... an eclectic world of art and music ... un ecléctico mundo de arte y música ...
NOTICE / AVISO
As many of you may have noticed apart from the Ulozto problem the main Mega account has been suspended, therefore the blog will be temporarily down until we can restructure and normalise the blog. I appreciate all the support you have shown me. Thank you for your understanding.
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Como muchos habrán notado aparte del problema de Ulozto la cuenta principal Mega ha sido suspendida, por consiguiente el blog se verá disminuido temporalmente hasta poder reestructurar y normalizar el blog. Agradezco todas las muestras de apoyo que me han brindado. Gracias por comprender.
Tracklist: 00:00:00 - Intro 00:00:31 - Lover 00:05:50 - Undecided 00:10:08 - Things Ain't What They Used to Be 00:19:18 - Strike Up The Band 00:24:34 - Little Darling 00:32:31 - Here's That Rainy Day 00:38:55 - Corcovado / How Insensitive / Wave 00:47:44 - Change My Plan 00:50:42 - Trouble in Mind 00:55:35 - Interview 01:01:41 - 7 Come 11
● Personnel: Barney Kessel - guitar Charlie Byrd - guitar, vocals Tal Farlow - guitar Joe Byrd - bass Chuck Redd - drums
Live at ZDF Jazz Club, Stadthalle Leonberg, Germany, April 24, 1988
Few female R&B stars enjoyed the kind of consistent acclaim Etta James received throughout a career that spanned six decades; the celebrated producer Jerry Wexler once called her “the greatest of all modern blues singers,” and she recorded a number of enduring hits, including “At Last,” “Tell Mama,” “I’d Rather Go Blind,” and “All I Could Do Was Cry.” At the same time, despite possessing one of the most powerful voices in music, James only belatedly gained the attention of the mainstream audience, appearing rarely on the pop charts despite scoring 30 R&B hits, and she lived a rough-and-tumble life that could have inspired a dozen soap operas, battling drug addiction and bad relationships while outrunning a variety of health and legal problems.
Etta James was born Jamesetta Hawkins in Los Angeles, California on January 25, 1938; her mother was just 14 years old at the time, and she never knew her father, though she would later say she had reason to believe he was the well-known pool hustler Minnesota Fats. James was raised by friends and relatives instead of her mother through most of her childhood, and it was while she was living with her grandparents that she began regularly attending a Baptist church. James’ voice made her a natural for the choir, and despite her young age she became a soloist with the group, and appeared with them on local radio broadcasts. At the age of 12, after the death of her foster mother, James found herself living with her mother in San Francisco, and with little adult supervision, she began to slide into juvenile delinquency. But James’ love of music was also growing stronger, and with a pair of friends she formed a singing group called the Creolettes. The girls attracted the attention of famed bandleader Johnny Otis, and when he heard their song “Roll with Me Henry” — a racy answer song to Hank Ballard’s infamous “Work with Me Annie” — he arranged for them to sign with Modern Records, and the Creolettes cut the tune under the name the Peaches (the new handle coming from Etta’s longtime nickname). “Roll with Me Henry,” renamed “The Wallflower,” became a hit in 1955, though Georgia Gibbs would score a bigger success with her cover version, much to Etta’s dismay. After charting with a second R&B hit, “Good Rockin’ Daddy,” the Peaches broke up and James stepped out on her own.
James’ solo career was a slow starter, and she spent several years cutting low-selling singles for Modern and touring small clubs until 1960, when Leonard Chess signed her to a new record deal. James would record for Chess Records and its subsidiary labels Argo and Checker into the late ’70s and, working with producers Ralph Bass and Harvey Fuqua, she embraced a style that fused the passion of R&B with the polish of jazz, and scored a number of hits for the label, including “All I Could Do Was Cry,” “My Dearest Darling,” and “Trust in Me.” While James was enjoying a career resurgence, her personal life was not faring as well; she began experimenting with drugs as a teenager, and by the time she was 21 she was a heroin addict, and as the ’60s wore on she found it increasingly difficult to balance her habit with her career, especially as she clashed with her producers at Chess, fought to be paid her royalties, and dealt with a number of abusive romantic relationships. James’ career went into a slump in the mid-’60s, but in 1967 she began recording with producer Rick Hall at FAME Studios in Muscle Shoals, Alabama and, adopting a tougher, grittier style, she bounced back onto the R&B charts with the tunes “Tell Mama” and “I’d Rather Go Blind.”
Deep in the NightIn the early ’70s, James had fallen off the charts again, her addiction was raging, and she turned to petty crime to support her habit. She entered rehab on a court order in 1973, the same year she recorded a rock-oriented album, Only a Fool, with producer Gabriel Mekler. Through most of the ’70s, a sober James got by touring small clubs and playing occasional blues festivals, and she recorded for Chess with limited success, despite the high quality of her work. In 1978, longtime fans the Rolling Stones paid homage to James by inviting her to open some shows for them on tour, and she signed with Warner Bros., cutting the album Deep in the Night with producer Jerry Wexler. While the album didn’t sell well, it received enthusiastic reviews and reminded serious blues and R&B fans that James was still a force to be reckoned with. By her own account, James fell back into drug addiction after becoming involved with a man with a habit, and she went back to playing club dates when and where she could until she kicked again thanks to a stay at the Betty Ford Center in 1988. That same year, James signed with Island Records and cut a powerful comeback album, Seven Year Itch, produced by Barry Beckett of the Muscle Shoals Rhythm Section. The album sold respectably and James was determined to keep her career on track, playing frequent live shows and recording regularly, issuing Stickin’ to My Guns in 1990 and The Right Time in 1992.
Mystery Lady: Songs of Billie HolidayIn 1994, a year after she was inducted into the Rock and Roll Hall of Fame, James signed to the Private Music label, and recorded Mystery Lady: Songs of Billie Holiday, a tribute to the great vocalist she had long cited as a key influence; the album earned Etta her first Grammy Award. The relationship with Private Music proved simpatico, and between 1995 and 2003 James cut eight albums for the label, while also maintaining a busy touring schedule. In 2003, James published an autobiography, Rage to Survive: The Etta James Story, and in 2008 she was played onscreen by modern R&B diva Beyoncé Knowles in Cadillac Records, a film loosely based on the history of Chess Records. Knowles recorded a faithful cover of “At Last” for the film’s soundtrack, and later performed the song at Barack Obama’s 2009 inaugural ball; several days later, James made headlines when during a concert she said “I can’t stand Beyoncé, she had no business up there singing my song that I’ve been singing forever.” (Later the same week, James told The New York Times that the statement was meant to be a joke — “I didn’t really mean anything…even as a little child, I’ve always had that comedian kind of attitude” — but she was saddened that she hadn’t been invited to perform the song.)
The DreamerIn 2010, James was hospitalized with MRSA-related infections, and it was revealed that she had received treatment for dependence on painkillers and was diagnosed with Alzheimer’s disease, which her son claimed was the likely cause of her outbursts regarding Knowles. James released The Dreamer, for Verve Forecast in 2011. She claimed it was her final album of new material. Etta James was diagnosed with terminal leukemia later that year, and died on January 20, 2012 in Riverside, California at the age of 73. ~ Mark Deming
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Pocas estrellas femeninas del R&B disfrutaron del tipo de aclamación constante que recibió Etta James a lo largo de una carrera que abarcó seis décadas; el célebre productor Jerry Wexler la llamó en una ocasión "la más grande de todas las cantantes de blues modernas", y grabó una serie de éxitos perdurables, como "At Last", "Tell Mama", "I'd Rather Go Blind" y "All I Could Do Was Cry". Al mismo tiempo, a pesar de poseer una de las voces más potentes de la música, James tardó en ganarse la atención del público general, apareciendo raramente en las listas de éxitos del pop a pesar de haber conseguido 30 éxitos de R&B, y vivió una vida agitada que podría haber inspirado una docena de telenovelas, luchando contra la adicción a las drogas y las malas relaciones, mientras superaba diversos problemas de salud y legales.
Etta James nació como Jamesetta Hawkins en Los Ángeles, California, el 25 de enero de 1938; su madre tenía entonces sólo 14 años y nunca conoció a su padre, aunque más tarde diría que tenía motivos para creer que era el conocido timador de billar Minnesota Fats. James fue criada por amigos y familiares en lugar de por su madre durante la mayor parte de su infancia, y fue mientras vivía con sus abuelos cuando empezó a asistir regularmente a una iglesia baptista. La voz de James era natural para el coro y, a pesar de su corta edad, se convirtió en solista del grupo y apareció con ellos en las emisiones de la radio local. A los 12 años, tras la muerte de su madre adoptiva, James se encontró viviendo con su madre en San Francisco, y con la escasa supervisión de los adultos, empezó a caer en la delincuencia juvenil. Sin embargo, la afición de James por la música era cada vez mayor, y con un par de amigas formó un grupo de canto llamado las Creolettes. Las chicas llamaron la atención del famoso director de orquesta Johnny Otis, y cuando éste escuchó su canción "Roll with Me Henry" -una respuesta picante a la infame "Work with Me Annie" de Hank Ballard-, consiguió que firmaran con Modern Records, y las Creolettes grabaron el tema con el nombre de Peaches (el nuevo nombre provenía del antiguo apodo de Etta). "Roll with Me Henry", rebautizada como "The Wallflower", se convirtió en un éxito en 1955, aunque Georgia Gibbs conseguiría un mayor éxito con su versión, para desgracia de Etta. Después de obtener un segundo éxito de R&B, "Good Rockin' Daddy", las Peaches se separaron y James se independizó.
La carrera en solitario de James fue lenta, y pasó varios años grabando singles de escaso éxito para Modern y haciendo giras por pequeños clubes hasta 1960, cuando Leonard Chess la contrató para un nuevo contrato discográfico. James grabaría para Chess Records y sus sellos subsidiarios Argo y Checker hasta finales de los años 70 y, trabajando con los productores Ralph Bass y Harvey Fuqua, adoptó un estilo que fusionaba la pasión del R&B con el pulido del jazz, y consiguió varios éxitos para el sello, como "All I Could Do Was Cry", "My Dearest Darling" y "Trust in Me". Mientras James disfrutaba del resurgimiento de su carrera, su vida personal no iba tan bien; empezó a experimentar con las drogas cuando era adolescente, y a los 21 años era adicta a la heroína, y a medida que avanzaban los años 60 le resultaba cada vez más difícil compaginar su hábito con su carrera, sobre todo porque se enfrentaba a sus productores en Chess, luchaba para que le pagaran sus derechos de autor y se enfrentaba a una serie de relaciones románticas abusivas. La carrera de James cayó en picado a mediados de los 60, pero en 1967 empezó a grabar con el productor Rick Hall en los estudios FAME de Muscle Shoals, Alabama, y, adoptando un estilo más duro y descarnado, volvió a entrar en las listas de R&B con los temas "Tell Mama" y "I'd Rather Go Blind".
Deep in the NightA principios de los años 70, James había vuelto a caer en las listas de éxitos, su adicción hacía estragos y recurría a la pequeña delincuencia para mantener su hábito. Ingresó en rehabilitación por orden judicial en 1973, el mismo año en que grabó un álbum orientado al rock, Only a Fool, con el productor Gabriel Mekler. Durante la mayor parte de los años 70, una sobria James se las arregló para hacer giras en pequeños clubes y tocar ocasionalmente en festivales de blues, y grabó para Chess con un éxito limitado, a pesar de la gran calidad de su trabajo. En 1978, los Rolling Stones, sus fans de toda la vida, rindieron homenaje a James invitándola a abrir algunos conciertos para ellos en la gira, y ella firmó con Warner Bros. y grabó el álbum Deep in the Night con el productor Jerry Wexler. Aunque el álbum no se vendió bien, recibió críticas entusiastas y recordó a los aficionados al blues y al R&B que James seguía siendo una fuerza a tener en cuenta. Según su propio relato, James volvió a caer en la adicción a las drogas tras involucrarse con un hombre adicto, y volvió a tocar en clubes cuando y donde podía hasta que volvió a patear gracias a una estancia en el Centro Betty Ford en 1988. Ese mismo año, James firmó con Island Records y grabó un potente álbum de regreso, Seven Year Itch, producido por Barry Beckett de la Muscle Shoals Rhythm Section. El álbum se vendió de forma respetable y James se empeñó en mantener su carrera, dando frecuentes conciertos y grabando con regularidad, publicando Stickin' to My Guns en 1990 y The Right Time en 1992.
Mystery Lady: Songs of Billie HolidayEn 1994, un año después de ser incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll, James firmó con el sello Private Music y grabó Mystery Lady: Songs of Billie Holiday, un homenaje a la gran vocalista que ella había citado durante mucho tiempo como una influencia clave; el álbum le valió a Etta su primer premio Grammy. La relación con Private Music resultó simpática, y entre 1995 y 2003 James grabó ocho álbumes para el sello, al tiempo que mantenía una apretada agenda de giras. En 2003, James publicó una autobiografía, Rage to Survive: The Etta James Story, y en 2008 fue interpretada en la pantalla por la moderna diva del R&B Beyoncé Knowles en Cadillac Records, una película basada libremente en la historia de Chess Records. Knowles grabó una versión fiel de "At Last" para la banda sonora de la película, y más tarde interpretó la canción en el baile de investidura de Barack Obama en 2009; varios días después, James saltó a los titulares cuando, durante un concierto, dijo: "No soporto a Beyoncé, no tiene nada que hacer ahí arriba cantando mi canción que he cantado siempre". (Más tarde, esa misma semana, James declaró a The New York Times que la declaración pretendía ser una broma - "En realidad no quería decir nada... incluso de pequeña, siempre he tenido ese tipo de actitud de comediante"-, pero que le entristecía que no la hubieran invitado a interpretar la canción).
The DreamerEn 2010, James fue hospitalizada por infecciones relacionadas con el SARM, y se reveló que había recibido tratamiento por su dependencia de los analgésicos y se le diagnosticó la enfermedad de Alzheimer, que según su hijo era la causa probable de sus arrebatos con respecto a Knowles. James lanzó The Dreamer, para Verve Forecast en 2011. Afirmó que era su último álbum de material nuevo. A Etta James se le diagnosticó una leucemia terminal ese mismo año, y murió el 20 de enero de 2012 en Riverside, California, a la edad de 73 años. ~ Mark Deming
Review by Scott Yanow This excellent sampler features the Zoot Sims-influenced Danish saxophonist Jesper Thilo on previously released performances taken from five LPs recorded during 1980-1987. Thilo is heard in a quintet with flügelhornist Clark Terry and pianist Kenny Drew (their version of Ben Webster's "Did You Call Her Today" is a delight), leading a quartet with Drew and drummer Billy Hart, jamming in a sextet with trumpeter Harry "Sweets" Edison, interacting with pianist Roland Hanna in a quartet, and co-leading a quintet with trombonist Al Grey. In each setting, Thilo holds his own with the better-known Americans, jamming music that falls between swing and bebop. Terry, Edison, and Grey are all fun to hear as usual, since they not only swing hard but are witty improvisers. It would be preferable to have the complete sessions and hopefully they will be reissued on CD eventually, but this sampler will suffice in the meantime, serving as an introduction to the playing of Jesper Thilo. https://www.allmusic.com/album/jesper-thilo-and-the-american-stars-vol-1-mw0000736368
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Reseña de Scott Yanow Este excelente muestrario presenta al saxofonista danés Jesper Thilo, influenciado por Zoot Sims, en interpretaciones previamente publicadas extraídas de cinco LPs grabados entre 1980 y 1987. Se escucha a Thilo en un quinteto con el flügelhornista Clark Terry y el pianista Kenny Drew (su versión de "Did You Call Her Today" de Ben Webster es una delicia), liderando un cuarteto con Drew y el baterista Billy Hart, improvisando en un sexteto con el trompetista Harry "Sweets" Edison, interactuando con el pianista Roland Hanna en un cuarteto, y co-liderando un quinteto con el trombonista Al Grey. En todos los casos, Thilo se mantiene a la altura de los estadounidenses más conocidos, tocando música que se sitúa entre el swing y el bebop. Terry, Edison y Grey son divertidos de escuchar como siempre, ya que no sólo hacen swing con fuerza sino que son ingeniosos improvisadores. Sería preferible tener las sesiones completas y ojalá se reediten en CD, pero esta muestra será suficiente mientras tanto, sirviendo de introducción a la forma de tocar de Jesper Thilo. https://www.allmusic.com/album/jesper-thilo-and-the-american-stars-vol-1-mw0000736368
Review by Scott Yanow Jesper Thilo, a swinging tenor saxophonist from Denmark, has Zoot Sims as his musical role model, although he also sounds a bit like Johnny Griffin on "Cherokee" and otherwise displays a bit of his own personality in his solos. Thilo recorded a series of albums for Storyville in the 1980s that teamed him with some notable American all-stars. This sampler has three songs apiece from four of the dates and two from a fifth project. The first three selections match Thilo with flügelhornist Clark Terry (who always sounds so jubilant) and a trio with pianist Kenny Drew. Thilo is quite warm on "Body and Soul" and Terry is wonderful on "Cotton Tail." The next three numbers have Thilo mostly in the spotlight, since it is a quartet session with Drew. There are also three numbers with trumpeter Harry "Sweets" Edison and the superior pianist Ole Kock Hansen, a trio of selections with the Sir Roland Hanna Trio, and finally a matchup with trombonist Al Grey. There are no throwaway tracks and the music is highly recommended to fans of the styles of Zoot Sims and Al Cohn. Hopefully, Storyville will reissue the complete contents of these five rewarding sessions at some point in the future. https://www.allmusic.com/album/jesper-thilo-and-the-american-stars-vol-2-mw0000207017
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Reseña de Scott Yanow Jesper Thilo, un saxofonista tenor de Dinamarca, tiene a Zoot Sims como modelo musical, aunque también suena un poco como Johnny Griffin en "Cherokee" y por lo demás muestra un poco de su propia personalidad en sus solos. Thilo grabó una serie de álbumes para Storyville en la década de 1980 que lo asociaron con algunas estrellas americanas notables. Este muestrario contiene tres canciones de cada una de las fechas y dos de un quinto proyecto. Las tres primeras selecciones unen a Thilo con el flügelhornista Clark Terry (que siempre suena tan jubiloso) y un trío con el pianista Kenny Drew. Thilo es bastante cálido en "Body and Soul" y Terry es maravilloso en "Cotton Tail". Los siguientes tres números tienen a Thilo como protagonista, ya que es una sesión de cuarteto con Drew. También hay tres números con el trompetista Harry "Sweets" Edison y el superior pianista Ole Kock Hansen, un trío de selecciones con el Sir Roland Hanna Trio, y finalmente un encuentro con el trombonista Al Grey. No hay temas desechables y la música es muy recomendable para los fans de los estilos de Zoot Sims y Al Cohn. Esperemos que Storyville reedite el contenido completo de estas cinco gratificantes sesiones en algún momento del futuro. https://www.allmusic.com/album/jesper-thilo-and-the-american-stars-vol-2-mw0000207017
Pornosonic comenzó en 1971, cuando Ron Jeremy conoció Don Argott, un músico de sesión de Los Ángeles. Pornosonic escribió e interpretó algunos de los temas mejor recibidos por el mundo del cine para adultos en los últimos 20 años.
Ellos escribieron muchas canciones acreditadas y sin acreditar para películas muy conocidas (y menos conocidas). Recientemente, un grupo de grabaciones originales fue localizado y dos compilaciones de esas canciones fueron lanzadas en 2004 y 2005 bajo el nombre de la banda.
Según los rumores, muchos de los miembros de la banda terminaron siendo reconocidos músicos que pasaron a otros proyectos musicales, pero por un acuerdo de no divulgación su trabajo en Pornosonic permanece anónimo.
Mas allá de lo gracioso de el disco es un buen compilado de temas funk, que muestra la calidad de los músicos involucrados, que ahora en esta recopilación cuentan con la voz e imagen del actor porno mas famoso de la historia Ron Jeremy.
Fuente: http://msartre.blogspot.com.ar/2010/12/pornosonic.html
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Pornosonic began in 1971, when Ron Jeremy met Don Argott, a session musician from Los Angeles. Pornosonic wrote and interpreted some of the best-received subjects in the world of adult cinema in the last 20 years. They wrote many credited and uncredited songs for well-known (and lesser known) films. Recently,
a group of original recordings was located and two compilations of
those songs were released in 2004 and 2005 under the name of the band. According
to the rumors, many of the members of the band ended up being
recognized musicians who went on to other musical projects, but by a
non-disclosure agreement their work at Pornosonic remains anonymous. Beyond
the fun of the album is a good compilation of funk themes, which shows
the quality of the musicians involved, who now in this collection have
the voice and image of the most famous porn actor in history Ron Jeremy. Source: http://msartre.blogspot.com.ar/2010/12/pornosonic.html
The Marketts are sometimes classified as a surf group because of their
hit instrumental "Out of Limits," one of the last big surf singles,
which made number three in early 1964. In reality, they were something
of an all-purpose contemporary instrumental group with elements of surf,
rock, pop, and even easy listening. And they were not really a group,
but a fluid collection of Los Angeles session musicians, working under
the direction of producer Joe Saraceno.
Saraceno was the principal man behind the concept of the Marketts,
although he himself did not play or arrange anything on their records,
or even write all of the material. He was sharp enough to latch onto the
surf craze in 1962 for one of the earliest instrumental surf hits,
"Surfer's Stomp," which made the Top 40 on Liberty in 1962. While
working at Liberty, he also produced the Ventures for a time, and the
influence of the Ventures' cleanly picked guitar lines is very evident
on "Out of Limits" and some other Marketts tracks. With their blend of
surfy guitar leads, film soundtrack horns, and spooky organ, the
Marketts' sound is best described not as surf, but as rock-influenced
instrumental pop with a futuristic (by early-'60s standards) touch. Many
of their songs seemed to be doing their best to evoke space travel and
science fiction flicks, sometimes with the help of what sounds like a
theremin. They could be said to have filled the void between surf music
and space age pop, which is not a criticism; their music is not terribly
substantial, but it is fun, and has a pretty good groove.
After "Out of Limits," the Marketts would enter the Top 20 one more time
with the "Batman Theme" in early 1966, and release records as late as
1977. Saraceno, in addition to his work with the Marketts and the
Ventures, would also produce Bobby Vee, the Sunshine Company, Martin
Denny, and many other acts.
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Biografía
Los Marketts son clasificados a veces como un grupo de surf debido a su
éxito instrumental "Out of Limits", uno de los últimos grandes singles
de surf, que hizo el número tres a principios de 1964. En realidad, eran
una especie de grupo instrumental contemporáneo polivalente con
elementos de surf, rock, pop e incluso de fácil escucha. Y no eran
realmente un grupo, sino una colección fluida de músicos de estudio de
Los Ángeles, trabajando bajo la dirección del productor Joe Saraceno.
Saraceno fue el hombre principal detrás del concepto de los Mercados,
aunque él mismo no tocó ni arregló nada en sus discos, ni siquiera
escribió todo el material. Fue lo suficientemente agudo como para
aferrarse a la moda del surf en 1962 para uno de los primeros éxitos
instrumentales de surf, "Surfer's Stomp", que se convirtió en el Top 40
de Liberty en 1962. Mientras trabajaba en Liberty, también produjo los
Ventures por un tiempo, y la influencia de las líneas de guitarra
limpiamente elegidas de los Ventures es muy evidente en "Out of Limits" y
en algunos otros temas de Marketts. Con su mezcla de guitarras, bandas
sonoras y un órgano espeluznante, el sonido de los Marketts es mejor
descrito no como surf, sino como un pop instrumental influenciado por el
rock con un toque futurista (para los estándares de principios de los
60). Muchas de sus canciones parecían estar haciendo todo lo posible
para evocar los viajes espaciales y las películas de ciencia ficción, a
veces con la ayuda de lo que suena como un theremin. Se podría decir que
han llenado el vacío entre la música surf y el pop de la era espacial,
lo que no es una crítica; su música no es terriblemente sustancial, pero
es divertida, y tiene un ritmo bastante bueno.
Después de "Out of Limits", los Marketts entraron en el Top 20 una vez
más con el "Batman Theme" a principios de 1966, y publicaron discos
hasta 1977. Saraceno, además de su trabajo con los Marketts y los
Ventures, también produciría Bobby Vee, la Sunshine Company, Martin
Denny, y muchos otros actos.
Plus Two Bonus Tracks! This is an ancient Blue Note rarity recorded at Rudy Van Gelder’s legendary studio in 1956 with legendary bass man Paul Chambers doing the deep notes. First press originals in adequate condition go for about 500 Euros. So what does this sextet featuring trumpeters Donald Byrd and Lee Morgan with tenor saxophone hero Hank Mobley as bandleader and piano madcap Horace Silver backing the rhythm section with his extraordinary chord progressions have to offer? The album is widely labeled as “hard bop” and it shows a great development from the mid to late 1940s bebop scene where John Coltrane, Charlie Parker and other now mystical protagonists brought the swinging dance music of the even older big bands to a new level of sophistication and still maintained an earthy and highly spirited atmosphere. Same goes for the hard bop and post bop scene of the later half of the 1950s from which finally modal jazz and free jazz emerged within the wink of an eye. All four lengthy compositions on this album are still one step behind the next level and show a playfully jamming band executing comprehensible harmony lines backed by tricky yet enthralling grooves that in the end move straight forward despite the rhythm section playing mostly around the pulse. The duels of both trumpets and the tenor sax heat up one’s soul as they are aligned with the racy rhythm patterns. The melodies themselves are quite cheerful and cool. When Paul Chambers takes the bow in one passage of the fourth tune “Mobleymania” and scratches some cool lines backed up with an everflowing drum pulse nobody may sit still. All six musicians here are fairly well connected with each other in terms of playing tightly to what the next improvises. Especially Mobley burns with every note he plays and if you bushwhack through to the core that carries the steaming dialogues between trumpets and saxophone you will find some maniacs building rhythmical patterns par excellence. This album certainly demands many spins before you will be aware of every beautiful detail. Indeed a classic of 1950s jazz aside from the greasy mainstream sound. Let's go wild with Hank Mobley, Donald Byrd and Lee Morgan. Bandcamp
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¡Más dos bonus tracks! Esta es una antigua rareza de Blue Note grabada en el legendario estudio de Rudy Van Gelder en 1956 con el legendario bajista Paul Chambers haciendo las notas profundas. Los originales de primera edición en condiciones adecuadas se venden por unos 500 euros. ¿Qué ofrece este sexteto con los trompetistas Donald Byrd y Lee Morgan, el héroe del saxo tenor Hank Mobley como líder de la banda y el loco del piano Horace Silver respaldando la sección rítmica con sus extraordinarias progresiones de acordes? El álbum es ampliamente etiquetado como "hard bop" y muestra un gran desarrollo de la escena bebop de mediados a finales de los años 40, donde John Coltrane, Charlie Parker y otros protagonistas ahora místicos llevaron la música de baile oscilante de las aún más antiguas big bands a un nuevo nivel de sofisticación y todavía mantuvieron una atmósfera terrenal y muy animada. Lo mismo ocurre con la escena hard bop y post bop de la última mitad de los años 50, de la que finalmente surgieron el jazz modal y el free jazz en un abrir y cerrar de ojos. Las cuatro largas composiciones de este álbum siguen estando un paso por detrás del siguiente nivel y muestran a una banda que improvisa juguetonamente ejecutando líneas armónicas comprensibles respaldadas por grooves complicados pero cautivadores que al final avanzan directamente a pesar de que la sección rítmica juega sobre todo alrededor del pulso. Los duelos de las trompetas y el saxo tenor calientan el alma cuando se alinean con los patrones rítmicos. Las propias melodías son bastante alegres y frescas. Cuando Paul Chambers toma la palabra en un pasaje de la cuarta melodía, "Mobleymania", y rasca algunas líneas geniales respaldadas por un pulso de batería siempre fluido, nadie puede quedarse quieto. Los seis músicos aquí están bastante bien conectados entre sí en lo que respecta a tocar con fuerza lo que el siguiente improvisa. Especialmente Mobley arde con cada nota que toca y si te adentras en el núcleo que lleva los diálogos humeantes entre las trompetas y el saxofón encontrarás a unos maníacos construyendo patrones rítmicos por excelencia. Este álbum exige ciertamente muchas vueltas antes de que te des cuenta de cada bello detalle. De hecho, es un clásico del jazz de los años 50, al margen del grasiento sonido mainstream. Déjate llevar por Hank Mobley, Donald Byrd y Lee Morgan. Bandcamp
For his third album, Inventions and Dimensions, Herbie Hancock changed course dramatically. Instead of recording another multifaceted album like My Point of View, he explored a Latin-inflected variation of post-bop with a small quartet. Hancock is the main harmonic focus of the music -- his three colleagues are bassist Paul Chambers, drummer Willie Bobo, and percussionist Osvaldo "Chihuahua" Martinez, who plays conga and bongo. It is true that the music is rhythm-intensive, but that doesn't mean it's dance music. Hancock has created an improvisational atmosphere where the rhythms are fluid and the chords, harmonies, and melodies are unexpected. On every song but one, the melodies and chords were improvised, with Hancock's harmonic ideas arising from the rhythms during the recording. The result is risky, unpredictable music that is intensely cerebral and quite satisfying. Inventions and Dimensions displays his willingness to experiment and illustrates that his playing is reaching new, idiosyncratic heights. Listening to this, the subsequent developments of Miles Davis' invitation to join his quartet and the challenging Empyrean Isles come as no surprise.
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Para su tercer álbum, Inventions and Dimensions, Herbie Hancock cambió radicalmente de rumbo. En lugar de grabar otro álbum multifacético como My Point of View, exploró una variante de post-bop de influencia latina con un pequeño cuarteto. Hancock es el principal foco armónico de la música -- sus tres compañeros son el bajista Paul Chambers, el baterista Willie Bobo y el percusionista Osvaldo "Chihuahua" Martínez, que toca la conga y el bongó. Es cierto que la música es rítmica, pero eso no significa que sea música de baile. Hancock ha creado una atmósfera de improvisación en la que los ritmos son fluidos y los acordes, armonías y melodías son inesperados. En todas las canciones, excepto en una, las melodías y los acordes fueron improvisados, y las ideas armónicas de Hancock surgieron de los ritmos durante la grabación. El resultado es una música arriesgada e imprevisible, intensamente cerebral y bastante satisfactoria. Inventions and Dimensions muestra su voluntad de experimentar e ilustra que su forma de tocar está alcanzando nuevas cotas de idiosincrasia. Al escuchar esto, no es de extrañar el desarrollo posterior de la invitación de Miles Davis a unirse a su cuarteto y el desafiante Empyrean Isles.
Guitarist Johnny Smith's career spans the decades of the 1940's through
the 1990's. From the very beginning of his musical career he influenced
the playing of other guitarists. In fact, many mention Smith as a major
influence on their playing. The major guitar builders as Guild, Gibson,
Benedetto, and the Heritage all have their signature Johnny Smith high
end models as a tribute to this master.
John Henry Smith, Jr. was born in Birmingham, Alabama in 1922 and was
only five years old when he became fascinated with the guitar. His
father played five-string banjo but guitar was John's first and lasting
love. Initially he was frustrated by the lack of a guitar teacher or
instruction manuals: determined to master the instrument, he taught
himself to play. Many outstanding and individual jazz soloists have
fallen back on the empirical method for the same reason as Smith and
emerged with wholly distinctive sounds. In 1935 the Smith family moved
to Portland, Maine: Johnny was 13 and good enough to play in local
bands.
In 1942 he joined the USAAF (he was already a student pilot) and ended
up in a band which needed a cornet player rather than a guitarist. In
six months he had learned the cornet well enough to be given the
position of first cornetist. After his discharge from the Air Force in
1946 he went back to Portland to play both guitar and trumpet on local
radio as well as playing in clubs at night, but the pay was never very
good. He went to New York to work as an arranger at NBC and in 1947 he
became a member of the NBC orchestra. For eight years he worked with the
orchestra as guitarist, trumpeter, arranger and composer.
Although he had been greatly influenced by Django Reinhardt and Charlie
Christian at the outset (he learned Django's solos from record and
actually met the Gypsy guitarist when he came to the United States in
1946) Johnny did not consider himself to be a jazz musician.
Nevertheless, he made his first record as leader in March 1952, in the
company of Stan Getz, Eddie Safranski, Sanford Gold and Don Lamond. One
title from that date, “Moonlight in Vermont,” was a turning point in
Smith's career despite its short duration. “Vermont” was made for the
Royal Roost label (frequently abbreviated to Roost Records) and the
company signed Smith to a long-term contract during which time he
produced around 20 albums. Roost was later absorbed by Roulette which
reissued several of Johnny's LPs. Most of the albums featured solo
guitar or a trio; two backed Smith with strings playing arrangements the
guitarist wrote himself. There was a great appeal to Smith's graceful,
melodic treatment of superior tunes. Not only the record-buying public
but hundreds of guitarists found the music entrancing. The dexterous
fingering, the perfection of manner in which he ran chords and
arpeggios, all contributed to the acclaim for Johnny's work.
During his tenure at Roost Records, he produced a long list of
significant recordings that include the great quartet recordings: “The
Johnny Smith Quartet,” and “The Sound of The Johnny Smith Guitar” among
others. Also, during this period he made the “Man With The Blue Guitar.”
This album, unusual for its time, has probably been transcribed more
than any other Johnny Smith recording. Then there was the production
“Annotations of The Muses,” on which Johnny Smith displays everything
that made him a great musician and an extraordinary guitar player.
Johnny Smith retired from the jazz scene in the 1960's to Colorado where
he opened a music store. He continued to play in local nightclubs and
made a recording with some local musicians “Reminiscing,” that showed he
had lost none of the signature Johnny Smith style or technique. His
last recorded work was the Concord Records CD “Legends,” in 1994.
The Johnny Smith Guitars:
In 1955, after discussions with the Guild Guitar Company, Smith designed
a guitar and sent the drawings and specifications to the company. The
Guild designers modified it (to Smith's dissatisfaction), and
manufactured the resulting guitar as the Guild Johnny Smith Award.
In 1961, Gibson, went to meet the retired Smith at his home in Colorado
Springs. Smith designed the guitar he wanted built. The design was
accepted by Gibson with a few minor cosmetic changes which were
acceptable to Smith. Gibson began production of the resulting Gibson
Johnny Smith model that year. Guild continued to produce their Johnny
Smith guitar under the model name Guild Artist Award.
When Gibson moved its manufacturing facilities from Kalamazoo, Michigan
to Nashville, Tennessee, several of their managers and artisans chose to
stay behind. Many of these ex-employees formed Heritage Guitars and
bought the old Kalamazoo factory from Gibson. Given a choice between
Gibson and Heritage building the guitar that bore his name, Smith chose
to stay with the old artisans at the old location under new ownership.
The Heritage Johnny Smith model was introduced in 1989. Like Guild
before them, Gibson continued to manufacture their version of the Johnny
Smith design with a new name: the Gibson LeGrand.
Fender Musical Instruments Corporation, of which Guild Guitars was a
subsidiary, asked Smith if he would be willing to return his endorsement
to the Guild Artist Award. Familiar with Schultz's management, and
knowing that the construction would be supervised by master luthier Bob
Benedetto, Smith agreed. The Guild Johnny Smith Award by Benedetto was
available through Guild dealers until early 2006 when Benedetto left
Fender.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/johnnysmith
///////
La carrera del guitarrista Johnny Smith abarca las décadas de 1940 a
1990. Desde el principio de su carrera musical influyó en la
interpretación de otros guitarristas. De hecho, muchos mencionan a Smith
como una gran influencia en su juego. Los principales constructores de
guitarras como Guild, Gibson, Benedetto y Heritage tienen sus modelos de
gama alta Johnny Smith como tributo a este maestro.
John Henry Smith, Jr. nació en Birmingham, Alabama en 1922 y tenía sólo
cinco años cuando se fascinó con la guitarra. Su padre tocaba el banjo
de cinco cuerdas, pero la guitarra fue el primer y duradero amor de
John. Al principio se sintió frustrado por la falta de un profesor de
guitarra o de manuales de instrucciones: decidido a dominar el
instrumento, aprendió a tocarlo él mismo. Muchos solistas de jazz
sobresalientes e individuales han recurrido al método empírico por la
misma razón que Smith y han surgido con sonidos totalmente distintivos.
En 1935 la familia Smith se mudó a Portland, Maine: Johnny tenía 13 años
y era lo suficientemente bueno para tocar en bandas locales.
En 1942 se unió a la USAAF (ya era un estudiante de pilotos) y terminó
en una banda que necesitaba un corneta en lugar de un guitarrista. En
seis meses había aprendido la corneta lo suficientemente bien como para
que le dieran la posición de primer cornetista. Después de ser dado de
baja de la Fuerza Aérea en 1946, regresó a Portland para tocar la
guitarra y la trompeta en la radio local, así como en clubes nocturnos,
pero la paga nunca fue muy buena. Se fue a Nueva York para trabajar como
arreglista en la NBC y en 1947 se convirtió en miembro de la orquesta
de la NBC. Durante ocho años trabajó con la orquesta como guitarrista,
trompetista, arreglista y compositor.
Aunque había sido muy influenciado por Django Reinhardt y Charlie
Christian al principio (aprendió los solos de Django a partir de un
disco y conoció al guitarrista gitano cuando vino a los Estados Unidos
en 1946), Johnny no se consideraba a sí mismo un músico de jazz. Sin
embargo, hizo su primer disco como líder en marzo de 1952, en compañía
de Stan Getz, Eddie Safranski, Sanford Gold y Don Lamond. Un título de
esa fecha, "Moonlight in Vermont", fue un punto de inflexión en la
carrera de Smith a pesar de su corta duración. "Vermont" se hizo para el
sello Royal Roost (frecuentemente abreviado como Roost Records) y la
compañía firmó un contrato a largo plazo con Smith durante el cual
produjo alrededor de 20 álbumes. Roost fue absorbido más tarde por
Roulette, que reeditó varios de los LPs de Johnny. La mayoría de los
álbumes contenían una guitarra solista o un trío; dos respaldan a Smith
con cuerdas que tocan arreglos que el guitarrista escribió él mismo.
Había una gran atracción por el tratamiento elegante y melódico que
Smith daba a las melodías superiores. No sólo el público comprador de
discos, sino también cientos de guitarristas encontraron la música
fascinante. La destreza de los dedos, la perfección de la forma en que
dirigía los acordes y los arpegios, contribuyeron a la aclamación de la
obra de Johnny.
Durante su mandato en Roost Records, produjo una larga lista de
grabaciones significativas que incluyen las grabaciones de los grandes
cuartetos: "The Johnny Smith Quartet" y "The Sound of The Johnny Smith
Guitar", entre otros. Además, durante este período hizo el "Hombre con
la Guitarra Azul". Este álbum, inusual para su época, probablemente ha
sido transcrito más que cualquier otra grabación de Johnny Smith. A
continuación, la producción "Annotations of The Muses" (Anotaciones de
las musas), en la que Johnny Smith muestra todo lo que lo convirtió en
un gran músico y un extraordinario guitarrista.
Johnny Smith se retiró de la escena del jazz en los años 60 a Colorado,
donde abrió una tienda de música. Continuó tocando en clubes nocturnos
locales e hizo una grabación con algunos músicos locales "Reminiscing",
que demostró que no había perdido nada del estilo o la técnica de Johnny
Smith. Su último trabajo discográfico fue el CD "Legends" de Concord
Records, en 1994.
Las guitarras Johnny Smith:
En 1955, después de discusiones con la Guild Guitar Company, Smith
diseñó una guitarra y envió los dibujos y especificaciones a la
compañía. Los diseñadores del Guild lo modificaron (para insatisfacción
de Smith), y fabricaron la guitarra resultante como el Premio Guild
Johnny Smith.
En 1961, Gibson fue a ver al jubilado Smith a su casa en Colorado
Springs. Smith diseñó la guitarra que quería construir. El diseño fue
aceptado por Gibson con algunos cambios cosméticos menores que fueron
aceptables para Smith. Gibson comenzó la producción del modelo Gibson
Johnny Smith resultante ese año. Guild continuó produciendo su guitarra
Johnny Smith bajo el nombre de Guild Artist Award.
Cuando Gibson trasladó sus instalaciones de fabricación de Kalamazoo,
Michigan, a Nashville, Tennessee, varios de sus gerentes y artesanos
decidieron quedarse atrás. Muchos de estos ex-empleados formaron
Heritage Guitars y compraron la antigua fábrica de Kalamazoo a Gibson.
Cuando tuvo que elegir entre Gibson y Heritage para construir la
guitarra que llevaba su nombre, Smith eligió quedarse con los antiguos
artesanos en la antigua ubicación bajo la nueva propiedad. El modelo
Heritage Johnny Smith fue introducido en 1989. Como Guild antes que
ellos, Gibson continuó fabricando su versión del diseño de Johnny Smith
con un nuevo nombre: el Gibson LeGrand.
Fender Musical Instruments Corporation, de la cual Guild Guitars era una
subsidiaria, le preguntó a Smith si estaría dispuesto a devolver su
apoyo al Premio Guild Artist. Familiarizado con la administración de
Schultz, y sabiendo que la construcción sería supervisada por el maestro
luthier Bob Benedetto, Smith estuvo de acuerdo. El premio Guild Johnny
Smith de Benedetto estuvo disponible a través de los distribuidores del
Guild hasta principios de 2006, cuando Benedetto dejó Fender.
Dozens of cherished recordings were made during the legendary “golden
age” of Ethiopian music, an era stretching from the early 1960’s through
the mid-1970’s. Less-discussed are the songs made in the aftermath of
the 1974 revolution that toppled Emperor Hailu Selassie I. The acclaimed
and highly sought-after LP by Hailu Mergia and the Walias, Tche Belew,
an album of instrumentals released in 1977, is perhaps the most seminal
of these recordings. The story of the Walias band is a critical chapter
in Ethiopian popular music, taking place during a period of music
industry flux and political complexity in the country.
Hailu Mergia, a keyboardist and arranger diligently working the
nightclub scene in Addis Ababa, formed the Walias in the early 1970’s
with a core group of musical colleagues assembled from the remnants of
prior working bands attached to the Zula and Venus clubs. One of the
first “private” bands, the Walias got a steady gig at the prestigious
Hilton Addis Ababa and remained independent from the
government-supported bands of the time as well as from the clubs who
employed bands.
While the oppressive and often brutal, Socialism-inspired Derg
government (1974-1987) had a firm grip on Ethiopians following the
revolution, Walias organized their own contracts and eschewed government
patronage. Unlike the celebrated bands of the run-up to Selassie’s
removal—the Police Orchestra, Imperial Bodyguard Band, National Theater
Band, Ethiopian Army Band, Hager Fikir Theater Band, City Hall Theatre
Folkloric Group and so on—the Wailas developed fame on their own terms
and maintained control of their instruments and performances. They
played the blues-, funk- and soul-informed tunes Mergia was writing and
arranging, while cutting 45rpm recordings released by Kaifa Records with
popular vocalists, including Getachew Kassa and Alemayehu Borobor.
After several singles, Mergia decided to do something different: record a
full-length album. The band—which at the time featured Moges Habte
(saxophone and flute), Mahmmud Aman (guitar), Yohannes Tekola (trumpet),
Melake Gabrie (bass guitar), Girma Beyene (piano), Temare Haregu
(drums), Abebe Kassa (alto saxophone) and special guest Mulatu Astatke
(vibes)—entered Radio Voice of the Gospel studios to record their first
long-player. The director of the station knew Mergia personally and
connected the band with a sound engineer there. (Incidentally, the
Lutheran-owned station was taken over shortly thereafter by the Derg
government and used for propaganda purposes.)
Influenced in large part by Jimmy Smith, Mergia and the Walias merged
the popular international sounds available in Ethiopia at the time with
the traditional tunes that formed the foundation of most musicians’
repertoires. But for this LP, instead of playing the role of backing
band, Mergia wanted four of his bandmates to contribute arrangements, so
that the album would capture a spectrum of sounds with the instruments
and groove positioned out front.
Recording in one large room, the band spent two days laying down the
songs, completing several of them in single takes. It was the most
professional technical set-up they had used thus far, with modern studio
facilities and quality instruments (Mergia was using Farfisa and Godwin
organs at the time). Being that this record was predominantly
instrumental—extremely rare among Ethiopian LPs—it’s notable that Tche
Belew features a backing chorus. Interjecting brief phrases on a few
songs, the trio of accomplished vocalists Aster Aweke, Getachew Kassa,
and Tegest Abate are the only voices heard on the recording. In the
aftermath of the LP’s release, the public’s response was strong and the
LP and cassettes sold better than expected.
While the band never travelled outside Addis Ababa, they performed at
top hotels and played the presidential palace twice. The Walias’
relationship with the Derg regime was complex though, evidenced by the
removal of one song from the record by government censors because it
included mention of the previous government. The regime’s broad policy
of violence and censorship—including a period called the Red Terror that
featured genocide-level disappearances of students, activists and
villagers and the indiscriminate imprisonment of journalists—ultimately
resulted in half the band staying in the United States following their
first tour outside Ethiopia in the early 1980s. Today the musicians
remain scattered between Addis Ababa and Washington D.C.
Decades later, Hailu Mergia was surprised to see the album fetching more
than $4,000 at online auctions. The Walias had recorded the most famous
and wide-reaching of all Ethiopian tunes from that era, “Musicawi
Silt,” which was composed by the band's pianist Girma Beyene.
///////
Decenas de grabaciones queridas se hicieron durante la legendaria "edad
de oro" de la música etíope, una época que se extiende desde principios
de los años sesenta hasta mediados de los años setenta. Menos discutidas
son las canciones hechas después de la revolución de 1974 que derrocó
al emperador Hailu Selassie I. El aclamado y codiciado LP de Hailu
Mergia y Walias, Tche Belew, un álbum de instrumentales estrenadas en
1977, es quizás el la más seminal de estas grabaciones. La historia de
la banda de Walias es un capítulo crítico en la música popular de
Etiopía, que tiene lugar durante un período de flujo de la industria de
la música y la complejidad política en el país.Hailu Mergia, tecladista y
arreglista que trabaja diligentemente en la escena de clubes nocturnos
en Addis Ababa, formó el Walias a principios de la década de 1970 con un
grupo central de colegas musicales reunidos de los restos de bandas
anteriores vinculadas a los clubes Zula y Venus. Una de las primeras
bandas "privadas", Walias consiguió un concierto estable en el
prestigioso Hilton Addis Ababa y permaneció independiente de las bandas
de la época apoyadas por el gobierno, así como de los clubes que
empleaban bandas.Mientras que el opresivo ya menudo brutal, el gobierno
Derg inspirado por el socialismo (1974-1987) tuvo un firme control sobre
los etíopes después de la revolución, Walias organizó sus propios
contratos y evitó el mecenazgo del gobierno. A diferencia de las
célebres bandas del período previo a la destitución de Selassie: la
Orquesta de la policía, la Banda de guardaespaldas imperial, la Banda
del teatro nacional, la Banda del ejército etíope, la Banda de teatro
Hager Fikir, el Grupo folclórico del teatro del ayuntamiento y demás,
los Wailas desarrollaron la fama por su cuenta términos y control
mantenido de sus instrumentos y actuaciones. Jugaron las melodías
informadas por el blues, el funk y el soul que Mergia estaba escribiendo
y arreglando, mientras cortaban grabaciones de 45rpm lanzadas por Kaifa
Records con vocalistas populares, incluyendo Getachew Kassa y Alemayehu
Borobor.Después de varios singles, Mergia decidió hacer algo diferente:
grabar un álbum de larga duración. La banda, que en ese momento
presentaba Moges Habte (saxofón y flauta), Mahmmud Aman (guitarra),
Yohannes Tekola (trompeta), Melake Gabrie (bajo), Girma Beyene (piano),
Temare Haregu (batería), Abebe Kassa ( saxofón alto) y invitado especial
Mulatu Astatke (vibes) -entraron los estudios Radio Voice of the Gospel
para grabar su primer jugador de larga duración. El director de la
estación conocía personalmente a Mergia y conectó a la banda con un
ingeniero de sonido. (Por cierto, la estación de propiedad luterana fue
tomada poco después por el gobierno de Derg y utilizada con fines de
propaganda).Influenciado en gran parte por Jimmy Smith, Mergia y Walias
fusionaron los populares sonidos internacionales disponibles en Etiopía
en ese momento con las melodías tradicionales que formaron la base de la
mayoría de los repertorios de músicos. Pero para este LP, en lugar de
interpretar el papel de la banda de acompañamiento, Mergia quería que
cuatro de sus compañeros de banda contribuyeran con los arreglos, de
modo que el álbum capturara un espectro de sonidos con los instrumentos y
la ranura colocados al frente.Grabando en una sala grande, la banda
pasó dos días colocando las canciones, completando varias de ellas en
tomas individuales. Era la configuración técnica más profesional que
habían utilizado hasta ahora, con modernas instalaciones de estudio e
instrumentos de calidad (Mergia estaba utilizando los órganos de Farfisa
y Godwin en ese momento). Siendo que este disco era predominantemente
instrumental, extremadamente raro entre los LPs etíopes, es notable que
Tche Belew presenta un coro de respaldo. Intercalando frases breves en
algunas canciones, el trío de vocalistas consumados Aster Aweke,
Getachew Kassa y Tegest Abate son las únicas voces escuchadas en la
grabación. A raíz de la publicación del LP, la respuesta del público fue
fuerte y el LP y los casetes se vendieron mejor de lo esperado.Si bien
la banda nunca viajó fuera de Addis Abeba, actuaron en los mejores
hoteles y tocaron dos veces en el palacio presidencial. Sin embargo, la
relación de Walias con el régimen de Derg fue compleja, evidenciada por
la eliminación de una canción del registro por parte de los censores del
gobierno porque incluía la mención del gobierno anterior. La amplia
política de violencia y censura del régimen -incluido un período llamado
Red Terror que presentó desapariciones a nivel genocida de estudiantes,
activistas y aldeanos y el encarcelamiento indiscriminado de
periodistas- finalmente resultó en que la mitad de la banda se quedara
en los Estados Unidos después de su primera gira. fuera de Etiopía a
principios de los años ochenta. Hoy los músicos permanecen dispersos
entre Addis Ababa y Washington D.C.Décadas más tarde, Hailu Mergia se
sorprendió al ver el álbum obteniendo más de $ 4,000 en subastas en
línea. The Walias había grabado el más famoso y de gran alcance de todas
las melodías etíopes de esa época, "Musicawi Silt", que fue compuesto
por el pianista de la banda, Girma Beyene.
Although she's now in her senior citizen years, listen to Julie London's
stunning 1955 debut, and you'll still think she's one of the hottest
creatures on two legs. "The girl with the come hither voice" is how the
original liner notes described it, and London's sultry vocals simply
oozed it. With the first track--which became her first single--London's
legend was etched in stone. "Cry Me a River" became one of the greatest
torch songs of all-time, and while it's been reinterpreted over the last
40 years by everyone from Streisand to Joe Cocker, the song forever
belongs to London. The other standards here--from the likes of Irving
Berlin, Kern & Hammerstein, and the Gershwins--are nothing to slouch
at, and one listen to her version of "I'm in the Mood for Love," and
you just may be, too. She's semi-famous for being the ex-Mrs. Jack
(Dragnet) Webb and, later, Mrs. Bobby ("Route 66") Troup--but genuinely
forever famous for this LP. Female lounge singers have been trying to
sound just like her ever since. -- Bill Holdship
///////
Aunque ya está en la tercera edad, escuche el impresionante debut de Julie London en 1955 y seguirá pensando que es una de las criaturas más atractivas sobre dos piernas. Las notas originales la describen como "la chica con la voz que se acerca", y la sensual voz de London simplemente lo rezuma. Con el primer tema, que se convirtió en su primer single, la leyenda de London quedó grabada en piedra. "Cry Me a River" se convirtió en una de las mejores canciones de antorcha de todos los tiempos, y aunque ha sido reinterpretada en los últimos 40 años por todo el mundo, desde Streisand hasta Joe Cocker, la canción pertenece para siempre a London. El resto de los estándares de Irving Berlin, Kern & Hammerstein y los Gershwins no tienen nada que envidiarle, y si escuchas su versión de "I'm in the Mood for Love", puede que tú también lo hagas. Es semi-famosa por ser la ex-Sra. Jack (Dragnet) Webb y, más tarde, la Sra. Bobby ("Route 66") Troup - pero genuinamente famosa para siempre por este LP. Las cantantes de salón han intentado sonar como ella desde entonces. -- Bill Holdship
Review by Matt Collar Cyrus Chestnut's 2016 effort, the superb Natural Essence, benefitted greatly from his pairing with the duo of bassist Buster Williams and drummer Lenny White. Thankfully, the pianist has followed up with another engaging set featuring the same veteran luminaries. An adept virtuoso talent, Chestnut soars alongside Williams and White on 2017's There's a Sweet Sweet Spirit. Elder jazz statesmen, Williams and White have decades of experience under their hats with credits for such legends as Herbie Hancock, Freddie Hubbard, Art Blakey, Woody Shaw, and many others. Similarly, Chestnut has worked with such luminaries as Terence Blanchard, Betty Carter, Wynton Marsalis, and more. While all of his albums are worth checking out, there is something inspired and kinetic about his playing with Williams and White, as if they are all three pushing each other to discover new avenues of expression. Joining them this time on several tracks is yet another volcanic talent in vibraphonist Steve Nelson. Though he only appears on three cuts, his warm harmonic resonance contrasts beautifully with Chestnut's as they dig into an expansive late-'60s jazz sound on two of vibraphonist Bobby Hutcherson's best-known compositions, "Little B's Poem" and "The Littlest One of All." Away from Nelson, Chestnut displays his genre-bending skills on "Chopin Prelude," transfiguring the classical piece first with a cubist Thelonious Monk-style intro and later with a swinging Ellingtonian mid-section. Similarly compelling are the group's muscular and exotic take on Miles Davis' "Nardis" and a spritely reading of Williams' "Christina." Elsewhere, they deliver a languid and romantic take on the Stylistics' 1973 classic "You Make Me Feel Brand New," and dive headlong into the pianist's own Latin-infused "CDC." Ultimately, if there's one overriding sentiment that drives all of There's a Sweet Sweet Spirit, it's Chestnut and his band's spirit of soulful camaraderie. https://www.allmusic.com/album/theres-a-sweet-sweet-spirit-mw0003062378
Artist Biography by Matt Collar An adept jazz pianist, Cyrus Chestnut balances his lithe technical skill with a robust, soulful style that speaks to his deep gospel roots and love of swinging hard bop. Having grown up playing in the church, Chestnut learned early on how to infuse his swinging, classically trained style with a warm gospel sound. It was a style he perfected in the late '80s and early '90s as a sideman, backing legendary vocalists Jon Hendricks and Betty Carter, as well as with instrumentalists like Donald Harrison and Wynton Marsalis. As a leader of his own groups, he has collaborated with well-respected rhythm section players including Christian McBride, Carl Allen, Clarence Penn, Ron Carter, Lewis Nash, and others. Often working in a trio, as on 2016's Natural Essence with Buster Williams and Lenny White, or with guest artists as on 2001's Soul Food, he displays his virtuosic skill and mastery of the jazz tradition.
Born in Baltimore, Maryland in 1963, Chestnut first started playing piano at age three, and by age five was already performing at the Mount Calvary Baptist Church, which he attended with his parents. By age nine, he was studying classical piano in the prep program at the Peabody Institute. All the while, he continued to develop his gospel and jazz skills, and in 1981 enrolled at Boston's Berklee College of Music, where he earned his degree in jazz composition and arranging. While there, he earned the Eubie Blake Fellowship, the Quincy Jones Scholarship, and the Oscar Peterson Scholarship. After graduating, he found himself an in-demand sideman, working throughout the late '80s and early '90s with a string of well-known performers including Jon Hendricks, Wynton Marsalis, Terence Blanchard, Donald Harrison, and others. However, it was his early association with vocalist Betty Carter, with whom he toured and recorded, appearing on 1992's It's Not About the Melody, that had a lasting influence on the pianist. Purportedly, Carter encouraged Chestnut to push himself to be more individualistic by taking chances and trying to surprise her.
As a leader, Chestnut took his time to develop, and made his solo debut in 1992 with The Nutman Speaks and Nut. Recorded for Japan's Alfa Jazz label, the albums showcased the pianist's trio with bassist Christian McBride and drummer Carl Allen. A third trio effort with McBride and Allen, Another Direction, followed on Evidence in 1993. Chestnut then signed with Atlantic and issued 1994's Revelation with bassist Christopher J. Tomas and drummer Clarence Penn. Several more highly regarded Atlantic releases followed, including 1995's Earth Stories and 1998's Cyrus Chestnut, which featured guest spots from Joe Lovano, James Carter, and Anita Baker. Also during this period, he appeared on vocalist Madeleine Peyroux's Dreamland, and collaborated on projects with other artists including Tim Warfield, Kathleen Battle, James Carter, Dee Dee Bridgewater, Rodney Whitaker, and more. He also made his acting debut, performing as a character based on Count Basie in director Robert Altman's 1995 film Kansas City.
In 2000, Chestnut delivered his first holiday-themed album, Charlie Brown Christmas, which hit number three on the Billboard Jazz Albums chart. He then rounded out his Atlantic contract with 2001's all-original Soul Food, a exuberant set featuring appearances by Marcus Printup, James Carter, Gary Bartz, and others. He then moved to Warner Bros. for 2003's trio effort You Are My Sunshine, with bassist Michael Hawkins and drummer Neal Smith. He then expanded the same group to a quartet, adding guitarist Russell Malone on 2006's Genuine Chestnut. A year later, he applied his urbane jazz chops to the music of Elvis Presley on Cyrus Plays Elvis, followed by 2008's modal jazz-leaning Black Nile on Japan's M&I label. In 2013, he delivered the hard bop-infused Soul Brother Cool, which featured trumpeter Freddie Hendrix. He then showcased his trio on the 2014 concert album Midnight Melodies, recorded live at Smoke in New York City. Also in 2014, he joined Jimmy Greene on the saxophonist's poignant, Grammy-nominated album Beautiful Life.
Chestnut then moved to HighNote, debuting for the label with the 2015 trio effort A Million Colors in Your Mind, with bassist David Williams and drummer Victor Lewis. For his second HighNote effort, 2016's Natural Essence, the pianist was joined by the veteran rhythm section of bassist Buster Williams and drummer Lenny White. Williams and White were also on board for 2017's There's a Sweet Sweet Spirit, which also featured vibraphonist Steve Nelson. Also that year, he paired with Charnett Moffett on the bassist's Music from Our Soul. In 2018, Chestnut returned with Kaleidoscope, a classical-influenced trio album featuring bassist Eric Wheeler and drummer Chris Beck. Included on the album were jazz reworkings of compositions by Wolfgang Amadeus Mozart, Claude Debussy, Erik Satie, and more. https://www.allmusic.com/artist/cyrus-chestnut-mn0000148978/biography
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Reseña de Matt Collar El esfuerzo de Cyrus Chestnut en 2016, el magnífico Natural Essence, se benefició en gran medida de su emparejamiento con el dúo del bajista Buster Williams y el baterista Lenny White. Afortunadamente, el pianista ha seguido con otro conjunto atractivo con las mismas luminarias veteranas. Chestnut, un experto virtuoso, se eleva junto a Williams y White en There's a Sweet Sweet Spirit de 2017. Williams y White, dos veteranos del jazz, cuentan con décadas de experiencia y han trabajado con leyendas como Herbie Hancock, Freddie Hubbard, Art Blakey y Woody Shaw, entre otros. Del mismo modo, Chestnut ha trabajado con luminarias como Terence Blanchard, Betty Carter, Wynton Marsalis y otros. Aunque vale la pena ver todos sus álbumes, hay algo inspirado y cinético en su forma de tocar con Williams y White, como si los tres se empujaran mutuamente a descubrir nuevas vías de expresión. Esta vez se une a ellos en varios temas otro talento volcánico, el vibrafonista Steve Nelson. Aunque sólo aparece en tres cortes, su cálida resonancia armónica contrasta maravillosamente con la de Chestnut cuando se adentran en un expansivo sonido de jazz de finales de los 60 en dos de las composiciones más conocidas del vibrafonista Bobby Hutcherson, "Little B's Poem" y "The Littlest One of All". Lejos de Nelson, Chestnut despliega sus habilidades para mezclar géneros en "Chopin Prelude", transfigurando la pieza clásica primero con una introducción cubista al estilo de Thelonious Monk y más tarde con una sección media al estilo de Ellington. Igualmente convincente es la musculosa y exótica versión de "Nardis" de Miles Davis y la alegre lectura de "Christina" de Williams. Por otra parte, ofrecen una versión lánguida y romántica del clásico de 1973 de los Stylistics "You Make Me Feel Brand New", y se lanzan de cabeza a la "CDC", de inspiración latina, del propio pianista. En última instancia, si hay un sentimiento primordial que impulsa todo There's a Sweet Sweet Spirit, es el espíritu de camaradería conmovedora de Chestnut y su banda. https://www.allmusic.com/album/theres-a-sweet-sweet-spirit-mw0003062378
Biografía del artista por Matt Collar Cyrus Chestnut, un experto pianista de jazz, equilibra su ágil destreza técnica con un estilo robusto y conmovedor que habla de sus profundas raíces evangélicas y su amor por el hard bop. Al haber crecido tocando en la iglesia, Chestnut aprendió muy pronto a infundir su estilo de swing, de formación clásica, con un cálido sonido gospel. Fue un estilo que perfeccionó a finales de los 80 y principios de los 90 como músico de acompañamiento, respaldando a los legendarios vocalistas Jon Hendricks y Betty Carter, así como a instrumentistas como Donald Harrison y Wynton Marsalis. Como líder de sus propios grupos, ha colaborado con respetados músicos de la sección rítmica, como Christian McBride, Carl Allen, Clarence Penn, Ron Carter y Lewis Nash, entre otros. A menudo trabajando en trío, como en Natural Essence de 2016 con Buster Williams y Lenny White, o con artistas invitados como en Soul Food de 2001, muestra su habilidad virtuosa y su dominio de la tradición del jazz.
Nacido en Baltimore (Maryland) en 1963, Chestnut empezó a tocar el piano a los tres años y a los cinco ya actuaba en la iglesia baptista Mount Calvary, a la que acudía con sus padres. A los nueve años, ya estudiaba piano clásico en el programa de preparación del Instituto Peabody. Al mismo tiempo, siguió desarrollando sus habilidades para el gospel y el jazz, y en 1981 se matriculó en el Berklee College of Music de Boston, donde obtuvo su título en composición y arreglos de jazz. Allí obtuvo la beca Eubie Blake, la beca Quincy Jones y la beca Oscar Peterson. Después de graduarse, se convirtió en un músico de acompañamiento muy solicitado, trabajando a finales de los años 80 y principios de los 90 con una serie de intérpretes muy conocidos, como Jon Hendricks, Wynton Marsalis, Terence Blanchard y Donald Harrison, entre otros. Sin embargo, fue su temprana asociación con la vocalista Betty Carter, con la que hizo giras y grabó, apareciendo en It's Not About the Melody de 1992, lo que tuvo una influencia duradera en el pianista. Al parecer, Carter animó a Chestnut a ser más individualista, arriesgándose y tratando de sorprenderla.
Como líder, Chestnut se tomó su tiempo para desarrollarse, y debutó en solitario en 1992 con The Nutman Speaks y Nut. Grabados para el sello japonés Alfa Jazz, los álbumes mostraron el trío del pianista con el bajista Christian McBride y el baterista Carl Allen. Un tercer trío con McBride y Allen, Another Direction, siguió en Evidence en 1993. Chestnut firmó entonces con Atlantic y publicó en 1994 Revelation con el bajista Christopher J. Tomas y el batería Clarence Penn. Siguieron varios lanzamientos de Atlantic de gran prestigio, como Earth Stories, de 1995, y Cyrus Chestnut, de 1998, que contó con la participación de Joe Lovano, James Carter y Anita Baker. También durante este período, apareció en Dreamland de la vocalista Madeleine Peyroux, y colaboró en proyectos con otros artistas como Tim Warfield, Kathleen Battle, James Carter, Dee Dee Bridgewater, Rodney Whitaker y otros. También debutó como actor, interpretando un personaje basado en Count Basie en la película Kansas City, del director Robert Altman, en 1995.
En el año 2000, Chestnut presentó su primer álbum de temática navideña, Charlie Brown Christmas, que alcanzó el número tres en la lista Billboard Jazz Albums. A continuación, completó su contrato con Atlantic con Soul Food, un álbum original de 2001, que cuenta con la participación de Marcus Printup, James Carter y Gary Bartz, entre otros. A continuación, se trasladó a Warner Bros. para el trío de 2003 You Are My Sunshine, con el bajista Michael Hawkins y el baterista Neal Smith. Luego amplió el mismo grupo a un cuarteto, añadiendo al guitarrista Russell Malone en Genuine Chestnut de 2006. Un año más tarde, aplicó sus habilidades de jazz urbano a la música de Elvis Presley en Cyrus Plays Elvis, seguido por Black Nile, de 2008, con tendencia al jazz modal, en el sello japonés M&I. En 2013, presentó el álbum Soul Brother Cool, con un toque de hard bop, en el que participó el trompetista Freddie Hendrix. A continuación, presentó a su trío en el álbum de conciertos de 2014 Midnight Melodies, grabado en directo en Smoke, en Nueva York. También en 2014, se unió a Jimmy Greene en el conmovedor álbum del saxofonista, nominado al Grammy, Beautiful Life.
Chestnut se trasladó entonces a HighNote, debutando para el sello con el esfuerzo de trío de 2015 A Million Colors in Your Mind, con el bajista David Williams y el baterista Victor Lewis. Para su segundo trabajo en HighNote, Natural Essence de 2016, el pianista se unió a la veterana sección rítmica del bajista Buster Williams y el baterista Lenny White. Williams y White también estuvieron a bordo para There's a Sweet Sweet Spirit de 2017, que también contó con el vibrafonista Steve Nelson. También ese año, se emparejó con Charnett Moffett en Music from Our Soul, del bajista. En 2018, Chestnut regresó con Kaleidoscope, un álbum de trío de influencia clásica con el bajista Eric Wheeler y el baterista Chris Beck. En el álbum se incluyeron reelaboraciones de jazz de composiciones de Wolfgang Amadeus Mozart, Claude Debussy, Erik Satie y más. https://www.allmusic.com/artist/cyrus-chestnut-mn0000148978/biography
