon switched to the sax. At the
age of seventeen, Joe got a steady gig playing alto sax in King Kolax's
big band out of Chicago. In 1947 he switched to the tenor sax and spent
the next year touring variously with Amos Milburn, Wynonie Harris,
Savannah Churchill and Betty Roche. By 1949 he settled in Baton Rouge,
Louisiana (with his new wife, pianist Marian McKinley) and put together a
local club band for Big Joe Turner. Their stint together led to Joe
Houston accompanying Turner to a recording session in Houston, Texas,
for the Freedom label, and while there he recorded a few sides under his
own name (resulting in two singles), as a bandleader, not a
saxophonist.
Not until late 1950 or early 1951 did Houston put himself front and
centre as a honking tenor sax man. Until the frantic "Blow Joe Blow"
(1951), recorded for the Macy label, he was strictly a blues player.
That disc set the pattern for most of his subsequent recordings.
Subtlety went out the window and Joe just let loose in the studio,
usually choosing a climactic note and wringing the hell out of it. "Blow
Joe Blow" wasn't a hit, but Jules Bihari got wind of it in Los Angeles,
purchased the master and reissued it on Modern 830 in August 1951. This
was soon followed by four other Modern singles, recorded at Joe's house
in Baton Rouge with portable equipment, but in 1952 (the year in which
Houston relocated to Los Angeles) there were also releases on Imperial,
Combo and Mercury. The latter label had purchased an earlier vocal
blues, "Worry, Worry, Worry", from the Sphinx label in Atlanta,Georgia,
and this became Houston's only chart entry, peaking at # 10 on the
R&B charts in February 1952.
But the song for which Joe Houston is best remembered is not that hit,
but "All Night Long", recorded for the Money label in 1954. It was based
on a Rusty Bryant record, but the two versions bear little resemblance
to each other. When Bryant was recorded live in 1953 at the Carolyn Club
in Columbus, Ohio, his biggest crowd-pleaser was Jimmy Forrest's "Night
Train", which led the audience into a vocal chant of "Let it roll, let
it roll, all night long", from Lucky Millinder's 1944 hit "Let It Roll".
It was originally issued on Carolyn 333 in 1953 (as "Nite Train"), then
purchased by Dot and reissued as "All Nite Long" (Dot 15134) in
February 1954. Houston heard Bryant's version, but gave it his own
interpretation, incorporating a riff from Hal Singer's "Cornbread" and
avoiding "Night Train" altogether. Joe's "All Night Long" was and is one
of the most exciting honking records ever made and was a huge
territorial seller on the West Coast. Though Houston had sold the tape
to John Dolphin's Money Records, the recording later showed up on LP's
on Modern and Combo, in 1956 and 1957 respectively.
Houston didn't have to change his style to adjust to rock 'n' roll. In
the early days of the Big Beat, when a TV or movie producer wanted to
portray a rock n roll atmosphere, we usually got to see a scene from a
nightclub where a hard blowing, honking and screaming sax player was
inevitably heard. So what Joe was playing was rock n roll avant la
lettre. All that had to be adjusted were the song titles. And when rock n
roll waned in popularity, Joe recorded "twist" and "surf" albums for
the Bihari brothers' Crown label that didn't sound very different from
what he was doing a decade before. Houston remained active musically,
but recorded only sporadically after 1963. Gradually he began to slow
down, emphasizing his blues vocal talents, but he would still close most
of his shows with "All Night Long" (although not on his back). He was
forced to retire from performing after suffering a stroke in 2005.
Recently his health took another downward turn and he has remained
secluded for the last year or so.
Houston is a discographer's nightmare. He avoided contracts and recorded
for whoever would pay cash up front. For that reason, his material came
out on over a dozen labels, often at the same time, and he was not
averse to recording essentially the same tune under different titles for
different companies. Some of Joe's recordings were released by one
company, then reissued by another, sometimes under a new title. Add to
this the fact that the Biharis (Modern, RPM, Crown) haphazardly slapped
albums together without regard to whether the track listings matched the
music inside and the confusion is complete.
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Biografía
Nació en Bastrop, un suburbio de Austin, Texas, y estudió trompeta en la
escuela, cambiando a saxofón más tarde. Cuando era un adolescente,
comenzó a emular una banda de gira comprando un traje rojo con
pantalones blancos. Una noche en 1941, un saxofonista no se presentó
para un concierto con la banda y Houston tomó su lugar. Entre 1943 y
1946, Houston realizó una gira con la banda de King Kolax por Kansas
City y Chicago y por todo el Medio Oeste.
Después de la Segunda Guerra Mundial, Houston regresó a Texas y grabó
con el pianista Amos Milburn y el cantante Big Joe Turner. Inicialmente,
tocando saxo alto, cambió a tenor como consecuencia de saxofonistas tan
grandes como Big Jay McNeely y Paul Williams. Turner consiguió en
Houston su primer contrato de grabación en Freedom Records en 1949.
Houston se mudó a Baton Rouge, Louisiana, y jugó con Betty Roche y
Wynonie Harris.
Finalmente, Houston formó su propia banda The Rockets, y se mudó a Los
Ángeles en 1952. Obtuvo sus dos únicos singles de éxitos en 1952 con
"Worry, Worry, Worry" y "Hard Time Baby", los cuales alcanzaron el
puesto # 10. en la lista de singles de R&B de Billboard. Grabó para
muchos sellos discográficos, incluyendo Modern and Crown, y contribuyó
con voces y saxofones en algunos de sus discos.
Houston residió en Los Ángeles durante la mayor parte de su carrera.
Realizó una gira y grabó con su banda The Defrosterz, iniciada por el
bajista Mark St. John, quien actuó como su bajista y manager durante
casi 20 años, más el tecladista Mike Malone. Hicieron una gira por
América del Norte y grabaron durante los años 90 y 2000. La banda firmó
con el sello Shattered Records.
La carrera musical de Houston terminó después de sufrir un derrame
cerebral en 2006. Joe regresó al escenario en julio de 2008 y actuó en
el Festival de la langosta de Long Beach. Continuó entreteniendo hasta
2012 debido a su salud. Murió el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach,
California, debido a algunos problemas de salud.
Nacido Joseph Abraham Houston, 11 de julio de 1926, Bastrop, Texas.
Falleció el 28 de diciembre de 2015 en Long Beach, California
El saxofonista de R&B Joe Houston fue un honker. "Honking" se
describe en los siguientes términos en Wikipedia: "Los honkers eran
conocidos por sus ruidosas travesuras en el escenario y su expresivo
estilo de juego exhibicionista. Exageraban sus saxofones y solían tocar
la misma nota una y otra vez, como un sur negro. Predicador, hasta que
sus audiencias quedaron hipnotizadas ". El estilo comenzó en 1942 con el
solo de Illinois Jacquet en "Flying Home" de Lionel Hampton (un # 3 hit
de R&B en 1943). Otros conocidos honkers de la década de 1940 y
1950 fueron Big Jay McNeely, Hal Singer, Lynn Hope, Wild Bill Moore, Red
Prysock, Chuck Higgins y Freddie Mitchell. Despreciados por los
fanáticos del jazz ("tocar la bocina es pura y sencillamente grandiosa,
dirigida a audiencias con una capacidad limitada para discriminar"),
estos muchachos, mientras caminaban por los bares, se arrodillaron, se
tumbaron de espaldas o llevaron a sus audiencias fuera de la La calle,
la moda de pied-piper. Honking era predominantemente un fenómeno de Los
Ángeles.
Houston estudió trompeta en la escuela, pero pronto cambió al saxofón. A
la edad de diecisiete años, Joe consiguió un concierto estable tocando
saxo alto en la gran banda de King Kolax en Chicago. En 1947 cambió al
saxo tenor y pasó el año siguiente de gira con Amos Milburn, Wynonie
Harris, Savannah Churchill y Betty Roche. En 1949 se estableció en Baton
Rouge, Louisiana (con su nueva esposa, la pianista Marian McKinley) y
formó una banda de club local para Big Joe Turner. Su paso juntos llevó a
Joe Houston a acompañar a Turner a una sesión de grabación en Houston,
Texas, para el sello Freedom, y mientras estuvo allí grabó algunos lados
con su propio nombre (resultando en dos singles), como líder de banda,
no como saxofonista.
Hasta finales de 1950 o principios de 1951, Houston se puso al frente y
al centro como un hombre de saxo tenor. Hasta el frenético "Blow Joe
Blow" (1951), grabado para el sello Macy, era estrictamente un jugador
de blues. Ese disco estableció el patrón para la mayoría de sus
grabaciones posteriores. La sutileza salió por la ventana y Joe
simplemente se soltó en el estudio, generalmente escogiendo una nota
culminante y escupiéndole el infierno. "Blow Joe Blow" no fue un éxito,
pero Jules Bihari se enteró de ello en Los Ángeles, compró el maestro y
lo reeditó en Modern 830 en agosto de 1951. A esto le siguieron otros
cuatro sencillos modernos, grabados en la casa de Joe en Baton Rouge con
equipo portátil, pero en 1952 (el año en que Houston se mudó a Los
Ángeles) también hubo lanzamientos en Imperial, Combo y Mercury. La
última etiqueta había comprado un blues vocal anterior, "Worry, Worry,
Worry", de la etiqueta Sphinx en Atlanta, Georgia, y se convirtió en la
única entrada de las listas de Houston, alcanzando el puesto número 10
en las listas de R&B en febrero de 1952.
Pero la canción para la que mejor se recuerda a Joe Houston no es ese
éxito, sino "All Night Long", grabada para el sello Money en 1954. Se
basó en un disco de Rusty Bryant, pero las dos versiones se parecen poco
entre sí. Cuando Bryant fue grabado en vivo en 1953 en el Carolyn Club
en Columbus, Ohio, su mayor público fue el "Night Train" de Jimmy
Forrest, que llevó al público a un canto vocal de "Let it roll, let it
roll". ", del éxito de Lucky Millinder en 1944" Let It Roll ".
Originalmente se emitió en Carolyn 333 en 1953 (como "Nite Train"),
luego fue comprada por Dot y reeditada como "All Nite Long" (Dot 15134)
en febrero de 1954. Houston escuchó la versión de Bryant, pero le dio su
propia interpretación, incorporando un riff de "Cornbread" de Hal
Singer y evitando el "Night Train" por completo. "All Night Long" de Joe
fue y es uno de los registros de excitación más emocionantes que se
haya hecho y fue un gran vendedor territorial en la costa oeste. Aunque
Houston había vendido la cinta a Money Records de John Dolphin, la
grabación más tarde apareció en LP en Modern and Combo, en 1956 y 1957,
respectivamente.
Houston no tuvo que cambiar su estilo para adaptarse al rock 'n' roll.
En los primeros días de Big Beat, cuando un productor de cine o
televisión quería representar una atmósfera de rock and roll, solíamos
ver una escena de un club nocturno en el que inevitablemente se
escuchaba a un saxofonista. Así que lo que Joe estaba tocando era rock n
roll avant la lettre. Todo lo que había que ajustar eran los títulos de
las canciones. Y cuando el rock n roll disminuyó en popularidad, Joe
grabó los álbumes "twist" y "surf" para el sello Crown de los hermanos
Bihari que no sonaban muy diferentes de lo que estaba haciendo una
década antes. Houston se mantuvo activo musicalmente, pero grabó solo
esporádicamente después de 1963. Poco a poco comenzó a disminuir la
velocidad, enfatizando sus talentos vocales de blues, pero todavía
cerraría la mayoría de sus programas con "All Night Long" (aunque no en
su espalda). Se vio obligado a retirarse de su desempeño después de
sufrir un derrame cerebral en 2005. Recientemente, su salud dio un giro
hacia abajo y se ha mantenido aislado durante el último año.
Houston es la pesadilla de un discógrafo. Evitó los contratos y grabó
para quien pagaría en efectivo por adelantado. Por esa razón, su
material salió en más de una docena de etiquetas, a menudo al mismo
tiempo, y no era reacio a grabar esencialmente la misma melodía bajo
diferentes títulos para diferentes compañías. Algunas de las grabaciones
de Joe fueron lanzadas por una compañía, luego reeditadas por otra, a
veces bajo un nuevo título. Agregue a esto el hecho de que Biharis
(Modern, RPM, Crown) aleatoriamente juntaron álbumes sin importar si las
listas de canciones coincidían con la música interior y la confusión
está completa.
