Gábor Szabó • Live In Cleveland

 

"Hungarian guitarist Gabor Szabo (1936-82) issued only three live recordings during his lifetime. Significantly, the first of these, The Sorcerer (1967), remains the most popular album in the guitarist’s all-too abbreviated discography. But there were also More Sorcery (1968) and Gabor Szabo Live with Charles Lloyd (1974), offering Szabo totally in his element and at his bewitching best. Several more of Szabo’s concert recordings have surfaced in the intervening years, including this one, superbly captured for radio broadcast live in 1976 at the 600-seat Agora Ballroom in Cleveland, Ohio. It is a revelation. There is a sense here that concert patrons may have been hearing an altogether different Gabor Szabo than record buyers. For one thing, Szabo is heard fronting what is likely his own group, rather than an army of studio musicians. In 1976, Szabo was leading a tremendous quartet with George Cables (or Joanne Grauer) on piano, Tony Dumas on bass and Sherman Ferguson on drums. Szabo had not had a band with this much jazz clout since his famed quartet with Jimmy Stewart in 1967-68 – and it is a union worth savoring: Szabo’s records during this period were light, at best, on jazz. It’s unclear if any of these musicians are on the Agora date, but as Dumas’s “It Happens” opens the program, it’s a good bet, at least, that the bassist is on board here. But as Szabo’s ’76 quartet is not known to have recorded a studio record, Live in Cleveland is the closest thing to what a mid-seventies Szabo jazz album would sound like. Gone, are the strings, vocals and concessions to commercial consideration so prevalent on so many of Szabo’s studio records at the time. What is present, though, is fine craftsmanship, tremendous interplay, and the exciting improvisation that good jazz always yields. This particular concert was part of Sansui’s “New World of Jazz,” a series of 13 hour-long jazz concerts recorded at Cleveland’s iconic Agora Ballroom and broadcast over 40 FM radio stations. The series was sponsored by Sansui Electronics, a Japanese manufacturer of audio and video equipment, which previously sponsored a similar series of rock concerts recorded at the Agora as well. Sansui was promoting its matrix QS 4-channel sound system – offering, what was considered at the time, superior diagonal separation and stereo compatibility. The firm, partnering with Agora Ballroom and Agency Recording Studio owner Hank LoConti (1929-2014), was looking to take advantage of what they rightly felt was the then-current jazz renaissance. Each show’s 16-track master tape was mixed through the Sansui QS 4-channel encoder,” according to an August 1976 Billboard article detailing the arrangement, “for distribution to the 40 FM stations throughout the United States that bought the series” – allowing for three commercial spots for local dealers to advertise."
https://www.hhv.de/shop/en/item/gabor-szabo-live-in-cleveland-1976-919587?gclid=Cj0KCQjwwfiaBhC7ARIsAGvcPe7RpY8DU3JWIe2C9rLpa5Lv7ileU51IZ9JvTzEOI8-u76Kp5xlWI2IaArYpEALw_wcB

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"El guitarrista húngaro Gabor Szabo (1936-82) sólo realizó tres grabaciones en directo durante su vida. El primero de ellos, The Sorcerer (1967), sigue siendo el álbum más popular de la abreviada discografía del guitarrista. Pero también están More Sorcery (1968) y Gabor Szabo Live with Charles Lloyd (1974), que ofrecen a Szabo totalmente en su elemento y en su mejor momento. En los últimos años han aparecido más grabaciones de conciertos de Szabo, incluida ésta, magníficamente grabada para su emisión radiofónica en directo en 1976 en el Agora Ballroom de Cleveland, Ohio, con capacidad para 600 personas. Es una revelación. Se tiene la sensación de que los asistentes a los conciertos pueden haber escuchado a un Gabor Szabo totalmente diferente al de los compradores de discos. En primer lugar, se escucha a Szabo al frente de lo que probablemente sea su propio grupo, en lugar de un ejército de músicos de estudio. En 1976, Szabo dirigía un tremendo cuarteto con George Cables (o Joanne Grauer) al piano, Tony Dumas al bajo y Sherman Ferguson a la batería. Szabo no había tenido una banda con tanto peso jazzístico desde su famoso cuarteto con Jimmy Stewart en 1967-68 - y es una unión que merece la pena saborear: Los discos de Szabo durante este periodo eran ligeros, en el mejor de los casos, en cuanto a jazz. No está claro si alguno de estos músicos está en la fecha del Agora, pero como "It Happens" de Dumas abre el programa, es una buena apuesta, al menos, que el bajista está a bordo aquí. Pero como no se sabe que el cuarteto de Szabo del 76 haya grabado un disco de estudio, Live in Cleveland es lo más parecido a lo que sonaría un disco de jazz de Szabo de mediados de los setenta. Ya no están las cuerdas, las voces y las concesiones a la consideración comercial, tan frecuentes en muchos de los discos de estudio de Szabo de la época. Lo que está presente, sin embargo, es la fina artesanía, la tremenda interacción y la emocionante improvisación que el buen jazz siempre produce. Este concierto en particular formaba parte del "New World of Jazz" de Sansui, una serie de 13 conciertos de jazz de una hora de duración grabados en el emblemático Agora Ballroom de Cleveland y emitidos por 40 emisoras de radio FM. La serie estaba patrocinada por Sansui Electronics, un fabricante japonés de equipos de audio y vídeo, que ya había patrocinado una serie similar de conciertos de rock grabados también en el Agora. Sansui promocionaba su sistema de sonido matrix QS de 4 canales, que ofrecía, lo que se consideraba entonces, una separación diagonal superior y compatibilidad con el estéreo. La empresa, en colaboración con el propietario del Agora Ballroom y del Agency Recording Studio, Hank LoConti (1929-2014), pretendía aprovechar lo que, en su opinión, era el actual renacimiento del jazz. La cinta maestra de 16 pistas de cada programa se mezclaba a través del codificador de 4 canales Sansui QS", según un artículo de Billboard de agosto de 1976 en el que se detalla el acuerdo, "para su distribución a las 40 emisoras de FM de todo Estados Unidos que compraron la serie", lo que permitía tres espacios comerciales para que los distribuidores locales se anunciaran".
https://www.hhv.de/shop/en/item/gabor-szabo-live-in-cleveland-1976-919587?gclid=Cj0KCQjwwfiaBhC7ARIsAGvcPe7RpY8DU3JWIe2C9rLpa5Lv7ileU51IZ9JvTzEOI8-u76Kp5xlWI2IaArYpEALw_wcB

 

 

Kenny Barron • Green Chimneys

 

kennybarron.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Chick Corea & Hubert Laws • Ultimate Classical + Improvisation Collaboration

 

Chick and I began our musical collaborations at Juilliard in 1961, and our first recordings together were in 1965 in NYC.
Our last collaborative recordings were in December 2020 before his untimely death in 2021. Four of the 12 tracks we do here on this album represent the beginning of Chick's expressed desire to complete a CD of piano and flute duos. The added supplemental tracks represent my "lament" and tribute to the most ineffable mentor and musician I know.
– Hubert Laws
https://hubertlaws.com/product/chick-corea-and-hubert-laws-ultimate-classical-improvisation-collaboration-bach-mozart-scarlatti/

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Chick y yo comenzamos nuestras colaboraciones musicales en Juilliard en 1961, y nuestras primeras grabaciones juntos fueron en 1965 en NYC.
Nuestras últimas grabaciones en colaboración fueron en diciembre de 2020, antes de su prematura muerte en 2021. Cuatro de las 12 pistas que hacemos aquí en este álbum representan el comienzo del deseo expresado por Chick de completar un CD de dúos de piano y flauta. Las pistas complementarias añadidas representan mi "lamento" y homenaje al mentor y músico más inefable que conozco.
- Hubert Laws
https://hubertlaws.com/product/chick-corea-and-hubert-laws-ultimate-classical-improvisation-collaboration-bach-mozart-scarlatti/


chick-corea-and-hubert-laws ...

Joe Morello • Another Step Forward

 

Ken Clark Organ Trio • Eternal Funk

Slowly but surely, the organ trio is beginning to enjoy a healthy resurgence. Spurred on by the recent likes of Joey DeFrancesco, Tony Monaco, and Larry Goldings and the front guard of Jimmy Smith, Dr. Lonnie Smith, and Jimmy McGriff, home cookin’ has become fashionable again. Presently, organist Ken Clark and his trio are submitted for your approval.Ken Clark leads a tidy organ guitar trio that specializes in funk. The band’s arrangements and executions of two standards and eight originals are hermetically sealed and swing hard in spite of it all. This is not blues-based organ music. It is also not the meandering Jam Band produce of recent memory. While I am sure these guys can (and do) stretch out, here the trio holds things down to short epistles rather than sprawling novels. The longest song is 6:15 ("Truth Is", the shortest 3:28 ("Eternal Funk".

Immediately noticeable is Clark’s deft footwork. "Eternal Funk" begins with a slick bass line that gives way to a full-force gale of hurricane funkiness. This shows up again on "Duke Ellington Superstar" and "Rhythm & Biz." The former, an original Clark composition is perhaps the finest and tightest combo playing on the disc, sporting the insistent rhythm of Mike Mele and Steve Chaggaris, whose chase of Clark’s off-time antics lead to a most foot-tapping song. Miles’ "Blue in Green" receives a beautifully mellow reading, funky as a house rent party to be sure, but a wonderful ballad performance and well treated by this format.

This is not fried chicken eatin’, cold beer drinkin’, Lucky Strike smokin’ organ trio music. It goes with peanuts and cashews, a traditional gin martini, and a twenty dollar cigar. A super freshman effort indeed.

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Lentamente pero con seguridad, el trío de órganos está empezando a disfrutar de un saludable resurgimiento. Estimulado por los recientes Joey DeFrancesco, Tony Monaco y Larry Goldings y la guardia delantera de Jimmy Smith, el Dr. Lonnie Smith y Jimmy McGriff, la cocina casera se ha puesto de moda otra vez. Actualmente, el organista Ken Clark y su trío se someten a su aprobación.Ken Clark dirige un ordenado trío de guitarra de órgano que se especializa en el funk. Los arreglos y ejecuciones de la banda de dos estándares y ocho originales están sellados herméticamente y se balancean con fuerza a pesar de todo. Esto no es música de órgano basada en el blues. Tampoco es el serpenteante producto de la Jam Band de la memoria reciente. Aunque estoy seguro de que estos chicos pueden (y lo hacen) estirarse, aquí el trío se reduce a pequeñas epístolas en lugar de extensas novelas. La canción más larga es 6:15 ("La verdad es"), la más corta 3:28 ("Eternal Funk").

Se nota inmediatamente el hábil juego de piernas de Clark. "Eternal Funk" comienza con una línea de bajo que da paso a un fuerte vendaval de funkiness de huracán. Esto aparece de nuevo en "Duke Ellington Superstar" y "Rhythm & Biz". La primera, una composición original de Clark, es quizás la mejor y más apretada combinación del disco, con el insistente ritmo de Mike Mele y Steve Chaggaris, cuya persecución de las payasadas de Clark fuera de tiempo llevan a una canción muy interesante. El "Blue in Green" de Miles recibe una hermosa lectura melodiosa, funky como una fiesta de alquiler de casa, pero una maravillosa actuación de balada y bien tratada por este formato.

Esto no es comer pollo frito, beber cerveza fría, música de trío de órgano de Lucky Strike. Va con cacahuetes y anacardos, un tradicional gin martini, y un cigarro de veinte dólares. Un esfuerzo de súper novato de hecho.

Hendrix the illustrated story

 

Jimi Hendrix's music still lives on today. This (incredibly) is the first full-blown illustrated gift book exploring the life and career of one of the rock world's most celebrated musicians. Hendrix enjoyed the international limelight for less than four years, but his innovative and imaginative interpretations of blues and rock continue to inspire guitarists and music lovers across ages and genre.

Inside, Seattle-based music journalist Gillian Gaar examines the guitarist’s upbringing, his service as an Army paratrooper, his role as a sideman on the chitlin’ circuit, his exile in the UK, and his eventual reemergence in the US and the fame that followed until his untimely death in 1970.

Featuring design as lavish as Hendrix’s music and carefully curated photography, posters, picture sleeves, and other assorted memorabilia, this is the ultimate Hendrix book experience.

 

From Tin Foil to Stereo Evolution of the Phonograph

 

Traces improvements in phonographic recording and reproduction since Thomas Edison's tin-foil design first demonstrated in 1877

 

Wynton Kelly • New Faces–New Sounds

Tal Farlow • The Guitar Artistry Of Tal Farlow

Artist Biography by Scott Yanow

Nearly as famous for his reluctance to play as for his outstanding abilities, guitarist Tal Farlow did not take up the instrument until he was already 21, but within a year was playing professionally and in 1948 was with Marjorie Hyams' band. While with the Red Norvo Trio (which originally included Charles Mingus) from 1949-1953, Farlow became famous in the jazz world. His huge hands and ability to play rapid yet light lines made him one of the top guitarists of the era. After six months with Artie Shaw's Gramercy Five in 1953, Farlow put together his own group, which for a time included pianist Eddie Costa. Late in 1958, Farlow settled on the East Coast, became a sign painter, and just played locally. He only made one record as a leader during 1960-1975, but emerged a bit more often during 1976-1984, recording for Concord fairly regularly before largely disappearing again. Profiled in the definitive documentary Talmage Farlow, the guitarist can be heard on his own records for Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969), and Concord. He died of cancer July 25, 1998, at age 77.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

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Biografía del artista por Scott Yanow

Casi tan famoso por su renuencia a tocar como por sus extraordinarias habilidades, el guitarrista Tal Farlow no tomó el instrumento hasta que ya tenía 21 años, pero al cabo de un año ya estaba tocando profesionalmente y en 1948 estaba con la banda de Marjorie Hyams. Mientras que con el Trío Red Norvo (que originalmente incluía a Charles Mingus) de 1949 a 1953, Farlow se hizo famoso en el mundo del jazz. Sus enormes manos y su habilidad para tocar líneas rápidas pero ligeras lo convirtieron en uno de los mejores guitarristas de la época. Después de seis meses con Gramercy Five de Artie Shaw en 1953, Farlow formó su propio grupo, que por un tiempo incluyó al pianista Eddie Costa. A finales de 1958, Farlow se estableció en la costa este, se convirtió en pintor de signos y sólo tocaba localmente. Sólo hizo un disco como líder durante 1960-1975, pero emergió un poco más a menudo durante 1976-1984, grabando para Concord con bastante regularidad antes de volver a desaparecer en gran medida. Perfilado en el documental definitivo Talmage Farlow, el guitarrista puede ser escuchado en sus propios discos para Blue Note (1954), Verve, Prestige (1969) y Concord. Murió de cáncer el 25 de julio de 1998, a la edad de 77 años.

https://www.allmusic.com/artist/tal-farlow-mn0000790227/biography

  

The Electric Organ Orchestra • Hong Kong Tokyo

Oscar Young, also known as Yang Road Fire, or Yang Daohuo, is a celebrated figure in the far East, who is as far as I know a Hong Kong based musician and producer from the 60s-80s who worked on a huge amount of albums (certainly over 30) with song and instrumental music and movie scores. His own band was the go-go band The Apollo. Singers that he produced include the famous Teresa Teng (from which I heard only mellow styles) or Frances Yip. Most instrumental albums were released under different variety of names like Oscar & Orchestra, or Oscar with the electric organ orchestra etc. While the go-go sounds took care for elements like fuzz and wah-wah guitars, funky bass lines and organ, incorporating elements of beat, surf, soul, rock, and disco, his own instrument, the synths, gave it his own touch of exotica for which people rank him in the realms of people like Martin Denny or Perry & Kingsley or the exotica of Dick Hyman, but as a figure/producer you can eventually also compare him with the cleverness of Illajaraaja or so.

https://geraldvanwaes.wixsite.com/rockontherice3/single-post/2016/06/25/Oscar-Young-Band

Album by The Electric Organ Orchestra, whose arrangements are attributed to Oscar Young who probably also played all parts of the organ and solos. Young was a key figure in the Hong Kong music scene in the late 1960s and early 1970s; with his arrangements he also had the merit of introducing and popularizing classical music among the younger generations.

http://stereocandies.blogspot.com/2012/04/oscar-young-electric-organ-orchestra.html

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Oscar Young, también conocido como Yang Road Fire, o Yang Daohuo, es una figura célebre en el lejano Oriente, que es, por lo que sé, un músico y productor de Hong Kong de los años 60 y 80 que trabajó en una gran cantidad de álbumes (ciertamente más de 30) con canciones y música instrumental y partituras de películas. Su propia banda era la banda de go-go The Apollo. Los cantantes que produjo incluyen a la famosa Teresa Teng (de la que sólo oí estilos suaves) o Frances Yip. La mayoría de los álbumes instrumentales fueron lanzados bajo diferentes nombres como Oscar & Orchestra, u Oscar con la orquesta del órgano eléctrico, etc. Mientras que los sonidos go-go se ocupaban de elementos como las guitarras fuzz y wah-wah, las líneas de bajo funky y el órgano, incorporando elementos de beat, surf, soul, rock y disco, su propio instrumento, los sintetizadores, le daban su propio toque de exótica por lo que la gente lo clasifica en los reinos de personas como Martin Denny o Perry & Kingsley o la exótica de Dick Hyman, pero como figura/productor también se puede eventualmente compararlo con la astucia de Illajaraaja o algo así.

https://geraldvanwaes.wixsite.com/rockontherice3/single-post/2016/06/25/Oscar-Young-Band

Álbum de The Electric Organ Orchestra, cuyos arreglos son atribuidos a Oscar Young quien probablemente también tocó todas las partes del órgano y los solos. Young fue una figura clave en la escena musical de Hong Kong a finales de los 60 y principios de los 70; con sus arreglos también tuvo el mérito de introducir y popularizar la música clásica entre las generaciones más jóvenes.

http://stereocandies.blogspot.com/2012/04/oscar-young-electric-organ-orchestra.html

The Swing Cats • Swing Cats

Review by Steve Huey

The retro-swing revival of the late '90s often owed a portion of its style to early rock & roll as well as swing and jump blues, and no one is better proof of that fact than ex-Stray Cat Brian Setzer. In light of his success, it seems only logical for his former bandmates to get in on the act, and both Lee Rocker and Slim Jim Phantom are present and accounted for in the Swing Cats, along with Honeydrippers guitarist Danny B. Harvey. On their self-titled debut, the band covers artists as diverse as Carl Perkins, Hank Williams, Sr. ("Mind Your Own Business"), and Benny Goodman, with vocals supplied by an array of guests (Tim Polecat, Claudia Cummings, Jamie James, etc.). The energy might flag here and there, and a permanent lead singer may be in order, but overall, the group's respect for the music makes this one of the better such projects around.

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Reseña de Steve Huey

El renacimiento del retro-swing de finales de los 90 a menudo debía una parte de su estilo al rock & roll temprano, así como al swing and jump blues, y nadie es mejor prueba de ello que el ex-Stray Cat Brian Setzer. A la luz de su éxito, parece lógico que sus antiguos compañeros de banda participen en el acto, y tanto Lee Rocker como Slim Jim Phantom están presentes en el Swing Cats, junto con el guitarrista de Honeydrippers Danny B. Harvey. En su autotitulado debut, la banda cubre a artistas tan diversos como Carl Perkins, Hank Williams, padre, y el resto de la banda. ("Mind Your Own Business"), y Benny Goodman, con voz proporcionada por una serie de invitados (Tim Polecat, Claudia Cummings, Jamie James, etc.). La energía puede flaquear aquí y allá, y un cantante líder permanente puede estar en orden, pero en general, el respeto del grupo por la música hace que éste sea uno de los mejores proyectos de este tipo que existen.

Al Di Meola • Di Meola Plays Piazzolla

Review by Alex Henderson
Latin music has been a strong influence on Al Di Meola since his early years, and in the '90s, he paid especially close attention to the music of Argentina. A welcome addition to his already impressive catalog, Di Meola Plays Piazzolla pays homage to the late Argentine tango master Astor Piazzolla (whose distinctive and very poetic brand of romanticism was considered quite daring and radical in Argentina). It would have been easy for an artist to allow his own personality to become obscured when saluting Piazzolla's legacy, but the charismatic Di Meola is too great an improviser to let that happen. Though his reverence for Piazzolla comes through loud and clear on these haunting classics, there's no mistaking the fact that this is very much an Al Di Meola project.
https://www.allmusic.com/album/di-meola-plays-piazzolla-mw0000080517


 Artist Biography by Greg Prato
Guitarist Al Di Meola first rose to prominence as a blazing jazz fusion artist before his playing matured and he began to conquer other styles, such as acoustic Latin music. Born on July 22, 1954 in Jersey City, New Jersey, Di Meola briefly studied at the Berklee College of Music in Boston during the early '70s before accepting a job replacing guitarist Bill Connors in fusion trailblazers Return to Forever (a group that also included monster instrumentalists keyboardist Chick Corea, bassist Stanley Clarke, and drummer Lenny White) in 1974. It was with Di Meola that Return to Forever enjoyed their greatest commercial success, as such releases as 1974's Where Have I Known Before, 1975's No Mystery, and 1976's Romantic Warrior cracked the U.S. Top 40 before Di Meola jumped ship to launch a solo career.
What followed remains some of the finest jazz fusion guitar-based recordings ever: 1976's Land of the Midnight Sun, 1977's Elegant Gypsy (which would eventually earn gold certification in the U.S.), and Casino, plus 1979's Splendido Hotel. Di Meola then united with fellow guitar greats John McLaughlin and Paco de Lucía for 1980's Friday Night in San Francisco. Throughout the '80s and '90s, he racked up numerous accolades (including earning yearly top honors in Guitar Player magazine polls), kept on issuing solo releases on a regular basis, and played with others, including releases by Stomu Yamashta, Paul Simon, Stanley Jordan, and David Matthews, as well as further work with such former bandmates as Corea, Clarke, de Lucía, and McLaughlin.
During the '90s, Di Meola turned his back almost entirely on fusion to concentrate more on acoustic-based world music, as evidenced by such releases as World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla, and Heart of the Immigrants, among others. During the 2000s, Di Meola continued this eclectic approach with releases like 2003's Revisited, 2006's Consequence of Chaos, 2007's Diabolic Inventions and Seduction for Solo Guitar, Vol. 1: Music of Astor Piazzolla, and 2008's live album He and Carmen with flutist Eszter Horgas. In 2011, Di Meola delivered the Latin and world music-infused studio album Pursuit of Radical Rhapsody, featuring bassist Charlie Haden and Cuban pianist Gonzalo Rubalcaba.

The lushly textured fusion effort Elysium followed in 2015. Two years later, Di Meola delivered the concert album Morocco Fantasia, recorded live at the Mawazine Festival in Rabat, Morocco. Along with Di Meola's band, the show featured guest appearances by Moroccan musicians oud player Said Chraibi, violinist Abdellah Meri, and percussionist Tarik Ben Ali. In 2018, he delivered Opus, which featured contributions from Cuban-born pianist Kemuel Roig.

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Reseña de Alex Henderson
La música latina ha sido una fuerte influencia en Al Di Meola desde sus primeros años, y en los años 90, prestó especial atención a la música de Argentina. Una adición bienvenida a su ya impresionante catálogo, Di Meola Plays Piazzolla rinde homenaje al difunto maestro de tango argentino Astor Piazzolla (cuya distintiva y muy poética marca de romanticismo fue considerada bastante atrevida y radical en Argentina). Habría sido fácil para un artista dejar que su propia personalidad se oscureciera al saludar el legado de Piazzolla, pero el carismático Di Meola es un improvisador demasiado grande para dejar que eso ocurra. Aunque su reverencia por Piazzolla se manifiesta claramente en estos clásicos, no hay duda de que se trata de un proyecto de Al Di Meola.
https://www.allmusic.com/album/di-meola-plays-piazzolla-mw0000080517


 Biografía del artista por Greg Prato
El guitarrista Al Di Meola se destacó por primera vez como un ardiente artista de jazz fusión antes de que su interpretación madurara y comenzó a conquistar otros estilos, como la música acústica latina. Nacido el 22 de julio de 1954 en Jersey City, Nueva Jersey, Di Meola estudió brevemente en el Berklee College of Music de Boston a principios de los años 70 antes de aceptar un trabajo sustituyendo al guitarrista Bill Connors en el grupo pionero de la fusión Return to Forever (un grupo que también incluía al monstruoso instrumentista Chick Corea, al bajista Stanley Clarke y al baterista Lenny White) en 1974. Fue con Di Meola que Return to Forever disfrutó de su mayor éxito comercial, ya que lanzamientos como Where Have I Known Before (1974), No Mystery (1975) y Romantic Warrior (1976) descifraron el Top 40 de los EE.UU. antes de que Di Meola saltara del barco para lanzar una carrera en solitario.
Lo que siguió sigue siendo algunas de las mejores grabaciones basadas en guitarras de fusión de jazz de todos los tiempos: 1976's Land of the Midnight Sun, 1977's Elegant Gypsy (que con el tiempo obtendría la certificación de oro en los EE.UU.), y Casino, además de 1979's Splendido Hotel. Di Meola luego se unió con sus compañeros grandes de la guitarra John McLaughlin y Paco de Lucía para la Friday Night de 1980 en San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, acumuló numerosos elogios (incluyendo la obtención de los máximos honores anuales en las encuestas de la revista Guitar Player), siguió publicando en solitario regularmente, y tocó con otros, incluyendo los lanzamientos de Stomu Yamashta, Paul Simon, Stanley Jordan y David Matthews, así como otros trabajos con ex-compañeros de banda como Corea, Clarke, de Lucía, y McLaughlin.
Durante los años 90, Di Meola dio la espalda casi por completo a la fusión para concentrarse más en la música del mundo basada en la acústica, como lo evidencian ediciones como World Sinfonia, Di Meola Plays Piazzolla y Heart of the Immigrants, entre otras. Durante la década del 2000, Di Meola continuó este enfoque ecléctico con lanzamientos como Revisited de 2003, Consecuencia del Caos de 2006, Invenciones Diabólicas y Seducción para Guitarra Solista de 2007, Vol. 1: Música de Astor Piazzolla, y el álbum en vivo He and Carmen de 2008 con el flautista Eszter Horgas. En 2011, Di Meola presentó el álbum de estudio de música latina y mundial Pursuit of Radical Rhapsody, con el bajista Charlie Haden y el pianista cubano Gonzalo Rubalcaba.

El esfuerzo de fusión de exuberante textura de Elysium le siguió en 2015. Dos años más tarde, Di Meola entregó el álbum de concierto Morocco Fantasia, grabado en directo en el Mawazine Festival de Rabat, Marruecos. Junto con la banda de Di Meola, el espectáculo contó con la participación de músicos marroquíes, entre los que se encontraban el músico Said Chraibi, el violinista Abdellah Meri y el percusionista Tarik Ben Ali. En 2018, entregó Opus, que contó con la colaboración del pianista cubano Kemuel Roig.

aldimeola.com ...

Pete Jolly • Serenata

Review by Richard S. Ginell

Herb Alpert, then at the crest of his fabulously successful roll with theTijuana Brass, tried to give unsung L.A. hero Pete Jolly -- then toiling in the studios -- some high-profile exposure-by-association on a trio of albums for his own label, A&M. On their first try, Alpert and Jolly serve up an appealing mix of swinging quartet jazz and period instrumental pop tastefully orchestrated by Marty Paich, very much within the parameters of A&M's enlightened middle-of-the-road direction in its early years. Some soft rock-accented tracks are clearly aimed at airplay (Leroy Anderson's "Serenata," Dori Caymmi's "Like a Lover"), while other Paich orchestrations are a bit tougher and more challenging ("For Carl"), and Neal Hefti's "Lonely Girl" gets an especially lively and erudite workout. Yet whether embroidering the melody or taking off with drummer Earl Palmer, bassist Chuck Berghofer and guitarist John Pisano (on loan from the TJB), Jolly is marvelously inventive and a hard-swinging pianist at all times. This LP is a most attractive marriage between art and commerce -- something Alpert was, and remains, very good at.

https://www.allmusic.com/album/herb-alpert-presents-pete-jolly-mw0000912831

Artist Biography

Pete Jolly lived a double life as studio ace by day and jazz cat by night for over 40 years. A member of the musicians union since his teens, he settled in Los Angeles in his early 20s and became a member of Shorty Rogers' Giants, one of the leading West Coast jazz groups. He also began working as a studio musician in the mid-1950s and decided to divide his energy between the security of studio work and the artistic satisfaction of playing jazz in local clubs in Los Angeles.

Jolly's father, also named Peter, was a superb accordion player, and he started the boy on the instrument not long after weaning. By the time Jolly was seven, his father was taking him by train to New York City once a week to take lessons from the great Joe Biviano, and when he was eight, he made his first broadcast appearance, billed as “The Boy Wonder Accordionist” on CBS Radio's “Hobby Lobby.” The show's emcee messed up his name, announcing him as “Pete Jolly,” but the boy liked the sound of it and used it ever after.

Jolly moved with his family to Phoenix, Arizona, where he became friends with another future studio ace, guitarist Howard Roberts. While still in high school, Jolly managed to get a regular job leading the house trio at a local club, the Jazz Mill, where he played behind such touring jazz starts as Chet Baker and Benny Carter.

After graduating, he kept working at the Jazz Mill, but after a few years, Roberts, who'd moved to Los Angeles, convinced Jolly to move west. In 1954, he arrived, and within days, was hired to play with one of the hottest stars of West Coast Jazz, Shorty Rogers. In a town with no shortage of good piano players, Jolly's exceptional technical skills, rock-solid rhythm, and somewhat self-effacing style made him a hot commodity among jazz stars looking to round out a combo. Over the next ten years, he recorded with most of the best talents passing through L.A.: Gerry Mulligan, Mel Torme, Red Norvo, Buddy De Franco, Terry Gibbs, Art Pepper, Anita O'Day, and Marty Paich.

He also began his own long recording career, with a 1955 album, Jolly Jumps In for RCA. Over the next forty-five years, Jolly would record over twenty albums, but rarely more than twice with the same label. The highlight of his career came in 1963, when his bossa-nova flavored composition, “Little Bird,” recorded for Ava Records, earned him a Grammy nomination.

Ironically, the peak of his recording career also marked the beginning of nearly three decades of steady, well-paying, but often anonymous, work as a studio musician. Among studio players, Jolly wasn't far behind Carol Kaye, Roberts, Tommy Tedesco, and Hal Blaine when it came to quantity and quality. He was a favorite of artists ranging from Neal Hefti and Don Costa to Herb Alpert and the Tijuana Brass and Anita Kerr. Ray Conniff used Jolly for piano and organ on virtually all his recordings from the early 1960s on, and their association continues today with Conniff's latest CDs.

Jolly played on the soundtracks of hundreds of films and television series, including “Butch Cassidy and the Sundance Kid,” “M*A*S*H,” “Dallas,” “I Spy,” “Mannix,” “The Love Boat,” and “Get Smart.” He was also Herb Alpert's favorite pianist, and can be heard on the opening bars of Alpert's 1968 #1 hit, “This Guy's in Love.”

While keeping up a heavy schedule of studio sessions, Jolly never lost the need to exercise his jazz chops on a regular basis. He, bassist Chuck Berghofer, and drummer Nick Martinis, who were also busy on the studio scene, kept the trio they'd begun around the time of “Little Bird” going.

They played their first club session at the Red Chimney in 1964, and in 1965, they opened the famed Los Angeles jazz club Donte's, where they remained a club staple for over 20 years. VSOP Records released several CDs in the mid-1990s that featured live recordings by the trio made at Donte's. As one club folded, the group just moved along to another one. In the end, they managed to appear at least once a month for forty years, right up to the time of Jolly's hospitalization for bone marrow cancer in August 2004.

Alpert paid his compliments to Jolly's jazz talents by releasing three albums on his A&M record label, the sole mainstream jazz albums on the label until Alpert lured in producer Creed Taylor and his stable of artists from Verve. On the last of these, Seasons, Jolly displays his prowess with an array of keyboards, including the Wurlitzer electric piano, the Hammond Organ, the Musette, the Sonovox, and the accordion.

Despite his early mastery of the accordion, Jolly's recordings with the instrument are few or anonymous. He squeezes a mea squeebox on Continental Jazz by “Les Cinqs Moderne,” a Gallic version of Somerset's Hawaiian super group, The Surfmen. Among musicians in the L.A. area, though, Jolly was considered one of the best accordion players around.

It's a shame that Jolly never got the popular recognition as a soloist he deserved. His style is so sure yet so light and flowing, it belies the depth of skill behind it. There are pianists—most notoriously, Oscar Peterson—who build their style around an ability to play exceptionally fast and well. Jolly could play every bit as fast as Peterson, but always let the tune take the showcase.

The same is true of Berghofer and Martinis—they never used a solo to show off, which may be why the three worked together so well. That means, however, that their work tended to get overlooked by audiences who preferred flashier acts. But take a listen to Jolly's wonderful version of Bacharach's “Windows of the World” elsewhere on this site, and you'll have to agree that it fits Mickey McGowan's definition of a great record: it can be played in the background without disturbing you, and played in the foreground without boring you.

It will be a long time before another pianist like Pete Jolly comes around.

https://musicians.allaboutjazz.com/petejolly

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Reseña de Richard S. Ginell

Herb Alpert, entonces en la cresta de su fabuloso éxito con los Tijuana Brass, trató de dar al héroe no reconocido de Los Ángeles Pete Jolly -- que trabajaba en los estudios -- una exposición de alto perfil por asociación en un trío de álbumes para su propio sello, A&M. En su primer intento, Alpert y Jolly ofrecen una atractiva mezcla de jazz de cuarteto swinging y pop instrumental de época orquestado con buen gusto por Marty Paich, muy dentro de los parámetros de la dirección media iluminada de A&M en sus primeros años. Algunos de los temas con un suave acento rockero están claramente orientados a los juegos al aire libre (Serenata de Leroy Anderson, Like a Lover de Dori Caymmi), mientras que otras orquestaciones de Paich son un poco más duras y desafiantes ("For Carl"), y la "Lonely Girl" de Neal Hefti tiene un entrenamiento especialmente animado y erudito. Sin embargo, ya sea bordando la melodía o despegando con el baterista Earl Palmer, el bajista Chuck Berghofer y el guitarrista John Pisano (cedido por el TJB), Jolly es un pianista maravillosamente inventivo y duro en todo momento. Este LP es un matrimonio muy atractivo entre el arte y el comercio, algo en lo que Alpert era, y sigue siendo, muy bueno.

https://www.allmusic.com/album/herb-alpert-presents-pete-jolly-mw0000912831

Biografía del artista

Pete Jolly vivió una doble vida como as del estudio de día y como gato de jazz de noche durante más de 40 años. Miembro del sindicato de músicos desde su adolescencia, se estableció en Los Ángeles a principios de sus 20 años y se convirtió en miembro de Shorty Rogers' Giants, uno de los principales grupos de jazz de la Costa Oeste. También comenzó a trabajar como músico de estudio a mediados de la década de 1950 y decidió dividir su energía entre la seguridad del trabajo de estudio y la satisfacción artística de tocar jazz en clubes locales de Los Ángeles.

El padre de Jolly, también llamado Peter, era un excelente acordeonista, y comenzó a tocar el instrumento poco después del destete. Cuando Jolly tenía siete años, su padre lo llevaba en tren a la ciudad de Nueva York una vez a la semana para tomar lecciones del gran Joe Biviano, y cuando tenía ocho años, hizo su primera aparición en televisión, con el título de "El Chico Maravilloso Acordeonista" en el programa "Hobby Lobby" de CBS Radio. El presentador del programa le cambió el nombre, anunciándolo como "Pete Jolly", pero al chico le gustó cómo sonaba y lo usó para siempre.

Jolly se mudó con su familia a Phoenix, Arizona, donde se hizo amigo de otro futuro as del estudio, el guitarrista Howard Roberts. Mientras aún estaba en la escuela secundaria, Jolly consiguió un trabajo regular dirigiendo el trío de la casa en un club local, el Jazz Mill, donde tocó detrás de estrellas de jazz en gira como Chet Baker y Benny Carter.

Después de graduarse, siguió trabajando en el Jazz Mill, pero después de unos años, Roberts, que se había mudado a Los Ángeles, convenció a Jolly de que se mudara al oeste. En 1954, llegó, y en pocos días, fue contratado para tocar con una de las estrellas más calientes del West Coast Jazz, Shorty Rogers. En una ciudad que no carece de buenos pianistas, las excepcionales habilidades técnicas de Jolly, su ritmo sólido como un rockero y su estilo un tanto autorreflexivo lo convirtieron en una mercancía de moda entre las estrellas del jazz que buscaban completar un combo. Durante los siguientes diez años, grabó con la mayoría de los mejores talentos que pasaron por Los Ángeles: Gerry Mulligan, Mel Torme, Red Norvo, Buddy De Franco, Terry Gibbs, Art Pepper, Anita O'Day y Marty Paich.

También comenzó su propia y larga carrera discográfica, con un álbum de 1955, Jolly Jumps In para RCA. Durante los próximos cuarenta y cinco años, Jolly grabaría más de veinte álbumes, pero rara vez más de dos veces con el mismo sello. El punto culminante de su carrera llegó en 1963, cuando su composición de sabor bossa-nova, "Little Bird", grabada para Ava Records, le valió una nominación a los Grammy.

Irónicamente, la cima de su carrera discográfica también marcó el comienzo de casi tres décadas de trabajo estable, bien pagado, pero a menudo anónimo, como músico de estudio. Entre los músicos de estudio, Jolly no estaba muy por detrás de Carol Kaye, Roberts, Tommy Tedesco y Hal Blaine en cuanto a cantidad y calidad. Fue uno de los favoritos de artistas como Neal Hefti y Don Costa, Herb Alpert, Tijuana Brass y Anita Kerr. Ray Conniff utilizó Jolly para piano y órgano en prácticamente todas sus grabaciones desde principios de la década de 1960, y su asociación continúa hoy en día con los últimos CDs de Conniff.

Jolly tocó en las bandas sonoras de cientos de películas y series de televisión, incluyendo "Butch Cassidy and the Sundance Kid", "M*A*S*H", "Dallas", "I Spy", "Mannix", "The Love Boat" y "Get Smart". También era el pianista favorito de Herb Alpert, y puede ser escuchado en los primeros compases del éxito #1 de Alpert en 1968, "This Guy's in Love".

Mientras mantenía un apretado calendario de sesiones de estudio, Jolly nunca perdió la necesidad de ejercitar sus habilidades de jazz de forma regular. Él, el bajista Chuck Berghofer y el baterista Nick Martinis, que también estaban ocupados en la escena del estudio, mantuvieron el trío que habían comenzado en la época de "Little Bird".

Tocaron su primera sesión de club en el Red Chimney en 1964, y en 1965, abrieron el famoso club de jazz Donte's de Los Ángeles, donde permanecieron como un elemento básico del club durante más de 20 años. VSOP Records lanzó varios CDs a mediados de los 90 que contenían grabaciones en vivo del trío hechas en Donte's. Cuando un club se retiró, el grupo se trasladó a otro. Al final, lograron aparecer al menos una vez al mes durante cuarenta años, hasta el momento de la hospitalización de Jolly por cáncer de médula ósea en agosto de 2004.

Alpert felicitó a los talentos del jazz de Jolly con la publicación de tres álbumes en su sello discográfico A&M, los únicos álbumes de jazz en el sello hasta que Alpert atrajo al productor Creed Taylor y a su grupo de artistas de Verve. En la última de ellas, Seasons, Jolly muestra su destreza con una serie de teclados, incluyendo el piano eléctrico Wurlitzer, el órgano Hammond, el Musette, la Sonovox y el acordeón.

A pesar de su dominio temprano del acordeón, las grabaciones de Jolly con el instrumento son pocas o anónimas. Exprime una caja de sorpresas en Continental Jazz de "Les Cinqs Moderne", una versión gala del supergrupo hawaiano de Somerset, The Surfmen. Sin embargo, entre los músicos de la zona de Los Ángeles, Jolly era considerado uno de los mejores músicos de acordeón de la zona.

Es una pena que Jolly nunca haya recibido el reconocimiento popular como solista que se merecía. Su estilo es tan seguro y a la vez tan ligero y fluido, que desmiente la profundidad de la habilidad que hay detrás de él. Hay pianistas, sobre todo Oscar Peterson, que construyen su estilo en torno a la capacidad de tocar excepcionalmente rápido y bien. Jolly podía tocar cada pedacito tan rápido como Peterson, pero siempre dejaba que la melodía fuera el centro de atención.

Lo mismo ocurre con Berghofer y Martinis, que nunca usaron un solo para presumir, lo que puede ser la razón por la que los tres trabajaron tan bien juntos. Eso significa, sin embargo, que su trabajo tendía a ser pasado por alto por el público que prefería actos más llamativos. Pero si escuchas la maravillosa versión de Jolly de "Ventanas del Mundo" de Bacharach en otra parte de este sitio, tendrás que estar de acuerdo en que se ajusta a la definición de Mickey McGowan de un gran disco: puede ser reproducido en segundo plano sin molestarte, y en primer plano sin aburrirte.

Pasará mucho tiempo antes de que otro pianista como Pete Jolly vuelva en sí.

https://musicians.allaboutjazz.com/petejolly

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Jerry Lee Lewis • Greatest Hits

 

jerryleelewis.com ...

Jerry Lee Lewis: His Own Story

 

Jerry Lee Lewis has lived an extraordinary life. He gave rock and roll its devil's edge with hit records like 'Great Balls of Fire'. His incendiary shows caused riots and boycotts. He ran a decade-long marathon of drugs, drinking, and women, and married his thirteen-year-old second cousin, the third of seven wives. He also nearly met his maker, at least twice. He survived it all to be hailed as one of the greatest music icons. For the very first time, he reveals the truth behind the Last Man Standing of the rock-and-roll era.
https://www.goodreads.com/book/show/18635022-jerry-lee-lewis

jerryleelewis.com ...

Lee Konitz • Leewise

 

Claude Hopkins With Buddy Tate & Joe Thomas ‎• Let's Jam

Artist Biography by Scott Yanow

A talented stride pianist, Claude Hopkins never became as famous as he deserved. He was a bandleader early on, and toured Europe in the mid-'20s as the musical director for Josephine Baker. Hopkins returned to the U.S. in 1926, led his own groups, and in 1930 took over Charlie Skeete's band. Between 1932-1935, he recorded steadily with his big band (all of the music has been reissued on three Classics CDs), which featured Jimmy Mundy arrangements and such fine soloists as trumpeter/vocalist Ovie Alston, trombonist Fernando Arbello, a young Edmond Hall on clarinet, and baritone and tenorman Bobby Sands, along with the popular high-note vocals of Orlando Roberson. The orchestra's recordings are a bit erratic, with more than their share of mistakes from the ensembles and a difficulty in integrating Hopkins' powerhouse piano with the full group, but they are generally quite enjoyable.

Mundy's eccentric "Mush Mouth" is a classic, and Hopkins introduced his best-known original, "I Would Do Anything for You." Although they played regularly at Roseland (1931-1935) and the Cotton Club (1935-1936), and there were further sessions in 1937 and 1940, the Claude Hopkins big band never really caught on and ended up breaking up at the height of the swing era. Hopkins did lead a later, unrecorded big band (1944-1947), but mostly worked with small groups for the remainder of his career. He played with Red Allen's group during the second half of the 1950s, led his own band during 1960-1966, and in 1968 was in the Jazz Giants with Wild Bill Davison. Claude Hopkins led an obscure record for 20th Century Fox (1958) and three Swingville albums (1960-1963), but his best later work were solo stride dates for Chiaroscuro and Sackville (both in 1972), and a trio session for Black & Blue in 1974; it is surprising that his piano skills were not more extensively documented.

https://www.allmusic.com/artist/claude-hopkins-mn0000138839/biography

  Claude Hopkins - pianist, bandleader, (1903 - 1984)

Often overlooked by historians, Claude Hopkins was a major contributor to the development of early jazz and swing music. He was an incredibly gentle yet powerful stride pianist who could perform both ballads and hot numbers with equal virtuosity. Hopkins also wrote and arranged many compositions of his own and in collaboration with other artists like J.C. Johnson and Bud Freeman.

Hopkins grew up in the Washington, D.C., area and learned to play piano at age seven. He studied music and medicine at Howard University, where he graduated with a bachelor's degree, and later attended the Washington Conservatory. He worked with several bands while in college and formed his own group in 1924 for an engagement in Atlantic City, after which he spent a brief period with Wilbur Sweatman before forming another group of his own.

In September of 1925 Hopkins traveled to Europe, where he became Josephine Baker's musical director, touring Europe with her revue. He then led his own band in Italy and Spain in 1926 before returning to the states in the spring of that year. He worked with several groups of his own until taking over Charlie Skeete's orchestra in 1930. Hopkins band was a regular performer at the Savoy Ballroom in 1930, the Roseland Ballroom from 1931 to 1935, and the Cotton Club in 1935 and 1936.

Hopkins recorded often during the early and mid-1930s but was silent from 1937 to late 1939, when he led the band on extensive tours. He entered the studio again in early 1940 for the AMMOR label. Vocalists for the band were Orlando Roberson, who was known for hitting the high notes, and trumpeter Ovie Alston. Standout musicians included clarinetist Ed Hall, trumpeter Jabbo Smith, saxophonist Bobby Sands, trombonists Vic Dickenson and Fernando Arbello. In the late 1930s Hopkins occasionally fronted the band, allowing other pianists to take his instrument.

https://musicians.allaboutjazz.com/claudehopkins

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Biografía del artista por Scott Yanow

Pianista de talento, Claude Hopkins nunca llegó a ser tan famoso como se merecía. Fue director de orquesta desde muy temprano y realizó una gira por Europa a mediados de los años 20 como director musical de Josephine Baker. Hopkins regresó a los Estados Unidos en 1926, dirigió sus propios grupos y en 1930 se hizo cargo de la banda de Charlie Skeete. Entre 1932-1935, grabó constantemente con su big band (toda la música ha sido reeditada en tres discos compactos clásicos), que incluía arreglos de Jimmy Mundy y solistas tan finos como el trompetista/vocalista Ovie Alston, el trombonista Fernando Arbello, un joven Edmond Hall en clarinete, y el barítono y teniente Bobby Sands, junto con la popular voz de Orlando Roberson. Las grabaciones de la orquesta son un poco erráticas, con más que su parte de errores de los conjuntos y una dificultad para integrar el piano de Hopkins con el grupo completo, pero generalmente son bastante agradables.

La excéntrica "Mush Mouth" de Mundy es un clásico, y Hopkins presentó su más conocido original, "I Would Do Anything for You". Aunque tocaban regularmente en Roseland (1931-1935) y en el Cotton Club (1935-1936), y hubo más sesiones en 1937 y 1940, la big band de Claude Hopkins nunca se dio cuenta y terminó rompiéndose en el apogeo de la era del swing. Hopkins dirigió una big band tardía y no registrada (1944-1947), pero trabajó principalmente con grupos pequeños durante el resto de su carrera. Tocó con el grupo de Red Allen durante la segunda mitad de los años 50, dirigió su propia banda durante 1960-1966, y en 1968 estuvo en los Jazz Giants con Wild Bill Davison. Claude Hopkins dirigió un oscuro disco para 20th Century Fox (1958) y tres discos de Swingville (1960-1963), pero sus mejores trabajos posteriores fueron fechas de zancadas en solitario para Chiaroscuro y Sackville (ambos en 1972), y una sesión de trío para Black & Blue en 1974; es sorprendente que sus habilidades como pianista no estuvieran más ampliamente documentadas.

https://www.allmusic.com/artist/claude-hopkins-mn0000138839/biography

  Claude Hopkins - pianista, director de orquesta, (1903 - 1984)

A menudo pasado por alto por los historiadores, Claude Hopkins fue un gran contribuyente al desarrollo del jazz antiguo y del swing. Era un pianista increíblemente gentil pero poderoso que podía interpretar tanto baladas como números calientes con igual virtuosismo. Hopkins también escribió y arregló muchas composiciones propias y en colaboración con otros artistas como J.C. Johnson y Bud Freeman.

Hopkins creció en el área de Washington, D.C. y aprendió a tocar el piano a los siete años. Estudió música y medicina en la Universidad de Howard, donde se graduó con una licenciatura, y más tarde asistió al Conservatorio de Washington. Trabajó con varias bandas mientras estaba en la universidad y formó su propio grupo en 1924 para un compromiso en Atlantic City, después de lo cual pasó un breve período con Wilbur Sweatman antes de formar otro grupo propio.

En septiembre de 1925 Hopkins viajó a Europa, donde se convirtió en el director musical de Josephine Baker, recorriendo Europa con su revista. Luego dirigió su propia banda en Italia y España en 1926 antes de regresar a los Estados Unidos en la primavera de ese año. Trabajó con varios grupos propios hasta que se hizo cargo de la orquesta de Charlie Skeete en 1930. La banda de Hopkins actuó regularmente en el Savoy Ballroom en 1930, en el Roseland Ballroom de 1931 a 1935 y en el Cotton Club en 1935 y 1936.

Hopkins grabó a menudo a principios y mediados de la década de 1930, pero permaneció en silencio desde 1937 hasta finales de 1939, cuando dirigió la banda en extensas giras. Entró de nuevo en el estudio a principios de 1940 para el sello AMMOR. Los vocalistas de la banda eran Orlando Roberson, conocido por sus notas altas, y el trompetista Ovie Alston. Entre los músicos destacados se encontraban el clarinetista Ed Hall, el trompetista Jabbo Smith, el saxofonista Bobby Sands, los trombonistas Vic Dickenson y Fernando Arbello. A finales de la década de 1930, Hopkins encabezaba ocasionalmente la banda, permitiendo que otros pianistas tomaran su instrumento.

https://musicians.allaboutjazz.com/claudehopkins

Leo Wright • Blues Shout

Review by Jason Ankeny

Leo Wright's Atlantic debut, Blues Shout, effectively summarizes his career as a sideman, embracing the expressionist sensibilities of longtime boss Dizzy Gillespie as well as the Latin inspirations of longtime bandmate Lalo Schifrin to create a fiercely modern and uncommonly impassioned sound all its own. Joined by pianist Junior Mance, trumpeter Richard Williams, bassist Art Davis, and drummer Charlie Persip, Wright divides his attention between his signature alto sax and flute, delivering a series of thoughtful and lyrical solos that positively radiate energy. The blues referenced in the title are more a feeling than a sound, underscoring the emotional intensity that bristles below the surface of every note.

https://www.allmusic.com/album/blues-shout-mw0000871497

Artist Biography

In 1968 MPS Records assembled four alto saxophonists who, together, represented the spectrum of 1960s post-bop alto sax. Alto Summit featured Lee Konitz with his angular, abstract lines that stretched the boundaries of jazz, Phil Woods, feet firmly planted in the bop tradition, Norwood “Pony” Poindexter, the often overlooked reedman who never lost bop’s blues roots, and Leo Wright, in whose playing can be heard the full spectrum: bop, hard bop, Texas blues, and third stream, along with a healthy dose of Latin and African flavors.

Leo Nash Wright was born on December 14, 1933 in Wichita Falls, Texas. He took up the saxophone in the early 1940s under the tutelage of his father Mel, who taught him, “Don’t forget what came before.” He was influenced early on by blues greats Louis Jordan and fellow Texan Eddie “Cleanhead” Vinson. As Wright told one reporter, “People in the South know the blues.” His first alto idol, however, was Johnny Hodges whom Wright called the “father of the alto saxophone.”

It was also inevitable that a young altoist in the fifties would fall under the spell of Charlie Parker. “Whatever Bird was doing, in all his music,” Wright said of his predecessor, “he retained the idea of the blues.” Wright could never have imagined that just a few years out of college he would play Bird’s former role as the foil to Dizzy Gillespie.

Drafted into the army in 1956, Wright began what would eventually be a long relationship with Europe. While stationed in Stuttgart, Germany, he played in a variety of bands that included Eddie Harris, Cedar Walton, Don Ellis, and Houston Person—young musicians, like Wright, ready to break onto the American jazz scene when they returned.

After a brief stint with Charles Mingus, which included an appearance at the 1959 Newport Festival, Wright joined company with Dizzy Gillespie, in whose band he would play for the next three years. Whatever he might have learned in college, Wright attended finishing school during his three years with Diz. “Dizzy is a giant,” Wright said at the time. “And when you’re working with the giants, you’ve got to improve. . . . You’ve got to learn discipline, get down to business. I’m still in school.”

It was at the University of Dizzy that Wright’s playing gained its full range. The expanding world musical consciousness of his leader and their globe spanning travels added to Wright’s bop and blues vocabulary the musical idioms of Latin America, the Near East, and Africa.

During the first few years of the 1960s, Wright’s talents were much in demand in the recording studio. His alto and flute can be heard on recording dates led by Kenny Burrell, Tadd Dameron, Jack McDuff, Dave Pike, Luis Bonfá, John Lewis, Lalo Schifrin, and Jimmy Witherspoon, and Blue Mitchell. This list alone suggests the range he had developed by this time, making Wright equally comfortable blowing bop changes, Latin grooves, or unadulterated blues.

This range can also be heard on the Atlantic recordings he made under his own name from this period. On Blues Shout (1960) Wright relies on standards for half of the tracks but his readings are anything but conventional. He infects the head of “Night in Tunisia,” a song he was playing regularly at this time in Dizzy’s quintet, with a bluesy hard bop groove.

By the time his career hit full stride, Wright’s flute had become as much a vehicle for his blues and Latin inflected bop as his alto. Though he resented having to major in flute at San Francisco State because they did not offer a sax major, it was Wright’s flute playing that first caught Dizzy’s attention. One of the most poignant moments on Blues Shout comes on “Indian Summer” when the old melody played on flute gains a depth of feeling accompanied only by the counterpoint of Art Davis’ bass.

On his follow-up recording Suddenly the Blues (1962), Wright pairs himself with guitarist Kenny Burrell for a more easily swinging feel. As Wright said of his playing at this time, his aim was “to express myself with simplicity and directness, minus clutter and pretense.” On Soul Talk (1963), Wright digs deeper into soul and blues territory with a quartet of Burrell, Gloria Coleman on organ, and drummer Frankie Dunlop. The organ quartet proved a comfortable home for Wright’s talents here and on other sessions led by Coleman and, most notably, on “Brother” Jack McDuff’s album Screamin’ (1962).

Having moved on from Gillespie’s bands by this point, Wright turned his sights to Europe, arriving there at the end of 1963 for a six month sojourn in Scandinavia. He played throughout Europe for the next year before arriving in Berlin to headline in a variety of clubs, including Jazzgalerie where he replaced Eric Dolphy after his unexpected death in a Berlin Hospital.

Wright lived in Berlin until 1981 when he moved to Vienna, Austria, making Europe his home base for the remainder of his life. During this time he performed and recorded almost exclusively in Europe and predominantly with European musicians and fellow American expatriates such as Kenny Clarke and Art Farmer.

Some of his most noteworthy work came with the Sender Frei Berlin (Radio Free Berlin) band. He also played with the Berlin Dream Band that made noteworthy recordings with guest artists Don Ellis, Oliver Nelson, and Stan Kenton. A rare stateside appearance resulted in I Left My Heart in San Francisco (1978), a collaboration with pianist Red Garland.

Sidelined by a stroke from 1979 to 1986, Wright enjoyed a brief comeback, playing frequently with his wife, Austrian jazz singer Elly Wright. His final concert took place in November 1990 with Jimmy Witherspoon. On January 4, 1991, Wright suffered a fatal heart attack and was later buried in Vienna. His autobiography, God is My Booking Agent, was published later that year.

When one puts Wright next to the dominant altoists of the 1960s, Ornette Coleman and Eric Dolphy, it would be easy to unfairly dismiss his playing as stuck in the past. Throughout his career, Wright remembered his father’s dictum to never forget what came before. His feet firmly planted in the bop and a blues tradition, Wright was able to blend divergent directions in jazz on his expressive palette. World beats, abstract expressionism, sixties soul—all became avenues for Wright to color what he heard in Johnny Hodges and Charlie Parker. Along with the American expatriates, Wright spread the gospel of jazz to sustain a scene abroad that continues to make Europe a destination for American jazz musicians.

https://musicians.allaboutjazz.com/leowright

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Reseña de Jason Ankeny

El debut de Leo Wright en el Atlántico, Blues Shout, resume efectivamente su carrera como sideman, abrazando las sensibilidades expresionistas de su antiguo jefe, Dizzy Gillespie, así como las inspiraciones latinas de su antiguo compañero de banda Lalo Schifrin para crear un sonido ferozmente moderno y poco comúnmente apasionado. Acompañado por el pianista Junior Mance, el trompetista Richard Williams, el bajista Art Davis y el baterista Charlie Persip, Wright divide su atención entre el saxo alto y la flauta, ofreciendo una serie de solos reflexivos y líricos que irradian energía positivamente. Los azules a los que se hace referencia en el título son más un sentimiento que un sonido, lo que pone de relieve la intensidad emocional que se eriza bajo la superficie de cada nota.

https://www.allmusic.com/album/blues-shout-mw0000871497

Biografía del artista

En 1968 MPS Records reunió a cuatro saxofonistas contralto que, juntos, representaron el espectro del saxo contralto post-bop de la década de 1960. Alto Summit contó con Lee Konitz con sus líneas angulosas y abstractas que ampliaban los límites del jazz, Phil Woods, pies firmemente plantados en la tradición del bop, Norwood "Pony" Poindexter, el a menudo pasado por alto reedman que nunca perdió las raíces del blues del bop, y Leo Wright, en cuya interpretación se puede escuchar todo el espectro: bop, hard bop, blues de Texas, y la tercera corriente, junto con una saludable dosis de sabores latinos y africanos.

Leo Nash Wright nació el 14 de diciembre de 1933 en Wichita Falls, Texas. Tomó el saxofón a principios de la década de 1940 bajo la tutela de su padre Mel, quien le enseñó: "No olvides lo anterior". Muy pronto fue influenciado por los grandes del blues, Louis Jordan y su compatriota Eddie "Cleanhead" Vinson. Como dijo Wright a un reportero: "La gente del Sur conoce el blues". Su primer ídolo alto, sin embargo, fue Johnny Hodges a quien Wright llamó el "padre del saxofón alto".

También era inevitable que un joven monaguillo de los años cincuenta cayera bajo el hechizo de Charlie Parker. "Sea lo que sea lo que Bird estaba haciendo, en toda su música", dijo Wright de su predecesor, "retuvo la idea del blues". Wright nunca podría haber imaginado que a los pocos años de salir de la universidad interpretaría el antiguo papel de Bird como el florete de Dizzy Gillespie.

Incorporado al ejército en 1956, Wright comenzó lo que finalmente sería una larga relación con Europa. Mientras estaba destinado en Stuttgart, Alemania, tocó en una variedad de bandas que incluían a Eddie Harris, Cedar Walton, Don Ellis, y Houston Person-jóvenes músicos, como Wright, listos para irrumpir en la escena del jazz americano cuando regresaron.

Después de un breve período con Charles Mingus, que incluyó una aparición en el Festival de Newport de 1959, Wright se unió a la compañía de Dizzy Gillespie, en cuya banda tocaría durante los tres años siguientes. Sea lo que sea que haya aprendido en la universidad, Wright asistió a la escuela de fin de estudios durante sus tres años con Diz. "Dizzy es un gigante", dijo Wright en ese momento. "Y cuando trabajas con los gigantes, tienes que mejorar. . . . Tienes que aprender disciplina, ir al grano. Todavía estoy en la escuela."

Fue en la Universidad de Dizzy donde el juego de Wright adquirió todo su alcance. La creciente conciencia musical mundial de su líder y sus viajes por todo el mundo añadieron al vocabulario del bop y blues de Wright las expresiones musicales de América Latina, el Cercano Oriente y África.

Durante los primeros años de la década de 1960, los talentos de Wright tuvieron mucha demanda en el estudio de grabación. Su contralto y flauta se pueden escuchar en fechas de grabación dirigidas por Kenny Burrell, Tadd Dameron, Jack McDuff, Dave Pike, Luis Bonfá, John Lewis, Lalo Schifrin, Jimmy Witherspoon y Blue Mitchell. Esta lista por sí sola sugiere el rango que había desarrollado hasta ese momento, haciendo que Wright se sintiera igualmente cómodo soplando cambios de bop, ritmos latinos o blues sin adulterar.

Este alcance también se puede escuchar en las grabaciones atlánticas que realizó con su propio nombre en esta época. En Blues Shout (1960) Wright confía en los estándares para la mitad de las pistas, pero sus lecturas son cualquier cosa menos convencionales. Infecta a la cabeza de "Night in Tunisia", una canción que tocaba regularmente en este momento en el quinteto de Dizzy, con un groove bluesy hard bop.

Para cuando su carrera llegó a su fin, la flauta de Wright se había convertido en un vehículo para su blues y su bop con inflexión latina tanto como para su contralto. Aunque le molestaba tener que estudiar flauta en San Francisco State porque no ofrecían un saxo mayor, fue la flauta de Wright la que llamó la atención de Dizzy por primera vez. Uno de los momentos más conmovedores del Blues Shout llega en el "Indian Summer", cuando la vieja melodía tocada en la flauta adquiere una profundidad de sentimiento acompañada sólo por el contrapunto del bajo de Art Davis.

En su siguiente grabación Suddenly the Blues (1962), Wright se empareja con el guitarrista Kenny Burrell para lograr una sensación de swing más fácil. Como Wright dijo de su interpretación en ese momento, su objetivo era "expresarme con sencillez y franqueza, sin desorden ni pretensiones". En Soul Talk (1963), Wright profundiza en el territorio del soul y el blues con un cuarteto de Burrell, Gloria Coleman al órgano y el baterista Frankie Dunlop. El cuarteto de órgano resultó ser un hogar cómodo para los talentos de Wright aquí y en otras sesiones dirigidas por Coleman y, sobre todo, en el álbum Screamin' (1962) de "Brother" Jack McDuff.

Después de haber pasado de las bandas de Gillespie a esta altura, Wright volvió su mirada hacia Europa, donde llegó a finales de 1963 para una estancia de seis meses en Escandinavia. Jugó en toda Europa durante el próximo año antes de llegar a Berlín para encabezar una serie de clubes, entre ellos Jazzgalerie, donde sustituyó a Eric Dolphy tras su inesperada muerte en un hospital berlinés.

Wright vivió en Berlín hasta 1981 cuando se mudó a Viena, Austria, haciendo de Europa su base de operaciones por el resto de su vida. Durante este tiempo tocó y grabó casi exclusivamente en Europa y predominantemente con músicos europeos y expatriados americanos como Kenny Clarke y Art Farmer.

Algunos de sus trabajos más notables fueron con la banda Sender Frei Berlin (Radio Free Berlin). También tocó con la Berlin Dream Band que realizó grabaciones notables con los artistas invitados Don Ellis, Oliver Nelson y Stan Kenton. Una rara aparición en los Estados Unidos resultó en I Left My Heart en San Francisco (1978), una colaboración con la pianista Red Garland.

Dejado de lado por un derrame cerebral entre 1979 y 1986, Wright disfrutó de un breve regreso, tocando frecuentemente con su esposa, la cantante de jazz austriaca Elly Wright. Su último concierto tuvo lugar en noviembre de 1990 con Jimmy Witherspoon. El 4 de enero de 1991, Wright sufrió un ataque cardíaco mortal y fue enterrado en Viena. Su autobiografía, God is My Booking Agent, fue publicada ese mismo año.

Cuando uno pone a Wright al lado de los artistas dominantes de la década de 1960, Ornette Coleman y Eric Dolphy, sería fácil descartar injustamente su forma de tocar por estar atascado en el pasado. A lo largo de su carrera, Wright recordó la sentencia de su padre de no olvidar nunca lo que había ocurrido antes. Sus pies firmemente plantados en el bop y una tradición blues, Wright fue capaz de mezclar direcciones divergentes en el jazz en su expresiva paleta. Los ritmos del mundo, el expresionismo abstracto, el soul de los sesenta se convirtieron en avenidas para que Wright coloreara lo que escuchó en Johnny Hodges y Charlie Parker. Junto con los expatriados estadounidenses, Wright difundió el evangelio del jazz para sostener una escena en el extranjero que continúa haciendo de Europa un destino para los músicos de jazz estadounidenses.

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Georges Arvanitas Trio • Best of Georges Arvanitas Trio

Artist Biography by Jason Ankeny

A longtime giant of the European jazz landscape, pianist Georges Arvanitas' graceful technique and effortless versatility made him a sought-after accompanist among American musicians touring France. Born June 13, 1931 in Marseilles, Arvanitas was the son of Greek immigrants hailing from Istanbul. He began classical piano studies at age four, but as a teen gravitated to jazz. At 18 he was called for military duty and stationed in Versailles. His proximity to Paris exposed Arvanitas to the city's thriving postwar jazz culture, and he moonlighted at clubs like Le Tabou and Les Trois Mailletz alongside American masters including Don Byas and Mezz Mezzrow. After completing his service, Arvanitas relocated permanently to Paris where he led the house band at the Club St. Germain before he graduated to the city's premier jazz venue, the legendary Blue Note. There he supported American stars like Dexter Gordon and Chet Baker, and as his profile grew, he also gained notoriety as a leader. He assembled bassist Doug Watkins and drummer Art Taylor to record 1963's 3 A.M., winner of the Prix Django Reinhardt and the Prix Jazz Hot.

Arvanitas spent half of 1965 in New York City collaborating with saxophonist Yusef Lateef and trumpeter Ted Curzon on the Blue Note label LP The Blue Thing and the New Thing. He returned stateside a year later, this time on a tour with trombonist Slide Hampton's big band. Arvanitas was also a respected session contributor; he earned the nickname "Georges Une Prise" ("One-take George") for his reliable efficiency and mastery. He was a particular favorite of the composer Michel Legrand and appeared on many of his soundtrack recordings. Arvanitas also played the memorable Hammond organ fills on Serge Gainsbourg's infamous 1969 pop hit "Je T'aime, Moi Non Plus." Arvanitas nevertheless remains best remembered for a series of LPs he cut with bassist Jacky Samson and drummer Charles Saudrais, a trio that endured from 1965 to 1993 (the 1968 album Space Ballad and 1976's Anniversary are particularly noteworthy). He was also the recipient of the Chevalier des Arts et des Lettres award in 1985. Failing health forced Arvanitas to retire from music in 2003. He died in Paris on September 25, 2005.

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Biografía del artista por Jason Ankeny

El pianista Georges Arvanitas, un gigante del panorama del jazz europeo durante mucho tiempo, la técnica elegante y la versatilidad sin esfuerzo lo convirtieron en un codiciado acompañante entre los músicos estadounidenses que viajan por Francia. Nacido el 13 de junio de 1931 en Marsella, Arvanitas era hijo de inmigrantes griegos provenientes de Estambul. Comenzó los estudios de piano clásico a los cuatro años, pero de adolescente se inclinó por el jazz. A los 18 años fue llamado al servicio militar y estacionado en Versalles. Su proximidad a París expuso a Arvanitas a la próspera cultura de jazz de la posguerra de la ciudad, y estuvo a la luz de la luna en clubes como Le Tabou y Les Trois Mailletz junto a maestros estadounidenses como Don Byas y Mezz Mezzrow. Después de completar su servicio, Arvanitas se mudó permanentemente a París, donde dirigió la banda de house en el Club St. Germain antes de graduarse en el principal local de jazz de la ciudad, el legendario Blue Note. Allí apoyó a estrellas estadounidenses como Dexter Gordon y Chet Baker, y a medida que su perfil creció, también ganó notoriedad como líder. Reunió al bajista Doug Watkins y al baterista Art Taylor para grabar 3 A.M. de 1963, ganador del Prix Django Reinhardt y el Prix Jazz Hot.

Arvanitas pasó la mitad de 1965 en la ciudad de Nueva York colaborando con el saxofonista Yusef Lateef y el trompetista Ted Curzon en la etiqueta Blue Note LP The Blue Thing and the New Thing. Regresó a Estados Unidos un año después, esta vez en una gira con la gran banda del trombonista Slide Hampton. Arvanitas también fue un respetado colaborador de sesión; se ganó el apodo de "Premio Georges Une" ("One-take George") por su eficiencia y dominio confiable. Fue uno de los favoritos del compositor Michel Legrand y apareció en muchas de sus grabaciones de la banda sonora. Arvanitas también tocó los memorables rellenos de órgano de Hammond en el famoso éxito pop de Serge Gainsbourg de 1969 "Je T'aime, Moi Non Plus". Sin embargo, Arvanitas sigue siendo el más recordado por una serie de discos que grabó con el bajista Jacky Samson y el baterista Charles Saudrais, un trío que duró de 1965 a 1993 (el álbum de 1968 Space Ballad y el Aniversario de 1976 son particularmente notables). También recibió el premio Chevalier des Arts et des Lettres en 1985. La salud fallida obligó a Arvanitas a retirarse de la música en 2003. Murió en París el 25 de septiembre de 2005.