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jueves, 27 de enero de 2022

Astor Piazzolla & His Quintet • Take Me Dancing!


by Steve Huey
It's not hyperbole to say that Astor Piazzolla is the single most important figure in the history of tango, a towering giant whose shadow looms large over everything that preceded and followed him. Piazzolla's place in Argentina's greatest cultural export is roughly equivalent to that of Duke Ellington in jazz -- the genius composer who took an earthy, sensual, even disreputable folk music and elevated it into a sophisticated form of high art. But even more than Ellington, Piazzolla was also a virtuosic performer with a near-unparalleled mastery of his chosen instrument, the bandoneon, a large button accordion noted for its unwieldy size and difficult fingering system. In Piazzolla's hands, tango was no longer strictly a dance music; his compositions borrowed from jazz and classical forms, creating a whole new harmonic and rhythmic vocabulary made for the concert hall more than the ballroom (which was dubbed "nuevo tango"). Some of his devices could be downright experimental -- he wasn't afraid of dissonance or abrupt shifts in tempo and meter, and he often composed segmented pieces with hugely contrasting moods that interrupted the normal flow and demanded the audience's concentration. The complexity and ambition of Piazzolla's oeuvre brought him enormous international acclaim, particularly in Europe and Latin America, but it also earned him the lasting enmity of many tango purists, who attacked him mercilessly for his supposed abandonment of tradition (and even helped drive him out of the country for several years). But Piazzolla always stuck to his guns, and remained tango's foremost emissary to the world at large up until his death in 1992.

Piazzolla was born in Mar del Plata, Argentina, on March 11, 1921. His parents were poor Italian immigrants who moved to New York City in 1924, affording the young Piazzolla extensive exposure to jazz artists like Duke Ellington and Cab Calloway. His father also played tango records by the early masters, especially the legendary vocalist/composer Carlos Gardel, and gave Astor a bandoneon for his ninth birthday. In addition to lessons on that instrument (which encompassed American music, like Gershwin, as well as tango), Piazzolla also studied with classical pianist Bela Wilda in 1933, becoming an ardent fan of Bach and Rachmaninoff. Around the same time, the budding prodigy met and played with Carlos Gardel, appearing as a newspaper boy in Gardel's watershed tango film El Dia que Me Quieras. The teenaged Piazzolla turned down an offer to tour South America with Gardel in 1935, a fortuitous decision that kept him out of the tragic plane crash that claimed Gardel's life.

In 1936, Piazzolla's family returned to Mar del Plata, and his passion for tango music was fired anew by violinist Elvino Vardaro's sextet. The still-teenaged Piazzolla moved to Buenos Aires in 1938, seeking work as a musician. After about a year of dues-paying, he caught on with the widely renowned Anibal Troilo orchestra, where he spent several high-profile years. In the meantime, he continued his study of piano and music theory, counting future classical composer Alberto Ginastera (1941) and pianist Raul Spivak (1943) as his teachers. He began composing for Troilo during this period, although his more ambitious, classically influenced pieces were often edited for accessibility's sake. In 1944, Piazzolla left Troilo's group to become the orchestra leader behind singer Francisco Fiorentino; two years later, he formed his own group, playing mostly traditional tangos, yet already with hints of modernism. This group broke up in 1949, and Piazzolla, unsure of his musical direction, sought a way to leave tango behind for more refined pursuits. He studied Ravel, Bartók, and Stravinsky, also immersing himself in American jazz, and worked mostly on his compositional skills for a few years. His 1953 piece "Buenos Aires" caused a stir for its use of bandoneon in a classical orchestral setting.

In 1954, Piazzolla won a scholarship to study in Paris with the hugely influential Nadia Boulanger, who also taught Aaron Copland, Philip Glass, and Quincy Jones, among many others. Boulanger encouraged Piazzolla not to ignore tango, but to reinvigorate the form with his jazz and classical training. Piazzolla returned home in 1955 and immediately set the tango world on its ear, forming an octet that played tango as self-contained chamber music, rather than accompaniment for vocalists or dancers. The howls of protest from traditionalists continued unabated until 1958, when Piazzolla disbanded the group and went to New York City; there he worked as an arranger and experimented with a fusion of jazz and tango, also composing the famed "Adios Nonino," a lovely ode to his recently departed father.

Returning to Buenos Aires in 1960, Piazzolla formed his first quintet, the Quinteto Tango Nuevo, which would become the primary vehicle for his forward-looking vision. Over the course of the '60s, Piazzolla would refine and experiment heavily, pushing the formal structure of tango to its breaking point. In 1965, he made a record of his concert at New York's Philharmonic Hall, and also cut an album of poems by Jorge Luis Borges set to music. In 1967, Piazzolla struck a deal with poet Horacio Ferrer to collaborate exclusively with each other, resulting in the groundbreaking so-called "operita" Maria de Buenos Aires, which was premiered by singer Amelita Baltar in 1968 (she would later become Piazzolla's second wife). Piazzolla and Ferrer next collaborated on a series of "tango-canciones" (tango songs) which produced his first genuine commercial hit, "Balada Para un Loco" ("Ballad of a Madman"). In addition to composing songs and more elaborate pieces for orchestra (such as 1970's El Pueblo Joven), Piazzolla also flexed his muscles scoring numerous films of the period.

The '70s started out well for Piazzolla, as an acclaimed European tour brought the opportunity to form a nine-piece group to play his music in especially lush fashion. However, all was not well. Argentina's government was taken over by a conservative military faction, and everything that Piazzolla symbolized -- modern refinement, an ostensible lack of respect for tradition -- suddenly became politically unwelcome. In 1973, Piazzolla suffered a heart attack, and after recovering, he decided that, with sentiments running high against him, it would be wiser for him to live in Italy. There he formed a group called the Conjunto Electronico, which placed bandoneon at the forefront of what was essentially, instrumentation-wise, an electric jazz ensemble; this period also produced one of his most celebrated compositions, "Libertango." In 1974, Piazzolla cut an album with jazz baritone saxophonist Gerry Mulligan called Summit, with backing by Italian musicians; the following year, he found a new favorite vocal interpreter in Jose Angel Trelles. 1976 brought a major concert back in Buenos Aires, with the Conjunto Electronico premiering the piece "500 Motivaciones."

Tiring of electric music, Piazzolla formed a new quintet in 1978 and toured extensively all over the world, also composing new chamber and symphonic works in the meantime. His reputation grew steadily, making him a prime candidate for exposure in the U.S. during the world-music craze of the latter half of the '80s. In 1986, Piazzolla entered the studio with his quintet and American producer Kip Hanrahan and recorded what he considered the finest album of his career, Tango: Zero Hour. The same year, he played the Montreux Jazz Festival with vibraphonist Gary Burton, resulting in the live set Suite for Vibraphone and New Tango Quintet. The official follow-up to Tango: Zero Hour, The Rough Dancer and the Cyclical Night, won equally glowing reviews, and Piazzolla staged a major homecoming concert in New York's Central Park in 1987.

Unfortunately, at the height of his international fame (and belated celebration at home), Piazzolla's health began to fail him. He underwent quadruple bypass surgery in 1988, but recovered well enough to mount an international tour in 1989, including what would be his final concert in Argentina. La Camorra, another excellent recording, was released in 1989, the same year Piazzolla formed a new sextet with an unheard-of two bandoneons. In 1990, he recorded a short album with modern-classical iconoclasts the Kronos Quartet, titled Five Tango Sensations. Sadly, not long afterward, Piazzolla suffered a stroke that left him unable to perform or compose. Almost two years later, on July 5, 1992, he died in his beloved Buenos Aires due to the lingering after-effects, leaving behind a monumental legacy as one of South America's greatest musical figures ever, and a major composer of the 20th century.


por Steve Huey
No es una hipérbole decir que Astor Piazzolla es la figura más importante de la historia del tango, un gigante cuya sombra se cierne sobre todo lo que le ha precedido y seguido. El lugar de Piazzolla en la mayor exportación cultural de Argentina equivale aproximadamente al de Duke Ellington en el jazz: el genio compositor que tomó una música folclórica terrenal, sensual e incluso de mala reputación y la elevó a una forma sofisticada de alto arte. Pero incluso más que Ellington, Piazzolla fue también un intérprete virtuoso con un dominio casi inigualable del instrumento que eligió, el bandoneón, un gran acordeón de botones conocido por su tamaño inmanejable y su difícil sistema de digitación. En manos de Piazzolla, el tango dejó de ser estrictamente una música de baile; sus composiciones tomaron prestadas formas clásicas y de jazz, creando todo un nuevo vocabulario armónico y rítmico hecho para la sala de conciertos más que para el salón de baile (lo que se denominó "nuevo tango"). Algunos de sus recursos podían ser francamente experimentales: no temía la disonancia ni los cambios bruscos de tempo y métrica, y a menudo componía piezas segmentadas con estados de ánimo enormemente contrastados que interrumpían el flujo normal y exigían la concentración del público. La complejidad y la ambición de la obra de Piazzolla le valieron un enorme reconocimiento internacional, sobre todo en Europa y América Latina, pero también le granjearon la enemistad duradera de muchos puristas del tango, que lo atacaron sin piedad por su supuesto abandono de la tradición (e incluso contribuyeron a expulsarlo del país durante varios años). Pero Piazzolla siempre se mantuvo firme y fue el principal emisario del tango en el mundo hasta su muerte en 1992.

Piazzolla nació en Mar del Plata, Argentina, el 11 de marzo de 1921. Sus padres eran inmigrantes italianos pobres que se trasladaron a Nueva York en 1924, lo que permitió al joven Piazzolla conocer a artistas de jazz como Duke Ellington y Cab Calloway. Su padre también ponía discos de tango de los primeros maestros, especialmente del legendario vocalista y compositor Carlos Gardel, y regaló a Astor un bandoneón por su noveno cumpleaños. Además de las lecciones de ese instrumento (que abarcaba la música americana, como Gershwin, además del tango), Piazzolla también estudió con el pianista clásico Bela Wilda en 1933, convirtiéndose en un ferviente admirador de Bach y Rachmaninoff. Alrededor de la misma época, el prodigio en ciernes conoció y tocó con Carlos Gardel, apareciendo como repartidor de periódicos en la película de tango El Día que Me Quieras de Gardel. El adolescente Piazzolla rechazó una oferta para hacer una gira por Sudamérica con Gardel en 1935, una decisión fortuita que lo mantuvo alejado del trágico accidente aéreo que se cobró la vida de Gardel.

En 1936, la familia de Piazzolla regresó a Mar del Plata, y su pasión por la música de tango se encendió de nuevo con el sexteto del violinista Elvino Vardaro. El todavía adolescente Piazzolla se trasladó a Buenos Aires en 1938, buscando trabajo como músico. Después de un año de pagar las cuotas, se incorporó a la renombrada orquesta de Aníbal Troilo, en la que pasó varios años de alto nivel. Mientras tanto, continuó sus estudios de piano y teoría musical, contando como profesores al futuro compositor clásico Alberto Ginastera (1941) y al pianista Raúl Spivak (1943). Comenzó a componer para Troilo durante este período, aunque sus piezas más ambiciosas, de influencia clásica, fueron a menudo editadas por razones de accesibilidad. En 1944, Piazzolla dejó el grupo de Troilo para convertirse en director de orquesta detrás del cantante Francisco Fiorentino; dos años más tarde, formó su propio grupo, tocando principalmente tangos tradicionales, aunque ya con toques de modernismo. Este grupo se disolvió en 1949, y Piazzolla, inseguro de su dirección musical, buscó la manera de dejar el tango para dedicarse a actividades más refinadas. Estudió a Ravel, Bartók y Stravinsky, y también se sumergió en el jazz americano. Su obra "Buenos Aires", de 1953, causó sensación por el uso del bandoneón en un entorno orquestal clásico.

En 1954, Piazzolla obtuvo una beca para estudiar en París con la influyente Nadia Boulanger, que también fue profesora de Aaron Copland, Philip Glass y Quincy Jones, entre muchos otros. Boulanger animó a Piazzolla a no ignorar el tango, sino a revitalizarlo con su formación clásica y de jazz. Piazzolla regresó a casa en 1955 e inmediatamente puso al mundo del tango de cabeza, formando un octeto que tocaba el tango como música de cámara autónoma, en lugar de como acompañamiento para vocalistas o bailarines. Los aullidos de protesta de los tradicionalistas no cesaron hasta 1958, cuando Piazzolla disolvió el grupo y se fue a Nueva York; allí trabajó como arreglista y experimentó con una fusión de jazz y tango, componiendo también el famoso "Adiós Nonino", una hermosa oda a su padre recientemente fallecido.

De regreso a Buenos Aires en 1960, Piazzolla formó su primer quinteto, el Quinteto Tango Nuevo, que se convertiría en el principal vehículo de su visión de futuro. A lo largo de los años 60, Piazzolla perfeccionaría y experimentaría mucho, llevando la estructura formal del tango a su punto de ruptura. En 1965, grabó su concierto en el Philharmonic Hall de Nueva York, y también grabó un álbum de poemas de Jorge Luis Borges musicados. En 1967, Piazzolla llegó a un acuerdo con el poeta Horacio Ferrer para colaborar exclusivamente entre ellos, lo que dio como resultado la innovadora "operita" María de Buenos Aires, que fue estrenada por la cantante Amelita Baltar en 1968 (que más tarde se convertiría en la segunda esposa de Piazzolla). A continuación, Piazzolla y Ferrer colaboraron en una serie de "tango-canciones" que produjeron su primer éxito comercial genuino, "Balada Para un Loco". Además de componer canciones y piezas más elaboradas para orquesta (como El Pueblo Joven, de 1970), Piazzolla también hizo gala de su talento para componer numerosas películas de la época.

Los años 70 empezaron bien para Piazzolla, ya que una aclamada gira europea le brindó la oportunidad de formar un grupo de nueve músicos para tocar su música de forma especialmente exuberante. Sin embargo, no todo iba bien. El gobierno argentino fue tomado por una facción militar conservadora, y todo lo que Piazzolla simbolizaba -el refinamiento moderno, una ostensible falta de respeto por la tradición- se convirtió de repente en algo políticamente inoportuno. En 1973, Piazzolla sufrió un ataque al corazón y, tras recuperarse, decidió que, con los sentimientos en contra, sería más prudente que viviera en Italia. Allí formó un grupo llamado Conjunto Electrónico, que colocó el bandoneón al frente de lo que era esencialmente, en cuanto a la instrumentación, un conjunto de jazz eléctrico; este período también produjo una de sus composiciones más celebradas, "Libertango". En 1974, Piazzolla grabó un álbum con el saxofonista barítono de jazz Gerry Mulligan llamado Summit, con el respaldo de músicos italianos; al año siguiente, encontró un nuevo intérprete vocal favorito en José Ángel Trelles. 1976 trajo consigo un gran concierto en Buenos Aires, con el Conjunto Electrónico estrenando la pieza "500 Motivaciones".

Cansado de la música eléctrica, Piazzolla formó un nuevo quinteto en 1978 y realizó numerosas giras por todo el mundo, componiendo también nuevas obras de cámara y sinfónicas. Su reputación creció de forma constante, lo que le convirtió en un candidato privilegiado para ser expuesto en Estados Unidos durante la moda de la música del mundo de la segunda mitad de los años 80. En 1986, Piazzolla entró en el estudio con su quinteto y el productor estadounidense Kip Hanrahan y grabó lo que él consideraba el mejor álbum de su carrera, Tango: Zero Hour. Ese mismo año, tocó en el Festival de Jazz de Montreux con el vibrafonista Gary Burton, lo que dio como resultado el conjunto en vivo Suite for Vibraphone y New Tango Quintet. La continuación oficial de Tango: Zero Hour, The Rough Dancer and the Cyclical Night, obtuvo críticas igualmente elogiosas, y Piazzolla organizó un gran concierto de regreso a casa en el Central Park de Nueva York en 1987.

Desgraciadamente, en la cúspide de su fama internacional (y de su tardía celebración en casa), la salud de Piazzolla empezó a fallar. Se sometió a una cirugía de bypass cuádruple en 1988, pero se recuperó lo suficiente como para montar una gira internacional en 1989, incluyendo el que sería su último concierto en Argentina. La Camorra, otra excelente grabación, se editó en 1989, el mismo año en que Piazzolla formó un nuevo sexteto con dos bandoneones inéditos. En 1990, grabó un breve álbum con los iconoclastas modernos Kronos Quartet, titulado Five Tango Sensations. Lamentablemente, poco después, Piazzolla sufrió un derrame cerebral que le dejó incapacitado para actuar y componer. Casi dos años después, el 5 de julio de 1992, falleció en su querida Buenos Aires a causa de las persistentes secuelas, dejando tras de sí un legado monumental como una de las mayores figuras musicales de Sudamérica de todos los tiempos, y un importante compositor del siglo XX. ...

1. Laura
2. Triunfal
3. Oscar Peterson
4. April In Paris
5. Boricua
6. Show Off (Para Lucirse)
7. Lullaby Of Birdland
8. Plus Ultra
9. Dedita
10. Sophisticated Lady
11. Counterpoint (Contratiempo)
12. Something Strange (Presentania)

    Bandoneon, Arranged By – Astor Piazola
    Bass – Chet Amsterdam
    Drums – Willie Rodriguez (tracks: B3. B6)
    Guitar – Al Caiola
    Percussion – Johnny Pacheco, Willie Rodriguez
    Photography By – Raymond Jacobs
    Piano – Carlos Rausch
    Producer – Ralph Seijo
    Vibraphone – Eddie Costa

TICO High Fidelity (A Division of Roulette Records Inc.)

Astor's name is misspelled on the cover as "Astor Piazola" and in all credits.

Personnel corrected after interview with pianist (not percussionist) Carlos Rausch (not "Rauch"), a picture from the session, and on aural evidence. Pacheco probably played güiro and Rodríguez, bongos, as well as drums on two tracks. Tito Puente's and George Duvivier's presence has always been speculative.

Label: Tico Records – SLP 1066
Country: US
Released: 1959
Genre: Latin
Style: Bolero, Tango, Mambo

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