Stanley William Turrentine was one of the most distinctive tenor saxophonists in jazz. Known for his big, warm, sound, “The Sugar Man” or the original “Mr. T” found inspiration in the blues and turned it into a hugely successful career with a #1 hit and four Grammy nominations — first in R&B and then in jazz.
Born on April 5, 1934 in Pittsburgh, a city that has produced more than its share of jazz masters, Turrentine hailed from a musical family. His saxophone-playing father was a big influence, as was his stride piano-playing mother and older brother, the late trumpeter Tommy Turrentine.
One of Stanley's earliest influences on sax was tenor great Illinois Jacquet. Jacquet once encouraged a 12-year old Stanley to sit in with him. At 17, Turrentine went on the road with bluesman Lowell Fulson. In 1953, he was hired by R&B saxman and bandleader Earl Bostic to replace John Coltrane.
A consummate musician who learned his craft through disparate experiences and influences, Turrentine received his only formal musical training during his military stint in the mid-'50s. In 1959, he jumped from the frying pan into the fire when he left the military and went straight into the band of the great drummer Max Roach.
Turrentine married organist Shirley Scott (left) in 1960. When they moved to Philadelphia, they befriended Hammond B-3 organ legend Jimmy Smith and Turrentine quickly immersed himself in the Smith's soulful jazz organ sound. He even recorded on Jimmy's epochal Blue Note album Midnight Special.
The organ-centered soul-jazz that Jimmy Smith and Shirley Scott concocted provided Turrentine the perfect gateway to cross over into pop territory. His first foray in this new, more radio-friendly music began in 1969 when he signed with Creed Taylor's slick and successful CTI label.
Turrentine's first album for CTI, Sugar, was released in 1970 and yielded the classic tune of the same name. He continued with a string a pop-laced crossover albums for CTI including the 1971 hit Don't Mess with Mr. T. His relative success, despite his continued ability to deliver in the straight-ahead jazz vein, led to a predictable critical backlash. Listen to L.A. Times jazz critic Don Heckman, bassist Ray Brown, and Stanley talk about the critical backlash he received after making pop-oriented hit albums
Nevertheless, Turrentine persevered on the ever-changing landscape of jazz, by tapping into his enduring, soulful sound and bluesy approach. He remained a perennial favorite among jazz fans well up to his untimely death on Sept. 12, 2000.
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Stanley William Turrentine fue uno de los saxofonistas tenores más distintivos del jazz. Conocido por su gran y cálido sonido, "The Sugar Man" o el original "Mr. T" encontró la inspiración en el blues y lo convirtió en una carrera de gran éxito con un éxito #1 y cuatro nominaciones a los Grammy - primero en R&B y luego en el jazz.
Nacido el 5 de abril de 1934 en Pittsburgh, una ciudad que ha producido más que su cuota de maestros de jazz, Turrentine provenía de una familia musical. Su padre, que tocaba el saxofón, fue una gran influencia, al igual que su madre, que tocaba el pianoforte, y su hermano mayor, el fallecido trompetista Tommy Turrentine.
Una de las primeras influencias de Stanley en el saxo fue el gran tenor de Illinois Jacquet. Jacquet animó una vez a un Stanley de 12 años a sentarse con él. A los 17, Turrentine se fue a la carretera con el trompetista Lowell Fulson. En 1953, fue contratado por el saxofonista y director de banda Earl Bostic para reemplazar a John Coltrane.
Un músico consumado que aprendió su oficio a través de experiencias e influencias dispares, Turrentine recibió su único entrenamiento musical formal durante su periodo militar a mediados de los 50. En 1959, saltó de la sartén al fuego cuando dejó el ejército y entró directamente en la banda del gran baterista Max Roach.
Turrentine se casó con la organista Shirley Scott (izquierda) en 1960. Cuando se mudaron a Filadelfia, se hicieron amigos de la leyenda del órgano B-3 de Hammond, Jimmy Smith, y Turrentine se sumergió rápidamente en el sonido conmovedor del órgano de jazz de Smith. Incluso grabó en el álbum de época de Jimmy, Blue Note, Midnight Special.
El soul-jazz centrado en el órgano que Jimmy Smith y Shirley Scott inventaron proporcionó a Turrentine la puerta perfecta para cruzar al territorio del pop. Su primera incursión en esta nueva música más radiofónica comenzó en 1969 cuando firmó con el ingenioso y exitoso sello CTI de Creed Taylor.
El primer álbum de Turrentine para CTI, Sugar, fue lanzado en 1970 y produjo la clásica melodía del mismo nombre. Continuó con una serie de álbumes de música pop para CTI, incluyendo el éxito de 1971 Don't Mess with Mr. T. Su relativo éxito, a pesar de su continua habilidad para tocar en la línea recta del jazz, le llevó a un previsible rechazo de la crítica. Escuche al crítico de jazz del L.A. Times Don Heckman, al bajista Ray Brown y a Stanley hablar de la reacción crítica que recibió después de hacer álbumes de éxito orientados al pop
Sin embargo, Turrentine perseveró en el siempre cambiante paisaje del jazz, aprovechando su duradero y conmovedor sonido y su enfoque bluesiano. Siguió siendo un favorito perenne entre los aficionados al jazz hasta su prematura muerte el 12 de septiembre de 2000.
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“Turrentine recibió su único entrenamiento musical formal durante su periodo militar a mediados de los 50.”
ReplyDeleteSí. Y bien que se le nota. En fin. Pongámonos en perspectiva.
Turrentine es un primer saxo muy eficaz, pero el tío toca así en 1967, que es cuando se graba este Lp, como en los años 50, con un regusto algo pop, muy sesentero. Pero 1967 es el año del fallecimiento de Trane, que llevaba 7 años en otra línea. Y también es el año en que Cannonball lidera el tema de Joe Zawinul, “74 Miles Away” poniéndose al día con las innovaciones de Trane. Cómparese dicho tema -mejor si se prescinde de la intervención de Nat Adderly- con cualquiera de los de este Lp. Por cierto, Eric Dolphy llevaba muerto en 1967 nada menos que tres años. Detallitos.
Turrentine no es un innovador, ni un fuera de serie. Tiene una concepción de la música como entretenimiento. Lo que sí tiene es mucha suerte, un montón de suerte. Y más vale suerte que talento.
En 1960 lo recluta Jimmy Smith para “Back at the Chicken Shack”, que prefería a Percy France. Sonny Rollins decía de éste que era el mejor saxo de aquel momento y que él no logró vencerlo. Pero France quedó fuera del panorama musical nadie sabe muy bien porqué y su lugar lo ocupa Turrentine en una industria muy competitiva. ¿Cómo? Quizás tuviera algo ayuda. Se casa con Shirley Scott, que ésta sí que es un gran músico y estaba arraigada en la industria discográfica de la época. Al poco Turrentine logra entrar con Smith en “Midnight Special”. Quizás fueran hechos no relacionados. Después viene “Back at the Chicken Shack” y al poco, en 1961 la esposa lo reclama para “Hip Soul”, aunque para que no se note demasiado, aparece en los créditos con el nick “Stan Turner”. En fin, insisto: Quizás fueran hechos no relacionados. Correlación no es causalidad y esas cosas. También hay tomates cuadrados. Los japoneses andan en ello.
Después Turrentine tiene a la industria discográfica comiendo de su mano. Matrimonio afroamericano, como manda la iglesia y el Dr. King. Siempre cerca de la iglesia. Y siempre muy cerca del flower power y bien lejos del black power. Saca Lps como éste en el que el protagonista, el urdidor del mismo no aparece como instrumentista, sino como arreglista, porque, damas y caballeros, este Lp no tiene nada de Turrentine, que es un músico, sino de Duke Pearson, que es el tipo que urde por completo su concepción y, probablemente, eligió a cada instrumentista alrededor de Turrentine. No hay un tema que no vaya en su línea. Lo único, que para el gusto de Pearson, el A1 fijo que hubiera sido “La Fiesta” de Armando Boza. Pero Turrentine es quien aparece como reclamo. El matrimonio vende, particularmente entre los melómanos religiosos.
No sé si alguien recuerda a los ABBA. La propaganda los presentaba como dos matrimonios, muy queridos por el público, que no vivían en el pecado y tal. Muy conveniente. Le gustaban hasta al papa, ya Isabel de Inglaterra. En dos palabras: “Dancing Queen”. Por una vez la iglesia católica y la anglicana se ponían de acuerdo. Otra cosa eran los rumores, que vaya si corrían. Se decía que había más polvo en el backstage de los ABBA que en Marte. También se dijo luego que pillaron a la rubia agarrando el mango del negro del los Boney M -grupo con una sola cantante, Liz Mitchell, que los otros tres eran mero atrezzo- en sus manos, como si fuera un micro, dispuesta cantar “Chiquitita”. Esto no podía ser realidad. Se dijo que eran habladurías, porque el matrimonio vende un montón en la música, vende a la misma gente adicta al “cine de familia” o “cine palomitas”. Hay millones en juego. Sólo hace falta que alguien se ponga en modo “La pasión de China Blue” ante la polla de un mandingo para mandar el filón al retrete. Fuera o no verdad, ya no hubo mucho ABBA después de aquel tema. Imposible no imaginarte a la reina blanca chupando vete tu a saber lo qué cuando cantaba "Fernando".
Sigo, que google me cortó el comentario.
DeleteEn 1971 la carrera música de los Turrentine era agua pasada. No vendían ni de lejos lo que habían vendido y la línea dominante era el pop. Y por fin, lo lógico: se divorciaron. Llevaban casi una década en ello. Ella terminó en un instituto y él intentó relanzar su carrera primero al abrigo de la iglesia y después junto con otros jazzmen, como Milton Jackson. En 1972 grabó con este un Lp que probablemente fuera lo mejor de su "Cherry", que no es nada avant-garde. El tema que le da título suena a Parker. Muy en su línea.
;)
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