Hound Dog Taylor • Hound Dog Taylor & The Houserockers

 

Review by Cub Koda
The first album and the perfect place to start. Wild, raucous, crazy music straight out of the South Side clubs. The incessant drive of Hound Dog's playing is best heard on "Give Me Back My Wig," "55th Street Boogie," and "Taylor's Rock," while the sound of Brewer Phillips' Telecaster on "Phillips' Theme" gives new meaning to the phrase "sheet metal tone." One of the greatest slide guitar albums of all time.
https://www.allmusic.com/album/hound-dog-taylor-the-houserockers-mw0000200356



Biography by Bill Dahl
Alligator Records, Chicago's leading contemporary blues label, might never have been launched at all if not for the crashing, slashing slide guitar antics of Hound Dog Taylor. Bruce Iglauer, then an employee of Delmark Records, couldn't convince his boss, Bob Koester, of Taylor's potential, so Iglauer took matters into his own hands. In 1971, Alligator was born for the express purpose of releasing Hound Dog's debut album. We all know what transpired after that.

Named after President Theodore Roosevelt, Mississippi-native Taylor took up the guitar when he was 20 years old. He made a few appearances on Sonny Boy Williamson's fabled KFFA King Biscuit Time radio broadcasts out of Helena, Arkansas, before coming to Chicago in 1942. It was another 15 years before Taylor made blues his full-time vocation, though. Taylor was a favorite on Chicago's South and West sides during the late '50s and early '60s. It's generally accepted that Freddy King copped a good portion of his classic "Hide Away" from an instrumental he heard Taylor cranking out on the bandstand.

Taylor's pre-Alligator credits were light -- only a 1960 single for Cadillac Baby's Bea & Baby imprint ("Baby Is Coming Home"/"Take Five"), a 1962 45 for Carl Jones' Firma Records ("Christine"/"Alley Music"), and a 1967 effort for Checker ("Watch Out"/"Down Home") predated his output for Iglauer.

Taylor's relentlessly raucous band, the HouseRockers, consisted of only two men, though their combined racket sounded like quite a few more. Second guitarist Brewer Phillips, who often supplied buzzing pseudo-basslines on his guitar, had developed such an empathy with Taylor that their guitars intertwined with ESP-like force, while drummer Ted Harvey kept everything moving along at a brisk pace.

Their eponymous 1971 debut LP contained the typically rowdy "Give Me Back My Wig," while Taylor's first Alligator encore in 1973, Natural Boogie, boasted the hypnotic "Sadie" and a stomping "Roll Your Moneymaker." Beware of the Dog, a live set, vividly captured the good-time vibe that the perpetually beaming guitarist emanated, but Taylor didn't live to see its release -- he died of cancer shortly before it hit the shelves.

Hound Dog Taylor was the obvious inspiration for Alligator's "Genuine Houserocking Music" motto, a credo Iglauer's firm has followed for four decades and counting. He wasn't the most accomplished of slide guitarists, but Hound Dog Taylor could definitely rock any house that he played.
https://www.allmusic.com/artist/hound-dog-taylor-mn0000225754/biography

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Reseña de Cub Koda
El primer álbum y el lugar perfecto para empezar. Música salvaje, estridente y alocada directamente de los clubes del South Side. El impulso incesante de la forma de tocar de Hound Dog se escucha mejor en "Give Me Back My Wig", "55th Street Boogie" y "Taylor's Rock", mientras que el sonido de la Telecaster de Brewer Phillips en "Phillips' Theme" da un nuevo significado a la frase "tono de chapa". Uno de los mejores álbumes de guitarra slide de todos los tiempos.
https://www.allmusic.com/album/hound-dog-taylor-the-houserockers-mw0000200356



Biografía de Bill Dahl
Alligator Records, el principal sello de blues contemporáneo de Chicago, podría no haberse lanzado nunca si no fuera por la estruendosa y fulminante guitarra slide de Hound Dog Taylor. Bruce Iglauer, entonces empleado de Delmark Records, no pudo convencer a su jefe, Bob Koester, del potencial de Taylor, así que Iglauer tomó cartas en el asunto. En 1971, Alligator nació con el propósito expreso de publicar el álbum de debut de Hound Dog. Todos sabemos lo que ocurrió después.

Taylor, oriundo de Mississippi, tomó la guitarra a los 20 años en honor al presidente Theodore Roosevelt. Hizo algunas apariciones en las legendarias emisiones de radio de KFFA King Biscuit Time de Helena, Arkansas, antes de llegar a Chicago en 1942. Sin embargo, pasaron otros 15 años antes de que Taylor hiciera del blues su vocación a tiempo completo. Taylor era uno de los favoritos en los lados sur y oeste de Chicago a finales de los 50 y principios de los 60. Es generalmente aceptado que Freddy King copió una buena parte de su clásico "Hide Away" de un instrumental que escuchó a Taylor en el quiosco.

Los créditos de Taylor antes de Alligator eran escasos: sólo un sencillo de 1960 para el sello Bea & Baby de Cadillac Baby ("Baby Is Coming Home"/"Take Five"), un 45 de 1962 para Firma Records de Carl Jones ("Christine"/"Alley Music") y un trabajo de 1967 para Checker ("Watch Out"/"Down Home") precedieron a su producción para Iglauer.

La implacable y estridente banda de Taylor, los HouseRockers, estaba formada por sólo dos hombres, aunque su ruido combinado sonaba como si fueran muchos más. El segundo guitarrista, Brewer Phillips, que a menudo proporcionaba zumbidos en su guitarra, había desarrollado tal empatía con Taylor que sus guitarras se entrelazaban con una fuerza similar a la de ESP, mientras que el batería Ted Harvey mantenía todo en movimiento a un ritmo rápido.

Su LP de debut homónimo de 1971 contenía la típicamente alborotada "Give Me Back My Wig", mientras que el primer bis de Taylor en Alligator en 1973, Natural Boogie, contaba con la hipnótica "Sadie" y un contundente "Roll Your Moneymaker". Beware of the Dog, un disco en directo, capturó vívidamente el ambiente de buen tiempo que emanaba el guitarrista siempre radiante, pero Taylor no vivió para ver su publicación: murió de cáncer poco antes de que llegara a las tiendas.

Hound Dog Taylor fue la inspiración obvia para el lema "Genuine Houserocking Music" de Alligator, un credo que la empresa de Iglauer ha seguido durante cuatro décadas y más. No era el más consumado de los guitarristas de slide, pero Hound Dog Taylor podía hacer vibrar cualquier casa en la que tocara.
https://www.allmusic.com/artist/hound-dog-taylor-mn0000225754/biography

Luis Barreiro and the Peanut Vendors • Swinging Latin Nights

 

The Peanut Vendors was actually an all-star latin band with the best nuyorican musicians of the genre. It featured Eddie Costa on vibes and organ, Charlie Palmieri on piano, Johnny Pacheco on flute, Jimmy Santiago (Luis Del Campo's band), better known as "La Vaca", on timbales, Luis Barreiro on bass, Don Laond (Woody Herman's band) and the cream off the top of the percussion with José Mangual (Machito's Afro-Cubans) and Al Epstein also known for his tenor and baritone saxophone.
https://www.freshsoundrecords.com/luis-barreiro-albums/3778-swinging-latin-nights.html

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The Peanut Vendors era en realidad una banda latina de estrellas con los mejores músicos nuyorquinos del género. Contaba con Eddie Costa en el vibráfono y el órgano, Charlie Palmieri en el piano, Johnny Pacheco en la flauta, Jimmy Santiago (banda de Luis Del Campo), más conocido como "La Vaca", en los timbales, Luis Barreiro en el bajo, Don Laond (banda de Woody Herman) y la flor y nata de la percusión con José Mangual (Machito's Afro-Cubans) y Al Epstein también conocido por su saxo tenor y barítono.
https://www.freshsoundrecords.com/luis-barreiro-albums/3778-swinging-latin-nights.html

Alan Hawkshaw & Brian Bennett • Full Circle

 

Alan Hawkshaw (piano/Hammond) and Shadow’s drummer Brian Bennett are responsible for some of the slickest, funkiest and most sought-after library records ever made in the UK, particularly ones recorded on the legendary KPM label. Their work has now become the go-to place for sampling in music today. Artists such as Dilla, Nas, and the xx, right through to the billion selling Kanye & Drake have taken Hawkshaw’s and Bennett’s immaculate beat-driven soundscapes for their own usage.

Their new album, in full, iconic KPM cover is a return to the laidback jazz-funk that helped Alan and Brian demonstrate their library chops. The album is classic Hawkshaw/Bennett. It swings, it grooves, moves and thrills with a flair these two have perfected over years. Standout tracks such as "Hole In One", "In The Clouds", "Interchange", "Oasis", "On The Nile" and "Corcovado" are no mere excursions in nostalgia, for they carry lots of deft studio work that many a producer would give their right arm for. Hawkshaw’s arrangements allow the drums, guitar, bass, strings, Hammond, flute and brass to swirl elegantly around the 12 original tracks; a masterclass in recording.

Cut by Pete Norman, housed in a beautifully designed Richard Robinson sleeve and pressed at 180g by Record Industry in Holland, this release has been afforded the care and attention it rightly deserves. Essential.
https://www.bewithrecords.com/products/alan-hawkshaw-and-brian-bennett-full-circle-kpm-lp

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Alan Hawkshaw (piano/Hammond) y el batería de Shadow, Brian Bennett, son los responsables de algunos de los discos de librería más hábiles, funky y codiciados que se han hecho en el Reino Unido, especialmente los grabados en el legendario sello KPM. Su trabajo se ha convertido en el lugar de referencia para el sampling en la música actual. Artistas como Dilla, Nas y The xx, hasta los multimillonarios Kanye y Drake han tomado los inmaculados paisajes sonoros de Hawkshaw y Bennett para su propio uso.

Su nuevo álbum, con la icónica portada de KPM, es una vuelta al relajado jazz-funk que ayudó a Alan y Brian a demostrar sus habilidades de biblioteca. El álbum es un clásico de Hawkshaw/Bennett. Se balancea, se mueve y emociona con un estilo que estos dos han perfeccionado durante años. Temas destacados como "Hole In One", "In The Clouds", "Interchange", "Oasis", "On The Nile" y "Corcovado" no son meras excursiones a la nostalgia, ya que conllevan un hábil trabajo de estudio por el que muchos productores darían su brazo derecho. Los arreglos de Hawkshaw permiten que la batería, la guitarra, el bajo, las cuerdas, el Hammond, la flauta y los metales se arremolinen con elegancia en torno a los 12 temas originales; una clase magistral de grabación.

Cortado por Pete Norman, con una funda bellamente diseñada por Richard Robinson y prensado en 180g por Record Industry en Holanda, este lanzamiento ha recibido el cuidado y la atención que merece. Imprescindible.
https://www.bewithrecords.com/products/alan-hawkshaw-and-brian-bennett-full-circle-kpm-lp

Turk Murphy's Jazz Band • Dancing Jazz

 

Review by Scott Yanow
The fourth of Turk Murphy's six Columbia LPs (none of which have yet been reissued on CD) finds his band in its early prime. At the time, the personnel consisted of the leader's trombone, trumpeter Everett Farey, clarinetist Bob Helm, pianist Wally Rose, bassist Al Lyon and Bob Short on tuba or cornet; Bob Thompson helps out on washboard during two of the numbers. Despite the title, which makes it sound like a commercial date, the music is actually typical freewheeling San Francisco Dixieland. Six songs have "musician vocals" by Murphy and/or Helm that add spirit, if not much musicality, to the performances. The highlights of the joyous set include "Hard Hearted Hannah," "Sunset Café Stomp," "Red Hot Mama" and "Oriental Strut." Worth searching for by Dixieland fans.
https://www.allmusic.com/album/dancing-jazz-mw0000872680


Biography by Scott Yanow
Turk Murphy led one of the most popular bands of the San Francisco Dixieland movement. After playing with various big bands (including Mal Hallett and Will Osborne), Murphy first gained fame for his work with Lu Watters' highly influential Yerba Buena Jazz Band (1940-1947). He formed his own group in 1947 and after 13 years, they found a permanent home at Earthquake McGoon's and also toured occasionally. Although not thought of as a virtuoso trombone soloist and his occasional singing was just passable, Murphy's ensemble work was superior and he put together a stimulating repertoire filled with obscurities and favorites from the 1920s (along with some newer originals). His bands were always very musical; among his sidemen through the years were trumpeters Don Kinch, Bob Short, and Leon Oakley; clarinetist Bob Helm; pianists Wally Rose, Pete Clute, and Ray Skjelbred; and singer Pat Yankee. Turk Murphy and his beloved group made many records for such labels as Good Time Jazz, Fairmont, Columbia (1953-1956), Verve, Dawn Club, Roulette, RCA, Motherlode, Atlantic, GHB, MPS, Stomp Off, and Merry Makers.
https://www.allmusic.com/artist/turk-murphy-mn0000805536/biography

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Reseña de Scott Yanow
El cuarto de los seis LPs de Turk Murphy en Columbia (ninguno de los cuales ha sido reeditado en CD) encuentra a su banda en su primera etapa. En ese momento, el personal estaba compuesto por el trombón del líder, el trompetista Everett Farey, el clarinetista Bob Helm, el pianista Wally Rose, el bajista Al Lyon y Bob Short en la tuba o la corneta; Bob Thompson ayuda en la tabla de lavar durante dos de los números. A pesar del título, que lo hace parecer una cita comercial, la música es en realidad el típico Dixieland de San Francisco. Seis canciones tienen "voces de músico" de Murphy y/o Helm que añaden espíritu, aunque no mucha musicalidad, a las interpretaciones. Lo más destacado del alegre conjunto incluye "Hard Hearted Hannah", "Sunset Café Stomp", "Red Hot Mama" y "Oriental Strut". Merece la pena que los aficionados al Dixieland lo busquen.
https://www.allmusic.com/album/dancing-jazz-mw0000872680


Biografía por Scott Yanow
Turk Murphy lideró una de las bandas más populares del movimiento Dixieland de San Francisco. Después de tocar con varias big bands (incluyendo a Mal Hallett y Will Osborne), Murphy ganó fama por su trabajo con la muy influyente Yerba Buena Jazz Band de Lu Watters (1940-1947). Formó su propio grupo en 1947 y, después de 13 años, encontraron un hogar permanente en Earthquake McGoon's y también hicieron giras ocasionales. Aunque no se le consideraba un solista virtuoso del trombón y su canto ocasional era apenas pasable, el trabajo de conjunto de Murphy era superior y reunía un repertorio estimulante lleno de oscuridades y favoritos de los años 20 (junto con algunos originales más recientes). Sus bandas eran siempre muy musicales; entre sus acompañantes a lo largo de los años estaban los trompetistas Don Kinch, Bob Short y Leon Oakley; el clarinetista Bob Helm; los pianistas Wally Rose, Pete Clute y Ray Skjelbred; y el cantante Pat Yankee. Turk Murphy y su querido grupo grabaron muchos discos para sellos como Good Time Jazz, Fairmont, Columbia (1953-1956), Verve, Dawn Club, Roulette, RCA, Motherlode, Atlantic, GHB, MPS, Stomp Off y Merry Makers.
https://www.allmusic.com/artist/turk-murphy-mn0000805536/biography

Girl Over Planet • Intergalactic Cowboys And Solar Wind Surfers

 

Girl Over Planet is a foursome from Russia with great original surf tunes. They have a highly honed sound that sometimes wanders into the vibe of "Los Straitjackets" and "Laika & Cosmonauts." Intelligent guitars and spacey keys create a more modern sound of surf music.
https://www.discogs.com/artist/7864978-Girl-Over-Planet

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Girl Over Planet es un cuarteto de Rusia con grandes temas de surf originales. Tienen un sonido muy perfeccionado que a veces se adentra en la onda de "Los Straitjackets" y "Laika & Cosmonauts". Las guitarras inteligentes y las teclas espaciales crean un sonido más moderno de la música surf.
https://www.discogs.com/artist/7864978-Girl-Over-Planet


facebook.com/GirlOverPlanet ...

Medeski Scofield Martin & Wood • Out Louder

 

Review by Jeff Tamarkin
Out Louder reunites keyboardist John Medeski, drummer Billy Martin, and bassist Chris Wood with guitar great John Scofield, who employed the trio on his 1997 A Go Go album. That record opened the creativity gates for both the trio and Scofield, who fed off and goaded each other into territories neither party had previously gone separately. Out Louder isn't so much a rematch as an upgrade. Both Scofield and MMW have continued to explore in the near-decade since A Go Go, and they come to this project with a greater understanding of their collective abilities as well as a willingness to explore the possibilities further. Not unexpectedly, the four musicians work hard here, but they also have a ton of fun. The opening track, "Little Walter Rides Again," serves notice that this isn't going to be an exercise in showing off but rather four envelope-pushing musicians picking each other's brains and seeing what they find. An easygoing blues vamp with a funky, Memphis-style beat, the track keeps the quartet reined in while simultaneously allowing each musician to dance around a bit within its structure. That idea of holding back doesn't last long, however, as that leadoff gives way to "Miles Behind," a nod to electric Miles Davis minus the trumpet. Although the players, particularly Medeski and Scofield, take several opportunities to reach for the outside fringes, Out Louder never becomes inaccessible, even during its freer-jazz moments. "Tequila and Chocolate," for example, takes up with a simple bossa nova rhythm that eventually goes wildly astray without losing touch with its form, and the John Lennon tune "Julia" (which, honestly, borrows only minimally from the original melody) is a soft, sweet, and sensual ballad that never strays even close to the edge yet still manages to feel edgy. That's not to say that those looking for the heavy jams will be disappointed. "What Now" finds Medeski and Scofield challenging each other as if they were Keith Emerson and Jimi Hendrix having it out at some late-night club, and "Down the Tube," though essentially a simple funky blues, flirts with psychedelia, Scofield turning in some of his most startling playing of the set. The session ends with a virtually unrecognizable improv on Peter Tosh's reggae anthem "Legalize It" that spotlights Martin and Wood in lockstep groove. If ever MMW and Scofield decided to make something more permanent of their meet-ups, one can only guess where else they might go.
https://www.allmusic.com/album/out-louder-mw0000738853

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Reseña de Jeff Tamarkin
Out Louder reúne al teclista John Medeski, al baterista Billy Martin y al bajista Chris Wood con el gran guitarrista John Scofield, quien empleó al trío en su álbum A Go Go de 1997. Aquel disco abrió las puertas de la creatividad tanto para el trío como para Scofield, que se alimentaron mutuamente y se impulsaron hacia territorios que ninguna de las partes había recorrido antes por separado. Out Louder no es tanto una revancha como una mejora. Tanto Scofield como MMW han seguido explorando en la casi década transcurrida desde A Go Go, y llegan a este proyecto con una mayor comprensión de sus capacidades colectivas, así como con la voluntad de explorar más las posibilidades. No es de extrañar que los cuatro músicos trabajen duro aquí, pero también se divierten mucho. El tema que abre el disco, "Little Walter Rides Again", es un aviso de que esto no va a ser un ejercicio de exhibición, sino más bien cuatro músicos que se lanzan a explorar los cerebros de los demás y a ver qué encuentran. Un blues sencillo con un ritmo funky al estilo de Memphis, el tema mantiene al cuarteto controlado mientras permite a cada músico bailar un poco dentro de su estructura. Sin embargo, esa idea de contención no dura mucho, ya que ese primer tema da paso a "Miles Behind", un guiño al Miles Davis eléctrico sin la trompeta. Aunque los músicos, especialmente Medeski y Scofield, aprovechan varias oportunidades para llegar a los márgenes exteriores, Out Louder nunca se vuelve inaccesible, ni siquiera en sus momentos de jazz más libre. "Tequila and Chocolate", por ejemplo, toma un sencillo ritmo de bossa nova que eventualmente se desvía sin perder el contacto con su forma, y el tema de John Lennon "Julia" (que, honestamente, toma prestado sólo mínimamente de la melodía original) es una balada suave, dulce y sensual que nunca se aleja ni siquiera del borde y aún así se las arregla para sentirse afilada. Eso no quiere decir que los que busquen los temas más pesados se sientan decepcionados. En "What Now", Medeski y Scofield se desafían mutuamente como si fueran Keith Emerson y Jimi Hendrix en un club nocturno, y "Down the Tube", aunque esencialmente es un simple blues funky, coquetea con la psicodelia, y Scofield hace una de sus interpretaciones más sorprendentes del conjunto. La sesión termina con una improvisación prácticamente irreconocible sobre el himno reggae de Peter Tosh "Legalize It", en la que Martin y Wood se mueven al unísono. Si alguna vez MMW y Scofield decidieran hacer algo más permanente de sus encuentros, uno sólo puede adivinar dónde más podrían ir.
https://www.allmusic.com/album/out-louder-mw0000738853

Oscar Moore • Presenting Oscar Moore with Leroy Vinegar

 

Biography by Scott Yanow
An excellent guitarist influenced after 1939 by Charlie Christian, Oscar Moore was an invaluable part of the Nat King Cole Trio during 1937-1947, appearing on virtually all of Cole's records during the period. He also recorded with Lionel Hampton, Art Tatum (1941), the Capitol Jazzmen, and Lester Young. Unfortunately, Moore's post-Cole career was not that successful. He played with his brother Johnny Moore in the Three Blazers from 1947 to the mid-'50s (the group declined in popularity after pianist/singer Charles Brown left) and he recorded three records for Verve and Tampa during 1953-1954, but then was largely outside of music with the exception of a 1965 Cole tribute album.
https://www.allmusic.com/artist/oscar-moore-mn0000489027/biography

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Biografía de Scott Yanow
Excelente guitarrista influenciado después de 1939 por Charlie Christian, Oscar Moore fue una parte inestimable del Nat King Cole Trio durante 1937-1947, apareciendo en prácticamente todos los discos de Cole durante el período. También grabó con Lionel Hampton, Art Tatum (1941), los Capitol Jazzmen y Lester Young. Desgraciadamente, la carrera de Moore después de Cole no tuvo tanto éxito. Tocó con su hermano Johnny Moore en los Three Blazers desde 1947 hasta mediados de los años 50 (el grupo decayó en popularidad tras la marcha del pianista/cantante Charles Brown) y grabó tres discos para Verve y Tampa durante 1953-1954, pero luego se mantuvo en gran medida al margen de la música con la excepción de un álbum de homenaje a Cole de 1965.
https://www.allmusic.com/artist/oscar-moore-mn0000489027/biography

Walter Wanderley • Brazilian Mood

Dave Myers • You Can't Do That

Review by Cub Koda 
Dave Myers helped make Chicago blues history as the leader of the Aces-Jukes, Little Walter's backup group during the harmonica genius's heyday in the 1950s. While he's played both guitar and bass on a pile of classic blues recordings as a sideman over the intervening decades, this marks his first album as a featured artist. The wait was evidently worth it, as Myers is flanked by a top-notch band featuring Rusty Zinn on guitar and Kim Wilson on harmonica and simply turns in the best traditional blues record to be released in a long, long time. Myers' guitar style is thoroughly down-home and swinging (especially fine on the instrumental "Legs Up") and has taken on absolutely no modern accoutrements over the years; the band turns in well-formed and integrated performances that recall the Chess studio sessions of the 1950s. Myers' singing voice isn't the strongest, but instead imparts a warm, good-natured blues feeling to it, heard to good effect on "Ting-A-Ling," the Little Walter tribute "Oh Baby," John Lee "Sonny Boy" Williamson's "Elevate Me, Mama" and "You Can't Love Me That Way." Dave also brings six originals to this 14-track outing, with the title track sounding like a lost Chicago classic from the '50s. This one absolutely defies the odds; if you really can't go home again, then this one comes awful darn close.

 

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Reseña de Cub Koda
Dave Myers ayudó a hacer historia en el blues de Chicago como líder de los Aces-Jukes, el grupo de acompañamiento de Little Walter durante el apogeo del genio de la armónica en la década de 1950. Aunque ha tocado la guitarra y el bajo en un montón de grabaciones clásicas de blues como acompañante durante las décadas posteriores, este es su primer álbum como artista principal. La espera ha merecido la pena, ya que Myers está flanqueado por una banda de primera categoría que incluye a Rusty Zinn a la guitarra y a Kim Wilson a la armónica, y simplemente ofrece el mejor disco de blues tradicional que se ha publicado en mucho, mucho tiempo. El estilo de la guitarra de Myers es completamente casero y con swing (especialmente bueno en el instrumental "Legs Up") y no ha tomado absolutamente ningún accesorio moderno a lo largo de los años; la banda ofrece interpretaciones bien formadas e integradas que recuerdan las sesiones de estudio de Chess de los años 50. La voz de Myers no es la más fuerte, pero en cambio imparte un sentimiento de blues cálido y bondadoso, que se escucha con buen efecto en "Ting-A-Ling", el tributo a Little Walter "Oh Baby", "Elevate Me, Mama" de John Lee "Sonny Boy" Williamson y "You Can't Love Me That Way". Dave también aporta seis originales a este trabajo de 14 pistas, con el tema principal que suena como un clásico perdido de Chicago de los años 50. Este disco desafía absolutamente las probabilidades; si realmente no se puede volver a casa, entonces este se acerca muchísimo.

King Crimson • Beat

The Strypes • Young Gifted & Blue [EP]

 

 

Bennie Green • Walkin' And Talkin'

 

Review by Stephen Thomas Erlewine
All of Bennie Green's Blue Note records were rich with joyously swinging blues and bop, highlighted by his warm, friendly tone and good humor. Walkin' & Talkin', his third record for the label, was no exception to the rule. Leading a quintet that features tenor saxophonist Eddy Williams, pianist Gildo Mahones, bassist George Tucker and drummer Al Dreares, Green keeps things light, swinging and immensely entertaining. Mahones wrote three of the six songs, including the swinging opener "The Shouter" and the Latin-tinged "Green Leaves"; Green contributed the bluesy title track, and the group offers two standards -- engaging, lightly swinging readings of "This Love of Mine" and "All I Do is Dream of You." The result is no different than Green's two previous Blue Note records, but it's no less satisfying, and fans of swinging bop should be contented with Walkin' & Talkin'.
https://www.allmusic.com/album/walkin-talkin-mw0000741393


Biography by Ron Wynn
A capable bebop soloist despite his style having firm swing-era roots, Bennie Green was a major trombonist and bandleader in the 1940s, '50s, and '60s. His sound and tone were large and round, and his approach was heavily influenced by traditionalists like Trummy Young. Green's solos were enjoyable and always well-executed, but he was never as ambitious in his playing as latter-day trombonists like J.J. Johnson or Curtis Fuller.

Green had a musical background: one of his brothers played tenor sax with Roy Eldridge's band. He studied at the famous Du Sable High School in Chicago under Capt. Walt Dyett, then began playing professionally with local groups. Budd Johnson recommended Green to Earl Hines in the early '40s, and he worked with Hines until 1948 (except for two-year stint in the Army). Green played with Gene Ammons for a short time, then with Charlie Ventura in the late '40s and early '50s. He toured with Hines again from 1951 until 1953.

Green led his own combo in the '50s and '60s, often playing with either Charlie Rouse or Jimmy Forrest. He also worked with Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin, and Elvin Jones. Green performed and recorded with Duke Ellington in 1968, playing on his second sacred concert. He settled in Las Vegas in the late '60s, working in hotel bands. Green was also featured on recordings made at the Newport in New York festival in the early '70s. He recorded as a leader for Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time, and Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

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Reseña de Stephen Thomas Erlewine
Todos los discos de Bennie Green para Blue Note eran ricos en blues y bop alegremente oscilantes, resaltados por su tono cálido y amistoso y su buen humor. Walkin' & Talkin', su tercer disco para el sello, no fue una excepción a la regla. Al frente de un quinteto en el que figuran el saxofonista tenor Eddy Williams, el pianista Gildo Mahones, el bajista George Tucker y el baterista Al Dreares, Green mantiene las cosas ligeras, oscilantes e inmensamente entretenidas. Mahones ha escrito tres de las seis canciones, incluyendo el primer tema "The Shouter" y el tema latino "Green Leaves"; Green ha contribuido con el tema que da título al disco, y el grupo ofrece dos estándares: lecturas atractivas y ligeramente oscilantes de "This Love of Mine" y "All I Do is Dream of You". El resultado no es diferente de los dos discos anteriores de Green en Blue Note, pero no es menos satisfactorio, y los fans del swing bop deberían estar satisfechos con Walkin' & Talkin'.
https://www.allmusic.com/album/walkin-talkin-mw0000741393


Biografía de Ron Wynn
Bennie Green, un solista de bebop capaz a pesar de que su estilo tiene firmes raíces de la era del swing, fue un importante trombonista y director de banda en las décadas de 1940, 1950 y 1960. Su sonido y su tono eran amplios y redondos, y su enfoque estaba muy influenciado por tradicionalistas como Trummy Young. Los solos de Green eran agradables y siempre estaban bien ejecutados, pero nunca fue tan ambicioso en su forma de tocar como los trombonistas de hoy en día, como J.J. Johnson o Curtis Fuller.

Green tenía antecedentes musicales: uno de sus hermanos tocaba el saxo tenor en la banda de Roy Eldridge. Estudió en la famosa Du Sable High School de Chicago con el capitán Walt Dyett, y luego empezó a tocar profesionalmente con grupos locales. Budd Johnson recomendó a Green a Earl Hines a principios de los años 40, y trabajó con Hines hasta 1948 (a excepción de un periodo de dos años en el ejército). Green tocó con Gene Ammons durante un corto periodo de tiempo, y luego con Charlie Ventura a finales de los años 40 y principios de los 50. Volvió a salir de gira con Hines desde 1951 hasta 1953.

Green dirigió su propio combo en los años 50 y 60, a menudo tocando con Charlie Rouse o Jimmy Forrest. También trabajó con Sonny Clark, Paul Chambers, Sarah Vaughan, Ike Quebec, Booker Ervin y Elvin Jones. Green actuó y grabó con Duke Ellington en 1968, tocando en su segundo concierto sagrado. Se instaló en Las Vegas a finales de los años 60, trabajando en las bandas de los hoteles. Green también apareció en grabaciones realizadas en el festival de Newport, en Nueva York, a principios de los años 70. Grabó como líder para Jubilee, Prestige, Blue Note, Enrica, Time y Vee Jay.
https://www.allmusic.com/artist/bennie-green-mn0000160618/biography

Hugo Montenegro • Lady In Cement

 

Gene Summers • School Of Rock And Roll

 

Gene Summers (born January 3, 1939, Dallas, Texas, USA; died February 17, 2021) was an American rock/rockabilly singer and music publisher. Owner of Silicon Music Publishing Co. Married to Dea Summers from 1961 until her death in February 2017.

Martin Taylor • Solo

 

Artist Biography by Ken Dryden
Since the death of Joe Pass in 1994, Martin Taylor has become one of the most highly regarded guitarists in jazz. He was given his first guitar by his father, Buck Taylor. Although he was inspired at first by Django Reinhardt, it was piano players like Art Tatum that drew his attention and helped him practice to develop his phenomenal solo technique. In the late '70s, Stéphane Grappelli invited him to play in a series of concerts in France. The violinist was so impressed that he used Taylor often on tours and a variety of recording dates. Beginning in 1990, Taylor began recording a number of acclaimed CDs for the U.K. label Linn, and also did an excellent duet date with David Grisman for the mandolin player's Acoustic Disc label. 1991's Change of Heart, the following year's Artistry, and 1995's Portraits, are all representative of Taylor's strongest material from this prolific period.

In 2000, he released his debut on an American label, Columbia, entitled Kiss and Tell, while Stepping Stones on Linn followed that same fall. Next, in June 2002, Taylor was awarded an MBE for his services to jazz. Later that year, his first recording for the Sony imprint P3 Records, Solo, was voted Best Album by the International Guitar Foundation. The rest of the decade saw Taylor issue a number of key additions to his canon: the fan-instigated, 2003 collaboration with Steve Howe entitled Masterpiece Guitars, the 2005 electric guitar-fueled Gypsy Journey, and the acclaimed 2008 album Double Standards. While Double Standards saw Taylor successfully deliver an album of guitar duets by overdubbing one guitar part onto another, his next run of albums were much more collaborative affairs. Two 2012 albums -- One for the Road and First Time Together! -- in turn saw him work with the English clarinetist Alan Barnes, and the U.S. guitarist Frank Vignola. 2013 brought a further meeting of technically gifted players when Taylor received equal billing on The Colonel & The Governor, an album of duets with the similarly revered guitarist Tommy Emmanuel.
https://www.allmusic.com/artist/martin-taylor-mn0000311742/biography

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 Biografía del artista por Ken Dryden

Desde la muerte de Joe Pass en 1994, Martin Taylor se ha convertido en uno de los guitarristas más respetados del jazz. Su padre, Buck Taylor, le regaló su primera guitarra. Aunque al principio se inspiró en Django Reinhardt, fueron pianistas como Art Tatum los que le llamaron la atención y le ayudaron a practicar para desarrollar su fenomenal técnica de solista. A finales de los 70, Stéphane Grappelli le invitó a tocar en una serie de conciertos en Francia. El violinista quedó tan impresionado que usó a Taylor a menudo en giras y en diversas fechas de grabación. A partir de 1990, Taylor comenzó a grabar varios CDs aclamados para el sello británico Linn, y también hizo una excelente cita a dúo con David Grisman para el sello Acoustic Disc del mandolinista. Change of Heart de 1991, Artistry del año siguiente y Portraits de 1995, son todos representativos del material más fuerte de Taylor de este prolífico período.

En 2000, lanzó su debut en un sello americano, Columbia, titulado Kiss and Tell, mientras que Stepping Stones en Linn siguió ese mismo otoño. Luego, en junio de 2002, Taylor fue premiado con un MBE por sus servicios al jazz. Más tarde ese año, su primera grabación para el sello Sony P3 Records, Solo, fue votada como Mejor Álbum por la International Guitar Foundation. El resto de la década vio a Taylor emitir una serie de adiciones clave a su canon: la colaboración de 2003 con Steve Howe, instigada por los fans, titulada Masterpiece Guitars, el 2005 Gypsy Journey, alimentado por una guitarra eléctrica, y el aclamado álbum de 2008 Double Standards. Mientras que Double Standards vio a Taylor entregar con éxito un álbum de dúos de guitarras mediante la sobregrabación de una parte de la guitarra sobre otra, su siguiente serie de álbumes fueron asuntos mucho más colaborativos. Dos álbumes de 2012: One for the Road y First Time Together! -- a su vez lo vieron trabajar con el clarinetista inglés Alan Barnes, y el guitarrista estadounidense Frank Vignola. El 2013 trajo una nueva reunión de jugadores técnicamente dotados cuando Taylor recibió igual facturación en The Colonel & The Governor, un álbum de duetos con el igualmente venerado guitarrista Tommy Emmanuel.
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Colaborador / Contributor:  Mich58

Earl Hooker • Two Bugs And A Roach

Artist Biography by Bill Dahl

If there was a more immaculate slide guitarist residing in Chicago during the 1950s and '60s than Earl Hooker, his name has yet to surface. Boasting a fretboard touch so smooth and clean that every note rang as clear and precise as a bell, Hooker was an endlessly inventive axeman who would likely have been a star had his modest vocal abilities matched his instrumental prowess and had he not been dogged by tuberculosis (it killed him at age 41).

Born in the Mississippi Delta, Hooker arrived in Chicago as a child. There he was influenced by another slide wizard, veteran Robert Nighthawk. But Hooker never remained still for long. He ran away from home at age 13, journeying to Mississippi. After another stint in Chicago, he rambled back to the Delta again, playing with Ike Turner and Sonny Boy Williamson. Hooker made his first recordings in 1952 and 1953 for Rockin', King, and Sun. At the latter, he recorded some terrific sides with pianist Pinetop Perkins (Sam Phillips inexplicably sat on Hooker's blazing rendition of "The Hucklebuck").

Back in Chicago again, Hooker's dazzling dexterity was intermittently showcased on singles for Argo, C.J., and Bea & Baby during the mid- to late '50s before he joined forces with producer Mel London (owner of the Chief and Age logos) in 1959. For the next four years, he recorded both as sideman and leader for the producer, backing Junior Wells, Lillian Offitt, Ricky Allen, and A.C. Reed and cutting his own sizzling instrumentals ("Blue Guitar," "Blues in D-Natural"). He also contributed pungent slide work to Muddy Waters' Chess waxing "You Shook Me." Opportunities to record grew sparse after Age folded; Hooker made some tantalizing sides for Sauk City, WI's Cuca Records from 1964 to 1968 (several featuring steel guitar virtuoso Freddie Roulette).

Hooker's amazing prowess (he even managed to make the dreaded wah-wah pedal a viable blues tool) finally drew increased attention during the late '60s. He cut LPs for Arhoolie, ABC-BluesWay, and Blue Thumb that didn't equal what he'd done at Age, but they did serve to introduce Hooker to an audience outside Chicago and wherever his frequent travels deposited him. But tuberculosis halted his wandering ways permanently in 1970.

https://www.allmusic.com/artist/earl-hooker-mn0000150062/biography

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Traducción Automática:

Biografía del artista por Bill DahlSi hubo un guitarrista de diapositivas más inmaculado que residía en Chicago durante los años 1950 y 1960 que Earl Hooker, su nombre aún no ha aparecido. Con un toque de diapasón tan suave y limpio que cada nota sonó tan clara y precisa como una campana, Hooker era un hacha sin fin inventiva que probablemente habría sido una estrella si sus moderadas habilidades vocales coincidieran con su destreza instrumental y si no hubiera sido perseguido por la tuberculosis. (lo mató a los 41 años).Nacido en el delta del Mississippi, Hooker llegó a Chicago cuando era niño. Allí fue influenciado por otro mago de diapositivas, el veterano Robert Nighthawk. Pero Hooker nunca se mantuvo quieto por mucho tiempo. Se escapó de su casa a los 13 años, viajando a Mississippi. Después de otra temporada en Chicago, regresó nuevamente al Delta, jugando con Ike Turner y Sonny Boy Williamson. Hooker hizo sus primeras grabaciones en 1952 y 1953 para Rockin ', King y Sun. En este último, grabó algunos lados fenomenales con el pianista Pinetop Perkins (Sam Phillips inexplicablemente se sentó en la interpretación ardiente de Hooker de "The Hucklebuck").Una vez más en Chicago, la deslumbrante destreza de Hooker se exhibió intermitentemente en individuales para Argo, CJ y Bea & Baby a mediados y finales de los 50 antes de unir sus fuerzas con el productor Mel London (propietario de los logos Chief y Age) en 1959. Durante los siguientes cuatro años, grabó como sideman y líder del productor, respaldando a Junior Wells, Lillian Offitt, Ricky Allen y AC Reed y cortando sus propios instrumentales ("Blue Guitar", "Blues in D-Natural") . También contribuyó con trabajos de diapositivas acríticos para el ajedrez de Muddy Waters con "You Shook Me". Las oportunidades para grabar crecieron escasas después de la edad plegada; Hooker hizo algunos lados tentadores para Cuca Records de Sauk City, WI de 1964 a 1968 (varios con el virtuoso de la guitarra de acero, Freddie Roulette).La asombrosa destreza de Hooker (incluso logró convertir el temido pedal wah-wah en una herramienta de blues viable) finalmente atrajo una mayor atención a fines de los '60. Cortó LPs para Arhoolie, ABC-BluesWay y Blue Thumb que no igualaron lo que había hecho en Age, pero sirvieron para presentar a Hooker a un público fuera de Chicago y en todos los lugares donde sus frecuentes viajes lo depositaron. Pero la tuberculosis detuvo sus caminos errantes de forma permanente en 1970.

https://www.allmusic.com/artist/earl-hooker-mn0000150062/biography 

Al Hirt ‎• The Greatest Horn In The World

Jack McDuff ‎• Tobacco Road

 

Herbie Mann • Live at the Bottom Line

Chris Joss • No Play No Work

 

chrisjoss.net ...

Brian Charette • The Question That Drives Us

The second release by organist Brian Charette's unique, reed-based sextet, which features the tenor saxophonist Joel Frahm and clarinettist John Ellis. They perform a set of all original compositions by Charette, plus a version of "Moose the Mooche" by Charlie Parker.

Brian Charette's Organ Sextet released their first album 'Music for Organ Sextette' in 2012 to critical and public acclaim. Dan Bilawsky noted in All About Jazz: "Charette weaves a unique and gripping aural tapestry together with a mélange of woodwinds serving as the thread. He channels his energy into creating constructs that benefit from the blending of multiple voices...Music For Organ Sextette is an anomaly in the world of organ-centric jazz...Charette challenges the status quo with this one and winds up the victor in every way."

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El segundo lanzamiento del singular sexteto de cañas del organista Brian Charette, que cuenta con el saxofonista tenor Joel Frahm y el clarinetista John Ellis. Interpretan un conjunto de composiciones originales de Charette, además de una versión de "Moose the Mooche" de Charlie Parker.

El Organ Sextet de Brian Charette publicó su primer álbum 'Music for Organ Sextette' en 2012 con gran éxito de crítica y público. Dan Bilawsky señaló en All About Jazz: "Charette teje un tapiz auditivo único y apasionante con una mezcla de vientos de madera que sirve de hilo conductor. Canaliza su energía en la creación de construcciones que se benefician de la mezcla de múltiples voces... Music For Organ Sextette es una anomalía en el mundo del jazz centrado en el órgano... Charette desafía el statu quo con esto y termina siendo el vencedor en todos los sentidos".



www.briancharette.com ...

Joel Paterson • Let It Be Guitar! Joel Paterson Plays The Beatles

 “Joel Paterson defines who the ideal session guy should be: selfless, musical, and born with impeccably good taste. His sympathetic hollowbody makes the jazz, country, rockabilly or swing he’s backing come alive.”

— Timeout Chicago

My life is dedicated to playing guitar and exploring the sound and history of the roots music I love, including blues, jazz, country, western swing, and whatever else you want to call it. I live in Chicago, and I’m lucky to be surrounded by some of the finest musicians you will find anywhere. Rather than trying to have one band to brand and market, I enjoy playing in many projects, and putting together different lineups to play a variety of musical styles—to keep things fresh and to have the right sound to fit any occasion.  It’s always difficult to keep people updated with everything I’m up to (and it’s hard for me to keep track of it all), but for info on the projects that I'm currently working on, check out the "Bands" section of my website. And check out the "Recordings" section of my site for ordering info on albums that are still in print and available for purchase.

 "Joel Paterson define quién es el chico de sesión ideal: desinteresado, musical y nacido con un gusto impecable. Su simpático cuerpo hueco hace que el jazz, el country, el rockabilly o el swing que respalda cobren vida".
- Timeout Chicago

Mi vida está dedicada a tocar la guitarra y a explorar el sonido y la historia de la música de raíz que me gusta, incluyendo el blues, el jazz, el country, el swing occidental, y cualquier otra cosa que quieras llamarla. Vivo en Chicago, y tengo la suerte de estar rodeado de algunos de los mejores músicos que encontrarás en cualquier lugar. En lugar de intentar tener una banda que marcar y comercializar, disfruto tocando en muchos proyectos, y armando diferentes alineaciones para tocar una variedad de estilos musicales, para mantener las cosas frescas y tener el sonido adecuado para cualquier ocasión.  Siempre es difícil mantener a la gente al día con todo lo que estoy haciendo (y es difícil para mí seguir el rastro de todo), pero para información sobre los proyectos en los que estoy trabajando actualmente, mira la sección "Bandas" de mi sitio web. Y echa un vistazo a la sección "Grabaciones" de mi sitio para pedir información sobre los álbumes que todavía están impresos y disponibles para la compra.

 

www.joelpaterson.com ...

Joel Paterson • Let It Be Acoustic Guitar! (Joel Paterson Plays The Beatles Again)

 

The iconic Chicago guitarist takes on the Fab Four with his signature blend of vintage jazz, exotica, blues, rockabilly, western swing and country. The Beatles as a sonic template for a mid-century musical journey.

Collection of vintage instrumental, guitar-centric covers of songs from the Beatles’ catalog, entitled Let It Be Guitar! Joel Paterson Plays The Beatles. The album features the guitarist’s signature blend of vintage jazz, exotica, blues, rockabilly, western swing and country, and uses classic Beatles songs as a sonic template for the mid-century musical journey.

Let It Be Guitar! showcases fresh new arrangements of these familiar tunes, employing a wide variety of musical styles and guitar sounds, paying tribute to Paterson’s biggest influences including Les Paul, Chet Atkins, Jorgen Ingmann, James Burton, Buddy Emmons, Ernest Ranglin and many more.

Of the inspiration for the album, Paterson says, “This is the guitar record I’ve always wanted to make. I love the Beatles and their artistry and attention to detail in the recording studio—and I love all-things-guitar. So, I had a great time diving into these amazing songs, coming up with my own arrangements, and at the same time paying tribute to some of my favorite guitarists and vintage recording techniques of yesteryear.”

The album’s liner notes were written by singer/songwriter and fellow vintage appreciator JD McPherson, who picturesquely describes the album: “Each of Joel’s interpretations of these songs are concise, genre-bending, stylish tone poems, mixing both Joel’s and the Beatles’ own century-spanning inspirations into one zesty musical stew. Contained within certain tracks, you may even find nods to OTHER instrumentalists who have delved into the Beatles’ body of work… It’s almost the meta-sonic equivalent of a Liverpudlian Rube Goldberg drawing.”

Recorded in Chicago at Reliable Recorders and at Paterson’s home studio, Let It Be Guitar! features Joel on guitar, pedal steel, and lap steel; Beau Sample (Devil in a Woodpile, The Modern Sounds, The Fat Babies) on bass; Alex Hall (The Flat Five, The Western Elstons, The Fat Babies) on drums; and Chris Foreman on Hammond B3 organ.

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El icónico guitarrista de Chicago se enfrenta a los Fab Four con su característica mezcla de jazz vintage, exótica, blues, rockabilly, western swing y country. Los Beatles como plantilla sonora para un viaje musical de mediados de siglo.
¡Colección de versiones instrumentales vintage, centradas en la guitarra, de canciones del catálogo de los Beatles, titulada Let It Be Guitar!  
El álbum presenta la mezcla característica del guitarrista de jazz vintage, exótica, blues, rockabilly, western swing y country, y utiliza las canciones clásicas de los Beatles como plantilla sónica para el viaje musical de mediados de siglo.

Let It Be Guitar! presenta nuevos arreglos de estas melodías familiares, empleando una amplia variedad de estilos musicales y sonidos de guitarra, rindiendo homenaje a las mayores influencias de Paterson, como Les Paul, Chet Atkins, Jorgen Ingmann, James Burton, Buddy Emmons, Ernest Ranglin y muchos más.

Sobre la inspiración para el álbum, Paterson dice: "Este es el disco de guitarra que siempre he querido hacer. Me encantan los Beatles y su arte y atención al detalle en el estudio de grabación, y me encanta todo lo relacionado con la guitarra. Así que me lo he pasado muy bien sumergiéndome en estas increíbles canciones, ideando mis propios arreglos y, al mismo tiempo, rindiendo homenaje a algunos de mis guitarristas favoritos y a las técnicas de grabación de antaño".

Las notas de presentación del álbum fueron escritas por el cantante y compositor, y también apreciador de lo vintage, JD McPherson, que describe el álbum de forma pintoresca: "Cada una de las interpretaciones de Joel de estas canciones son poemas tonales concisos, que modifican el género, y que mezclan las inspiraciones de Joel y de los Beatles, que abarcan todo el siglo, en un sabroso guiso musical. Dentro de algunas pistas, incluso se pueden encontrar guiños a OTROS instrumentistas que han profundizado en la obra de los Beatles... Es casi el equivalente metasónico de un dibujo de Rube Goldberg de Liverpool".

Grabado en Chicago en Reliable Recorders y en el estudio casero de Paterson, Let It Be Guitar! cuenta con Joel a la guitarra, pedal steel y lap steel; Beau Sample (Devil in a Woodpile, The Modern Sounds, The Fat Babies) al bajo; Alex Hall (The Flat Five, The Western Elstons, The Fat Babies) a la batería; y Chris Foreman al órgano Hammond B3.

https://www.bloodshotrecords.com/album/let-it-be-guitar


www.joelpaterson.com ...

Candido Featuring Al Cohn • Candido

 

Bill Black's Combo • Plays The Blues

 

 

 

Petrucciani, Gadd & Jackson • Trio in Tokyo

Review by Michael G. Nastos:
Pianist Petrucciani was somewhat of a chameleon, inclined to go from mainstream jazz to more contemporary beats, which makes the rhythm team of electric bass guitarist Anthony Jackson and drummer Steve Gadd a good combination. They push and pull the pianist, flexing their fusion-oriented muscles while providing a swinging backdrop that Petrucciani can relate to, allowing him to exhibit his unbridled lyricism. This is a live club date done at the Blue Note in Tokyo, and the crowd response is indicative of the kineticism flowing on the bandstand from these three outstanding musicians. The trio swings hard on "Training," one of seven Petrucciani originals. It's a basic melody rivaling the best of Tommy Flanagan's work. Gadd's swing/funk informs "September Second," which sets the pianist on a melodic tear of modally repeated choruses as a basis for his startling improvisations. The lilting ballad "Home," with its slight samba inferences, goes into a disco shuffle and "Just the Way You Are" tonalities. Then the trio cuts loose for Petrucciani's flying bop number "Little Peace in C For U," a showstopper no matter your preference. Gadd's seldom-heard brush work on the ballad-to-easy-swing of "Love Letter" has the band gelling nicely, while "Cantabile" incorporates light funk underneath Petrucciani's paraphrasings of snippets from "Blues Skies" and "Without a Song." A more rambling melodicism that can go anywhere -- and does -- accents the modal, pedal-point base of the funky lite blue "Colors" with quotes straight from "But Beautiful" and "But Not for Me." As an encore closer, the trio begins politely on the Miles Davis evergreen "So What!," but grows energetic and animated halfway through. There is an emphasis on interplay, especially from Gadd on the latter bridgework. This is another posthumous reminder of how wonderful Petrucciani could be in a spontaneous concert setting, playing his own music with most capable musicians. Recommended.

 

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Reseña de Michael G. Nastos:
El pianista Petrucciani era una especie de camaleón, inclinado a pasar del jazz convencional a ritmos más contemporáneos, lo que hace que el equipo rítmico formado por el bajista eléctrico Anthony Jackson y el baterista Steve Gadd sea una buena combinación. Empujan y tiran del pianista, flexionando sus músculos orientados a la fusión al tiempo que proporcionan un telón de fondo oscilante con el que Petrucciani puede relacionarse, permitiéndole exhibir su lirismo desenfrenado. Se trata de una cita en directo en el Blue Note de Tokio, y la respuesta del público es indicativa del kinetismo que fluye en el escenario de estos tres músicos excepcionales. El trío se mueve con fuerza en "Training", uno de los siete temas originales de Petrucciani. Es una melodía básica que rivaliza con lo mejor del trabajo de Tommy Flanagan. El swing/funk de Gadd se refleja en "September Second", que pone al pianista en un camino melódico de coros repetidos como base para sus sorprendentes improvisaciones. La balada "Home", con sus ligeras inferencias de samba, se adentra en un shuffle discotequero y en las tonalidades de "Just the Way You Are". A continuación, el trío se suelta para el número de bop volador de Petrucciani "Little Peace in C For U", un espectáculo que no importa su preferencia. El trabajo de Gadd, pocas veces escuchado, en la balada a swing fácil de "Love Letter" hace que la banda encaje bien, mientras que "Cantabile" incorpora un ligero funk bajo las paráfrasis de Petrucciani de fragmentos de "Blues Skies" y "Without a Song". Un melodicismo más ramplón que puede ir a cualquier parte - y lo hace - acentúa la base modal y de punta de pedal del funky lite blue "Colors" con citas directas de "But Beautiful" y "But Not for Me". Como cierre del bis, el trío comienza amablemente con el clásico de Miles Davis "So What!", pero se vuelve enérgico y animado a mitad de camino. Hay un énfasis en la interacción, especialmente de Gadd en el último puente. Este es otro recordatorio póstumo de lo maravilloso que podía ser Petrucciani en un concierto espontáneo, tocando su propia música con músicos muy capaces. Recomendado. 

Big Joe Turner • Life Ain't Easy

Review by Scott Yanow
Big Joe Turner's Pablo recordings of 1974-84 tended to be loose and sometimes a bit sloppy (with some overlong performances) but they were always full of spirit. On this particular CD, Turner's classic singing is matched with a mostly all-star crew including trumpeter Roy Eldridge, trombonist Al Grey, tenor saxophonist Lee Allen, bassist Ray Brown and drummer Earl Palmer (along with guitarist Thomas Gadson and Jimmy Robins on piano and organ). Turner performs Woody Guthrie's "So Long" and five of his recent originals; Eldridge and Grey's occasional competitive solos uplift the music.

 

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Reseña de Scott Yanow
Las grabaciones de Big Joe Turner en Pablo entre 1974 y 1984 tendían a ser flojas y a veces un poco descuidadas (con algunas actuaciones demasiado largas), pero siempre estaban llenas de espíritu. En este CD en particular, el canto clásico de Turner se combina con un equipo de estrellas que incluye al trompetista Roy Eldridge, el trombonista Al Grey, el saxofonista tenor Lee Allen, el bajista Ray Brown y el baterista Earl Palmer (junto con el guitarrista Thomas Gadson y Jimmy Robins en el piano y el órgano). Turner interpreta "So Long" de Woody Guthrie y cinco de sus originales recientes; los competitivos solos ocasionales de Eldridge y Grey elevan la música.