VA • Take the A Train - New York Jazz

 

 

Quincy Jones, Cannonball Adderley, Anita O'Day, Ella Fitzgerald, Chet Baker, Hank Mobley, Sonny Rollins, Oliver Nelson, Dexter Gordon, Jimmy McGriff, Thelonious Monk, Benny Green, Dizzy Gillespie...

 

 

Elek Bacsik • I Love You

Elek Bacsik (22 May 1926 – 14 February 1993) was a Hungarian-born American jazz violinist and guitarist.

Bacsik was born in Budapest, the son of Arpad Bacsik and Erzsebet Pocsi. He was of Romani ethnicity and studied violin at the Budapest Conservatory, but found his primary musical inspiration in bebop pioneers Dizzy Gillespie and Charlie Parker. He was also the cousin of Django Reinhardt. In his early years he travelled as a musician to Lebanon, Spain, Portugal and Italy. He worked in Paris in the early 1960s and recorded with some well known French musicians such as Jeanne Moreau, Serge Gainsbourg and Claude Nougaro as well as making solo albums. In 1966, he went to work and live in the United States and played at Las Vegas. Bacsik recorded on guitar on Gillespie's Dizzy on the French Riviera (1962) and later appeared on violin with Gillespie at the Newport Jazz Festival in 1974. His bebop violin playing is featured on his two albums as a leader, I Love You (1974) and Bird and Dizzy: A Musical Tribute (1975).

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 Elek Bacsik (22 de mayo de 1926 - 14 de febrero de 1993) fue un violinista y guitarrista de jazz americano nacido en Hungría.

Bacsik nació en Budapest, hijo de Arpad Bacsik y Erzsebet Pocsi. De etnia romaní, estudió violín en el Conservatorio de Budapest, pero encontró su principal inspiración musical en los pioneros del bebop Dizzy Gillespie y Charlie Parker. También era primo de Django Reinhardt. En sus primeros años viajó como músico al Líbano, España, Portugal e Italia. Trabajó en París a principios de la década de 1960 y grabó con algunos músicos franceses muy conocidos como Jeanne Moreau, Serge Gainsbourg y Claude Nougaro, además de hacer álbumes en solitario. En 1966, se fue a trabajar y a vivir a los Estados Unidos y tocó en Las Vegas. Bacsik grabó con la guitarra en Dizzy on the French Riviera de Gillespie (1962) y más tarde apareció en el violín con Gillespie en el Festival de Jazz de Newport en 1974. Su violín bebop aparece en sus dos álbumes como líder, I Love You (1974) y Bird and Dizzy: A Musical Tribute (1975).

Jimmy Smith • Hobo Flats

 

 

Review
by Steve Leggett
Playing piano-style single-note lines on his Hammond B-3 organ, Jimmy Smith revolutionized the use of the instrument in a jazz combo setting in the mid-'50s and early '60s with his recordings for Blue Note Records. After he moved to Verve Records, though, he began working in more big-band settings, experimenting a bit, although he was always the same Jimmy Smith whose rapid runs on the B-3 careened, stuttered, glided, and flashed all over the place at a frequently breathless pace. This set, recorded in 1963 in New York City, finds him working with arranger and conductor Oliver Nelson in a combined orchestral and big-band setting and what strikes first, aside from the movie soundtrack feel of Nelson's arrangements, is how varied the source material is, ranging from a huge make-over of Gus Cannon's old jug band tune "Walk Right In" to the Latin lilt of Antonio Carlos Jobim's "Meditation," the funky hard bop of Horace Silver's "The Preacher," and the relatively restrained country prettiness of Don Gibson's "I Can't Stop Loving You." Smith bubbles and bounces through all of it at the B-3 while Nelson proceeds to fill every available corner with huge, sweeping orchestral washes and crescendos. The clear highlight, though, is the lead and title track, "Hobo Flats," which moves at a languid but wonderfully funky pace and establishes a groove as wide as the Mississippi River. Smith arguably was at his best in small combos, and at times he gets overwhelmed here by the big cinematic arrangements, but there's plenty to like with this set, even if it's a bit on the atypical side for Smith. It works well more than it doesn't.
https://www.allmusic.com/album/hobo-flats-mw0000803156

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Reseña
por Steve Leggett
Tocando líneas de una sola nota al estilo del piano en su órgano Hammond B-3, Jimmy Smith revolucionó el uso del instrumento en un combo de jazz a mediados de los 50 y principios de los 60 con sus grabaciones para Blue Note Records. Sin embargo, después de su traslado a Verve Records, comenzó a trabajar en entornos de big-band, experimentando un poco, aunque siempre fue el mismo Jimmy Smith cuyas rápidas ejecuciones en el B-3 se movían, tartamudeaban, se deslizaban y parpadeaban por todo el lugar a un ritmo a menudo sin aliento. Este conjunto, grabado en 1963 en la ciudad de Nueva York, lo encuentra trabajando con el arreglista y director de orquesta Oliver Nelson en un entorno combinado de orquesta y big band, y lo que primero llama la atención, aparte de la sensación de banda sonora de película de los arreglos de Nelson, es lo variado que es el material de origen, que van desde una enorme transformación de la vieja canción de Gus Cannon "Walk Right In" hasta el ritmo latino de "Meditation" de Antonio Carlos Jobim, el funky hard bop de "The Preacher" de Horace Silver, y la relativamente contenida belleza country de "I Can't Stop Loving You" de Don Gibson. "Smith burbujea y rebota a través de todo ello en el B-3 mientras Nelson procede a llenar cada rincón disponible con enormes y arrolladores lavados y crescendos orquestales. El punto culminante, sin embargo, es la pista principal y el título, "Hobo Flats", que se mueve a un ritmo lánguido pero maravillosamente funky y establece un ritmo tan amplio como el río Mississippi. Smith estaba en su mejor momento en combos pequeños, y a veces se ve abrumado aquí por los grandes arreglos cinematográficos, pero hay mucho que gustar con este conjunto, incluso si es un poco en el lado atípico para Smith. Funciona bien más de lo que no funciona.
https://www.allmusic.com/album/hobo-flats-mw0000803156

    

Oliver Nelson-Nobuo Hara & His Sharps & Flats • 3-2-1-0

 

 

 

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

Sonny Rollins • Original Music From The Score ''Alfie''

  

Review by Rovi Staff
Tenor saxophonist Sonny Rollins loaned his flair for the dramatic to the score for the film Alfie, accompanying the story of what the liner notes describe as "the involuntary education of a hipster." Arranged by Oliver Nelson, the soundtrack follows the character's evolution from the carefree, rakish Lothario of "Alfie's Theme" to the contemplative, somewhat broken man reflected in "Alfie's Theme Differently." Rollins attempts to capture the textures of life through his incisive and energetic playing, his coherent improvisations, and variations on musical themes. While "Alfie's Theme" and its variants make the most lasting impression, "He's Younger Than You Are" is touching, laced with regret. And the sensual, relaxed "On Impulse" has a nice sense of immediacy.
https://www.allmusic.com/album/alfie-1966-original-music-from-the-score-mw0000142392

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Reseña de la plantilla de Rovi
El saxofonista tenor Sonny Rollins prestó su talento dramático a la partitura de la película Alfie, acompañando la historia de lo que las notas de presentación describen como "la educación involuntaria de un hipster". Arreglada por Oliver Nelson, la banda sonora sigue la evolución del personaje desde el despreocupado y desenfadado Lothario de "Alfie's Theme" hasta el hombre contemplativo y algo roto que se refleja en "Alfie's Theme Differently". Rollins intenta capturar las texturas de la vida a través de su incisiva y enérgica forma de tocar, sus coherentes improvisaciones y sus variaciones sobre temas musicales. Mientras que "Alfie's Theme" y sus variantes causan la impresión más duradera, "He's Younger Than You Are" es conmovedora y está llena de arrepentimiento. Y la sensual y relajada "On Impulse" tiene una agradable sensación de inmediatez.
https://www.allmusic.com/album/alfie-1966-original-music-from-the-score-mw0000142392


sonnyrollins.com ...

VA • Jazz Classics

 

Mal Waldron, Jimmy Heath, Charlie Parker, Lee Konitz, Jimmy Raney, Kenny Drew, Bobby Jaspar, Gerry Mulligan, Clark Terry, Oliver Nelson, Chet Baker, Dizzy Gillespie, Don Byas, Hampton Hawes …

VA • 70 Sax Classic Jazz - CD#3

 

Oliver Nelson • The Blues And The Abstract Truth

 

Review by Michael G. Nastos

As Oliver Nelson is known primarily as a big band leader and arranger, he is lesser known as a saxophonist and organizer of small ensembles. Blues and the Abstract Truth is his triumph as a musician for the aspects of not only defining the sound of an era with his all-time classic "Stolen Moments," but on this recording, assembling one of the most potent modern jazz sextets ever. Lead trumpeter Freddie Hubbard is at his peak of performance, while alto saxophonists Nelson and Eric Dolphy (Nelson doubling on tenor) team to form an unlikely union that was simmered to perfection. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), and Roy Haynes (drums) can do no wrong as a rhythm section. "Stolen Moments" really needs no comments, as its undisputable beauty shines through in a three-part horn harmony fronting Hubbard's lead melody. It's a thing of beauty that is more timeless as the years pass. The "Blues" aspect is best heard on "Yearnin'," a stylish, swinging, and swaying downhearted piece that is a bluesy as Evans would ever be. Both "Blues" and "Abstract Truth" combine for the darker "Teenie's Blues," a feature for Nelson and Dolphy's alto saxes, Dolphy assertive in stepping forth with his distinctive, angular, dramatic, fractured, brittle voice that marks him a maverick. Then there's "Hoedown," which has always been the black sheep of this collection with its country flavor and stereo separated upper and lower horn in snappy call-and-response barking. As surging and searing hard boppers respectively, "Cascades" and "Butch & Butch" again remind you of the era of the early '60s when this music was king, and why Hubbard was so revered as a young master of the idiom. A must buy for all jazz fans, and a Top Ten or Top Fifty favorite for many.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biography by Scott Yanow

The Blues and the Abstract Truth

Oliver Nelson was a distinctive soloist on alto, tenor, and even soprano, but his writing eventually overshadowed his playing skills. He became a professional early on in 1947, playing with the Jeter-Pillars Orchestra and with St. Louis big bands headed by George Hudson and Nat Towles. In 1951, he arranged and played second alto for Louis Jordan's big band, and followed with a period in the Navy and four years at a university. After moving to New York, Nelson worked briefly with Erskine Hawkins, Wild Bill Davis, and Louie Bellson (the latter on the West Coast). In addition to playing with Quincy Jones' orchestra (1960-1961), between 1959-1961 Nelson recorded six small-group albums and a big band date; those gave him a lot of recognition and respect in the jazz world. Blues and the Abstract Truth (from 1961) is considered a classic and helped to popularize a song that Nelson had included on a slightly earlier Eddie "Lockjaw" Davis session, "Stolen Moments." He also fearlessly matched wits effectively with the explosive Eric Dolphy on a pair of quintet sessions. But good as his playing was, Nelson was in greater demand as an arranger, writing for big band dates of Jimmy Smith, Wes Montgomery, and Billy Taylor, among others. By 1967, when he moved to Los Angeles, Nelson was working hard in the studios, writing for television and movies. He occasionally appeared with a big band, wrote a few ambitious works, and recorded jazz on an infrequent basis, but Oliver Nelson was largely lost to jazz a few years before his unexpected death at age 43 from a heart attack.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

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Reseña de Michael G. Nastos

Como Oliver Nelson es conocido principalmente como líder de grandes bandas y arreglista, es menos conocido como saxofonista y organizador de pequeños conjuntos. Blues and the Abstract Truth es su triunfo como músico por los aspectos de definir el sonido de una época no sólo con su clásico de todos los tiempos "Stolen Moments", sino en esta grabación, reuniendo a uno de los sextetos de jazz moderno más potentes de la historia. El trompetista principal Freddie Hubbard está en su mejor momento, mientras que los saxofonistas de alto nivel Nelson y Eric Dolphy (Nelson doblando al tenor) forman un equipo para formar una unión improbable que se cocinó a fuego lento a la perfección. Bill Evans (piano), Paul Chambers (bajo) y Roy Haynes (batería) no pueden hacer nada malo como sección rítmica. "Stolen Moments" realmente no necesita comentarios, ya que su indiscutible belleza brilla en una armonía de tres partes de la trompa que encabeza la melodía principal de Hubbard. Es una cosa de belleza que es más atemporal con el paso de los años. El aspecto "Blues" se oye mejor en "Yearnin'", una pieza de estilo, swinging y swaying downhearted que es un blues como lo sería Evans. Tanto "Blues" como "Abstract Truth" se combinan para el más oscuro "Teenie's Blues", un largometraje para los saxos contralto de Nelson y Dolphy, Dolphy asertivo al dar un paso al frente con su voz distintiva, angular, dramática, fracturada y quebradiza que le marca como un inconformista. Luego está "Hoedown", que siempre ha sido la oveja negra de esta colección con su sabor campestre y su cuerno superior e inferior separado estéreo en un ladrido rápido de llamada y respuesta. Cascades" y "Butch & Butch" le recuerdan una vez más la época de principios de los años 60, cuando esta música era el rey, y por qué Hubbard era tan venerado como un joven maestro del idioma. Una compra imprescindible para todos los fans del jazz, y un Top Ten o Top Fifty favorito para muchos.

https://www.allmusic.com/album/the-blues-and-the-abstract-truth-mw0000188605

Biografía de Scott Yanow

El blues y la verdad abstracta

Oliver Nelson fue un distinguido solista de contralto, tenor e incluso soprano, pero su escritura finalmente eclipsó sus habilidades como intérprete. Se hizo profesional a principios de 1947, tocando con la Jeter-Pillars Orchestra y con las grandes bandas de St. Louis encabezadas por George Hudson y Nat Towles. En 1951, arregló y tocó como segundo contralto para la big band de Louis Jordan, y le siguió un período en la Marina y cuatro años en la universidad. Después de mudarse a Nueva York, Nelson trabajó brevemente con Erskine Hawkins, Wild Bill Davis y Louie Bellson (este último en la costa oeste). Además de tocar con la orquesta de Quincy Jones (1960-1961), entre 1959-1961 Nelson grabó seis álbumes de grupos pequeños y una cita con una gran banda, lo que le dio mucho reconocimiento y respeto en el mundo del jazz. Blues and the Abstract Truth (desde 1961) es considerado un clásico y ayudó a popularizar una canción que Nelson había incluido en una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis un poco antes, "Stolen Moments". Además, en un par de sesiones de quinteto, el explosivo Eric Dolphy fue capaz de igualar su ingenio sin miedo. Pero por muy buena que fuera su interpretación, Nelson estaba en mayor demanda como arreglista, escribiendo para las fechas de las grandes bandas de Jimmy Smith, Wes Montgomery y Billy Taylor, entre otros. Para 1967, cuando se mudó a Los Ángeles, Nelson estaba trabajando duro en los estudios, escribiendo para la televisión y el cine. Ocasionalmente apareció con una gran banda, escribió algunas obras ambiciosas y grabó jazz con poca frecuencia, pero Oliver Nelson se perdió en el jazz unos años antes de su inesperada muerte a la edad de 43 años por un ataque cardíaco.

https://www.allmusic.com/artist/oliver-nelson-mn0000398615/biography

Oliver Nelson • More Blues And The Abstract Truth

 

Review
by Scott Yanow
Unlike the original classic Blues and the Abstract Truth set from three years earlier, Oliver Nelson does not play on this album. He did contribute three of the eight originals and all of the arrangements but his decision not to play is disappointing. However there are some strong moments from such all-stars as trumpeter Thad Jones, altoist Phil Woods, baritonist Pepper Adams, pianist Roger Kellaway and guest tenor Ben Webster (who is on two songs). The emphasis is on blues-based pieces and there are some strong moments even if the date falls short of its predecessor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

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Reseña
por Scott Yanow
A diferencia del clásico original Blues and the Abstract Truth de tres años antes, Oliver Nelson no toca en este álbum. Contribuyó con tres de los ocho originales y todos los arreglos, pero su decisión de no tocar es decepcionante. Sin embargo, hay algunos momentos fuertes de estrellas como el trompetista Thad Jones, el contralto Phil Woods, el barítono Pepper Adams, el pianista Roger Kellaway y el tenor invitado Ben Webster (que está en dos canciones). El énfasis se pone en las piezas basadas en el blues y hay algunos momentos fuertes, aunque la cita no esté a la altura de su predecesor.
https://www.allmusic.com/album/more-blues-and-the-abstract-truth-mw0000192673

Herbie Mann • My Kinda Groove

The Best Of Etta Jones • The Prestige Singles

 

Review by Richie Unterberger
While Etta Jones could not be placed into the very top tier of jazz singers, she was a good one. And as this compilation draws 18 tracks from the most commercially and artistically successful phase of her career, it might be the best place to start for hearing her work. Recorded between 1960 and 1963, these did all happen to be released on singles, as the title indicates, though it's sometimes forgotten that there were still jazz tracks being issued as singles in the 1960s. Of course, the most popular of those was "Don't Go to Strangers," which actually made the pop Top 40 in 1960. Jones was a warm and versatile singer with a bit more appeal to pop listeners than most, usually backed by good small combos on this mixture of ballads and up-tempo material, though Oliver Nelson arranged and conducted the strings on a most adventurous, eccentric "Unchained Melody." More satisfying than the ballads, though, are the sassier, faster, and slightly bluesier outings, like "You Came a Long Way From St. Louis," "In the Dark," the sultry "The Gal From Joe's," and (again with Nelson's strings) "Just Friends." The cha cha pass at "Nature Boy" is good, too, with Kenny Burrell handling one of the guitars. 
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-etta-jones-the-prestige-singles-mw0000220764

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Reseña de Richie Unterberger
Aunque Etta Jones no podía considerarse una de las mejores cantantes de jazz, era una buena intérprete. Y como esta recopilación reúne 18 temas de la etapa más exitosa de su carrera, tanto comercial como artísticamente, puede que sea el mejor punto de partida para conocer su trabajo. Grabadas entre 1960 y 1963, todas ellas se publicaron en singles, como indica el título, aunque a veces se olvida que en la década de 1960 todavía se publicaban temas de jazz en singles. Por supuesto, el más popular de ellos fue «Don't Go to Strangers», que llegó a entrar en el Top 40 pop en 1960. Jones era una cantante cálida y versátil, con un poco más de atractivo para los oyentes de pop que la mayoría, normalmente acompañada por buenos combos pequeños en esta mezcla de baladas y temas más animados, aunque Oliver Nelson arregló y dirigió las cuerdas en una versión muy atrevida y excéntrica de «Unchained Melody». Sin embargo, más satisfactorias que las baladas son las canciones más atrevidas, rápidas y ligeramente más blueseras, como «You Came a Long Way From St. Louis», «In the Dark», la sensual «The Gal From Joe's» y (de nuevo con las cuerdas de Nelson) «Just Friends». El cha cha cha de «Nature Boy» también es bueno, con Kenny Burrell a la guitarra. 
https://www.allmusic.com/album/the-best-of-etta-jones-the-prestige-singles-mw0000220764

VA • Impulse! 6 Great Jazz Collection

 

 
John Coltrane Quartet: Ballads 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison & Reggie Workman (bass), Elvin Jones (drums)

Sonny Rollins: On Impulse! 
Sonny Rollins (tenor sax), Ray Bryant (piano), Walter Booker (bass), Mickey Roker (drums)

Roy Haynes Quartet: Out of the afternoon 
Roy Haynes (drums), Roland Kirk (tenor sax, flute), Tommy Flanagan (piano), Henry Grimes (bass)

Oliver Nelson: The Blues and the Abstract Truth 
Oliver Nelson (alto sax & tenor sax), Eric Dolphy (alto sax & flute), Freddie Hubbard (trumpet), George Barrow (baritone sax), Bill Evans (piano), Paul Chambers (bass), Roy Haynes (drums)

Count Basie: Count Basie and the Kansas City 7 
Count Basie (piano, organ), Thad Jones (trumpet), Frank Wess (flute), Frank Foster (tenor sax, flute), Eric Dixon (tenor sax, flute), Freddie Green (guitar), Ed Jones (bass), Sonny Payne (drums)

John Coltrane and Johnny Hartman: John Coltrane and Johnny Hartman 
John Coltrane (tenor sax), McCoy Tyner (piano), Jimmy Garrison (bass), Elvin Jones (drums), Johnny Hartman (vocals)

 

VA • Jazz Classics

 

Shirley Scott Trio • Great Scott!!

Born in Philadelphia, Pennsylvania, Scott studied trumpet and piano in school. As a performer in the 1950s, she played the Hammond B-3 organ. Her recordings with Eddie "Lockjaw" Davis included the hit "In the Kitchen". Influenced by gospel and blues, she played soul jazz in the 1960s with Stanley Turrentine, who became her husband during the same decade; the couple divorced in 1971.

Although organ trios declined in popularity during the 1970s, they resurged in the 1980s and she recorded again. In the 1990s, she recorded as pianist in a trio and performed at venues in Philadelphia. She was also a jazz educator.

Scott won an $8 million settlement in 2000 against American Home Products, the manufacturers of the diet drug fen-phen. She died of heart failure in 2002.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Shirley Scott among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.

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Nacida en Filadelfia, Pensilvania, Scott estudió trompeta y piano en la escuela. Como intérprete en la década de 1950, tocó el órgano de Hammond B-3. Sus grabaciones con Eddie "Lockjaw" Davis incluyeron el éxito "In the Kitchen". Influenciada por el gospel y el blues, tocó soul jazz en los años 60 con Stanley Turrentine, quien se convirtió en su marido durante la misma década; la pareja se divorció en 1971.

Aunque la popularidad de los tríos de órgano disminuyó durante la década de 1970, resurgieron en la década de 1980 y ella grabó de nuevo. En los años 90, grabó como pianista en un trío y actuó en lugares de Filadelfia. También fue educadora de jazz.

Scott ganó un acuerdo de $8 millones en el año 2000 contra American Home Products, los fabricantes del medicamento dietético fen-phen. Murió de insuficiencia cardíaca en 2002.

El 25 de junio de 2019, la revista The New York Times Magazine incluyó a Shirley Scott entre los cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal de 2008.

Lem Winchester Sextet featuring Oliver Nelson • Lem's Beat

Review by Scott Yanow

Lem Winchester, an ill-fated vibraphonist who was influenced musically by Milt Jackson, teams up with tenor saxophonist Oliver Nelson, altoist Curtis Peagler and a fine rhythm section for a good straight-ahead date that has been reissued on CD. Nelson emerges as the most distinctive solo voice, and since he contributed three of the six songs, the tenorman's musical personality dominates this set. Winchester shows much potential that, due to his untimely death in early 1961, was never fulfilled. Good bop-based music.

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Revisión por Scott Yanow

Lem Winchester, un vibrafonista maleducado que fue influenciado musicalmente por Milt Jackson, se une al saxofonista Oliver Nelson, al granista Curtis Peagler y a una sección de buen ritmo para una buena fecha directa que se ha reeditado en CD. Nelson emerge como la voz solista más distintiva, y ya que contribuyó con tres de las seis canciones, la personalidad musical del tenorman domina este conjunto. Winchester muestra un gran potencial que, debido a su prematura muerte a principios de 1961, nunca se cumplió. Buena música basada en el bop.

Frank Wess • Southern Comfort

 

Mundell Lowe • Blues For A Stripper

Mundell Lowe, Eddie Costa, George Duvivier, Clark Terry, Joe Newman, Urbie Green, Al Cohn, Phil Woods, Oliver Nelson ...

Lem Winchester • Another Opus

 

Review by Scott Yanow

Vibraphonist Lem Winchester died on January 13, 1961, after an accident with a gun. Although he did not stick around long enough to carve out his own original voice (remaining influenced to a large degree by Milt Jackson), Winchester did record several worthy albums during his final couple of years. This set, which has been reissued on CD in the OJC series, was one of his last and best. Winchester -- in a quintet with flutist Frank Wess, pianist Hank Jones, bassist Eddie Jones, and drummer Gus Johnson -- is in swinging and creative form on three of his originals, Oliver Nelson's "The Meetin'," and the standard "Like Someone in Love." A bonus cut from October 14, 1960, finds Winchester playing "Lid Flippin'" with a quintet that features organist Johnny "Hammond" Smith. Overall this album is one of Lem Winchester's definitive sets.

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Revisión por Scott Yanow

El vibrafonista Lem Winchester murió el 13 de enero de 1961, después de un accidente con un arma. Aunque no se quedó el tiempo suficiente para grabar su propia voz original (que se mantuvo influenciado en gran medida por Milt Jackson), Winchester grabó varios álbumes dignos durante sus últimos dos años. Este conjunto, que ha sido reeditado en CD en la serie OJC, fue uno de sus últimos y mejores. Winchester, en un quinteto con el flautista Frank Wess, el pianista Hank Jones, el bajista Eddie Jones y el baterista Gus Johnson, se encuentra en tres de sus originales, "The Meetin '" de Oliver y el estándar "Like". Alguien en el amor ". Una reducción adicional del 14 de octubre de 1960, encuentra a Winchester tocando "Lid Flippin '" con un quinteto que presenta al organista Johnny "Hammond" Smith. En general, este album es uno de los conjuntos definitivos de Lem Winchester.

 

Wes Montgomery • Goin' Out of My Head

Artist Biography

Born in Indianapolis, Indiana, United States (where he also died of a heart attack in 1968), Montgomery came from a musical family, in which his brothers, Monk (string bass and electric bass) and Buddy (vibraphone, and piano), were jazz performers. Although Wes was not skilled at reading music, he could learn complex melodies and riffs by ear. Montgomery started learning guitar in his late teens, listening to and learning recordings of his idol, the guitarist Charlie Christian.

Along with the use of octaves (playing the same note on two strings one octave apart) for which he is widely known, Montgomery was also an excellent “single-line” or “single-note” player, and was very influential in the use of block chords in his solos. His playing on the jazz standard “Lover Man” is an example of his single-note, octave and block chord soloing. (”Lover Man” appears on the Fantasy album THE MONTGOMERY BROTHERS.)

Instead of using a guitar pick, Montgomery plucked the strings with the fleshy part of his thumb, using downstrokes for single notes and a combination of upstrokes and downstrokes for chords and octaves. This technique enabled him to get a mellow, expressive tone from his guitar. George Benson, in the liner notes of the Ultimate Wes Montgomery album, wrote that “Wes had a corn on his thumb, which gave his sound that point. He would get one sound for the soft parts, and then that point by using the corn. That's why no one will ever match Wes. And his thumb was double- jointed. He could bend it all the way back to touch his wrist, which he would do to shock people.”

He generally played a Gibson L-5CES guitar. In his later years he played one of two guitars that Gibson custom made for him. In his early years, Montgomery had a tube amp, often a Fender. In his later years he played a Standel.

Montgomery toured with vibraphonist Lionel Hampton's orchestra from July 1948 to January 1950, and can be heard on recordings from this period. Montgomery then returned to Indianapolis and did not record again until December 1957 (save for one session in 1955), when he took part in a session that included his brothers Monk and Buddy, as well as trumpeter Freddie Hubbard, who made his recording debut with Montgomery. Most of the recordings made by Montgomery and his brothers from 1957-1959 were released on the Pacific Jazz label.

From 1959 Montgomery was signed to the Riverside Records label, and remained there until late 1963, just before the company went bankrupt. The recordings made during this period are widely considered by fans and jazz historians to be Montgomery's best and most influential. Two sessions in January 1960 yielded The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, which was recorded as a quartet with pianist Tommy Flanagan, bassist Percy Heath and drummer Albert “Tootie” Heath. The album featured one of Montgomery's most well-known compositions, “Four on Six.”

Almost all of Montgomery's output on Riverside featured the guitarist in a small group setting, usually a quartet or quintet, playing a mixture of hard- swinging uptempo jazz numbers and quiet ballads. In 1964 Montgomery moved to Verve Records for two years. His stay at Verve yielded a number of albums where he was featured with an orchestra, and during this period Montgomery's music started to shift in to the territory of pop music. One notable exception is 1965's Smokin' at the Half Note, which showcased two memorable appearances at the famous New York City club with the Wynton Kelly Trio. Wes continued to play outstanding live jazz guitar, as evidenced by surviving audio and video recordings from his 1965 tour of Europe.

As a considered founder of the Smooth Jazz school the album “Bumpin'” (1965) represents a model from which many modern recording are derived. In it, a full orchestral type of scoring goes beyond the artist's own ability to riff creating a wholistic concept of music and of Jazz. Longer clips from all of the tracks tracks on “Bumpin'” and other Wes Montgomery albums are found on Verve Records website.

By the time Montgomery released his first album for A&M Records, he had seemingly totally abandoned the straightforward jazz of his earlier career for the more lucrative pop market. The three albums released during his A&M period (1967-68) feature orchestral renditions of famous pop songs (”Scarborough Fair,” “I Say a Little Prayer for You,” “Eleanor Rigby,” etc.) with Montgomery reciting the melody with his guitar. While these records were the most commercially successful of his career, they are now poorly regarded by some fans and critics.

Montgomery's home town of Indianapolis has named a park in his honor.

Many jazz and rock guitarists today list Montgomery among their influences including: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue and Joe Satriani.

By some accounts, Montgomery has been the most influential jazz guitarist of all time, whose style has transcended into other forms of music, including Rock 'n' Roll, Soul, and Rhythm and Blues.[citation needed] Many songwriters and composers have written musical tributes to him, including Stevie Wonder and Eric Johnson.

https://musicians.allaboutjazz.com/wesmontgomery

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Biografía del artista

Nacido en Indianápolis, Indiana, Estados Unidos (donde también murió de un ataque al corazón en 1968), Montgomery provenía de una familia de músicos, en la que sus hermanos, Monk (bajo de cuerda y bajo eléctrico) y Buddy (vibráfono y piano), eran intérpretes de jazz. Aunque Wes no era hábil en la lectura de música, podía aprender de oído melodías complejas y riffs. Montgomery comenzó a aprender guitarra en su adolescencia, escuchando y aprendiendo grabaciones de su ídolo, el guitarrista Charlie Christian.

Junto con el uso de octavas (tocando la misma nota en dos cuerdas separadas por una octava) por lo que es ampliamente conocido, Montgomery fue también un excelente intérprete de "una sola línea" o "una sola nota", y fue muy influyente en el uso de acordes de bloque en sus solos. Su interpretación en el estándar de jazz "Lover Man" es un ejemplo de sus solos de una sola nota, octava y acorde de bloque. ("Lover Man" aparece en el álbum de fantasía THE MONTGOMERY BROTHERS.)

En lugar de usar una púa de guitarra, Montgomery desplumó las cuerdas con la parte carnosa de su pulgar, usando las pulsaciones hacia abajo para notas simples y una combinación de pulsaciones hacia arriba y hacia abajo para acordes y octavas. Esta técnica le permitió obtener un tono suave y expresivo de su guitarra. George Benson, en las notas del disco Ultimate Wes Montgomery, escribió que "Wes tenía una mazorca en el pulgar, lo que le dio ese punto a su sonido. Obtenía un sonido para las partes blandas, y luego ese punto usando el maíz. Por eso nadie podrá igualar a Wes. Y su pulgar estaba doblemente articulado. Podía doblarlo todo para tocarse la muñeca, lo que hacía para sorprender a la gente".

Generalmente tocaba una guitarra Gibson L-5CES. En sus últimos años tocó una de las dos guitarras que Gibson fabricó para él. En sus primeros años, Montgomery tenía un amplificador a válvulas, a menudo un Fender. En sus últimos años tocó un Standel.

Montgomery realizó una gira con la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton desde julio de 1948 hasta enero de 1950, y se puede escuchar en grabaciones de este período. Montgomery regresó a Indianápolis y no volvió a grabar hasta diciembre de 1957 (salvo una sesión en 1955), cuando participó en una sesión que incluyó a sus hermanos Monk y Buddy, así como al trompetista Freddie Hubbard, quien hizo su debut discográfico con Montgomery. La mayoría de las grabaciones hechas por Montgomery y sus hermanos entre 1957 y 1959 fueron editadas por el sello Pacific Jazz.

A partir de 1959, Montgomery fue fichado por el sello Riverside Records y permaneció allí hasta finales de 1963, justo antes de que la empresa quebrara. Las grabaciones realizadas durante este período son ampliamente consideradas por los aficionados y los historiadores del jazz como las mejores y más influyentes de Montgomery. Dos sesiones en enero de 1960 dieron como resultado The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, que fue grabado como un cuarteto con el pianista Tommy Flanagan, el bajista Percy Heath y el baterista Albert "Tootie" Heath. El álbum contenía una de las composiciones más conocidas de Montgomery, "Four on Six".

Casi toda la producción de Montgomery en Riverside presentaba al guitarrista en un pequeño grupo, generalmente un cuarteto o quinteto, tocando una mezcla de números de jazz y baladas tranquilas. En 1964 Montgomery se mudó a Verve Records por dos años. Su estancia en Verve produjo varios álbumes donde fue presentado con una orquesta, y durante este período la música de Montgomery comenzó a cambiar hacia el territorio de la música pop. Una excepción notable es el Smokin' at the Half Note de 1965, que mostró dos apariciones memorables en el famoso club de la ciudad de Nueva York con el Wynton Kelly Trio. Wes continuó tocando la guitarra de jazz en vivo, como lo demuestran las grabaciones de audio y video de su gira por Europa en 1965.

Como considerado fundador de la escuela de Smooth Jazz, el álbum "Bumpin'" (1965) representa un modelo del que se derivan muchas grabaciones modernas. En ella, un tipo de partitura orquestal completa va más allá de la propia capacidad del artista para riffar, creando un concepto holístico de la música y del Jazz. Los clips más largos de todas las canciones de "Bumpin'" y otros álbumes de Wes Montgomery se encuentran en el sitio web de Verve Records.

Para cuando Montgomery lanzó su primer álbum para A&M Records, había abandonado totalmente el jazz directo de su carrera anterior por el mercado pop más lucrativo. Los tres álbumes publicados durante su periodo A&M (1967-68) incluyen interpretaciones orquestales de famosas canciones pop ("Scarborough Fair", "I Say a Little Prayer for You", "Eleanor Rigby", etc.) con Montgomery recitando la melodía con su guitarra. Aunque estos discos fueron los más exitosos comercialmente de su carrera, ahora son mal vistos por algunos aficionados y críticos.

La ciudad natal de Montgomery, Indianápolis, ha nombrado un parque en su honor.

Muchos guitarristas de jazz y rock hoy en día incluyen a Montgomery entre sus influencias, incluyendo: Carlos Santana, Jimi Hendrix, Pat Martino, Lee Ritenour, Pat Metheny, George Benson, Pete Smyser, Chris Standring, Eric Johnson, Yoshiaki Miyanoue y Joe Satriani.

Según algunos relatos, Montgomery ha sido el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos, cuyo estilo ha trascendido a otras formas de música, incluyendo el Rock'n' Roll, Soul, y Rhythm and Blues[se necesitan citas] Muchos compositores y compositores le han escrito tributos musicales, incluyendo a Stevie Wonder y Eric Johnson. 

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Eddie Lockjaw Davis Big Band • Trane Whistle

This CD reissue brings back an Eddie "Lockjaw" Davis session in which the distinctive tenor saxophonist is joined by a 13-piece big band arranged by Oliver Nelson. Most significant is the inclusion of the original version of "Stolen Moments" (here called "The Stolen Moment" and predating the more famous Oliver Nelson recording by several months). Eric Dolphy is in the backup group but is not heard from in a solo capacity. There are some spots for trumpeters Richard Williams, Clark Terry and Bobby Bryant along with Nelson on alto but this is primarily Davis' showcase. On a set comprised of four Oliver Nelson originals, the ballad "You Are Too Beautiful" and the leader's "Jaws," Lockjaw as usual shows plenty of emotion during his driving solos.

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Esta reedición de CD trae de regreso una sesión de Eddie "Lockjaw" Davis en la que el saxofonista tenor se une a una banda grande de 13 piezas organizada por Oliver Nelson. Lo más significativo es la inclusión de la versión original de "Stolen Moments" (aquí llamada "The Stolen Moment" y que precede a la grabación más famosa de Oliver Nelson por varios meses). Eric Dolphy está en el grupo de copia de seguridad, pero no se oye de él en forma individual. Hay algunos lugares para los trompetistas Richard Williams, Clark Terry y Bobby Bryant junto con Nelson en alto, pero esto es principalmente el escaparate de Davis. En un set compuesto por cuatro originales de Oliver Nelson, la balada "You Are Too Beautiful" y las "Jaws" del líder, Lockjaw, como siempre, muestra mucha emoción durante sus solos de conducción.