HAPPY NEW YEAR! - FELIZ AÑO NUEVO!

 

Ennio Morricone • The Best Of 50 Years Of Music

 

www.enniomorricone.org ...

Quartette Trés Bien • Stepping Out! The Exciting Piano Rhythms Of

 

Pat Metheny & Jim Hall • Pat Metheny & Jim Hall

 

www.patmetheny.com ...



Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Willis 'Gator Tail' Jackson • Mellow Blues

Brother Jack McDuff • The Natural Thing

Review by Al Campbell

Hammond B-3 groovemeister "Brother" Jack McDuff carried on with his timeless patented boogaloo jazz on The Natural Thing from 1968, but is unfortunately drowned out by the overpowering punchy crunching horn charts of arranger Richard Evans. For that reason, this isn't one of McDuff's strongest dates, but it does contain enjoyable moments sans horns (especially "Funky Guru" guaranteed to please collectors of soulful funky organ. Originally recorded in Chicago for the Cadet label, this session is currently available only as a Japanese MCA import.

///////

Traducción Automática:

Reseña por Al Campbell

Hammond B-3 groovemeister El "Hermano" Jack McDuff continuó con su boogaloo jazz patentado y atemporal en The Natural Thing desde 1968, pero desafortunadamente está ahogado por los abrumadores gráficos de bocina crujidos del arreglista Richard Evans. Por esa razón, esta no es una de las citas más fuertes de McDuff, pero contiene momentos agradables sin cuernos (especialmente "Funky Guru" que garantiza complacer a los coleccionistas de órgano funky. Originalmente grabada en Chicago para el sello Cadet, esta sesión es actualmente disponible solo como una importación de MCA japonés. 

Kai Winding • Kai Winding's Trombones And Orchestra – Kai Olé

 

Trombonist Kai Christen Winding (pronounced ki-win-ding) was one of the founding fathers of be-bop music and truly one of the finest-ever jazz trombonists.

As a sideman to bop’s reigning kings “ Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Tadd Dameron “ he was more a bridesmaid than a bride. Winding recorded too infrequently as a leader during this period and none of his compositions ever really caught on. Indeed, he was adept at putting a defining stamp on others’ compositions “ a trait he picked up while outlining the artistry of Stan Kenton’s sound during the mid 1940s.

Kai was born on May 18, 1922, in Aarhaus, Denmark. He came to the United States with his family in 1934. In 1940, he made his professional debut as trombonist with Shorty Allen’s band. He played with the bands of Sonny Dunham and Alvino Rey before joining the U.S. Coast Guard during World War II. After becoming a civilian in 1945, he worked with Benny Goodman’s highly popular band and moved onto Stan Kenton’s orchestra, where he helped defined the brassy Kenton sound and, quickly became a featured soloist. Thereafter, he hooked himself up with a number of emerging stars of be-bop, the “new jazz,” and recorded prolifically “ most notably, as part of one of the nonets featured on the historic “The Birth of the Cool” (Capitol/1949).

Winding recorded and performed prolifically during the 1950s, as a leader and “ with distinction “ behind a number of significant and popular soloists such as Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Still, the trombone was considered an unusual instrument to lead a combo. So it was with prescient oddity that in 1954, producer Ozzie Cadena proposed the marriage of two trombones “ Winding’s quick-witted mellifluousness with fellow trombonist J.J. Johnson’s hard-edged angularity. The two leaders clicked together musically right away (check out Savoy “Jay& Kai”) and, surprisingly, became a hugely popular club attraction and critical favorite. Jay and Kai - or “Kai and Jay” or “J.J. & K” or “J & K” or any other of a number of other combinations - was born.

The duo recorded eight highly popular “ and consistently artistic “ albums over the next two years for the Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige and Columbia labels. It was during this period that Kai's great compositional skill was finally recognized with such memorable tunes as “Don't Argue,” “Wind Bag,” “That's How I Feel About You,” “Gong Rock,” “Jeanne” and “Caribe.”

At this point, Kai Winding was a well-known “ and bankable “ entity. In addition to continuing session work and well-paid gigs, Winding recorded several “concept” oriented albums for Columbia where he embarked on his own remarkable - and successful - concept of a four-trombone front line.

Producer Creed Taylor, who has always recognized a sale-able sound (and produced the duo’s fourth album on Bethlehem from 1955, K + JJ), kept close tabs on Kai Winding. The producer brought the trombonist in for the delightful 1958 album, “The Axidentals “ with the Kai Winding Trombones” (ABC Paramount) and reunited with him when the producer helmed the inception of Impulse Records “ for the Kai and J.J. reunion (The Great Kai & J.J. “ with the catalog number “A-1”) and the marvelous solo record “The Incredible Trombones of Kai Winding.”

When Creed Taylor accepted a lucrative offer from MGM to head the jazz division of their record label, Verve, Kai Winding was invited too. Winding recorded a dozen albums and 4 non-LP 45-rpm records with Creed Taylor during his stay at the label (1961-67). The music Winding made during this time is well worth hearing and, surprisingly, uncharacteristic of his recordings before or after.

This is the period that my discography is most concerned with “ and when the be-bop legend recorded what I consider some of his most interesting material. There’s no doubt that Verve Records provided Kai Winding with the most popularity he’d known during his entire career and, in some odd and sometimes wonderful coincidences, provided the great trombone player, composer and arranger with the most notable music of his career.

Kai Winding's first Verve record was the wondrous, Latin-esque “Kai Olé”(1961). Still firmly rooted in bebop, Winding goes a bit further South of the Border than he did on his Columbia records, where he simply added a conga or a bongo to spice up the mix. Winding quickly followed with 1962's “Suspense Times in Jazz,” (1962), a collection of “crime jazz” (lots of Henry Mancini covers!), arranged by either Winding or the great Oliver Nelson.

Next came “Solo,” (1963), one of the first of Kai Winding's many 1963 recordings and a landmark in the trombonist's career. While not exactly true to its title, since it was a trombone-with-rhythm-section date, “Solo” did represent Winding's first solo recording where he was the only horn player! The record also featured several titles that celebrated Winding's role as the musical director of New York's Playboy Club - a position the musician maintained throughout the 1960s. “Solo” is, perhaps, Kai Winding's best jazz record on Verve, and maybe one of his least known for the label.

The next record, “Soul Surfin” (1963) changed all the rules. Quite unexpectedly, Kai Winding's cover of Riz Orolani's “More (Theme From Mondo Cane)” became a top ten hit in 1963 - spawning innumerable covers from the bachelor-pad crowd. The album, a collection of somewhat interesting surf tunes featured Winding and guitarist Kenny Burrell behind the oddly-annoying ondioline (played, without credit, by the legendary Jean Jacques Perrey!). After the single's unbelievable success, the album was renamed “More.”

Next up was the rather strange album titled “Kai Winding” (1963). The record was also known by the title”The Lonely One” due to the release of the one 45 from the album. This one, which features some pretty rockin' tunes, notably Claus Ogerman's hip “Get Lost,” certainly features Winding. But the trombonist barely solos and hardly ever takes a lead line. This writer guesses that the album was intended to be a feature for Garry (or “Gary,” or “Gerry”) Sherman, the arranger of many of the album's tunes. But the success of “More” encouraged Verve to issue the record (or a bunch of recordings that included Kai Winding) under the trombonist's name.

“Mondo Cane #2” (1963-64) next featured Winding covering Nino Oliviero's sequel (and not as good as the oriiginal) theme to Winding's top ten hit. Covering several Ogerman tunes here (notably “Python”) and a few originals (the best, which is “ Simian Theme”), Winding seems barely present on this record. Jean Jacques Perrey is again said to have played the ondioline (credited to Winding!), which dominates the sound and solos of the record. This is not the record for those that admire hearing Winding's magical trombone sound. When the hits didn't follow, Creed Taylor moved Kai Winding away from the surfing (and, thankfully, the ondioline) gimmick to other gimmick-y pastures. “Modern Country” (1964) followed, matching Kai's trombone and arrangements with the Anita Kerr Singers and a Nashville rhythm section. Somehow, the concept (which Taylor would explore again with Hubert Laws for CTI) yielded some exceptionally notable performances. Check out “Busted,” “Wolverton Mountain” and “Dang Me.”

Getting back to basics, Taylor and Winding thereafter conceived “Rainy Day” (1965) and The In Instrumentals” (1965), both which - much in the style of the time - attempt to place Kai Winding's sound into more contemporary arenas.

Things started gelling again when the pair conceived Kai Winding's excellent “More Brass” (1966), a not-so-veiled reference to both the trombonist's biggest hit and his best asset. The record yielded several credible performances of contemporary pop - highlighted especially by the delicate harpsichord styling of Hank Jones - that still had that sound of the past (and a marvelous re-arrangement of Winding's hit, “More”).

But perhaps the “hippest” Kai Winding ever got for Verve was on his next record, 1966's”Dirty Dog.” Featuring his patented four-trombone line-up with Carl Fontana, Urbie Green and Bill Watrous, Winding surrounded himself well with two-handed genius and funk overlord Herbie Hancock, bassist Bob Cranshaw, drummer Grady Tate and guitarist Al Gafa (under the pseudonym “Buzzy Bavarian,” to hide, perhaps an unusually rock-ish quality he lays down here). Winding traverses fast takes of the Hancock hits “Cantaloupe Island” and “Blind Man, Blind Man” and Gafa's surprisingly funky title track.

Winding's finest work with producer Creed Taylor, however, remains their last collaboration for Verve. “Penny Lane & Time” (1967) is an incredible accomplishment of pure pop finesse (shocking, given the number of Beatles covers here) and magical jazz arrangement (courtesy of Kai Winding himself). Winding pairs his mellifluous trombone with a four-part flute choir (featuring Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion and Jerome Richardson). The result, probably inspired by Winding's former partner, arranger Claus Ogerman, is truly ethereal. Winding ended his 12-album run at Verve much the way he began it: with great artistic beauty.

Shortly thereafter, Creed Taylor left Verve Records to form his own CTI Records label. Winding recorded yet another album - that remains unreleased - for the MGM label (with Taylor, most likely) before Taylor reunited Winding with J.J. Johnson. The pair collaborated on three high-profile reunion projects at A&M/CTI during the late 1960s. Winding also did session work at the time for such A&M/CTI recordings as Paul Desmond's “Summertime,” and Quincy Jones's “Walking in Space.”

By the early 1970s, Kai Winding toured extensively with The Giants Of Jazz, featuring such old comrades as Dizzy Gillespie and Sonny Stitt and legendary masters Thelonius Monk and Art Blakey. He was also caught on a series of records which captured the 1972 Newport in New York Festival, reuniting with such early cohorts as Billy Eckstein, Flip Phillips and Zoot Sims.

Winding eventually chose to play when he felt like it, settling in Spain with his third wife, Ezshwan. Records during these years were sparse and on very small labels: two for the Glendale label and two for Lionel Hampton's Who's Who In Jazz label. Winding still performed on a regular basis, pairing up with the great Curtis Fuller in 1979 for two excellent “Giant Bones” recordings. Finally, Winding recorded an incredible “Trombone Summit” for the German MPS label (1980), heading a bone quartet featuring Albert Mangelsdorff, Bill Watrous and Jiggs Whigham - even reuniting one last time with J.J. Johnson for “All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82” (1982).

Unfortunately, after a long and artistically fulfilling career, Kai Winding succumbed to a brain tumor in a New York hospital on May 6, 1983, just shy of his 61st birthday. One of his sons, Jai, has kept Kai Winding's musical legacy alive as a respected - and busy! - session keyboard player for a wide variety of artists including George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent and many, many others.

Kai Winding's bop legacy has been kept alive in a variety of worthwhile reissues and countless compilations. However, one hopes that eventually major labels will concede to acknowledge the considerable contribution Kai Winding made during the 1960s as part of Verve Records.
Source: Doug Payne
https://www.allaboutjazz.com/musicians/kai-winding

///////

El trombonista Kai Christen Winding fue uno de los padres fundadores de la música be-bop y uno de los mejores trombonistas de la historia del jazz.

Como acompañante de los reyes del bop -Fats Navarro, Miles Davis, Charlie Parker, Dizzy Gillespie y Tadd Dameron- fue más una dama de honor que una novia. Winding grabó con muy poca frecuencia como líder durante este periodo y ninguna de sus composiciones llegó a tener éxito. De hecho, era experto en poner un sello definitorio en las composiciones de otros " un rasgo que recogió mientras perfilaba el arte del sonido de Stan Kenton a mediados de la década de 1940.

Kai nació el 18 de mayo de 1922 en Aarhaus, Dinamarca. Llegó a Estados Unidos con su familia en 1934. En 1940, debutó profesionalmente como trombonista con la banda de Shorty Allen. Tocó con las bandas de Sonny Dunham y Alvino Rey antes de alistarse en la Guardia Costera de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. Tras convertirse en civil en 1945, trabajó con la popular banda de Benny Goodman y pasó a la orquesta de Stan Kenton, donde ayudó a definir el sonido descarado de Kenton y se convirtió rápidamente en un solista destacado. A partir de entonces, se unió a una serie de estrellas emergentes del be-bop, el "nuevo jazz", y grabó prolíficamente, sobre todo como parte de uno de los nonetos incluidos en el histórico "The Birth of the Cool" (Capitol/1949).

Winding grabó y actuó prolíficamente durante la década de 1950, como líder y "con distinción" detrás de una serie de solistas importantes y populares como Sonny Stitt, Billy Eckstein, Neal Hefti, Woody Herman, Chris Connor, Sylvia Syms.

Sin embargo, el trombón se consideraba un instrumento poco habitual para liderar un combo. Por eso, en 1954, el productor Ozzie Cadena propuso la unión de dos trombones: la melifluidad de Winding y la angulosidad del trombonista J.J. Johnson. Los dos líderes congeniaron musicalmente de inmediato (véase Savoy "Jay& Kai") y, sorprendentemente, se convirtieron en una atracción de club enormemente popular y en la favorita de la crítica. Jay y Kai -o "Kai y Jay" o "J.J. & K" o "J & K" o cualquier otra de las numerosas combinaciones- había nacido.

El dúo grabó ocho álbumes de gran popularidad y de gran calidad artística durante los dos años siguientes para los sellos Savoy, RCA, Bethlehem, Prestige y Columbia. Fue durante este periodo cuando la gran habilidad compositiva de Kai fue finalmente reconocida con temas tan memorables como "Don't Argue", "Wind Bag", "That's How I Feel About You", "Gong Rock", "Jeanne" y "Caribe".

A estas alturas, Kai Winding era una entidad bien conocida " y financiable ". Además de continuar con trabajos de sesión y actuaciones bien pagadas, Winding grabó varios álbumes orientados al "concepto" para Columbia, donde se embarcó en su propio y notable -y exitoso- concepto de una línea frontal de cuatro trombones.

El productor Creed Taylor, que siempre reconoció un sonido vendible (y produjo el cuarto álbum del dúo en Bethlehem de 1955, K + JJ), siguió de cerca a Kai Winding. El productor trajo al trombonista para el delicioso álbum de 1958, "The Axidentals " con los Kai Winding Trombones" (ABC Paramount) y se reunió con él cuando el productor dirigió el inicio de Impulse Records " para la reunión de Kai y J.J. (The Great Kai & J.J. " con el número de catálogo "A-1") y el maravilloso disco en solitario "The Incredible Trombones of Kai Winding".

Cuando Creed Taylor aceptó una lucrativa oferta de MGM para dirigir la división de jazz de su sello discográfico, Verve, Kai Winding también fue invitado. Winding grabó una docena de álbumes y 4 discos de 45 rpm sin LP con Creed Taylor durante su estancia en el sello (1961-67). La música que Winding hizo durante esta época merece la pena ser escuchada y, sorprendentemente, no es característica de sus grabaciones anteriores o posteriores.

Este es el periodo que más interesa en mi discografía " y cuando la leyenda del be-bop grabó lo que considero parte de su material más interesante. No hay duda de que Verve Records proporcionó a Kai Winding la mayor popularidad que conoció durante toda su carrera y, en algunas extrañas y a veces maravillosas coincidencias, proporcionó al gran trombonista, compositor y arreglista la música más notable de su carrera.

El primer disco de Kai Winding en Verve fue el maravilloso y latino "Kai Olé" (1961). Todavía firmemente arraigado en el bebop, Winding va un poco más al sur de la frontera que en sus discos de Columbia, donde simplemente añadía una conga o un bongó para animar la mezcla. Winding no tardó en publicar "Suspense Times in Jazz" (1962), una colección de "jazz criminal" (¡muchas versiones de Henry Mancini!), con arreglos de Winding o del gran Oliver Nelson.

A continuación llegó "Solo" (1963), una de las primeras grabaciones de Kai Winding en 1963 y un hito en la carrera del trombonista. Aunque no es exactamente fiel a su título, ya que se trata de una cita con el trombón y la sección rítmica, "Solo" representó la primera grabación en solitario de Winding en la que era el único trompetista. El disco también incluía varios títulos que celebraban el papel de Winding como director musical del Playboy Club de Nueva York, un puesto que el músico mantuvo durante toda la década de 1960. "Solo" es, quizás, el mejor disco de jazz de Kai Winding en Verve, y tal vez uno de los menos conocidos para el sello.

El siguiente disco, "Soul Surfin" (1963) cambió todas las reglas. De forma bastante inesperada, la versión de Kai Winding de "More (Theme From Mondo Cane)" de Riz Orolani se convirtió en un éxito entre los diez primeros en 1963, lo que dio lugar a innumerables versiones de los solteros. El álbum, una colección de temas surfistas algo interesantes, contaba con Winding y el guitarrista Kenny Burrell detrás de la extrañamente molesta ondiolina (¡tocada, sin crédito, por el legendario Jean Jacques Perrey!). Tras el increíble éxito del single, el álbum pasó a llamarse "More".

El siguiente fue el álbum, bastante extraño, titulado "Kai Winding" (1963). El disco también fue conocido por el título "The Lonely One" (El solitario) debido a la publicación del único 45 del álbum. En este, que contiene algunos temas bastante rockeros, en particular el moderno "Get Lost" de Claus Ogerman, sí que aparece Winding. Pero el trombonista apenas hace solos y casi nunca toma una línea principal. Este escritor supone que el álbum estaba destinado a ser una característica para Garry (o "Gary", o "Gerry") Sherman, el arreglista de muchas de las melodías del álbum. Pero el éxito de "More" animó a Verve a publicar el disco (o un montón de grabaciones que incluían a Kai Winding) bajo el nombre del trombonista.

"Mondo Cane #2" (1963-64) presentaba a Winding cubriendo la secuela (y no tan buena como la original) del tema de Nino Oliviero que fue un éxito de Winding. Winding, que versiona varios temas de Ogerman (en particular "Python") y algunos originales (el mejor, "Simian Theme"), parece apenas presente en este disco. Se dice que Jean Jacques Perrey volvió a tocar la ondiolina (¡acreditada a Winding!), que domina el sonido y los solos del disco. Este no es el disco para los que admiran escuchar el mágico sonido del trombón de Winding. Cuando los éxitos no siguieron, Creed Taylor alejó a Kai Winding del truco del surf (y, afortunadamente, de la ondiolina) para llevarlo a otros pastizales de trucos. Le siguió "Modern Country" (1964), en el que se combinaba el trombón y los arreglos de Kai con las Anita Kerr Singers y una sección rítmica de Nashville. De alguna manera, el concepto (que Taylor exploraría de nuevo con Hubert Laws para CTI) dio lugar a algunas actuaciones excepcionalmente notables. Mira "Busted", "Wolverton Mountain" y "Dang Me".

Volviendo a lo básico, Taylor y Winding concibieron a partir de entonces "Rainy Day" (1965) y The In Instrumentals" (1965), que, muy al estilo de la época, intentan situar el sonido de Kai Winding en ámbitos más contemporáneos.

Las cosas empezaron a cuajar de nuevo cuando la pareja concibió el excelente "More Brass" (1966) de Kai Winding, una referencia no tan velada tanto al mayor éxito del trombonista como a su mejor baza. El disco produjo varias interpretaciones creíbles de pop contemporáneo -destacadas especialmente por el delicado estilo de clavicordio de Hank Jones- que todavía tenían ese sonido del pasado (y una maravillosa reordenación del éxito de Winding, "More").

Pero quizás el Kai Winding más "hippie" que consiguió para Verve fue en su siguiente disco, "Dirty Dog" de 1966. Con su alineación patentada de cuatro trombones con Carl Fontana, Urbie Green y Bill Watrous, Winding se rodeó bien con el genio de las dos manos y señor del funk Herbie Hancock, el bajista Bob Cranshaw, el baterista Grady Tate y el guitarrista Al Gafa (bajo el seudónimo de "Buzzy Bavarian", para ocultar, quizás una cualidad inusualmente rockera que pone aquí). Winding recorre tomas rápidas de los éxitos de Hancock "Cantaloupe Island" y "Blind Man, Blind Man" y el tema titular de Gafa, sorprendentemente funky.

El mejor trabajo de Winding con el productor Creed Taylor, sin embargo, sigue siendo su última colaboración para Verve. "Penny Lane & Time" (1967) es un logro increíble de pura delicadeza pop (sorprendente, dado el número de versiones de los Beatles que hay aquí) y de mágicos arreglos de jazz (cortesía del propio Kai Winding). Winding combina su melifluo trombón con un coro de flautas a cuatro voces (con Hubert Laws, Danny Bank, Romeo Penque, Jerry Dodgion y Jerome Richardson). El resultado, probablemente inspirado por el antiguo socio de Winding, el arreglista Claus Ogerman, es realmente etéreo. Winding terminó su carrera de 12 álbumes en Verve del mismo modo que la empezó: con gran belleza artística.

Poco después, Creed Taylor dejó Verve Records para formar su propio sello CTI Records. Winding grabó otro álbum -que permanece inédito- para el sello MGM (con Taylor, probablemente) antes de que Taylor reuniera a Winding con J.J. Johnson. La pareja colaboró en tres proyectos de reunión de alto nivel en A&M/CTI a finales de la década de 1960. Winding también hizo trabajos de sesión en esa época para grabaciones de A&M/CTI como "Summertime" de Paul Desmond, y "Walking in Space" de Quincy Jones.

A principios de la década de 1970, Kai Winding realizó numerosas giras con The Giants Of Jazz, en las que participaron viejos camaradas como Dizzy Gillespie y Sonny Stitt y los legendarios maestros Thelonius Monk y Art Blakey. También participó en una serie de discos que recogieron el Festival de Newport en Nueva York de 1972, reuniéndose con compañeros de la época como Billy Eckstein, Flip Phillips y Zoot Sims.

Con el tiempo, Winding optó por tocar cuando le apetecía, estableciéndose en España con su tercera esposa, Ezshwan. Los discos durante estos años fueron escasos y en sellos muy pequeños: dos para el sello Glendale y dos para el sello Who's Who In Jazz de Lionel Hampton. Winding siguió actuando con regularidad, formando pareja con el gran Curtis Fuller en 1979 para dos excelentes grabaciones de "Giant Bones". Finalmente, Winding grabó un increíble "Trombone Summit" para el sello alemán MPS (1980), encabezando un cuarteto de huesos con Albert Mangelsdorff, Bill Watrous y Jiggs Whigham - incluso reuniéndose una última vez con J.J. Johnson para "All Star Jam Live- - Aurez Jazz Festival '82" (1982).

Desgraciadamente, tras una larga y artística carrera, Kai Winding sucumbió a un tumor cerebral en un hospital de Nueva York el 6 de mayo de 1983, justo antes de cumplir 61 años. Uno de sus hijos, Jai, ha mantenido vivo el legado musical de Kai Winding como respetado -¡y ocupado! - teclista de sesión para una gran variedad de artistas, como George Benson, Michael Jackson, Madonna, America, The Eagles, Boz Scaggs, Jackson Browne, Molly Hatchet, Ted Nugent y muchos, muchos otros.

El legado del bop de Kai Winding se ha mantenido vivo en una variedad de reediciones que merecen la pena y en innumerables recopilaciones. Sin embargo, uno espera que, con el tiempo, los grandes sellos discográficos reconozcan la considerable contribución que Kai Winding hizo durante la década de 1960 como parte de Verve Records.
Fuente: Doug Payne
https://www.allaboutjazz.com/musicians/kai-winding

Lynn Hope • Blow Lynn Blow

 

Biography
by Ron Wynn
Tenor saxophonist Lynn Hope was noted for his apparel and instrumental remakes of established pre-rock pop anthems. Hope joined King Kolax's band when he graduated from high school in Birmingham during the '40s. He later converted to Islam, and became noted for wearing a turban, though few ever called him Al Hajji Abdullah Rascheed Ahmed. Hope signed with Miracle in 1950, but the contract proved invalid. He moved to Premium, where he cut "Tenderly," a song that was later picked up by Chess. Hope recorded often for Aladdin between 1951 and 1957, doing such reworked standards as "September Song" and "Summertime." While these numbers were often performed with little or no melodic embellishment or improvisation, the flip sides were often fierce uptempo blues or jump tunes. "Tenderly" earned Hope his only hit in 1950, reaching number eight R&B and #19 pop. He made his last sessions for King in 1960, then dropped out of sight.
https://www.allmusic.com/artist/lynn-hope-mn0000596754/biography

 

 

///////

Biografía
por Ron Wynn
El saxofonista tenor Lynn Hope destacó por su indumentaria y por sus versiones instrumentales de himnos pop establecidos antes del rock. Hope se unió a la banda de King Kolax cuando se graduó en el instituto de Birmingham durante los años 40. Más tarde se convirtió al Islam y se hizo notar por llevar turbante, aunque pocos le llamaron Al Hajji Abdullah Rascheed Ahmed. Hope firmó con Miracle en 1950, pero el contrato resultó inválido. Se trasladó a Premium, donde grabó "Tenderly", una canción que posteriormente fue recogida por Chess. Hope grabó a menudo para Aladdin entre 1951 y 1957, haciendo estándares reelaborados como "September Song" y "Summertime". Mientras que estos números se interpretaban a menudo con poco o ningún adorno melódico o improvisación, las caras laterales eran a menudo feroces blues uptempo o melodías de salto. "Tenderly" le valió a Hope su único éxito en 1950, alcanzando el número ocho de R&B y el 19 de pop. Hizo sus últimas sesiones para King en 1960, y luego desapareció.
https://www.allmusic.com/artist/lynn-hope-mn0000596754/biography


Colaborador / Contributor:  Bob [boppinbob / https://fromthevaults-boppinbob.blogspot.com/]

Daniele Cordisco, Ben Paterson & Elio Coppola • Only for the Moment

 

An exceptional trio, which combines technical elegance and great interplay. The excellent American organist Ben Paterson is accompanied by two long-established musicians in the Italian music scene: Daniele Cordisco on guitar and Elio Coppola on drums. This new trio project “Only For The Moment” proposes a nice jazz repertoire revisiting the style of the great Jimmy Smith. We also rediscover all the Jazz and Blues sounds that highlight the origins of the organist and singer from Philadelphia, but also the extraordinary quality of the two Italian artists. What the trio wears is a whole mainstream dress with different original compositions, written by the individual components of this new line-up.

///////

Un trío excepcional, que combina la elegancia técnica y la gran interacción. El excelente organista estadounidense Ben Paterson está acompañado por dos músicos de larga trayectoria en la escena musical italiana: Daniele Cordisco a la guitarra y Elio Coppola a la batería. Este nuevo proyecto de trío "Only For The Moment" propone un bonito repertorio de jazz revisando el estilo del gran Jimmy Smith. También redescubrimos todos los sonidos de Jazz y Blues que ponen de relieve los orígenes del organista y cantante de Filadelfia, pero también la extraordinaria calidad de los dos artistas italianos. El trío se viste de gala con diferentes composiciones originales, escritas por los componentes individuales de esta nueva formación.


Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Grant Green • Reaching Out

Review by Michael G. Nastos

Grant Green was just established as a leader by 1961 when these recordings were made, but this is not the typical Blue Note date that stamped his individuality in following years. Though Green is credited as the leader, those responsibilities are accepted by tenor saxophonist Frank Haynes, one of the most obscure but tastiest players on his instrument this side of Joe Henderson and Stanley Turrentine. The cool, spacious, thoughtful and unhurried sound of Haynes dominates this recording, as Green barely comes up for air on solos or the occasional joint melody line. Billy Gardner, better known as an organist, plays beautifully and with feeling on the piano, while bassist Ben Tucker and the great drummer Dave Bailey team up to provide the perfect, steady rhythmic foundation so essential to great mainstream jazz expressionism. Detroiter Rudy Stevenson consistently contributed to Green's repertoire, and here he delivers the title selection, a steady, subtle bop line, while Gardner wrote "One for Elena," another bop tune for Haynes and his understated demeanor, with Green's signature single-note staccato style emerging on his solo. Tucker -- always a solid musician -- contributes the compositions "A Flick of a Trick" and "Baby, You Should Know It," the former an easy swinging blues based jazz tune with Gardner's rumbling piano and a plus-plus solo, while the latter is a famous soul-jazz classic, vocalized in later years, but here a nice, long groove tune where Haynes and Green play in tandem. Harold Vick's "Our Miss Brooks" became a staple of Green's repertoire after this session, here it is rendered in a slow grinding blues base, with Green's one-note accents and simple rhythm guitar buoyancy. In only one instance, Green leads out for "Falling in Love with Love" as his true colors and personalized vibe shines. There are much longer master first takes on the CD reissue of "Reaching Out," "Our Miss Brooks," and "One for Elena." As most of Grant Green's best work is on the Blue Note label, these developmental sessions constitute a fledgling effort, easily treasured by his fans. It is also a high-water mark for Haynes, who sadly passed away only four years after this album was made.

///////

Traducción Automática:

Revisión por Michael G. Nastos
Grant Green se estableció como líder en 1961 cuando se hicieron estas grabaciones, pero esta no es la fecha típica de Blue Note que selló su individualidad en los años siguientes. Aunque Green es reconocido como el líder, esas responsabilidades son aceptadas por el saxofonista tenor Frank Haynes, uno de los jugadores más oscuros pero más sabrosos en su instrumento de este lado de Joe Henderson y Stanley Turrentine. El sonido fresco, espacioso, reflexivo y sin prisas de Haynes domina esta grabación, ya que Green apenas sale al aire en los solos o en la línea de la melodía conjunta ocasional. Billy Gardner, más conocido como organista, toca maravillosamente y con una sensación en el piano, mientras que el bajista Ben Tucker y el gran baterista Dave Bailey se unen para proporcionar la base rítmica perfecta y estable, tan esencial para el gran expresionismo del jazz. El destructor Rudy Stevenson contribuyó constantemente al repertorio de Green, y aquí ofrece la selección del título, una línea de bop constante y sutil, mientras que Gardner escribió "One for Elena", otra melodía de bop para Haynes y su comportamiento discreto, con el exclusivo staccato de Green. Estilo emergente en su solo. Tucker, siempre un músico sólido, contribuye con las composiciones "A Flick of a Trick" y "Baby, You Should Know It", la primera canción de jazz basada en el blues fácil con el retumbante piano de Gardner y un solo más, mientras este último es un famoso soul-jazz clásico, vocalizado en años posteriores, pero aquí una melodía agradable y larga donde Haynes y Green tocan juntos. "Our Miss Brooks" de Harold Vick se convirtió en un elemento básico del repertorio de Green después de esta sesión, aquí se presenta en una base de blues de lenta molienda, con acentos de una sola nota de Green y un simple ritmo de guitarra. En un solo caso, Green lidera "Falling in Love with Love", ya que sus verdaderos colores y su vibra personalizada brillan. La primera versión del CD de "Reaching Out", "Our Miss Brooks" y "One for Elena" es mucho más larga. Como la mayor parte del mejor trabajo de Grant Green está en la etiqueta Blue Note, estas sesiones de desarrollo constituyen un esfuerzo incipiente, fácilmente atesorado por sus fanáticos. También es un punto culminante para Haynes, quien lamentablemente falleció solo cuatro años después de que se hizo este álbum.

Marcos Ariel • Brazilian Jazz Trio

 

Marcos Ariel is in the forefront of the 90's Brazilian musician.  He's a virtuoso pianist, flutist and composer, with a musical style purely “Carioca” (one who's a native of Rio de Janeiro), splashed with a passion for Classical and Jazz. As a player he is swift and precise transcending genuine warmth that can only be Marcos Ariel.

At home, in Rio de Janeiro, music flourished. His father encouraged him to listen and absorb the masters: Bach, Beethoven, Mozart and Chopin. He later developed an admiration for fellow countryman, Hermeto Pascoal and American contemporary Jazzman Chick Corea, who both influenced him.

At the age of seven, he began studying piano and by 1971 he was studying flute in the School of Music of the Brazilian Symphonic Orchestra. He was also a professional actor with the Guanabara Youth Theater, but eventually returned to music performing, with a group of musicians and singers playing a Brazilian music style called "Choro”.  He also backed up Brazilian greats, Master Cartola, Roberto Gnatalli, Johnny Alf, Banda Black Rio and many others.

Marcos Ariel recorded his first album in 1980, “Bambu”, which was simultaneously released in Brazil, by Globo Records and in France and England, by Wathmusic and Farout recordings.

After the success of Bambu, he released in Brazil and the USA the award-winning album Terra do Índio.

Terra do Índio was chosen by Jazziz Magazine as one of the best albums of Jazz.

He then received the Brahma Extra Music Award revelation, with the launch of his instrumental LP Brazilian Piano.

His latest release of 2019 is WAVE HUNTER, featuring veteran pianist/composer Marcos Ariel, with remarkable guitarist Enéas Marques and world-class drummer/producer Roberto Alemão.  

Ariel’s 32nd album fuses classic, soul jazz and is a musical love letter to the sea. It was created by three musicians who share a lifelong passion for the waves of Rio de Janeiro and California.
https://www.marcosariel.com/about

///////

Marcos Ariel está en la vanguardia de los músicos brasileños de los 90.  Es un virtuoso pianista, flautista y compositor, con un estilo musical puramente "carioca" (nativo de Río de Janeiro), salpicado de pasión por la música clásica y el jazz. Como intérprete, es rápido y preciso y transmite una calidez genuina que sólo puede ser la de Marcos Ariel.

En su casa, en Río de Janeiro, floreció la música. Su padre le animaba a escuchar y absorber a los maestros: Bach, Beethoven, Mozart y Chopin. Más tarde desarrolló su admiración por su compatriota Hermeto Pascoal y por el jazzista contemporáneo estadounidense Chick Corea, que le influyeron.

A los siete años comenzó a estudiar piano y en 1971 ya estudiaba flauta en la Escuela de Música de la Orquesta Sinfónica de Brasil. También fue actor profesional en el Teatro Juvenil de Guanabara, pero finalmente regresó a la interpretación musical, con un grupo de músicos y cantantes que tocaban un estilo de música brasileña llamado "Choro".  También acompañó a los grandes de Brasil, el maestro Cartola, Roberto Gnatalli, Johnny Alf, la Banda Black Rio y muchos otros.

Marcos Ariel grabó su primer álbum en 1980, "Bambu", que fue lanzado simultáneamente en Brasil, por Globo Records y en Francia e Inglaterra, por Wathmusic y Farout recordings.

Tras el éxito de Bambu, editó en Brasil y Estados Unidos el premiado álbum Terra do Índio.

Terra do Índio fue elegido por la revista Jazziz como uno de los mejores discos de Jazz.

A continuación, recibió la revelación del Premio Brahma Extra Music, con el lanzamiento de su LP instrumental Brazilian Piano.

Su último lanzamiento de 2019 es WAVE HUNTER, con el veterano pianista/compositor Marcos Ariel, con el notable guitarrista Enéas Marques y el baterista/productor de clase mundial Roberto Alemão.  

El 32º álbum de Ariel fusiona el jazz clásico y el soul y es una carta de amor musical al mar. Fue creado por tres músicos que comparten una pasión de toda la vida por las olas de Río de Janeiro y California.
https://www.marcosariel.com/about


www.marcosariel.com ...

Stephane Grappelli & Mccoy Tyner • Live At Warsaw Jazz Jamboree

 

Snooky Pryor • An Introduction To Snooky Pryor

 

Biography
by Bill Dahl
Only recently has Snooky Pryor finally begun to receive full credit for the mammoth role he played in shaping the amplified Chicago blues harp sound during the postwar era. He's long claimed he was the first harpist to run his sound through a public address system around the Windy City -- and since nobody's around to refute the claim at this point, we'll have to accept it! James Edward Pryor was playing harmonica at the age of eight in Mississippi. The two Sonny Boys were influential to Pryor's emerging style, as he played around the Delta. He hit Chicago for the first time in 1940, later serving in the Army at nearby Fort Sheridan. Playing his harp through powerful Army PA systems gave Pryor the idea to acquire his own portable rig once he left the service. Armed with a primitive amp, he dazzled the folks on Maxwell Street in late 1945 with his massively amplified harp. Pryor made some groundbreaking 78s during the immediate postwar Chicago blues era. Teaming with guitarist Moody Jones, he waxed "Telephone Blues" and "Boogie" for Planet Records in 1948, encoring the next year with "Boogy Fool"/"Raisin' Sand" for JOB with Jones on bass and guitarist Baby Face Leroy Foster in support. Pryor made more classic sides for JOB (1952-1953), Parrot (1953), and Vee-Jay ("Someone to Love Me"/"Judgment Day") in 1956, but commercial success never materialized. He wound down his blues-playing in the early '60s, finally chucking it all and moving to downstate Ullin, IL, in 1967. For a long while, Pryor's whereabouts were unknown. But the 1987 Blind Pig album Snooky, produced by guitarist Steve Freund, announced to the world that the veteran harpist was alive and well, his chops still honed. A pair of solid discs for Antone's, Too Cool to Move and In This Mess Up to My Chest, followed. Pryor stayed busy until his death in 2006.
https://www.allmusic.com/artist/snooky-pryor-mn0000752562/biography

///////

Biografía
por Bill Dahl
Hace poco que Snooky Pryor ha empezado a recibir todo el reconocimiento por el enorme papel que desempeñó en la creación del sonido amplificado del arpa de blues de Chicago durante la posguerra. Durante mucho tiempo ha afirmado que fue el primer arpista que hizo sonar su sonido a través de un sistema de megafonía en la Ciudad de los Vientos, y dado que no hay nadie que pueda refutar esta afirmación, tendremos que aceptarla. James Edward Pryor ya tocaba la armónica a los ocho años en Mississippi. Los dos Sonny Boys influyeron en el estilo emergente de Pryor, que tocaba en el Delta. Llegó a Chicago por primera vez en 1940, y más tarde sirvió en el ejército en el cercano Fort Sheridan. Tocar su arpa a través de los potentes sistemas de megafonía del ejército dio a Pryor la idea de adquirir su propio equipo portátil una vez que dejara el servicio. Armado con un amplificador primitivo, deslumbró a la gente de Maxwell Street a finales de 1945 con su arpa masivamente amplificada. Pryor grabó algunos 78 innovadores durante la era del blues de Chicago de la posguerra. Formando equipo con el guitarrista Moody Jones, grabó "Telephone Blues" y "Boogie" para Planet Records en 1948, y al año siguiente encajó "Boogy Fool"/"Raisin' Sand" para JOB con Jones al bajo y el guitarrista Baby Face Leroy Foster como apoyo. Pryor hizo más lados clásicos para JOB (1952-1953), Parrot (1953), y Vee-Jay ("Someone to Love Me"/"Judgment Day") en 1956, pero el éxito comercial nunca se materializó. A principios de los años 60 dejó de tocar el blues y, finalmente, lo abandonó todo y se trasladó al estado de Ullin (Illinois) en 1967. Durante mucho tiempo, el paradero de Pryor fue desconocido. Pero el álbum Snooky de Blind Pig de 1987, producido por el guitarrista Steve Freund, anunció al mundo que el veterano arpista estaba vivo y en plena forma, con sus habilidades aún afinadas. Le siguieron un par de sólidos discos para Antone's, Too Cool to Move e In This Mess Up to My Chest. Pryor se mantuvo ocupado hasta su muerte en 2006.
https://www.allmusic.com/artist/snooky-pryor-mn0000752562/biography

Emerson, Lake & Palmer • Brain Salad Surgery

 

www.emersonlakepalmer.com ...

Raphaël Faÿs feat. Claude Mouton & Laurent Bajata • Gipsy Night

BIOGRAPHY
HIS CAREER HIS INFLUENCES
Raphaël Faÿs was born the guitar between arms, of a father guitarist of Jazz who had a lightning and promising beginning of career. He works the directory of his master Django Reinhardt and is recognized as the exceptionally gifted heir of the tradition. Raphaël Faÿs's musical world crosses Europe. His play is constituted by a large guitar experiences. Raphaël Faÿs's musical world crosses Europe. His play is constituted by a large guitar experiences.

HIS ATTRACTION FOR THE FLAMENCO
He likes the flamenco from 1987 when he met Paco de Lucia in Paris. In the same time he is already recognized as a virtuoso of the classic guitar as much as the guitar of jazz.
Although his instrumental ease favours a fast learning of the technique flamenca which he interprets with the "poua" called plectrum, it seems that, by modesty doubtless, he will have expected from long years before daring to centre his work on this style. He has already composed numerous works of inspiration flamenco : bulérias, alégrias, Fandango, a perfect success which he expresses brilliantly in his extraordinary and original interpretation.
Further to albums "Andalucia" in 2008 and "Extremadura" in 2009. Raphaël Faÿs proposes his new album today " Mi Camino Con El Flamenco ".
He matures his play and his reflection. He offers new versions of some pieces composed by el Maestro Paco de Lucia "Entre dos Aguas" and "Rio Ancho" in the expression of his own flamenco.
Therefore, he proposes a new lighting of this music and in a way he widens the limits Raphaël Fays makes more than fusing two styles, gypsies and flamenco, he reports what, beyond the borders of Spain and the Eastern Europe,  is common to these two gypsies communities,  European gipsies and the Spanish-Andalusian. The life took away to them but their history is common.
Rare are the musicians who in the style of Raphaël Faÿs will have known how to investigate musical fields so varied as demanding with the same conviction, the same righteousness and the same happiness. More than the performance, it is the humanity and the generosity of the work that it is advisable to greet today.

The flamenco of Raphaël Faÿs is naturally its own music, which he wants to share with the public. He pursues his road and asserts himself by his own style !
http://www.raphaelfays.com/biographie_gb.htm

///////

BIOGRAFÍA
SU CARRERA SUS INFLUENCIAS
Raphaël Faÿs nació la guitarra entre los brazos, de un padre guitarrista de Jazz que tuvo un relámpago y prometedor comienzo de carrera. Trabaja el repertorio de su maestro Django Reinhardt y es reconocido como el heredero excepcionalmente dotado de la tradición. El mundo musical de Raphaël Faÿs atraviesa Europa. Su obra está constituida por una gran experiencia guitarrística. El mundo musical de Raphaël Faÿs atraviesa Europa. Su obra está constituida por una gran experiencia guitarrística.

SU ATRACCIÓN PARA EL FLAMENCO
Le gusta el flamenco desde 1987 cuando conoció a Paco de Lucía en París. En el mismo tiempo ya es reconocido como un virtuoso de la guitarra clásica tanto como de la guitarra de jazz.
Aunque su facilidad instrumental favorece un rápido aprendizaje de la técnica flamenca que interpreta con la "poua" llamada púa, parece que, por modestia sin duda, habrá esperado desde hace años antes de atreverse a centrar su obra en este estilo. Ya ha compuesto numerosas obras de inspiración flamenca : bulérias, alégrias, Fandango, un éxito perfecto que expresa brillantemente en su extraordinaria y original interpretación.
Además de los álbumes "Andalucía" en 2008 y "Extremadura" en 2009. Raphaël Faÿs propone hoy su nuevo álbum " Mi Camino Con El Flamenco ".
Madura su obra y su reflexión. Ofrece nuevas versiones de algunas piezas compuestas por el Maestro Paco de Lucia "Entre dos Aguas" y "Rio Ancho" en la expresión de su propio flamenco.
Por lo tanto, propone una nueva iluminación de esta música y en cierto modo amplía los límites Raphaël Fays hace más que fusionar dos estilos, gitanos y flamenco, informa de lo que, más allá de las fronteras de España y de la Europa del Este, es común a estas dos comunidades gitanas, los gitanos europeos y los hispano-andaluces. La vida les arrebató pero su historia es común.
Raros son los músicos que al estilo de Raphaël Faÿs habrán sabido investigar campos musicales tan variados como exigentes con la misma convicción, la misma rectitud y la misma alegría. Más que la interpretación, es la humanidad y la generosidad de la obra lo que conviene saludar hoy.

El flamenco de Raphaël Faÿs es naturalmente su propia música, que quiere compartir con el público. ¡Persigue su camino y se afirma por su propio estilo !
http://www.raphaelfays.com/biographie_gb.htm

www.raphaelfays.com ... 

Colaborador / Contributor:  Mich58

Buddy Cole And The Mellowaires • Sweet And Lovely

 

Edwin LeMar "Buddy" Cole (December 15, 1916 – November 5, 1964), was a jazz pianist and orchestra leader. He played behind a number of pop singers, including Rosemary Clooney, Jill Corey, Johnnie Ray and The Four Lads, who recorded for Columbia Records. As "Buddy Cole and his Trio" he recorded the albums Some Fine Old Chestnuts and New Tricks with Bing Crosby.
Buddy Cole was born in Irving, Illinois, and started his musical career in the theater playing between movies. He moved to Hollywood and played with a couple of bands, most notably the Alvino Rey big band, before becoming a studio musician. Joining the John Scott Trotter orchestra as a pianist in 1947, he worked closely with Bing Crosby for a number of years and in 1954 he began a daily radio show with Crosby supported by a trio comprising Vince Terri on guitar, banjo etc., Don Whittaker on bass and Nick Fatool on drums. Cole played piano and electric organ. He and Crosby built up a large library of songs which could then be inserted into the show. Cole also recorded a similar library of songs with Rosemary Clooney (with whom he had previously toured) and these songs together with those of Crosby's were employed in The Bing Crosby – Rosemary Clooney Show (1960-1962). Albums with his combo were recorded on piano and Hammond organ. 

 

///////

 

 Edwin LeMar "Buddy" Cole (15 de diciembre de 1916 - 5 de noviembre de 1964), fue pianista de jazz y director de orquesta. Tocó detrás de varios cantantes pop, incluyendo Rosemary Clooney, Jill Corey, Johnnie Ray y The Four Lads, que grabó para Columbia Records. Como "Buddy Cole y su Trío" grabó los álbumes Some Fine Old Chestnuts y New Tricks con Bing Crosby.
Buddy Cole nació en Irving, Illinois, y comenzó su carrera musical en el teatro tocando entre películas. Se mudó a Hollywood y tocó con un par de bandas, sobre todo con la big band de Alvino Rey, antes de convertirse en músico de estudio. Se unió a la orquesta de John Scott Trotter como pianista en 1947, trabajó estrechamente con Bing Crosby durante varios años y en 1954 comenzó un programa de radio diario con Crosby apoyado por un trío compuesto por Vince Terri en la guitarra, el banjo, etc., Don Whittaker en el bajo y Nick Fatool en la batería. Cole tocaba el piano y el órgano eléctrico. Él y Crosby construyeron una gran biblioteca de canciones que luego se podían insertar en el programa. Cole también grabó una biblioteca similar de canciones con Rosemary Clooney (con quien había hecho una gira anteriormente) y estas canciones junto con las de Crosby fueron empleadas en The Bing Crosby - Rosemary Clooney Show (1960-1962). Los álbumes con su combinación se grabaron en el piano y el órgano Hammond.  

 

Johnny Beecher • [Of Sax 5th Ave.] On The Scene

 

American soul-jazz and hard bop tenor saxophonist. Pseudonym used by Plas Johnson to avoid contract disputes when recording for CRC Charter label.
https://www.discogs.com/artist/1117212-Johnny-Beecher

///////

Saxofonista tenor estadounidense de soul-jazz y hard bop. Seudónimo utilizado por Plas Johnson para evitar disputas contractuales cuando grababa para el sello CRC Charter.
https://www.discogs.com/artist/1117212-Johnny-Beecher

John Patton • Along Came John

Review:
by Stephen Thomas Erlewine

By the time John Patton recorded Along Came John, his debut as a leader, he had already become a familiar name around the Blue Note studios. He, guitarist Grant Green, and drummer Ben Dixon had become the label's regular soul-jazz rhythm section, playing on sessions by Lou Donaldson, Don Wilkerson, and Harold Vick, among others. They had developed an intuitive, empathetic interplay that elevated many of their sessions to near-greatness, at least in the realm of soul-jazz. That's one of the reasons why Along Came John is so successful -- the three know each other so well that their grooves are totally natural, which makes them quite appealing. These original compositions may not all be memorable, but the band's interaction, improvisation, and solos are. Tenor saxophonists Fred Jackson and Harold Vick provide good support, as well, but the show belongs to Patton, Green, and Dixon, who once again prove they are one of the finest soul-jazz combos of their era.

///////

Reseña:
por Stephen Thomas Erlewine

Por el equipo John Patton grabado Canto John, su debut en la líder, he he hecho ya un familiar name alrededor de los Blue Note studios. , Que se estrenará en el mes de mayo de este año, en la que participará en el Festival Internacional de Cine de Cannes. Han sido desarrollados un intuitivo, empathetic interplay que elevó muchos de sus sesiones a cerca de la grandeza, al menos en el reino del soul-jazz. Que es una de las razones por las que el Came Juan es tan exitoso - los tres saben cada uno de ellos tan bien que sus grooves son totalmente naturales, que las marcas ellos quita la aparición. Estos originales composiciones no pueden ser memorables, pero la banda de interacción, improvisación, y los suelos. , Que se ha convertido en una de las mejores películas de la saga de la saga Crepúsculo.

The Retroliners • Subway Surfing

 

 

 

www.retroliners.com ...

The New John Handy Quintet With Bobby Hutcherson • New View!

 

Review:
by Scott Yanow
Altoist John Handy's 1967 quintet included vibraphonist Bobby Hutcherson, the up and coming guitarist Pat Martino, bassist Albert Stinson and drummer Doug Sides. They really stretch out on three pieces (John Coltrane's "Naima" and an original), and New View is highlighted by Handy's emotional and episodic "Tears of Ole Miss (Anatomy of a Riot)," which clocks in at 23:45. The inside/outside music is quite picturesque, emotional, and ultimately logical. It is a pity that John Handy did not make more of an impact on the mainstream of jazz, but his three Columbia studio albums still sound fresh decades later.
https://www.allmusic.com/album/new-view-mw0000619276?1640617946976

///////

Reseña:
por Scott Yanow
El quinteto del contralto John Handy de 1967 incluía al vibrafonista Bobby Hutcherson, al prometedor guitarrista Pat Martino, al bajista Albert Stinson y al baterista Doug Sides. Se extienden realmente en tres piezas ("Naima" de John Coltrane y una original), y New View destaca por la emotiva y episódica "Tears of Ole Miss (Anatomy of a Riot)" de Handy, que dura 23:45. La música interior/exterior es bastante pintoresca, emocional y, en última instancia, lógica. Es una lástima que John Handy no tuviera más impacto en la corriente principal del jazz, pero sus tres álbumes de estudio de Columbia siguen sonando frescos décadas después.
https://www.allmusic.com/album/new-view-mw0000619276?1640617946976

www.johnhandy.com ...

VA • Essential Rockabilly - The Capitol Story

 

Doug Raney Trio • Blues, Ballads, Bebop And A Blue Girl

 

Doug Raney is a brilliant guitarist whose style is firmly rooted in the bebop and classic modern jazz traditions. He has lived in Copenhagen for more than 30 years, shortly after he first visited the Danish capital during a duo tour with his father and famous guitarst, Jimmy Raney.

Living in Denmark may have decreased his visibility to the American audience, but he has created a substantial body of thoughful, emotionally subtle, and powerful jazz and recorded for the Danish label Steeple Chase as well as the Japanese label Marshmallow Records.

His latest Marshmallow CD is a delight! From the opening track "Oblivion," the listner is captivated by his warm tone, impeccable technique, flowing sense of swing, and a perfect balance of lyricism and emotion. Veteran bassist -- and one of the best in Europe -- Jesper Lundgaard provides great support at the bottom end, while the younger Morten Lund adds much color to the proceedings with his delicate and brilliant drumming.

This is a wonderful guitar trio album. Strongly recommended for fans of the jazz guitar!

///////

Doug Raney es un brillante guitarrista cuyo estilo está firmemente arraigado en las tradiciones del bebop y el jazz moderno clásico. Vive en Copenhague desde hace más de 30 años, desde que visitó por primera vez la capital danesa durante una gira a dúo con su padre y famoso guitarrista, Jimmy Raney.

Puede que el hecho de vivir en Dinamarca haya disminuido su visibilidad para el público estadounidense, pero ha creado un importante corpus de jazz reflexivo, emocionalmente sutil y poderoso, y ha grabado para el sello danés Steeple Chase y para el japonés Marshmallow Records.

Su último CD para Marshmallow es una delicia. Desde el primer tema, "Oblivion", el oyente queda cautivado por su tono cálido, su técnica impecable, su fluido sentido del swing y su perfecto equilibrio entre lirismo y emoción. El veterano bajista -y uno de los mejores de Europa- Jesper Lundgaard proporciona un gran apoyo en el extremo inferior, mientras que el más joven Morten Lund añade mucho color a las actuaciones con su delicada y brillante batería.

Este es un maravilloso álbum de trío de guitarras. Muy recomendable para los aficionados a la guitarra de jazz.

 

www.jonraney.com ...

Colaborador / Contributor:  Ketmokin

Bill Black's Combo • That Wonderful Feeling

 

Si Zentner and His Orchestra • It's Nice to Go Trav'ling

Simon Hugh "Si" Zentner (June 13, 1917 in New York City – January 31, 2000 in Las Vegas, Nevada) was an American trombonist and jazz big-band leader.
Zentner played violin from age four and picked up trombone a few years later. As a teenager, he was awarded the Guggenheim Foundation Philharmonic Scholarship. He attended college for music and had intended to pursue a career in classical music, but became more interested in pop music after recording with Andre Kostelanetz. Zentner played in the bands of Les Brown, Harry James, and Jimmy Dorsey in the 1940s, then moved to Los Angeles, where he worked as a studio musician. He also landed a job with MGM from 1949 to the mid-50s, and was involved in the music for films such as Singin' in the Rain and A Star Is Born.
In the late 1950s Zentner put together his own studio big band and signed with Bel Canto Records. The Zentner band began recording for Liberty Records in 1959 releasing numerous successful pop/jazz albums during the 1960s and touring steadily with a large well-rehearsed outfit. He also briefly recorded for RCA Victor. Zentner was a tireless promoter and claimed to have played 178 consecutive one-night performances when the band was at its peak. His ensemble was voted "Best Big Band" for 13 straight years by Down Beat, and Zentner himself was voted Best Trombonist in Playboy Jazz Readers' Poll. Zentner was known for his bold, brash and bright playing with great breath control and distinctive vibrato. In 1962, his album Up a Lazy River (Big Band Plays the Big Hits, Vol. 2) (arranged by Bob Florence) won a Grammy Award for Best Pop Instrumental Performance.
Zentner's success was thoroughly unusual; he had a thriving big band going at a time when big band music was, for the most part, on the wane. The general downturn in interest eventually caught up to him, and by mid-decade the orchestra performed only on a limited basis despite recording through the late 1960s. He then moved to Las Vegas and accompanied Mel Tormé at the Blue Room of the Tropicana Hotel. In 1968 he became musical director of the long-running Vegas show Folies Bergere. It wasn't until the 1990s that Zentner returned to big band performance, assembling a new group and releasing several more albums. He suffered from leukemia late in life, though he continued performing into 1999; he died of the disease in early 2000.

///////

 Traducción Automática:

Simon Hugh "Si" Zentner (13 de junio de 1917 en la ciudad de Nueva York - 31 de enero de 2000 en Las Vegas, Nevada) fue un trombonista estadounidense y líder de grandes bandas de jazz.
Zentner tocó el violín desde los cuatro años y recogió el trombón unos años más tarde. En su adolescencia, recibió la Beca Filarmónica de la Fundación Guggenheim. Asistió a la universidad para la música y tenía la intención de seguir una carrera en la música clásica, pero se interesó más en la música pop después de grabar con Andre Kostelanetz. Zentner tocó en las bandas de Les Brown, Harry James y Jimmy Dorsey en la década de 1940, luego se mudó a Los Ángeles, donde trabajó como músico de estudio. También consiguió un trabajo en MGM desde 1949 hasta mediados de los 50, y participó en la música para películas como Singin 'in the Rain y A Star Is Born.
A fines de la década de 1950, Zentner armó su propia banda de estudio y firmó con Bel Canto Records. La banda Zentner comenzó a grabar para Liberty Records en 1959 lanzando numerosos álbumes de pop / jazz exitosos durante la década de 1960 y haciendo giras de manera constante con un gran conjunto bien ensayado. También grabó brevemente para RCA Victor. Zentner fue un incansable promotor y afirmó haber tocado 178 actuaciones consecutivas de una noche cuando la banda estaba en su apogeo. Su conjunto fue votado como "Mejor Big Band" por 13 años consecutivos por Down Beat, y el mismo Zentner fue elegido Mejor Trombonista en la Encuesta de Lectores de Playboy Jazz. Zentner era conocido por su juego audaz, temerario y brillante con un gran control de la respiración y un vibrato distintivo. En 1962, su álbum Up a Lazy River (Big Band Plays Big Hits, Vol. 2) (organizado por Bob Florence) ganó un Premio Grammy a la Mejor Interpretación Instrumental Pop.
El éxito de Zentner fue completamente inusual; él tenía una gran banda próspera en un momento en que la música de la gran banda estaba, en su mayor parte, en decadencia. La recesión general en el interés finalmente lo alcanzó, y para mediados de la década la orquesta actuó solo de manera limitada a pesar de la grabación hasta fines de los años sesenta. Luego se mudó a Las Vegas y acompañó a Mel Tormé en la habitación azul del hotel Tropicana. En 1968 se convirtió en director musical del espectáculo Folies Bergere de Las Vegas. No fue hasta la década de 1990 que Zentner regresó a la actuación de big band, formando un nuevo grupo y lanzando varios álbumes más. Sufrió leucemia en una etapa avanzada de la vida, aunque continuó actuando en 1999; Murió de la enfermedad a principios de 2000.

Modern Jazz Quartet & The All-Star Jazz Band • Jazz Dialogue

 

Review:
by Scott Yanow

This is an unusual record in The Modern Jazz Quartet's discography for it matches The MJQ (vibraphonist Milt Jackson, pianist John Lewis, bassist Percy Heath and drummer Connie Kay) with an all-star big band that is comprised of a dozen horns and guitarist Howard Collins. Unfortunately the orchestra (which has a pretty impressive lineup) is used exclusively for backup of the rhythm section and none of the horns have any solos. The music, which is highlighted by new versions of such standbys as "Django," "Ralph's New Blues" and "The Golden Striker," is enjoyable enough although this LP does not live up to its potential.

https://www.allmusic.com/album/jazz-dialogue-mw0000659193

///////

Reseña:
por Scott Yanow

Este es un disco inusual en la discografía de The Modern Jazz Quartet, ya que combina a The MJQ (el vibrafonista Milt Jackson, el pianista John Lewis, el bajista Percy Heath y el baterista Connie Kay) con una big band de estrellas compuesta por una docena de vientos y el guitarrista Howard Collins. Desgraciadamente, la orquesta (que tiene una formación bastante impresionante) se utiliza exclusivamente como respaldo de la sección rítmica y ninguno de los vientos tiene ningún solo. La música, en la que destacan las nuevas versiones de clásicos como "Django", "Ralph's New Blues" y "The Golden Striker", es bastante agradable, aunque este LP no está a la altura de su potencial.

https://www.allmusic.com/album/jazz-dialogue-mw0000659193

Art Pepper • Surf Ride

 

Biography by Matt Collar
With his lyrical, swinging style, alto saxophonist Art Pepper is recognized as one of the major jazz stars to emerge out of the West Coast jazz scene of the 1950s. A gifted soloist by his teens, Pepper initially drew attention touring as a member Stan Kenton's band before launching his solo career. He achieved almost instant fame, famously finishing second behind Charlie Parker as best alto saxophonist (he also occasionally played clarinet and tenor sax) in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. Along with artists like Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne, and others, Pepper became synonymous with the laid-back West Coast jazz sound. However, he was also a heroin addict, and his career was often sidelined due to drug-related stints in prison. Nonetheless, he remained a vital performer, issuing albums like 1959's Plus Eleven and 1960's Intensity. After entering the Synanon drug rehabilitation program in the late '60s, Pepper resurrected his career. Working alongside his wife and manager Laurie Pepper, he recorded a series of comeback albums including 1975's Living Legend and 1980's Straight Life (also the title of his 1980 memoir) which found him embracing a more muscular, hard bop and modal sound influenced by John Coltrane. Despite, or perhaps because of his troubled career, Pepper -- who died of a stroke in 1982 -- remains a dualistic symbol for both the fallen jazz star and journeyman who never gave up.

Arthur Edward Pepper, Jr. was born in 1925 in Gardena, California to a merchant seaman father and teenage mother. Both of his parents struggled with alcoholism and the young Pepper was sent to live with his paternal grandmother in nearby San Pedro. Growing up, he expressed an interest in music and started taking clarinet lessons at age nine and switched to alto saxophone at age 13. By the time he was 15, he was attending jazz and blues jam sessions at largely African-American clubs on Central Avenue in downtown Los Angeles, playing with drummer Lee Young, saxophonist Benny Carter, and others. He was still a teenager when he joined Stan Kenton's band, touring the U.S. until he was drafted into the Army in 1943. Following his discharge after World War II, Pepper returned to Los Angeles, where he again joined Kenton's ensemble, playing alongside bandmates like Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino, and others.

By the early '50s, Pepper was a star, widely regarded as one of the best alto saxophonists in the country. Though he had only appeared on a handful of recordings, he was popular enough to finish second behind Charlie Parker in the 1952 DownBeat magazine readers' poll. However, it was also during this initial career ascent that he was arrested and sent to prison on drug-related charges stemming from heroin addiction; an issue that plagued him throughout his career and resulted in a number of incarcerations. Released from prison in 1956, Pepper quickly made up for lost time, recording a number of classic albums including Art Pepper Meets the Rhythm Section featuring Miles Davis bandmates Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones, Surf Ride with Russ Freeman and Hampton Hawes, and Playboys with trumpeter Chet Baker. All of these albums showcased Pepper's fluid, bop-informed improvisational style and singing tone, solidifying his reputation as one of the architects of the cool, West Coast jazz sound. There were also sessions with Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre, and others.

Pepper had a number of well-regarded albums issued in the early '60s including Intensity with pianist Dolo Coker, Smack Up with trumpeter Jack Sheldon, and Gettin' Together!, which again found him backed by Miles Davis' rhythm section of Red Garland, Paul Chambers, and Philly Joe Jones. However, while he remained a popular artist, much of his career was sidelined during the '60s as he served time in prison, including two stints at San Quentin, where he played in a group with fellow saxophonist Frank Morgan. Following his final release from prison, Pepper entered the drug rehabilitation program Synanon based in Santa Monica. There he met and eventually married his third wife, photographer Laurie Pepper, who also became his manager. With the use of methadone, the saxophonist entered a period of recovery which found him recording more and more throughout the '70s.

Living Legend arrived in 1975 on Contemporary Records and found Pepper playing with longtime associates pianist Hampton Hawes, bassist Charlie Haden, and drummer Shelly Manne. The album also revealed his transition toward a more aggressive, harmonically complex approach influenced by the work of John Coltrane. Equally earthy and soulful albums followed including 1976's The Trip, 1977's No Limit, and 1978's Among Friends. In the late '70s, Pepper signed a contract with Galaxy Records and issued a slew of albums for the label that found him striking a balance between his earlier West Coast style and latter-career interest in Coltrane's music. Art Pepper Today arrived in 1979 and featured pianist Stanley Cowell, bassist Cecil McBee, and drummer Roy Haynes.

In 1980, Pepper published his autobiography, Straight-Life, co-written with Laurie, in which he openly discussed his career and issues with drugs and prison. He continued to record often throughout his later years, issuing albums on the Galaxy and Artist House labels, including 1980's So in Love and 1984's Artworks. He often paired with pianist George Cables, issuing two 1982 duets albums with Tete-a-Tete and Goin' Home. It was at the height of his comeback that Pepper died of a stroke on June 15, 1982 in Los Angeles at the age of 56. Following his death, Laurie continued to issue many bootleg and previously unreleased sessions by the saxophonist on her Widow's Taste imprint. She also paired with Omnivore Records for a series of compilations detailing his Galaxy and Artist House albums, including 2017's Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, and 2019's Promise Kept: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography

///////

Biografía de Matt Collar
Con su estilo lírico y oscilante, el saxofonista alto Art Pepper es reconocido como una de las principales estrellas del jazz que surgieron de la escena del jazz de la Costa Oeste de la década de 1950. Pepper, un talentoso solista en su adolescencia, inicialmente llamó la atención de gira como miembro de la banda de Stan Kenton antes de lanzar su carrera en solitario. Alcanzó fama casi instantánea, quedando en segundo lugar detrás de Charlie Parker como mejor saxofonista alto (también tocó ocasionalmente clarinete y saxo tenor) en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Junto con artistas como Chet Baker, Gerry Mulligan, Shelly Manne y otros, Pepper se convirtió en sinónimo del relajado sonido del jazz de la Costa Oeste. Sin embargo, también era adicto a la heroína, y su carrera a menudo quedó al margen debido a períodos en prisión relacionados con las drogas. No obstante, siguió siendo un intérprete vital, publicando álbumes como Plus Eleven de 1959 e Intensity de 1960. Después de ingresar al programa de rehabilitación de drogas Synanon a fines de los 60, Pepper resucitó su carrera. Trabajando junto a su esposa y manager Laurie Pepper, grabó una serie de álbumes de regreso, incluidos Living Legend de 1975 y Straight Life de 1980 (también el título de sus memorias de 1980), que lo encontraron adoptando un sonido más musculoso, hard bop y modal influenciado por John Coltrane. A pesar de, o quizás debido a su problemática carrera, Pepper, quien murió de un derrame cerebral en 1982, sigue siendo un símbolo dualista tanto para la estrella caída del jazz como para journeyman que nunca se rindió.

Arthur Edward Pepper, Jr. nació en 1925 en Gardena, California, de padre marinero mercante y madre adolescente. Sus dos padres lucharon contra el alcoholismo y el joven Pepper fue enviado a vivir con su abuela paterna en la cercana San Pedro. Al crecer, expresó su interés por la música y comenzó a tomar lecciones de clarinete a los nueve años y cambió al saxofón alto a los 13 años. Cuando tenía 15 años, asistía a sesiones improvisadas de jazz y blues en clubes mayoritariamente afroamericanos en Central Avenue en el centro de Los Ángeles, tocando con el baterista Lee Young, el saxofonista Benny Carter y otros. Todavía era un adolescente cuando se unió a la banda de Stan Kenton, recorriendo los EE.UU. hasta que fue reclutado por el Ejército en 1943. Tras su baja después de la Segunda Guerra Mundial, Pepper regresó a Los Ángeles, donde nuevamente se unió al conjunto de Kenton, tocando junto a compañeros de banda como Conte Candoli, Lee Konitz, Frank Rosolino y otros.

A principios de los 50, Pepper era una estrella, ampliamente considerado como uno de los mejores saxofonistas altos del país. Aunque solo había aparecido en un puñado de grabaciones, fue lo suficientemente popular como para terminar segundo detrás de Charlie Parker en la encuesta de lectores de la revista DownBeat de 1952. Sin embargo, también fue durante este ascenso inicial en su carrera que fue arrestado y enviado a prisión por cargos relacionados con drogas derivados de la adicción a la heroína; un problema que lo plagó a lo largo de su carrera y resultó en una serie de encarcelamientos. Liberado de prisión en 1956, Pepper recuperó rápidamente el tiempo perdido, grabando una serie de álbumes clásicos que incluían Art Pepper Meets the Rhythm Section con los compañeros de banda de Miles Davis Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones, Surf Ride con Russ Freeman y Hampton Hawes, y Playboys con el trompetista Chet Baker. Todos estos álbumes mostraron el estilo fluido de improvisación y el tono de canto de Pepper, informado por el bop, solidificando su reputación como uno de los arquitectos del sonido fresco del jazz de la Costa Oeste. También hubo sesiones con Wane Marsh, Herb Ellis, Jimmy Giuffre y otros.

Pepper tuvo una serie de álbumes bien considerados publicados a principios de los 60, incluidos Intensity con el pianista Dolo Coker, Smack Up con el trompetista Jack Sheldon y Gettin 'Together!, que nuevamente lo encontró respaldado por la sección rítmica de Miles Davis de Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jones. Sin embargo, aunque siguió siendo un artista popular, gran parte de su carrera quedó al margen durante los años 60 mientras cumplía condena en prisión, incluidas dos temporadas en San Quintín, donde tocó en un grupo con su compañero saxofonista Frank Morgan. Después de su liberación final de la prisión, Pepper ingresó al programa de rehabilitación de drogas Synanon con sede en Santa Mónica. Allí conoció y finalmente se casó con su tercera esposa, la fotógrafa Laurie Pepper, quien también se convirtió en su manager. Con el uso de metadona, el saxofonista entró en un período de recuperación que lo encontró grabando más y más a lo largo de los años 70.

Living Legend llegó en 1975 a Contemporary Records y encontró a Pepper tocando con el pianista Hampton Hawes, el bajista Charlie Haden y la baterista Shelly Manne. El álbum también reveló su transición hacia un enfoque más agresivo y armónicamente complejo influenciado por el trabajo de John Coltrane. Le siguieron álbumes igualmente terrenales y conmovedores, incluidos The Trip de 1976, No Limit de 1977 y Among Friends de 1978. A finales de los 70, Pepper firmó un contrato con Galaxy Records y publicó una gran cantidad de álbumes para el sello que lo encontraron logrando un equilibrio entre su estilo anterior de la Costa Oeste y el interés de su última carrera en la música de Coltrane. Art Pepper Today llegó en 1979 y contó con el pianista Stanley Cowell, el bajista Cecil McBee y el baterista Roy Haynes.

En 1980, Pepper publicó su autobiografía, Straight-Life, coescrita con Laurie, en la que hablaba abiertamente de su carrera y sus problemas con las drogas y la prisión. Continuó grabando a menudo a lo largo de sus últimos años, publicando álbumes en los sellos Galaxy y Artist House, incluidos So in Love de 1980 y Artworks de 1984. A menudo se emparejó con el pianista George Cables, publicando dos álbumes de duetos en 1982 con Tete-a-Tete y Goin ' Home. Fue en el apogeo de su regreso que Pepper murió de un derrame cerebral el 15 de junio de 1982 en Los Ángeles a la edad de 56 años. Después de su muerte, Laurie continuó publicando muchas sesiones piratas e inéditas del saxofonista en su sello Widow's Taste. También se asoció con Omnivore Records para una serie de compilaciones que detallan sus álbumes Galaxy y Artist House, incluido Art Pepper Presents: West Coast Sessions, Vol. 1: Sonny Stitt, y Promise Kept de 2019: The Complete Artists House Recordings.
https://www.allmusic.com/artist/art-pepper-mn0000505047#biography