egroj world: 2020

sábado, 11 de julio de 2020

Sandy Mosse • Relaxin' With Sandy Mosse + The Chicago Scene


Artist Biography by Eugene Chadbourne
The man whose name sounds like a description of the ground near a brook was a jazz tenor saxophonist who is remembered fondly on both the Chicago and European jazz scenes. Several times in his life he left America for extended stays, eventually marrying a Dutch woman and fulfilling what is many an American musician's lifelong dream: to retire in Amsterdam. Not that Sandy Mosse ever really retired; he kept playing til the end, showing off a lovely fuzzy tone that he was personally happy to trace back to Lester Young, his first and biggest influence. Mosse's final decades were a battle against ill health, as he was first diagnosed with cancer in the '60s. The man who apparently coined the expression "oh well, you can't have anything" always managed to keep a good sense of humor concerning life's ups and downs, as evidenced from this anecdote from "some posh jobbing date on the North Shore," as recalled by a fan writing to the Jazz Institute of Chicago: "Sandy had just been diagnosed with cancer. He showed up at the gig right after undergoing some kind of chemotherapy that had turned his skin a very distinct and lovely shade of green. If you ever saw Sandy Mosse, you know he had bright red hair. Well, the combination of the green skin and the red hair for a Christmas party was just too much. We just couldn't help laughing, but we would never have laughed if Sandy hadn't been first and loudest."
The saxophonist was born in Detroit, but spent much of his American playing time based out of Chicago. He switched to tenor saxophone in the early '50s after learning his way around a reed on both the clarinet and alto saxophone. His first move to Europe happened early on, when at 22 he skipped to Paris and established a relationship with Wallace Bishop. He also recorded historical sides in the band of Henri Renaud, originally released as some of the first-ever picture discs. Mosse also was involved in some orchestral efforts behind gypsy guitar virtuoso Django Reinhardt, and then was picked up in 1953 for a spot as a soloist in the front line of the Woody Herman band as it roared its way across Europe. Encouraged to come back home, he showed up back in the Windy City in 1955 and began working with Bill Russo, rhythm & blues and doo wop howler Chubby Jackson, and the interesting bandleader Cy Touff. The emerging Chess Records empire with its subsidiaries Argo and Cadet provided opportunities for Mosse to grow; he cut several sessions as a leader as well as recording with Touff and in a large band under the direction of the brilliant saxophonist and flautist James Moody. The latter session was something of a Chicago all-star get-together and found Mosse in the company of baritone Pat Patrick of Sun Ra Arkestra fame, among others. With Touff, Mosse co-led an octet in the late '50s and early '60s called the Pieces of Eight. This was reportedly a wonderful and unique small band with great arrangements, often featuring undersung trumpet player John Howell.
In the late '50s, Mosse was profiled in Downbeat in an article with this promising title: "Mosse Grows: A Warm, Fluent Tenor Saxophonist Is Finally Being Heard After Long Struggle." He received an award from the magazine as well as one from Playboy, at that point almost as concerned with jazz as with curves. Mosse was able to tour Europe with his own groups as well as with others as a guest soloist. A highlight was his appearance at the North Sea Jazz Festival. As the '50s wound down and rock & roll became more popular, Mosse was heard more frequently tucked into the ranks of big bands such as that led by the demanding drummer Buddy Rich, or high-note trumpeter Maynard Ferguson. He continued working in Chicago into the '60s, including appearing in the band of Dave Remington.
His Dutch wife lured him back to Europe and her hometown of Amsterdam in the 1970s, and while Mosse continued both playing on radio and teaching at the Royal Dutch Conservatory, there was definitely a drop in recording activity. Fans of his playing and the European scene still hope that the scores of avid home tapers who have been collecting jazz radio broadcasts might have some tasty material on their shelves that could see the light as an official release someday. There were sometimes trips back home, such as the '70s tour in which Mosse played the Chicago venue the Jazz Showcase alongside fellow tenor giants Zoot Sims and Al Cohn. On the Dutch side of things, one of Mosse's last major bands was the superb Volume Two, also featuring Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen, and Lex Cohen. One of Mosse's last recordings was a sideman in a band led by Hekkema.
///////////////////////////////////////////////////////////

Biografía del artista por Eugene Chadbourne
El hombre cuyo nombre suena como una descripción del terreno cerca de un arroyo era un saxofonista tenor de jazz que es recordado con cariño en las escenas de jazz de Chicago y Europa. Varias veces en su vida se fue de Estados Unidos para estancias prolongadas, casándose con una mujer holandesa y cumpliendo lo que es el sueño de toda una vida de un músico estadounidense: jubilarse en Ámsterdam. No es que Sandy Mosse se haya retirado realmente; siguió tocando hasta el final, mostrando un hermoso tono borroso que estaba personalmente feliz de remontarse a Lester Young, su primera y más grande influencia. Las últimas décadas de Mosse fueron una batalla contra la mala salud, ya que fue diagnosticado por primera vez con cáncer en los años 60. El hombre que aparentemente acuñó la expresión "oh bien, no se puede tener nada" siempre logró mantener un buen sentido del humor con respecto a los altibajos de la vida, como se evidencia en esta anécdota de "una cita de trabajo elegante en la costa norte", como recordó un fanático que escribió al Jazz Institute of Chicago: "Sandy acababa de ser diagnosticada con cáncer. Apareció en el concierto justo después de recibir algún tipo de quimioterapia que le había dado a su piel un tono de verde muy distintivo y encantador. Si alguna vez viste a Sandy Mosse, sabes que tenía el pelo rojo brillante. Bueno, la combinación de la piel verde y el pelo rojo para una fiesta de Navidad fue demasiado. No podíamos evitar reírnos, pero nunca nos habríamos reído si Sandy no hubiera sido la primera".
El saxofonista nació en Detroit, pero pasó gran parte de su tiempo tocando en Estados Unidos fuera de Chicago. Se cambió al saxo tenor a principios de los años 50 después de aprender a tocar la lengüeta tanto en el clarinete como en el saxo alto. Su primer traslado a Europa tuvo lugar al principio, cuando a los 22 años se fue a París y estableció una relación con Wallace Bishop. También grabó lados históricos en la banda de Henri Renaud, originalmente lanzados como algunos de los primeros discos de imagen. Mosse también estuvo involucrado en algunos esfuerzos orquestales detrás del virtuoso de la guitarra gitana Django Reinhardt, y luego fue elegido en 1953 para un puesto como solista en la primera línea de la banda de Woody Herman mientras se abría camino por toda Europa. Animado a volver a casa, se presentó en la Ciudad de los Vientos en 1955 y comenzó a trabajar con Bill Russo, rhythm & blues y doo wop howler Chubby Jackson, y el interesante director de orquesta Cy Touff. El imperio emergente de Chess Records con sus subsidiarias Argo y Cadet proporcionó oportunidades para que Mosse creciera; cortó varias sesiones como líder, además de grabar con Touff y en una gran banda bajo la dirección del brillante saxofonista y flautista James Moody. Esta última sesión fue una especie de reunión de estrellas de Chicago y encontró a Mosse en compañía del barítono Pat Patrick de Sun Ra Arkestra, entre otros. Con Touff, Mosse co-lideró un octeto a finales de los'50 y principios de los'60 llamado los Pieces of Eight. Se dice que esta fue una maravillosa y única banda pequeña con grandes arreglos, a menudo con el trompetista John Howell.
A finales de los años 50, Mosse fue perfilado en Downbeat en un artículo con este prometedor título: "Mosse Grows: Un cálido y fluido saxofonista de tenores finalmente está siendo escuchado después de una larga lucha". Recibió un premio de la revista y otro de Playboy, en ese momento casi tan preocupado por el jazz como por las curvas. Mosse pudo viajar por Europa con sus propios grupos y con otros como solista invitado. Un punto culminante fue su participación en el Festival de Jazz del Mar del Norte. A medida que los años 50 se fueron acabando y el rock & roll se hizo más popular, Mosse se escuchó con más frecuencia en las filas de las grandes bandas, como la dirigida por el exigente baterista Buddy Rich, o el trompetista de notas altas Maynard Ferguson. Continuó trabajando en Chicago hasta los años 60, incluyendo su participación en la banda de Dave Remington.
Su esposa holandesa lo atrajo de vuelta a Europa y a su ciudad natal de Ámsterdam en la década de 1970, y mientras Mosse seguía tocando en la radio y enseñando en el Real Conservatorio Holandés, definitivamente hubo un descenso en la actividad discográfica. Los aficionados a su música y a la escena europea siguen esperando que las partituras de los ávidos aficionados a la música casera que han estado coleccionando programas de radio de jazz tengan algún material sabroso en sus estanterías que pueda ver la luz como un estreno oficial algún día. A veces hubo viajes de vuelta a casa, como la gira de los'70 en la que Mosse tocó en Chicago en el Jazz Showcase junto a otros gigantes del tenor Zoot Sims y Al Cohn. En el lado holandés, una de las últimas grandes bandas de Mosse fue el magnífico Volume Two, con Irvin Rochlin, Klaus Flenter, Evert Hekkema, Ben Gerritsen y Lex Cohen. Una de las últimas grabaciones de Mosse fue un sideman en una banda liderada por Hekkema.
https://www.allmusic.com/artist/sandy-mosse-mn0000997050






Rick Wurzbacher • The Essence



Jazz organ trio featuring Rick Wurzbacher on Guitar, the incredible "Papa John" DeFranceso on B-3 Organ and Glenn Ferracone on percussion. Groove Be-bop, blues, jazz, swing and much more. If you love organ trios, this is the one to get.
RICK WURZBACHER One of the most exhilarting guitarists to make his enterance into the "Big Leagues" in 2002. Primarily influenced by his good friend, mentor, and guitar virtuoso Pat Martino, as well as the late Stevie Ray Vaughn, Rick puts it right in the pocket. His playing genuinely demostrates "The Essence" of his soul. After playing and recording with Joey DeFrancesco, Rick's next logical step was to record a studio album with....
"PAPA" JOHN DEFRANCESCO Legendary Jazz Organist, "Papa" John DeFrancesco is truly on one of the worlds greatest Hammond B-3 Organ players of all time. This incredible musician has been driving jazz, blues, and bebop for more than 40 years with his heart-pounding bass lines, rhythmic dexterity and breath taking solos. You can feel his deep groove from begining to end as "Papa" creates an enormous sound with his own drummer....
GLENN FERRACONE Serious Rhythm, versatility, and creativity best describe this awesome percussionist. Glenn wears many hats including performer, teacher, clinician, and recordist. His awesome performace on this record clearly shows his high level of excellence in his craft. From swing to blues to driving jazz, you will enjoy Glenn's signature sound all the way through, as he emphasizes his great collective effort of this album.

////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Trío de órgano de jazz con Rick Wurzbacher en la guitarra, el increíble "Papa John" DeFranceso en el órgano B-3 y Glenn Ferracone en la percusión. Groove Be-bop, blues, jazz, swing y mucho más. Si te gustan los tríos de órgano, este es el que hay que conseguir.
RICK WURZBACHER Uno de los guitarristas más excitantes que entró en las "Grandes Ligas" en 2002. Principalmente influenciado por su buen amigo, mentor y virtuoso de la guitarra Pat Martino, así como por el difunto Stevie Ray Vaughn, Rick se lo mete en el bolsillo. Su forma de tocar demuestra genuinamente "La esencia" de su alma. Después de tocar y grabar con Joey DeFrancesco, el siguiente paso lógico de Rick fue grabar un álbum de estudio...
"PAPA" JOHN DEFRANCESCO El legendario organista de jazz, "Papa" John DeFrancesco es uno de los mejores organistas de Hammond B-3 de todos los tiempos. Este increíble músico ha estado impulsando el jazz, el blues y el bebop durante más de 40 años con sus líneas de bajo que te hacen latir el corazón, su destreza rítmica y sus solos que te dejan sin aliento. Puedes sentir su profundo ritmo de principio a fin mientras "Papa" crea un enorme sonido con su propio baterista...
GLENN FERRACONE Ritmo serio, versatilidad y creatividad es lo que mejor describe a este impresionante percusionista. Glenn lleva muchos sombreros, incluyendo el de intérprete, profesor, clínico y grabador. Su impresionante actuación en este disco muestra claramente su alto nivel de excelencia en su oficio. Desde el swing hasta el blues y el jazz impulsivo, disfrutarán del sonido característico de Glenn durante todo el camino, ya que enfatiza el gran esfuerzo colectivo de este álbum.




Mildred Anderson • Person To Person



Review
Mildred Anderson, who recorded with organist Bill Doggett as early as 1953, only made two albums as a leader and, although thought of as as being in the R&B/blues field, both records have some notable jazz players supporting her. For this CD reissue, Anderson is joined by tenor-saxophonist Eddie "Lockjaw" Davis, organist Shirley Scott, bassist George Duvivier and drummer Arthur Edgehill for such songs as "Hello Little Boy," "Person to Person" and "Kidney Stew Blues" (the latter two tunes were associated with Eddie "Cleanhead" Vinson). Despite being rather brief (just 31 minutes), this set is worth checking out if quite obscure.
by Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/person-to-person-mw0000108898

//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Revisar
Mildred Anderson, que grabó con el organista Bill Doggett ya en 1953, sólo hizo dos álbumes como líder y, aunque se considera que está en el campo del R&B/blues, ambos discos cuentan con el apoyo de notables músicos de jazz. Para esta reedición del CD, Anderson está acompañada por el tenor y saxofonista Eddie "Lockjaw" Davis, la organista Shirley Scott, el bajista George Duvivier y el baterista Arthur Edgehill para canciones como "Hello Little Boy", "Person to Person" y "Kidney Stew Blues" (estos dos últimos temas se asociaron con Eddie "Cleanhead" Vinson). A pesar de ser bastante breve (sólo 31 minutos), vale la pena revisar este set si es bastante oscuro.
por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/album/person-to-person-mw0000108898





Ximo Tebar • Son Mediterraneo



Colaborador / Contribuitor:  Michel







VA • Bluesin' by the Bayou; Ain't Broke Ain't Hungry







Martin Taylor & Alan Barnes • Two For The Road








Les Baxter & His Orchestra • The Soul Of The Drums



Artist Biography
Les Baxter is a pianist who composed and arranged for the top swing bands of the '40s and '50s, but he is better known as the founder of exotica, a variation of easy listening that glorified the sounds and styles of Polynesia, Africa, and South America, even as it retained the traditional string-and-horn arrangements of instrumental pop. Exotica became a massively popular trend in the '50s, with thousands of record buyers listening to Baxter, Martin Denny, and their imitators. Baxter also pioneered the use of the electronic instrument the theremin, which has a haunting, howling sound.
Baxter studied piano at the Detroit Conservatory and Pepperdine College in Los Angeles. After he completed school, he abandoned the piano and became a vocalist. When he was 23, he joined Mel Tormé's Mel-Tones. The group sang on Artie Shaw records, including the hit "What Is This Thing Called Love."
In 1950, he became an arranger and conductor for Capitol Records, working on hits by Nat King Cole, including "Mona Lisa." Around the same time, Baxter began recording his own albums. In 1948, he released a triple-78 album called Music out of the Moon, which ushered in space-age pop with its use of the theremin. Four years later, he began recording exotica albums with Le Sacre du Sauvage.
On his early-'50s singles Baxter was relatively straightforward, performing versions of standards like the number one hits "Unchained Melody" and "The Poor People of Paris," but on his albums he experimented with all sorts of world musics, adapting them for his orchestra. As he was recording his exotica albums, Baxter was also the musical director for the radio show Halls of Ivy, plus Abbott & Costello radio shows; he also composed over 100 film scores, concentrating on horror movies and teenage musicals and comedies, though he also did dramas like Giant.
Baxter's heyday was in the '50s and '60s. Although he continued to compose and record in the '70s, his output was sporadic. Nevertheless, a cult following formed around his exotica recordings that persisted into the '90s.
Stephen Thomas Erlewine
https://www.allmusic.com/artist/les-baxter-mn0000249175/biography
///////////////////////////////////////////////////////////////

Biografía del artista
Les Baxter es un pianista que compuso y arregló para las principales bandas de swing de los años 40 y 50, pero es más conocido como el fundador de la exótica, una variación de easy listening que glorificó los sonidos y estilos de la Polinesia, África y América del Sur, aunque mantuvo los arreglos tradicionales de cuerdas y bronces del pop instrumental. La exótica se convirtió en una tendencia muy popular en los años 50, con miles de compradores de discos escuchando a Baxter, Martin Denny y sus imitadores. Baxter también fue pionero en el uso del instrumento electrónico el theremín, que tiene un sonido inquietante y aullador.
Baxter estudió piano en el Conservatorio de Detroit y en el Pepperdine College en Los Ángeles. Después de terminar la escuela, abandonó el piano y se convirtió en vocalista. A los 23 años, se unió a los Mel-Tones de Mel Tormé. El grupo cantó en los discos de Artie Shaw, incluyendo el éxito "What Is This Thing Called Love".
En 1950, se convirtió en arreglista y director de Capitol Records, trabajando en éxitos de Nat King Cole, incluyendo "Mona Lisa". Alrededor de la misma época, Baxter comenzó a grabar sus propios discos. En 1948, lanzó un álbum triple-78 llamado "Music out of the Moon", que marcó el comienzo del pop de la era espacial con el uso del theremín. Cuatro años más tarde, comenzó a grabar álbumes exóticos con Le Sacre du Sauvage.
A principios de los años 50, Baxter era relativamente sencillo, haciendo versiones de estándares como los éxitos número uno "Unchained Melody" y "The Poor People of Paris", pero en sus álbumes experimentó con todo tipo de músicas del mundo, adaptándolas para su orquesta. Mientras grababa sus álbumes exóticos, Baxter fue también director musical del programa de radio Halls of Ivy, además de los programas de radio de Abbott & Costello; también compuso más de 100 partituras de películas, concentrándose en películas de terror y en musicales y comedias para adolescentes, aunque también hizo dramas como Gigante.
El apogeo de Baxter fue en los años 50 y 60. Aunque continuó componiendo y grabando en los 70, su producción fue esporádica. Sin embargo, se formó un culto alrededor de sus grabaciones exóticas que persistió en los 90.
Stephen Thomas Erlewine
https://www.allmusic.com/artist/les-baxter-mn0000249175/biography



      


Cory Weeds Quartet • Day By Day



A saxophonist with an expressive sound rooted in Jazz tradition, a label owner tirelessly documenting unsung Jazz heroes, one of Canada’s most important Jazz impresarios, the hardest-working man in Jazz business – Cory Weeds is all of these things, and much more.
Weeds may be best known as the founder and owner of Cory Weeds’ Cellar Jazz Club in Vancouver, which he successfully ran for more than 14 years. Weeds built the Cellar to become one of North America’s best Jazz clubs, where masters such as George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David “Fathead” Newman, Dr. Lonnie Smith, and the finest Jazz musicians from Vancouver and across Canada performed before it closed in February 2014.
But he wasn’t just the club owner. As a saxophonist who studied at the University of North Texas and Capilano University, Weeds spent many nights on the Cellar bandstand as a leader and sideman. He held his own when performing with icons like Joey DeFrancesco and Christian McBride. Weeds has also recorded fifteen albums as a leader, including: Live at Frankie’s (with Terell Stafford and Harold Mabern) Explosion (with Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis and Joe Magnarelli), Let’s Groove (with Mike Ledonne), Dreamsville (with The Jeff Hamilton Trio), It’s Easy To Remember (with David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill and Jason Tiemann, reached #1 on the Jazz Week Charts)  This Happy Madness, (with The Jeff Hamilton Trio, reached #1 on the Jazz Week Charts),  Condition Blue, The Music Of Jackie McLean (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth)., As Of Now (with the Harold Mabern Trio), Let’s Go (with Steve Davis), the Juno-nominated Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (with Lewis Nash and Peter Washington), Just Like That (with the Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (with Joey DeFrancesco), Everything’s Coming Up Weeds (with Jim Rotondi), and Big Weeds (with Peter Bernstein, Mike LeDonne, and Joe Farnsworth).
While the Cellar is now a happy memory, the record label Weeds established in 2001 is alive and well. Rebranded in 2018, The Cellar Music Group has put out over 160 recordings, including many that have spent extensive time on the JazzWeek charts, with many more releases planned. In addition to playing on numerous sessions, Weeds has also served as producer on more than 120 recordings. In 2017 Weeds celebrated a win at the 2017 Juno Awards when Metalwood won for Jazz Album Of The Year: Group.
On the presentation front, Weeds has booked Frankie’s Jazz Club in downtown Vancouver since 2016.  In addition to Frankie’s, Weeds presents music all over the city at various venues including The Italian Cultural Center, Hycroft at The University Women’s Club, Club 45 in North Vancouver and The Emerald.
Beyond Vancouver, Weeds has a strong affinity with New York City. He’s brought so many of the Jazz mecca’s top players to Vancouver, and has performed, toured, and recorded with many of them. Tapping into his insider knowledge of the New York scene, he has led the annual New York With Weeds tour ten times and counting. He leads about 35 Jazz lovers to Jazz clubs off the beaten track, private recording sessions and more.
Finally, Weeds has also worked as an educator, leading the BC Music Educators Association’s Honour Ensemble, giving clinics on saxophone as well as the business of music, and teaching privately. He can also be heard on the airwaves on his show Condition Blue that airs on www.jazzcast.ca and www.saveonradio.com
https://coryweeds.com/bio/

/////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Un saxofonista con un sonido expresivo arraigado en la tradición del Jazz, un dueño de sello discográfico que documenta incansablemente a los héroes del Jazz no reconocidos, uno de los empresarios de Jazz más importantes de Canadá, el hombre más trabajador en el negocio del Jazz - Cory Weeds es todas estas cosas, y mucho más.
Weeds puede ser mejor conocido como el fundador y propietario del Club de Jazz Cellar de Cory Weeds en Vancouver, que dirigió con éxito durante más de 14 años. Weeds construyó el Cellar para convertirse en uno de los mejores clubes de Jazz de Norteamérica, donde maestros como George Coleman, Jeff Hamilton, Louis Hayes, David "Fathead" Newman, el Dr. Lonnie Smith, y los mejores músicos de Jazz de Vancouver y de todo Canadá actuaron antes de que cerrara en febrero de 2014.
Pero no era sólo el dueño del club. Como saxofonista que estudió en la Universidad del Norte de Texas y en la Universidad de Capilano, Weeds pasó muchas noches en el quiosco de la bodega como líder y acompañante. Se mantuvo firme cuando actuó con iconos como Joey DeFrancesco y Christian McBride. Weeds también ha grabado quince álbumes como líder, incluyendo: Live at Frankie's (con Terell Stafford y Harold Mabern) Explosion (con Gary Smulyan, PJ Perry, Steve Davis y Joe Magnarelli), Let's Groove (con Mike Ledonne), Dreamsville (con The Jeff Hamilton Trio), It's Easy To Remember (con David Hazeltine, Joe Magnarelli, Paul Gill y Jason Tiemann, alcanzaron el #1 en las listas de la Semana de Jazz) Esta Locura Feliz, (con The Jeff Hamilton Trio, alcanzó el #1 en las listas de la Semana de Jazz), Condition Blue, La Música de Jackie McLean (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth). (con el Harold Mabern Trio), Let's Go (con Steve Davis), el nominado por los Juno Up A Step (Cory Weeds Quartet), With Benefits (con Lewis Nash y Peter Washington), Just Like That (con el Tilden Webb Trio), The Many Deeds of Cory Weeds (con Joey DeFrancesco), Everything's Coming Up Weeds (con Jim Rotondi), y Big Weeds (con Peter Bernstein, Mike LeDonne, y Joe Farnsworth).
Mientras que la bodega es ahora un recuerdo feliz, el sello discográfico Weeds establecido en 2001 está vivo y bien. Reconocido en 2018, The Cellar Music Group ha publicado más de 160 grabaciones, incluyendo muchas que han pasado mucho tiempo en las listas de JazzWeek, con muchos más lanzamientos planeados. Además de tocar en numerosas sesiones, Weeds también ha sido productor en más de 120 grabaciones. En 2017 Weeds celebró su victoria en los Premios Juno 2017 cuando Metalwood ganó el Álbum de Jazz del año: Grupo.
En el frente de la presentación, Weeds ha reservado el Club de Jazz de Frankie en el centro de Vancouver desde 2016.  Además del Frankie's, Weeds presenta música por toda la ciudad en varios lugares, incluyendo el Centro Cultural Italiano, Hycroft en el Club de Mujeres de la Universidad, el Club 45 en North Vancouver y The Emerald.
Más allá de Vancouver, Weeds tiene una fuerte afinidad con la ciudad de Nueva York. Ha traído a muchos de los mejores músicos de la Meca del Jazz a Vancouver, y ha actuado, hecho giras y grabado con muchos de ellos. Aprovechando su conocimiento interno de la escena neoyorquina, ha dirigido la gira anual New York With Weeds diez veces y contando. Lleva a unos 35 amantes del jazz a clubes de jazz fuera de los circuitos habituales, sesiones de grabación privadas y más.
Finalmente, Weeds también ha trabajado como educador, dirigiendo el Conjunto de Honor de la Asociación de Educadores de Música de BC, dando clínicas de saxofón así como el negocio de la música, y enseñando en privado. También se le puede escuchar en las ondas de su programa Condition Blue que se emite en www.jazzcast.ca y www.saveonradio.com
https://coryweeds.com/bio/





Django Reinhardt • Accords Parfaits







Gary Burton & Friends • Six Pack



Review by Chris Slawecki
For his first album for the Concord jazz imprint, vibraphonist Gary Burton goes back: back to some of the most enduring compositions in the jazz lexicon, constructing the program on Departure completely from jazz standards, except for "Tossed Salads and Scrambled Eggs" (the theme from the television show Frasier). Along with guitarist John Scofield, drummer Peter Erskine, pianist Fred Hersch, and bassist John Patitucci, Burton also returns here to the quicksilver, porcelain sound of the George Shearing quintet, Burton's first job after graduating from the Berklee College of Music. For the uninitiated, Departure is a worthwhile introduction to Burton's style on vibes, with his strong sense of swing swaddled in a sound that's most often elegant yet sometimes surprisingly funky. Scofield really shines here, too. Departure is also a great way to discover less-known compositions by some of the best-known composers and performers in the history of jazz, including Duke Ellington ("Depk," from his "Far East Suite"), Chick Corea ("Japanese Waltz"), and Horace Silver ("Ecaroh," which is "Horace" spelled backwards), as well as Mel Tormé ("Born to Be Blue"), and "If I Were a Bell," a staple that rang throughout in the 1950s repertoire of Miles Davis and whose title chimes harmoniously with the sonorities of Burton's vibes.

////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Reseña de Chris Slawecki
Para su primer álbum para el sello de jazz Concord, el vibrafonista Gary Burton vuelve: a algunas de las composiciones más perdurables del léxico del jazz, construyendo el programa en Departure completamente a partir de los estándares del jazz, excepto por "Tossed Salads and Scrambled Eggs" (el tema del programa de televisión Frasier). Junto con el guitarrista John Scofield, el baterista Peter Erskine, el pianista Fred Hersch y el bajista John Patitucci, Burton también regresa aquí al sonido de plata y porcelana del quinteto de George Shearing, el primer trabajo de Burton después de graduarse en el Berklee College of Music. Para los no iniciados, Departure es una introducción al estilo de Burton en las vibraciones, con su fuerte sentido del swing envuelto en un sonido a menudo elegante y a veces sorprendentemente funky. Scofield realmente brilla aquí también. La partida es también una gran manera de descubrir composiciones menos conocidas de algunos de los compositores e intérpretes más conocidos de la historia del jazz, como Duke Ellington ("Depk", de su "Suite del Lejano Oriente"), Chick Corea ("Vals japonés") y Horace Silver ("Ecaroh"), "que es "Horace" escrito al revés), así como Mel Tormé ("Born to Be Blue"), y "If I Were a Bell", un producto básico que sonó en todo el repertorio de Miles Davis en los años 50 y cuyo título suena en armonía con las sonoridades de las vibraciones de Burton.



     

Fred van Zegveld • Dynamite



Organist Fred van Zegveld heeft o.a. gespeeld bij Roek's Family (Roek Williams & The Fighting Cats) en zijn naam duikt ook op als muzikant bij de Amsterdamse groep The Flood (Gin fizz, Eagle 4, 1969) met Wil Luikinga op sax en Richard de Bois op drums.
Rare groove-jazz

///////////////////////////////////////////////////////////////////////////

El organista Fred van Zegveld ha tocado con Roek's Family (Roek Williams & The Fighting Cats) y su nombre también aparece como músico en el grupo de Ámsterdam The Flood (Gin fizz, Eagle 4, 1969) con Wil Luikinga al saxo y Richard de Bois a la batería.
Jazz de ritmo extraño






VA • Rhythm Accordeon




Art Van Damme, Bengt Hallberg, Clifton Chenier, Gus Viseur, Richard Galliano ...









Comfortably Numb - The Inside Story of Pink Floyd



The acclaimed, definitive biography of Pink Floyd, from their iconic beginnings in psychedelic, Swinging London to their historic reunion at the Live8 concert ("The most complete, insightful, and current account of Pink Floyd...nearly as essential as the music itself."--Austin Chronicle)

Mark Blake draws on his own interviews with band members as well as the group's friends, road crew, musical contemporaries, former housemates, and university colleagues to produce a riveting history of one of the biggest rock bands of all time. We follow Pink Floyd from the early psychedelic nights at UFO, to the stadium-rock and concept-album zenith of the seventies, to the acrimonious schisms of the late '80s and '90s. Along the way there are fascinating new revelations about Syd Barrett's chaotic life at the time of Piper at the Gates of Dawn, the band's painstaking and Byzantine recording sessions at Abbey Road, and the fractious negotiations to bring about their fragile, tantalizing reunion in Hyde Park. Meticulous, exacting, and ambitious as any Pink Floyd album, Comfortably Numb is the definitive account of this most adventurous--and most English--rock band.




Folkloreː An Encyclopedia of Beliefs, Customs, Tales, Music, and Art (3 Volume Set)



Written by an international team of acclaimed folklorists, this reference text provides a cross-cultural survey of the major types and methods of inquiry in folklore.
Did you know that the tale of Cinderella is over 1,000 years old, and similar versions of this singular story exist in hundreds of cultures around the globe? Have you heard of "deathlore," a subgenre of folklore involving tombstones, coffins, cemeteries, and roadside memorial shrines? Did you realize that UFO sightings and cyber cultures constitute modern folklore?
The broad field of folklore studies, developed over the past two centuries, provides significant insights into many aspects of human culture. While the term "folklore" conjures images of ancient practices and beliefs or folk heroes and traditional stories, it also applies to today's ever-changing cultural landscape. Even certain aspects of modern Internet-based popular culture and contemporary rites of passage represent folklore. This encyclopedia covers all the major genres of both ancient and contemporary folklore. This second edition adds more than 100 entries that examine the folklore practices of major ethnic groups, folk heroes, creatures of myth and legend, and emerging areas of interest in folklore studies.






Paul Kleeː The Bauhaus Years








Historia del Arte • Sagrario Aznar Almazán-Alicia Cámara Muñoz / pdf español



Otra Historia del Arte, de edición más moderna y tal vez menos académica que la posteada en La Historia del Arte, pdf español
pdf / 516 páginas / Idioma: español / texto editable (copiar y pegar)
















Diseños, Estilos, Motivos / Designs, Styles, Motifs / Орнаменты, Стили, Мотивы



Книга состоит из двух частей: теоретической, где говорится об истоках и истории орнамента, и альбома образцов орнаментального искусства. Декоративные мотивы, подобранные в альбомной части, представляют собой графическую интерпретацию узоров с архитектурных сооружений, тканых изделий, ювелирных украшений, бытовых предметов, мебели, древних манускриптов и т. д. и относятся к различным историческим периодам, странам, индивидуальному творчеству художников.
Цель данного издания — ознакомить с разнообразными видами орнамента и показать образцы, которые могут быть использованы в практической работе студентами, обучающимися по специальности «Дизайн и декоративно-прикладное искусство», а также художниками, работающими в области архитектуры, декоративного творчества и др.

///////////////////////////////

Traducción Automática:
El libro consta de dos partes: teórica, lo que habla acerca de los orígenes y la historiaornamento, ornamentos y la portada del álbum. Los motivos decorativos,elegido en algunas partes del paisaje son la interpretación gráfica de los patronescon estructuras arquitectónicas, tejidos, joyería, hogarobjetos, muebles, manuscritos antiguos, y así sucesivamente. d., y pertenecen a diferentes históricaperíodo, el país, el artista individual.El propósito de esta publicación - para familiarizarse con diversos tipos de adornos y espectáculoLas muestras que se pueden utilizar en el trabajo práctico de los estudiantes,inscrito en la especialidad "Diseño y artes decorativas", así comoartistas que trabajan en el campo de la arquitectura y otras artes decorativas.
Formato: pdf / 90 págs. / texto editable (copiar y pegar en traductor)

 ///////////////////////////////

Automatic translation:
 The book consists of two parts: theoretical, which speaks of the origins and historyOrnament, and album samples of ornamental art. Decorative motifs,Selected in the landscape part, represent a graphic interpretation of the patternsWith architectural structures, woven items, jewelry, householdObjects, furniture, ancient manuscripts, etc., and belong to different historicalPeriods, countries, individual creativity of artists.The purpose of this publication is to introduce various types of ornament and showSamples that can be used in practical work by students,Students in the specialty "Design and decorative and applied arts", as well asArtists working in the field of architecture, decorative art, etc.
Format: pdf / 90 p. / Editable text (copy and paste into translator)
 










viernes, 10 de julio de 2020

Muddy Waters • Muddy Waters Sings ''Big Bill''



Album by blues musician Muddy Waters, featuring songs by Big Bill Broonzy, released by the Chess label in 1960.









Ralph Sutton • In Copenhagen



Artist Biography
Ralph Sutton was the greatest stride pianist to emerge since World War II, with his only close competitors being the late Dick Wellstood and the very versatile Dick Hyman. Nearly alone in his generation, Sutton kept alive the piano styles of Fats Waller and James P. Johnson, not as mere museum pieces but as devices for exciting improvisations. Although sticking within the boundaries of his predecessors, Sutton infused the music with his own personality; few could match his powerful left hand. Ralph Sutton played with Jack Teagarden's big band briefly in 1942 before serving in the Army. After World War II he appeared regularly on Rudi Blesh's This Is Jazz radio show and spent eight years as the intermission pianist at Eddie Condon's club, recording frequently. He spent time playing in San Francisco, worked for Bob Scobey, moved to Aspen in the mid-'60s, and became an original member of the World's Greatest Jazz Band with Yank Lawson, Bob Haggart, and Bud Freeman. In the 1970s, he recorded many exciting albums for the Chaz label and then cut albums for quite a few labels. Despite suffering a stroke in the early '90s, Sutton kept a busy schedule through the mid-'90s, playing at jazz parties and festivals.
He died suddenly on December 29, 2001, in his car outside a restaurant in Evergreen, CO. Although he would have received much greater fame if he had been born 20 years earlier and come to maturity during the 1930s rather than the 1950s, at the time of his death it was obvious that Ralph Sutton had earned his place among the top classic jazz pianists of all time.
by Scott Yanow
https://www.allmusic.com/artist/ralph-sutton-mn0000389980/biography

///////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Biografía del artista
Ralph Sutton fue el mejor pianista de zancadas que ha surgido desde la Segunda Guerra Mundial, siendo sus únicos competidores cercanos el difunto Dick Wellstood y el muy versátil Dick Hyman. Casi solo en su generación, Sutton mantuvo vivos los estilos de piano de Fats Waller y James P. Johnson, no como meras piezas de museo sino como dispositivos para emocionantes improvisaciones. Aunque se mantuvo dentro de los límites de sus predecesores, Sutton infundió a la música su propia personalidad; pocos podían igualar su poderosa mano izquierda. Ralph Sutton tocó brevemente con la gran banda de Jack Teagarden en 1942 antes de servir en el ejército. Después de la Segunda Guerra Mundial apareció regularmente en el programa de radio This Is Jazz de Rudi Blesh y pasó ocho años como pianista del intermedio en el club de Eddie Condon, grabando con frecuencia. Pasó un tiempo tocando en San Francisco, trabajó para Bob Scobey, se mudó a Aspen a mediados de los 60, y se convirtió en miembro original de la Banda de Jazz más grande del mundo con Yank Lawson, Bob Haggart y Bud Freeman. En los años 70, grabó muchos álbumes emocionantes para el sello Chaz y luego cortó álbumes para bastantes sellos. A pesar de sufrir un derrame cerebral a principios de los 90, Sutton mantuvo una apretada agenda hasta mediados de los 90, tocando en fiestas y festivales de jazz.
Murió repentinamente el 29 de diciembre de 2001, en su coche fuera de un restaurante en Evergreen, CO. Aunque habría recibido mucha más fama si hubiera nacido 20 años antes y llegado a la madurez durante los años 30 en lugar de los 50, en el momento de su muerte era obvio que Ralph Sutton se había ganado su lugar entre los mejores pianistas de jazz clásico de todos los tiempos.
por Scott Yanow
https://www.allmusic.com/artist/ralph-sutton-mn0000389980/biography






Little Roger & The Houserockers • Good Rockin' House Party



Over the last twenty years, Roger C. Wade (harp / vocals) has established himself as an outstanding harmonica player. His powerful, as well as, sensitive style and penetrating Blues feeling coupled with a healthy level of virtuosity, spontaneity, humor and an energetic "stage presence" are certain to catch your ear! The quintet describes its style as "hip-wiggling, foot-stomping and down in the alley blues", which translates as a real good time. This is by no means exaggerated. The Brit is not only an excellent singer, his handling of the harmonica is breathtaking. With hints of Rod Piazza at work, Little Roger & The Houserockers succeed wonderfully on "Good Rockin' House Party".
http://dwmmusic.com/little-roger-the-houserockers-good-rockin-house-party/

///////////////////////////////////////////////////////////////

En los últimos veinte años, Roger C. Wade (arpa / voz) se ha establecido como un destacado intérprete de armónica. Su poderoso, así como, sensible estilo y penetrante sentimiento de Blues, junto con un saludable nivel de virtuosismo, espontaneidad, humor y una enérgica "presencia en el escenario", ¡seguro que te llamará la atención! El quinteto describe su estilo como "meneo de caderas, pisadas de pies y abajo en el callejón del blues", lo que se traduce como un verdadero buen momento. Esto no es de ninguna manera exagerado. El británico no sólo es un excelente cantante, su manejo de la armónica es impresionante. Con indicios de Rod Piazza en el trabajo, Little Roger & The Houserockers tienen un gran éxito en "Good Rockin' House Party".
http://dwmmusic.com/little-roger-the-houserockers-good-rockin-house-party/



Bear Family ...







Duke Ellington • Verve Jazz Masters 04






       



Gloria Coleman • Sings & Swings Organ



Review:
Those who believe in the existence of the strict, commandment-enforcing organization called "the jazz police" also feel the veracity of the following story is unquestionable. One of the organization's strictest quartermasters was a mainstream jazz disc jockey whose voice was heard nightly across the length and breadth of Canada. It was his law that the second song of every jazz concert would have to be "Blue Bossa" by Kenny Dorham, otherwise a group would be found in violation of the jazz police. It was told that there was a version of this tune that had driven this man to tears, beyond his trivial dogma to a true understanding of the music. Gloria Coleman's Sings and Swings Organ, indeed, contains that version of "Blue Bossa," and it isn't even the best cut. That's only because over-familiarity is often easily vanquished by the thrill of digging up, by its dirty roots, something as obscure as a "Fungii Mama," a tremendous cover version of a Blue Mitchell tune. What better a monument to the concept of the jazz police than to this apparent heirloom released on a label actually called Mainstream. Genre fans will be familiar with the label and will be ready for the inevitable details of deterioration through the course of licensing and reissue deals. One track was somehow lopped off the already short playing time of this session on some of the later releases, as was the credit for guitarist Ted Dunbar. In the former case it is a particularly lousy decision; there is no reason to lose "Blues for Youse," an extemporization by this thrilling organist that shows off the chops of drummer Charles Davis -- no relation to the baritone saxophonist from the Sun Ra band. Through the entire program, which includes well-chosen standards and "Bugaloo for Ernie," another of Coleman's churning jam concoctions, the gutsy momentum of an organ-based rhythm section is provided with the additional harmonic interest of guitar and horns. Dunbar's playing, always worth a listen, had byzantine moments during this period, sometimes bordering on splatter due to the haste of the label's production processes. Trombonist Dick Griffin, a veteran of many a Rahsaan Roland Kirk session, is a good fellow to have on hand for mayhem such as this as well as the melodic moments. Tenor saxophonist James Anderson is an interesting player, and the flügelhorn of Ray Copeland, kind of in a Donald Byrd nest, adds just the right texture.
by Eugene Chadbourne
https://www.allmusic.com/album/sings-and-swings-organ-mw0001880560

//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Reseña:
Aquellos que creen en la existencia de la estricta organización de control llamada "la policía del jazz" también sienten que la veracidad de la siguiente historia es incuestionable. Uno de los más estrictos jefes de la organización era un disc-jockey de jazz cuya voz se escuchaba todas las noches a lo largo y ancho del Canadá. Según su ley, la segunda canción de cada concierto de jazz debía ser "Blue Bossa" de Kenny Dorham, de lo contrario se encontraría un grupo que violara la policía del jazz. Se dijo que había una versión de esta canción que había hecho llorar a este hombre, más allá de su dogma trivial para una verdadera comprensión de la música. El Sings and Swings Organ de Gloria Coleman, de hecho, contiene esa versión de "Blue Bossa", y ni siquiera es el mejor corte. Eso es sólo porque el exceso de familiaridad es fácilmente vencido por la emoción de desenterrar, por sus sucias raíces, algo tan oscuro como un "Fungii Mama", una tremenda versión de una melodía de Blue Mitchell. Qué mejor monumento al concepto de la policía del jazz que a esta aparente reliquia editada en un sello llamado Mainstream. Los fans del género estarán familiarizados con el sello y estarán listos para los inevitables detalles de deterioro a través del curso de los acuerdos de licencia y reedición. Una pista fue cortada de alguna manera del ya corto tiempo de esta sesión en algunos de los últimos lanzamientos, como fue el crédito para el guitarrista Ted Dunbar. En el primer caso es una decisión particularmente mala; no hay razón para perder "Blues for Youse", una extemporánea de este emocionante organista que muestra las chuletas del baterista Charles Davis - sin relación con el saxofonista barítono de la banda Sun Ra. A lo largo de todo el programa, que incluye estándares bien elegidos y "Bugaloo for Ernie", otro de los breves brebajes de Coleman, el valiente impulso de una sección rítmica basada en el órgano se proporciona con el interés armónico adicional de la guitarra y las trompetas. La interpretación de Dunbar, siempre digna de ser escuchada, tuvo momentos bizantinos durante este período, a veces rayando en la salpicadura debido a la prisa de los procesos de producción de la etiqueta. El trombonista Dick Griffin, veterano de muchas sesiones de Rahsaan Roland Kirk, es un buen compañero para tener a mano para un caos como éste, así como para los momentos melódicos. El saxofonista tenor James Anderson es un jugador interesante, y el flügelhorn de Ray Copeland, en una especie de nido de Donald Byrd, añade la textura adecuada.
por Eugene Chadbourne
https://www.allmusic.com/album/sings-and-swings-organ-mw0001880560








Cal Tjader • Soul Bird Wiffenpoof



Review by Alex Henderson
 In the '60s, R&B was a much larger market than jazz. While John Coltrane or Art Blakey could fill a small club like The Village Vanguard, James Brown and the Temptations were selling out large auditoriums -- gone were the days when jazz was very much a part of popular culture and Benny Goodman's name was all over the pop charts. Soul's popularity wasn't lost on Verve, which is why some of Cal Tjader's '60s LPs had titles like Soul Sauce and El Sonido Nuevo: The New Soul Sound -- Verve wanted the baby boomers who were buying Stax and Motown releases to notice Tjader as well. However, Soul Bird: Whiffenpoof isn't the R&B-drenched project that some might expect it to be. Tjader's vibes solos are soulful in that he plays with a lot of feeling, but he isn't trying to be Marvin Gaye. Produced by Creed Taylor in 1965, Soul Bird: Whiffenpoof is primarily an album of laid-back cool jazz that has strong Latin leanings -- Latin as in Afro-Cuban ("Tin Tin Deo"), Latin as in Brazilian ("Samba de Orfeu"). Taylor has always believed that post-swing jazz doesn't have to be devoid of commercial appeal, and he sees to it that Tjader has a groove-oriented outlook whether he is embracing the standard "How High the Moon" or giving Frank Foster's "Shiny Stockings" a bossa nova makeover. The funkiest thing on the album is Tjader's version of Sonny Rollins' "Doxy," which he approaches as a boogaloo. But overall, these performances are more cool jazz than soul-jazz. Soul Bird: Whiffenpoof isn't among Tjader's essential albums, but it's an enjoyable demonstration of the vibist's ability to be a bit more commercial than usual and still maintain his bop-based integrity.

////////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Reseña de Alex Henderson
 En los años 60, el R&B era un mercado mucho más grande que el del jazz. Mientras John Coltrane o Art Blakey podían llenar un pequeño club como The Village Vanguard, James Brown y los Temptations vendían grandes auditorios... desaparecieron los días en que el jazz era parte de la cultura popular y el nombre de Benny Goodman estaba en todas las listas de pop. La popularidad del Soul no se perdió con Verve, por lo que algunos de los LPs de Cal Tjader de los 60 tenían títulos como Soul Sauce y El Sonido Nuevo: The New Soul Sound -- Verve quería que los baby boomers que compraban los lanzamientos de Stax y Motown se fijaran en Tjader también. Sin embargo, Soul Bird: Whiffenpoof no es el proyecto de R&B que algunos podrían esperar que fuera. Los solos de Tjader son conmovedores porque toca con mucho sentimiento, pero no intenta ser Marvin Gaye. Producido por Creed Taylor en 1965, Soul Bird: Whiffenpoof es principalmente un álbum de cool jazz relajado que tiene fuertes inclinaciones latinas - latina como en afrocubano ("Tin Tin Deo"), latina como en brasileña ("Samba de Orfeu"). Taylor siempre ha creído que el jazz post-swing no tiene por qué estar desprovisto de atractivo comercial, y se encarga de que Tjader tenga una perspectiva orientada al groove, ya sea que adopte el estándar "How High the Moon" o le dé a "Shiny Stockings" de Frank Foster un cambio de imagen de bossa nova. Lo más funky del álbum es la versión de Tjader de "Doxy" de Sonny Rollins, que él aborda como un boogaloo. Pero en general, estas actuaciones son más cool jazz que soul-jazz. Soul Bird: Whiffenpoof no está entre los álbumes esenciales de Tjader, pero es una agradable demostración de la capacidad del vibrafonista de ser un poco más comercial de lo habitual y aún así mantener su integridad basada en el bop.





Knock-Out Greg & Blue Weather • The Wig-Flipper









Prague Cello Quartet • Top Secret








Montefiori Cocktail • Montefiori Appetizer Vol. 1



The duo is formed by a couple of twins who play different musical instruments: Francesco (Kekko) at keyboards and Federico (Kikko) at sax, flute and voice. The two brothers, sons of sax player Germano Montefiori, a talented 60’s and 70’s musician, before becoming Montefiori Cocktail, have worked separately. Francesco was a producer of house and breakbeat music, while Federico played sax in many bands, such as Ladri di Biciclette and Good Fellas.

//////////////////////////////////////////////////////////////////////

El dúo está formado por un par de gemelos que tocan diferentes instrumentos musicales: Francesco (Kekko) en los teclados y Federico (Kikko) en el saxo, flauta y voz. Los dos hermanos, hijos del saxofonista Germano Montefiori, un talentoso músico de los años 60 y 70, antes de convertirse en el cóctel Montefiori, han trabajado por separado. Francesco era productor de música house y breakbeat, mientras que Federico tocaba saxofón en muchas bandas, como Ladri di Biciclette y Good Fellas.


 






The Nat Birchall Quartet • The Storyteller - A Musical Tribute to Yusef Lateef







Lou Donaldson • The Time Is Right








Toots Thielemans & Svend Asmussen ‎• Toots & Svend



Review by Scott Yanow
The great harmonica player Toots Thielemans teams up on this 1972 date with the talented veteran swing violinist Svend Asmussen but the results are less interesting than one might hope. Backed by a rather anonymous-sounding rhythm section comprised of Kjell Ohman's organ and electric piano, electric bassist Stefan Brolund and/or acoustic bassist Red Mitchell and drummer Ed Thigpen, Svend and Toots play fine but the material is rather erratic. Perhaps Thielemans had been in the studios too long at this point, but the somewhat commercial A&M LP (which was originally released in Europe on Sonet) is generally quite forgettable. Any album featuring a song titled "Mr. Nashville" can be considered ominous.

///////////////////////////////////////////////////////////////////////////

Reseña de Scott Yanow
El gran intérprete de armónica Toots Thielemans forma equipo en esta fecha de 1972 con el talentoso y veterano violinista de swing Svend Asmussen, pero los resultados son menos interesantes de lo que uno podría esperar. Respaldados por una sección rítmica de sonido anónimo compuesta por el órgano y el piano eléctrico de Kjell Ohman, el bajista eléctrico Stefan Brolund y/o el bajista acústico Red Mitchell y el baterista Ed Thigpen, Svend y Toots tocan bien pero el material es bastante errático. Tal vez Thielemans había estado en los estudios demasiado tiempo en este momento, pero el LP algo comercial de A&M (que fue originalmente lanzado en Europa en Sonet) es generalmente bastante olvidable. Cualquier álbum que contenga una canción titulada "Mr. Nashville" puede ser considerado siniestro.