egroj world: septiembre 2019

lunes, 30 de septiembre de 2019

Brian Bromberg • In The Spirit of Jobim

Review by Al Campbell
On the flipside of the Bromberg Plays Hendrix album, which was released at the same time, bassist Brian Bromberg pays tribute to the Bossa Nova Master, Antonio Carlos Jobim. Bromberg employs Brazilian musicians and the Rising Sun Orchestra on six Jobim compositions and six Jobim-inspired originals. Unlike Bromberg's Hendrix release, these arrangements stick close to Jobim's original versions of "One Note Samba," "Wave," "Triste/Desafinado," "Corcovado," "Once I Loved," and "The Girl from Ipanema." On this release, Bromberg uses a nylon-stringed acoustic bass with piccolo tuning, which comes close to the signature breezy sound Jobim perfected on acoustic guitar.


Reseña de Al Campbell
Por otro lado, el bajista Brian Bromberg rinde homenaje al maestro de la Bossa Nova, Antonio Carlos Jobim, en el álbum Bromberg Plays Hendrix, que fue editado al mismo tiempo. Bromberg emplea a músicos brasileños y a la Orquesta del Sol Naciente en seis composiciones de Jobim y seis originales inspirados en Jobim. A diferencia del lanzamiento de Hendrix de Bromberg, estos arreglos se acercan a las versiones originales de Jobim de "One Note Samba", "Wave", "Triste/Desafinado", "Corcovado", "Once I loved" y "The Girl from Ipanema". En este lanzamiento, Bromberg utiliza un bajo acústico de cuerdas de nylon con afinación de piccolo, que se acerca al sonido de Jobim perfeccionado en la guitarra acústica.

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Hot Swing Sextet • Black Market Stuff

Hot Swing Sextetoffers a trip back in time in the frenzied atmosphere of the jazz clubs of the 30s.
From Paris to Harlem, From Django Reinhardt to Duke Ellington, Louis Armstrong through, Hot Swing Sextet organized for you, a trip « tailored » towards « Swing ».

Get on board with these six young musicians full of energy. « Swing, » « swaying » and good humor are on the menu of this great Journey through the « middle-jazz ».

        “Jazz to dance to, but also to listen to thanks to the original arrangements and perfect interpretation.”Action Jazz


Hot Swing Sexteto ofrece un viaje al pasado en el ambiente frenético de los clubes de jazz de los años 30.
De París a Harlem, de Django Reinhardt a Duke Ellington, de Louis Armstrong a Louis Armstrong, Hot Swing Sextet organizó para usted, un viaje " a medida " hacia " Swing ".

Súbete a bordo con estos seis jóvenes músicos llenos de energía. "Balanceo, "balanceo" y buen humor están en el menú de este gran Viaje por el "medio-jazz".

        "Jazz para bailar, pero también para escuchar gracias a los arreglos originales y a una interpretación perfecta".

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Mauri Sanchis' Modern Organ Trio • What Did You Expect

The Mastersounds • Flower Drum Song

Review by Scott Yanow
The Mastersounds (vibraphonist Buddy Montgomery, pianist Richie Crabtree, electric bassist Monk Montgomery, and drummer Benny Barth) dig into themes taken from the Rodgers & Hammerstein Broadway musical Flower Drum Song, plus Buddy's original song "A Flower." In general, the music is pretty and relaxed, but not too invigorating. None of the themes from the show ended up catching on. The Mastersounds, who cannot help sounding a bit like the Modern Jazz Quartet in spots, play quite well, but this LP falls short of being essential.

Artist Biography by Scott Yanow
Vibraphonist Buddy Montgomery and electric bassist Monk Montgomery (1921-1982) came together to form the Mastersounds (a melodic and easy listening bop group) with pianist Richie Crabtree and drummer Benny Barth in 1957. The band caught on for a few years, cutting ten records in four years for Pacific Jazz, World Pacific, and Fantasy. Wes Montgomery appeared on one of their 1958 albums, a set of songs from the play Kismet. After the group disbanded in 1961, they had a brief reunion in 1965. The two Montgomery brothers had numerous opportunities to play with their more famous sibling under Wes' leadership throughout the 1960s.


Reseña de Scott Yanow
Los Mastersounds (vibrafonista Buddy Montgomery, pianista Richie Crabtree, bajista eléctrico Monk Montgomery y baterista Benny Barth) profundizan en temas tomados de la canción Flower Drum Song de Rodgers & Hammerstein Broadway, además de la canción original de Buddy "A Flower". En general, la música es bonita y relajada, pero no demasiado vigorizante. Ninguno de los temas de la exposición terminó de ponerse de moda. Los Mastersounds, que no pueden evitar sonar un poco como el Modern Jazz Quartet en spots, tocan bastante bien, pero este LP se queda corto de ser esencial.

Biografía del artista por Scott Yanow
El vibrafonista Buddy Montgomery y el bajista eléctrico Monk Montgomery (1921-1982) se unieron para formar The Mastersounds (un grupo de bop melódico y fácil de escuchar) con el pianista Richie Crabtree y el baterista Benny Barth en 1957. La banda se impuso durante unos años, grabando diez discos en cuatro años para Pacific Jazz, World Pacific y Fantasy. Wes Montgomery apareció en uno de sus álbumes de 1958, un conjunto de canciones de la obra de teatro Kismet. Después de la disolución del grupo en 1961, tuvieron una breve reunión en 1965. Los dos hermanos Montgomery tuvieron numerosas oportunidades de jugar con su hermano más famoso bajo el liderazgo de Wes durante la década de 1960.

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The Damn Well Please Organ Trio • The Strut [EP]

Strut EP album by Damn Well Please Organ Trio was released Dec 04, 2008 on the The Damn Well Please Organ Trio label. The Damn Well Please Organ Trio,  Featuring Darius Holbert on all keys and bass, Ric Rocc on drums, Ben Kishaba/ Kris Hawkins on the guitar.


El álbum de Strut EP de Damn Well Please Organ Trio fue lanzado el 04 de diciembre de 2008 en el sello The Damn Well Please Organ Trio. The Damn Well Please Organ Trio, con Darius Holbert en todas las teclas y bajo, Ric Rocc en la batería, Ben Kishaba/ Kris Hawkins en la guitarra.

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Vido Musso • Teen Age Dance Party

Pete Fountain • The Blues

Pete Fountain:
Peter Dewey Fountain, Jr. was born July 3, 1930 in New Orleans, the cradle of American music, Jazz. He was a skinny kid who spent too much time hanging around the front stoop of the Top Hat Dance Hall near his home. The Top Hat was a stronghold of Dixieland Jazz and Jazz already had a strong hold on Pete Fountain. But, oh the sounds! This was music straight from the soul. Sounds that would never be written in stone, that would always be brand new because they were purely personal. Pete heard all the greats in New Orleans and he knew he wanted to play Jazz.

After endless hours of practicing and listening to the recordings of Benny Goodman and Irving Fazola, the personal sound of Pete Fountain began to emerge and it was “Fat.” By the time Pete was 16, he had already gained a reputation on Bourbon Street. Through these formative years of his musical training, Pete performed with several sensational bands. One such band was the Junior Dixieland Band which performed in the famous Parisian Room-often performing for legendary jazz men. A few years later Pete joined Phil Zito's International Dixieland Express. They were playing the El Morocco on the street. Pete was performing with some of the best known jazz bands in the country—The Basin Street Six, The Dukes of Dixieland, and Al Hirt.

Until 1956...Be-Bop and Rock & Roll were the hot new sounds, and the music that Pete loved could not provide him or anybody else with a living. Jazz, in its own birthplace New Orleans, was definitely asleep. He gave up music. He had no choice. With a wife and three small children to support, music was a luxury he could not afford.

In 1957, Lawrence Welk, host of the nation's most popular television program, wanted Pete on the show, and for two years, Pete was the most famous Jazz musician on television. Pete Fountain became a household name and New Orleans Jazz made a comeback that has never faded.

After two years in California, Pete came home to New Orleans. He had learned what every New Orleanian has to accept as a fact of life. you can leave New Orleans, but it never leaves you. Pete immediately opened his own jazz club in the heart of the French Quarter. His national fame and fans followed him to New Orleans which allowed Pete's club to expand, through many years, into the largest jazz club in the city. Pete has always been considered an ambassador of New Orleans Jazz as he performs his music on guest appearances on network television and specials. Some of the highlights have been such classics as the Ed Sullivan, Bing Crosby, Bob Hope and Andy Williams specials. More recently his credits include A Close up of Pete Fountain, Super Bowl Saturday Night and the National Memorial Day Concert. He also performed 59 times on Johnny Carson's “The Tonight Show.”

Pete has performed at four U.S. State Dinners by command performance for four Presidents of the United States. He has also performed for Pope John Paul II at the New Orleans Papal Mass with an attendance of over 400,000 people.

During Pete's career, he has recorded 56 albums and has been a featured performer on 44 additional albums for a total of 100 recordings. Three of Pete's albums have gone gold, “Pete Fountain's New Orleans,” “The Blues,” and “Mr. New Orleans.” He also received a gold record for his hit single “Just A Closer Walk With Thee.”

Through Pete's career he has received numerous awards and honors including a Doctorate of Music from the College of Santa Fe; he was voted the #1 Jazz Clarinetist for 13 consecutive years in the Playboy Readers Poll; he was King of Bacchus; he received an Emmy for the 1990 Super Bowl Pre-Game Music; and he was awarded the 1993 Louisiana Legends Award.

Pete has performed with music legends ranging from Louis Armstrong and Harry James to Harry Connick, Jr. Yet to this day his greatest thrill is taking the stage and performing the music he loves, watching as it works its irresistible magic on the audience.
Source: James Nadal


Pete Fountain:
Peter Dewey Fountain, Jr. nació el 3 de julio de 1930 en Nueva Orleans, la cuna de la música americana, el Jazz. Era un niño flaco que pasaba mucho tiempo colgado en la entrada del Top Hat Dance Hall cerca de su casa. El sombrero de copa era un bastión del Dixieland Jazz y el Jazz ya tenía una fuerte influencia sobre Pete Fountain. Pero, ¡oh, los sonidos! Esto era música directamente del alma. Sonidos que nunca serían escritos en piedra, que siempre serían nuevos porque eran puramente personales. Pete escuchó a todos los grandes de Nueva Orleans y sabía que quería tocar Jazz.

Después de horas interminables de practicar y escuchar las grabaciones de Benny Goodman e Irving Fazola, el sonido personal de Pete Fountain comenzó a emerger y fue "Fat". Para cuando Pete tenía 16 años, ya se había ganado una reputación en Bourbon Street. Durante estos años de formación musical, Pete tocó con varias bandas sensacionales. Una de ellas fue la Junior Dixieland Band, que actuó en la famosa Parisian Room, a menudo para hombres de jazz legendarios. Unos años después, Pete se unió al International Dixieland Express de Phil Zito. Estaban tocando El Morocco en la calle. Pete tocaba con algunas de las bandas de jazz más conocidas del país: The Basin Street Six, The Dukes of Dixieland y Al Hirt.

Hasta 1956... el Be-Bop y el Rock & Roll eran los nuevos sonidos calientes, y la música que a Pete le encantaba no le permitía ganarse la vida ni a él ni a nadie más. El jazz, en su lugar de nacimiento, Nueva Orleans, estaba definitivamente dormido. Dejó la música. No tenía otra opción. Con una esposa y tres hijos pequeños que mantener, la música era un lujo que no podía permitirse.

En 1957, Lawrence Welk, conductor del programa de televisión más popular del país, quería a Pete en el programa, y durante dos años, Pete fue el músico de jazz más famoso de la televisión. Pete Fountain se convirtió en un nombre muy conocido y el Jazz de Nueva Orleans tuvo un regreso que nunca se ha desvanecido.

Después de dos años en California, Pete volvió a Nueva Orleans. Había aprendido lo que todo New Orleanian tiene que aceptar como un hecho de la vida. Puedes dejar Nueva Orleans, pero nunca te deja. Pete inmediatamente abrió su propio club de jazz en el corazón del Barrio Francés. Su fama nacional y sus seguidores lo siguieron a Nueva Orleans, lo que permitió que el club de Pete se expandiera, a través de muchos años, hasta convertirse en el club de jazz más grande de la ciudad. Pete siempre ha sido considerado un embajador del Jazz de Nueva Orleans, ya que interpreta su música en apariciones como invitado en la televisión de la cadena y en programas especiales. Algunos de los puntos culminantes han sido clásicos como los especiales de Ed Sullivan, Bing Crosby, Bob Hope y Andy Williams. Más recientemente, sus créditos incluyen A Close up of Pete Fountain, Super Bowl Saturday Night y el National Memorial Day Concert. También actuó 59 veces en "The Tonight Show" de Johnny Carson.

Pete se ha presentado en cuatro Cenas de Estado de los Estados Unidos por comando para cuatro Presidentes de los Estados Unidos. También ha actuado para el Papa Juan Pablo II en la Misa Papal de Nueva Orleans con una asistencia de más de 400,000 personas.

Durante su carrera, Pete ha grabado 56 álbumes y ha participado en 44 álbumes adicionales para un total de 100 grabaciones. Tres de los álbumes de Pete se han convertido en oro, "Pete Fountain's New Orleans", "The Blues" y "Mr. New Orleans". También recibió un disco de oro por su exitoso sencillo "Just a Closer Walk With Thee".

A lo largo de la carrera de Pete ha recibido numerosos premios y honores, incluyendo un Doctorado en Música del Colegio de Santa Fe; fue elegido Clarinetista de Jazz #1 por 13 años consecutivos en la Encuesta de Lectores de Playboy; fue Rey de Baco; recibió un Emmy por la Música de Pre-Juego del Super Bowl de 1990; y fue galardonado con el Premio de Leyendas de Louisiana de 1993.

Pete ha tocado con leyendas de la música que van desde Louis Armstrong y Harry James hasta Harry Connick, Jr. Sin embargo, hasta el día de hoy, su mayor emoción es subir al escenario e interpretar la música que le encanta, viendo cómo hace funcionar su irresistible magia en el público.
Fuente: James Nadal

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A Century of Drawing - Works on Paper from Degas to LeWitt

Written to accompany an exhibition in 2001-2002 at the National Gallery of Art in Washington, DC, this hefty and attractive catalog showcases 140 pieces from the collection. Each work is represented in a full-page color plate with a lengthy, annotated entry on the facing page. Robison provides an introduction, which describes the National Gallery's drawing collection. An essay by Judith Walsh discusses artists' paper as it was used and developed during the 20th century. Both editors are curators at the National Gallery.

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domingo, 29 de septiembre de 2019

Milt Buckner & André Persiani • Pianistically Yours

Milton Brent Buckner was born in St. Louis on July 19, 1915. His little brother Ted, who should not be confused with their distant relative, Texas born trumpeter Teddy Buckner, was destined to become a saxophonist with the Jimmie Lunceford Orchestra (where he actually recorded with Teddy in 1939) and an R&B and Motown sessionman. Milt's parents, who encouraged him to learn to play piano, both died when he was nine years old. The two orphans were sent to Detroit where they were adopted by members of the Earl Walton Orchestra; Milt studied piano from age ten to thirteen with his uncle John Tobias (Walton's trombonist), and began writing arrangements for the band at the age of fifteen. While studying at the Detroit Institute of Arts he performed with Mose Burke & the Dixie Whangdoodles and the Harlem Aristocrats. After drummer and bandleader Don Cox hired him in 1932, Buckner began to develop a uniquely percussive technique employing parallel tonal patterns, later referred to as "block chords," a style now associated with Oscar Peterson and George Shearing. During the '30s Buckner also worked in groups led by Jimmy Raschelle, Lanky Bowman, and Howard Bunts. His first big break came in 1941 when he became Lionel Hampton's staff arranger and assistant director. His predilection for rocking rhythms and boogie-woogie fit nicely with Hamp's approach to entertainment. Buckner worked with Hampton during the years 1941-1948 and 1950-1952.


Milton Brent Buckner nació en St. Louis el 19 de julio de 1915. Su hermano pequeño Ted, que no debe confundirse con su pariente lejano, el trompetista Teddy Buckner, nacido en Texas, estaba destinado a convertirse en saxofonista de la Jimmie Lunceford Orchestra (donde grabó con Teddy en 1939) y en un músico de R&B y Motown. Los padres de Milt, que lo alentaron a aprender a tocar el piano, murieron cuando él tenía nueve años. Los dos huérfanos fueron enviados a Detroit donde fueron adoptados por miembros de la Earl Walton Orchestra; Milt estudió piano desde los diez hasta los trece años con su tío John Tobias (trombonista de Walton), y comenzó a escribir arreglos para la banda a los quince años. Mientras estudiaba en el Detroit Institute of Arts actuó con Mose Burke & the Dixie Whangdoodles y los Harlem Aristocrats. Después de que el baterista y director de orquesta Don Cox lo contratara en 1932, Buckner comenzó a desarrollar una técnica de percusión única empleando patrones tonales paralelos, más tarde conocidos como "acordes de bloque", un estilo ahora asociado con Oscar Peterson y George Shearing. Durante los años 30 Buckner también trabajó en grupos dirigidos por Jimmy Raschelle, Lanky Bowman y Howard Bunts. Su primera gran oportunidad llegó en 1941 cuando se convirtió en el arreglador de personal y asistente de dirección de Lionel Hampton. Su predilección por los ritmos rockeros y el boogie-woogie encajan perfectamente con el enfoque de Hamp hacia el entretenimiento. Buckner trabajó con Hampton durante los años 1941-1948 y 1950-1952.

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Paolo Apollo Negri • Hello World

Album Notes
Paolo is one who proscribes to the distinct audio styling of Paolo Apollo Negri: an intoxicating style of “pop fusion” putting the jazz/rock dynamic into accessible form, simultaneously challenging and groovy, that’ll earn you IQ points or let you simply chill as your life’s moment requires. “Hello World” is an inspired adventurous ring in the substantial Apollo orbit that has pulled to it fellow travelers: soulster Noel McKoy (James Taylor Quartet) and paranoiac Bob Harris (Frank Zappa Band).
Paolo Apollo Negri takes his free-form approach to COBOL [HBR-014] a step further, developing his latest grooves live in the studio and reaping a band in the process. Paolo is joined by fellow collaborators Mario Percudani (guitar), Paolo Botteschi (drums), and Edoardo Giovanelli (bass) as a cohesive unit – the first time on an Apollo “solo” album. Where his first 3 records involved musicians from all over the world and were something of a logistical high-wire act to assemble, “Hello World” is organic and self-actualized.
With “Hello World” Hammondbeat (USA) has joined forces with Tanzan Music Group (Italy). Both labels are home to Paolo and he is a force for unity in an ever shrinking world.

Paolo began his career in the early 90s. The Hammond organ is the instrument by which he is most closely associated, thanks to his aggressive and distinguished style with ties to the masters of the past and a truly original, personal view of the future. Paolo is recognized internationally as one of the most important and influential players of this legendary instrument.
Over the years the Hammond organ has been joined by several analog and digital synthesizers including Moog, ARP, Oberheim, Novation, Mam, Yamaha, Dave Smith Instruments, Kawai, Korg, Roland and many others. A real and deep love for Waldorf has resulted in Paolo becoming an official endorser of this prestigious German brand.
In addition to exploring the world of synthesizers Paolo has developed an expert technique on the electric piano (Rhodes, Wurlitzer, Clavinet, Kawai and CP-80), the vocoder, and string machines (Mellotron, Solina and ARP Omni), constantly enlarging and expanding his personal musical horizon and developing a taste for fresh style and mosaic arrangement.


Notas del álbum
Paolo es uno de los que se proscribe al estilo de audio distintivo de Paolo Apollo Negri: un estilo embriagador de "fusión pop" que pone la dinámica del jazz/rock en forma accesible, al mismo tiempo desafiante y groovy, que te hará ganar puntos de coeficiente intelectual o simplemente te permitirá relajarte como el momento de tu vida lo requiera. "Hola Mundo" es un anillo de aventuras inspirado en la órbita sustancial de Apolo que ha atraído a sus compañeros de viaje: el soulster Noel McKoy (James Taylor Quartet) y el paranoico Bob Harris (Frank Zappa Band).
Paolo Apollo Negri lleva su enfoque de forma libre de COBOL[HBR-014] un paso más allá, desarrollando sus últimos grooves en directo en el estudio y cosechando una banda en el proceso. A Paolo se unen otros colaboradores como Mario Percudani (guitarra), Paolo Botteschi (batería) y Edoardo Giovanelli (bajo) como una unidad cohesiva - la primera vez en un álbum de Apollo solo". Donde sus primeros 3 discos involucraron a músicos de todo el mundo y fueron una especie de acto logístico de cuerda floja para ensamblar, "Hello World" es orgánico y auto-actualizado.
Con "Hello World" Hammondbeat (USA) ha unido fuerzas con Tanzan Music Group (Italia). Ambas etiquetas son el hogar de Paolo y él es una fuerza para la unidad en un mundo cada vez más pequeño.

Paolo comenzó su carrera a principios de los años 90. El órgano de Hammond es el instrumento con el que está más estrechamente asociado, gracias a su estilo agresivo y distinguido, con vínculos con los maestros del pasado y una visión personal y verdaderamente original del futuro. Paolo es reconocido internacionalmente como uno de los intérpretes más importantes e influyentes de este legendario instrumento.
A lo largo de los años el órgano de Hammond se ha unido a varios sintetizadores analógicos y digitales incluyendo Moog, ARP, Oberheim, Novation, Mam, Yamaha, Dave Smith Instruments, Kawai, Korg, Roland y muchos otros. Un verdadero y profundo amor por Waldorf ha hecho que Paolo se convierta en el aval oficial de esta prestigiosa marca alemana.
Además de explorar el mundo de los sintetizadores, Paolo ha desarrollado una técnica experta en el piano eléctrico (Rhodes, Wurlitzer, Clavinet, Kawai y CP-80), el vocoder y las máquinas de cuerdas (Mellotron, Solina y ARP Omni), ampliando y expandiendo constantemente su horizonte musical personal y desarrollando un gusto por el estilo fresco y el arreglo de mosaicos.

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The Howard Roberts Quartet ‎• Whatever's Fair

Biography by Scott Yanow
Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.


Biografía de Scott Yanow
Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.

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Billy Tipton • Billy Tipton Plays Hi-Fi On Piano

La muerte de un discreto pianista de jazz llamado Billy Tipton, ocurrida a la edad de 74 en la pequeña ciudad norteamericana de Spokane, Washington, fue una de las noticias más espectaculares del año 1989, no porque Tipton fuese un músico de renombre sino porque, una vez hallado su cadáver por los médicos, se descubrió que en verdad era una mujer que había vivido haciéndose pasar por hombre desde los diecinueve años de edad ...


The Double Life of Billy Tipton
By Kathryn Robinson
“I kept trying to figure out what she was,” says Diane Wood Middlebrook, author of Suits Me: The Double Life of Billy Tipton, from her home in San Francisco. “We have a lot of questions in 1998 that didn’t exist in Billy’s time. They didn’t have the terms ‘transgenderist,’ or even ‘cross-dresser,’ or hardly even ‘lesbian’!” ...

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Mike Fageros Organ Trio • On The Loose

The CD "On the Loose" is guitarists Mike Fageros aka (The Unknown Guitarist) 6th CD to date. His selection of fellow sidemen Pat Bianchi/Hammond and Carmen Intorre Jr/Drums takes the music to a new level. The tracks are all live with no overdubs in an open setting in the studio so as to increase the listeners perception that he or she might just be in a jazz club with their eyes closed catching a set. What you are about to hear is pure unabashed jazz in the guitar/organ/drums trio setting with incredible musical interaction between the players. The arrangements were done by Mike with help from his friend and fellow guitarist, Clint Strong on Close Your Eyes and Love for sale.

Whether you are looking for straight ahead bop, funk, standards, 6/8 or a ballad, "On the Loose" covers it all and we believe in recording "the old school way" with you the listener in mind. No isolation booths, everything in real time, just an honest blowing session with some truly incredible and soulful moments!

The story behind the session is an interesting one. Guitarist Mike Fageros had always loved the way Pat Bianchi and Carmen Intorre Jr swung so hard when they toured with legendary guitarist Pat Martino. With this in mind, Mike's first choice for sidemen was obvious. When the decision was made to record, Carmen's home town of Buffalo was selected using the facilities of Audio Magic and Mike drove in from Detroit to make it happen.

Special appreciation is given to Pat Martino for the use of "Just for Then" as well as guitarist Clint Strong for helping with the arrangenents on Close Your Eyes and Love For Sale.


El CD "On the Loose" es el sexto CD del guitarrista Mike Fageros (The Unknown Guitarist) hasta la fecha. Su selección de compañeros de equipo Pat Bianchi/Hammond y Carmen Intorre Jr/Drums lleva la música a un nuevo nivel. Los temas son todos en vivo sin sobregrabaciones en un escenario abierto en el estudio para aumentar la percepción de los oyentes de que él o ella podría estar en un club de jazz con los ojos cerrados atrapando un set. Lo que estás a punto de escuchar es jazz puro y desvergonzado en el ambiente de trío guitarra/organo/batería con una increíble interacción musical entre los músicos. Los arreglos fueron hechos por Mike con la ayuda de su amigo y compañero guitarrista, Clint Strong en Close Your Eyes y Love for sale.

Tanto si lo que buscas es bop, funk, standards, 6/8 o una balada, "On the Loose" lo cubre todo y nosotros creemos en grabar "a la antigua usanza" pensando en ti, el oyente. No hay cabinas de aislamiento, todo en tiempo real, sólo una sesión de soplado honesto con algunos momentos verdaderamente increíbles y conmovedores!

La historia detrás de la sesión es interesante. El guitarrista Mike Fageros siempre había amado la forma en que Pat Bianchi y Carmen Intorre Jr. se balanceaban tan fuerte cuando estaban de gira con el legendario guitarrista Pat Martino. Con esto en mente, la primera opción de Mike para los sidemen era obvia. Cuando se tomó la decisión de grabar, la ciudad natal de Carmen, Buffalo, fue seleccionada utilizando las instalaciones de Audio Magic y Mike vino desde Detroit para hacer que esto sucediera.

Se agradece especialmente a Pat Martino por el uso de "Just for Then", así como al guitarrista Clint Strong por su ayuda con los arreglos de Close Your Eyes y Love For Sale.

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Duccio and the Origins of Western Painting

In 2004 the Metropolitan Museum acquired an extremely rare and beautiful Madonna and Child by the great painter Duccio di Buoninsegna. Duccio, who died in 1318, has long been recognized as the father of Sienese painting, and he fostered a new generation of talented and innovative painters. In art history textbooks, however, his considerable contribution to European painting is often overshadowed by the work of his contemporary Giotto. Christiansen examines the fascinating connection between Giotto and Duccio, which he likens to Michelangelo’s relationship with Raphael, or Picasso’s with Matisse, and explains the particular qualities that make Duccio such an essential artist.

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sábado, 28 de septiembre de 2019

Brother Jack Mcduff • A change is gonna come

Review by Bruce Eder
This album is an elegant mix of soul and sambas, interspersed with a pair of distinctly blues-focused pieces. Jack McDuff's Hammond B-3 organ surges and trills and rocks, at times seeming to talk as the lead instrument on renditions of works as different as Ray Charles' "What'd I Say" and Sam Cooke's "A Change Is Gonna Come." His calls and responses with the five-man brass section on several of the tracks here comprise another highlight, but even the slow numbers, such as "No Tears," offer virtuoso playing by McDuff. The tempo and texture shifts throughout keep this record continually interesting to the listener, and the range of influences, from jazz to gospel with side trips into the blues (culminating with a seven-minute epic in the latter genre), gives a lot of great playing for everybody.

Biography :
A marvelous bandleader and organist as well as capable arranger, "Brother" Jack McDuff has one of the funkiest, most soulful styles of all time on the Hammond B-3. His rock-solid basslines and blues-drenched solos are balanced by clever, almost pianistic melodies and interesting progressions and phrases. McDuff began as a bassist playing with Denny Zeitlin and Joe Farrell. He studied privately in Cincinnati and worked with Johnny Griffin in Chicago. He taught himself organ and piano in the mid-'50s, and began gaining attention working with Willis Jackson in the late '50s and early '60s, cutting high caliber soul-jazz dates for Prestige. McDuff made his recording debut as a leader for Prestige in 1960, playing in a studio pickup band with Jimmy Forrest. They made a pair of outstanding albums: Tough Duff and The Honeydripper. McDuff organized his own band the next year, featuring Harold Vick and drummer Joe Dukes. Things took off when McDuff hired a young guitarist named George Benson. They were among the most popular combos of the mid-'60s and made several excellent albums. McDuff's later groups at Atlantic and Cadet didn't equal the level of the Benson band, while later dates for Verve and Cadet were uneven, though generally good. McDuff experimented with electronic keyboards and fusion during the '70s, then in the '80s got back in the groove with the Muse session Cap'n Jack. While his health fluctuated throughout the '90s, McDuff released several discs on the Concord Jazz label before succumbing to heart failure on January 23, 2001, at the age of 74. ~ Ron Wynn and Bob Porter


Reseña de Bruce Eder
Este álbum es una mezcla elegante de soul y sambas, intercaladas con un par de piezas claramente enfocadas al blues. El órgano Hammond B-3 de Jack McDuff surge, se estremece y se mece, a veces parece hablar como el instrumento principal en interpretaciones de obras tan diferentes como "What'd I Say" de Ray Charles y "A Change Is Gonna Come" de Sam Cooke. Sus llamadas y respuestas con la sección de latón de cinco hombres en varias de las pistas aquí comprenden otro punto culminante, pero incluso los números lentos, como "No Tears", ofrecen una interpretación virtuosa de McDuff. Los cambios de tempo y textura a lo largo de todo el disco mantienen este disco continuamente interesante para el oyente, y la variedad de influencias, desde el jazz hasta el gospel con viajes al blues (culminando con una epopeya de siete minutos en este último género), da mucho de que hablar a todo el mundo.

Biografía :
Un maravilloso director de orquesta y organista, así como un hábil arreglista, "Brother" Jack McDuff tiene uno de los estilos más funky y conmovedores de todos los tiempos en el Hammond B-3. Sus graves sólidos como el rock y sus solos empapados de blues están equilibrados por melodías inteligentes, casi pianísticas e interesantes progresiones y frases. McDuff comenzó como bajista tocando con Denny Zeitlin y Joe Farrell. Estudió en Cincinnati y trabajó con Johnny Griffin en Chicago. Se enseñó a sí mismo órgano y piano a mediados de los años 50, y comenzó a llamar la atención trabajando con Willis Jackson a finales de los 50 y principios de los 60, cortando fechas de soul-jazz de alto calibre para Prestige. McDuff hizo su debut discográfico como líder de Prestige en 1960, tocando en una banda de estudio con Jimmy Forrest. Hicieron un par de álbumes sobresalientes: Tough Duff y The Honeydripper. McDuff organizó su propia banda al año siguiente, con Harold Vick y el baterista Joe Dukes. Las cosas se pusieron feas cuando McDuff contrató a un joven guitarrista llamado George Benson. Estaban entre los combos más populares de mediados de los 60 y grabaron varios discos excelentes. Los grupos posteriores de McDuff en Atlantic y Cadet no igualaron el nivel de la banda de Benson, mientras que las fechas posteriores para Verve y Cadet fueron desiguales, aunque generalmente buenas. McDuff experimentó con teclados electrónicos y fusión durante los'70, luego en los'80 volvió a la rutina con la sesión de Muse Cap'n Jack. Mientras su salud fluctuaba a lo largo de los años 90, McDuff lanzó varios discos en el sello Concord Jazz antes de sucumbir a la insuficiencia cardíaca el 23 de enero de 2001, a la edad de 74 años. ~ Ron Wynn y Bob Porter

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Billy Strange & The Challengers • Billy Strange & The Challengers

Puede que su nombre suene al de un completo desconocido, pero lo cierto es que ha sido una de las figuras más importantes de la música contemporánea. Guitarrista, compositor, arreglista y productor, Billy Strange escribió grandes clásicos de la música y trabajó para estrellas como Frank y Nancy Sinatra, los Beach Boys, Elvis Presley o Nat King Cole.
Nacido en 1930, Strange empezó en la música a los cinco años, tocando junto a sus padres en una radio de Long Beach (California). Aunque su primer instrumento fue la trompeta, cuando le regalaron una Gibson L-7 su carrera cambió para siempre.
Tras recorrer el suroeste estadounidense en su adolescencia, Billy Strange se instaló en California, donde empezó a tocar y cantar para grupos country del momento, como The Sons of The Pioneers, Roy Rogers o Spade Cooley.
Con el tiempo, se ganó una buena reputación en Los Angeles y comenzó a participar como guitarrista en las sesiones de grabación. Así fue como haría grandes amistades con grupos como los Beach Boys o Jan & Dean, leyendas del surf-rock de la época.
El nombre de Billy Strange figura como coautor, junto a Mac Davis, de A Little Less Conversation de 1968, uno de los clásicos de Elvis Presley, para quien escribió numerosas canciones y con quien tocó en muchas otras.
Su guitarra suena en canciones de Frank Sinatra, Sammy Davis Jr., Wanda Jackson, los Beach Boys y, especialmente, Nancy Sinatra. El tremolo de su guitarra puede escucharse en Bang Bang (My Baby Shot Me Down) y compuso y arregló These Boots Are Made For Walking.
Su relación con los Sinatra fue muy fructífera. Trabajó en la famosa Something Stupid de Frank y a finales de los 60 dirigía la orquesta que Nancy llevaba en sus directos, hasta que en los 70 se instaló en Nashville para hacerse cargo de una empresa de ambos.
En solitario, Billy Strange puso su voz en varias bandas sonoras de programas de televisión y películas de Disney, y lanzó álbumes instrumentales con versiones de grandes éxitos, como You Only Live Twice, de la banda sonora de James Bond.
El trabajo de toda una vida fue reconocido cuando se le introdujo en el Rockabilly Hall of Fame, como merecía uno de los compositores que más han marcado la historia del rock. (


Artist Biography by Mark Deming
One of the most successful session musicians of the 1960s, Billy Strange was a member of "The Wrecking Crew," the team of elite players who dominated the Los Angeles recording studios and worked on many of the biggest hits of the '60s and '70s. Strange co-wrote hits for Elvis Presley and Chubby Checker and arranged Nancy Sinatra's biggest hits in addition to lending his talents to recordings by the Beach Boys, Phil Spector, the Everly Brothers, and many more. Billy Strange was born in Long Beach, California on September 29, 1930. His parents, George and Billie Strange, were county & western musicians, and young Billy followed in their footsteps, performing with his folks on the radio and winning a yodeling contest at the age of 5. Strange took up the guitar when he was 14, and two years later he was playing with a local honky tonk band that set out for Texas in search of adventure and paying gigs. When Strange returned to California, he was a seasoned professional and was soon working with some of the biggest names on the West Coast C&W scene of the '50s, including Tennessee Ernie Ford, Roy Rogers, Spade Cooley, and Cliffie Stone. Strange also signed on as a guitarist and singer with CBS Radio in Hollywood, which led to more jobs in pop music as well as introducing him to the lucrative world of studio work. As a gifted guitarist who was as comfortable with pop and rock styles as country, Strange rose to the upper ranks of Los Angeles session players, working with many of the leading artists and producers of the day, and in addition to working on other people's recordings, he cut a series of instrumental albums for GNP Crescendo Records. In 1962, an instrumental number Strange wrote for the group the Champs was married to a lyric by Kal Mann and recorded by Chubby Checker, who scored a massive hit with "Limbo Rock." This kick-started Strange's career as a songwriter, and he was also recruited to work with Elvis Presley, playing guitar on many of his sessions, co-writing a few tunes for the King (including "A Little Less Conversation" and "Memories") and contributing to the soundtracks of several of his films. As the '60s wore on, Strange remained in demand as a session guitarist (he appeared on the Beach Boys' Pet Sounds and Love's Forever Changes), but he branched out as an arranger and bandleader, arranging the lion's share of Nancy Sinatra's hits (including "These Boots Are Made for Walkin'," "Bang Bang [He Shot Me Down]," and her duet with her father Frank, "Somethin' Stupid") and fronting her backing band for live performances. Strange also served as arranger for the early recordings by the TV-spawned group the Partridge Family, but in the early '70s he relocated to Nashville, Tennessee, where he helped run a publishing company for Nancy Sinatra and continued to write songs and record periodically. In the '80s, Strange briefly dipped his toes into acting, playing the great steel guitarist Speedy West (who Strange had worked with in his early days) in the movie Coal Miner's Daughter. By the time a remix of Presley's "A Little Less Conversation" took the song back to the charts in 2002, Strange was retired in Nashville, supporting himself through songwriting and performance royalties. After a brief illness, Strange died on February 22, 2012.

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Jimmy Smith • Fourmost

Organist Jimmy Smith has a reunion on this CD with his 30 plus-year associates tenor saxophonist Stanley Turrentine and guitarist Kenny Burrell along with drummer Grady Tate. Together they play spirited and creative versions of standards and blues. The highpoints include "Midnight Special," a swinging "Main Stem," Tate's warm vocal on "My Funny Valentine" and a lengthy rendition of "Quiet Nights." Suffice it to say that this all-star date reaches its potential and is easily recommended to fans of straightahead jazz.~Scott Yanow

Fourmost captures the collaborative efforts of drummer Grady Tate, tenor saxman Stanley Turrentine, long-time Smith guitarist Kenny Burrell and the master organist himself, as they groove through a sizzling live set. Recorded in 1990 at Fat Tuesday's in New York City, the show overflows with the kind of evocative, free-flowing yet tightly disciplined artistry one has come to expect from Smith. The soul that drips off tracks like "Midnight Special" and Burrell's own "Soulful Brothers," as filtered through Smith's mind-bending hand/foot work at the Hammond, Turrentine's pure, personal tone, and Burrell's swinging melodic lines, is enough to make a convert of just about anyone.

Even tired standards such as "Summertime" and "My Funny Valentine," as well as the two Ellington treatments ("Main Stem" and "Things Ain't What They Used To Be"), are resuscitated with new tempos, moods, and above all, blazing leads all around. The record's highlight may be "Quiet Night of Quiet Stars," a textured bossa nova jam that has Smith shouting "Oh, my God!" by the tune's end. With playing like this, there's a good chance listeners will be echoing Smith's sentiments.

Recorded live at Fat Tuesday's, New York, New York on November 16 & 17, 1990. Includes liner notes by Bill Cosby, Andrew Whist and Steve Blickstein.


El organista Jimmy Smith tiene una reunión en este CD con sus más de 30 años de asociados, el saxofonista tenor Stanley Turrentine y el guitarrista Kenny Burrell junto con el baterista Grady Tate. Juntos tocan versiones animadas y creativas de las normas y el blues. Los puntos culminantes incluyen "Midnight Special", un balanceante "Main Stem", la cálida voz de Tate en "My Funny Valentine" y una larga interpretación de "Quiet Nights". Basta decir que esta cita de las estrellas alcanza su potencial y es fácil de recomendar a los fans del jazz de straighttahead.~Scott Yanow

Fourmost captura los esfuerzos de colaboración del baterista Grady Tate, el saxofonista tenor Stanley Turrentine, el guitarrista de larga data de Smith Kenny Burrell y el propio organista maestro, mientras se mueven a través de un vibrante escenario en vivo. Grabado en 1990 en Fat Tuesday's en la ciudad de Nueva York, el espectáculo rebosa con el tipo de arte evocador, fluido y disciplinado que uno espera de Smith. El alma que gotea de temas como "Midnight Special" y los propios "Soulful Brothers" de Burrell, filtrada a través del alucinante trabajo de Smith en el Hammond, el tono puro y personal de Turrentine y las líneas melódicas oscilantes de Burrell, es suficiente para convertir a casi todo el mundo.

Incluso los estándares cansados como "Summertime" y "My Funny Valentine", así como los dos tratamientos de Ellington ("Main Stem" y "Things Ain't What They Used To Be"), son resucitados con nuevos tempos, estados de ánimo y, sobre todo, pistas ardientes a su alrededor. El punto culminante del disco podría ser "Quiet Night of Quiet Stars", una improvisación de bossa nova texturizada que tiene a Smith gritando "¡Oh, Dios mío!" al final de la canción. Al tocar así, es muy probable que los oyentes se hagan eco de los sentimientos de Smith.

Grabado en vivo en Fat Tuesday's, Nueva York, Nueva York el 16 y 17 de noviembre de 1990. Incluye notas de Bill Cosby, Andrew Whist y Steve Blickstein.

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Fapy Lafertin Quintet & Tim Kliphuis • Fleur D’ennui

In the early ’50s, near the end of his life, Django Reinhardt had switched to electric guitar and was playing in a more bebop vein. He was evolving. Little did he know that it was his acoustic, swing-based Hot Club work of the ’30s that would give rise to vast numbers of imitators.

What would Django have thought? Would he have cared?

While those questions will never be answered, he remains the most blatantly imitated jazz guitarist to have worn shoe leather. Today, especially in Europe, where the past takes on dimensions unknown to most Americans, myriad groups model themselves after the Hot Club, and several Django/Gypsy jazz festivals are held each year.

While most Django imitators by definition are highly derivative in approach and execution-if the great Gypsy hadn’t lived, they wouldn’t exist-occasionally somebody emerges from the time warp to at least demonstrate that they’re a cut above the pack and maybe even offer a surprise or two. One such player is Fapy Lafertin, whose CD, Fleur D’Ennui (Jazz Is Timeless), features the Fapy Lafertin Quintet.

Like Django, Lafertin is the real McCoy, having been raised in a Manouche Gypsy family, which, of course, doesn’t make his playing any less derivative but does give him a credential that most six-string pretenders don’t have. Despite his playing’s origins, Lafertin, after one listening, has got to be admired for the way he enthusiastically floats over his group’s bouncy Hot Club-esque tandem guitar rhythm section on tunes like “Fascinating Rhythm” and “Just One of Those Things,” where he tosses off Django licks like he’s been playing them since he’s been in short pants, which he probably has. Throughout, Dutch violinist Tim Kliphuis matches him note for note in terms of technique and spirit, skillfully playing the role of Django’s sidekick, Stephane Grappelli. And while the set draws heavily from Reinhardt’s vocabulary and repertoire, a breath of fresh air wafts through the program in the form of four nicely arranged Brazilian choros, which paved the way for the emergence of samba and bossa nova, by the likes of Pixinguinha and Ernesto Nazareth. The choros help this album rise above offerings by the seemingly endless stream of Gypsy knockoffs who are out there.


A principios de los años 50, cerca del final de su vida, Django Reinhardt había cambiado a la guitarra eléctrica y estaba tocando en una vena más bebop. Estaba evolucionando. Poco sabía que era su trabajo de Hot Club acústico, basado en el swing, de los años 30, lo que daría lugar a un gran número de imitadores.

¿Qué habría pensado Django? ¿Le habría importado?

Aunque esas preguntas nunca serán respondidas, sigue siendo el guitarrista de jazz más descaradamente imitado por haber usado zapatos de cuero. Hoy en día, especialmente en Europa, donde el pasado adquiere dimensiones desconocidas para la mayoría de los estadounidenses, miles de grupos se inspiran en el Hot Club, y cada año se celebran varios festivales de jazz de Django/Gypsy.

Mientras que la mayoría de los imitadores de Django, por definición, son altamente derivados en su enfoque y ejecución -si el gran gitano no hubiera vivido, no existirían-, ocasionalmente alguien emerge de la urdimbre del tiempo para al menos demostrar que son un corte por encima de la manada y tal vez incluso ofrecer una sorpresa o dos. Uno de ellos es Fapy Lafertin, cuyo CD, Fleur D'Ennui (El jazz es intemporal), contiene el quinteto Fapy Lafertin.

Al igual que Django, Lafertin es el verdadero McCoy, criado en una familia gitana de Manouche, lo que, por supuesto, no hace que su forma de tocar sea menos derivada, pero sí le da una credencial que la mayoría de los pretendientes de seis cuerdas no tienen. A pesar de sus orígenes, Lafertin, después de una escucha, es digno de admiración por la forma en que flota con entusiasmo sobre la sección de ritmo de guitarra tándem de su grupo, al estilo del Hot Club, en temas como "Fascinating Rhythm" (Ritmo fascinante) y "Just One of Those Things" (Sólo una de esas cosas), donde se deshace de los lame de Django como si los hubiera estado tocando desde que llevaba pantalones cortos, lo cual es probable que haya estado haciendo. El violinista holandés Tim Kliphuis lo acompaña nota por nota en términos de técnica y espíritu, interpretando hábilmente el papel de Stephane Grappelli, compañero de Django. Y mientras que el conjunto se basa en gran medida en el vocabulario y repertorio de Reinhardt, un soplo de aire fresco se respira en el programa en forma de cuatro coros brasileños bien organizados, que allanaron el camino para el surgimiento de la samba y la bossa nova, por los gustos de Pixinguinha y Ernesto Nazareth. Los choros ayudan a que este álbum se eleve por encima de las ofertas de la aparentemente interminable corriente de imitaciones gitanas que están ahí fuera.

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viernes, 27 de septiembre de 2019

American Impressionism and Realism The Painting of Modern Life 1885 1915 • MET

"A true historical painter ... is one who paints the life he sees about him, and so makes a record of his own epoch." This principle, voiced by the Impressionist Childe Hassam, was heeded by the artists whose contributions are the focus of this volume: the American Impressionists and the Realists of the generation that succeeded them. The authors of the book, which accompanies a major exhibition, illuminate the continuities and differences between American Impressionism and Realism, two movements that are traditionally viewed as merely opposed.
They explore the roots of American Impressionism in European art, especially in the French Impressionists' engagement with the contemporary scene. Also elucidated are the evolving responses of both the American Impressionists and Realists to the changing realities of life in the United States at the turn of the century, as the nation shifted rapidly from an agrarian to an increasingly industrialized urban society. In an examination of paintings that represent the country, the city, and the home - the triad of subjects that engaged the artists - these responses are shown to reflect a tension between enthusiasm for the new and a sense of loss of the rural past. Studying a wide range of painters, including John Singer Sargent, William Merritt Chase, Childe Hassam, John Sloan, William Glackens, and George Bellows, the authors offer new insights into the threads of nationalism, optimism, euphemism, and nostalgia that link the two movements. They demonstrate that these painters of modern life endowed their European-rooted art with a distinctly American inflection and produced a selective register of an energetic nation, revealing a complex commitment to Robert Henri's assertion that "painting is the giving of evidence."
The volume brings a new approach to this area of American art history, which has tended to be more descriptive than interpretive: it offers detailed historical and social contexts for the works and movements under consideration as well as penetrating stylistic analyses. Lavish illustrations of the paintings in the exhibition, comparative works and period photographs, a biography of each of the twenty-six artists in the exhibition, a selected bibliography, and an index are included.

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Big Jay McNeely • Live at Birdland [1957]

Review by Bill Dahl
An amazing artifact from 1957, when live recordings like this one didn't happen very often. A Seattle engineer with a spanking-new stereo tape recorder captured the contents of this disc while McNeely and his swinging combo were working out at a Seattle nightspot called the Birdland. He gets plenty of room to peel the paper from the gin joint's walls as he wails on "Flying Home," "How High the Moon," and "Let It Roll."


Reseña de Bill Dahl
Un artefacto asombroso de 1957, cuando grabaciones en vivo como esta no sucedían muy a menudo. Un ingeniero de Seattle con una nueva grabadora de cinta estereoscópica capturó el contenido de este disco mientras McNeely y su combo de swing estaban trabajando en un lugar nocturno de Seattle llamado The Birdland. Tiene mucho espacio para despegar el papel de las paredes del bar mientras se lamenta por "Flying Home", "How High the Moon" y "Let It Roll".

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Martin Denny • Exotica III

Jaki Byard • Here's Jaki

Review by Michael G. Nastos
With 24-year-old, metro Detroit bassist Ron Carter and fellow Bostonian, veteran drummer Roy Haynes, pianist Byard has formed a partnership on this recording that effectively grasps modern jazz. This is no standard trio; they're a collective who romps through these seven selections with a surprise or more a minute. It's mainly due to Byard's refusal to sit still. Penning five of these not-so-easy pieces, Byard digs into a 5/4 modal calypso, rippling off minor incursions or stair-step delicate lines for the long jam "Cinco y Quatro." Part of an incomplete suite, "Mellow Septet" is an easy swinging blues much like "Freddie Freeloader," with Byard rambling in mid-section. He switches from Erroll Garner, elfish lines to a Fats Waller-type stride on "Garnerin' a Bit," replete with Carter's deep blue bass and Haynes' precision-stroked brushes. Of course, Byard loves to reharmonize and reinvent standards. "Giant Steps" is taken at half-tempo from the original, but the melody itself has twice as many notes, especially in the blizzard-like coda. A combo "Bess, You Is My Woman/It Ain't Necessarily So" starts with ruminating tom toms which introduce "Bess" as a sinister mistress, then depict her as an elegant sophisticate in ballad form. Haynes is knocked out by the woman, breaking out in bomb-like bursts twice during "So," and he is the fuse for a free-burning ending. Sometimes it seems as if these three are restrained, holding back the all-out power they possess. Shackles tossed aside, they can get it done like few other trios, and were they a working band during the next few decades, it would have been glorious to hear where they would take this format. "Here's Jaki" is a tip of the iceberg.

Artist Biography
A musician that has spanned the generations of Jazz is Jaki Byard. Jaki Byard was born John Arthur Byard, Jr. on June 15, 1922 in Worcester, Massachusetts. His father was a member of the marching hands at the turn of the 20th century and played the trombone. His mother played the piano for the African Methodist Episcopalian Zion Church (AME). His maternal grandmother played the piano for the silent picture shows (visual movies without sound before “talking movies” were invented). It was on that piano that Jaki began his musical odyssey. When he was 8 years old, he started taking piano lessons from a piano teacher named Grace Johnson. The swing rhythm of the time and the lure of the big bands inspired Jaki throughout most of his career.

At the age of 16, he played his first professional engagement. During WW II, Jaki was drafted into the army, but with luck and circumstance, he was able to join the army along with Earl Bostic, with whom he would later form a musical alliance with.

By the time he was in his late-thirties, Jaki had a recording contract with Prestige records who engaged him in many recording sessions which allowed him the freedom to have his own compositions heard. It was also around this time that he performed with Charles Mingus as part of an ensemble that featured among its players many fabulous musicians: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles and Bobby Jones, who toured Europe and made some great sounds and history. During the 1960's, he saw great success, and all of his albums received mostly 3-4 star ratings in DownBeat magazine. In 1966, he won the Down Beat Jazz Poll Award for most promising musician of that year. In 1979, his 21-piece big band, The Apollo Stompers was voted the Best House Band in New York City while playing at Ali's Alley, a club in downtown New York. On his own, Jaki was to win numerous awards and citations for his music and contributions to teaching and dance from many major academic institutions. He always felt “academia” as he put it was very important. A most cherished and proud moment for Jaki was when he was asked by Duke Ellington's son Mercer to sit in for Duke as part of his orchestra while the Duke was ill.

He was presented with an award by the Duke Ellington Society for his performances. In February of 1988, he was also presented with an award from the Mayor for Outstanding Contribution in Black Music and Presence in Boston (the Dr. Martin Luther King Jr. Award). He has the key to Worcester, New Orleans, and many peoples hearts. In 1995, a year after the death of his beloved wife, Louise (my mother), he was presented with an award by then Mayor Rudolph Guliani for his work with the Apollo Stompers in recognition of Harlem Week and its 100th anniversary. And while Jaki won many awards, the most cherished for him was the honor he gave to himself and others when he could write a tune for someone he loved or for a passing whimsy or idea that would send him to the piano with a pencil and composition paper, and it was this love that he did transmit through all of his performances dosed with his outstanding wit and humor.

The sixties and seventies saw a moderate amount of success on the entertainment level. Jaki turned back to teaching and academia in the late mid 1970s, 80's and 90's with occasional recordings in between. In the early 1970's he accepted a position at the New England Conservatory of Music in Boston, Massachusetts where he would stay for over a decade teaching both in the curriculum and privately. Some of the other schools that he taught at were The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts in Boston, The New School in New York City, The Brooklyn Conservatory of Music in Flushing, and lastly The Manhattan School of Music in New York City. He also never had enough time for his parcel of private students who would gladly, trek out to his home in Hollis, Queens for their one on one lessons.

Around 1979-1982 Jaki, along with some other local musicians (among them, percussionist/composer/friend! JR Mitchell, bassist Peck Morrison, vibraphone keyboard player Dwight Gassoway, saxophone player Harold Ousley and bassist Larry Ridley) formed an organization called the Unification of Concerned Artists in the hopes of creating more recognition and engagements for New York-based musicians whose gigs were just too far and few between. As with most endeavors of this sort, things panned out well for a while, but somehow survival happens and time had to be spent on that. I used to transcribe the minutes at the monthly meeting of the Board of Trustees, and in retrospect I can say that we really did try to create some openings. I think that if more time could have been devoted to his effort, it, too would have succeeded.

Jaki's career that spanned over six decades was still going strong. He was still recording and still arranging, composing and teaching. In February of 1999, he was invited to conduct a seminar and play at the Berkley School of Music in Boston, Massachusetts. He never did make it to that engagement. However you define success, for Jaki Byard, being able to play his music for the joy, the creativity, the fun and the teaching of it was all that really mattered to him.

Jaki Byard died (tragically) on February 11, 1999. He was 76 years young and still had much to offer the music and artistic community.


Reseña de Michael G. Nastos
Con el bajista Ron Carter, de 24 años de edad, del área metropolitana de Detroit, y su compatriota Roy Haynes, veterano baterista, el pianista Byard ha formado una sociedad en esta grabación que capta efectivamente el jazz moderno. No se trata de un trío estándar, sino de un colectivo que juega a través de estas siete selecciones con una sorpresa o más de un minuto. Se debe principalmente a la negativa de Byard a quedarse quieto. Con cinco de estas piezas no tan fáciles, Byard se adentra en un calipso modal 5/4, en pequeñas incursiones o en delicadas líneas de escalones para la larga canción "Cinco y Quatro". Parte de una suite incompleta, "Mellow Septet" es un blues fácil de balancear como "Freddie Freeloader", con Byard divagando en la sección media. Él cambia de Erroll Garner, líneas de elfos a una zancada tipo Fats Waller en "Garnerin' a Bit", repleta con el bajo azul profundo de Carter y los pinceles de precisión de Haynes. Por supuesto, a Byard le encanta volver a armonizar y reinventar los estándares. "Giant Steps" se toma a medio tempo del original, pero la melodía en sí misma tiene el doble de notas, especialmente en la coda de tipo blizzard. Un combo "Bess, You Is My Woman/It Ain't Necessarily So" comienza con tom tomos rumiantes que introducen a "Bess" como una siniestra amante, y luego la describen como una elegante y sofisticada en forma de balada. Haynes es noqueado por la mujer, estallando en explosiones similares a una bomba dos veces durante "Así que", y él es el fusible para un final que se quema libremente. A veces parece como si estos tres estuvieran restringidos, reteniendo todo el poder que poseen. Los grilletes a un lado, pueden hacerlo como pocos otros tríos, y si hubieran sido una banda de trabajo durante las próximas décadas, habría sido glorioso escuchar adónde llevarían este formato. "Aquí está Jaki" es la punta del iceberg.

Biografía del artista
Un músico que ha abarcado las generaciones de Jazz es Jaki Byard. Jaki Byard nació como John Arthur Byard, Jr. el 15 de junio de 1922 en Worcester, Massachusetts. Su padre fue miembro de las manos en marcha a principios del siglo XX y tocaba el trombón. Su madre tocaba el piano para la Iglesia Metodista Episcopal Africana de Sión (AME). Su abuela materna tocaba el piano para los espectáculos de cine mudo (películas visuales sin sonido antes de que se inventaran las "películas parlantes"). Fue en ese piano que Jaki comenzó su odisea musical. Cuando tenía 8 años, empezó a tomar clases de piano de una profesora de piano llamada Grace Johnson. El ritmo de swing de la época y la atracción de las grandes bandas inspiraron a Jaki durante la mayor parte de su carrera.

A la edad de 16 años, jugó su primer compromiso profesional. Durante la Segunda Guerra Mundial, Jaki fue reclutado en el ejército, pero con suerte y las circunstancias, fue capaz de unirse al ejército junto con Earl Bostic, con quien más tarde formaría una alianza musical.

A finales de los treinta años, Jaki tenía un contrato de grabación con Prestige Records, quien le dedicó muchas sesiones de grabación que le permitieron tener la libertad de hacer escuchar sus propias composiciones. Fue también en esta época cuando tocó con Charles Mingus como parte de un conjunto que contaba entre sus músicos con muchos músicos fabulosos: Eric Dolphy, Jack De Johnette, Johnny Coles y Bobby Jones, que recorrieron Europa e hicieron grandes sonidos e historia. Durante la década de 1960, tuvo un gran éxito, y todos sus álbumes recibieron en su mayoría 3-4 estrellas en la revista DownBeat. En 1966, ganó el premio Down Beat Jazz Poll Award para el músico más prometedor de ese año. En 1979, su big band de 21 músicos, The Apollo Stompers, fue votada como la Mejor Banda House de la ciudad de Nueva York mientras tocaba en Ali's Alley, un club del centro de Nueva York. Por su cuenta, Jaki iba a ganar numerosos premios y menciones por su música y sus contribuciones a la enseñanza y la danza de muchas instituciones académicas importantes. Siempre sintió que la "academia", como él decía, era muy importante. Un momento muy apreciado y orgulloso para Jaki fue cuando el hijo de Duke Ellington, Mercer, le pidió que sustituyera a Duke como parte de su orquesta mientras el Duke estaba enfermo.

La Duke Ellington Society le otorgó un premio por sus actuaciones. En febrero de 1988, también recibió un premio del Alcalde por su destacada contribución a la música negra y presencia en Boston (el premio Dr. Martin Luther King Jr.). Tiene la llave de Worcester, Nueva Orleans y el corazón de muchas personas. En 1995, un año después de la muerte de su amada esposa, Louise (mi madre), recibió un premio del entonces alcalde Rudolph Guliani por su trabajo con los Stompers de Apolo en reconocimiento de la Semana de Harlem y su centenario. Y aunque Jaki ganó muchos premios, el más preciado para él fue el honor que se dio a sí mismo y a otros cuando pudo escribir una melodía para alguien a quien amaba o por un capricho pasajero o una idea que lo enviaría al piano con un lápiz y un papel de composición, y fue este amor el que transmitió a través de todas sus actuaciones dosificadas con su extraordinario ingenio y humor.

Los años sesenta y setenta vieron una cantidad moderada de éxito en el nivel de entretenimiento. Jaki volvió a la enseñanza y a la academia a finales de los años 70, 80 y 90 con grabaciones ocasionales entremedio. A principios de la década de 1970 aceptó un puesto en el New England Conservatory of Music de Boston, Massachusetts, donde permaneció más de una década enseñando tanto en el plan de estudios como en forma privada. Algunas de las otras escuelas en las que enseñó fueron The Hartt School of Music, Northeastern University, Bismark State College, Alma Lewis School of Fine Arts en Boston, The New School en la ciudad de Nueva York, The Brooklyn Conservatory of Music en Flushing, y finalmente The Manhattan School of Music en la ciudad de Nueva York. Tampoco tuvo tiempo suficiente para su grupo de estudiantes privados que, con mucho gusto, iban a su casa en Hollis, Queens, para tomar clases particulares.

Alrededor de 1979-1982 Jaki, junto con otros músicos locales (entre ellos, percusionista/compositor/amigo! JR Mitchell, el bajista Peck Morrison, el teclista de vibráfono Dwight Gassoway, el saxofonista Harold Ousley y el bajista Larry Ridley) formaron una organización llamada Unificación de Artistas Preocupados con la esperanza de crear más reconocimiento y compromisos para los músicos neoyorquinos cuyos conciertos estaban demasiado lejos y eran pocos. Como con la mayoría de los esfuerzos de este tipo, las cosas salieron bien por un tiempo, pero de alguna manera la supervivencia sucede y el tiempo tuvo que ser gastado en eso. Solía transcribir las actas en la reunión mensual de la Junta de Síndicos, y en retrospectiva puedo decir que realmente tratamos de crear algunas vacantes. Creo que si se hubiera podido dedicar más tiempo a su esfuerzo, también habría tenido éxito.

La carrera de Jaki, que abarcó más de seis décadas, seguía siendo fuerte. Seguía grabando y arreglando, componiendo y enseñando. En febrero de 1999, fue invitado a dirigir un seminario y a tocar en la Berkley School of Music de Boston, Massachusetts. Nunca llegó a ese compromiso. Cualquiera que sea su definición del éxito, para Jaki Byard, poder tocar su música con la alegría, la creatividad, la diversión y la enseñanza de la misma era todo lo que realmente le importaba.

Jaki Byard murió (trágicamente) el 11 de febrero de 1999. Tenía 76 años y todavía tenía mucho que ofrecer a la comunidad musical y artística.

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The Insomniacs • At Least I´m Not With You

Album Notes
Seemingly out of nowhere, The Insomniacs burst onto the scene in 2007 with their debut release "Left Coast Blues," garnering the band a 2007 Muddy Award for Best Contemporary Blues Act and a 2008 Blues Music Award nomination for best new artist debut. Led by 27-year old vocalist/guitarist Vyasa Dodson, The Insomniacs now return with their sophomore effort featuring an explosive mix of infectious originals and expertly chosen covers augmented by special guests Al Blake (Hollywood Blue Flames) and Mitch Kashmar on harmonica, Joel Paterson on pedal steel guitar, and Jeff Turmes on tenor & baritone sax. The end result is an album full of wildly contagious, feel good music guaranteed to put a smile on your face!

Review by AllMusic
The Insomniacs came blazing out of the gate with a big, bold West Coast blues sound that was as much R&B as it was jump blues and swing. Portland, OR is better known for its alt rock scene, but the Insomniacs have been burning up local clubs since they launched their career in 2007. They won that year's Muddy Award for Best Contemporary Blues Act, despite their retro feel, and their first album, Left Coast Blues, was nominated for a Blues Music Award for Best Debut. They follow their impressive premiere with this platter, an even more remarkable set written and recorded in just two days. The band is tight and divides the program between obscure covers and their own high-octane originals that show them as an original force to be reckoned with. "Description Blues," the most traditional-sounding tune, is a tale of infidelity, and Vyasa Dodson's tortured vocal is full of passion and frustration. Alex Shakeri's Hammond B-3 tales an extended solo that's both jazzy and blue followed by Dodson's workout on guitar, full of bent notes, long sustains, and lightning-fast runs. "Maybe Sometime Later" is a Howlin' Wolf-style Chicago blues, a slow, swampy groove with a sly sexy lyric. "She Can Talk" tips its hat to the teenage rockers of the '50s, a portrait of a foxy chick laying waste to the male population with her dazzling chatter while Shakeri's piano drops some Jerry Lee Lewis into the mix. "20/20" is a wry take on the phrase "20/20 hindsight," a loose, shuffling lament about lost love and regret; Dodson's guitar and Shakeri's B-3 supply the fireworks. "Angry Surfer" is an unexpected side trip featuring Dodson's blend of twangy surf guitar licks and Chicago blues guitar and Shakeri's boogie-woogie piano. The rhythm section supplies a backbeat with a Latin feel to add to the complications. The instrumentals the Insomniacs lay down are just as compelling as their songs. "Root Beer Float" is a showcase for Dodson's guitar and Shakeri's piano; it's a jump blues played at a high-speed tempo. Dodson avoids blues clichés by playing mostly on the bass strings of the guitar, giving his lines a fat, chunky, rhythmic feel; Shakeri's right hand takes care of the high end while the rhythm section adds dynamics with unexpected stops and starts. The closer, "Insomniacs Boogie," is a horn-driven jump tune with Jeff Big Dad Turmes' sax and Dodson's guitar kicking the tune into overdrive as the band waves an energetic good bye. The group also shines on the covers: "Broke and Lonely," a Johnny Otis/Johnny "Guitar" Watson tune, receives a ragged, countrified makeover, Little Richard's "Directly from My Heart to You" gets a greasy, New Orleans R&B treatment, and Junior Wells' "Hoodoo Man Blues" is a smoky remake with guest harmonica player Mitch Kashmar contributing a soulful solo that would do Wells proud.


Notas del álbum
Aparentemente de la nada, The Insomniacs irrumpieron en escena en 2007 con su debut "Left Coast Blues", ganando para la banda un premio Muddy Award 2007 por Mejor Acto de Blues Contemporáneo y una nominación al premio Blues Music Award 2008 por mejor debut como nuevo artista. Liderados por el vocalista/guitarrista de 27 años Vyasa Dodson, The Insomniacs ahora regresan con su esfuerzo de segundo año con una mezcla explosiva de originales infecciosos y portadas elegidas por expertos, aumentadas por los invitados especiales Al Blake (Hollywood Blue Flames) y Mitch Kashmar en armónica, Joel Paterson en guitarra de pedal de acero, y Jeff Turmes en saxo tenor y barítono. El resultado final es un álbum lleno de música salvajemente contagiosa, que te garantiza una sonrisa en la cara!

Reseña escrita por AllMusic
Los insomnes salieron de la puerta con un gran y audaz sonido de blues de la costa oeste que era tanto R&B como jump blues y swing. Portland, OR es más conocida por su escena de rock alternativo, pero los Insomniacs han estado quemando clubes locales desde que lanzaron su carrera en 2007. Ganaron el premio Muddy de ese año al Mejor Acto de Blues Contemporáneo, a pesar de su carácter retro, y su primer álbum, Left Coast Blues, fue nominado para el premio Blues Music Award al Mejor Debut. Siguen su impresionante estreno con este plato, un conjunto aún más notable escrito y grabado en sólo dos días. La banda es apretada y divide el programa entre tapas oscuras y sus propios originales de alto octanaje que los muestran como una fuerza original a tener en cuenta. "Description Blues", la melodía más tradicional, es una historia de infidelidad, y la voz torturada de Vyasa Dodson está llena de pasión y frustración. Hammond B-3, de Alex Shakeri, cuenta un extenso solo que es a la vez jazzy y azul, seguido por el entrenamiento de Dodson con la guitarra, lleno de notas dobladas, sostenidos largos y carreras rápidas como el rayo. "Maybe Some Sometime Later" es un blues de Chicago al estilo Howlin' Wolf-style, un groove lento y pantanoso con una lírica muy sexy. "She Can Talk" se sacude el sombrero ante los rockeros adolescentes de los años 50, un retrato de un pollito zorro que asfixia a la población masculina con su deslumbrante charla mientras el piano de Shakeri deja caer un poco de Jerry Lee Lewis en la mezcla. "20/20" es una versión irónica de la frase "20/20 en retrospectiva", un lamento suelto y barajado sobre el amor y el arrepentimiento perdidos; la guitarra de Dodson y el B-3 de Shakeri proporcionan los fuegos artificiales. "Angry Surfer" es un viaje inesperado con la mezcla de Dodson de guitarras de surf y guitarra blues de Chicago y el piano boogie-woogie de Shakeri. La sección rítmica proporciona un ritmo con un toque latino que se suma a las complicaciones. Los instrumentos que ponen los insomnes son tan convincentes como sus canciones. "Root Beer Float" es un escaparate para la guitarra de Dodson y el piano de Shakeri; es un jump blues tocado a un ritmo de alta velocidad. Dodson evita los clichés del blues tocando principalmente en las cuerdas del bajo de la guitarra, dando a sus líneas una sensación rítmica, gorda y robusta; la mano derecha de Shakeri se encarga de la parte alta mientras que la sección rítmica añade dinámica con paradas y arranques inesperados. El más cercano, "Insomniacs Boogie", es una melodía de salto impulsada por la trompeta con el saxo de Jeff Big Dad Turmes y la guitarra de Dodson que le da una patada a la melodía en la sobremarcha a medida que la banda se despide con energía. El grupo también brilla en las cubiertas: "Broke and Lonely", una melodía de Johnny Otis/Johnny "Guitarra" Watson, recibe un cambio de imagen raído y rústico, "Directly from My Heart to You" de Little Richard recibe un grasiento tratamiento de R&B de Nueva Orleans, y "Hoodoo Man Blues" de Junior Wells es un remake ahumado con el intérprete invitado de la armónica Mitch Kashmar aportando un solo de alma que enorgullecería a Wells.

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