NOTICE / AVISO
As many of you may have noticed apart from the Ulozto problem the main Mega account has been suspended, therefore the blog will be temporarily down until we can restructure and normalise the blog. I appreciate all the support you have shown me. Thank you for your understanding.
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Como muchos habrán notado aparte del problema de Ulozto la cuenta principal Mega ha sido suspendida, por consiguiente el blog se verá disminuido temporalmente hasta poder reestructurar y normalizar el blog. Agradezco todas las muestras de apoyo que me han brindado. Gracias por comprender.
Tuesday, May 31, 2022
Larry Goldings & Bob Ward • Vоdoo Dogs
By GLENN ASTARITA
June 1, 2000
Larry Goldings & Bob Ward: Voodoo Dogs
Voodoo Dogs is the brainchild of keyboardist Larry Goldings, and established session guitarist, multi-instrumentalist Bob Ward as vibraphonist Joe Locke, saxophonist Tim Ries, drummer Billy Drummond and others lend their distinguished talents to this upbeat affair. And while some might be a bit aghast with this overtly ' radio friendly track mix consisting of 4-5 minute tunes that skirt the edges of jazz/funk, ambient-dub and trance groove genres, the band effectively and quite artfully conveys a party-hearty and altogether vivacious atmosphere. Not a bad thing mind you, however fans of Larry Goldings' might wonder if he has succumbed to commercialism or is just broadening his horizons here.....
Pieces such as 'Keep A Thing Happening' and 'People Unite' are brimming with trance groove rhythms, - voodoo samples ' (Indian Diva vocals, mystical flutes), cool, breezy guitar work by Ward and tasty piano/synth work by Goldings. Throughout, the band melds ' Bill Laswell-style ambient dub beats with subtle EFX and funk/jazz rhythms yet many of these pieces boast affable melodies and catchy hooks upheld by a sharp production and clever arrangements. Vibraphonist Joe Locke executes some soul drenched lines along with saxophonist Tim Ries on the electro-acoustic jazz funk number titled, 'You Dig' as Ward handles the keys, bass, guitars and samples. In some areas, the overall presentation might spark memories of Herbie Hancock's original 'Headhunters' yet the overall mix bespeaks a contemporary vibe. Needless to state these folks were having a blast during the process and it shows!
While not a glowing artistic achievement, Voodoo Dogs is a balanced set performed with tenacity and wit as Larry Goldings adds another well-versed chapter to his blossoming repertoire. And along with Bob Ward's studio savvy and multifaceted musical skills, this rather polished yet relatively ' happening ' set, should (in the proverbial sense) cast a spell over you or at the very least ' liven your spirits as blushing innocence counters forthright genre hopping!
https://www.allaboutjazz.com/voodoo-dogs-larry-goldings-palmetto-records-review-by-glenn-astarita.php
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Por GLENN ASTARITA
1 de junio de 2000
Larry Goldings y Bob Ward: Perros vudú
Voodoo Dogs es la creación del tecladista Larry Goldings, y el guitarrista de sesión establecido, el multi-instrumentista Bob Ward como el vibrafonista Joe Locke, el saxofonista Tim Ries, el baterista Billy Drummond y otros prestan sus distinguidos talentos a este alegre asunto. Y mientras algunos pueden estar un poco horrorizados con esta mezcla de temas abiertamente amigables con la radio que consiste en melodías de 4-5 minutos que bordean los bordes de los géneros de jazz/funk, ambient-dub y trance groove, la banda transmite efectiva y artísticamente una atmósfera festiva y totalmente vivaz. No es algo malo, pero los fans de Larry Goldings se preguntarán si ha sucumbido al comercialismo o si está ampliando sus horizontes aquí......
Piezas como'Keep A Thing Happening' y'People Unite' están repletas de ritmos de trance, - muestras de vudú (voces de la Diva india, flautas místicas), trabajos de guitarra frescos y frescos de Ward y sabrosos trabajos de piano y sintetizadores de Goldings. A lo largo de la banda se mezclan los ritmos ambient dub al estilo de Bill Laswell con sutiles ritmos EFX y funk/jazz, aunque muchas de estas piezas cuentan con melodías afables y ganchos pegadizos sostenidos por una producción nítida y arreglos ingeniosos. El vibrafonista Joe Locke ejecuta algunas líneas empapadas de soul junto con el saxofonista Tim Ries en el número de jazz funk electroacústico titulado,'You Dig' mientras Ward maneja las llaves, el bajo, las guitarras y las muestras. En algunas áreas, la presentación general podría provocar recuerdos de los'Headhunters' originales de Herbie Hancock, sin embargo, la mezcla general habla de una vibración contemporánea. No hace falta decir que esta gente se estaba divirtiendo mucho durante el proceso y se nota!
Aunque no es un logro artístico brillante, Voodoo Dogs es un conjunto equilibrado interpretado con tenacidad e ingenio, ya que Larry Goldings añade otro capítulo bien versado a su floreciente repertorio. Y junto con las habilidades musicales de Bob Ward de estudio inteligente y multifacético, este más bien pulido pero relativamente ''sucediendo'', debería (en el sentido proverbial) lanzar un hechizo sobre ti o al menos ' animar tus espíritus mientras la inocencia ruborizada contesta el saltito de género directo!
https://www.allaboutjazz.com/voodoo-dogs-larry-goldings-palmetto-records-review-by-glenn-astarita.php
Adrian Ingram & Ben Crosland Quartet • Spread the Word
Adrian Ingram is widely recognized as one of the foremost authorities on the jazz guitar. He has written extensively about the history, players, styles and instruments of the genre. As an educator, he has served as guitar specialist for Birmingham Education Authority (1975-1981) and Lecturer in jazz and popular music at Huddersfield Technical College (1981-82). Following this he taught for thirteen years as senior lecturer in jazz guitar at the prestigious Leeds College of Music (1982-1995).
Adrian has an MA in music performance and an Master of Philosophy in music education. He studied music education with professor John Paynter OBE (York University) and the guitar with Barney Kessel and Howard Roberts. He was elected both Fellow of the Royal Society of Arts (FRSA) and Fellow of the College of Preceptors (FColl.P) in 1987 for outstanding contribution to music education. Adrian also holds advanced diplomas in classical guitar performance and instruction and has attained Dept. of Education and Science঱uot;qualified teacher" status.
His books include definitive biography of jazz guitarist Wes Montgomery, and The Gibson L5, Its History and Players (Centerstream Publishing). Adrian has produced a wide range of educational material e.g. Modem Jazz Guitar Technique (Hampton), Cool Blues and Hot Jazz (Warner Bros.) and a suite tracing the history of jazz guitar: Jazz Guitar Cameos (Mel Bay Publications, Inc.). He is also the authorized biographer of luthier Robert Benedetto.
Adrian has written countless magazine articles and columns. He is a regular columnist and consultant for Guitarist, music and reviews editor for Just Jazz Guitar, and contributes to Classical Guitar, 20th Century Guitar, Vintage Guitar Classics, Vintage Guitar and Guitar. His international reputation as a player and teacher was consolidated by clinics and workshops at major festivals (New York, Arlington, Cork, Philadelphia etc.). Adrian also performs with leading jazz musicians with whom he has made a variety of recordings, and participated in radio and TV broadcasts. He is featured on the first jazz guitar DVD with guitarist John Pisano at Wakefield Jazz (Mel Bay Publications, Inc./String Jazz).
http://www.adrianingram.com/ingramdatesfacts.htm
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Adrian Ingram es ampliamente reconocido como una de las principales autoridades en la guitarra de jazz. Ha escrito extensamente sobre la historia, los intérpretes, los estilos y los instrumentos del género. Como educador, se ha desempeñado como especialista en guitarra para la Birmingham Education Authority (1975-1981) y como profesor de jazz y música popular en el Huddersfield Technical College (1981-82). Después de esto, enseñó durante trece años como profesor titular de guitarra de jazz en el prestigioso Leeds College of Music (1982-1995).
Adrian tiene una maestría en interpretación musical y una maestría en filosofía en educación musical. Estudió educación musical con el profesor John Paynter OBE (York University) y la guitarra con Barney Kessel y Howard Roberts. Fue elegido miembro de la Royal Society of Arts (FRSA) y miembro del College of Preceptors (FColl.P) en 1987 por su destacada contribución a la educación musical. Adrian también tiene diplomas avanzados en interpretación e instrucción de guitarra clásica y ha alcanzado el estatus de "profesor calificado" en el Departamento de Educación y en Science঱uot;qualified teacher".
Sus libros incluyen la biografía definitiva del guitarrista de jazz Wes Montgomery y The Gibson L5, Its History and Players (Centerstream Publishing). Adrian ha producido una amplia gama de material educativo, por ejemplo, Modem Jazz Guitar Technique (Hampton), Cool Blues y Hot Jazz (Warner Bros.) y una suite que traza la historia de la guitarra de jazz: Jazz Guitar Cameos (Mel Bay Publications, Inc.). También es el biógrafo autorizado del luthier Robert Benedetto.
Adrian ha escrito innumerables artículos y columnas en revistas. Es columnista y consultor habitual de Guitarristas, editor de música y revisiones para Just Jazz Guitar, y contribuye con Guitarra Clásica, Guitarra del Siglo XX, Guitarra Clásica Vintage, Guitarra Vintage y Guitarra. Su reputación internacional como jugador y profesor se consolidó con clínicas y talleres en los principales festivales (Nueva York, Arlington, Cork, Filadelfia, etc.). Adrián también se presenta con músicos de jazz con los que ha realizado una gran variedad de grabaciones y ha participado en programas de radio y televisión. Aparece en el primer DVD de guitarra de jazz con el guitarrista John Pisano en Wakefield Jazz (Mel Bay Publications, Inc./String Jazz).
http://www.adrianingram.com/ingramdatesfacts.htm
Monty Alexander • Echoes of Jilly's
Review by Scott Yanow
From 1963-1967, pianist Monty Alexander played regularly at Jilly's in New York City, a popular hangout where Frank Sinatra would occasionally drop in and, on very rare occasions, sing a song or two. This trio set with bassist John Patitucci and drummer Troy Davis gives Alexander an opportunity to pay tribute to both Jilly's and Sinatra. Performing 13 of the many hundreds of songs associated with the singer, Alexander plays melodic and swinging versions of such tunes as "I've Got You Under My Skin," "Just One of Those Things," "Fly Me to the Moon," "Come Fly with Me," and "Here's That Rainy Day," among others. The songs are mostly pretty familiar, and Alexander does not stretch himself all that much (the only real departure is his haunting unaccompanied melodica solo on "Strangers in the Night"), but his renditions are quite enjoyable and accessible.
Artist Biography by Matt Collar
Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.
In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.
In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.
The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.
In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
Jamaican-born pianist Monty Alexander is a sophisticated, prolific performer with an urbane, swinging style informed by the bop tradition, as well as the reggae and Caribbean folk he grew up with. Born in Kingston, Jamaica in 1944, Alexander first started playing piano around age four and took classical lessons from age six. By his teens, however, he had discovered jazz and was already performing in nightclubs. Although his early career found him covering pop and rock hits of the day, it was his love of jazz-oriented artists like Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra, and Nat King Cole that brought him the most inspiration.
In 1961, he moved with his family to Miami, Florida to better pursue his musical ambitions. It was there that Alexander met restaurateur and Frank Sinatra associate Jilly Rizzo, who eventually hired him as the house pianist at his New York nightclub, Jilly's. For the next several years, Alexander lived in New York and worked at Jilly's, where had the opportunity to befriend and perform with a bevy of stars including Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson, and others. Buoyed by this success, in 1964 he traveled to Los Angeles, where he recorded several well-received albums for the Pacific Jazz label, including Alexander the Great and Spunky. A handful of additional efforts followed, including 1967's Zing! on RCA and 1969's This Is Monty Alexander on Verve. In 1969 he also appeared on vibraphonist Milt Jackson's That's the Way It Is.
In the 1970s, Alexander built a long-lasting relationship with Germany's MPS (Musik Produktion Schwarzwald) label and released a steady stream of albums, including 1971's Here Comes the Sun, 1974's Perception!, and 1977's Cobilimbo with longtime friend and collaborator Ernest Ranglin. These albums found Alexander pushing his sound in new directions and often combining jazz with elements of the Caribbean musical traditions of his youth. During this period he formed working relationships with bassist John Clayton and drummer Jeff Hamilton. As a trio, they debuted to much acclaim on 1976's Live! Montreux Alexander, and would continue to work together in various configurations over the next several decades. The pianist also continued to record with Milt Jackson, and made appearances on albums by Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, and others.
The '80s were also a fruitful period for Alexander, who continued to combine his love of straight-ahead jazz and Caribbean music with the release of such albums as 1983's The Duke Ellington Songbook, 1985's The River, and 1986's Li'l Darlin'. He also reunited with Clayton and Hamilton on 1983's Reunion in Europe and paired with bassist Ray Brown for several dates, including 1985's Full Steam Ahead and 1987's The Red Hot Ray Brown Trio. More albums followed, including 1994's Live at Maybeck and 1995's reggae-inflected Yard Movement. He rounded out the decade with 1997's Frank Sinatra-inspired Echoes of Jilly's and 1999's Stir It Up: The Music of Bob Marley.
In 2000, Alexander's artistic achievements were recognized by the Jamaican government with his designation as a worldwide music ambassador and as Commander in the Order of Distinction for outstanding services to Jamaica. That same year, he collaborated with reggae giants Sly Dunbar and Robbie Shakespeare on Monty Meets Sly & Robbie, followed in 2001 by Caribbean Duet with pianist Michel Sardaby. He then paired again with Ray Brown and guitarist Herb Ellis for 2002's Triple Scoop and 2003's Straight Ahead. Two tribute sessions followed with 2008's The Good Life: Monty Alexander Plays the Songs of Tony Bennett and 2009's Calypso Blues: The Songs of Nat King Cole. Alexander then highlighted his fusion of reggae, ska, R&B, and jazz on 2011's Harlem-Kingston Express and 2014's Harlem-Kingston Express, Vol. 2: River Rolls On, both recorded at Dizzy's Club Coca-Cola at Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
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Reseña de Scott Yanow
De 1963 a 1967, el pianista Monty Alexander tocaba regularmente en Jilly's en la ciudad de Nueva York, un lugar popular donde Frank Sinatra ocasionalmente venía y, en muy raras ocasiones, cantaba una o dos canciones. Este trío con el bajista John Patitucci y el baterista Troy Davis le da a Alexander la oportunidad de rendir homenaje tanto a Jilly's como a Sinatra. Interpretando 13 de los cientos de canciones asociadas con el cantante, Alexander toca versiones melódicas y swingers de temas como "I've Got You Under My Skin", "Just One of Those Things", "Fly Me to the Moon", "Come Fly with Me" y "Here's That Rainy Day", entre otros. La mayoría de las canciones son bastante familiares, y Alexander no se estira mucho (la única salida real es su inquietante solo de melódica no acompañado en "Strangers in the Night"), pero sus interpretaciones son bastante agradables y accesibles.
De 1963 a 1967, el pianista Monty Alexander tocaba regularmente en Jilly's en la ciudad de Nueva York, un lugar popular donde Frank Sinatra ocasionalmente venía y, en muy raras ocasiones, cantaba una o dos canciones. Este trío con el bajista John Patitucci y el baterista Troy Davis le da a Alexander la oportunidad de rendir homenaje tanto a Jilly's como a Sinatra. Interpretando 13 de los cientos de canciones asociadas con el cantante, Alexander toca versiones melódicas y swingers de temas como "I've Got You Under My Skin", "Just One of Those Things", "Fly Me to the Moon", "Come Fly with Me" y "Here's That Rainy Day", entre otros. La mayoría de las canciones son bastante familiares, y Alexander no se estira mucho (la única salida real es su inquietante solo de melódica no acompañado en "Strangers in the Night"), pero sus interpretaciones son bastante agradables y accesibles.
Biografía del artista por Matt Collar
El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.
En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".
En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.
Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.
En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
El pianista jamaiquino Monty Alexander es un intérprete sofisticado y prolífico, con un estilo urbano y swinging inspirado en la tradición del bop, así como en el reggae y el folclore caribeño con el que creció. Nacido en Kingston, Jamaica, en 1944, Alexander comenzó a tocar el piano alrededor de los cuatro años y tomó clases de piano clásico a partir de los seis años. En su adolescencia, sin embargo, había descubierto el jazz y ya estaba actuando en clubes nocturnos. Aunque al principio de su carrera lo encontró cubriendo éxitos del pop y el rock de la época, fue su amor por artistas orientados al jazz como Oscar Peterson, Duke Ellington, Frank Sinatra y Nat King Cole lo que le trajo la mayor inspiración.
En 1961, se mudó con su familia a Miami, Florida, para perseguir mejor sus ambiciones musicales. Fue allí donde Alexander conoció al restaurador y socio de Frank Sinatra, Jilly Rizzo, quien finalmente lo contrató como pianista en su club nocturno de Nueva York, Jilly's. Durante los años siguientes, Alexander vivió en Nueva York y trabajó en Jilly's, donde tuvo la oportunidad de hacerse amigo de un grupo de estrellas como Sinatra, Ray Brown, Milt Jackson y otros. Animado por este éxito, en 1964 viajó a Los Ángeles, donde grabó varios discos muy bien recibidos para el sello Pacific Jazz, entre ellos Alexander the Great y Spunky. Siguieron un puñado de esfuerzos adicionales, incluyendo Zing! de 1967 en RCA y This Is Monty Alexander de 1969 en Verve. En 1969 también apareció en la película del vibrafonista Milt Jackson "That's the Way It Is".
En los años 70, Alexander estableció una relación duradera con el sello alemán MPS (Musik Produktion Schwarzwald) y editó un flujo constante de álbumes, incluyendo Here Comes the Sun de 1971, Perception! de 1974 y Cobilimbo de 1977 con su amigo y colaborador Ernest Ranglin. Estos álbumes encontraron a Alexander empujando su sonido en nuevas direcciones y a menudo combinando el jazz con elementos de las tradiciones musicales caribeñas de su juventud. Durante este período formó relaciones de trabajo con el bajista John Clayton y el baterista Jeff Hamilton. Como trío, debutaron con gran éxito en Live! Montreux Alexander, y continuarán trabajando juntos en diversas configuraciones durante las próximas décadas. El pianista también continuó grabando con Milt Jackson, e hizo apariciones en álbumes de Quincy Jones, Dizzy Gillespie, Phyllis Hyman, y otros.
Los años 80 también fueron un período fructífero para Alexander, que continuó combinando su amor por el jazz y la música caribeña con la publicación de álbumes como The Duke Ellington Songbook (1983), The River (1985) y Li'l Darlin' (1986). También se reunió con Clayton y Hamilton en la Reunión en Europa de 1983 y se asoció con el bajista Ray Brown en varias fechas, incluyendo Full Steam Ahead de 1985 y The Red Hot Ray Brown Trio de 1987. Siguieron más álbumes, incluyendo Live at Maybeck de 1994 y Yard Movement de 1995, con un aire de reggae. Completó la década con los Ecos de Jilly de 1997 inspirados en Frank Sinatra y Stir It Up de 1999: La música de Bob Marley.
En el año 2000, los logros artísticos de Alexander fueron reconocidos por el gobierno jamaicano con su designación como embajador mundial de la música y como Comandante en la Orden de Distinción por sus destacados servicios a Jamaica. Ese mismo año, colaboró con los gigantes del reggae Sly Dunbar y Robbie Shakespeare en Monty Meets Sly & Robbie, seguido en 2001 por Caribbean Duet con el pianista Michel Sardaby. Luego se emparejó de nuevo con Ray Brown y el guitarrista Herb Ellis para la Triple Scoop de 2002 y la Straight Ahead de 2003. Dos sesiones de homenaje siguieron con The Good Life de 2008: Monty Alexander toca las canciones de Tony Bennett y Calypso Blues 2009: Las canciones de Nat King Cole. Alexander luego destacó su fusión de reggae, ska, R&B y jazz en el Harlem-Kingston Express de 2011 y en el Harlem-Kingston Express de 2014, Vol. 2: River Rolls On, ambos grabados en el Dizzy's Club Coca-Cola del Lincoln Center.
https://www.allmusic.com/artist/monty-alexander-mn0000589256/biography
Monday, May 30, 2022
Blind Gary Davis • Harlem Street Singer
Review by Matt Fink
Recorded during a three hour session on August 24, 1960, Gary Davis laid down 12 of his most impassioned spirituals for Harlem Street Singer. Starting off the session with a version of Blind Willie Johnson's "If I Had My Way I'd Tear That Building Down," here renamed "Samson and Delilah," Davis is in fine form. His vocals are as expressive as Ray Charles' while similar in richness to Richie Havens' work. Harlem Street Singer features his inspired country blues fingerpicking as well. Many moods color the selections, from the gentle "I Belong to the Band" to the mournful "Death Don't Have No Mercy," only to be followed by the joyous shouting of "Goin' to Sit Down on the Banks of the River." Overall, the collection is well worth the purchase and should be considered essential listening for fans of country blues or gospel.
Artist Biography by Bruce Eder
In his prime of life, which is to say the late '20s, the Reverend Gary Davis was one of the two most renowned practitioners of the East Coast school of ragtime guitar; 35 years later, despite two decades spent playing on the streets of Harlem in New York, he was still one of the giants in his field, playing before thousands of people at a time, and an inspiration to dozens of modern guitarist/singers including Bob Dylan, Taj Mahal, and Donovan; and Jorma Kaukonen, David Bromberg, and Ry Cooder, who studied with Davis.
Davis was partially blind at birth, and lost what little sight he had before he was an adult. He was self-taught on the guitar, beginning at age six, and by the time he was in his 20s he had one of the most advanced guitar techniques of anyone in blues; his only peers among ragtime-based players were Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, and Blind Willie Johnson. Davis himself was a major influence on Blind Boy Fuller.
Davis' influences included gospel, marches, ragtime, jazz, and minstrel hokum, and he integrated them into a style that was his own. In 1911, when Davis was a still teenager, the family moved to Greenville, SC, and he fell under the influence of such local guitar virtuosi as Willie Walker, Sam Brooks, and Baby Brooks. Davis moved to Durham in the mid-'20s, by which time he was a full-time street musician. He was celebrated not only for the diversity of styles that his playing embraced, but also for his skills with the guitar, which were already virtually unmatched in the blues field.
Davis went into the recording studio for the first time in the '30s with the backing of a local businessman. Davis cut a mixture of blues and spirituals for the American Record Company label, but there was never an equitable agreement about payment for the recordings, and following these sessions, it was 19 years before he entered the studio again. During that period, he went through many changes. Like many other street buskers, Davis always interspersed gospel songs amid his blues and ragtime numbers, to make it harder for the police to interrupt him. He began taking the gospel material more seriously, and in 1937 he became an ordained minister. After that, he usually refused to perform any blues.
Davis moved to New York in the early '40s and began preaching and playing on street corners in Harlem. He recorded again at the end of the 1940s, with a pair of gospel songs, but it wasn't until the mid-'50s that a real following for his work began developing anew. His music, all of it now of a spiritual nature, began showing up on labels such as Stinson, Folkways, and Riverside, where he recorded seven songs in early 1956. Davis was "rediscovered" by the folk revival movement, and after some initial reticence, he agreed to perform as part of the budding folk music revival, appearing at the Newport Folk Festival, where his raspy voiced sung sermons; most notably his transcendent "Samson and Delilah (If I Had My Way)" -- a song most closely associated with Blind Willie Johnson -- and "Twelve Gates to the City," which were highlights of the proceedings for several years. He also recorded a live album for the Vanguard label at one such concert, as well as appearing on several Newport live anthology collections. He was also the subject of two television documentaries, one in 1967 and one in 1970.
Davis became one of the most popular players on the folk revival and blues revival scenes, playing before large and enthusiastic audiences; most of the songs that he performed were spirituals, but they weren't that far removed from the blues that he'd recorded in the 1930s, and his guitar technique was intact. Davis' skills as a player, on the jumbo Gibson acoustic models that he favored, were undiminished, and he was a startling figure to hear, picking and strumming complicated rhythms and counter-melodies. Davis became a teacher during this period, and his students included some very prominent white guitar players, including David Bromberg and the Jefferson Airplane's Jorma Kaukonen (who later recorded Davis' "I'll Be Alright" on his acclaimed solo album Quah!).
The Reverend Gary Davis left behind a fairly large body of modern (i.e. post-World War II) recordings, well into the 1960s, taking the revival of his career in his stride as a way of carrying the message of the gospel to a new generation. He even recorded anew some of his blues and ragtime standards in the studio, for the benefit of his students.
https://www.allmusic.com/artist/rev-gary-davis-mn0000464017/biography
more ... https://www.revgarydavis.com/
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Reseña de Matt Fink
Grabado durante una sesión de tres horas el 24 de agosto de 1960, Gary Davis puso 12 de sus espirituales más apasionados para el Harlem Street Singer. Comenzando la sesión con una versión del libro de Blind Willie Johnson "If I Had My Way I'd Tear That Building Down," aquí rebautizado "Samson and Delilah," Davis está en buena forma. Su voz es tan expresiva como la de Ray Charles, mientras que su riqueza es similar a la de Richie Havens. Harlem Street Singer también presenta su inspirado blues country. Muchos estados de ánimo colorean las selecciones, desde el gentil "Yo pertenezco a la banda" hasta el triste "La muerte no tiene piedad", sólo para ser seguido por el alegre grito de "Voy a sentarme a la orilla del río". En general, la colección vale la pena comprarla y debe ser considerada esencial para los fanáticos del country blues o del gospel.
Biografía del artista por Bruce Eder
En la flor de la vida, es decir, a finales de los años 20, el reverendo Gary Davis fue uno de los dos practicantes más renombrados de la escuela de guitarra ragtime de la Costa Este; 35 años más tarde, a pesar de las dos décadas que pasó tocando en las calles de Harlem en Nueva York, seguía siendo uno de los gigantes en su campo, tocando ante miles de personas a la vez, y una inspiración para docenas de guitarristas/cantantes modernos como Bob Dylan, Taj Mahal y Donovan; y Jorma Kaukonen, David Bromberg y Ry Cooder, que estudiaron con Davis.
Davis era parcialmente ciego de nacimiento y perdió la poca visión que tenía antes de ser adulto. Fue autodidacta en la guitarra, a partir de los seis años, y para cuando tenía veintitantos años ya tenía una de las técnicas de guitarra más avanzadas de todo el mundo en el blues; sus únicos compañeros entre los músicos de ragtime eran Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, y Blind Willie Johnson. El mismo Davis fue una gran influencia en Blind Boy Fuller.
Las influencias de Davis incluyeron gospel, marchas, ragtime, jazz, y minstrel hokum, y los integró en un estilo que era el suyo propio. En 1911, cuando Davis era todavía un adolescente, la familia se mudó a Greenville, SC, y cayó bajo la influencia de virtuosos locales de la guitarra como Willie Walker, Sam Brooks y Baby Brooks. Davis se mudó a Durham a mediados de los años 20, cuando ya era músico callejero a tiempo completo. Fue celebrado no sólo por la diversidad de estilos que abrazaba, sino también por sus habilidades con la guitarra, que ya eran prácticamente inigualables en el campo del blues.
Davis entró al estudio de grabación por primera vez en los años 30 con el apoyo de un empresario local. Davis cortó una mezcla de blues y spirituals para el sello American Record Company, pero nunca hubo un acuerdo equitativo sobre el pago por las grabaciones, y después de estas sesiones, pasaron 19 años antes de que él entrara de nuevo al estudio. Durante ese período, pasó por muchos cambios. Como muchos otros músicos callejeros, Davis siempre intercalaba canciones gospel entre sus números de blues y ragtime, para hacer más difícil que la policía lo interrumpiera. Comenzó a tomar más en serio el material evangélico, y en 1937 se convirtió en ministro ordenado. Después de eso, por lo general se negaba a tocar blues.
Davis se mudó a Nueva York a principios de los años 40 y comenzó a predicar y a tocar en las esquinas de Harlem. Volvió a grabar a finales de la década de 1940, con un par de canciones gospel, pero no fue hasta mediados de los años 50 que un verdadero seguidor de su trabajo comenzó a desarrollarse de nuevo. Su música, toda de naturaleza espiritual, comenzó a aparecer en sellos como Stinson, Folkways y Riverside, donde grabó siete canciones a principios de 1956. Davis fue "redescubierto" por el movimiento de renacimiento folclórico, y después de algunas reticencias iniciales, aceptó actuar como parte del renacimiento de la música folclórica en ciernes, apareciendo en el Festival Folclórico de Newport, donde sus sermones cantados con voz ronca; más notablemente su trascendente "Samson and Delilah (If I Had My Way)" - una canción que está más estrechamente asociada con Blind Willie Johnson - y "Twelve Gates to the City", que fueron los puntos culminantes de las actuaciones durante varios años. También grabó un álbum en vivo para el sello Vanguard en uno de esos conciertos, además de aparecer en varias colecciones de antologías en vivo de Newport. También fue objeto de dos documentales televisivos, uno en 1967 y otro en 1970.
Davis se convirtió en uno de los intérpretes más populares en las escenas de renacimiento del folk y del blues, tocando ante un público grande y entusiasta; la mayoría de las canciones que interpretaba eran espirituales, pero no estaban tan alejadas del blues que había grabado en la década de 1930, y su técnica de guitarra estaba intacta. Las habilidades de Davis como guitarrista, en los modelos acústicos gigantescos de Gibson que él prefería, no se vieron mermadas, y fue una figura sorprendente para escuchar, escogiendo y rasgueando ritmos complicados y contra-melodías. Davis se convirtió en profesor durante este período, y entre sus alumnos había algunos guitarristas blancos muy prominentes, como David Bromberg y Jorma Kaukonen de Jefferson Airplane (que más tarde grabó "I'll Be Alright" de Davis en su aclamado álbum en solitario Quah!)
El reverendo Gary Davis dejó un cuerpo bastante grande de grabaciones modernas (es decir, después de la Segunda Guerra Mundial), hasta bien entrada la década de 1960, tomando el renacimiento de su carrera en su camino como una forma de llevar el mensaje del evangelio a una nueva generación. Incluso grabó de nuevo algunos de sus estándares de blues y ragtime en el estudio, para el beneficio de sus estudiantes.
https://www.allmusic.com/artist/rev-gary-davis-mn0000464017/biography
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Ike Quebec • Blue and Sentimental
Biography
by Alex Henderson
Influenced by Coleman Hawkins and Ben Webster but definitely his own person, Ike Quebec was one of the finest swing-oriented tenor saxman of the 1940s and '50s. Though he was never an innovator, Quebec had a big, breathy sound that was distinctive and easily recognizable, and he was quite consistent when it came to came to down-home blues, sexy ballads, and up-tempo aggression. Originally a pianist, Quebec switched to tenor in the early '40s and showed that he had made the right decision on excellent 78s for Blue Note and Savoy (including his hit "Blue Harlem"). As a sideman, he worked with Benny Carter, Kenny Clarke, Roy Eldridge, and Cab Calloway. In the late '40s, the saxman did a bit of freelancing behind the scenes as a Blue Note A&R man and brought Thelonious Monk and Bud Powell to the label. Drug problems kept Quebec from recording for most of the 1950s, but he made a triumphant comeback in the early '60s and was once again recording for Blue Note and doing freelance A&R for the company. Quebec was playing as authoritatively as ever well into 1962, giving no indication that he was suffering from lung cancer, which claimed his life at the age of 44 in 1963.
https://www.allmusic.com/artist/ike-quebec-mn0000082037/biography
by Alex Henderson
Influenced by Coleman Hawkins and Ben Webster but definitely his own person, Ike Quebec was one of the finest swing-oriented tenor saxman of the 1940s and '50s. Though he was never an innovator, Quebec had a big, breathy sound that was distinctive and easily recognizable, and he was quite consistent when it came to came to down-home blues, sexy ballads, and up-tempo aggression. Originally a pianist, Quebec switched to tenor in the early '40s and showed that he had made the right decision on excellent 78s for Blue Note and Savoy (including his hit "Blue Harlem"). As a sideman, he worked with Benny Carter, Kenny Clarke, Roy Eldridge, and Cab Calloway. In the late '40s, the saxman did a bit of freelancing behind the scenes as a Blue Note A&R man and brought Thelonious Monk and Bud Powell to the label. Drug problems kept Quebec from recording for most of the 1950s, but he made a triumphant comeback in the early '60s and was once again recording for Blue Note and doing freelance A&R for the company. Quebec was playing as authoritatively as ever well into 1962, giving no indication that he was suffering from lung cancer, which claimed his life at the age of 44 in 1963.
https://www.allmusic.com/artist/ike-quebec-mn0000082037/biography
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Biografía
por Alex Henderson
Influenciado por Coleman Hawkins y Ben Webster, pero definitivamente una persona propia, Ike Quebec fue uno de los mejores saxofonistas tenores orientados al swing de los años 40 y 50. Aunque nunca fue un innovador, Quebec tenía un sonido grande y respiratorio que era distintivo y fácilmente reconocible, y era bastante consistente cuando se trataba de blues casero, baladas sexys y agresividad a ritmo acelerado. Originalmente pianista, Quebec cambió a tenor a principios de los años 40 y demostró que había tomado la decisión correcta en excelentes 78s para Blue Note y Savoy (incluyendo su éxito "Blue Harlem"). Como acompañante, trabajó con Benny Carter, Kenny Clarke, Roy Eldridge y Cab Calloway. A finales de los años 40, el saxofonista trabajó por su cuenta en Blue Note como agente de ventas y trajo a Thelonious Monk y Bud Powell al sello. Los problemas con las drogas impidieron que Quebec grabara durante la mayor parte de la década de 1950, pero a principios de los años 60 volvió a grabar para Blue Note y a trabajar por cuenta propia como A&R para la compañía. Quebec seguía tocando con tanta autoridad como siempre hasta bien entrado el año 1962, sin dar ninguna indicación de que estuviera sufriendo un cáncer de pulmón, que se cobró su vida a los 44 años en 1963.
https://www.allmusic.com/artist/ike-quebec-mn0000082037/biography
por Alex Henderson
Influenciado por Coleman Hawkins y Ben Webster, pero definitivamente una persona propia, Ike Quebec fue uno de los mejores saxofonistas tenores orientados al swing de los años 40 y 50. Aunque nunca fue un innovador, Quebec tenía un sonido grande y respiratorio que era distintivo y fácilmente reconocible, y era bastante consistente cuando se trataba de blues casero, baladas sexys y agresividad a ritmo acelerado. Originalmente pianista, Quebec cambió a tenor a principios de los años 40 y demostró que había tomado la decisión correcta en excelentes 78s para Blue Note y Savoy (incluyendo su éxito "Blue Harlem"). Como acompañante, trabajó con Benny Carter, Kenny Clarke, Roy Eldridge y Cab Calloway. A finales de los años 40, el saxofonista trabajó por su cuenta en Blue Note como agente de ventas y trajo a Thelonious Monk y Bud Powell al sello. Los problemas con las drogas impidieron que Quebec grabara durante la mayor parte de la década de 1950, pero a principios de los años 60 volvió a grabar para Blue Note y a trabajar por cuenta propia como A&R para la compañía. Quebec seguía tocando con tanta autoridad como siempre hasta bien entrado el año 1962, sin dar ninguna indicación de que estuviera sufriendo un cáncer de pulmón, que se cobró su vida a los 44 años en 1963.
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Jimmy Smith • In Hamburg Live! 65
Recorded in Hamburg, Germany. Jimmy Smith with a trio as part of a European tour in 1965. Latter-day sessions, Smith still plays torrid organ.
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Grabado en Hamburgo, Alemania. Jimmy Smith con un trío como parte de una gira europea en 1965. En las sesiones de los últimos días, Smith todavía toca un órgano tórrido.
Django Reinhardt • Die andere Saite
by Joseph Dinkins
Django Reinhardt has astounded and thrilled numerous generations of guitar players and jazz lovers with his amazing command of the guitar. January 24th, 1910 at Liberchies Belgium, Django was born into the open air, rambling lifestyle of his gypsy parents. At the age of eight, his mother's tribe settled near the belt of fortifications that surrounded the old Paris, near the Choisy gate. He never wore a suit or lived in a real house until he was twenty years old. These French Gypsies or Manouches were a world unto themselves, medieval in their beliefs, and distrustful of modern science. Django grew up in this world of contradictions, one foot in the bustling big city of Paris and the other in the age-old life of the nomadic gypsy. Though born into poverty Django had the soul of a nobleman and this natural elegance of bearing and attitude expressed itself in his music.
It was at an early age Django became attracted to music. When twelve years old he received his first instrument, a banjo/guitar that was given to him by a neighbor who had noticed his keen interest in music. He quickly learned to play, mimicking the fingerings of musicians he watched. He was soon astounding adults with his ability on the guitar, and before he was thirteen he began his musical career playing with popular accordionist Guerino at a dance hall on the Rue Monge. He went on to play with numerous other bands and musicians and made his first recordings with accordionist Jean Vaissade for the Ideal Company. Since Django could not read or write at the time "Jiango Renard" was how his name appeared on these records.
On November 2nd, 1928 an event took place that would forever change Django's life. At one o'clock in the morning the 18 year old Django returned from a night of playing music at a new club "La Java" to the caravan that was now the home of himself and his new wife. The caravan was filled with celluloid flowers his wife had made to sell at the market on the following day. Django upon hearing what he thought was a mouse among the flowers bent down with a candle to look. The wick from the candle fell into the highly flammable celluloid flowers and the caravan was almost instantly transformed into a raging inferno. Django wrapped himself in a blanket to shield him from the flames. Somehow he and his wife made it across the blazing room to safety outside, but his left hand, and his right side from knee to waist were badly burned.
Initially doctors wanted to amputate his leg but Django refused. He was moved to a nursing home where the care was so good his leg was saved. Django was bedridden for eighteen months. During this time he was given a guitar, and with great determination Django created a whole new fingering system built around the two fingers on his left hand that had full mobility. His fourth and fifth digits of the left hand were permanently curled towards the palm due to the tendons shrinking from the heat of the fire. He could use them on the first two strings of the guitar for chords and octaves but complete extension of these fingers was impossible. His soloing was all done with the index and middle fingers! Film clips of Django show his technique to be graceful and precise, almost defying belief.
Django was influenced by jazz recordings of Eddie Lang and Joe Venuti, Louis Armstrong and Duke Ellington. This new music found a place deep in Django's heart. It provided the perfect vehicle for his prodigious talent for improvisation. Django rarely if ever played a solo the same way twice. Numerous recordings prove this to be true. His creative genius was not only that of the master improviser, but also that of the composer, and he can be credited with numerous pieces with beautiful melodies and sophisticated, subtle harmonic structures. However, Django could not read or write musical notation and he was at the mercy of others that could to get his ideas down on paper.
1934 proved to be the most important year of his life. The Quintet of the Hot Club of France was born! As the fates would have it, the Quintet was formed by a chance meeting of Django and Stéphane Grappelli. A band of fourteen musicians including Django, Stéphane, Roger Chaput, and Louis Vola were commissioned to play at the Hotel Cambridge at teatime. During intermission Django would find a corner backstage and play his guitar. One day Stéphane joined in and both were so pleased with the exchange they went on to play together more and more frequently joined by Roger Chaput (guitar), Louis Vola (bass), and eventually Django's brother Joseph (guitar). A small record company Ultraphone recorded their first sides Dinah, Tiger Rag, Oh Lady be Good, and I Saw Stars. These first records caused a sensation! The Quintet went on to record hundreds of sides and had a following on both sides of the ocean.
1939 found the Quintet touring in England when the war broke out. Django returned to Paris while Stéphane remained in England. Django played and recorded throughout the war years substituting Hubert Rostaing's clarinet for Stephen's violin. He somehow avoided the fate of many of his kinfolk who went to their deaths in the Nazi concentration camps. After the war he was rejoined by Stéphane and they again played and recorded. He toured briefly with Duke Ellington in America and returned to Paris where he continued his career until 1951 when he retired to the small village of Samois sur Seine.
On May 16th 1953 Django suffered a massive brain hemorrhage and died, leaving behind his wife Sophie and son Babik. His music remains as vital and exciting today as it was when he lived, a legacy of joy to all future generations that rediscover the genius of the Belgian gypsy Django Reinhardt.
http://www.redhotjazz.com/django.html
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por Joseph Dinkins
Django Reinhardt ha asombrado y emocionado a numerosas generaciones de guitarristas y amantes del jazz con su increíble dominio de la guitarra. El 24 de enero de 1910 en Liberchies Belgium, Django nació al aire libre, en el estilo de vida de sus padres gitanos. A la edad de ocho años, la tribu de su madre se estableció cerca del cinturón de fortificaciones que rodeaba el viejo París, cerca de la puerta de Choisy. Nunca usó un traje ni vivió en una casa de verdad hasta que cumplió veinte años. Estos gitanos o manuches franceses eran un mundo en sí mismos, de creencias medievales y desconfiados de la ciencia moderna. Django creció en este mundo de contradicciones, un pie en la bulliciosa gran ciudad de París y el otro en la vida milenaria de los gitanos nómadas. Aunque nació en la pobreza, Django tenía el alma de un noble y esta elegancia natural de porte y actitud se expresaba en su música.
Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. A los doce años recibió su primer instrumento, un banjo/guitarra que le regaló un vecino que había notado su gran interés por la música. Rápidamente aprendió a tocar, imitando las digitaciones de los músicos que veía. Pronto se convirtió en un adulto asombroso por su habilidad con la guitarra, y antes de cumplir los trece años comenzó su carrera musical tocando con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile de la Rue Monge. A continuación, tocó con muchos otros grupos y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Compañía Ideal. Como Django no sabía leer ni escribir en ese momento, "Jiango Renard" era la forma en que su nombre aparecía en estos registros.
El 2 de noviembre de 1928 tuvo lugar un evento que cambiaría para siempre la vida de Django. A la una de la mañana, Django, de 18 años, regresó de una noche de música en un nuevo club "La Java" a la caravana que ahora era su casa y la de su nueva esposa. La caravana estaba llena de flores de celuloide que su esposa había hecho para vender en el mercado al día siguiente. Django al escuchar lo que él pensaba que era un ratón entre las flores se inclinó con una vela para mirar. La mecha de la vela cayó en las flores de celuloide altamente inflamables y la caravana se transformó casi instantáneamente en un furioso infierno. Django se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. De alguna manera, él y su esposa lograron cruzar la habitación ardiente para estar a salvo afuera, pero su mano izquierda y su lado derecho desde la rodilla hasta la cintura estaban gravemente quemados.
Inicialmente los médicos querían amputarle la pierna, pero Django se negó. Fue trasladado a un hogar de ancianos donde los cuidados fueron tan buenos que su pierna se salvó. Django estuvo en cama durante dieciocho meses. Durante este tiempo se le dio una guitarra, y con gran determinación Django creó todo un nuevo sistema de digitación construido alrededor de los dos dedos de su mano izquierda que tenían total movilidad. Su cuarto y quinto dígitos de la mano izquierda estaban permanentemente curvados hacia la palma debido a que los tendones se encogían por el calor del fuego. Podía usarlos en las dos primeras cuerdas de la guitarra para acordes y octavas, pero la extensión completa de estos dedos era imposible. Su solo fue todo hecho con los dedos índice y medio! Películas de Django muestran su técnica para ser grácil y preciso, casi increíble.
Django fue influenciado por las grabaciones de jazz de Eddie Lang y Joe Venuti, Louis Armstrong y Duke Ellington. Esta nueva música encontró un lugar en el corazón de Django. Proporcionó el vehículo perfecto para su prodigioso talento para la improvisación. Django rara vez o nunca tocó un solo de la misma manera dos veces. Numerosas grabaciones demuestran que esto es cierto. Su genio creativo no era sólo el del maestro improvisador, sino también el del compositor, y se le pueden atribuir numerosas piezas con bellas melodías y estructuras armónicas sofisticadas y sutiles. Sin embargo, Django no sabía leer ni escribir notación musical y estaba a merced de otros que podían poner sus ideas por escrito.
1934 fue el año más importante de su vida. El Quinteto del Club Caliente de Francia ha nacido! El Quinteto fue formado por un encuentro casual de Django y Stéphane Grappelli. Una banda de catorce músicos, entre ellos Django, Stéphane, Roger Chaput y Louis Vola, fueron comisionados para tocar en el Hotel Cambridge a la hora del té. Durante el intermedio, Django encontraba un rincón entre bastidores y tocaba la guitarra. Un día Stéphane se unió y ambos estaban tan contentos con el intercambio que tocaron juntos cada vez más a menudo con Roger Chaput (guitarra), Louis Vola (bajo), y finalmente el hermano de Django, Joseph (guitarra). Una pequeña compañía discográfica Ultraphone grabó sus primeros equipos Dinah, Tiger Rag, Oh Lady Be Good, y I Saw Stars. Estos primeros discos causaron sensación! El Quinteto grabó cientos de caras y tuvo seguidores a ambos lados del océano.
En 1939 encontró el Quinteto de gira por Inglaterra cuando estalló la guerra. Django regresó a París mientras que Stéphane permaneció en Inglaterra. Django tocó y grabó durante los años de la guerra sustituyendo el clarinete de Hubert Rostaing por el violín de Stephen. De alguna manera evitó el destino de muchos de sus parientes que murieron en los campos de concentración nazis. Después de la guerra, Stéphane se unió a él y volvieron a tocar y grabar. Viajó brevemente con Duke Ellington en América y regresó a París, donde continuó su carrera hasta 1951, cuando se retiró a la pequeña aldea de Samois sur Seine.
El 16 de mayo de 1953 Django sufrió una hemorragia cerebral masiva y murió, dejando atrás a su esposa Sophie y a su hijo Babik. Su música sigue siendo tan vital y emocionante hoy como lo fue cuando vivió, un legado de alegría para todas las generaciones futuras que redescubren el genio del gitano belga Django Reinhardt.
http://www.redhotjazz.com/django.html
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator
Juan Amalbert's Latin Jazz Quintet • The Chant
Abdul-Rahim, Emmanuel (Juan Amalbert) (b. 1934)
Maestro percusionista e ingeniero de grabación; Hijo de Annie Swinton Johnson y Juan Amalbert, su madre era parte del monte. Agradable (SC), al este de las familias del río Cooper de Swintons y Ascues - su padre era puertorriqueño; Nacido Emmanuel Amalbert, Abdul-Rahim más tarde comenzó a grabar bajo el nombre de su padre, Juan Amalbert, en reverencia a él; Creció y vivió en Nueva York y Copenhague, y recientemente se ha vuelto a conectar con su casa "ancestral" (Charleston);
Tocó con la Duke Ellington Orchestra y grabó "Jaywalker" con el grupo destacando su exquisito juego africano rítmico en los tambores de conga; También interpretó a Sarah Vaughan (su modelo a seguir), Josephine Baker, Aretha Franklin, Ahmad Jamal, Nancy Wilson, Art Blakey y los Jazz Messengers, la Orquesta Thad Jones y bandas dirigidas por James Moody y John Coltrane; Percusionista para Katherine Dunham; Ha producido o dirigido grabaciones para James Moody, Clark Terry, Eric Dolphy y Jimmy Cliff; Abandonó los Estados Unidos en 1956 y recorrió Europa, África y Asia; Su quinteto de jazz latino basado en Copenhague oscila con los ritmos clave Yambu y Yoruba.
http://chumanceralatinjazz.blogspot.com/2017/01/juan-amalberts-latin-jazz-quintet-chant.html
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Abdul-Rahim, Emmanuel (John Amalbert) (b. 1934)
Master percussionist and recording engineer; son of Annie Swinton Johnson and Juan Amalbert, his mother was part of the mountain. Agradable (SC), east of the Cooper River families of Swintons and Ascues - his father was Puerto Rican; Born Emmanuel Amalbert, Abdul-Rahim later began recording under the name of his father, Juan Amalbert, in reverence to him; He grew up and lived in New York and Copenhagen, and has recently reconnected with his "ancestral" home (Charleston);
He played with the Duke Ellington Orchestra and recorded "Jaywalker" with the group highlighting their exquisite African rhythmic play on conga drums; he also played Sarah Vaughan (his role model), Josephine Baker, Aretha Franklin, Ahmad Jamal, Nancy Wilson, Art Blakey and the Jazz Messengers, the Thad Jones Orchestra and bands led by James Moody and John Coltrane; Percussionist for Katherine Dunham; Produced or directed recordings for James Moody, Clark Terry, Eric Dolphy and Jimmy Cliff; left the United States in 1956 and toured Europe, Africa and Asia; His Latin jazz quintet based in Copenhagen oscillates with the key rhythms Yambu and Yoruba.
http://chumanceralatinjazz.blogspot.com/2017/01/juan-amalberts-latin-jazz-quintet-chant.html
Dexter Gordon • True Blue
Review
by Michael G. Nastos
True Blue is led in title under the auspices of Dexter Gordon as a welcome home party conducted by Don Schlitten for the expatriate tenor saxophonist in 1976. Essentially a jam session, this very talented septet features a two tenor-two trumpet front line, utilized to emphasize the soloing strength of the horns, not necessarily in joyous shouts or big-band like unison outbursts. The real star here is Barry Harris, and if you listen closely to his comping behind the soloist or his many colorful chords and single-line runs, you realize how brilliant he continued to be in his prime during this beyond-bebop time frame. The distinctly different, legato flavored sound of Al Cohn contrasts nicely to the broader range and richer tones of Gordon, while Blue Mitchell's warm West Coast trumpet phrasings also run aside but a little behind the animated and clipped brassy sounds of Sam Noto, a player deserving much wider recognition, and playing to the hilt on this recording. The session kicks off with the classic superimposed melodies of "Lady Bird" and "Half Nelson," with melodies split between the trumpet and tenor tandems. In a larger context this is democracy at its finest, with a finish of eight-bar exchanges, Noto's wiry voicings and Gordon's distinctive, throaty sound, but once again Harris is the glue, with his inventive chord shadings constantly adding depth and substance. The ballad "How Deep Is the Ocean?" is led out by Harris ad extensia, while Cohn's solo features held notes that sets him apart from Gordon in shorter partnerships including Noto. Then Mitchell gets his due on the seventeen-and-a-half minute title track, his basic blues swinger where the four horns all play joyously together with little harmonic variation. Mitchell's solo is the first of all, but his is the tone setter in a lighter context, a sky blue sound where air is more important than heft. Gordon's solo, on the other hand, is memorable, sporting his signature swagger, with Harris and drummer Louis Hayes triggering a trading of fours to end the set. There is a companion CD, Silver Blue, that contains the remainder of these famous sessions, a remembrance of the golden years for several of these players, after which Gordon (1990,) Cohn (1988,) and Mitchell (1979) would pass away, but left large legacies.
https://www.allmusic.com/album/true-blue-mw0000262927
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Reseña
por Michael G. Nastos
True Blue se titula bajo los auspicios de Dexter Gordon como una fiesta de bienvenida a casa dirigida por Don Schlitten para el saxofonista tenor expatriado en 1976. Esencialmente una jam session, este septeto de gran talento cuenta con una primera línea de dos tenores y dos trompetas, utilizada para enfatizar la fuerza solista de los vientos, no necesariamente en gritos alegres o arrebatos al unísono tipo big-band. La verdadera estrella aquí es Barry Harris, y si escuchas atentamente sus compases detrás del solista o sus muchos acordes coloridos y ejecuciones de una sola línea, te das cuenta de lo brillante que seguía siendo en su mejor momento durante esta época más allá del bbop. El sonido claramente diferente y con sabor a legato de Al Cohn contrasta muy bien con el rango más amplio y los tonos más ricos de Gordon, mientras que los cálidos fraseos de trompeta de la Costa Oeste de Blue Mitchell también se sitúan a un lado, pero un poco por detrás de los animados y recortados sonidos descarados de Sam Noto, un jugador que merece un reconocimiento mucho mayor, y que toca a tope en esta grabación. La sesión arranca con las clásicas melodías superpuestas de "Lady Bird" y "Half Nelson", con melodías repartidas entre los tándems de trompeta y tenor. En un contexto más amplio, esta es la democracia en su máxima expresión, con un final de intercambios de ocho compases, los enérgicos voicings de Noto y el distintivo sonido gutural de Gordon, pero una vez más Harris es el pegamento, con sus inventivos matices de acordes añadiendo constantemente profundidad y sustancia. La balada "How Deep Is the Ocean?" está dirigida por Harris ad extensia, mientras que el solo de Cohn presenta notas sostenidas que lo distinguen de Gordon en asociaciones más cortas, incluyendo a Noto. A continuación, Mitchell recibe su merecido en el tema que da título al disco, de diecisiete minutos y medio de duración, su blues swinger básico en el que las cuatro trompas tocan alegremente juntas con poca variación armónica. El solo de Mitchell es el primero de todos, pero el suyo es el que marca el tono en un contexto más ligero, un sonido azul cielo donde el aire es más importante que el peso. El solo de Gordon, por otro lado, es memorable, luciendo su característico pavoneo, con Harris y el baterista Louis Hayes desencadenando un intercambio de cuatros para terminar el set. Existe un CD complementario, Silver Blue, que contiene el resto de estas famosas sesiones, un recuerdo de los años dorados de varios de estos músicos, después de los cuales Gordon (1990,) Cohn (1988,) y Mitchell (1979) fallecerían, pero dejaron grandes legados.
https://www.allmusic.com/album/true-blue-mw0000262927
Joe Pass • The Complete Catch Me! Sessions
Artist Biography by Scott Yanow
Joe Pass did the near-impossible. He was able to play up-tempo versions of bop tunes such as "Cherokee" and "How High the Moon" unaccompanied on the guitar. Unlike Stanley Jordan, Pass used conventional (but superb) technique, and his Virtuoso series on Pablo still sounds remarkable decades later.
Joe Pass had a false start in his career. He played in a few swing bands (including Tony Pastor's) before graduating from high school, and was with Charlie Barnet for a time in 1947. But after serving in the military, Pass became a drug addict, serving time in prison and essentially wasting a decade. He emerged in 1962 with a record cut at Synanon, made a bit of a stir with his For Django set, recorded several other albums for Pacific Jazz and World Pacific, and performed with Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, and Benny Goodman (1973).
However, in general Pass maintained a low profile in Los Angeles until he was signed by Norman Granz to his Pablo label. 1973's Virtuoso made him a star and he recorded very prolifically for Pablo, unaccompanied, with small groups, on duo albums with Ella Fitzgerald, and with such masters as Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, and Dizzy Gillespie. Pass remained very active up until his death from cancer.
https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography
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Biografía del artista por Scott Yanow
Joe Pass hizo lo casi imposible. Fue capaz de tocar versiones up-tempo de temas de bop como "Cherokee" y "How High the Moon" sin estar acompañado por la guitarra. A diferencia de Stanley Jordan, Pass utilizó una técnica convencional (pero magnífica), y su serie Virtuoso sobre Pablo sigue sonando notable décadas después.
Joe Pass tuvo una salida falsa en su carrera. Tocó en algunas bandas de swing (incluyendo la de Tony Pastor) antes de graduarse de la escuela secundaria, y estuvo con Charlie Barnet por un tiempo en 1947. Pero después de servir en el ejército, Pass se convirtió en un drogadicto, cumpliendo condena en prisión y perdiendo esencialmente una década. Emergió en 1962 con un corte discográfico en Synanon, causó sensación con su set For Django, grabó varios otros álbumes para Pacific Jazz y World Pacific, y actuó con Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, y Benny Goodman (1973).
Sin embargo, en general, Pass mantuvo un perfil bajo en Los Ángeles hasta que fue fichado por Norman Granz para su sello Pablo. El Virtuoso de 1973 lo convirtió en una estrella y grabó muy prolíficamente para Pablo, solo, con pequeños grupos, en álbumes a dúo con Ella Fitzgerald, y con maestros como Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, y Dizzy Gillespie. Pass permaneció muy activo hasta su muerte por cáncer.
https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography
Bill Evans • Quintessence
Review
by Scott Yanow
Most of pianist Bill Evans' recordings were in a trio format, making this quintet date a nice change of pace. Evans' all-star group consists of tenor saxophonist Harold Land, guitarist Kenny Burrell, bassist Ray Brown, and drummer Philly Joe Jones and the results are quite tasteful and explorative in a subtle way. This version of Thad Jones' "A Child Is Born" is most memorable.
https://www.allmusic.com/album/quintessence-mw0000188121
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Reseña
por Scott Yanow
La mayoría de las grabaciones del pianista Bill Evans eran en formato de trío, por lo que esta cita en quinteto es un buen cambio de ritmo. El grupo de estrellas de Evans está formado por el saxofonista tenor Harold Land, el guitarrista Kenny Burrell, el bajista Ray Brown y el baterista Philly Joe Jones, y los resultados son de muy buen gusto y exploran de manera sutil. Esta versión de "A Child Is Born" de Thad Jones es muy memorable.
https://www.allmusic.com/album/quintessence-mw0000188121
Rex Stewart • The Happy Jazz Of Rex Stewart
Review by Scott Yanow
Other than a pair of European albums in 1966, this set was cornetist Rex Stewart's last full-length LP; in fact, it was reissued by Prestige as The Rex Stewart Memorial Album. Stewart's technique and range had shrunk a bit by 1960, but his sense of humor and ability to make colorful tonal variations were still very much intact. This is a particularly fun set with Stewart doubling on kazoo and taking three good-time vocals, John Dengler switching between bass sax, washboard, and kazoo, Wilbert Kirk heard on harmonica, and the rhythm section consisting of just two guitarists (Jerome Darr and Chauncey Westbrook) and drummer Charles Lampkin. The music is full of good spirits and memorable moments, with the highlights including "Rasputin" (a classic jam), "Please Don't Talk About Me When I'm Gone," "San," "I Would Do Most Anything for You," and "Nagasaki." Highly recommended and well worth searching for.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-jazz-of-rex-stewart-mw0000871157
Artist Biography by Ron Wynn
Rex Stewart achieved his greatest glory in a subsidiary role, playing cornet 11 years in the Duke Ellington Orchestra. His famous "talking" style and half-valve effects were exploited brilliantly by countless Ellington pieces containing perfect passages tailored to showcase Stewart's sound. He played in a forceful, gripping manner that reflected the influences of Louis Armstrong, Bubber Miley, and Bix Beiderbecke, whose solos he once reproduced on record. Stewart played on Potomac riverboats before moving to Philadelphia. He went to New York in 1921. Stewart worked with Elmer Snowden in 1925, then joined Fletcher Henderson a year later. But he felt his talents were not at the necessary level, and departed Henderson's band, joining his brother Horace's band at Wilberforce College. Stewart returned in 1928. He remained five years and contributed many memorable solos. There was also a brief period in McKinney's Cotton Pickers in 1931, a stint heading his own band, and another short stay with Luis Russell before Stewart joined the Ellington Orchestra in 1934.
He was a star throughout his tenure, co-writing classics "Boy Meets Horn" and "Morning Glory." He also supervised many outside recording sessions using Ellingtonians. After leaving, Stewart led various combos and performed throughout Europe and Australia on an extensive Jazz at the Philharmonic tour from 1947-1951. He lectured at the Paris Conservatory in 1948. Stewart settled in New Jersey to run a farm in the early '50s. He was semi-retired, but found new success in the media. He worked in local radio and television, while leading a band part-time in Boston. Stewart led the Fletcher Henderson reunion band in 1957 and 1958, and recorded with them. He played at Eddie Condon's club in 1958 and 1959, then moved to the West Coast. Stewart again worked as a disc jockey and became a critic. While he published many excellent pieces, a collection containing many of his best reviews, Jazz Masters of the Thirties, came out posthumously. There's also a Stewart autobiography available.
https://www.allmusic.com/artist/rex-stewart-mn0000888838/biography
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Reseña de Scott Yanow
Aparte de un par de álbumes europeos en 1966, este set fue el último LP completo del cornetista Rex Stewart; de hecho, fue reeditado por Prestige como The Rex Stewart Memorial Album. La técnica y el alcance de Stewart se habían reducido un poco en 1960, pero su sentido del humor y su habilidad para hacer coloridas variaciones tonales aún estaban intactos. Este es un set particularmente divertido con Stewart doblando sobre kazoo y tomando tres voces para divertirse, John Dengler cambiando entre saxo bajo, tabla de lavar, y kazoo, Wilbert Kirk escuchó en armónica, y la sección rítmica que consiste de sólo dos guitarristas (Jerome Darr y Chauncey Westbrook) y el baterista Charles Lampkin. La música está llena de buenos espíritus y de momentos memorables, entre los que destacan "Rasputín" (una mermelada clásica), "Por favor, no hables de mí cuando me haya ido", "San", "Haría cualquier cosa por ti" y "Nagasaki". Altamente recomendado y bien vale la pena buscar.
https://www.allmusic.com/album/the-happy-jazz-of-rex-stewart-mw0000871157
Biografía del artista por Ron Wynn
Rex Stewart alcanzó su mayor gloria en un papel secundario, tocando corneta durante 11 años en la Duke Ellington Orchestra. Su famoso estilo de "hablar" y sus efectos de media válvula fueron explotados brillantemente por innumerables piezas de Ellington que contenían pasajes perfectos adaptados para mostrar el sonido de Stewart. Tocó de una manera contundente y conmovedora que reflejaba las influencias de Louis Armstrong, Bubber Miley y Bix Beiderbecke, cuyos solos reprodujo una vez en un disco. Stewart jugó en los botes del río Potomac antes de mudarse a Filadelfia. Se fue a Nueva York en 1921. Stewart trabajó con Elmer Snowden en 1925, luego se unió a Fletcher Henderson un año después. Pero sintió que sus talentos no estaban al nivel necesario, y se fue de la banda de Henderson, uniéndose a la banda de su hermano Horace en Wilberforce College. Stewart regresó en 1928. Permaneció cinco años y contribuyó con muchos solos memorables. También hubo un breve período en Cotton Pickers de McKinney en 1931, una temporada dirigiendo su propia banda, y otra corta estancia con Luis Russell antes de que Stewart se uniera a la Orquesta de Ellington en 1934.
Fue una estrella a lo largo de su mandato, co-escribiendo clásicos como "Boy Meets Horn" y "Morning Glory". También supervisó muchas sesiones de grabación al aire libre con Ellingtonians. Después de su partida, Stewart dirigió varios combos y actuó por toda Europa y Australia en una extensa gira de Jazz en la Philharmonic de 1947-1951. Fue profesor en el Conservatorio de París en 1948. Stewart se estableció en Nueva Jersey para dirigir una granja a principios de los años 50. Estaba semi-jubilado, pero encontró un nuevo éxito en los medios de comunicación. Trabajó en la radio y la televisión locales, mientras dirigía una banda a tiempo parcial en Boston. Stewart dirigió la banda de la reunión de Fletcher Henderson en 1957 y 1958, y grabó con ellos. Jugó en el club de Eddie Condon en 1958 y 1959, y luego se mudó a la Costa Oeste. Stewart volvió a trabajar como disc jockey y se convirtió en crítico. Aunque publicó muchas piezas excelentes, una colección que contenía muchas de sus mejores críticas, Jazz Masters of the Thirties, salió a título póstumo. También hay una autobiografía de Stewart disponible.
https://www.allmusic.com/artist/rex-stewart-mn0000888838/biography
Al Hirt • Latin in the horn
A
phenomenally proficient trumpet player, Al Hirt was one of the most
successful instrumental recording artists of the 1960s. Perhaps modeling
his genial stage personality after Louis Armstrong, Hirt was a
tremendously popular performer, easily capturing the center of attention
with his massive 300-pound, 6-foot-2 frame (among his nicknames were
“Jumbo” and “The Round Mound of Sound”) but holding it with his joyful
spirit and jaw-dropping virtuosity.
Although
Hirt came out of New Orleans leading a Dixieland band, he never let
himself get stereotyped in that narrow genre. He was honest about his
choice of style, never calling what he played “jazz”: “I'm a pop
commercial musician,” he once said. “and I've got a successful format.
I'm not a jazz trumpet and never was a jazz trumpet.”
Hirt's
father bought him his first trumpet from a pawnshop, and by the time he
was in high school, he was sounding post time at the local race track.
Hirt was always very serious about perfecting his mastery of his
instrument, and he studied at the Cincinnati Conservatory for three
years in the early 1940s. After playing with Army bands during World War
Two, he worked with Tommy Dorsey, Ray McKinley, and Benny Goodman's big
bands--usually as first chair, but not a soloist--until he returned to
New Orleans and formed his own band in 1950.
For
most of the 1950s, he was comfortable staying close to home--musically
and professionally. Raising eight kids with his first wife probably had
something to do with it, but Hirt was always happy to have a strong
association with the music and lifestyle of New Orleans. He often
performed with clarinet player Pete Fountain, who achieved nearly the
same level of national fame, and the two remained close friends and
colleagues until Hirt's death. Hirt recorded a number of mainstream
Dixieland albums for Audio Fidelity and others during this period.
In
1960, Hirt's group, the Dixieland Six, played Las Vegas and was spotted
by Dinah Shore, who booked them onto her television variety show.
Television and Hirt took to each other, and RCA quickly signed him and
began promoting him as a major artist. To get and keep a national
audience, Hirt had to loosen his ties to Dixieland. Virtually none of
his RCA albums have a strong Dixieland flavor, most of them featuring
large studio ensembles and arrangements by veterans like Marty Paich,
Billy May, and Marty Gold. His albums “Honey in the Horn,” and “Cotton
Candy,” were both gold records, and he was named “Top Instrumentalist”
by Billboard magazine in 1965. His recording of “Java,” won him a
Grammy.
Hirt
never turned his back on his roots, though, and at the same time he was
coming to fame, he opened his own night club in the French Quarter and
appeared there regularly. Although he toured steadily well into the
1980s, often in pops concerts with symphony orchestras, he tried to work
his schedules to bring him back home quickly. His 1965 album with
Arthur Fiedler and the Boston Pops was among his best-selling records,
and Hirt enjoyed playing classical showpieces as well as popular
numbers.
Hirt's
weight and lifestyle eventually took its toll on his body, and in later
years, he had to perform in a wheelchair. He closed his club in 1983,
fed up with the deterioration of the French Quarter, but he continued to
play there, mostly at Fountain's club, until a few months before his
death in 1999.
Al
Hirt recorded more than 50 albums in his career, and played for
millions of people around the world including Pope John Paul II and 8
U.S. Presidents. He earned 4 gold albums and 1 platinum, and a Lifetime
Achievement Award from the Charlie “Bird” Parker Memorial Foundation.
He is a legend in his native New Orleans, where there is a live sized statue of him in the French Quarter.
Source: James Nadal
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Un
trompetista fenomenal, Al Hirt fue uno de los artistas instrumentales
más exitosos de la década de 1960. Tal vez modelando su genial
personalidad escénica después de Louis Armstrong, Hirt fue un artista
tremendamente popular, capturando fácilmente el centro de atención con
su enorme marco de 300 libras y 2 pies (entre sus apodos se encontraban
"Jumbo" y "The Round Mound of Sound"), pero sosteniéndolo con su
espíritu alegre y su virtuosismo asombroso.
Aunque
Hirt salió de Nueva Orleans liderando una banda de Dixieland, nunca se
dejó estereotipar por ese género tan estrecho. Fue honesto en su
elección de estilo, sin llamar nunca "jazz" a lo que tocaba: "Soy un
músico comercial de pop", dijo una vez. "y tengo un formato exitoso. No
soy una trompeta de jazz y nunca fui una trompeta de jazz".
El
padre de Hirt le compró su primera trompeta en una casa de empeño, y
para cuando estaba en la escuela secundaria, ya estaba sonando en el
hipódromo local. Hirt siempre se tomó muy en serio el perfeccionamiento
de su instrumento, y estudió en el Conservatorio de Cincinnati durante
tres años a principios de la década de 1940. Después de tocar con bandas
del Army durante la Segunda Guerra Mundial, trabajó con las grandes
bandas de Tommy Dorsey, Ray McKinley y Benny Goodman, generalmente como
primer presidente, pero no como solista, hasta que regresó a Nueva
Orleáns y formó su propia banda en 1950.
Durante
la mayor parte de la década de 1950, se sintió cómodo estando cerca de
casa, musical y profesionalmente. Criar ocho hijos con su primera esposa
probablemente tuvo algo que ver con ello, pero Hirt siempre estuvo
feliz de tener una fuerte asociación con la música y el estilo de vida
de Nueva Orleáns. A menudo tocaba con el clarinetista Pete Fountain, que
alcanzó casi el mismo nivel de fama nacional, y los dos permanecieron
como amigos y colegas hasta la muerte de Hirt. Hirt grabó varios álbumes
de Dixieland para Audio Fidelity y otros durante este periodo.
En
1960, el grupo de Hirt, los Seis de Dixieland, jugó en Las Vegas y fue
visto por Dinah Shore, que lo contrató en su programa de variedades de
televisión. La televisión y Hirt se llevaron bien, y la RCA rápidamente
lo contrató y comenzó a promocionarlo como un artista importante. Para
conseguir y mantener una audiencia nacional, Hirt tuvo que aflojar sus
lazos con Dixieland. Prácticamente ninguno de sus álbumes de RCA tiene
un fuerte sabor a Dixieland, la mayoría de ellos con grandes conjuntos
de estudio y arreglos de veteranos como Marty Paich, Billy May y Marty
Gold. Sus álbumes "Honey in the Horn" y "Cotton Candy" fueron discos de
oro, y fue nombrado "Top Instrumentalist" por la revista Billboard en
1965. Su grabación de "Java" le valió un Grammy.
Sin
embargo, Hirt nunca le dio la espalda a sus raíces, y al mismo tiempo
que llegaba a la fama, abrió su propio club nocturno en el Barrio
Francés y apareció allí regularmente. Aunque hizo giras constantes hasta
bien entrada la década de 1980, a menudo en conciertos de música pop
con orquestas sinfónicas, trató de trabajar sus horarios para traerlo de
vuelta a casa rápidamente. Su álbum de 1965 con Arthur Fiedler y los
Boston Pops fue uno de sus discos más vendidos, y Hirt disfrutó tocando
obras de teatro clásicas así como números populares.
El
peso y el estilo de vida de Hirt finalmente afectaron su cuerpo, y en
años posteriores, tuvo que actuar en una silla de ruedas. Cerró su club
en 1983, harto del deterioro del French Quarter, pero siguió jugando
allí, sobre todo en el club de Fountain, hasta unos meses antes de su
muerte en 1999.
Al
Hirt grabó más de 50 álbumes en su carrera, y tocó para millones de
personas en todo el mundo, incluyendo al Papa Juan Pablo II y a 8
presidentes de los Estados Unidos. Obtuvo 4 discos de oro y 1 de
platino, y un premio a la Trayectoria de la Fundación Charlie "Bird"
Parker Memorial.
Es una leyenda en su Nueva Orleans natal, donde hay una estatua de él en el Barrio Francés.
Fuente: James Nadal
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