egroj world: 2020

sábado, 28 de marzo de 2020

John Patton • Accent On The Blues



Seven of the ten tracks here were cut in 1969 by organist Patton, guitarist Blood Ulmer, drummer Leroy Williams and Marvin Cabell on tenor sax, sax, cello and flute. During the final three tracks, two previously unreleased, Patton is joined by tenorman George Coleman. Patton didn't receive the attention in the '60s and '70s paid to Jimmy Smith, Jack McDuff, Groove Holmes and Jimmy McGriff, but few B-3 players could approach him. His relaxed work, while always bluesy, was and is consistently fresh. His phrases may seem familiar, but aren't cliches. He's also got an excellent left hand, and really knows when to punctuate with it, and structures his solos lucidly. John composes well, too. His sophisticated tunes are, like his playing, deceptively simple.

Even at this early stage in his career Ulmer's impressive, displaying a strong Wes Montgomery influence while improvising inventively and with discipline. Coleman, in good form, plays rich, many-noted phrases. Like him, Cabell's been marked by John Coltrane. Although he doesn't have anything like Coleman's chops, Marvin's thoughtful playing is worth hearing. ~ Harvey Pekar

Most John Patton albums are hard-driving, edgy soul-jazz and funk, and the title of Accent on the Blues makes the record seem like it would be no different than his other sessions. Accent On The Blues CD music Of course, that isn't the case. Accent on the Blues is among the most atmospheric music Patton has ever made. While it stops short of being free, it's hardly funky soul-jazz, and that may disappoint some fans of his rip-roaring style. Nevertheless, the album is a rewarding listen, primarliy because it displays a more reflective side of his talent, demonstrating that he can hold his own among the likes of guitarist James Blood Ulmer and saxophonist Marvin Cabell. ~ Stephen Thomas Erlewine

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Siete de las diez canciones aquí fueron cortadas en 1969 por el organista Patton, el guitarrista Blood Ulmer, el baterista Leroy Williams y Marvin Cabell en saxo tenor, saxo, cello y flauta. En los tres últimos temas, dos de ellos inéditos, Patton está acompañado por el tenor George Coleman. Patton no recibió la atención que en los años 60 y 70 se le prestó a Jimmy Smith, Jack McDuff, Groove Holmes y Jimmy McGriff, pero pocos jugadores de B-3 pudieron acercarse a él. Su trabajo relajado, aunque siempre azul, era y es constantemente fresco. Sus frases pueden parecer familiares, pero no son clichés. También tiene una excelente mano izquierda, y realmente sabe cuando puntuar con ella, y estructura sus solos lúcidamente. John también compone bien. Sus sofisticadas melodías son, como su forma de tocar, engañosamente simples.

Incluso en esta etapa temprana de su carrera, Ulmer es impresionante, mostrando una fuerte influencia de Wes Montgomery mientras improvisa con inventiva y disciplina. Coleman, en buena forma, toca frases ricas y con muchas notas. Como él, Cabell ha sido marcado por John Coltrane. Aunque no tiene nada que ver con las chuletas de Coleman, vale la pena escuchar la forma de tocar de Marvin. ~ Harvey Pekar

La mayoría de los álbumes de John Patton son duros, soul-jazz y funk, y el título de Accent on the Blues hace que el disco parezca que no sería diferente de sus otras sesiones. La música del CD de Accent On The Blues Por supuesto, ese no es el caso. Accent on the Blues es una de las músicas más atmosféricas que Patton ha hecho. Aunque no llega a ser gratis, no es un soul-jazz funky, y eso puede decepcionar a algunos fans de su estilo rip-roaring. Sin embargo, el álbum es una escucha gratificante, sobre todo porque muestra un lado más reflexivo de su talento, demostrando que puede sostenerse entre los gustos del guitarrista James Blood Ulmer y el saxofonista Marvin Cabell. ~ Stephen Thomas Erlewine


Reverend Gary Davis (Blind Gary Davis) • 1935-1949



Biography by Bruce Eder
In his prime of life, which is to say the late '20s, the Reverend Gary Davis was one of the two most renowned practitioners of the East Coast school of ragtime guitar; 35 years later, despite two decades spent playing on the streets of Harlem in New York, he was still one of the giants in his field, playing before thousands of people at a time, and an inspiration to dozens of modern guitarist/singers including Bob Dylan, Taj Mahal, and Donovan; and Jorma Kaukonen, David Bromberg, and Ry Cooder, who studied with Davis.

Davis was partially blind at birth, and lost what little sight he had before he was an adult. He was self-taught on the guitar, beginning at age six, and by the time he was in his 20s he had one of the most advanced guitar techniques of anyone in blues; his only peers among ragtime-based players were Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, and Blind Willie Johnson. Davis himself was a major influence on Blind Boy Fuller.

Davis' influences included gospel, marches, ragtime, jazz, and minstrel hokum, and he integrated them into a style that was his own. In 1911, when Davis was a still teenager, the family moved to Greenville, SC, and he fell under the influence of such local guitar virtuosi as Willie Walker, Sam Brooks, and Baby Brooks. Davis moved to Durham in the mid-'20s, by which time he was a full-time street musician. He was celebrated not only for the diversity of styles that his playing embraced, but also for his skills with the guitar, which were already virtually unmatched in the blues field.

Davis went into the recording studio for the first time in the '30s with the backing of a local businessman. Davis cut a mixture of blues and spirituals for the American Record Company label, but there was never an equitable agreement about payment for the recordings, and following these sessions, it was 19 years before he entered the studio again. During that period, he went through many changes. Like many other street buskers, Davis always interspersed gospel songs amid his blues and ragtime numbers, to make it harder for the police to interrupt him. He began taking the gospel material more seriously, and in 1937 he became an ordained minister. After that, he usually refused to perform any blues.

Davis moved to New York in the early '40s and began preaching and playing on street corners in Harlem. He recorded again at the end of the 1940s, with a pair of gospel songs, but it wasn't until the mid-'50s that a real following for his work began developing anew. His music, all of it now of a spiritual nature, began showing up on labels such as Stinson, Folkways, and Riverside, where he recorded seven songs in early 1956. Davis was "rediscovered" by the folk revival movement, and after some initial reticence, he agreed to perform as part of the budding folk music revival, appearing at the Newport Folk Festival, where his raspy voiced sung sermons; most notably his transcendent "Samson and Delilah (If I Had My Way)" -- a song most closely associated with Blind Willie Johnson -- and "Twelve Gates to the City," which were highlights of the proceedings for several years. He also recorded a live album for the Vanguard label at one such concert, as well as appearing on several Newport live anthology collections. He was also the subject of two television documentaries, one in 1967 and one in 1970.

Davis became one of the most popular players on the folk revival and blues revival scenes, playing before large and enthusiastic audiences; most of the songs that he performed were spirituals, but they weren't that far removed from the blues that he'd recorded in the 1930s, and his guitar technique was intact. Davis' skills as a player, on the jumbo Gibson acoustic models that he favored, were undiminished, and he was a startling figure to hear, picking and strumming complicated rhythms and counter-melodies. Davis became a teacher during this period, and his students included some very prominent white guitar players, including David Bromberg and the Jefferson Airplane's Jorma Kaukonen (who later recorded Davis' "I'll Be Alright" on his acclaimed solo album Quah!).

The Reverend Gary Davis left behind a fairly large body of modern (i.e. post-World War II) recordings, well into the 1960s, taking the revival of his career in his stride as a way of carrying the message of the gospel to a new generation. He even recorded anew some of his blues and ragtime standards in the studio, for the benefit of his students.

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Biografía de Bruce Eder
En la flor de la vida, es decir, a finales de los años 20, el reverendo Gary Davis fue uno de los dos practicantes más renombrados de la escuela de guitarra ragtime de la Costa Este; 35 años más tarde, a pesar de las dos décadas que pasó tocando en las calles de Harlem en Nueva York, seguía siendo uno de los gigantes en su campo, tocando ante miles de personas a la vez, y una inspiración para docenas de guitarristas/cantantes modernos como Bob Dylan, Taj Mahal y Donovan; y Jorma Kaukonen, David Bromberg y Ry Cooder, que estudiaron con Davis.

Davis era parcialmente ciego de nacimiento y perdió la poca visión que tenía antes de ser adulto. Fue autodidacta en la guitarra, a partir de los seis años, y para cuando tenía veintitantos años ya tenía una de las técnicas de guitarra más avanzadas de todo el mundo en el blues; sus únicos compañeros entre los músicos de ragtime eran Blind Arthur Blake, Blind Lemon Jefferson, y Blind Willie Johnson. El mismo Davis fue una gran influencia en Blind Boy Fuller.

Las influencias de Davis incluyeron gospel, marchas, ragtime, jazz, y minstrel hokum, y los integró en un estilo que era el suyo propio. En 1911, cuando Davis era todavía un adolescente, la familia se mudó a Greenville, SC, y cayó bajo la influencia de virtuosos locales de la guitarra como Willie Walker, Sam Brooks y Baby Brooks. Davis se mudó a Durham a mediados de los años 20, cuando ya era músico callejero a tiempo completo. Fue celebrado no sólo por la diversidad de estilos que abrazaba, sino también por sus habilidades con la guitarra, que ya eran prácticamente inigualables en el campo del blues.

Davis entró al estudio de grabación por primera vez en los años 30 con el apoyo de un empresario local. Davis cortó una mezcla de blues y spirituals para el sello American Record Company, pero nunca hubo un acuerdo equitativo sobre el pago por las grabaciones, y después de estas sesiones, pasaron 19 años antes de que él entrara de nuevo al estudio. Durante ese período, pasó por muchos cambios. Como muchos otros músicos callejeros, Davis siempre intercalaba canciones gospel entre sus números de blues y ragtime, para hacer más difícil que la policía lo interrumpiera. Comenzó a tomar más en serio el material evangélico, y en 1937 se convirtió en ministro ordenado. Después de eso, por lo general se negaba a tocar blues.

Davis se mudó a Nueva York a principios de los años 40 y comenzó a predicar y a tocar en las esquinas de Harlem. Volvió a grabar a finales de la década de 1940, con un par de canciones gospel, pero no fue hasta mediados de los años 50 que un verdadero seguidor de su trabajo comenzó a desarrollarse de nuevo. Su música, toda de naturaleza espiritual, comenzó a aparecer en sellos como Stinson, Folkways y Riverside, donde grabó siete canciones a principios de 1956. Davis fue "redescubierto" por el movimiento de renacimiento folclórico, y después de algunas reticencias iniciales, aceptó actuar como parte del renacimiento de la música folclórica en ciernes, apareciendo en el Festival Folclórico de Newport, donde sus sermones cantados con voz ronca; más notablemente su trascendente "Samson and Delilah (If I Had My Way)" - una canción que está más estrechamente asociada con Blind Willie Johnson - y "Twelve Gates to the City", que fueron los puntos culminantes de las actuaciones durante varios años. También grabó un álbum en vivo para el sello Vanguard en uno de esos conciertos, además de aparecer en varias colecciones de antologías en vivo de Newport. También fue objeto de dos documentales televisivos, uno en 1967 y otro en 1970.

Davis se convirtió en uno de los intérpretes más populares en las escenas de renacimiento del folk y del blues, tocando ante un público grande y entusiasta; la mayoría de las canciones que interpretaba eran espirituales, pero no estaban tan alejadas del blues que había grabado en la década de 1930, y su técnica de guitarra estaba intacta. Las habilidades de Davis como jugador, en los modelos acústicos gigantescos de Gibson que él prefería, no se vieron mermadas, y fue una figura sorprendente para escuchar, escogiendo y rasgueando ritmos complicados y contra-melodías. Davis se convirtió en profesor durante este período, y entre sus alumnos había algunos guitarristas blancos muy prominentes, como David Bromberg y Jorma Kaukonen de Jefferson Airplane (que más tarde grabó "I'll Be Alright" de Davis en su aclamado álbum en solitario Quah!)

El reverendo Gary Davis dejó un cuerpo bastante grande de grabaciones modernas (es decir, después de la Segunda Guerra Mundial), hasta bien entrada la década de 1960, tomando el renacimiento de su carrera en su camino como una forma de llevar el mensaje del evangelio a una nueva generación. Incluso grabó de nuevo algunos de sus estándares de blues y ragtime en el estudio, para el beneficio de sus estudiantes.


Crime Jazz - Season 2 • Vol 5 - Those Choice Moments - TV



El sitio http://thecrimelounge.blogspot.com/, ya inactivo, compiló  una primera sesión de 17 colecciones de música de espías de diferentes géneros, incluyendo "Easy-Listening", las bandas sonoras, temas de televisión, surf, librerías y mucho más, de las cuales podrán encontrar los 12 primeros volúmenes en este blog.
En esta oportunidad comparto los volúmenes de la "segunda temporada", la cual ha sido completada por el usuario dussanderr, el cual la ha compartido generosamente.
Más información:  http://thecrimelounge2.blogspot.com/

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The now inactive http://thecrimelounge.blogspot.com/ site compiled a first session of 17 spy music collections from different genres, including "Easy-Listening", soundtracks, TV themes, surfing, libraries and much more, of which you can find the first 12 volumes in this blog.
In this opportunity I share the volumes of the "second season", which has been completed by the user dussanderr, who has generously shared it.
More information: http://thecrimelounge2.blogspot.com/






Colaborador / Contribuitor:  dussanderr


When Swing Was the Thingː Personality Profiles of the Big Band Era



Over the years John Tumpak developed personal associations with many bandleaders, musicians, vocalists, arrangers, and contributors who participated in the Big Band Era. The unique stories of these and other Era personalities are told in his book, When Swing Was the Thing: Personality Profiles of the Big Band Era, which provides detailed insight into their personal and professional lives and the cultural history of the time. Forty of the publications forty-seven chapters are based on interviews Tumpak conducted with the key players or their immediate family members. Major historic events in the careers of Benny Goodman and Glenn Miller are also included. There are 114 vintage photos, many of which were provided by individuals featured in the book and appear in print for the first time. When Swing Was the Thing provides a descriptive and visual return to the days of that unique period from the mid 1930s to the mid 1940s when fifteen piece swing bands dominated American entertainment, filling ballrooms to capacity, broadcasting on the radio, appearing in the movies, and bringing international fame to the high profile bandleaders.


Historia de la Guitarra • Martín Pedreira



La presente selección de textos tiene como objetivo suministrar una información básica sobre la historia de la guitarra española desde sus probables orígenes y posterior evolución, hasta aproximadamente mediados del pasado siglo, momento que hoy podríamos calificar de una definida universalización de su modalidad concertante.


Dave Brubeck & Bill Smith • Above the Clouds



Billy Martin and Wil Blades • Shimmy



“He is the future to carry on the legend, the legacy of the organ” said Hammond B3 legend Dr. Lonnie Smith about his disciple Wil Blades. We knew Wil Blades as a talented sideman through various collaborations with the likes of Will Bernard, Terrence Brewer, Stanton Moore and Karl Denson. But we didn't expect him to be quite so good and heavy as he teams up with drummer and percussionist Billy Martin. For the first time his dazzling ability to create an overwhelming groove finally stands out, fulfilling Lonnie Smith's prophecy. We won't dither and slither: Shimmy is an important release and it puts Wil in the B3 Hall Of Fame. Paradoxically, he's not reaching those heights in a classic organ trio formation but in a duet. His association with Billy Martin works so well that you can be forgiven for thinking that three people - at least - are playing (do not search in the liner's notes, there is no bass nor guitar). These guys are not really human, they are more like octopuses, multiplying to sound like an orchestra... Building a duet with Billy Martin could have been perilous for Wil Blades, the danger being to be seen or sound like a stand-in organist for John Medeski. The comparison was inevitable but Wil doesn't try to compete at all and find his own vocabular, which wasn't a given. One brilliant idea lies in the addition of a clavinet doubling over the Hammond and adding some extra funkiness to the stainless B3 formula. As for Billy Martin (read the interview we did with him last summer), he writes one of the most glorious chapters of his already brilliant history. Whenever he's alone doing his noisy one percussionman-show, whenever he's playing at two with John Medeski in a more experimental vein (Mago), or playing with MMW or Wicked Knee, he displays the same mastery and boundless creativity. This essential release for every Hammond addict of the soul-jazz-funk party side is no exception.


Biography :
Billy Martin of Medeski Martin and Wood and Wil Blades of Amendola vs Blades, and Stanton Moore Trio came together in 2010 to form this incredible Duo!

Drummer Billy Martin of Medeski, Martin and Wood and up and coming organist Wil Blades come together for a new duo project. The duo’s music is at once danceable and highly improvisational.

With a steady base as one-third of the renowned experimental jazz trio Medeski, Martin, & Wood, drummer Billy Martin has become one of the most forward-thinking, innovative, and influential percussionists in the music world. His ultra-sensitive, hyper-melodic drumming -- which explores the ideas of jazz, hip-hop, electronica, African music, and other genres -- has an organic feel to it, filled with soft, natural edges and fluid energies. When not performing with Medeski Martin & Wood, Martin continues to collaborate with other musicians in improvisational projects, many of which are documented on his own Amulet Records imprint, which he founded in 1995.

Blades, a native Chicago an, has become the San Francisco Bay Area’s first call organist and is rapidly gaining momentum throughout the world. For several years, he has been named in the Downbeat critics poll under “Rising Star” for organ. Wil has kept the traditional sounds of Jimmy Smith, Larry Young, and “Groove” Holmes alive, while creating a more personal, modern sound. Wil has performed and recorded with John Lee Hooker, Dr. Lonnie Smith, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Joe Louis Walker, Don Braden, Donald Harrison, Karl Denson, Will Bernard, Charlie Hunter, Stanton Moore, Anders Osborne Scott Amendola and many others.

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"Él es el futuro para continuar la leyenda, el legado del órgano", dijo la leyenda de Hammond B3, el Dr. Lonnie Smith, sobre su discípulo Wil Blades. Conocimos a Wil Blades como un talentoso sideman a través de varias colaboraciones con Will Bernard, Terrence Brewer, Stanton Moore y Karl Denson. Pero no esperábamos que fuera tan bueno y pesado, ya que se unió al baterista y percusionista Billy Martin. Por primera vez, su deslumbrante habilidad para crear un groove abrumador finalmente se destaca, cumpliendo la profecía de Lonnie Smith. No vacilaremos y nos deslizaremos: Shimmy es un lanzamiento importante y pone a Wil en el Salón de la Fama de B3. Paradójicamente, no está alcanzando esas alturas en una formación clásica de trío de órgano sino en un dúo. Su asociación con Billy Martin funciona tan bien que se puede perdonar que piense que tres personas - por lo menos - están tocando (no busquen en las notas del liner, no hay bajo ni guitarra). Estos tipos no son realmente humanos, son más como pulpos, multiplicándose para sonar como una orquesta... Construir un dúo con Billy Martin podría haber sido peligroso para Wil Blades, el peligro era ser visto o sonar como un organista suplente para John Medeski. La comparación era inevitable, pero Wil no intenta competir en absoluto y encontrar su propio vocabulario, lo cual no era un hecho. Una idea brillante radica en la adición de un clavinet que se duplica sobre el Hammond y añade un poco de funkiness extra a la fórmula inoxidable B3. En cuanto a Billy Martin (lee la entrevista que le hicimos el verano pasado), escribe uno de los capítulos más gloriosos de su ya brillante historia. Siempre que está solo haciendo su ruidoso show de un percusionista, siempre que está tocando a las dos con John Medeski en una vena más experimental (Mago), o tocando con MMW o Wicked Knee, muestra la misma maestría y creatividad sin límites. Este lanzamiento esencial para cada adicto a Hammond del lado de la fiesta del soul-jazz-funk no es una excepción.


Biografía :
Billy Martin de Medeski Martin y Wood and Wil Blades de Amendola vs Blades, y Stanton Moore Trio se unieron en 2010 para formar este increíble Dúo!

El baterista Billy Martin de Medeski, Martin y Wood y el prometedor organista Wil Blades se unen para un nuevo proyecto de dúo. La música del dúo es a la vez bailable y altamente improvisada.

Con una base estable como un tercio del renombrado trío de jazz experimental Medeski, Martin y Wood, el baterista Billy Martin se ha convertido en uno de los percusionistas más progresistas, innovadores e influyentes del mundo de la música. Su batería hipersensible e hipermelódica, que explora las ideas del jazz, el hip-hop, la electrónica, la música africana y otros géneros, tiene una sensación orgánica, llena de bordes suaves y naturales y de energías fluidas. Cuando no está actuando con Medeski Martin & Wood, Martin continúa colaborando con otros músicos en proyectos de improvisación, muchos de los cuales están documentados en su propio sello Amulet Records, que fundó en 1995.

Blades, nativo de Chicago, se ha convertido en el primer organista de la Bahía de San Francisco y está ganando rápidamente impulso en todo el mundo. Durante varios años, ha sido nombrado en la encuesta de los críticos de Downbeat en "Rising Star" para el órgano. Wil ha mantenido vivos los sonidos tradicionales de Jimmy Smith, Larry Young y "Groove" Holmes, creando un sonido más personal y moderno. Wil ha actuado y grabado con John Lee Hooker, Dr. Lonnie Smith, Melvin Sparks, Idris Muhammad, Joe Louis Walker, Don Braden, Donald Harrison, Karl Denson, Will Bernard, Charlie Hunter, Stanton Moore, Anders Osborne Scott Amendola y muchos otros.


The Brian Setzer Orchestra • Don't Mess With A Big Band



Biography:
Every decade has its own retro craze spearheaded by a true believer who brings classic sounds and style back into vogue. Brian Setzer performed this trick not just once but twice, first as the leader of the Stray Cats, the trio that brought rockabilly back into the charts during the '80s, then he helped popularize the swing revival of the '90s with the Brian Setzer Orchestra. Both of these sounds were grounded in the '50s -- that's when rockabilly was born but also the heyday of the kind of jump blues Setzer loved, music by Louis Prima and Big Joe Turner -- and while the Stray Cats were purists of sorts, indebted to the big beat of Eddie Cochran and Gene Vincent, as a solo act Setzer wound up fusing these aesthetics together, playing rockabilly guitar to a swinging beat. With this jumping sound, he cultivated a loyal following -- consisting of not a few latter-day disciples -- that stretched well into the new millennium, developing the long-running, successful career that many of his idols never had.
Those idols -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- loom large in Setzer's oeuvre, but as a kid growing up in Long Island he initially fell for big-band jazz. His first instrument was the euphonium and he played brass in a variety of jazz bands while in school. He'd sneak into classic clubs like the Village Vanguard but he also developed a taste for blues-rock and punk, which led him down the road to rockabilly. Picking up a guitar, he formed the Tomcats with drummer Gary Setzer and Bob Beecher in 1979, the latter also being a running mate of Brian's in the Bloodless Pharaohs. As his infatuation with rockabilly intensified, Setzer devoted himself to the Tomcats, which evolved into the Stray Cats when bassist Lee Rocker and drummer Slim Jim Phantom entered the lineup in late 1979.
Sensing the U.S. wasn't quite ready for their rock & roll, the Stray Cats departed for London in June of 1980, hawking their instruments to get across the Atlantic. Within a few months, they earned the attention of roots rocker Dave Edmunds -- who just happened to appear in the 1973 film That'll Be the Day, playing in a band called the Stray Cats -- and he took them under his wing, producing their 1981 eponymous debut for Arista. Thanks to the singles "Rock This Town" and "Stray Cat Strut," it was a hit, but its 1982 sequel, Gonna Ball, didn't do as well, but highlights from the two LPs were culled for the American album Built for Speed. Thanks to those aforementioned singles, which both received heavy MTV airplay, Built for Speed turned the Stray Cats into stars in the U.S., paving the way for 1983's Rant n Rave with the Stray Cats, which had another major hit in the form of "(She's) Sexy + 17" and a minor one in the form of "I Won't Stand in Your Way."
Success came to the Stray Cats but the group fractured in 1984 and Setzer responded by acting as a sideman for a variety of rockers, most prominently playing in Robert Plant's oldies band the Honeydrippers on a tour. Setzer launched a solo career in 1986 with The Knife Feels Like Justice, a record that found him right in line with the heartland rock of the mid-'80s but didn't generate any hits and, perhaps coincidentally, Setzer returned to the Stray Cats fold that year for Rock Therapy, a reunion that also failed to stir sales. Next up was 1988's Live Nude Guitars, a record that moved him closer to Stray Cats territory but also failed to gain an audience. Next up was another reunion with the Stray Cats, one that lasted for three albums over four years. First was 1989's Blast Off!, which they supported with a tour opening for Stevie Ray Vaughan, but the record reached no higher than 111 on Billboard and EMI dropped them in America. Undaunted, they teamed with Nile Rodgers in 1990 for Let's Go Faster!, a record that appeared on Liberation to little attention; then they returned to their roots for 1992's Choo Choo Hot Fish, a final record recorded with their original producer, Dave Edmunds.
This was the last go-round for the Stray Cats and it was time for a reset for Setzer. He found one with the Brian Setzer Orchestra, where he refashioned his rockabilly boogie for the neo-swing era. Their eponymous debut appeared on Hollywood in 1994 and it did OK on the charts, reaching 158; then corporate restructuring pushed him over to Interscope Records, which put out Guitar Slinger in 1996. That record failed to chart but it laid the groundwork for 1998's The Dirty Boogie, which was a smash hit thanks to a hit cover of Louis Prima's "Jump Jive & Wail." The single peaked at 23 and the record went all the way to nine on the Billboard 200 and if Setzer never scaled those heights again -- the 2000 follow-up, Vavoom!, reached 62 -- he nevertheless found his niche and he ran with it, releasing all manner of swinging big-band records in the new millennium, ranging from a series of Christmas albums (there are at least five seasonal albums in his discography) to swinging covers of classical compositions, most released on SurfDog Records. At times, Setzer would step outside of the Orchestra to return to his rockabilly roots, beginning with 2003's Nitro Burnin' Funny Daddy, running through Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records in 2005, and extending to 2014's Rockabilly Riot! All Original. Setzer celebrated the 25th anniversary of forming the Brian Setzer Orchestra with the release of 25 Live!, a limited-edition Record Store Day 45 of "Gene & Eddie" and "Let There Be Rock," in November of 2017.

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Biografía:
Cada década tiene su propia manía retro encabezada por un verdadero creyente que vuelve a poner de moda los sonidos y el estilo clásico. Brian Setzer realizó este truco no sólo una vez sino dos veces, primero como líder de los Stray Cats, el trío que trajo el rockabilly de vuelta a las listas de éxitos durante los'80, y luego ayudó a popularizar el renacimiento del swing de los'90 con la Brian Setzer Orchestra. Ambos sonidos se basaron en los años 50, cuando nació el rockabilly, pero también en el apogeo del Jump-Blues que tanto le gustaba a Setzer, la música de Louis Prima y Big Joe Turner, y mientras que los Stray Cats eran puristas en cierto modo, en deuda con el gran ritmo de Eddie Cochran y Gene Vincent, cuando un solo acto de Setzer acabó fusionando estas estéticas, tocando la guitarra rockabilly con un ritmo de swinging. Con este sonido de salto, cultivó un seguimiento leal -que consistía en no pocos discípulos de los últimos días- que se extendió hasta bien entrado el nuevo milenio, desarrollando la larga y exitosa carrera que muchos de sus ídolos nunca tuvieron.
Esos ídolos -- Cochran, Vincent, Elvis, Carl Perkins -- ocupan un lugar importante en la obra de Setzer, pero cuando era niño y crecía en Long Island se enamoró inicialmente del jazz de grandes bandas. Su primer instrumento fue el eufonio y tocó metales en una variedad de bandas de jazz mientras estaba en la escuela. Se colaba en clubes clásicos como Village Vanguard, pero también desarrolló un gusto por el blues-rock y el punk, lo que le llevó por el camino del rockabilly. Recogiendo una guitarra, formó los Tomcats con el baterista Gary Setzer y Bob Beecher en 1979, siendo este último también compañero de fórmula de Brian en los Bloodless Pharaohs. A medida que se intensificaba su pasión por el rockabilly, Setzer se dedicó a los Tomcats, que evolucionaron hasta convertirse en los Stray Cats cuando el bajista Lee Rocker y el baterista Slim Jim Phantom entraron en la alineación a finales de 1979.
Al sentir que Estados Unidos no estaba preparado para su rock & roll, los Stray Cats partieron a Londres en junio de 1980, vendiendo sus instrumentos para cruzar el Atlántico. A los pocos meses, se ganaron la atención del rockero de raíces Dave Edmunds -que por casualidad apareció en la película That'll Be the Day de 1973, tocando en una banda llamada Stray Cats- y él los tomó bajo su ala, produciendo su debut con el mismo nombre en 1981 para Arista. Gracias a los sencillos "Rock This Town" y "Stray Cat Strut", fue un éxito, pero su secuela de 1982, Gonna Ball, no lo hizo tan bien, pero lo más destacado de los dos LPs fue seleccionado para el álbum estadounidense Built for Speed. Gracias a esos sencillos mencionados, que ambos recibieron un gran éxito en MTV, Built for Speed convirtió a los Stray Cats en estrellas en Estados Unidos, allanando el camino para el Rant n Rave de 1983 con los Stray Cats, que tuvo otro gran éxito en la forma de "(She's) Sexy + 17" y otro menor en la forma de "I Won't Stand in Your Way" (No me interpondré en tu camino).
El éxito llegó a los Stray Cats, pero el grupo se fracturó en 1984 y Setzer respondió actuando como sideman para una variedad de rockeros, tocando principalmente en la banda de Robert Plant, los Honeydrippers, en una gira. Setzer lanzó una carrera en solitario en 1986 con The Knife Feels Like Justice, un disco que lo encontró justo en línea con el rock del corazón de mediados de los 80 pero que no generó ningún éxito y, quizás por casualidad, Setzer regresó al grupo de los Stray Cats ese año para Rock Therapy, un reencuentro que tampoco logró estimular las ventas. Lo siguiente fue Live Nude Guitars de 1988, un disco que lo acercó al territorio de los Stray Cats pero que tampoco logró ganar audiencia. Después hubo otra reunión con los Stray Cats, una que duró tres álbumes a lo largo de cuatro años. Primero fue el despegue de 1989, que ellos apoyaron con la apertura de una gira para Stevie Ray Vaughan, pero el récord no llegó a más de 111 en Billboard y EMI los dejó caer en Estados Unidos. Impertérritos, se asociaron con Nile Rodgers en 1990 para Let's Go Faster, un disco que apareció en Liberation con poca atención; luego regresaron a sus raíces para el Choo Choo Choo Hot Fish de 1992, un disco final grabado con su productor original, Dave Edmunds.
Esta fue la última ronda para los Stray Cats y era hora de un reinicio para Setzer. Encontró uno con la Brian Setzer Orchestra, donde remodeló su boogie rockabilly para la era del neo-swing. Su debut con el mismo nombre apareció en Hollywood en 1994 y le fue bien en las listas de éxitos, llegando a 158; luego la reestructuración corporativa lo empujó a Interscope Records, que lanzó Guitar Slinger en 1996. Ese disco falló, pero sentó las bases para The Dirty Boogie de 1998, que fue un éxito rotundo gracias a una portada de éxito de "Jump Jive & Wail" de Louis Prima. El single llegó a su punto máximo a los 23 años y el disco llegó a nueve en el Billboard 200 y si Setzer nunca escaló esas alturas de nuevo - la continuación del 2000, Vavoom!, llegó a los 62 - sin embargo encontró su nicho y corrió con él, lanzando todo tipo de discos de big-band en el nuevo milenio, desde una serie de álbumes navideños (hay por lo menos cinco álbumes de temporada en su discografía) hasta portadas de composiciones clásicas, la mayoría de las cuales fueron lanzadas en SurfDog Records. A veces, Setzer salía de la Orquesta para volver a sus raíces rockabilly, comenzando con el Nitro Burnin' Funny Daddy de 2003, pasando por Rockabilly Riot, Vol. 1: A Tribute to Sun Records en 2005, y extendiéndose hasta el Rockabilly Riot de 2014. Todo original. Setzer celebró el 25 aniversario de la formación de la Brian Setzer Orchestra con el lanzamiento de 25 Live! en noviembre de 2017, una edición limitada de los discos "Gene & Eddie" y "Let There Be Rock".


viernes, 27 de marzo de 2020

Houston Person With Ron Carter • Just Between Friends



Review:
Immediately, Houston Person's saxophone and Ron Carter's bass meld so fluidly and effortlessly -- and create such a complete picture -- that it's easy to forget that they are the only two musicians playing. Drums are not missed, nor are piano, horns, or anything else: Person and Carter's communication skills here, as on their previous outings together, are never in doubt; they're "always" in perfect sync. They take on the standards here, and though most of these ten tracks have been recorded to death by other jazz artists, the duo's approach is original and honest enough that the songs sound fresh. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" is smooth, soft, and sexy; Irving Berlin's "Always" swings even if it never quite reaches swing tempo; and "Blueberry Hill" is playful and sweet. "Meditation," an Antonio Carlos Jobim tune, proves that bossa nova requires only the most minimal of instrumentation in order for its free-swaying tropical lilt to feel whole. The opening "How Deep Is the Ocean," another Berlin classic, sets the mood by establishing that melody and rhythm are never far apart -- neither musician is in any great hurry here and never eager to dominate or go outside of the songs' stated bounds. It's a collaboration in the truest sense, one in which emotion and the integrity of the material and arrangements trounce showboating.
https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256

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Revisión:
Inmediatamente, el saxofón de Houston Person y el bajo de Ron Carter se funden tan fluidamente y sin esfuerzo - y crean un cuadro tan completo - que es fácil olvidar que son los únicos dos músicos que tocan. No se echa de menos la batería, ni el piano, ni las trompetas, ni nada más: las habilidades de comunicación de Person y Carter aquí, como en sus anteriores salidas juntos, nunca se ponen en duda; están "siempre" en perfecta sincronía. Ellos asumen los estándares aquí, y aunque la mayoría de estos diez temas han sido grabados hasta la muerte por otros artistas de jazz, el enfoque del dúo es original y lo suficientemente honesto como para que las canciones suenen frescas. "Lover Man (Oh Where Can You Be?)" es suave, delicado y sexy; "Always" de Irving Berlin se balancea incluso si nunca alcanza el tempo del swing; y "Blueberry Hill" es juguetona y dulce. "Meditación", una melodía de Antonio Carlos Jobim, demuestra que la bossa nova requiere sólo el más mínimo de instrumentación para que su libre giro tropical se sienta completo. La apertura "How Deep Is the Ocean", otro clásico de Berlín, establece el ambiente al establecer que la melodía y el ritmo nunca están muy separados - ningún músico tiene mucha prisa aquí y nunca está ansioso por dominar o salirse de los límites establecidos de las canciones. Es una colaboración en el sentido más verdadero, una en la que la emoción y la integridad del material y los arreglos triunfan.
https://www.allmusic.com/album/just-between-friends-mw0000785256


How Music Works • David Byrne



How Music Works is David Byrne's buoyant celebration of a subject he has spent a lifetime thinking about.

Equal parts historian and anthropologist, raconteur and social scientist, Byrne draws on his own work over the years with Talking Heads, Brian Eno, and his myriad collaborators - along with journeys to Wagnerian opera houses, African villages, and anywhere music exists - to show that music-making is not just the act of a solitary composer in a studio, but rather a logical, populist, and beautiful result of cultural circumstance.

A brainy, irresistible adventure, How Music Works is an impassioned argument about music's liberating, life-affirming power.


Cómo funciona la música • David Byrne



Este libro es la apasionante celebración de un tema al que David Byrne ha dedicado su vida: la música. Divulgativo, literario y documentado, "Cómo funciona la música" combina apasionantes nociones sobre la historia de la tecnología musical, anécdotas autobiográficas sobre su etapa en Talking Heads, un repaso a las corrientes musicales del siglo XX y un interesante análisis sobre el presente y el futuro de la industria musical.

David Byrne muestra cómo la música ha sido siempre resultado de circunstancias culturales y de la creatividad individual. En un momento en el que muchos anuncian el fin de la industria musical, un texto tan riguroso y optimista como este es francamente necesario.

CONTENIDO:
Prefacio
1. Creación a la inversa
2. Mi vida actuando
3. La tecnología da forma a la música: Analógico
4. La tecnología da forma a la música: Digital
5. Opciones infinitas: el poder del curator o creador de contenidos
6. En el estudio de grabación
7. Colaboraciones
8. Negocios y finanzas
9. Cómo se crea una escena
10. ¡Amateurs!
11. Harmonia Mundi
Agradecimientos
Apéndices


Rococo • Victoria Charles



pdf  / Language: english / 200 pages











Memphis Slim • The King Of Jump Blues



Artist Biography
Willie Dixon was a prolific blues songwriter with more than 500 compositions to his credit. Born and raised in Mississippi, he rode the rails to Chicago during the Great Depression and became the primary blues songwriter and producer for Chess Records. Dixon's songs literally created the so-called “Chicago blues sound” and were recorded by such blues artists as Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor, and many others.

Willie Dixon was born on July 1, 1915, in Vicksburg, Mississippi. Vicksburg was a lively town located on the Mississippi River midway between New Orleans and Memphis. As a youth, Dixon heard a variety of blues, dixieland, and ragtime musicians performing on the streets, at picnics and other community functions, and in the clubs near his home where he would listen to them from the sidewalk.

Dixon grew up in an integrated neighborhood on the northern edge of Vicksburg, where his mother ran a small restaurant. The family of seven children lived behind the restaurant, and next to the restaurant was Curley's Barrelhouse. Listening from the street, Dixon, then about eight years old, heard bluesmen Little Brother Montgomery and Charley Patton perform there along with a variety of ragtime and dixieland piano players.

Dixon was only twelve when he first landed in jail and was sent to a county farm for stealing some fixtures from an old torn-down house. He recalled, “That's when I really learned about the blues. I had heard 'em with the music and took 'em to be an enjoyable thing but after I heard these guys down there moaning and groaning these really down-to-earth blues, I began to inquire about 'em.... I really began to find out what the blues meant to black people, how it gave them consolation to be able to think these things over and sing them to themselves or let other people know what they had in mind and how they resented various things in life.”

About a year later Dixon was caught by the local authorities near Clarksdale, Mississippi, and arrested for hoboing. He was given thirty days at the Harvey Allen County Farm, located near the infamous Parchman Farm prison. At the Allen Farm, Dixon saw many prisoners being mistreated and beatenDixon himself was mistreated at the county farm, receiving a blow to his head that he said made him deaf for about four years. He managed to escape, though, and walked to Memphis, where he hopped a freight into Chicago. He stayed there briefly at his sister's house, then went to New York for a short time before returning to Vicksburg.

When Dixon arrived in Chicago in 1936, he started training to be a boxer. He was in excellent physical condition from the heavy work he had been doing down south, and he was a big man as well. In 1937 he won the Illinois Golden Gloves in the novice heavyweight category. Throughout the late 1930s, Dixon was singing in Chicago with various gospel groups, some of which performed on the radio. Dixon had received good training in vocal harmony from Theo Phelps back in Vicksburg, where he sang bass with the Union Jubilee Singers. Around the same time, Leonard “Baby Doo” Caston gave Dixon his first musical instrument--a makeshift bass made out of an oil can and one string. Dixon, Caston, and some other musicians formed a group called the Five Breezes. They played around Chicago and in 1939 made a record that marked Dixon's first appearance on vinyl.

In 1946 Dixon and Caston formed the Big Three Trio, named after the wartime “Big Three” of U.S. president Franklin Roosevelt, British prime minister Winston Churchill, and Soviet political leader Joseph Stalin. The group was modeled after other popular black vocal groups of the time, such as the Mills Brothers and the Ink Spots. Dixon by this time was singing and playing a regular upright bass. While Chicago blues musicians like Muddy Waters and Little Walter were playing to all-black audiences in small clubs, the Big Three Trio played large show clubs with capacities of three to five thousand.

In 1951 after several years of successful touring and recording, the Big Three Trio disbanded. Many of Dixon's compositions were never recorded by the trio, but these songs turned up later in the repertoire of the blues artists Dixon worked with in the 1950s.

Leonard and Phil Chess began recording the blues in the late 1940s, and by 1950 the Chess brothers were releasing blues records on the label bearing their name. Over the next decade, Chess became what many consider to be the most important blues label in the world, releasing material by such blues giants as Muddy Waters and Howlin' Wolf and rhythm and blues artists like Bo Diddley and Chuck Berry. Many of the blues songs recorded at Chess were written, arranged, and produced by Willie Dixon.

Dixon was first used on recording sessions by the Chess brothers in the late 1940s, as his schedule allowed. After the Big Three Trio disbanded, Dixon became a full-time employee of Chess. He performed a variety of duties, including producing, arranging, leading the studio band, and playing bass.

Dixon's first big break as a songwriter came when Muddy Waters recorded his “Hoochie Coochie Man” in 1954. Waters was one of Chess's most popular artists and the song became Waters's biggest hit, reaching Number Three on the rhythm and blues charts, Dixon became the label's top songwriter. Chess also released Waters's recordings of Dixon's “I Just Wanna Make Love to You” and “I'm Ready” in 1954, and they both became Top Ten R & B hits.

In 1955 Dixon charted his first Number One hit when Little Walter recorded “My Babe,” a song that became a blues classic.One of Dixon's most widely recorded songs, “My Babe” has been performed and recorded by artists as varied as the Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, the Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike and Tina Turner, and blues artists John Lee Hooker, Bo Diddley, and Lightnin' Hopkins.

Dixon supplied Chess blues recording artists with songs for three years, from 1954 through 1956. At the end of 1956, however, he left the label over disputes regarding royalties and contracts. He continued to play on recording sessions at Chess, though, most notably providing bass on all of Chuck Berry's sessions starting with the recording of “Maybelline” in 1955.

In 1957 Dixon joined the small independent Cobra Records, where he recorded such bluesmen as Otis Rush, Buddy Guy, and Magic Sam, creating what became known as the “West Side Sound.” It was a blues style that fused the Delta influence of classic Chicago blues with single-string lead guitar lines la B. B. King. The West Side gave birth to a less traditional, more modern blues sound and the emphasis placed on the guitar as a lead instrument ultimately proved to be a vastly influential force on the British blues crew in their formative stages.”

Gradually learning more about the music business, Dixon formed his own publishing company, Ghana Music, in 1957 and registered it with Broadcast Music Incorporated (BMI) to protect his copyright interest in his own songs. His “I Can't Quit You Baby” was a Top Ten rhythm and blues hit for Otis Rush, but Cobra Records soon faced financial difficulties. By 1959 Dixon was back at Chess as a full-time employee. The late 1950s were a difficult time for bluesmen in Chicago, even as blues music was gaining popularity in other parts of the United States. In 1959 Dixon teamed up with an old friend, pianist Memphis Slim, to perform at the Newport Folk Festival in Newport, Rhode Island. They continued to play together at coffee houses and folk clubs throughout the country and eventually became key players in a folk and blues revival among young white audiences that achieved its height in the 1960s.

Dixon began internationalizing the blues when he went to England with Memphis Slim in 1960. Dixon performed as part of the First American Folk Blues Festival that toured Europe in 1962. Organized by German blues fans Horst Lippmann and Fritz Rau, the festival also included Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry and Brownie McGhee, and other blues musicians.

The American Folk Blues Festival ran from 1962 through 1971 and helped the blues reach an audience of young Europeans. American blues musicians soon found they could make more money playing in Europe than in Chicago. They played in concert halls and were reportedly treated like royalty. Dixon played on the tour for three years, then became the Chicago contact for booking blues musicians for the tour.

Toward the end of the 1960s soul music eclipsed the blues in black record sales. Chess Records' last major hit was Koko Taylor's 1966 recording of Willie Dixon's “Wang Dang Doodle.” Many prominent bluesmen had died, including Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter, and J.B. Lenoir. Chess Records was sold in 1969 and Dixon recorded his last session for the label in 1970.

The many cover versions of his songs by the rock bands of the 1960s enhanced Dixon's reputation as a certified blues legend. He revived his career as a performer by forming the Chicago Blues All-Stars in 1969. The group's original lineup included Johnny Shines on guitar and vocals, Sunnyland Slim on piano, Walter “Shakey” Horton on harmonica, Clifton James on drums, and Dixon on bass and vocals.

Throughout the 1970s Dixon continued to write new songs, record other artists, and release his own performances on his own Yambo label. Two albums, “Catalyst,” in 1973 and “What's Happened to My Blues?” in 1977, received Grammy nominations. His busy performing schedule kept him on the road in the United States and abroad for six months out of the year until 1977, when his diabetes worsened and caused him to be hospitalized. He lost a foot from the disease but, after a period of recuperation, continued performing into the next decade.

Dixon resumed touring and regrouped the Chicago Blues All-Stars in the early 1980s. A 1983 live recording from the Montreux Jazz Festival in Switzerland resulted in another Grammy nomination. In the 1980s, Dixon established the Blues Heaven Foundation, a nonprofit organization providing scholarship awards and musical instruments to poorly funded schools. Blues Heaven also offers assistance to indigent blues musicians and helps them secure the rights to their songs. Ever active in protecting his own copyrights, Dixon himself reached an out-of-court settlement in 1987 over the similarity of Led Zeppelin's 1969 hit “Whole Lotta Love” to his own “You Need Love.”

Dixon's final two albums were well received, with the 1988 album “Hidden Charms” winning a Grammy Award for best traditional blues recording. In 1989 he recorded the soundtrack for the film “Ginger Ale Afternoon,” which also was nominated for a Grammy.

When Dixon died in 1992 at the age of 76, the music world lost one of its foremost blues composers and performers. From his musical roots in the Mississippi Delta and Chicago, Dixon created a body of work that reflected the changing times in which he lived.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon

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Biografía del artista
Willie Dixon fue un prolífico compositor de blues con más de 500 composiciones en su haber. Nacido y criado en Mississippi, viajó en tren a Chicago durante la Gran Depresión y se convirtió en el principal compositor y productor de blues de Chess Records. Las canciones de Dixon crearon literalmente el llamado "Chicago blues sound" y fueron grabadas por artistas del blues como Muddy Waters, Howlin' Wolf, Bo Diddley, Koko Taylor y muchos otros.

Willie Dixon nació el 1 de julio de 1915 en Vicksburg, Mississippi. Vicksburg era una ciudad animada situada en el río Mississippi, a medio camino entre Nueva Orleans y Memphis. De joven, Dixon escuchó una variedad de músicos de blues, dixieland y ragtime tocando en las calles, en picnics y otros eventos comunitarios, y en los clubes cercanos a su casa donde los escuchaba desde la acera.

Dixon creció en un barrio integrado en el borde norte de Vicksburg, donde su madre tenía un pequeño restaurante. La familia de siete niños vivía detrás del restaurante, y al lado del restaurante estaba Curley's Barrelhouse. Escuchando desde la calle, Dixon, que entonces tenía unos ocho años, escuchó a los bluesmen Little Brother Montgomery y Charley Patton tocar allí junto con una variedad de pianistas de ragtime y dixieland.

Dixon tenía sólo doce años cuando aterrizó en la cárcel por primera vez y fue enviado a una granja del condado por robar algunos artefactos de una vieja casa derribada. Recordó: "Fue entonces cuando realmente aprendí sobre el blues. Los había escuchado con la música y los había tomado como algo agradable, pero después de escuchar a estos chicos quejándose y gimiendo con los pies en la tierra, empecé a preguntarles sobre ellos...... Realmente empecé a descubrir lo que significaba el blues para la gente negra, cómo les daba consuelo poder reflexionar sobre estas cosas y cantarlas para sí mismos o dejar que otras personas supieran lo que tenían en mente y cómo les molestaban varias cosas en la vida".

Aproximadamente un año después, Dixon fue capturado por las autoridades locales cerca de Clarksdale, Mississippi, y arrestado por vagabundear. Le dieron treinta días en la Granja del Condado de Harvey Allen, ubicada cerca de la infame prisión de la Granja Parchman. En la granja Allen, Dixon vio a muchos prisioneros siendo maltratados y golpeados. El mismo Dixon fue maltratado en la granja del condado, recibiendo un golpe en la cabeza que, según él, lo dejó sordo durante unos cuatro años. Logró escapar, sin embargo, y caminó hasta Memphis, donde se embarcó en un tren de carga hacia Chicago. Permaneció allí brevemente en casa de su hermana, luego se fue a Nueva York por un corto tiempo antes de regresar a Vicksburg.

Cuando Dixon llegó a Chicago en 1936, comenzó a entrenar para ser boxeador. Estaba en excelente condición física por el duro trabajo que había estado haciendo en el sur, y también era un hombre grande. En 1937 ganó los Guantes de Oro de Illinois en la categoría de peso pesado para principiantes. A lo largo de la década de 1930, Dixon estuvo cantando en Chicago con varios grupos de gospel, algunos de los cuales actuaron en la radio. Dixon había recibido un buen entrenamiento en armonía vocal de Theo Phelps en Vicksburg, donde cantó el bajo con los Union Jubilee Singers. Más o menos al mismo tiempo, Leonard "Baby Doo" Caston le dio a Dixon su primer instrumento musical, un bajo improvisado hecho de una lata de aceite y una cuerda. Dixon, Caston, y algunos otros músicos formaron un grupo llamado las Cinco Brisas. Tocaron en Chicago y en 1939 grabaron un disco que marcó la primera aparición de Dixon en vinilo.

En 1946 Dixon y Caston formaron el Trío de los Tres Grandes, que lleva el nombre de los Tres Grandes del presidente estadounidense Franklin Roosevelt, del primer ministro británico Winston Churchill y del líder político soviético Joseph Stalin. El grupo se inspiró en otros grupos vocales negros populares de la época, como los Mills Brothers y los Ink Spots. Dixon en ese momento estaba cantando y tocando un bajo erguido regular. Mientras los músicos de blues de Chicago como Muddy Waters y Little Walter tocaban en clubes pequeños para todo el público negro, el Big Three Trio tocaba en clubes de espectáculos grandes con capacidades de tres a cinco mil personas.

En 1951, después de varios años de exitosas giras y grabaciones, el Big Three Trio se disolvió. Muchas de las composiciones de Dixon nunca fueron grabadas por el trío, pero estas canciones aparecieron más tarde en el repertorio de los artistas de blues con los que Dixon trabajó en la década de 1950.

Leonard y Phil Chess comenzaron a grabar el blues a finales de los años 40, y en 1950 los Chess Brothers lanzaron discos de blues en el sello que lleva su nombre. Durante la siguiente década, Chess se convirtió en lo que muchos consideran el sello de blues más importante del mundo, publicando material de gigantes del blues como Muddy Waters y Howlin' Wolf y artistas del rhythm and blues como Bo Diddley y Chuck Berry. Muchas de las canciones de blues grabadas en Chess fueron escritas, arregladas y producidas por Willie Dixon.

Dixon fue usado por primera vez en sesiones de grabación por los hermanos Chess a finales de los años 40, según lo permitía su horario. Después de la disolución del Big Three Trio, Dixon se convirtió en un empleado de tiempo completo de Chess. Realizó una variedad de tareas, incluyendo la producción, arreglos, dirección de la banda del estudio y tocar el bajo.

La primera gran oportunidad de Dixon como compositor llegó cuando Muddy Waters grabó su "Hoochie Coochie Man" en 1954. Waters fue uno de los artistas más populares del ajedrez y la canción se convirtió en el mayor éxito de Waters, alcanzando el número tres en las listas de éxitos del rhythm and blues, Dixon se convirtió en el mejor compositor de la discográfica. Chess también lanzó las grabaciones de Waters de "I Just Wanna Make Love to You" y "I'm Ready" de Dixon en 1954, y ambos se convirtieron en éxitos de Top Ten R & B.

En 1955 Dixon trazó su primer éxito número uno cuando Little Walter grabó "My Babe", una canción que se convirtió en un clásico del blues. Una de las canciones más grabadas de Dixon, "My Babe", ha sido interpretada y grabada por artistas tan variados como Everly Brothers, Elvis Presley, Ricky Nelson, Righteous Brothers, Nancy Wilson, Ike y Tina Turner, y los artistas de blues John Lee Hooker, Bo Diddley, y Lightnin' Hopkins.

Dixon proveyó a los artistas de blues de ajedrez con canciones durante tres años, desde 1954 hasta 1956. A finales de 1956, sin embargo, dejó la etiqueta por disputas sobre regalías y contratos. Sin embargo, continuó tocando en sesiones de grabación en Chess, sobre todo proporcionando bajo en todas las sesiones de Chuck Berry, comenzando con la grabación de "Maybelline" en 1955.

En 1957 Dixon se unió al pequeño sello independiente Cobra Records, donde grabó bluesmen como Otis Rush, Buddy Guy y Magic Sam, creando lo que se conoció como el "West Side Sound". Era un estilo de blues que fusionaba la influencia del Delta del blues clásico de Chicago con las líneas de guitarra principal de una sola cuerda de la B. B. King. El West Side dio lugar a un sonido blues menos tradicional y más moderno, y el énfasis puesto en la guitarra como instrumento principal resultó ser, en última instancia, una fuerza muy influyente en el equipo de blues británico en sus etapas de formación".

Gradualmente aprendiendo más sobre el negocio de la música, Dixon formó su propia compañía editorial, Ghana Music, en 1957 y la registró en Broadcast Music Incorporated (BMI) para proteger los derechos de autor de sus propias canciones. Su "I Can't Quit You Baby" fue un éxito en el Top Ten del rhythm and blues de Otis Rush, pero Cobra Records pronto se enfrentó a dificultades financieras. En 1959 Dixon volvió a Chess como empleado a tiempo completo. Los últimos años de la década de 1950 fueron una época difícil para los bluesistas en Chicago, a pesar de que la música blues estaba ganando popularidad en otras partes de los Estados Unidos. En 1959 Dixon se asoció con un viejo amigo, el pianista Memphis Slim, para actuar en el Newport Folk Festival en Newport, Rhode Island. Continuaron tocando juntos en cafés y clubes folclóricos de todo el país y, con el tiempo, se convirtieron en protagonistas de un renacimiento del folclore y el blues entre el público joven blanco que alcanzó su apogeo en la década de 1960.

Dixon comenzó a internacionalizar el blues cuando fue a Inglaterra con Memphis Slim en 1960. Dixon actuó como parte del Primer Festival de Folk Blues Americano que recorrió Europa en 1962. Organizado por los fans del blues alemán Horst Lippmann y Fritz Rau, el festival también incluyó a Memphis Slim, T-Bone Walker, John Lee Hooker, Sonny Terry y Brownie McGhee, y otros músicos de blues.

El American Folk Blues Festival se llevó a cabo de 1962 a 1971 y ayudó a que el blues llegara a una audiencia de jóvenes europeos. Los músicos de blues estadounidenses pronto descubrieron que podían ganar más dinero tocando en Europa que en Chicago. Tocaban en salas de conciertos y, según se informa, eran tratados como si fueran de la realeza. Dixon tocó en la gira durante tres años, y luego se convirtió en el contacto de Chicago para contratar músicos de blues para la gira.

Hacia finales de la década de 1960, la música soul eclipsó al blues en las ventas de discos negros. El último gran éxito de Chess Records fue la grabación de Koko Taylor en 1966 de "Wang Dang Doodle" de Willie Dixon. Muchos destacados bluesmen habían muerto, incluyendo a Elmore James, Sonny Boy Williamson, Little Walter y J.B. Lenoir. Chess Records se vendió en 1969 y Dixon grabó su última sesión para el sello en 1970.

Las muchas versiones de sus canciones de las bandas de rock de los años 60 mejoraron la reputación de Dixon como una leyenda del blues certificada. Revivió su carrera como intérprete formando las Chicago Blues All-Stars en 1969. La formación original del grupo incluía a Johnny Shines en guitarra y voz, Sunnyland Slim en piano, Walter "Shakey" Horton en armónica, Clifton James en batería y Dixon en bajo y voz.

A lo largo de la década de 1970, Dixon continuó escribiendo nuevas canciones, grabando a otros artistas y lanzando sus propias actuaciones en su propio sello Yambo. Dos álbumes, "Catalyst", en 1973, y "What's Happened to My Blues", en 1977, recibieron nominaciones a los Grammy. Su apretada agenda de presentaciones lo mantuvo en la carretera en los Estados Unidos y en el extranjero durante seis meses del año hasta 1977, cuando su diabetes empeoró y lo hospitalizó. Perdió un pie de la enfermedad pero, después de un período de recuperación, siguió actuando en la siguiente década.

Dixon reanudó sus giras y reagrupó a las Chicago Blues All-Stars a principios de la década de 1980. Una grabación en vivo de 1983 del Festival de Jazz de Montreux en Suiza resultó en otra nominación a los Grammy. En la década de 1980, Dixon estableció la Blues Heaven Foundation, una organización sin fines de lucro que ofrece becas e instrumentos musicales a escuelas con pocos fondos. Blues Heaven también ofrece asistencia a músicos de blues indigentes y les ayuda a asegurar los derechos de sus canciones. Siempre activo en la protección de sus propios derechos de autor, el propio Dixon llegó a un acuerdo extrajudicial en 1987 por la similitud del éxito de Led Zeppelin en 1969 "Whole Lotta Love" con su propio "You Need Love".

Los dos últimos álbumes de Dixon fueron bien recibidos, con el álbum de 1988 "Hidden Charms" ganando un premio Grammy a la mejor grabación de blues tradicional. En 1989 grabó la banda sonora de la película "Ginger Ale Afternoon", que también fue nominada a un Grammy.

Cuando Dixon murió en 1992 a la edad de 76 años, el mundo de la música perdió a uno de sus principales compositores e intérpretes de blues. Desde sus raíces musicales en el delta del Mississippi y Chicago, Dixon creó un cuerpo de trabajo que reflejaba los tiempos cambiantes en los que vivió.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/williedixon
Traducción realizada con el traductor www.DeepL.com/Translator


Don Wilkerson • Peach, Brother!



Don Wilkerson born abt 1932 and died 18 July 1986, was an American soul jazz/R&B tenor saxophonist born in Moreauville, Louisiana. Probably better known for his Blue Note Records recordings in the 1960s as bandleader with guitarist Grant Green. Prior to signing with the label, he worked frequently with Cannonball Adderley. Some of his earliest recording were done in the 1950s as a sideman for Amos Milburn and Ray Charles.

One of the paragons of the “Texas tenor” style, Don Wilkerson gained his greatest notoriety as a soloist with Ray Charles throughout much of the 50s and 60s. Less known is Wilkerson’s limited work as a leader, the majority of which is collected on this two-disc package from Blue Note. Wilkerson made three albums for the label during the fruitful years of 1962 and 1963: Preach Brother!, Elder Don, and Shoutin’! All three records feature guitarist Grant Green, who certainly knows how to cook in such a setting.

The first also boasts a classic Blue Note rhythm section: Sonny Clark on piano, Butch Warren on bass, and Billy Higgins on drums, with Jual Curtis sitting in on tambourine on “Dem Tambourines” and “Camp Meetin’.” On the second album, Johnny Acea takes over on piano, with Lloyd Trotman on bass and Willie Bobo on drums. The last of the three sessions is particularly down and dirty, with Green, John Patton on organ and Ben Dixon on drums.

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Don Wilkerson, nacido en 1932 y fallecido el 18 de julio de 1986, fue un saxofonista tenor de soul jazz/R&B nacido en Moreauville, Luisiana. Probablemente más conocido por sus grabaciones de Blue Note Records en los años 60 como director de banda con el guitarrista Grant Green. Antes de firmar con el sello, trabajó frecuentemente con Cannonball Adderley. Algunas de sus primeras grabaciones fueron hechas en los años 50 como sideman de Amos Milburn y Ray Charles.

Uno de los parangones del estilo "tenor de Texas", Don Wilkerson ganó su mayor notoriedad como solista con Ray Charles durante gran parte de los años 50 y 60. Menos conocido es el limitado trabajo de Wilkerson como líder, la mayoría del cual se recoge en este paquete de dos discos de Blue Note. Wilkerson hizo tres álbumes para la discográfica durante los fructíferos años de 1962 y 1963: Preach Brother!, Elder Don, y Shoutin'! Los tres discos cuentan con la participación del guitarrista Grant Green, que ciertamente sabe cómo cocinar en un ambiente así.

El primero también cuenta con una sección rítmica clásica de Blue Note: Sonny Clark en el piano, Butch Warren en el bajo, y Billy Higgins en la batería, con Jual Curtis en la pandereta en "Dem Tambourines" y "Camp Meetin'". En el segundo álbum, Johnny Acea se hace cargo del piano, con Lloyd Trotman en el bajo y Willie Bobo en la batería. La última de las tres sesiones es particularmente baja y sucia, con Green, John Patton en el órgano y Ben Dixon en la batería.


Donnybrook Trio • Live at The Bassment



Donnybrook is a co-led Hammond organ trio from Toronto, Canada.

Recorded live in front of an enthusiastic audience at Saskatoon's famed Bassment Jazz Club. Features original music by all band members.

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Donnybrook es un trío de órganos Hammond co-dirigido de Toronto, Canadá.

Grabado en vivo frente a una entusiasta audiencia en el famoso Club de Jazz Bassment de Saskatoon.  Contiene música original de todos los miembros de la banda.


Byrdie Green ‎• The Golden Thrush Strikes At Midnight



Byrdie Green (1936 - 2008) was a jazz and R&B singer born in Detroit, Michigan.

The daughter of a Baptist minister, she sang first in her father's church. Later she went to New York and performed in clubs. Around 1965, she was hired by organist Johnny "Hammond" Smith and recorded albums for Prestige Records, Roulette Records, & Twentieth Century Fox. She also cut a few 45rpm records.

Byrdie took a break from her career to raise her two daughters, Deborah A. Murray and Dardenella Braxton. Upon her return she performed at Carnegie Recital Hall, toured with the Thad Jones/Mel Lewis Orchestra and before her death in February 2008, she was with the touring company of the Broadway play Black and Blue. Byrdie's health started to fade and she developed emphysema and was on oxygen 24 hours a day, and had to use a wheelchair.
Green died at St. Luke's Hospital on April 26, 2008, and was eulogized at Mt. Neboh Church in New York City on May 3, 2008.

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Byrdie Green (1936 - 2008) fue una cantante de jazz y R&B nacida en Detroit, Michigan.

Hija de un ministro bautista, cantó primero en la iglesia de su padre. Más tarde se fue a Nueva York y actuó en clubes. Alrededor de 1965, fue contratada por el organista Johnny "Hammond" Smith y grabó discos para Prestige Records, Roulette Records y Twentieth Century Fox. También grabó algunos discos de 45rpm.

Byrdie se tomó un descanso de su carrera para criar a sus dos hijas, Deborah A. Murray y Dardenella Braxton. A su regreso actuó en el Carnegie Recital Hall, realizó una gira con la Orquesta Thad Jones/Mel Lewis y, antes de su muerte en febrero de 2008, estuvo con la compañía de la obra de Broadway Black and Blue. La salud de Byrdie empezó a deteriorarse y desarrolló un enfisema y estuvo con oxígeno las 24 horas del día, por lo que tuvo que usar una silla de ruedas.
Green murió en el Hospital St. Luke's el 26 de abril de 2008, y fue elogiada en la iglesia Mt. Neboh de la ciudad de Nueva York el 3 de mayo de 2008.




Zagreb Jazz Quartet • The Best Of Zagreb Jazz Quartet



Jazz quartet from Zagreb, Croatia (ex Yugoslavia) active between 1959-1967. Zagreb Jazz Quartet  ('Zagrebački Jazz Kvartet') was among the first significant jazz ensembles in Croatia.

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Cuarteto de jazz de Zagreb, Croacia (ex Yugoslavia) activo entre 1959-1967. El Cuarteto de Jazz de Zagreb ('Zagrebački Jazz Kvartet') fue uno de los primeros conjuntos de jazz importantes en Croacia.


Massimo Farao • Bewitched



 Massimo Farao' was born in Genoa in 1965, studied piano with Flavio Crivelli, a local jazz piano player, who also learned Dado Moroni to play, and played in as a young adult with the Nat Adderley Quintet. He moved to the States two years later and became the musical director of the Shawnn Monteiro Quartet with Keter Betts and Bobby Durham.
http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm

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Massimo Farao' nació en Génova en 1965, estudió piano con Flavio Crivelli, un pianista de jazz local, que también aprendió Dado Moroni a tocar, y tocó de joven con el Nat Adderley Quintet. Se mudó a los Estados Unidos dos años después y se convirtió en el director musical del Cuarteto Shawnn Monteiro con Keter Betts y Bobby Durham.
http://www.mymusicbase.ru/PPB/ppb36/Bio_3669.htm


jueves, 26 de marzo de 2020

Crime Jazz - Season 2 • Vol 1 - The Italian Connection One



El sitio http://thecrimelounge.blogspot.com/, ya inactivo, compiló  una primera sesión de 17 colecciones de música de espías de diferentes géneros, incluyendo "Easy-Listening", las bandas sonoras, temas de televisión, surf, librerías y mucho más, de las cuales podrán encontrar los 12 primeros volúmenes en este blog.
En esta oportunidad comparto los volúmenes de la "segunda temporada", la cual ha sido completada por el usuario dussanderr, el cual la ha compartido generosamente.
Más información:  http://thecrimelounge2.blogspot.com/

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The now inactive http://thecrimelounge.blogspot.com/ site compiled a first session of 17 spy music collections from different genres, including "Easy-Listening", soundtracks, TV themes, surfing, libraries and much more, of which you can find the first 12 volumes in this blog.
In this opportunity I share the volumes of the "second season", which has been completed by the user dussanderr, who has generously shared it.
More information: http://thecrimelounge2.blogspot.com/






Colaborador / Contribuitor:  dussanderr


Gary Burton • Duster



Born in 1943 and raised in Indiana, Gary Burton taught himself to play the vibraphone and, at the age of 17, made his recording debut in Nashville, Tennessee, with guitarists Hank Garland and Chet Atkins. Two years later, Burton left his studies at Berklee College of Music to join George Shearing and subsequently Stan Getz, with whom he worked from 1964-1966.

As a member of Getz's quartet, Burton won Down Beat magazine's Talent Deserving of Wider Recognition award in 1965. By the time he left Getz to form his own quartet in 1967, Burton had also recorded three albums under his name for RCA. Borrowing rhythms and sonorities from rock music, while maintaining jazz's emphasis on improvisation and harmonic complexity, Burton's first quartet attracted large audiences from both sides of the jazz-rock spectrum. Such albums as Duster and Lofty Fake Anagram established Burton and his band as progenitors of the jazz fusion phenomenon. Burton's burgeoning popularity was quickly validated by Down Beat magazine, which awarded him its Jazzman of the Year award in 1968. During his subsequent association with the label (1973-1988) the Burton Quartet expanded to include the young Pat Metheny on guitar, and the band began to explore a repertoire of modern compositions. In the '70s, Burton also began to focus on more intimate contexts for his music. His 1971 album Alone at Last, a solo vibraphone concert recorded at the 1971 Montreux Jazz Festival, was honored with a Grammy Award. Burton also turned to the rarely heard duo format, recording with bassist Steve Swallow, guitarist Ralph Towner, and most notably with pianist Chick Corea, thus cementing a long personal and professional relationship that has garnered an additional two Grammy Awards.

Also in the '70s, Burton began his career with Berklee College of Music in Boston. Burton began as a teacher of percussion and improvisation classes at Berklee in 1971. In 1985 he was named Dean of Curriculum. In 1989, he received an honorary doctorate of music from the college, and in 1996, he was appointed Executive Vice President.

Burton began recording for GRP records in the '80s and '90s. In 1990, he paired up again with his former protege Metheny for Reunion, which landed him the top spot on Billboard magazine's jazz chart. Burton is now recording for Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) was released in 1997 by Concord Records as well as Native Sense, a new duet collaboration with Chick Corea, which garnered a Grammy Award in 1998. Also in 1997, Burton recorded his second collection of tango music, Astor Piazzolla Reunion, featuring the top tango musicians of Argentina, followed by Libertango in 2000, another collection of Piazzolla music. His 1998 Concord release, Like Minds, an all-star hit featuring his frequent collaborators Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, and Dave Holland, was honored with a Grammy win, Burton's fifth. Gary's vibraphone tribute CD, For Hamp, Red, Bags and Cal, was released in March 2001 on Concord and garnered Gary's 12th Grammy nomination. His most recent release in 2002 is a unique project with Makoto Ozone, his pianist collaborator of the past twenty years. In Virtuosi the pair explore the improvisational possibilities of classical themes including works by Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber and others. In an unusual move, the Recording Academy nominated Virtuosi in the classical category of the Grammy awards, a unique honor for Gary.

For the immediate future, Gary is going to be concentrating on performing with the NEXT GENERATIONS band. His most recent recording NEXT GENERATIONS was released in March of 2005 on Concord.

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Nacido en 1943 y criado en Indiana, Gary Burton aprendió por sí mismo a tocar el vibráfono y, a los 17 años, hizo su debut discográfico en Nashville, Tennessee, con los guitarristas Hank Garland y Chet Atkins. Dos años más tarde, Burton dejó sus estudios en el Berklee College of Music para unirse a George Shearing y posteriormente a Stan Getz, con quien trabajó de 1964 a 1966.

Como miembro del cuarteto de Getz, Burton ganó en 1965 el premio Talent Mering of Wider Recognition de la revista Down Beat. Cuando dejó Getz para formar su propio cuarteto en 1967, Burton también había grabado tres álbumes a su nombre para la RCA. Tomando prestados ritmos y sonoridades de la música rock, mientras mantenía el énfasis del jazz en la improvisación y la complejidad armónica, el primer cuarteto de Burton atrajo a grandes audiencias de ambos lados del espectro del jazz-rock. Álbumes como Duster y Lofty Fake Anagram establecieron a Burton y su banda como progenitores del fenómeno de fusión del jazz. La creciente popularidad de Burton fue rápidamente validada por la revista Down Beat, que le otorgó su premio de "Jazzman del año" en 1968. Durante su posterior asociación con el sello (1973-1988) el Cuarteto Burton se amplió para incluir al joven Pat Metheny en la guitarra, y la banda comenzó a explorar un repertorio de composiciones modernas. En los años 70, Burton también comenzó a centrarse en contextos más íntimos para su música. Su álbum Alone at Last de 1971, un concierto de vibráfono en solitario grabado en el Festival de Jazz de Montreux de 1971, fue galardonado con un premio Grammy. Burton también recurrió al formato de dúo, raramente escuchado, y grabó con el bajista Steve Swallow, el guitarrista Ralph Towner y, sobre todo, con el pianista Chick Corea, cimentando así una larga relación personal y profesional que le ha valido otros dos premios Grammy.

También en los años 70, Burton comenzó su carrera en el Berklee College of Music de Boston. Burton comenzó como profesor de percusión y clases de improvisación en Berklee en 1971. En 1985 fue nombrado Decano de Currículum. En 1989, recibió un doctorado honorario en música del colegio y en 1996 fue nombrado Vicepresidente Ejecutivo.

Burton comenzó a grabar para GRP Records en los años 80 y 90. En 1990, volvió a formar pareja con su antiguo protegido Metheny para Reunion, lo que le permitió alcanzar el primer puesto de la lista de éxitos de jazz de la revista Billboard. Burton está grabando ahora para Concord Records. Departure (Gary Burton & Friends) fue lanzado en 1997 por Concord Records, así como Native Sense, una nueva colaboración en dúo con Chick Corea, que obtuvo un premio Grammy en 1998. También en 1997, Burton grabó su segunda colección de música de tango, Astor Piazzolla Reunion, con los mejores músicos de tango de Argentina, seguida de Libertango en 2000, otra colección de música de Piazzolla. Su lanzamiento en 1998 de Concord, Like Minds, un éxito estelar con sus frecuentes colaboradores Chick Corea, Pat Metheny, Roy Haynes, y Dave Holland, fue honrado con un Grammy, el quinto de Burton. El CD tributo al vibráfono de Gary, For Hamp, Red, Bags and Cal, fue lanzado en marzo de 2001 en Concord y obtuvo la 12ª nominación de Gary al Grammy. Su más reciente lanzamiento en 2002 es un proyecto único con Makoto Ozone, su pianista colaborador de los últimos veinte años. En Virtuosi la pareja explora las posibilidades de improvisación de temas clásicos, incluyendo obras de Brahms, Scarlatti, Ravel, Barber y otros. En un movimiento inusual, la Academia de la Grabación nominó a Virtuosi en la categoría clásica de los premios Grammy, un honor único para Gary.

En el futuro inmediato, Gary se concentrará en actuar con la banda NEXT GENERATIONS. Su más reciente grabación NEXT GENERATIONS fue lanzada en marzo de 2005 en Concord.