egroj world: agosto 2019

sábado, 31 de agosto de 2019

Thelonious Monk • Solo Monk

Groove Holmes, Jimmy McGriff, Junior Parker • Troubadours Of Groove



"The Troubadours" are not actually a group, but these are three groovemeisters who made important individual contributions to the soul-jazz and R&B-blues movements. The four Jimmy McGriff and four Richard "Groove" Holmes' organ combo numbers are good but far from essential tracks in their careers. Two Junior Parker numbers are the same. It's hard to understand the concept behind the release of Troubadours of Groove, as many other recordings yield better music and more vital sessions than these. It's not a bad party record though, one time through. / Michael G. Nastos

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"Los Trovadores" no son en realidad un grupo, pero son tres groovemeisters que hicieron importantes contribuciones individuales a los movimientos soul-jazz y R&B-blues. Los cuatro combo de órgano de Jimmy McGriff y cuatro de Richard "Groove" Holmes son buenos, pero están lejos de ser temas esenciales en sus carreras. Dos números de Junior Parker son iguales. Es difícil entender el concepto detrás del lanzamiento de Troubadours of Groove, ya que muchas otras grabaciones producen mejor música y sesiones más vitales que éstas. No es un mal récord de fiestas, de una vez por todas. / Michael G. Nastos




Bryan Ferry • Slave To Love - The Best Of The Ballads



Review by Steve Huey
When Slave to Love: The Best of the Ballads was released in 2000, there hadn't been a true Roxy Music compilation in print for years. Street Life and More Than This were both grab bags of Roxy Music singles and material from Bryan Ferry's solo career. While it's logical to assume that fans of one artist would certainly be interested in the other, the approach never made for a unified compilation -- Roxy Music's sound shifted quite a bit over the years, and their earlier, edgier singles never sat well next to the smooth balladeering of Ferry's companion career. However, Slave to Love is the first Ferry/Roxy grab bag to make internal sense, because it's thematically limited to the Roxy material that most resembles Ferry's crooning solo style. By the time of 1982's Avalon, the gap between the two had narrowed so much as to be virtually indistinguishable, and this compilation captures the elegantly romantic sound that came to be inextricably linked to Ferry. Slave to Love shouldn't be taken as comprehensive, even in this narrower vein (there are several excellent late-period Roxy Music singles missing), but as an encapsulation of one specific part of their appeal, it makes for a strong listen.
https://www.allmusic.com/album/slave-to-love-the-best-of-the-ballads-mw0000099350

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Reseña de Steve Huey
Cuando Esclavo del Amor: The Best of the Ballads fue lanzado en el año 2000, no había habido una verdadera compilación de Roxy Music impresa durante años. Street Life y More Than This eran bolsas de discos de Roxy Music y material de la carrera en solitario de Bryan Ferry. Mientras que es lógico asumir que los fans de un artista estarían interesados en el otro, el enfoque nunca hizo una compilación unificada - el sonido de Roxy Music cambió bastante con el paso de los años, y sus anteriores singles nunca se sentaron bien al lado de la suave balada de la carrera de compañero de Ferry. Sin embargo, Slave to Love es la primera bolsa de sorpresas de Ferry/Roxy que tiene sentido interno, ya que se limita temáticamente al material de Roxy que más se asemeja al estilo solista de Ferry. Para la época del Avalon de 1982, la brecha entre los dos se había reducido hasta el punto de ser virtualmente indistinguible, y esta compilación captura el sonido elegantemente romántico que llegó a estar inextricablemente ligado a Ferry. Slave to Love no debe ser tomado como comprensivo, incluso en esta vena más estrecha (hay varios excelentes singles de última hora de Roxy Music que faltan), pero como una encapsulación de una parte específica de su atractivo, hace que la escucha sea más fuerte.
https://www.allmusic.com/album/slave-to-love-the-best-of-the-ballads-mw0000099350


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Quarteto Novo • Quarteto Novo



Quarteto Novo foi uma banda de música instrumental formada em 1966, em São Paulo - SP, Brasil.

Originalmente chamado de Trio Novo, o grupo era composto por Theo de Barros (contrabaixo e violão); Heraldo do Monte (viola e guitarra); e Airto Moreira (bateria e percussão). O conjunto foi criado para acompanhar o cantor e compositor Geraldo Vandré em apresentações e gravações, e fizeram uma turnê no Brasil apoiando Vandré no seu álbum de 1968 Canto Geral.

Com a entrada do flautista Hermeto Pascoal, o trio passou a se chamar Quarteto Novo. Em 1967 o conjunto grava o seu único LP: Quarteto Novo. Neste mesmo ano, acompanhou Edu Lobo e Marília Medalha da apresentação da música Ponteio, que venceu o 3º Festival de Música Popular Brasileira. O conjunto se dissolveu em 1969, e o LP foi reeditado em 1973.

O nordeste do Brasil é conhecido por seu estilo regional da música baião. O álbum foi instrumental em trazer baião para um público nacional e internacional. O estilo não foi muito conhecido fora do Brasil, mas o álbum tem influenciado uma série de compositores populares nos Estados Unidos, Reino Unido e Europa, que teve músicas de sucesso usando vários elementos de estilo baião.

A música do Quarteto continua muito instigante mesmo nos dias atuais, pela exuberância dos arranjos e das sonoridades que eles alcançaram.

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Quarteto Novo was an instrumental music band formed in 1966, in São Paulo - SP, Brazil.

Originally called Trio Novo, the group consisted of Theo de Barros (bass and guitar); Heraldo do Monte (viola and guitar); and Airto Moreira (drums and percussion). The ensemble was created to accompany singer and composer Geraldo Vandré in presentations and recordings, and toured Brazil supporting Vandré in his 1968 album Canto Geral.

With the arrival of flutist Hermeto Pascoal, the trio was renamed Quarteto Novo. In 1967, the band recorded their only LP: Quarteto Novo. That same year, he accompanied Edu Lobo and Marília Medalha in the presentation of the song Ponteio, which won the 3rd Festival of Brazilian Popular Music. The ensemble was dissolved in 1969, and the LP was reissued in 1973.

The northeast of Brazil is known for its regional style of baião music. The album was instrumental in bringing baião to a national and international audience. The style was not well known outside of Brazil, but the album has influenced a number of popular composers in the United States, United Kingdom and Europe, who had successful songs using various elements of the baião style.

The Quartet's music is still very exciting even today, due to the exuberance of the arrangements and sounds they have achieved.

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Quarteto Novo fue una banda de música instrumental formada en 1966, en São Paulo - SP, Brasil.

Originalmente llamado Trío Novo, el grupo estaba compuesto por Theo de Barros (bajo y guitarra); Heraldo do Monte (viola y guitarra); y Airto Moreira (batería y percusión). El conjunto fue creado para acompañar al cantante y compositor Geraldo Vandré en presentaciones y grabaciones, y realizó una gira por Brasil apoyando a Vandré en su álbum Canto Geral de 1968.

Con la llegada del flautista Hermeto Pascoal, el trío pasó a llamarse Quarteto Novo. En 1967, la banda grabó su único LP: Quarteto Novo. Ese mismo año, acompañó a Edu Lobo y Marília Medalha en la presentación de la canción Ponteio, que ganó el 3er Festival de Música Popular Brasileña. El conjunto se disolvió en 1969, y el LP fue reeditado en 1973.

El noreste de Brasil es conocido por su estilo regional de música baião. El álbum fue decisivo para llevar el baião a una audiencia nacional e internacional. El estilo no era muy conocido fuera de Brasil, pero el álbum ha influido en varios compositores populares en los Estados Unidos, Reino Unido y Europa, que tuvieron canciones exitosas usando varios elementos del estilo baião.

La música del Cuarteto sigue siendo muy emocionante incluso hoy en día, debido a la exuberancia de los arreglos y sonidos que han logrado.




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Red Norvo Combo • Vibes A la Red



Review by Scott Yanow
This long out of print LP from the defunct Famous Door label was vibraphonist Red Norvo's first date as a leader in five years (since an Affinity session with the Newport All-Stars). Although largely neglected in the 1960s, Norvo was still in prime form as he shows on such numbers as "The One I Love," "Tea for Two," and "Runnin' Wild." He is heard either with a quartet, also including pianist Hank Jones, bassist Milt Hinton, and drummer Jo Jones, or a quintet with pianist Jimmie Rowles, bassist Gene Cherico, drummer Donald Bailey, and guitarist Lloyd Ellis. High quality swing from one of the great vibraphonists.
https://www.allmusic.com/album/vibes-a-la-red-mw0000693089



Red Norvo, (Kenneth Norville), American jazz musician and swing bandleader (born March 31, 1908, Beardstown, Ill.—died April 6, 1999, Santa Monica, Calif.), was a pioneer of mallet instruments in jazz, becoming the only great jazz xylophone player in the 1930s, when he led a popular dance band that featured his wife, the great jazz singer Mildred Bailey; the pair were billed as Mr. and Mrs. Swing. He then became one of the three great jazz players of vibes (also called vibraphone and, as Norvo insisted, vibraharp), creating a bubbling, staccato, melodic style first with swing bands and then with his innovative “chamber jazz” groups. As a youngster Norvo was introduced to jazz on Illinois River showboats. He played marimba and xylophone in dance bands and vaudeville during the 1920s, studied briefly at the University of Missouri and the University of Detroit, and played in Paul Whiteman’s orchestra before recording his innovative 1933 works “Dance of the Octopus” and “In a Mist,” with radical harmonies, rhythms, and instrumentation (xylophone, bass clarinet, guitar, bass). Bailey hits, notably “Rockin’ Chair,” were featured by Norvo’s swing band, which was also distinguished by Norvo’s xylophone soloing and Eddie Sauter’s adventurous arranging. After switching to vibes, Norvo was among the first bandleaders to record with bebop greats Charlie Parker and Dizzy Gillespie, in a 1945 session that included the near-classic “Congo Blues” and “Slam Slam Blues.” Norvo toured with the Benny Goodman and Woody Herman bands in the mid-1940s and spent the early ’50s with the singular Red Norvo Trio, which initially featured Tal Farlow on guitar, Charles Mingus on bass, and Norvo on vibes. The group played intricate yet light-textured jazz and enjoyed national nightclub success. Norvo went on to lead groups primarily in California and Las Vegas, Nev., and recurrently, for two decades, his combos accompanied Frank Sinatra, with whom he toured Australia in 1959. A rare artist who moved effortlessly from early jazz to swing to bop, Norvo continued performing until he suffered a stroke in the 1980s.
https://www.britannica.com/biography/Red-Norvo

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Reseña de Scott Yanow
Este largo LP agotado del difunto sello Famous Door fue la primera cita del vibrafonista Red Norvo como líder en cinco años (desde una sesión de Affinity con el Newport All-Stars). A pesar de haber sido descuidado en la década de 1960, Norvo seguía en plena forma, como lo demuestra en números como "The One I Love", "Tea for Two" y "Runnin' Wild". Se le escucha con un cuarteto, incluyendo también al pianista Hank Jones, al bajista Milt Hinton y al baterista Jo Jones, o con un quinteto con el pianista Jimmie Rowles, el bajista Gene Cherico, el baterista Donald Bailey y el guitarrista Lloyd Ellis. Columpio de alta calidad de uno de los grandes vibrafonistas.
https://www.allmusic.com/album/vibes-a-la-red-mw0000693089



Entre 1926 y 1927 estudió en la Universidad de Missouri pero apenas dos años después decidió volver a la música, ya con dedicación exclusiva. En 1929 trabajó en la emisora KSTP de Minneapolis y mas tarde en la NBC de Chicago en una formación dirigida por Victor Young. Tocó posteriormente en la orquesta de Paul Whiteman y allí conoció a Mildred Bailey entonces cantante de Whiteman con quien permaneció hasta 1932. Al año siguiente de dejar la orquesta, Norvo y Bailey se casaron y el 8 de abril de ese mismo año, el vibrafonista, grabó el primer disco a su nombre al frente de una formación en la que figuraban: Jimmy Dorsey, Fulton McGrath, Dick McDonough y Artie Bernstein.

De aquélla grabación primeriza solo queda como único documento sonoro el tema "Two Tickest to Georgia". En 1934 se trasladó a New York para colaborar con Hoagy Carmichael en unas grabaciones para el sello Victor y creo su primer septeto de jazz junto a músicos de la talla de Artie Shaw, Charlie Barnet o Teddy Wilson. A partir de esas grabaciones, Red Norvo comenzó una actividad frenética que le llevo a grabar, actuar y tocar con los mejores músicos del momento. Tras grabar para Decca y Vocalion, en 1935 presentó en New York un octeto en el "Hickory House" y posteriormente en el "Famous Door". Al año siguiente el octeto se convirtió casi en una bigband cuando firmó un contrato para tocar en el Hotel Commodore. Red Norvo y Mildred Bailey formaron por aquellos años una combinación musical perfecta y los contratos se sucedían uno tras otro.

En 1943 se pasó definitivamente del xilofón al vibráfono y pocos meses después ingresaría en la bigband de Benny Goodman aunque solo por muy poco tiempo. Tras dejar a Goodman se enroló en la de Woody Herman con quien estuvo todo el año 1946. Al año siguiente contrajo matrimonio con Eva Rogers tras divorciarse de Mildred Bailey, con quine mantuvo unas relaciones amistosas hasta la muerte de la cantante en 1951. En 1950 dio un cambio radical en su concepción musical y de liderar grandes formaciones, pasó a dirigir un excepcional trío junto a dos jóvenes músicos que por entonces empujaban fuerte por hacerse un hueco en la escena del jazz en New York: el guitarrista, Tal Farlow y el contrabajista, Charles Mingus. De aquélla magnifica experiencia que duró dos años (1950-1951) quedó grabado un disco para la Savoy memorable: "Move".

Ya instalado en el éxito y con una popularidad ganada a pulso, Red Norvo se trasladó a Europa en 1954 con un grupo denominado "Jazz Club USA". La experiencia de aquélla gira y el éxito obtenido le animó de nuevo a formar otra grabación para visitar Australia en 1956 y a su regreso abrió un club en Santa Mónica. En 1958 se fue nuevamente de gira pero ahora en la formación liderada por el clarinetista Benny Goodman. Aquélla fue su ultima experiencia en la carretera; salvo excepciones muy contadas, se limito a actuar en California y Las Vegas en el marco de algunos Night clubes, casinos y salas de fiestas. En la década de los sesenta  volvió a viajar a Europa junto al guitarrista, Jimmie Raynei. En los años setenta unas molestias en el oído le obligaron a abandonar casi definitivamente sus actividades musicales.

Red Norvo fue un extraordinario músico; refinado, habilidoso instrumentista; dúctil y versátil, supo adaptarse sin dificultad y con naturalidad a la transición que supuso la revolución del bebop y como muestra quedan unas grabaciones de 1945 para la Dial junto a Charlie Parker y Dizzy Gillespie.
http://apoloybaco.com/jazz/index.php?option=com_content&view=article&id=2763:red-norvo&catid=92&Itemid=259


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Bill Holman • The Original Bill Holman Big Bandː Complete Recordings



Artist Biography
Bill Holman is an NEA Jazz Master Born Willis Leonard Holman on May 21, 1927 in Olive, CA, near Santa Ana, Bill Holman took up clarinet in junior high school and tenor saxophone in high school by which time he was leading his own band. After serving in the Navy and studying engineering, he decided in the late '40s that he wanted to write big band music and studied for a while at the Westlake College of Music in Los Angeles with Dave Robertson and Dr. Alfred Sendrey. He also studied composition privately with Russ Garcia and saxaphone with Lloyd Reese.

In 1949 he played with the Ike Carpenter Band, in 1951, he was writing for Charlie Barnet, and in 1952 he began his association with Stan Kenton, for whom he wrote and played for many years. During the '50s, he was also active in the West Coast jazz movement, playing in small bands led by Shorty Rogers and Shelly Manne, and co-leading a quintet with Mel Lewis in 1958.

In the 60s, he widened his writing associations, and eventually contributed pieces to libraries and recordings of bands led by Louie Bellson, Count Basie, Terry Gibbs, Woody Herman, Bob Brookmeyer, Buddy Rich, Gerry Mulligan, Doc Severinsen and others. He has also written for such singers as Natalie Cole (her Grammy winning “Unforgettable” album, among others,) Tony Bennett, Carmen MacRae, Mel Torme, Woody Herman, Anita O'Day, Sarah Vaughn, June Christy and the Fifth Dimension. His arrangement of “Take The 'A” Train” for Severinsen's “Tonight Show Orchestra” earned Holman a Best Instrumental Grammy in 1987.

Bill Holman is an NEA Jazz Master

Holman started The Bill Holman Band in 1975. The band has made three albums, all for JVC: 1988's “The Bill Holman Band”, 1995's “A View From The Side”, for which Holman won a Best Instrumental Composition Grammy for the title track; and 1997's “Brilliant Corners: The Music of Thelonious Monk.” This recording, certainly one of Holman's finest, celebrates both Monk and Holman and will no doubt renew excitement in fans about the possibilities to be found in the big band genre.

Since 1980, Holman has been increasingly active in Europe, writing, conducting and playing lengthy works for the West German Radio Orchestra in Cologne, Germany, and the Metropole Orchestra in Holland, that feature such soloists as Phil Woods, Sal Nistico and Lee Konitz.

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Biografía del artista
Bill Holman es un Maestro de Jazz de NEA Nacido Willis Leonard Holman el 21 de mayo de 1927 en Olive, CA, cerca de Santa Ana, Bill Holman tomó clarinete en la escuela secundaria y saxofón tenor en la escuela secundaria, momento en el cual dirigía su propia banda. Después de servir en la Marina y estudiar ingeniería, decidió a finales de los años 40 que quería escribir música para grandes bandas y estudió durante un tiempo en el Westlake College of Music de Los Ángeles con Dave Robertson y el Dr. Alfred Sendrey. También estudió composición en forma privada con Russ Garcia y saxofón con Lloyd Reese.

En 1949 tocó con la Ike Carpenter Band, en 1951, escribía para Charlie Barnet, y en 1952 comenzó su asociación con Stan Kenton, para quien escribió y tocó durante muchos años. Durante los años 50, también estuvo activo en el movimiento de jazz de la Costa Oeste, tocando en pequeñas bandas lideradas por Shorty Rogers y Shelly Manne, y co-liderando un quinteto con Mel Lewis en 1958.

En los años 60, amplió sus asociaciones de escritura, y eventualmente contribuyó con piezas a bibliotecas y grabaciones de bandas dirigidas por Louie Bellson, Count Basie, Terry Gibbs, Woody Herman, Bob Brookmeyer, Buddy Rich, Gerry Mulligan, Doc Severinsen y otros. También ha escrito para cantantes como Natalie Cole (su álbum ganador del Grammy "Unforgettable", entre otros), Tony Bennett, Carmen MacRae, Mel Torme, Woody Herman, Anita O'Day, Sarah Vaughn, June Christy y la Quinta Dimensión. Su arreglo de "Take The A Train" para la "Tonight Show Orchestra" de Severinsen le valió a Holman el premio al Mejor Grammy Instrumental en 1987.

Bill Holman es un Maestro de Jazz de la NEA

Holman fundó The Bill Holman Band en 1975. La banda ha hecho tres álbumes, todos para JVC: "The Bill Holman Band" de 1988, "A View From The Side" de 1995, por el que Holman ganó el Grammy a la mejor composición instrumental por la canción que le dio título; y "Brilliant Corners" de 1997: La música de Thelonious Monk". Esta grabación, sin duda una de las mejores de Holman, celebra tanto a Monk como a Holman y sin duda renovará el entusiasmo de los fans por las posibilidades que se encuentran en el género de las big band.

Desde 1980, Holman ha estado cada vez más activo en Europa, escribiendo, dirigiendo e interpretando largas obras para la Orquesta de la Radio de Alemania Occidental en Colonia, Alemania, y la Metropole Orchestra en Holanda, que cuenta con solistas como Phil Woods, Sal Nistico y Lee Konitz.


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Shirley Scott • Now's The Time



Review:
Now's the Time is an album by organist Shirley Scott compiling several tracks recorded between 1958 and 1964 and released on the Prestige label in 1967. "This is early Scott, several takes from different sessions for this Prestige release", Allmusic.

Yes once upon a time jazz was a man's world but with gals like Shirley Scott around some of the cats are beginning to get inferiority complexes. Like isn't a woman's place in the kitchen! Not when she happens to be Shirley Scott. Her latest cooking is done on a Hammond, not a stove. ~ extract from Liner Notes by Mark Gardner.

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Revisión:
Now's the Time es un álbum de la organista Shirley Scott que recopila varios temas grabados entre 1958 y 1964 y publicados en el sello Prestige en 1967. "Este es el primer Scott, varias tomas de diferentes sesiones para este disco de Prestige", Allmusic.

Sí, hace mucho tiempo el jazz era un mundo de hombres, pero con chicas como Shirley Scott alrededor, algunos de los gatos están empezando a tener complejos de inferioridad. ¡Como si no fuera el lugar de una mujer en la cocina! No cuando resulta que ella es Shirley Scott. Su última cocina se hace en un Hammond, no en una estufa. ~ extracto de Liner Notes de Mark Gardner.


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Elsie Bianchi • Atlantis Blues



Elsie Bianchi Brunner née Elsie Brunner
She was born November 5th, 1930 in Zurich, Switzerland and died on July 17, 2016 in the USA.

Awarded as a pianist on the first "Amateur Jazz Festival" Zurich in 1953, Elsie Brunner also impressed the audience there on accordion. Her brothers played trumpet, saxophone and other instruments in the musical family, but above all, collected all American jazz records they could find. As early as 1946 Elsie and her siblings were invited to an international accordion competition in Paris, where they won first prizes. In those early days there were also jam sessions in Zurich, from which Elsie should constitute her first own formation.

On bass and Clarinet was Siro Bianchi, whom she later married and with whom she moved to the United States in 1958 - first as music professionals, then as farm owners. Today Elsie and Siro Bianchi-Brunner live in Royston, Georgia. For the first time in 1958 the two traveled to the U.S. and had engagements in Palm Springs and Sun Valley from spring to autumn, along with an American drummer. They were also working together with other American jazz musicians now: Elsa and Siro played with Bob Cooper and his Allstar Ensemble at a session in Hermosa Beach and were good friends of Hampton Hawes, Pete Jolly and Curtis Counce.

From August 1959 to March 1962 they returned to Switzerland and played in Basel (mostly at the Atlantis) as well as in a hotel in Les Diablerets. In April 1962 Elsa and Siro went back to the States. Until 1968 the band toured the U.S. and also played some concerts in Canada. In between, they were always active in Switzerland, especially at the Atlantis/ Basel or in the well-known Swiss winter resorts. During her time in the U.S. Elsa and Siro played with American drummers, while back home they were accompanied by Swiss drummers. In those days Hans Georg Brunner-Schwer of the SABA/ MPS Records label from Villingen heard the band at the Atlantis Club in Basel and provided them with a spontaneous music production, this time accompanied by drummer Charly Antolini. The album entitled "Elsie Bianchi Trio - The Sweetest Sound" was recorded and released in 1965.

Until 1968 the trio played in Houston, Fort Worth and Fort Walton. For two years they were accompanied by the drummer Kenny Schmidt from Basel. Sometimes Siro also played flute or tenor saxophone. In winter 1968, they received an engagement at the Grand Hotel in Gstaad. Then they decided to stop the travelling. Already in the summer of 1967 Elsa and Siro bought a house in Atlanta, Georgia and settled there in spring 1968. From this year, Elsie`s nephew Peter Brunner was sitting at the drums. In 1968 they received a permanent commitment there and played this club for ten long years.

In 1977, Elsie and Siro participated in the "K-Swiss Sportshoe Factory" Atlanta, whose California headquarters were managed by Elsie`s two brothers. The trio worked at the Fleur De Lis until the tennis shoe factory was built. Then they withdrew from the music business. In 1987 K-Swiss was sold. They bought a first ranch in Marysville, Georgia. In 1995, they found their dream farm in Royston, where they live till today.
https://www.discogs.com/artist/557878-Elsie-Bianchi

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Elsie Bianchi Brunner de soltera Elsie Brunner
Nació el 5 de noviembre de 1930 en Zurich, Suiza y murió el 17 de julio de 2016 en los Estados Unidos.

Premiada como pianista en el primer "Amateur Jazz Festival" de Zúrich en 1953, Elsie Brunner también impresionó al público con el acordeón. Sus hermanos tocaban trompeta, saxofón y otros instrumentos de la familia musical, pero sobre todo, coleccionaban todos los discos de jazz americanos que podían encontrar. Ya en 1946 Elsie y sus hermanos fueron invitados a un concurso internacional de acordeón en París, donde ganaron primeros premios. En aquellos primeros días también hubo jam sessions en Zurich, a partir de las cuales Elsie debería constituir su primera formación propia.

En el bajo y el clarinete estaba Siro Bianchi, con quien se casó más tarde y con quien se mudó a los Estados Unidos en 1958, primero como profesional de la música y luego como dueña de una granja. Hoy en día Elsie y Siro Bianchi-Brunner viven en Royston, Georgia. Por primera vez en 1958 los dos viajaron a los Estados Unidos y tuvieron compromisos en Palm Springs y Sun Valley desde la primavera hasta el otoño, junto con un baterista estadounidense. También estaban trabajando ahora junto con otros músicos de jazz estadounidenses: Elsa y Siro tocaron con Bob Cooper y su Allstar Ensemble en una sesión en Hermosa Beach y fueron buenos amigos de Hampton Hawes, Pete Jolly y Curtis Counce.

De agosto de 1959 a marzo de 1962 regresaron a Suiza y tocaron en Basilea (principalmente en el Atlantis), así como en un hotel de Les Diablerets. En abril de 1962 Elsa y Siro regresaron a los Estados Unidos. Hasta 1968 la banda realizó una gira por los Estados Unidos y también dio algunos conciertos en Canadá. Mientras tanto, siempre estuvieron activos en Suiza, especialmente en el Atlantis/Basilea o en las conocidas estaciones invernales suizas. Durante su estancia en los EE.UU. Elsa y Siro tocaron con bateristas estadounidenses, mientras que en su país los acompañaron bateristas suizos. En aquellos días Hans Georg Brunner-Schwer del sello SABA/MPS Records de Villingen escuchó a la banda en el Atlantis Club de Basilea y les proporcionó una producción musical espontánea, esta vez acompañada por el baterista Charly Antolini. El álbum titulado "Elsie Bianchi Trio - The Sweetest Sound" fue grabado y lanzado en 1965.

Hasta 1968 el trío tocó en Houston, Fort Worth y Fort Walton. Durante dos años estuvieron acompañados por el baterista Kenny Schmidt de Basilea. A veces Siro también tocaba la flauta o el saxofón tenor. En el invierno de 1968, recibieron un compromiso en el Grand Hotel de Gstaad. Entonces decidieron dejar de viajar. Ya en el verano de 1967 Elsa y Siro compraron una casa en Atlanta, Georgia y se establecieron allí en la primavera de 1968. A partir de este año, el sobrino de Elsie, Peter Brunner, estaba sentado en la batería. En 1968 recibieron un compromiso permanente y jugaron en este club durante diez largos años.

En 1977, Elsie y Siro participaron en la "K-Swiss Sportshoe Factory" de Atlanta, cuyas oficinas centrales en California estaban dirigidas por los dos hermanos de Elsie. El trío trabajó en la Fleur De Lis hasta que se construyó la fábrica de zapatillas de tenis. Luego se retiraron del negocio de la música. En 1987 se vendió K-Swiss. Compraron un primer rancho en Marysville, Georgia. En 1995, encontraron la granja de sus sueños en Royston, donde viven hasta hoy.
https://www.discogs.com/artist/557878-Elsie-Bianchi


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Ron Levy's Wild Kingdom • Wild Kingdom



Review by Michael Erlewine
Ten tunes with an all-star cast including Ronnie Earl (guitar), Kim Wilson (harmonica), Greg Piccolo (sax), Wayne Bennett (guitar), and other excellent players. Plenty of fine guitar, keyboards, harmonica, and uptempo blues music.

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Reseña de Michael Erlewine
Diez temas con un elenco de estrellas incluyendo Ronnie Earl (guitarra), Kim Wilson (armónica), Greg Piccolo (saxo), Wayne Bennett (guitarra), y otros excelentes músicos. Mucha guitarra fina, teclados, armónica y música uptempo blues.


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The Essential Art of African Textiles Design Without End • MET




Textiles are a major form of aesthetic expression across Africa, and this book examines long-standing traditions together with recent creative developments. A variety of fine and venerable West African cloths are presented and discussed in terms of both artistry and technique. Wrapped around the body, fashioned into garments, or displayed as hangings, these magnificent textiles include bold strip weavings and intricately patterned indigo resist-dyed cloths. Also considered by the authors are striking contemporary works—in media as far-ranging as sculpture, painting, photography, video, and installation art—that draw inspiration from the forms and cultural significance of African textiles.


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Miles Davis • Someday My Prince Will Come



Still mourning the departure of John Coltrane, who had left him in the spring of 1960, Miles Davis tried to imagine what other saxophonist could make him forget the fire of Trane’s music. He thought of Wayne Shorter, but Art Blakey had just hired him for his group, the Jazz Messengers. It was with former Jazz Messenger Hank Mobley that on March 7, 1961, he attempted to recapture the miracle of “Blue In Green” on “Drad-Dog.” But he quickly returned to the hard bop tradition on “Pfrancing,” a play on the words dancing, frantic and prancing, in tribute to his by then wife Frances Taylor, who appeared on the cover. During the next session, while Miles was about to wrap up “Someday My Prince Will Come,” John Coltrane suddenly appeared in the studio between two sets at the Apollo Theater where he was performing. In two choruses, Coltrane conveyed the quintessence of his art. The next day he returned bringing, for the last time, the intensity of his flame to the music of Miles, who in “Teo,” took advantage of his presence to extend the modal explorations of “Flamenco Sketches” even further.

Note: “Drad-Dog,” track 4, is Goddard spelled backwards. It is Miles’ tribute to Goddard Lieberson, the highly regarded and very supportive President of Columbia Records at the time of this recording.
https://www.milesdavis.com/albums/someday-my-prince-will-come/

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Todavía de luto por la partida de John Coltrane, que lo había abandonado en la primavera de 1960, Miles Davis trató de imaginar qué otro saxofonista podría hacerle olvidar el fuego de la música de Trane. Pensó en Wayne Shorter, pero Art Blakey acababa de contratarlo para su grupo, los Jazz Messengers. Fue con el ex mensajero de jazz Hank Mobley que el 7 de marzo de 1961 intentó recuperar el milagro de "Blue In Green" en "Drad-Dog". Pero rápidamente volvió a la tradición del hard bop en "Pfrancing", un juego de palabras bailando, frenético y saltando, en homenaje a su entonces esposa Frances Taylor, que apareció en la portada. Durante la siguiente sesión, mientras Miles estaba a punto de concluir "Someday My Prince Will Come", John Coltrane apareció de repente en el estudio entre dos sets en el Apollo Theater donde estaba actuando. En dos coros, Coltrane transmitió la quintaesencia de su arte. Al día siguiente volvió trayendo, por última vez, la intensidad de su llama a la música de Miles, que en "Teo" aprovechó su presencia para ampliar aún más las exploraciones modales de "Flamenco Sketches".

Nota: "Drad-Dog", pista 4, es Goddard escrito al revés. Es el tributo de Miles a Goddard Lieberson, el muy respetado y solidario presidente de Columbia Records en el momento de esta grabación.
https://www.milesdavis.com/albums/someday-my-prince-will-come/


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Eddie “Lockjaw” Davis Quintet With Shirley Scott • Jaws In Orbit



Review by Scott Yanow
The group that Eddie "Lockjaw" Davis led with organist Shirley Scott during the latter half of the 1950s was quite accessible and did a great deal to popularize the organ band in jazz. This CD reissue features the duo joined by bassist George Duvivier, drummer Arthur Edgehill and the obscure trombonist Steve Pulliam for a typically swinging set of basic originals and standards. Highlights include a hard-swinging "Intermission Riff" and "Our Delight."

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Reseña de Scott Yanow
El grupo que Eddie "Lockjaw" Davis dirigió con la organista Shirley Scott durante la segunda mitad de la década de 1950 era bastante accesible e hizo mucho para popularizar la banda de órgano en el jazz. Esta reedición del CD presenta al dúo formado por el bajista George Duvivier, el baterista Arthur Edgehill y el oscuro trombonista Steve Pulliam para un conjunto de originales y estándares básicos típicos. Los puntos culminantes incluyen un "Riff de Intermedio" y "Nuestra Delicia".


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VA • Stride Piano Summit



Mike Lipskin and Dick Hyman: Stride virtuosos, friends since 1965, reunite across pair of grand pianos

"Mike Lipskin, the veteran stride pianist who learned the leaping jazz style firsthand from Willie "the Lion" Smith and other Harlem masters, was a record producer at RCA in New York in 1965 when he heard that pianist Dick Hyman was coming in to play a session for a pop singer whose name now eludes him.

In those days, Hyman, a genial virtuoso equally adept playing bebop with Charlie Parker and interpreting older jazz piano styles and American songs with authenticity and verve, was a sought-after studio musician who, as Lipskin puts it, "had the facility to do anything well." Lipskin didn't know Hyman - who later composed, arranged and played music for a dozen Woody Allen films and wrote the "Moonstruck" score - but he'd heard from stride-playing friends that he played "Jingles," a particularly demanding tune by the Harlem stride giant James P. Johnson. During a break in the session, Lipskin introduced himself and asked Hyman about it. He was immediately treated to a flawless rendition of the song's opening theme.

"Playing stride is not easy, but 'Jingles' has some intricacies in the right hand that are hard. I was very impressed," says Lipskin, 71. His admiration for Hyman and his musical gifts only increased as he became close friends with the musician and began playing duets with him at stride piano summits like the first big one Hyman put on at Carnegie Hall in '75 - with elder Eubie Blake, Lipskin, Dick Wellstood, Ralph Sutton, Claude Hopkins and the encyclopedic Jaki Byard - and the series SFJAZZ has produced here over the years at Davies Symphony Hall.

The two meet again across a pair of grand pianos Saturday night at Piedmont Piano in Oakland, where Lipskin and Hyman, who's 87, will play solos and duets, improvising on music by Fats Waller, Johnson and Duke Ellington (a great minimalist piano player from the stride tradition), and classic songs by Willard Robison, Rodgers and Hart and others. They're also playing with a band at Filoli on Sunday, but that's sold out.

"I learn something from Dick every time we play, the way he plays melodies, his use of harmony," says Lipskin, on the phone from the Nicasio home he built himself decades ago after moving to the Bay Area to produce RCA records for the Jefferson Airplane and other bands.

"Last summer at the SFJazz Stride Summit, we did a duet on 'Thou Swell.' He played this beautiful descending chord progression behind what I was doing. I called him up a month or two later and asked him what it was. He gave me the chords over the phone.

"He's very generous as a teacher. He gave me some exercises and tips that I've been using for almost 50 years."

Hyman, he adds, "is one of the easiest people to work with. He wants to get your tempo and feeling. We've been doing it together so long we complement each other. I'm flattered he works with me."

They first jammed at Hyman's house in Montclair, N.J., playing "Persian Rug" and other tunes that Waller and Johnson had recorded on some Victor 78s, with Fats playing organ and Johnson at the piano. Hyman played the Waller part on his Lowrey organ, Lipskin the piano. They did those same songs years later at Davies, with Hyman playing the grand Rufatti pipe organ.

"One of Hyman's specialties is not just repeating Art Tatum licks or runs but immersing himself in Tatum's idiom and extending it. Most people today play Tatum's runs and some have transcribed his intros, which are beautiful. But that's not jazz. What Dick does is much more expansive and inventive. That's what I try to do with James P. and Fats. You improvise using the vocabulary and the nuances."

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Mike Lipskin y Dick Hyman: virtuosos de la zancada, amigos desde 1965, se reúnen a través de un par de pianos de cola.

"Mike Lipskin, el veterano pianista de zancadas que aprendió de primera mano el estilo saltarín de jazz de Willie "el León" Smith y otros maestros de Harlem, fue productor de discos en la RCA de Nueva York en 1965 cuando escuchó que el pianista Dick Hyman venía a tocar en una sesión para un cantante de pop cuyo nombre ahora se le escapa.

En aquellos días, Hyman, un genial virtuoso igualmente hábil tocando bebop con Charlie Parker e interpretando estilos de piano de jazz más antiguos y canciones americanas con autenticidad y brío, era un solicitado músico de estudio que, como dice Lipskin, "tenía la facilidad de hacer cualquier cosa bien". Lipskin no conocía a Hyman - que más tarde compuso, arregló y tocó música para una docena de películas de Woody Allen y escribió la partitura "Moonstruck" - pero había oído de amigos que tocaba "Jingles", una melodía particularmente exigente del gigante de Harlem James P. Johnson. Durante una pausa en la sesión, Lipskin se presentó y le preguntó a Hyman sobre el tema. Inmediatamente fue invitado a disfrutar de una impecable interpretación del tema de apertura de la canción.

"Jugar a las zancadas no es fácil, pero'Jingles' tiene algunas complejidades en la mano derecha que son difíciles. Quedé muy impresionado", dice Lipskin, de 71 años. Su admiración por Hyman y sus dotes musicales no hizo más que aumentar a medida que se hizo amigo íntimo del músico y empezó a tocar a dúo con él en cumbres de pianistas como la primera gran obra que Hyman presentó en el Carnegie Hall de `75 -con el mayor Eubie Blake, Lipskin, Dick Wellstood, Ralph Sutton, Claude Hopkins y el enciclopédico Jaki Byard-, y la serie que SFJAZZ ha producido aquí a lo largo de los años en Davies Symphony Hall.

Los dos se encuentran de nuevo a través de un par de pianos de cola el sábado por la noche en Piedmont Piano en Oakland, donde Lipskin e Hyman, que tiene 87 años, tocarán solos y dúos, improvisando con música de Fats Waller, Johnson y Duke Ellington (un gran pianista minimalista de la tradición de la zancada), y canciones clásicas de Willard Robison, Rodgers y Hart y otros. También tocan con una banda en Filoli el domingo, pero se agotaron las entradas.

"Aprendo algo de Dick cada vez que tocamos, la forma en que toca las melodías, su uso de la armonía", dice Lipskin, al teléfono desde la casa de Nicasio que construyó hace décadas después de mudarse al Área de la Bahía para producir discos RCA para el Jefferson Airplane y otras bandas.

"El verano pasado, en la Cumbre del Paseo SFJazz, hicimos un dúo sobre'Thou Swell.' Tocó esta hermosa progresión de acordes descendientes detrás de lo que yo estaba haciendo. Lo llamé uno o dos meses después y le pregunté qué era. Me dio los acordes por teléfono.

"Es muy generoso como profesor. Me dio algunos ejercicios y consejos que he estado usando durante casi 50 años".

Hyman, añade, "es una de las personas con las que es más fácil trabajar. Quiere saber tu tempo y tus sentimientos. Llevamos tanto tiempo haciéndolo juntos que nos complementamos. Me halaga que trabaje conmigo".

Primero tocaron en la casa de Hyman en Montclair, Nueva Jersey, tocando "Persian Rug" y otras melodías que Waller y Johnson habían grabado en algunos Victor 78s, con Fats tocando órgano y Johnson al piano. Hyman tocó el papel de Waller en su órgano Lowrey, Lipskin en el piano. Hicieron esas mismas canciones años después en Davies, con Hyman tocando el gran órgano de tubos de Rufatti.

"Una de las especialidades de Hyman no es sólo repetir Art Tatum lame o corra, sino sumergirse en el lenguaje de Tatum y ampliarlo. La mayoría de la gente hoy en día juega a las carreras de Tatum y algunos han transcrito sus intros, que son hermosos. Pero eso no es jazz. Lo que hace Dick es mucho más expansivo e inventivo. Eso es lo que intento hacer con James P. y Fats. Improvisas usando el vocabulario y los matices."


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Cal Tjader • In A Latin Bag



Biography by Richard S. Ginell
Cal Tjader was undoubtedly the most famous non-Latino leader of Latin jazz bands, an extraordinary distinction. From the 1950s until his death, he was practically the point man between the worlds of Latin jazz and mainstream bop; his light, rhythmic, joyous vibraphone manner could comfortably embrace both styles. His numerous recordings for Fantasy and Verve and long-standing presence in the San Francisco Bay Area eventually had a profound influence upon Carlos Santana, and thus Latin rock. He also played drums and bongos, the latter most notably on the George Shearing Quintet's puckishly titled "Rap Your Troubles in Drums," and would occasionally sit in on piano as well.
Tjader studied music and education at San Francisco State College before hooking up with fellow Bay Area resident Dave Brubeck as the drummer in the Brubeck Trio from 1949 to 1951. He then worked with Alvino Rey, led his own group, and in 1953, joined George Shearing's then hugely popular quintet as a vibraphonist and percussionist. It was in Shearing's band that Tjader's love affair with Latin music began, ignited by Shearing's bassist Al McKibbon, nurtured by contact with Willie Bobo, Mongo Santamaria, and Armando Peraza, and galvanized by the '50s mambo craze. When he left Shearing the following year, Tjader promptly formed his own band that emphasized the Latin element yet also played mainstream jazz. Bobo and Santamaria eventually joined Tjader's band as sidemen, and Vince Guaraldi served for a while as pianist and contributor to the band's songbook ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). 
Tjader recorded a long series of mostly Latin jazz albums for Fantasy from the mid-'50s through the early '60s, switching in 1961 to Verve, where under Creed Taylor's aegis he expanded his stylistic palette and was teamed with artists like Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell, and Donald Byrd. Along the way, Tjader managed to score a minor hit in 1965 with "Soul Sauce," a reworking of Dizzy Gillespie/Chano Pozo's "Guacha Guaro," which Tjader had previously cut for Fantasy. Tjader returned to Fantasy in the 1970s, then in 1979 moved over to the new Concord Picante label, where he remained until his death.

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Biografía de Richard S. Ginell
Cal Tjader fue sin duda el líder no latino más famoso de las bandas de jazz latino, una distinción extraordinaria. Desde la década de 1950 hasta su muerte, fue prácticamente el hombre clave entre los mundos del jazz latino y el bop; su manera ligera, rítmica y alegre de vibráfono podía abrazar cómodamente ambos estilos. Sus numerosas grabaciones para Fantasy y Verve y su larga presencia en el área de la bahía de San Francisco tuvieron una profunda influencia en Carlos Santana, y por lo tanto en el rock latino. También tocaba la batería y el bongos, este último en particular en el pícaro Quinteto George Shearing titulado "Rap Your Troubles in Drums", y ocasionalmente también tocaba el piano.
Tjader estudió música y educación en el San Francisco State College antes de unirse a su compatriota Dave Brubeck como baterista del Brubeck Trio de 1949 a 1951. Luego trabajó con Alvino Rey, dirigió su propio grupo y en 1953 se unió al entonces popular quinteto de George Shearing como vibrafonista y percusionista. Fue en la banda de Shearing que comenzó el romance de Tjader con la música latina, encendida por el bajista de Shearing Al McKibbon, alimentada por el contacto con Willie Bobo, Mongo Santamaría y Armando Peraza, y galvanizada por la locura del mambo de los años 50. Cuando se fue de Shearing al año siguiente, Tjader formó su propia banda que enfatizó el elemento latino, pero también tocó jazz convencional. Bobo y Santamaría eventualmente se unieron a la banda de Tjader como sidemen, y Vince Guaraldi sirvió por un tiempo como pianista y contribuyente al cancionero de la banda ("Ginza," "Thinking of You, MJQ"). 
Tjader grabó una larga serie de álbumes, en su mayoría de jazz latino, para Fantasy desde mediados de los años 50 hasta principios de los 60, cambiando en 1961 a Verve, donde bajo la égida de Creed Taylor amplió su paleta estilística y formó equipo con artistas como Lalo Schifrin, Anita O'Day, Kenny Burrell y Donald Byrd. En el camino, Tjader logró anotar un éxito menor en 1965 con "Soul Sauce", una reelaboración de "Guacha Guaro" de Dizzy Gillespie/Chano Pozo, que Tjader había cortado previamente para Fantasy. Tjader volvió a Fantasy en los años 70, y en 1979 se trasladó al nuevo sello Concord Picante, donde permaneció hasta su muerte.


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Lazy Lester • You Better Listen



Jay Miller was the leading swamp blues producer. From the mid-fifties to the late '60s, his recordings were standing for the inimitable sound of the Excello masters. The Excello sides possessed matchless coolness that could not be reproduced outside of Louisiana. Until now ... Lazy Lester's late work was recorded in Notodden, Norway (Europe's secret blues capitol) with local guys. The band really knows how to play behind Lester, how to keep pace with his way of singing and playing. Furthermore, the recordings are containing this certain Southern flair and smell one would only expect in an old studio in Crowley, Louisiana. And, last not least, Lester is in good shape. A great, great album. Highly recommended to all fans of the real deal, Southern style.

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Jay Miller era el principal productor de blues de pantano. Desde mediados de los años cincuenta hasta finales de los sesenta, sus grabaciones fueron sinónimo del inimitable sonido de los maestros Excello. Los equipos de Excello poseían una frescura inigualable que no podía ser reproducida fuera de Louisiana. Hasta ahora .... El trabajo tardío de Lester fue grabado en Notodden, Noruega (la capital secreta del blues europeo) con chicos locales. La banda realmente sabe cómo tocar detrás de Lester, cómo mantener el ritmo con su forma de cantar y tocar. Además, las grabaciones contienen este cierto estilo sureño y olor que uno sólo esperaría en un viejo estudio en Crowley, Louisiana. Y, por último, Lester está en buena forma. Un gran, gran álbum. Altamente recomendado para todos los fanáticos del verdadero estilo sureño. 


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viernes, 30 de agosto de 2019

Don Shirley • Piano



Artist Biography by Al Campbell
Pianist, composer, and arranger Don Shirley was born in Pensacola, Florida, on January 29, 1927. He began playing piano at age two, and seven years later had developed his skills so rapidly, he was studying theory at the prestigious Leningrad Conservatory of Music. Shirley made his concert debut with the Boston Pops in 1945, while the following year, the London Philharmonic Orchestra performed one of his first major compositions. In the ensuing years between 1954 and 1968, Shirley performed as a soloist and as a member of several symphonies, including the Boston Pops, Detroit Symphony, Chicago Symphony, and the National Symphony Orchestra of Washington. Shirley also composed several organ symphonies, a piano concerto, two string quartets, and numerous pieces for piano. His musical language also encompassed tastefully mastered combinations of standards, show tunes, ballads, spirituals, and jazz performed with his own trio. Incredibly, Shirley also found time between performing and recording to obtain a PhD of Music, Psychology, and Liturgical Arts. Throughout the '50s and '60s, he released numerous albums on the Cadence label. In 1999, Collectables began reissuing several of those albums as two-for-one sets. Shirley died of heart disease on April 6, 2013.
https://www.allmusic.com/artist/don-shirley-mn0000160561/biography

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Biografía del artista por Al Campbell
El pianista, compositor y arreglista Don Shirley nació en Pensacola, Florida, el 29 de enero de 1927. Comenzó a tocar el piano a la edad de dos años, y siete años más tarde había desarrollado sus habilidades tan rápidamente que estaba estudiando teoría en el prestigioso Conservatorio de Música de Leningrado. Shirley debutó en un concierto con los Boston Pops en 1945, mientras que al año siguiente, la London Philharmonic Orchestra interpretó una de sus primeras composiciones importantes. En los años siguientes, entre 1954 y 1968, Shirley actuó como solista y como miembro de varias sinfonías, incluyendo la Boston Pops, Detroit Symphony, Chicago Symphony y la National Symphony Orchestra of Washington. Shirley también compuso varias sinfonías para órgano, un concierto para piano, dos cuartetos de cuerdas y numerosas piezas para piano. Su lenguaje musical también incluía combinaciones de estándares, melodías de espectáculos, baladas, ritmos espirituales y jazz interpretados con su propio trío. Increíblemente, Shirley también encontró tiempo entre la actuación y la grabación para obtener un doctorado en música, psicología y artes litúrgicas. A lo largo de los años 50 y 60, publicó numerosos álbumes en el sello Cadence. En 1999, Collectables comenzó a reeditar varios de esos álbumes como sets de dos por uno. Shirley murió de una enfermedad cardíaca el 6 de abril de 2013.
https://www.allmusic.com/artist/don-shirley-mn0000160561/biography


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Chuck Higgins • Yak A Dak



Charles Williams Higgins (April 17, 1924 – September 14, 1999) was an American saxophonist. Higgins, who was noted for mixing elements of Latin Jazz with Blues, recorded in Los Angeles during the mid-fifties, notably for the Specialty, Combo and Doo-Tone labels, and is best remembered for the song "Pachuko Hop".

Higgins relocated from his birthplace of Gary, Indiana to Los Angeles in his teens, where he played trumpet and went to school at the Los Angeles Conservatory. Later switching to saxophone, he penned the single "Pachuko Hop" (1952), which became popular among American Latinos on the West Coast. The "Pachuko Hop" single's B-side, "Motorhead Baby", was the inspiration for the nickname of musician Motorhead Sherwood, who played with Frank Zappa.[2] The song "Pachuko Hop" is also referenced in the lyrics to the songs "Jelly Roll Gum Drop" on Zappa's album Cruising with Ruben & the Jets (1968) and "Debra Kadabra" by Frank Zappa and Captain Beefheart on their collaborative album Bongo Fury (1975). Zappa listed Chuck Higgins as a reference in his influence list accompanying his album Freak Out! (1966). The 1955 single, "Wetback Hop", became the subject of controversy because of the use of the derogatory term for Mexicans in the title. It was an attempt to associate the listener with the earlier success of "Pachuko Hop", which refers to Mexican zoot suiters of the 1940s. The song appears on the 1996 Rocket Sixty-Nine release Jump Shot!.

Higgins also played as a sideman with Charlie Parker and The Orioles, among others, and Johnny "Guitar" Watson played in Higgins's band for a short time. He recorded for Aladdin Records, Caddy Records, Lucky Records, Specialty Records, and Dootone Records, achieving regional success into the 1960s. In the middle of the 1960s he left active performance to become a teacher, though in the 1970s he recorded a few songs in the disco style. Later that decade and into the 1980s he returned to 1950s-style R&B, touring California clubs as well as England. Some of Higgins's back catalogue was released on reissue labels in the 1990s and 2000s. From Wikipedia
 

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Charles Williams Higgins (17 de abril de 1924 - 14 de septiembre de 1999) fue un saxofonista estadounidense. Higgins, que se destacó por mezclar elementos del jazz latino con el blues, grabó en Los Ángeles a mediados de los años cincuenta, especialmente para los sellos Specialty, Combo y Doo-Tone, y es mejor recordado por la canción "Pachuko Hop".

Higgins se trasladó de su lugar de nacimiento de Gary, Indiana, a Los Ángeles en su adolescencia, donde tocó la trompeta y fue a la escuela en el Conservatorio de Los Ángeles. Después de cambiar al saxofón, escribió el sencillo "Pachuko Hop" (1952), que se hizo popular entre los latinos estadounidenses de la costa oeste. El sencillo "Pachuko Hop" de la banda B, "Motorhead Baby", fue la inspiración para el apodo del músico Motorhead Sherwood, que tocó con Frank Zappa.2] La canción "Pachuko Hop" también está referenciada en las letras de las canciones "Jelly Roll Gum Drop" del álbum de Zappa Cruising with Ruben & the Jets (1968) y "Debra Kadabra" de Frank Zappa y Captain Beefheart en su álbum colaborativo Bongo Fury (1975). Zappa incluyó a Chuck Higgins como referencia en su lista de influencias que acompaña su álbum Freak Out! (1966). El sencillo de 1955, "Wetback Hop", se convirtió en objeto de controversia debido al uso del término despectivo para los mexicanos en el título. Fue un intento de asociar al oyente con el éxito anterior de "Pachuko Hop", que se refiere a los zoot suiters mexicanos de la década de 1940. La canción aparece en el lanzamiento de 1996 de Rocket Sixty-Nine Jump Shot!

Higgins también tocó como sideman con Charlie Parker y The Orioles, entre otros, y Johnny "Guitarra" Watson tocó en la banda de Higgins por un corto tiempo. Grabó para Aladdin Records, Caddy Records, Lucky Records, Specialty Records y Dootone Records, logrando un éxito regional en la década de 1960. A mediados de los años 60 dejó la interpretación activa para convertirse en profesor, aunque en los años 70 grabó algunas canciones en el estilo disco. Más tarde, en esa década y en la década de 1980, regresó al R&B de estilo de los años 50, donde realizó giras por clubes de California e Inglaterra. Algunos de los catálogos de Higgins se publicaron en sellos de reedición en los años 90 y 2000. De Wikipedia


Bear Family Records ...


Maria Vincent & The Millionaires • Cbs Tv Studio 50



El jump blues fue el puente que conectó el rhythm & blues con el swing de las big bands de los años 40. Sonidos para la pista de baile con un formato reducido de banda y directamente relacionados con los orígenes del Rock & Roll. Desde la región central de Inglaterra, Maria Vincent & The Millionaires han apostado por recuperar con clase y conocimiento de causa un estilo que mantiene toda su vigencia y poderío escénico a día de hoy.
En síntesis Swing, Jump, 50's Rhythm and Blues, R'N'R y más, a un ritmo en el que es imposible quedar estático.

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Jump blues was the bridge that connected rhythm & blues with the swing of the big bands of the 40's. Sounds for the dance floor with a reduced band format and directly related to the origins of Rock & Roll. From the central region of England, Maria Vincent & The Millionaires have bet to recover with class and knowledge of cause a style that maintains all its validity and scenic power to this day.
In synthesis Swing, Jump, 50's Rhythm and Blues, R'N'R and more, at a rhythm in which it is impossible to remain static.


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Charlie Mariano ‎• Charlie Mariano



Artist Biography
 Charlie Mariano is an American jazz alto saxophonist. He played with one of the Stan Kenton big bands, Toshiko Akiyoshi (his then wife), Charles Mingus, Eberhard Weber, the United Jazz and Rock Ensemble and numerous other notable musicians.

His career can easliy be divided into two. Early on he was a fixture in Boston, playing with Shorty Sherock (1948), Nat Pierce (1949-50) and his own groups. After gigging with a band co-led by Chubby Jackson and Bill Harris, Mariano toured with Stan Kenton's Orchestra (1953-55) which gave him a strong reputation. He moved to Los Angeles in 1956 (working with Shelly Manne and other West Coast jazz stars), returned to Boston to teach in 1958 at Berklee and the following year had a return stint with Kenton. After marrying Toshiko Akiyoshi, Mariano co-led a group with the pianist on and off up to 1967, living in Japan during part of the time and also working with Charles Mingus (1962-63).

The second career began with the formation of his early fusion group Osmosis in 1967. Known at the time as a strong bop altoist with a sound of his own developed out of the Charlie Parker style, Mariano began to open his music up to the influences of folk music from other cultures, pop and rock. He taught again at Berklee, traveled to India and the Far East and in the early '70s settled in Europe. Among the groups Mariano has worked with have been Pork Pie (which also featured Philip Catherine), the United Jazz and Rock Ensemble and Eberhard Weber's Colours. Charlie Mariano's airy tones on soprano and the nagaswaram (an Indian instrument a little like an oboe) fit right in on some new agey ECM sessions and he also recorded as a leader through the years for Imperial, Prestige, Bethlehem, World Pacific, Candid (with Toshiko Akiyoshi in 1960), Regina, Atlantic, Catalyst, MPS, CMP, Leo and Calig among others.
https://musicians.allaboutjazz.com/charliemariano

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Biografía del artista
 Charlie Mariano es un saxofonista americano de jazz alto. Tocó con una de las grandes bandas de Stan Kenton, Toshiko Akiyoshi (su entonces esposa), Charles Mingus, Eberhard Weber, el United Jazz and Rock Ensemble y muchos otros músicos notables.

Su carrera se puede dividir fácilmente en dos. Desde muy temprano fue titular en Boston, jugando con Shorty Sherock (1948), Nat Pierce (1949-50) y sus propios grupos. Después de tocar con una banda co-dirigida por Chubby Jackson y Bill Harris, Mariano hizo una gira con la Orquesta de Stan Kenton (1953-55) que le dio una fuerte reputación. Se mudó a Los Ángeles en 1956 (trabajando con Shelly Manne y otras estrellas del jazz de la costa oeste), regresó a Boston para enseñar en 1958 en Berklee y al año siguiente volvió a Kenton. Después de casarse con Toshiko Akiyoshi, Mariano dirigió un grupo con el pianista hasta 1967, viviendo en Japón durante parte del tiempo y trabajando también con Charles Mingus (1962-63).

La segunda carrera comenzó con la formación de su primer grupo de fusión, Osmosis, en 1967. Conocido en ese entonces como un fuerte contralto del bop con un sonido propio desarrollado a partir del estilo Charlie Parker, Mariano comenzó a abrir su música a las influencias de la música folklórica de otras culturas, el pop y el rock. Volvió a enseñar en Berklee, viajó a la India y al Lejano Oriente y a principios de los años 70 se estableció en Europa. Entre los grupos con los que Mariano ha trabajado se encuentran Pork Pie (en el que también participó Philip Catherine), United Jazz and Rock Ensemble y Eberhard Weber's Colours. Los airosos tonos de Charlie Mariano en soprano y el nagaswaram (un instrumento indio un poco como un oboe) encajan perfectamente en algunas de las nuevas sesiones de ECM y también grabó como líder a lo largo de los años para Imperial, Prestige, Bethlehem, World Pacific, Candid (con Toshiko Akiyoshi en 1960), Regina, Atlantic, Catalyst, MPS, CMP, Leo y Calig entre otros.
https://musicians.allaboutjazz.com/charliemariano


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Baja Marimba Band • Naturally



 The Baja Marimba Band was a musical group led by marimba player Julius Wechter. Formed by producer Herb Alpert after his own Tijuana Brass, the Baja Marimba Band outlasted the Tijuana Brass by several years in part due to TV producer Chuck Barris, who included the group's music on his game shows in the 1970s.

During his youth, Julius Wechter took up several percussion instruments including the vibes and marimba. In 1956 his group the Julius Wechter Quartet released a jazz album entitled Linear Sketches.

In 1958, Julius joined Martin Denny's band where he played marimba (replacing Arthur Lyman) as well as numerous other percussion instruments. Four years later he was paid $15 as a session man on Herb Alpert's debut album, The Lonely Bull. Wechter soon composed "Spanish Flea" for Alpert, which became a hit for him. Alpert encouraged Wechter to form his own group, The Baja Marimba Band, to help cash in on the faux-Mexican popularity of Albert's own Tijuana Brass.

In 1962, the Baja Marimba Band was formed using session men to supplement Wechter. These musicians included, at one time or another, Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell, and Emil Richards.

The band hit the charts with its first single "Comin' in the Back Door" and recorded a dozen albums for A&M, as well as being Alpert's support act. The main lineup from 1965-1971 was Bernie Fleischer on reeds, Ervan "Bud" Coleman on guitar (replaced upon Coleman's death in 1967 by Charlie Chiarenza), Frank DeCaro on rhythm guitar, Dave Wells on trombone, Lee Katzman on trumpet, Curry Tjader on percussion, Mel Pollan on Fender bass, and Frank DeVito on drums. Most if not all of the band's musicians were seasoned jazz musicians who performed with such artists as Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker, and Dizzy Gillespie.

The group would appear on stage dressed in sombreros and old clothes, with fake mustaches, smoking cigars, and drinking beer, all of which was regarded as stereotypical Mexican behavior. The group appeared in goofy group photos on their album covers, stylishly created by Peter Whorf Graphics, and added a comedic allure. (Nearly all of the covers showed a man turned away from the 'camera' appearing to be urinating!)

Seen by many as a marketing gimmick, the group rode the wake created by Herb Alpert and the Tijuana Brass and Sérgio Mendes and Brasil '66 in the musically fertile mid-1960s. The albums were cross marketed successfully by A&M, with images of Baja Marimba Band albums appearing on the record sleeves of other A&M products. All three acts were the staple of A&M during this period. The content was considered "adult contemporary" or "easy listening" and consisted mainly of standards, originals and pop covers. Despite the humorous album covers, the music inside was a light and sophisticated mixture of bossa nova, jazz, and pop elements.

All three groups lost momentum by the end of the 1960s as the genre faded away. By the late 1960s, Alpert's Tijuana Brass had disbanded, but the Baja Marimba Band stayed together for one more album on A&M in 1971 called As Time Goes By. They had a brief reunion in 1973 with an album called The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. During the 1970s, Julius and his wife, Cissy, collaborated on film scores and musicals.

One last reunion took place in the 1980s which lasted a couple of years and produced an album called Naturally in 1982. It featured Julius Wechter on marimba and three band alumni, Bernie Fleischer on reeds, guitarist Charlie Chiarenza and trombonist Dave Wells. New to the band were: Carmen Fanzone on horns, Jules Greenberg on 2nd marimba/percussion, Harvey Newmark on bass, and Kim Stallings on guitar. Original drummer Frank DeVito toured with the group during this time, but retired and was replaced for the recording by drummer Ed Roscetti. Still later, Julius Wechter formed a new group in the early 1990s called The Baja Marimbas with marimbaist Jules Greenberg, and they released one album, called New Deal.

After Wechter's death from lung cancer in 1999, the Baja Marimba Band disbanded.

On June 25, 2019, The New York Times Magazine listed Baja Marimba Band among hundreds of artists whose material was reportedly destroyed in the 2008 Universal fire.
https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band

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La Banda de Baja Marimba era un grupo musical liderado por el marimbista Julius Wechter. Formada por el productor Herb Alpert después de su propio Tijuana Brass, la Banda de Baja Marimba duró varios años más que Tijuana Brass, en parte debido al productor de televisión Chuck Barris, quien incluyó la música del grupo en sus programas de juegos en la década de 1970.

Durante su juventud, Julius Wechter se hizo cargo de varios instrumentos de percusión, incluyendo el vibráfono y la marimba. En 1956 su grupo, el Julius Wechter Quartet, publicó un álbum de jazz titulado Linear Sketches.

En 1958, Julius se unió a la banda de Martin Denny donde tocó marimba (reemplazando a Arthur Lyman) así como otros numerosos instrumentos de percusión. Cuatro años después le pagaron $15 como hombre de sesión en el álbum debut de Herb Alpert, The Lonely Bull. Wechter pronto compuso "Spanish Flea" para Alpert, que se convirtió en un éxito para él. Alpert animó a Wechter a formar su propio grupo, The Baja Marimba Band, para ayudar a sacar provecho de la falsa popularidad mexicana del propio Tijuana Brass de Albert.

En 1962, se formó la Banda de Baja Marimba usando hombres de sesión para complementar a Wechter. Estos músicos incluyeron, en un momento u otro, a Roy Caton, Tony Terran, Pete Jolly, Lew McCreary, Nick Ceroli, Hal Blaine, Tommy Tedesco, Leon Russell y Emil Richards.

La banda llegó a las listas de éxitos con su primer sencillo "Comin' in the Back Door" y grabó una docena de álbumes para A&M, además de ser el apoyo de Alpert. La alineación principal de 1965-1971 fue Bernie Fleischer en las cañas, Ervan "Bud" Coleman en la guitarra (reemplazado a la muerte de Coleman en 1967 por Charlie Chiarenza), Frank DeCaro en la guitarra rítmica, Dave Wells en el trombón, Lee Katzman en la trompeta, Curry Tjader en la percusión, Mel Pollan en el bajo Fender, y Frank DeVito en la batería. La mayoría de los músicos de la banda, si no todos, eran músicos de jazz experimentados que tocaron con artistas como Woody Herman, Stan Kenton, Don Ellis, Terry Gibbs, Buddy DeFranco, Charlie Parker y Dizzy Gillespie.

El grupo se presentaba en el escenario vestido con sombreros y ropa vieja, con bigotes falsos, fumando puros y bebiendo cerveza, todo lo cual era considerado como un comportamiento estereotipado de los mexicanos. El grupo apareció en fotos de grupo tontas en las portadas de sus álbumes, creadas con estilo por Peter Whorf Graphics, y agregó un encanto cómico. (Casi todas las portadas mostraban a un hombre alejado de la `cámara' que parecía estar orinando!)

Visto por muchos como un truco de mercadeo, el grupo recorrió la estela creada por Herb Alpert y el Tijuana Brass y Sérgio Mendes y Brasil '66 a mediados de la década de 1960. Los álbumes fueron comercializados exitosamente por A&M, con imágenes de los álbumes de la Banda de Baja Marimba apareciendo en las carátulas de otros productos de A&M. Los tres actos fueron la base de A&M durante este período. El contenido era considerado "adulto contemporáneo" o "easy listening" y consistía principalmente en estándares, originales y portadas pop. A pesar de las portadas humorísticas del álbum, la música del interior era una mezcla ligera y sofisticada de elementos de bossa nova, jazz y pop.

Los tres grupos perdieron ímpetu a finales de la década de 1960 cuando el género se desvaneció. A finales de la década de 1960, Tijuana Brass de Alpert se había disuelto, pero la Banda de Baja Marimba se mantuvo unida para un álbum más en A&M en 1971 llamado As Time Goes By. Tuvieron una breve reunión en 1973 con un álbum llamado The Baja Marimba Band's Back on Bell Records. Durante la década de 1970, Julius y su esposa, Cissy, colaboraron en partituras de películas y musicales.

Una última reunión tuvo lugar en la década de 1980, que duró un par de años y produjo un álbum llamado Naturally en 1982. Contó con Julius Wechter en la marimba y tres ex-alumnos de la banda, Bernie Fleischer en las cañas, el guitarrista Charlie Chiarenza y el trombonista Dave Wells. Los nuevos en la banda eran: Carmen Fanzone en las trompas, Jules Greenberg en la 2ª marimba/percusión, Harvey Newmark en el bajo y Kim Stallings en la guitarra. El baterista original Frank DeVito estuvo de gira con el grupo durante este tiempo, pero se retiró y fue reemplazado para la grabación por el baterista Ed Roscetti. Aún más tarde, Julius Wechter formó un nuevo grupo a principios de los 90 llamado The Baja Marimbas con el marimbaista Jules Greenberg, y lanzaron un álbum, llamado New Deal.

Después de la muerte de Wechter por cáncer de pulmón en 1999, la Banda de Baja Marimba se disolvió.

El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a la Banda de Baja Marimba entre cientos de artistas cuyo material fue destruido en el incendio de Universal 2008.
https://en.wikipedia.org/wiki/Baja_Marimba_Band


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Sinti Swing Quintett • Bei Mir Bist Du Schön



Sinti swing Berlin (also Sinti swing quintet) is a German musician's group.
Sinti swing Berlin was founded in 1984 in Ostberlin. The group makes music in the style of European jazz and Sintimusik in the kind of Django Reinhardt. The Instrumentation exists of three guitars, bass and violin. Beside live concerts the tape became known by several TV appearances on television of the GDR (AH, springboard) and ORB.

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Sinti swing Berlin (también Sinti swing quinteto) es un grupo de músicos alemanes.
Sinti swing Berlin fue fundada en 1984 en Ostberlin. El grupo hace música al estilo del jazz europeo y Sintimusik al estilo de Django Reinhardt. La Instrumentación se compone de tres guitarras, bajo y violín. Además de los conciertos en vivo, la cinta fue conocida por varias apariciones en televisión de la RDA (AH, trampolín) y ORB.


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