Sérgio Mendes & Bossa Rio • Você Ainda Não Ouviu Nada!

 

 

 https://sergiomendesmusic.com/

 

 

VA • Bossa Nova 100

Lamentablemente en este gran recopilatorio de Bossa Nova, el gran ausente es Vinícius de Moraes, supongo serán cuestiones de las discográficas. Pero bueno, la selección bien lo vale.

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Unfortunately, in this great Bossa Nova compilation, the great absentee is Vinícius de Moraes, I guess it's a matter of record companies. But well, the selection is well worth it.

 

 

 Stan Getz, Dizzy Gillespie, Astrud Gilberto, Stanley Turrentine, Sergio Mendes, Elis Regina, Toots Thielemans, Ike Quebec, Antonio Carlos Jobim, Wes Montgomery, Cal Tjader, Sarah Vaughan, Ella Fitzgerald, Hank Mobley, Quartette Tres Bien, Coleman Hawkins, Milt Jackson, Jimmy Smith, Lalo Schifrin, João Gilberto, Dave Pike, Grant Green, Kenny Burrell, Shirley Scott, Ramsey Lewis ...

The Hi-Fly Orchestra • Mambo Atomico

The great sound of 60`s Jazz, Latin and Samba. Returning once again to it´s grooviest roots!

Celebrating the sound and rythm of jazz from the sixties THFO keep on bringing the crowd to dancefl oor. This time they ve invited the charismatic vocalist Miriam Aida to join their musical party on 2 tracks. Other guests here to deliver and inspire are Norbert Küpper on percussions and Gabriel Lopez on cuica. Giving new life to the mambo, the hard bop and Jimi Hendrix 'Crosstown-traffi c' THFO shows us that groovylicious is the very core of their musical being. THFO is a sure shot for the dancefl oor but of course keeping it acoustic and pure! THFO was founded in 2005 by Jerker Kluge and Florian Riedl. The intention was to make acoustic music to dance to, without DJ´s, electronics or samples! The heavy and rough rhythms are played by drums, double-bass, congas and piano, supporting the wonderful horn-lines by sax and trombone. The high musicality of the 6 members of THFO and the original sound of their instruments assure the most authentic perfomance with absolute high-energy playing

The High-Fly Orchestra was founded in 2005 by Jerker Kluge and Florian Riedl. Though played by young musicians, who are influenced by all kinds of todays music, the intent was to create music that sounds as hip as the classic jazz records of the blue note era.

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El gran sonido de los 60's Jazz, Latin y Samba. Volviendo una vez más a it´s grooviest roots!

Celebrando el sonido y el ritmo del jazz de los años sesenta, THFO sigue llevando a la multitud a bailar. Esta vez han invitado a la carismática vocalista Miriam Aida a unirse a su fiesta musical en dos pistas. Otros invitados aquí para entregar e inspirar son Norbert Küpper en percusiones y Gabriel López en cuica. Dar nueva vida al mambo, al hard bop y a Jimi Hendrix 'Crosstown-traffi c' THFO nos muestra que el groovylicious es el núcleo mismo de su ser musical. THFO es un tiro seguro para el dancefl oor, pero por supuesto lo mantiene acústico y puro! THFO fue fundada en 2005 por Jerker Kluge y Florian Riedl. La intención era hacer música acústica para bailar, sin DJ´s, electrónica o samples! Los ritmos pesados y ásperos son interpretados por tambores, contrabajo, congas y piano, apoyando las maravillosas líneas de trompeta de saxo y trombón. La alta musicalidad de los 6 miembros de THFO y el sonido original de sus instrumentos aseguran la interpretación más auténtica con un sonido absolutamente enérgico.

La High-Fly Orchestra fue fundada en 2005 por Jerker Kluge y Florian Riedl. Aunque tocado por músicos jóvenes, que están influenciados por todo tipo de música de hoy, la intención era crear música que sonara tan moderna como los discos clásicos de jazz de la era de las notas azules.

Walter Wanderley • Rain Forest

 

Artist Biography by Alvaro Neder

Walter Wanderley was a talented and gifted organist with an acute ear for new harmonies. With 46 recorded solo albums in his entire career, both in Brazil and the U.S., he reached number 26 on the Billboard pop charts in September 1966, opening a large pathway of success only menaced by himself and his complex character. Ten years after his death from cancer, with a new fad coming, he was repackaged by the entertainment industry as a mere lounge player, carrying his record sales even further and sending the cost of his out-of-print albums to the stratosphere, but all at the cost of minimizing his significance. It is forgotten that the time lag worked against him and what today is lounge music was then innovative and revolutionary. With all those fans of samba-canção divas feeling personally insulted by those percussive rhythms reminiscent of a Brazilian black tradition that was not dear to the average Brazilian, it has to be stressed that the bossa nova movement, and Wanderley within it, had the role of affirming Brazilian identity in a broader cultural industry which was developed out of the folkloric redoubts. In fact, he also has an upbeat production full of that energy provided by his distinctive staccato stuttering style, immediately reminiscent of authentic Brazilian rhythmic and percussive impetus. He also improvised extended melodic solos without reheated licks, but that was obviously also left out of his most popular albums.

At five, he was already playing the piano. At 12, he attended the Licee of Arts for a year of theory classes, later studying harmony and arranging. Beginning his professional career while still in Recife, a most lively city with a vibrant cultural life, he worked every night either at the piano or at the organ. At 26, in 1958, he moved to São Paulo and immediately became an active player in nightclubs such as the Claridge, the Captain's Bar, and Oásis. Wanderley's first recording was in August 1959 for Odeon, with Carlos Lyra's "Lobo Bobo." Backing his wife, Brazilian singer Isaurinha Garcia (with whom he had a daughter, Monica), he recorded for the second time one month later. At that time, he was Garcia's accompanist and arranger. He would record another six LPs accompanying Garcia and another 19 solo albums in Brazil for several labels; he was left out of some of the credits because of his contract with Philips. Wanderley became known on the artistic scene for recording young artists, like Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, and others, until then with no expression out of the little nightclubs in which they performed on a nightly basis. But as the tunes and arrangements were fun to dance to, the albums sold very well. João Gilberto's João Gilberto (later reissued as O Mito in Brazil and as The Legendary João Gilberto in the U.S. in 1990 by World Pacific) from 1961 also had Walter in it. An impatient Wanderley then bent under Gilberto's oppressive, meticulous direction on March 10. That was the third album Gilberto was recording for Odeon and would be the last. Until then, Gilberto had Tom Jobim as pianist and Aluísio de Oliveira as producer. In spite of his frequent discussions with de Oliveira, the producer was the person who mediated Gilberto's hard relationship with Jobim. But de Oliveira had left Odeon the previous September, and Jobim didn't want to be scheduled for that recording. Gilberto, not knowing how to write music, insisted on expressing his musical vision of overall arrangements by singing, and that not only included the tones themselves, but the expression, timbre, and articulation. This drove Wanderley mad, especially with a certain sound effect of a boat's siren for "O Barquinho" ("Little Boat"), which was never good enough for Gilberto. The next day, Gilberto interrupted the recording of that album, only resuming it five months later with Jobim as musical director. Wanderley went on with his career and life, beginning an association with singer Claudette Soares in 1963, as an arranger and accompanist. His marriage was broken at this period. He also recorded for several renowned Brazilian singers in that time, among them Dóris Monteiro and Geraldo Vandré. It was when Tony Bennett saw Wanderley during a Brazilian tour and was taken by his playing. He urged Wanderley to move to the U.S. and, he himself talked about him to Verve Records producer Creed Taylor, also giving Taylor some of Wanderley's albums. After some insistence, Taylor sent contracts for Wanderley and his trio to record a single. So in 1966, they recorded brothers Marcos and Paulo Sérgio Valle's "Samba de Verão" ("Summer Samba"). It was an instant success, with radio stations playing it four or five times per hour. In that same year, the LP Rain Forest came out, also selling very well and was certified platinum (one million units sold) in two years. The trio accompanied Astrud Gilberto on her A Certain Smile, a Certain Sadness album, also in 1966. He would record six more solo LPs or singles for Verve until the next year, and ten more in his career in the U.S. He always sold well and had a full performing schedule, in which local presentations at the San Francisco area were interspersed with some tours to Mexico. He never did return to Brazil after moving to the U.S. and he went on with his life until death caught up with him.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

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 Biografía del artista por Alvaro Neder

Walter Wanderley era un organista talentoso y dotado con un oído agudo para las nuevas armonías. Con 46 discos en solitario grabados en toda su carrera, tanto en Brasil como en Estados Unidos, alcanzó el número 26 en las listas de éxitos de Billboard en septiembre de 1966, abriendo un gran camino de éxito sólo amenazado por él mismo y su complejo personaje. Diez años después de su muerte por cáncer, con una nueva moda que se avecinaba, fue reempaquetado por la industria del entretenimiento como un simple jugador de salón, llevando sus ventas de discos aún más lejos y enviando el costo de sus álbumes agotados a la estratosfera, pero todo a costa de minimizar su importancia. Se olvida que el desfase temporal le perjudicó y que lo que hoy en día es música de salón era entonces innovadora y revolucionaria. Con todos esos fanáticos de las divas de la samba-canção sintiéndose personalmente insultados por esos ritmos percusivos que recuerdan a una tradición negra brasileña que no era querida por el brasileño promedio, hay que subrayar que el movimiento bossa nova, y Wanderley dentro de él, tuvo el papel de afirmar la identidad brasileña en una industria cultural más amplia que se desarrolló a partir de los reductos folclóricos. De hecho, también tiene una producción optimista llena de esa energía que le proporciona su distintivo estilo de tartamudeo del staccato, que recuerda inmediatamente el auténtico impulso rítmico y percusivo brasileño. También improvisó solos melódicos extendidos sin lametones recalentados, pero eso obviamente también fue dejado fuera de sus álbumes más populares.

A los cinco años, ya tocaba el piano. A los 12 años, asistió a la Licenciatura de Artes durante un año de clases de teoría, para luego estudiar armonía y arreglos. Comenzó su carrera profesional en Recife, una ciudad muy animada con una vibrante vida cultural, donde trabajó todas las noches, ya sea en el piano o en el órgano. A los 26 años, en 1958, se trasladó a São Paulo e inmediatamente se convirtió en un jugador activo en clubes nocturnos como el Claridge, el Captain's Bar y Oásis. La primera grabación de Wanderley fue en agosto de 1959 para Odeon, con "Lobo Bobo" de Carlos Lyra. Apoyando a su esposa, la cantante brasileña Isaurinha García (con quien tuvo una hija, Mónica), grabó por segunda vez un mes después. En ese momento, era el acompañante y arreglista de García. Grabaría otros seis LPs acompañando a García y otros 19 álbumes en solitario en Brasil para varios sellos; fue excluido de algunos de los créditos debido a su contrato con Philips. Wanderley se dio a conocer en la escena artística por la grabación de jóvenes artistas, como Marcos Valle, Tom Jobim, João Donato, y otros, hasta entonces sin expresión alguna de los pequeños clubes nocturnos en los que actuaban todas las noches. Pero como las canciones y los arreglos eran divertidos para bailar, los álbumes se vendieron muy bien. João Gilberto de João Gilberto (más tarde reeditado como O Mito en Brasil y como The Legendary João Gilberto en los EE.UU. en 1990 por World Pacific) de 1961 también tenía a Walter en él. Un Wanderley impaciente se inclinó bajo la opresiva y meticulosa dirección de Gilberto el 10 de marzo. Ese fue el tercer álbum que Gilberto estaba grabando para Odeon y sería el último. Hasta entonces, Gilberto tenía a Tom Jobim como pianista y a Aluísio de Oliveira como productor. A pesar de sus frecuentes conversaciones con de Oliveira, el productor fue la persona que mediaba en la dura relación de Gilberto con Jobim. Pero de Oliveira había dejado Odeon el pasado septiembre, y Jobim no quería que se le programara para esa grabación. Gilberto, sin saber escribir música, insistió en expresar su visión musical de los arreglos globales a través del canto, y eso no sólo incluía los tonos en sí mismos, sino también la expresión, el timbre y la articulación. Esto volvió loco a Wanderley, especialmente con un cierto efecto sonoro de la sirena de un barco para "O Barquinho" ("El Barquito"), que nunca fue suficiente para Gilberto. Al día siguiente, Gilberto interrumpió la grabación de ese disco y sólo lo reanudó cinco meses después con Jobim como director musical. Wanderley continuó con su carrera y su vida, comenzando una asociación con la cantante Claudette Soares en 1963, como arreglista y acompañante. Su matrimonio se rompió en este período. También grabó para varios cantantes brasileños de renombre en esa época, entre ellos Dóris Monteiro y Geraldo Vandré. Fue cuando Tony Bennett vio a Wanderley durante una gira brasileña y se dejó llevar por su forma de tocar. Instó a Wanderley a mudarse a los Estados Unidos y él mismo habló de él con el productor de Verve Records, Creed Taylor, dándole también a Taylor algunos de los discos de Wanderley. Después de alguna insistencia, Taylor envió contratos para que Wanderley y su trío grabaran un sencillo. Así que en 1966, grabaron a los hermanos Marcos y Paulo Sérgio Valle "Samba de Verão" ("Samba de verano"). Fue un éxito instantáneo, con estaciones de radio que lo tocaban cuatro o cinco veces por hora. En ese mismo año, el LP Rain Forest salió a la venta, también se vendió muy bien y fue certificado platino (un millón de unidades vendidas) en dos años. El trío acompañó a Astrud Gilberto en su álbum A Certain Smile, a Certain Sadness, también en 1966. Grabaría seis LPs o singles más para Verve hasta el próximo año, y diez más en su carrera en los Estados Unidos. Siempre se vendió bien y tenía un programa completo de presentaciones, en el que las presentaciones locales en el área de San Francisco se intercalaban con algunas giras a México. Nunca regresó a Brasil después de mudarse a Estados Unidos y continuó con su vida hasta que la muerte lo atrapó.

https://www.allmusic.com/artist/walter-wanderley-mn0000230478/biography

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Toots & Sivuca ‎• Chiko's Bar

 

 

VA • Blue Bossa & Cool Jazz

Antonio Carlos Jobim, Ramsey Lewis, Dave Pike, Hank Mobley, Charlie Byrd, Herbie Mann, Sergio Mendes, Stan Getz, Ike Quebec, Walter Wanderley, Cal Tjader …

Baden Powell • Apresentando Baden Powell e Seu Violão

 

Baden Powell de Aquino (1937-2000) was born in Varre-e-Sai in the state of Rio de Janeiro, Brazil. His father, a scouting enthusiast, named him after Lord Robert Baden-Powell. When he was three, his family relocated to a suburb in the city of Rio de Janeiro. The new surroundings proved profoundly influential. His house was a stop for popular musicians during his formative years. He soon started guitar lessons with Jayme Florence (”Meira”), a famous choro guitarist, in the 1940s. He proved a young virtuoso, having won many talent competitions before he was a teenager. At age fifteen, he was already playing professionally, accompanying singers and bands in various styles. As a youngster, he was fascinated by swing and jazz, but his main influences were firmly rooted in the Brazilian guitar canon.

He first achieved notoriety in 1959 by convincing singer/composer Billy Blanco to put lyrics to one of his compositions. The result was “Samba Triste,” which has been covered by many artists, including Stan Getz and Charlie Byrd on their seminal LP Jazz Samba.

In 1962, he met the poet/diplomat Vincius de Moraes and began a collaboration that yielded some true classics of 1960s Brazilian music. Although bossa nova was the prevailing sound of the times, Baden and Vinicius wanted to transcend the then-fashionable sound by blending Afro-Brazilian sacred and secular music with Rio-style samba. The most enduring result are their “Afro-Sambas,” released on LP in 1966. During the 1960s, Baden studied advanced harmony with Moacir Santos, released recordings on the Brazilian labels Elenco and Forma, as well as in the French label Barclay and the German label MPS/Saba. His 1966 Tristeza on Guitar is considered by many to be a high point in his career. In addition, he was the house guitarist for Elenco, and Elis Regina's TV show “O Fino da Bossa”.

In 1968, he partnered with poet Paulo Cesar Pinheiro and produced another series of Afro-Brazilian inspired music released in 1970 as Os Cantores da Lapinha.

He visited and toured Europe frequently in the 1960s, relocating permanently to France in 1968. In the 1970s, he released many recordings with different labels in Europe and Brazil. His star dimmed somewhat owing to health problems and changing tastes. He spent the 1980s in semi-retirement in France and Germany. Finally, in the 1990s he and his family moved back to Brazil, where he continued to record and perform. Public recognition of his work came around that time in Brazil. By the end of the 1990s he converted to evangelical Christianity, to which he credits overcoming his long addictions to alcohol and tobacco. Nevertheless, his health had greatly deteriorated after many years of abuse, and he died of pneumonia on the 26th of September, 2000, in Rio de Janeiro.

He is the father of pianist Philippe Baden Powell de Aquino and guitarist Louis Marcel Powell de Aquino.

Playing style
At age 19, Baden Powell decided to stop playing the electric guitar, preferring to concentrate on the classical guitar for the rest of his career. He did record a series of albums with a borrowed steel-string acoustic, but that is as far as he strayed from his main instrument in his adulthood.

An analysis of his repertoire reveals a wide range of interests. It spanned all the idioms of Brazilian popular music of the 20th century: samba, bossa nova, Afro-Bahian ritual music, frevo, choro, folkloric music from northeastern Brazil; even European and Japanese lullabies. Like most musicians growing up in the 1940s and 1950s, he was deeply influenced by jazz, especially Bebop and Swing. He covered Thelonious Monk's “'Round Midnight” on two recordings, and Jerome Kern's “All the Things you Are” on three occasions (including his first solo album).

This upbringing is reflected in his playing style, which shows a fusion of jazz harmonies and classical guitar technique, with a very Brazilian right hand (i.e. the one carrying the rhythm on the guitar). On solo pieces, he could recall Tárrega or play Bach pieces with ease. When playing in a group, he was able to accompany singers with quiet mastery, or let loose and play street samba in sloppy “party” style as if the guitar was another percussion instrument. Like Monk, he was fond of the minor second interval as a way to “bend” the tonality. However, because of his jazz background, he would rarely physically bend the string, preferring instead to play the minor second using an adjacent open string. Students of his style should note this preference for chord voicings that feature extensions on the open strings as a way of punctuating passages. Other idioms to watch for are the endless variations in rhythm played by the right hand; always within the proper 2/4 samba meter, as well as his tendency to put his “signature” in a fast descending scale with a (slower) ascending arpeggio in the relative key. Another common device that he used in his recordings consisted of his use of vocalise and scat singing, often in unison with the melody line.

He stated that his influences included his first teacher “Meira” (Jayme Florence, 1909-1982), along with master guitarists Dilermando Reis (1916-1977), and Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). He also commented about being influenced by the work of Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) and Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell is featured as accompanist on a handful of big band and samba recordings from the 1950's. He recorded his first solo album in 1959, but it was not released until 1961. His first and second albums feature a selection of jazz standards along with Brazilian hits of the time, plus some original compositions. In 1962, Baden rose to international attention by recording with flatist Herbie Mann and drummer Jimmy Pratt. By 1963, he was flying solo and fronting small ensembles in Brazil and France. The French labels Barclay and Festival released many of his recordings. In Germany, MPS/Saba released his work with producer Joachim Berendt. In Brazil, he recorded for Elenco, Forma and the Brazilian subsidiary of Philips Records. After a relative drought of new releases in the 1980's, Baden Powell returned to recording studios in Brazil for his final years. These late recordings showcase him playing solo guitar and singing in a relaxed, intimate style, with occasional flurries of his former energetic playing thrown in for good measure.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

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Baden Powell de Aquino (1937-2000) nació en Varre-e-Sai, en el estado de Río de Janeiro, Brasil. Su padre, un entusiasta del escultismo, le puso el nombre de Lord Robert Baden-Powell. Cuando tenía tres años, su familia se trasladó a un suburbio de la ciudad de Río de Janeiro. El nuevo entorno resultó ser profundamente influyente. Su casa fue una parada para músicos populares durante sus años de formación. Pronto empezó a tomar clases de guitarra con Jayme Florence ("Meira"), un famoso guitarrista de choro, en la década de 1940. Demostró ser un joven virtuoso, habiendo ganado muchos concursos de talentos antes de llegar a la adolescencia. A los quince años, ya tocaba profesionalmente, acompañando a cantantes y bandas de diversos estilos. De joven, le fascinaban el swing y el jazz, pero sus principales influencias estaban firmemente arraigadas en el canon de la guitarra brasileña.

Alcanzó notoriedad por primera vez en 1959 al convencer al cantante y compositor Billy Blanco para que pusiera letra a una de sus composiciones. El resultado fue "Samba Triste", que ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos Stan Getz y Charlie Byrd en su fundamental LP Jazz Samba.

En 1962, conoció al poeta y diplomático Vincius de Moraes y comenzó una colaboración que dio lugar a algunos verdaderos clásicos de la música brasileña de los años sesenta. Aunque la bossa nova era el sonido predominante de la época, Baden y Vinicius querían trascender el sonido de moda de entonces mezclando la música sacra y secular afrobrasileña con la samba de estilo carioca. El resultado más duradero son sus "Afro-Sambas", publicadas en LP en 1966. Durante la década de 1960, Baden estudió armonía avanzada con Moacir Santos, y publicó grabaciones en los sellos brasileños Elenco y Forma, así como en el sello francés Barclay y el alemán MPS/Saba. Su disco "Tristeza en la guitarra", de 1966, es considerado por muchos como un punto álgido en su carrera. Además, fue el guitarrista de la casa de Elenco y del programa de televisión de Elis Regina "O Fino da Bossa".

En 1968, se asoció con el poeta Paulo Cesar Pinheiro y produjo otra serie de música de inspiración afrobrasileña, publicada en 1970 con el nombre de Os Cantores da Lapinha.

En la década de 1960 visitó y realizó frecuentes giras por Europa, y en 1968 se trasladó definitivamente a Francia. En la década de 1970, publicó muchas grabaciones con diferentes sellos en Europa y Brasil. Su estrella se debilitó un poco debido a problemas de salud y a la evolución de sus gustos. Pasó los años 80 semiretirado en Francia y Alemania. Finalmente, en la década de 1990 se trasladó con su familia a Brasil, donde siguió grabando y actuando. El reconocimiento público de su obra llegó en esa época en Brasil. A finales de los años 90 se convirtió al cristianismo evangélico, al que atribuye la superación de sus largas adicciones al alcohol y al tabaco. Sin embargo, su salud se había deteriorado mucho tras muchos años de abusos, y murió de neumonía el 26 de septiembre de 2000 en Río de Janeiro.

Es el padre del pianista Philippe Baden Powell de Aquino y del guitarrista Louis Marcel Powell de Aquino.

Estilo de interpretación
A los 19 años, Baden Powell decidió dejar de tocar la guitarra eléctrica, prefiriendo concentrarse en la guitarra clásica para el resto de su carrera. Grabó una serie de álbumes con una guitarra acústica de cuerdas de acero prestada, pero eso es lo máximo que se alejó de su instrumento principal en su edad adulta.

Un análisis de su repertorio revela una amplia gama de intereses. Abarcó todos los lenguajes de la música popular brasileña del siglo XX: samba, bossa nova, música ritual afrobahiana, frevo, choro, música folclórica del noreste de Brasil; incluso nanas europeas y japonesas. Como la mayoría de los músicos que crecieron en las décadas de 1940 y 1950, estuvo profundamente influenciado por el jazz, especialmente el Bebop y el Swing. Hizo una versión de "'Round Midnight" de Thelonious Monk en dos grabaciones, y de "All the Things you Are" de Jerome Kern en tres ocasiones (incluido su primer álbum en solitario).

Esta formación se refleja en su estilo de tocar, que muestra una fusión de armonías de jazz y técnica de guitarra clásica, con una mano derecha muy brasileña (es decir, la que lleva el ritmo en la guitarra). En los solos, podía recordar a Tárrega o tocar piezas de Bach con facilidad. Cuando tocaba en grupo, era capaz de acompañar a los cantantes con tranquila maestría, o de soltarse y tocar samba callejera en estilo de "fiesta" descuidada, como si la guitarra fuera otro instrumento de percusión. Al igual que Monk, le gustaba el intervalo de segunda menor como forma de "doblar" la tonalidad. Sin embargo, debido a su formación jazzística, rara vez doblaba físicamente la cuerda, prefiriendo en su lugar tocar la segunda menor utilizando una cuerda abierta adyacente. Los estudiantes de su estilo deben tener en cuenta esta preferencia por voicings de acordes que presentan extensiones en las cuerdas abiertas como una forma de puntuar los pasajes. Otros modismos a tener en cuenta son las interminables variaciones rítmicas de la mano derecha, siempre dentro del compás de samba de 2/4, así como su tendencia a poner su "firma" en una escala descendente rápida con un arpegio ascendente (más lento) en la tonalidad relativa. Otro recurso común que utilizaba en sus grabaciones consistía en el uso de vocalización y canto scat, a menudo al unísono con la línea melódica.

Declaró que entre sus influencias se encontraba su primer maestro "Meira" (Jayme Florence, 1909-1982), junto con los maestros de la guitarra Dilermando Reis (1916-1977), y Garoto (Anibal Augusto Sardinha, 1915-1955). También comentó que estaba influenciado por el trabajo de Les Paul (Lester William Polfus, 1915-), Django Reinhardt (1910-1953) y Jacques Loussier (1934-).

Baden Powell aparece como acompañante en un puñado de grabaciones de big band y samba de los años 50. Grabó su primer álbum en solitario en 1959, pero no se publicó hasta 1961. Su primer y segundo álbumes incluyen una selección de estándares de jazz junto con éxitos brasileños de la época, además de algunas composiciones originales. En 1962, Baden saltó a la fama internacional al grabar con el flautista Herbie Mann y el baterista Jimmy Pratt. En 1963, ya actuaba en solitario y dirigía pequeños conjuntos en Brasil y Francia. Los sellos franceses Barclay y Festival publicaron muchas de sus grabaciones. En Alemania, MPS/Saba publicó sus trabajos con el productor Joachim Berendt. En Brasil, grabó para Elenco, Forma y la filial brasileña de Philips Records. Tras una relativa sequía de nuevos lanzamientos en la década de 1980, Baden Powell volvió a los estudios de grabación de Brasil para sus últimos años. Estas últimas grabaciones lo muestran tocando la guitarra solista y cantando en un estilo relajado e íntimo, con ocasionales ráfagas de su antiguo toque enérgico.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/baden-powell

Joe Pass • But Beautiful

 Artist Biography:

Joe Pass did the near-impossible. He was able to play up-tempo versions of bop tunes such as "Cherokee" and "How High the Moon" unaccompanied on the guitar. Unlike Stanley Jordan, Pass used conventional (but superb) technique, and his Virtuoso series on Pablo still sounds remarkable decades later.

Joe Pass had a false start in his career. He played in a few swing bands (including Tony Pastor's) before graduating from high school, and was with Charlie Barnet for a time in 1947. But after serving in the military, Pass became a drug addict, serving time in prison and essentially wasting a decade. He emerged in 1962 with a record cut at Synanon, made a bit of a stir with his For Django set, recorded several other albums for Pacific Jazz and World Pacific, and performed with Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, and Benny Goodman (1973).

However, in general Pass maintained a low profile in Los Angeles until he was signed by Norman Granz to his Pablo label. 1973's Virtuoso made him a star and he recorded very prolifically for Pablo, unaccompanied, with small groups, on duo albums with Ella Fitzgerald, and with such masters as Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, and Dizzy Gillespie. Pass remained very active up until his death from cancer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

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Biografía del artista:

Joe Pass hizo lo casi imposible. Fue capaz de tocar versiones up-tempo de temas de bop como "Cherokee" y "How High the Moon" sin estar acompañado por la guitarra. A diferencia de Stanley Jordan, Pass utilizó una técnica convencional (pero magnífica), y su serie Virtuoso sobre Pablo sigue sonando notable décadas después.

Joe Pass tuvo una salida falsa en su carrera. Tocó en algunas bandas de swing (incluyendo la de Tony Pastor) antes de graduarse de la escuela secundaria, y estuvo con Charlie Barnet por un tiempo en 1947. Pero después de servir en el ejército, Pass se convirtió en un drogadicto, cumpliendo condena en prisión y perdiendo esencialmente una década. Emergió en 1962 con un corte discográfico en Synanon, causó sensación con su set For Django, grabó varios otros álbumes para Pacific Jazz y World Pacific, y actuó con Gerald Wilson, Les McCann, George Shearing, y Benny Goodman (1973).

Sin embargo, en general, Pass mantuvo un perfil bajo en Los Ángeles hasta que fue fichado por Norman Granz para su sello Pablo. El Virtuoso de 1973 lo convirtió en una estrella y grabó muy prolíficamente para Pablo, solo, con pequeños grupos, en álbumes a dúo con Ella Fitzgerald, y con maestros como Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Milt Jackson, y Dizzy Gillespie. Pass permaneció muy activo hasta su muerte por cáncer.

https://www.allmusic.com/artist/joe-pass-mn0000209773/biography

Astrud Gilberto • The Astrud Gilberto Album

 

Review by John Bush
Astrud Gilberto became an accidental success when her fragile command of English made her the de facto choice to sing "The Girl from Ipanema" at a session led by Stan Getz and her husband, João Gilberto. Of course, despite its overwhelming success, it wasn't clear that she could sustain a career when she recorded her first solo LP, The Astrud Gilberto Album. She had sounded more like an amateurish novelty act than a recording professional, her voice was sweet but fragile, and the Getz/Gilberto album had featured two strong voices, with Gilberto herself an afterthought (albeit a commercially effective afterthought). But The Astrud Gilberto Album was at least as good as Getz/Gilberto (despite what jazz fans say), for several reasons. The Brazilian repertoire plays particularly well to traditionally weak vocalists, her voice was yet more sweet than had been heard previously, and as before, the record featured two strong leaders -- arranger Marty Paich and the incomparable Antonio Carlos Jobim. Paich's strings positively coated the album with radiance, and his choices for lead instrumental voices -- Bud Shank's flute, João Donato's piano, Jobim's guitar -- complemented her vocals perfectly. Gilberto sounded beautiful on a range of material, from the sentimental "Dindi" to the playful "Agua de Beber," and as long as intelligent musicians were playing to her strengths (as they do here), the results were splendid.

 

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Reseña de John Bush
Astrud Gilberto se convirtió en un éxito accidental cuando su frágil dominio del inglés la convirtió en la elección de facto para cantar "The Girl from Ipanema" en una sesión dirigida por Stan Getz y su marido, João Gilberto. Por supuesto, a pesar de su abrumador éxito, no estaba claro que pudiera mantener una carrera cuando grabó su primer LP en solitario, The Astrud Gilberto Album. Había sonado más como un acto de novedad amateur que como una profesional de la grabación, su voz era dulce pero frágil, y el álbum Getz/Gilberto había presentado dos voces fuertes, con Gilberto en sí mismo una idea de último momento (aunque una idea de último momento comercialmente efectiva). Pero The Astrud Gilberto Album era al menos tan bueno como Getz/Gilberto (a pesar de lo que digan los aficionados al jazz), por varias razones. El repertorio brasileño se adapta especialmente bien a los vocalistas tradicionalmente débiles, su voz era aún más dulce de lo que se había escuchado anteriormente y, como antes, el disco contaba con dos fuertes líderes: el arreglista Marty Paich y el incomparable Antonio Carlos Jobim. Las cuerdas de Paich cubrieron positivamente el álbum con resplandor, y sus elecciones para las voces instrumentales principales -- la flauta de Bud Shank, el piano de João Donato, la guitarra de Jobim -- complementaron su voz perfectamente. Gilberto sonó muy bien en toda la gama de material, desde la sentimental "Dindi" hasta la juguetona "Agua de Beber", y siempre que los músicos inteligentes se adaptaran a sus puntos fuertes (como hacen aquí), los resultados fueron espléndidos.

Thievery Corporation • Saudade

 

There’s no English analog for the Portuguese word saudade, which translates roughly to a melancholic longing for someone or something from the past. The term so aptly fits Thievery Corporation’s oeuvre (always wistful and dreamy) that it’s a wonder this is the first time the D.C. duo have employed it as an album title. Looking to the sounds of Brazil–bossa nova, samba, tropicalia–for their seventh long-player, longtime musical partners Rob Garza and Eric Hilton deliver a set that evokes shimmering seascapes and poolside cocktails. It’s the kind of album James Bond would put on for a romantic evening in Rio.

Saudade‘s expressive acoustic guitars and placid string arrangements meld sweetly with delicate synths and gentle percussion, as a rotating cast of five female vocalists coo sensuous melodies. While many of these songs (“Quem Me Leva,” the title track) are bold adventurers into new sonic territory, others, such as “Depth of My Soul” and “Firelight,” are vintage Thievery Corporation with a Brazilian twist: deeply groovy and endlessly mesmerizing.

https://thieverycorporation.com/saudade/

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No existe un análogo en inglés para la palabra portuguesa saudade, que se traduce más o menos como un anhelo melancólico por alguien o algo del pasado. El término encaja tan bien en la obra de Thievery Corporation (siempre melancólico y soñador) que es una maravilla que esta sea la primera vez que el dúo de D.C. lo emplea como título de álbum. Contemplando los sonidos de Brasil -bossa nova, samba, tropicalia- para su séptimo compañero musical, Rob Garza y Eric Hilton, ofrecen un conjunto que evoca paisajes marinos resplandecientes y cócteles junto a la piscina. Es el tipo de álbum que James Bond pondría para una noche romántica en Río.

Las expresivas guitarras acústicas y los plácidos arreglos de cuerdas de Saudade se funden dulcemente con sintetizadores delicados y percusión suave, como un elenco rotativo de cinco vocalistas femeninas que cantan melodías sensuales. Mientras que muchas de estas canciones ("Quem Me Leva", la canción del título) son aventureros atrevidos en un nuevo territorio sonoro, otras, como "Depth of My Soul" y "Firelight", son de época de Thievery Corporation con un toque brasileño: profundamente groovy e infinitamente hipnotizante.

https://thieverycorporation.com/saudade/


thieverycorporation.com ...

 

Stan Getz • The Girl From Ipanema - The Bossa Nova Years 4 CDs

 

Review:

"This 4-CD box set contains nearly all of Stan Getz's classic bossa nova sessions, five wonderful yet diverse LPs (Jazz Samba, Big Band Bossa Nova, Jazz Samba Encore, Stan Getz/Laurindo Almeida, and Getz/Gilberto). The cool-toned tenor is heard on his groundbreaking collaboration with guitarist Charlie Byrd (which resulted in the best-selling "Desafinado"), is showcased with a big band arranged by Gary McFarland (introducing "No More Blues" and "One Note Samba"), stars in recordings with guitarists Laurindo Almeida and Luiz Bonfa, and is heard at the famous meeting with composer/pianist Antonio Carlos Jobim, guitarist João Gilberto, and singer Astrud Gilberto, which resulted in the major hit "The Girl From Ipanema." This essential set finishes off with three previously unissued performances from a 1964 Carnegie Hall Concert, concluding with a remake of "The Girl From Ipanema." These recordings stand as proof that it is possible for good music to sell."

Scott Yanow -All Music Guide

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Revisar:

"Este set de 4 CDs contiene casi todas las sesiones clásicas de bossa nova de Stan Getz, cinco maravillosos y diversos LPs (Jazz Samba, Big Band Bossa Nova, Jazz Samba Encore, Stan Getz/Laurindo Almeida, y Getz/Gilberto). El tenor de tono fresco se escucha en su innovadora colaboración con el guitarrista Charlie Byrd (que resultó en el éxito de ventas "Desafinado"), y se presenta con una gran banda arreglada por Gary McFarland (presentando "No More Blues" y "One Note Samba"), es protagonista en grabaciones con los guitarristas Laurindo Almeida y Luiz Bonfa, y se escucha en el famoso encuentro con el compositor y pianista Antonio Carlos Jobim, el guitarrista João Gilberto y el cantante Astrud Gilberto, que dio como resultado el gran éxito "The Girl From Ipanema"." Este conjunto esencial se completa con tres actuaciones inéditas de un concierto en el Carnegie Hall de 1964, y concluye con un remake de "The Girl From Ipanema". Estas grabaciones son la prueba de que es posible que la buena música se venda".

Scott Yanow -All Music Guide

freshsoundrecords.com ...  

Jerry Weldon & Massimo Farao • What's New

Massimo Farao' is a wonderful Italian pianist who has played and recorded with Red Holloway, Albert "Tootie" Heath, Tony Scott, Franco Ambrosetti, Nat Adderley, Jeff Tain Watts, Jack DeJohnette and Chris Potter, among others - Farao's passionate style and stoic romanticism are very attractive along with the rich harmonies he creates.

Veteran tenor sax man Jerry Weldon joined the legendary Lionel Hampton Orchestra in 1981 and has worked with dozens of jazz luminaries over the past three plus decades - In 1990, Jerry joined Harry Connick Jr.'s newly formed big band and now, Jerry can be seen daily as part of the "house band" on HARRY, Connick's new daytime variety show - Jerry can also regularly be found gigging, both as a leader and a sideman, at clubs in the New York area...and beyond.

"Jerry Weldon is one of today's leading proponents of Soul Jazz who represents the 'bar-walkin', hard-blowing, tenor legends in our contemporary American Jazz scene." - Gary Walker, WBGO Radio

"A thoughtful soloist whose subtle swing has plenty of fiber." - Ira Gitler, The Biographical Encyclopedia of Jazz

"When it comes to tenor saxophone sounds, Jerry Weldon has one of the biggest, and warmest, around." - The Star Ledger

http://www.elusivedisc.com/Jerry-Weldon-Massimo-Farao-Whats-New-Single-Layer-Stereo-Japanese-Import-SACD/productinfo/VENSA0242/

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Massimo Farao' es un maravilloso pianista italiano que ha tocado y grabado con Red Holloway, Albert "Tootie" Heath, Tony Scott, Franco Ambrosetti, Nat Adderley, Jeff Tain Watts, Jack DeJohnette y Chris Potter, entre otros - El estilo apasionado y el romanticismo estoico de Farao son muy atractivos junto con las ricas armonías que crea.

El veterano saxofonista tenor Jerry Weldon se unió a la legendaria Lionel Hampton Orchestra en 1981 y ha trabajado con docenas de luminarias de jazz durante las últimas tres décadas - En 1990, Jerry se unió a la recién formada big band de Harry Connick Jr - y ahora, Jerry puede ser visto diariamente como parte de la "house band" en HARRY, el nuevo programa de variedades diurno de Connick - Jerry también puede ser encontrado regularmente en conciertos, tanto como líder como acompañante, en clubes en el área de Nueva York.. - y más allá.

"Jerry Weldon es uno de los principales proponentes del Soul Jazz de hoy en día, que representa a las leyendas del'bar-walkin', hard-blowing y tenor en nuestra escena contemporánea del jazz americano" - - Gary Walker, Radio WBGO

"Un solista reflexivo cuyo sutil swing tiene mucha fibra." - Ira Gitler, La Enciclopedia Biográfica del Jazz

"Cuando se trata de sonidos de saxofón tenor, Jerry Weldon tiene uno de los más grandes y cálidos." - El Libro de Estrellas

http://www.elusivedisc.com/Jerry-Weldon-Massimo-Farao-Whats-New-Single-Layer-Stereo-Japanese-Import-SACD/productinfo/VENSA0242/

jerryweldon.net ...

www.facebook.com/massimofaraojazz ...

Antonio Carlos Jobim • A Certain Mr. Jobim

Review by Bruce Eder

This album has had a somewhat confusing release history, appearing as it did amid a flurry of activity by Jobim (including his work with Frank Sinatra) and bouncing between several labels since its first release in 1967. Made up of instrumentals as well as songs (all of the latter in English), it was a superb showcase for the melodic aspect of Jobim's art, though the material, like so much of Jobim's work during his explosive first decade of international recognition, represented something of a work in progress, a fact borne out by the subsequent reworking of the stunning closing number, "Zingaro," as "Retrato Em Branco E Preto." Claus Ogerman's musical direction offers a mix of influences, ranging from Dom um Romão's drumming to the presence of the first violinist of the New York Philharmonic, all combining to sympathetic effect.

https://www.allmusic.com/album/a-certain-mr-jobim-mw0000192036

It has been said that Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim was the George Gershwin of Brazil—and there is a solid ring of truth in that, for both contributed large bodies of songs to the jazz repertoire, both expanded their reach into the concert hall, and both tend to symbolize their countries in the eyes of the rest of the world. With their gracefully urbane, sensuously aching melodies and harmonies, Jobim's songs gave jazz musicians in the 1960s a quiet, strikingly original alternative to their traditional Tin Pan Alley source.

Jobim's roots were always planted firmly in jazz; the records of Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel and other West Coast jazz musicians made an enormous impact upon him in the 1950s. But he also claimed that the French impressionist composer Claude Debussy had a decisive influence upon his harmonies, and the Brazilian samba gave his music a uniquely exotic rhythmic underpinning. As a pianist, he usually kept things simple and melodically to the point with a touch that reminds some of Claude Thornhill, but some of his records show that he could also stretch out when given room. His guitar was limited mostly to gentle strumming of the syncopated rhythms, and he sang in a modest, slightly hoarse yet often hauntingly emotional manner.

Born in the Tijuca neighborhood of Rio, Jobim originally was headed for a career as an architect. Yet by the time he turned 20, the lure of music was too powerful, and so he started playing piano in nightclubs and working in recording studios. He made his first record in 1954 backing singer Bill Farr as the leader of “Tom and His Band” (Tom was Jobim's lifelong nickname), and he first found fame in 1956 when he teamed up with poet Vinicius de Morales to provide part of the score for a play called Orfeo do Carnaval (later made into the famous film Black Orpheus). In 1958, the then-unknown Brazilian singer Joao Gilberto recorded some of Jobim's songs, which had the effect of launching the phenomenon known as bossa nova. Jobim's breakthrough outside Brazil occurred in 1962 when Stan Getz and Charlie Byrd scored a surprise hit with his tune “Desafinado”—and later that year, he and several other Brazilian musicians were invited to participate in a Carnegie Hall showcase. Fueled by Jobim's songs, the bossa nova became an international fad, and jazz musicians jumped on the bandwagon recording album after album of bossa novas until the trend ran out of commercial steam in the late '60s.

Jobim himself preferred the recording studios to touring, making several lovely albums of his music as a pianist, guitarist and singer for Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI and MCA in the '60s and '70s, and Verve again in the last decade of his life. Early on, he started collaborating with arranger/conductor Claus Ogerman, whose subtle, caressing, occasionally moody charts gave his records a haunting ambiance. When Brazilian music was in its American eclipse after the '60s, a victim of overexposure and the burgeoning rock revolution, Jobim retreated more into the background, concentrating much energy upon film and TV scores in Brazil. But by 1985, as the idea of world music and a second Brazilian wave gathered steam, Jobim started touring again with a group containing his second wife Ana Lontra, his son Paulo, daughter Elizabeth and various musician friends. At the time of his final concerts in Brazil in September 1993 and at Carnegie Hall in April 1994 (both available on Verve), Jobim at last was receiving the universal recognition he deserved, and a plethora of tribute albums and concerts followed in the wake of his sudden death in New York City of heart failure. Jobim's reputation as one of the great songwriters of the century is now secure, nowhere more so than on the jazz scene where every other set seems to contain at least one bossa nova.

Composer Antonio Carlos Jobim AKA Tom Jobim was born on January 25, 1927 in Tijuca, Rio de Janeiro, Brazil. He showed a natural curiosity towards music early on and at age 13 discovered an old piano in his parents’ school and started experimenting with sounds and notes. Although he took some private piano lessons he was for the most part self-taught. At age 20 he gave up on his original plans to become an architect and devoted himself completely to music. He started his career in 1952 playing piano in small cafes around the city. His early musical influences included the legendary composer Pixinguinha, Claude Debussy and jazz. In 1954 he cut his first record with his band called “Tom and His Band” backing the singer Bill Farr. The same year he apprenticed to arranger Radames Gnatali from whom he learned the rudiments of arranging and shifted careers and for a while and became an arranger for local singers. In 1956 he collaborated with poet and diplomat Vinicius de Moraes on an operetta entitled Orfeo do Carnaval that opened to great acclaim at the Metropolitan Opera House in Rio. The French director Marcel Camus transferred it to the big screen under the title Black Orpheus. The film was honored by the Cannes Film Festival with a Palme D’Or in 1959. His first hit was Felicidade from this operetta. The song gained immense popularity when Billy Eckstine added English lyrics to it in the late 1950s. Moraes and Jobim also teamed up on other hits including Girl from Ipanema and Agua de Beber among others. In 1958 Brazilian guitarist and vocalist Joao Gilberto released a record of Jobim songs that marked the beginning of the bossa nova phenomenon. 1962 marked an important change in Jobim’s career when he broke out into the world scene after Stan Getz popularized his tune “Desafinado”. He and his colleagues were invited to perform at Carnegie Hall and the popularity of the bossa nova took off. From 1962 till the end of the 60s various jazz musicians recorded multitude of bossa nova albums. Jobim himself, in addition to becoming one of the most recorded composers, cut several albums for a variety of labels often in collaboration with Claus Ogerman. The 1970s and 80s marked a time of low popularity for jazz and for Brazilian music due to the rock explosion. Jobim returned to Brazil and worked on TV and film scores. By 1985 though bossa nova and Brazilian music experienced a renaissance and Jobim started touring again performing up to few months before his death in New York City of heart failure on December 8 1994.

https://musicians.allaboutjazz.com/antoniocarlosjobim

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Review by Bruce Eder

This album has had a somewhat confusing release history, appearing as it did amid a flurry of activity by Jobim (including his work with Frank Sinatra) and bouncing between several labels since its first release in 1967. Made up of instrumentals as well as songs (all of the latter in English), it was a superb showcase for the melodic aspect of Jobim's art, though the material, like so much of Jobim's work during his explosive first decade of international recognition, represented something of a work in progress, a fact borne out by the subsequent reworking of the stunning closing number, "Zingaro," as "Retrato Em Branco E Preto." Claus Ogerman's musical direction offers a mix of influences, ranging from Dom um Romão's drumming to the presence of the first violinist of the New York Philharmonic, all combining to sympathetic effect.

https://www.allmusic.com/album/a-certain-mr-jobim-mw0000192036

Se ha dicho que Antonio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim era el George Gershwin de Brasil, y hay un sólido anillo de verdad en que, dado que ambos contribuyeron con grandes cantidades de canciones al repertorio de jazz, ambos ampliaron su alcance a la sala de conciertos y ambos tienden a simbolizar a sus países a los ojos del resto del mundo. Con sus melodías y armonías grácilmente urbanas y sensualmente dolorosas, las canciones de Jobim dieron a los músicos de jazz de los años sesenta una alternativa silenciosa y sorprendentemente original a su fuente tradicional de Tin Pan Alley.

Las raíces de Jobim siempre estuvieron firmemente arraigadas en el jazz; los discos de Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel y otros músicos de jazz de la costa oeste le causaron un enorme impacto en la década de 1950. Pero también afirmó que el compositor impresionista francés Claude Debussy tuvo una influencia decisiva en sus armonías, y que la samba brasileña le dio a su música una base rítmica excepcionalmente exótica. Como pianista, solía mantener las cosas simples y melódicas hasta el punto con un toque que recuerda a Claude Thornhill, pero algunos de sus discos muestran que también podía estirarse cuando se le daba espacio. Su guitarra se limitaba sobre todo a un suave rasgueo de los ritmos sincopados, y cantaba de una manera modesta, ligeramente ronca, pero a menudo de una manera inquietantemente emocional.

Nacido en el barrio de Tijuca, en Río de Janeiro, Jobim comenzó su carrera como arquitecto. Sin embargo, cuando cumplió 20 años, la atracción de la música era demasiado poderosa, así que empezó a tocar el piano en clubes nocturnos y a trabajar en estudios de grabación. Hizo su primer disco en 1954 con el cantante Bill Farr como líder de "Tom and His Band" (Tom era el apodo de toda la vida de Jobim), y encontró fama en 1956 cuando se asoció con el poeta Vinicius de Morales para formar parte de la partitura de una obra de teatro llamada Orfeo do Carnaval (que más tarde se convertiría en la famosa película Black Orpheus). En 1958, el entonces desconocido cantante brasileño Joao Gilberto grabó algunas de las canciones de Jobim, lo que tuvo el efecto de lanzar el fenómeno conocido como bossa nova. El gran avance de Jobim fuera de Brasil ocurrió en 1962 cuando Stan Getz y Charlie Byrd lograron un éxito sorprendente con su canción "Desafinado", y más tarde ese mismo año, él y varios otros músicos brasileños fueron invitados a participar en un concierto en el Carnegie Hall. Impulsado por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en una moda internacional, y los músicos de jazz se subieron al carro de la grabación álbum tras álbum de bossa novas hasta que la tendencia se agotó a finales de los años sesenta.

Jobim mismo prefirió los estudios de grabación a las giras, haciendo varios álbumes de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los'60s y'70s, y Verve nuevamente en la última década de su vida. Desde el principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director de orquesta Claus Ogerman, cuyos sutiles, acariciantes y ocasionalmente malhumorados gráficos le dieron a sus discos un ambiente inolvidable. Cuando la música brasileña estaba en su eclipse americano después de los años 60, víctima de la sobreexposición y de la floreciente revolución del rock, Jobim se retiró más a un segundo plano, concentrando mucha energía en las partituras de cine y televisión en Brasil. Pero en 1985, cuando la idea de la música del mundo y una segunda ola brasileña se intensificó, Jobim comenzó a viajar de nuevo con un grupo que incluía a su segunda esposa Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth y varios amigos músicos. En el momento de sus últimos conciertos en Brasil en septiembre de 1993 y en el Carnegie Hall en abril de 1994 (ambos disponibles en Verve), Jobim recibía por fin el reconocimiento universal que se merecía, y una plétora de álbumes homenaje y conciertos le siguieron tras su repentina muerte en la ciudad de Nueva York a causa de una insuficiencia cardíaca. La reputación de Jobim como uno de los grandes compositores del siglo ya está asegurada, sobre todo en la escena del jazz, donde cada uno de los otros conjuntos parece contener al menos una bossa nova.

El compositor Antonio Carlos Jobim alias Tom Jobim nació el 25 de enero de 1927 en Tijuca, Río de Janeiro, Brasil. Mostró una curiosidad natural por la música desde muy joven y a los 13 años descubrió un viejo piano en la escuela de sus padres y comenzó a experimentar con sonidos y notas. Aunque tomó algunas clases privadas de piano, era en su mayor parte autodidacta. A los 20 años abandonó sus planes originales de convertirse en arquitecto y se dedicó por completo a la música. Comenzó su carrera en 1952 tocando el piano en pequeños cafés de la ciudad. Sus primeras influencias musicales incluyeron al legendario compositor Pixinguinha, Claude Debussy y el jazz. En 1954 grabó su primer disco con su banda "Tom and His Band" con el apoyo del cantante Bill Farr. Ese mismo año fue aprendiz del arreglista Radames Gnatali, de quien aprendió los rudimentos del arreglo y cambió de carrera y durante un tiempo se convirtió en arreglista de cantantes locales. En 1956 colaboró con el poeta y diplomático Vinicius de Moraes en una opereta titulada Orfeo do Carnaval que fue muy aclamada en el Metropolitan Opera House de Río. El director francés Marcel Camus lo transfirió a la gran pantalla bajo el título Black Orpheus. La película fue galardonada por el Festival de Cannes con una Palma de Oro en 1959. Su primer éxito fue Felicidade de esta opereta. La canción ganó inmensa popularidad cuando Billy Eckstine le agregó letras en inglés a finales de la década de 1950. Moraes y Jobim también se unieron en otros éxitos como Girl from Ipanema y Agua de Beber entre otros. En 1958 el guitarrista y vocalista brasileño Joao Gilberto lanzó un disco de canciones de Jobim que marcó el inicio del fenómeno de la bossa nova. 1962 marcó un cambio importante en la carrera de Jobim cuando irrumpió en la escena mundial después de que Stan Getz popularizara su melodía "Desafinado". Él y sus colegas fueron invitados a actuar en el Carnegie Hall y la popularidad de la bossa nova despegó. Desde 1962 hasta finales de los años 60 varios músicos de jazz grabaron multitud de discos de bossa nova. El propio Jobim, además de convertirse en uno de los compositores más grabados, grabó varios álbumes para diversos sellos, a menudo en colaboración con Claus Ogerman. Los años 70 y 80 marcaron una época de baja popularidad para el jazz y la música brasileña debido a la explosión del rock. Jobim regresó a Brasil y trabajó en partituras de televisión y cine. En 1985, aunque la bossa nova y la música brasileña experimentaron un renacimiento y Jobim comenzó a tocar de nuevo hasta unos meses antes de su muerte en la ciudad de Nueva York por un fallo cardíaco el 8 de diciembre de 1994.

https://musicians.allaboutjazz.com/antoniocarlosjobim

Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator

Mendes and Brasil '66 • Four Sider

 

Review by Stephen Cook

Covering the extent of Brasil '66's output from 1966-1972, Four Sider is the best available retrospective for those new to Mendes' successful Brazilian pop outfit (the 45-song Very Best of Sergio Mendes & Brasil '66 offers a more comprehensive, yet potentially daunting overview). Typical of the band's original albums, Four Sider includes a mix of Brazilian material and '60s pop hits. Also on display is Mendes' winning blend of bossa nova rhythms and lounge-a-go-go elements (churning organ riffs and rock basslines), complimented by a variety of percussion, airy vocal harmonies, and his own jazz-informed keyboard contributions and horn charts. Highlights include renditions of the Beatles' "Nowhere Man" and Joni Mitchell's "Chelsea Morning," in addition to several Brazilian hits, like Jorge Ben's "Mais Que Nada" and Antonio Carlos Jobim's "Wave." Other Brazilian luminaries are represented as well, including Edu Lobo, Dori Caymmi, and Oscar Neves, not to mention Mendes himself ("Look Around"). Wrapping up the set are a few Brasil '77 cuts, which spotlight the post-bossa nova sounds of tropicalismo (Ben's "Pais Tropical" and Mendes' "Promise of a Fisherman"). This is a fine collection; one that shows Mendes wasn't simply another space-age bachelor, but an innovative musician and arranger as well.

https://www.allmusic.com/album/four-sider-mw0000652296

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Reseña de Stephen Cook

Cubriendo la extensión de la producción de Brasil '66 de 1966 a 1972, Four Sider es la mejor retrospectiva disponible para aquellos nuevos en el exitoso equipo pop brasileño de Mendes (la canción de 45 minutos Very Best of Sergio Mendes & Brasil '66 ofrece una visión más completa, pero potencialmente desalentadora). Típico de los álbumes originales de la banda, Four Sider incluye una mezcla de material brasileño y éxitos pop de los 60. También se muestra la mezcla ganadora de Mendes de ritmos de bossa nova y elementos de lounge-a-go-go (riffs de órgano y bajos de rock), complementados por una variedad de percusiones, armonías vocales aéreas, y sus propias contribuciones de teclado y de trompa basadas en el jazz. Lo más destacado incluye interpretaciones de "Nowhere Man" de los Beatles y "Chelsea Morning" de Joni Mitchell, además de varios éxitos brasileños, como "Mais Que Nada" de Jorge Ben y "Wave" de Antonio Carlos Jobim. Otras luminarias brasileñas también están representadas, incluyendo a Edu Lobo, Dori Caymmi, y Oscar Neves, sin mencionar al propio Mendes ("Look Around"). Para cerrar el set, hay algunos cortes de Brasil '77, que destacan los sonidos post-bossa nova del tropicalismo ("Pais Tropical" de Ben y "Promesa de un Pescador" de Mendes). Esta es una buena colección; una que muestra que Mendes no era simplemente otro soltero de la era espacial, sino también un músico y arreglista innovador.

https://www.allmusic.com/album/four-sider-mw0000652296

 

 

 

 https://sergiomendesmusic.com/

 

 

VA • The Colors Of Latin Jazz From Samba To Bomba

 

Review from AllMusic (by Paula Edelstein)
As the fourth release in the Colors of Latin Jazz series, From Samba to Bomba! will appeal to the Latin jazz connoisseur because of its exciting array of compositions that feature the diverse rhythms of a variety of Latin cultures. From the Brazilian samba to the Puerto Rican bomba -- and a number of styles in between, including the ChaChaCha, mambo, soca, charanga, maracatu, and more -- this CD includes the Mambo King himself, Tito Puento, playing his hit Mambo King from the award-winning Mambo of the Times album issued on Concord Picante. He is the full-on mambo master on this ballroom dance of Cuban origin that gained greater notoriety when it was featured in the movie Mambo Kings. Puento's work on this composition rivals much of his work of the '50s and early '60s in what critics have hailed as his most imaginative Latin musical period, a period that spawned Dancemania and Tambo. The Brazilian rush is realized Manhattan Style as Trio Da Paz kicks off this CD with special guests Joanne Brackeen and Claudio Roditi, an energetic composition issued originally on Brasil From the Inside. Tania Maria lends her breezy scats on Sangria. A very special Dutch-German favorite adds his innovative global mix to the Brazilian samba with brilliant jazz harmonica played by none other than the exciting Hendrik Muerkens on his Sambahia. Originally issued on Sambahia by Concord Picante, Hendrik plays with exceptional finesse on an instrument not found often in jazz ensembles. It's a very refreshing blend of harmonic pleasures! Monty Alexander's Ivory & Steel presents the excitement of reggae on Reggae-Later from his popular Jamboree. His mastery of this popular music of Jamaican origin that combines his native styles with elements of rock and soul is performed to reggae perfection with Alexander's very hip piano bop stylings accompanied by steel pans and hand drums. This track is a great jam. Ray Barretto, the highly inventive conguero and percussionist, is amazing as he fuels the bomba Bomba-Riquen. Poncho Sanchez is ablaze on La Familia and continues to work his magic on one of the best solos on the CD even though he is generous about sharing the solo limelight. The popular soca played richly by Mongo Santamaria on Soca Me Nice and the Afro-Cuban charanga is well imagined by Dave Samuels on Charanga, Si, Si with Dave Valentin. They impose no restrictions on your imagination with the sonority of their uncommon Latin flavors. Originally issued on New Horizons, the pair work The Colors of Latin Jazz into an exciting musical palette that is as beautifully vibrant as the rhythms they represent. This exciting CD is a Latin jazz collector's dream.
httpswww.allmusic.comalbumthe-colors-of-latin-jazz-from-samba-to-bomba!-mw0000608324

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Resena de AllMusic (por Paula Edelstein)
Como el cuarto lanzamiento en la serie Colors of Latin Jazz, From Samba to Bomba! apelara a los conocedores del jazz latino por su emocionante variedad de composiciones que presentan los diversos ritmos de una variedad de culturas latinas. Desde la samba brasilena hasta la bomba puertorriquena -- y una serie de estilos intermedios, incluyendo el ChaChaCha, mambo, soca, charanga, maracatu, y mas -- este CD incluye al propio Mambo King, Tito Puento, tocando su exito Mambo King del album ganador del premio Mambo of the Times lanzado en Concord Picante. Es el maestro completo del mambo en este baile de salon de origen cubano que gano mayor notoriedad cuando fue presentado en la pelicula Mambo Kings. El trabajo de Puento en esta composicion rivaliza con gran parte de su trabajo de los anos 50 y principios de los 60 en lo que los criticos han aclamado como su periodo musical latino mas imaginativo, un periodo que dio origen a Dancemania y Tambo. El flujo brasileno se realiza en Manhattan Style cuando Trio Da Paz abre este CD con los invitados especiales Joanne Brackeen y Claudio Roditi, una composicion energetica lanzada originalmente en Brasil From the Inside. Tania Maria presta sus suaves coros escatologicos en Sangria. Un favorito muy especial holandés-aleman anade su mezcla global innovadora a la samba brasilena con brillante armonica de jazz tocada por nada menos que el emocionante Hendrik Muerkens en su Sambahia. Originalmente lanzado en Sambahia por Concord Picante, Hendrik toca con excepcion fineza en un instrumento que no se encuentra frecuentemente en los ensambles de jazz. Es una mezcla muy refrescante de placeres armonicos! Monty Alexander's Ivory & Steel presenta la emocion del reggae en Reggae-Later de su popular Jamboree. Su maestria en esta musica popular de origen jamaicano que combina sus estilos nativos con elementos de rock y soul se interpreta a la perfeccion reggae con los estilos de piano bop muy hip de Alexander acompanados por sartenes de acero y tambores de mano. Esta pista es una gran sesion. Ray Barretto, el ingenioso conguero y percusionista, es asombroso mientras alimenta la bomba Bomba-Riquen. Poncho Sanchez esta en llamas en La Familia y continua trabajando su magia en uno de los mejores solos del CD aunque es generoso al compartir el acaparamiento del solo. La popular soca tocada ricamente por Mongo Santamaria en Soca Me Nice y la charanga Afro-Cubana esta bien imaginada por Dave Samuels en Charanga, Si, Si con Dave Valentin. No imponen restricciones en su imaginacion con la sonoridad de sus sabores latinos poco comunes. Originalmente lanzado en New Horizons, la pareja trabaja The Colors of Latin Jazz en una paleta musical emocionante que es tan vibrante y hermosa como los ritmos que representan. Este CD emocionante es el sueno de un coleccionista de jazz latino.
httpswww.allmusic.comalbumthe-colors-of-latin-jazz-from-samba-to-bomba!-mw0000608324

Paul Desmond • From The Hot Afternoon

All the featured performances are excellent, Paul Desmond's playing is superb, taking a little more of a back seat, but with some beautiful, memorable phrasing. Not mentioned in other reviews are three vocal tracks featuring Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" and "Crystal Illusions". In "To Say Goodbye", she was forced by the recording schedule and low register of the instrumental part to sing well below her normal register, producing a striking and sultry version of this song, a must-have for her fans. Edu Lobo may not be Jobim, but "Crystal Illusions" is perhaps his best known work. He performs on the track and Wanda (his wife) sings it beautifully. The swirling '70s orchestation suits the song very well, the edgy chord shifts provide Paul with a challenging backdrop for his solos; this is probably my favourite version. This is an easy listening classic which is head and shoulders above others in the genre and has the power to move you with some exceptional performances by several icons of jazz and the '60s "Bossa" sound. - by Ricardo, Amazon.com

Review by Richard S. Ginell

Paul Desmond's first genuine all-Brazilian album under the Creed Taylor signature was a beauty, a collection of songs by the then-moderately known Edu Lobo and the emerging giant Milton Nascimento, then only in his early twenties. All Desmond has to do is sit back and ride the Brazilian grooves while lyrically ruminating on whatever pops into his head. It sounds so effortless -- until you try it yourself. The swirling, often gorgeous orchestral arrangements are by Don Sebesky (one CD edition mistakenly gives Claus Ogerman credit on the cover), Airto Moreira leads the samba-flavored percussion forces, and Lobo and his wife Wanda de Sah appear on three of Lobo's four songs. Lobo's "To Say Goodbye," "Circles," and "Martha and Romao" have exactly the brand of wistful sadness that Desmond could communicate so well; on the former, de Sah has to sing well below the register with which she is comfortable, and the strain is painfully obvious. Some of Nascimento's best early tunes are here, including the tense title track, the popping "Catavento," and "Canto Latino." "Catavento" inspires a particularly inventive solo from Desmond where he pulls out one of his age-old tricks, quoting "St. Thomas." This 2000 Verve "By Request" edition adds no less than six alternate takes to the package.

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Todas las actuaciones son excelentes, la interpretación de Paul Desmond es magnífica, tomando un poco más de un asiento trasero, pero con un fraseo hermoso y memorable. En otras críticas no se mencionan tres pistas vocales con Wanda de Sa, "To Say Goodbye", "Circles" y "Crystal Illusions". En "To Say Goodbye", se vio obligada por el horario de grabación y el registro bajo de la parte instrumental a cantar muy por debajo de su registro normal, produciendo una llamativa y sensual versión de esta canción, imprescindible para sus fans. Edu Lobo puede no ser Jobim, pero "Ilusiones de Cristal" es quizás su obra más conocida. Actúa en la pista y Wanda (su esposa) la canta muy bien. La orquestación de los años 70 se adapta muy bien a la canción, los cambios de acordes nerviosos proporcionan a Paul un telón de fondo desafiante para sus solos; esta es probablemente mi versión favorita. Se trata de un clásico de fácil escucha que está por encima de otros en el género y que tiene el poder de conmoverte con algunas actuaciones excepcionales de varios iconos del jazz y del sonido de la Bossa de los años 60. - por Ricardo, Amazon.com

Reseña de Richard S. Ginell

El primer álbum genuinamente brasileño de Paul Desmond bajo la firma de Creed Taylor fue una belleza, una colección de canciones del entonces moderadamente conocido Edu Lobo y del gigante emergente Milton Nascimento, entonces sólo a los veinte años. Todo lo que tiene que hacer Desmond es sentarse y correr por los surcos brasileños mientras rumia líricamente sobre lo que se le viene a la cabeza. Suena tan fácil... hasta que lo pruebes tú mismo. Los arremolinados y a menudo magníficos arreglos orquestales son de Don Sebesky (una edición en CD da crédito a Claus Ogerman en la portada), Airto Moreira lidera las fuerzas de la percusión con sabor a samba, y Lobo y su esposa Wanda de Sah aparecen en tres de las cuatro canciones de Lobo. "To Say Goodbye", de Lobo, "Circles" y "Martha and Romao" tienen exactamente la marca de tristeza melancólica que Desmond podía comunicar tan bien; en la primera, de Sah tiene que cantar muy por debajo del registro con el que se siente cómoda, y la tensión es dolorosamente obvia. Algunas de las mejores canciones tempranas de Nascimento están aquí, incluyendo el tenso tema del título, el pop "Catavento" y "Canto Latino". "Catavento" inspira un solo particularmente inventivo de Desmond donde saca uno de sus viejos trucos, citando a "St. Thomas". Esta edición 2000 de Verve "By Request" añade no menos de seis tomas alternativas al paquete.

VA • The Colors Of Latin Jazz Shades Of Jobim